In quasi tutti lavoro significativo l'arte è un mistero, un “doppio fondo” o storia segreta, che voglio rivelare.
Musica sui glutei
Gironimo Bosch, "Giardino piaceri terreni", 1500-1510.
Frammento di parte di un trittico
Controversie sui significati e significati nascosti opera più famosa Artista olandese non si sono attenuati dalla sua comparsa. L’ala destra del trittico detta “Inferno Musicale” raffigura i peccatori che vengono torturati negli inferi con l’aiuto di strumenti musicali. Uno di loro ha delle note musicali impresse sulle natiche. Amelia Hamrick, studentessa dell'Oklahoma Christian University, che ha studiato il dipinto, ha tradotto la notazione del XVI secolo in un tocco moderno e ha registrato "una canzone infernale di 500 anni fa".
Monna Lisa nuda
La famosa "La Gioconda" esiste in due versioni: la versione nuda si chiama "Monna Vanna", fu dipinta dal poco conosciuto artista Salai, che fu allievo e modello del grande Leonardo da Vinci. Molti storici dell’arte sono sicuri che sia stato lui il modello per i dipinti di Leonardo “Giovanni Battista” e “Bacco”. Ci sono anche versioni in cui Salai, vestito con un abito da donna, fungeva da immagine della stessa Monna Lisa.
Vecchio Pescatore
Nel 1902, l’artista ungherese Tivadar Kostka Csontvary dipinse il dipinto “ Vecchio Pescatore" Sembrerebbe che non ci sia nulla di insolito nell’immagine, ma Tivadar vi ha inserito un sottotesto che non è mai stato rivelato durante la vita dell’artista.
Poche persone hanno pensato di posizionare uno specchio al centro dell'immagine. In ogni persona può esserci sia Dio (la spalla destra del Vecchio è duplicata) sia il Diavolo (la spalla sinistra del Vecchio è duplicata).
C'era una balena?
Hendrik van Antonissen, Scena costiera.
Sembrerebbe che, paesaggio ordinario. Barche, gente sulla riva e un mare deserto. E solo uno studio a raggi X ha mostrato che le persone si radunavano sulla riva per un motivo: nell'originale stavano guardando la carcassa di una balena portata a riva.
Tuttavia, l'artista ha deciso che nessuno avrebbe voluto guardare una balena morta e ha riscritto il dipinto.
Due “Colazioni sull’erba”
Edouard Manet, “Colazione sull'erba”, 1863.
Claude Monet, “Colazione sull’erba”, 1865.
Gli artisti Edouard Manet e Claude Monet a volte vengono confusi: dopotutto erano entrambi francesi, vivevano contemporaneamente e lavoravano nello stile dell'impressionismo. Monet prese persino in prestito il titolo di uno dei dipinti più famosi di Manet, “Colazione sull’erba”, e scrisse il suo “Colazione sull’erba”.
Raddoppia nell'Ultima Cena
Leonardo da Vinci, "L'Ultima Cena", 1495-1498.
Quando Leonardo da Vinci scrisse " ultima cena", attribuì particolare importanza a due figure: Cristo e Giuda. Ha trascorso molto tempo alla ricerca di modelli per loro. Alla fine riuscì a trovare un modello per l'immagine di Cristo tra i giovani cantanti. Per tre anni Leonardo non riuscì a trovare un modello per Giuda. Ma un giorno incontrò per strada un ubriaco che giaceva in un canale di scolo. Era un giovane invecchiato a causa del bere eccessivo. Leonardo lo invitò in un'osteria, dove iniziò subito a dipingere Giuda da lui. Quando l'ubriacone tornò in sé, disse all'artista che aveva già posato per lui una volta. Diversi anni fa, quando cantava nel coro della chiesa, Leonardo dipinse Cristo da lui.
"Ronda di notte" o "Ronda di giorno"?
Rembrandt", La Guardia notturna", 1642.
Uno dei dipinti più famosi di Rembrandt, "L'esibizione della compagnia di fucilieri del capitano Frans Banning Cock e del tenente Willem van Ruytenburg", è rimasto appeso in stanze diverse per circa duecento anni ed è stato scoperto dagli storici dell'arte solo nel XIX secolo. Poiché le figure sembravano apparire su uno sfondo scuro, fu chiamata "Ronda di notte" e con questo nome entrò nel tesoro dell'arte mondiale.
E solo durante il restauro effettuato nel 1947, si scoprì che nell'atrio il dipinto era riuscito a ricoprirsi di uno strato di fuliggine, che ne falsava il colore. Dopo la pulizia dipinto originale Alla fine è stato rivelato che la scena presentata da Rembrandt si svolge effettivamente durante il giorno. La posizione dell'ombra della mano sinistra del Capitano Kok mostra che la durata dell'azione non supera le 14 ore.
Barca ribaltata
Henri Matisse, "La barca", 1937.
Al Museo di New York arte contemporanea nel 1961 fu esposto il dipinto di Henri Matisse "La Barca". Solo dopo 47 giorni qualcuno si accorse che il dipinto era appeso a testa in giù. La tela raffigura 10 linee viola e due vele blu su sfondo bianco. L'artista ha dipinto due vele per un motivo: la seconda vela è un riflesso della prima sulla superficie dell'acqua.
Per non commettere errori su come dovrebbe essere appesa l'immagine, è necessario prestare attenzione ai dettagli. La vela più grande dovrebbe essere la parte superiore del dipinto e la punta della vela dovrebbe essere verso l'angolo in alto a destra.
L'inganno nell'autoritratto
Vincent van Gogh, "Autoritratto con la pipa", 1889.
Ci sono leggende secondo cui Van Gogh si sarebbe tagliato l'orecchio. Ora la versione più attendibile è che Van Gogh si sia danneggiato un orecchio in una piccola rissa che ha coinvolto un altro artista, Paul Gauguin.
L'autoritratto è interessante perché riflette la realtà in forma distorta: l'artista è raffigurato con l'orecchio destro bendato perché utilizzava uno specchio mentre lavorava. In effetti, è stato l'orecchio sinistro ad essere colpito.
Orsi alieni
Ivan Shishkin, "Mattinata pineta", 1889.
Il famoso dipinto non appartiene solo a Shishkin. Molti artisti che erano amici tra loro spesso ricorrevano "all'aiuto di un amico" e Ivan Ivanovich, che dipinse paesaggi per tutta la vita, aveva paura che i suoi toccanti orsi non sarebbero andati come voleva. Pertanto, Shishkin si è rivolto al suo amico, l'artista degli animali Konstantin Savitsky.
Savitsky ha disegnato forse i migliori orsi della storia Pittura russa, e Tretyakov ordinò che il suo nome fosse cancellato dalla tela, poiché tutto nel dipinto “dal concetto all'esecuzione, tutto parla del modo di dipingere, di metodo creativo, caratteristico di Shishkin."
La storia innocente di "Gothic"
Grant Wood," gotico americano", 1930.
Il lavoro di Grant Wood è considerato uno dei più strani e deprimenti della storia. Pittura americana. L’immagine con il cupo padre e la figlia è piena di dettagli che indicano la severità, il puritanesimo e la natura retrograda delle persone raffigurate.
L'artista, infatti, non intendeva rappresentare alcun orrore: durante un viaggio in Iowa, notò una piccola casa in stile gotico e ha deciso di ritrarre quelle persone che, secondo lui, sarebbero ideali come abitanti. La sorella di Grant e il suo dentista vengono immortalati come i personaggi da cui gli Iowan erano così offesi.
La vendetta di Salvador Dalì
Il dipinto "Figura alla finestra" fu dipinto nel 1925, quando Dalì aveva 21 anni. A quel tempo, Gala non era ancora entrato nella vita dell'artista e la sua musa ispiratrice era sua sorella Ana Maria. Il rapporto tra fratello e sorella si deteriorò quando in uno dei dipinti scrisse "a volte sputo sul ritratto di mia madre, e questo mi fa piacere". Ana Maria non poteva perdonare un comportamento così scioccante.
Nel suo libro del 1949, Salvador Dalì attraverso gli occhi di una sorella, scrive di suo fratello senza alcuna lode. Il libro fece infuriare Salvador. Per altri dieci anni, la ricordò con rabbia in ogni occasione. E così, nel 1954, apparve il dipinto “Una giovane vergine che si abbandona al peccato di sodomia con l'aiuto delle corna della propria castità”. La posa della donna, i suoi riccioli, il paesaggio fuori dalla finestra e la combinazione di colori del dipinto riecheggiano chiaramente “Figura alla finestra”. Esiste una versione in cui Dalì si è vendicato di sua sorella per il suo libro.
Danae bifronte
Rembrandt Harmens van Rijn, "Danae", 1636 - 1647.
Molti segreti di uno dei dipinti più famosi di Rembrandt furono svelati solo negli anni '60 del Novecento, quando la tela fu illuminata raggi X. Ad esempio, le riprese hanno mostrato che in una prima versione il volto della principessa che entrava storia d'amore con Zeus era simile al volto di Saskia, moglie del pittore, morta nel 1642. Nella versione finale del dipinto, cominciò ad assomigliare al volto di Gertje Dirks, l’amante di Rembrandt, con la quale l’artista visse dopo la morte di sua moglie.
La camera gialla di Van Gogh
Vincent Van Gogh, "Camera da letto ad Arles", 1888 - 1889.
Nel maggio 1888, Van Gogh acquistò un piccolo studio ad Arles, nel sud della Francia, dove fuggì dagli artisti e dai critici parigini che non lo capivano. In una delle quattro stanze, Vincent allestisce una camera da letto. In ottobre tutto è pronto e decide di dipingere “La camera da letto di Van Gogh ad Arles”. Per l'artista il colore e il comfort della stanza erano molto importanti: tutto doveva evocare pensieri di relax. Allo stesso tempo, l'immagine è disegnata in toni gialli allarmanti.
I ricercatori del lavoro di Van Gogh lo spiegano con il fatto che l'artista ha preso la digitale, un rimedio per l'epilessia, che provoca gravi cambiamenti nella percezione del colore del paziente: l'intera realtà circostante è dipinta nei toni del verde e del giallo.
Perfezione senza denti
Leonardo da Vinci, "Ritratto di Lady Lisa del Giocondo", 1503 - 1519.
L'opinione generalmente accettata è che la Gioconda sia la perfezione e il suo sorriso sia bello nel suo mistero. Tuttavia, il critico d'arte americano (e dentista part-time) Joseph Borkowski ritiene che, a giudicare dalla sua espressione facciale, l'eroina abbia perso molti denti. Studiando le fotografie ingrandite del capolavoro, Borkowski scoprì anche cicatrici intorno alla bocca. "Lei "sorride" così proprio per quello che le è successo", ritiene l'esperto. "La sua espressione facciale è tipica delle persone che hanno perso i denti anteriori."
Maggiore sul controllo del volto
Pavel Fedotov, "Il matrimonio del maggiore", 1848.
Il pubblico, che per primo ha visto il dipinto “Major's Matchmaking”, ha riso di cuore: l'artista Fedotov lo ha riempito di dettagli ironici comprensibili al pubblico di quel tempo. Ad esempio, il maggiore chiaramente non ha familiarità con le regole del galateo nobile: si è presentato senza i bouquet richiesti per la sposa e sua madre. E i suoi genitori mercantili vestirono la sposa stessa con un abito da ballo da sera, anche se era giorno (tutte le lampade nella stanza erano spente). La ragazza evidentemente ha provato per la prima volta un abito scollato, è imbarazzata e cerca di scappare in camera sua.
Perché la Libertà è nuda?
Ferdinand Victor Eugene Delacroix, La libertà sulle barricate, 1830.
Secondo il critico d'arte Etienne Julie, Delacroix ha basato il volto della donna sul famoso rivoluzionario parigino: la lavandaia Anne-Charlotte, che andò sulle barricate dopo la morte di suo fratello per mano dei soldati reali e uccise nove guardie. L'artista la raffigurò con il seno nudo. Secondo il suo piano, questo è un simbolo di coraggio e altruismo, nonché del trionfo della democrazia: il seno nudo mostra che la Libertà, come cittadino comune, non indossa un corsetto.
Quadrato non quadrato
Kazimir Malevich, "Nero piazza suprematista", 1915.
In effetti, il “Quadrato Nero” non è affatto nero e non è affatto quadrato: nessuno dei lati del quadrilatero è parallelo a nessuno degli altri suoi lati, e a nessuno dei lati della cornice quadrata che incornicia l’immagine. UN colore scuro- questo è il risultato della miscelazione vari colori, tra i quali non ce n'era uno nero. Si ritiene che questa non sia stata negligenza dell'autore, ma una posizione di principio, il desiderio di creare una forma dinamica e in movimento.
Specialisti Galleria Tretyakov ha scoperto l'iscrizione dell'autore su un famoso dipinto di Malevich. L'iscrizione recita: "La battaglia dei neri nella caverna oscura". Questa frase si riferisce al titolo del dipinto umoristico del giornalista, scrittore e artista francese Alphonse Allais, “La battaglia dei negri in una grotta oscura”. a notte fonda", che era un rettangolo completamente nero.
Melodramma della Monna Lisa austriaca
Gustav Klimt, "Ritratto di Adele Bloch-Bauer", 1907.
Uno dei dipinti più significativi di Klimt raffigura la moglie del magnate dello zucchero austriaco Ferdinad Bloch-Bauer. Tutta Vienna discuteva romanticismo vorticoso Adele e artista famoso. Il marito ferito voleva vendicarsi dei suoi amanti, ma scelse molto modo insolito: decise di ordinare un ritratto di Adele a Klimt e di costringerlo a realizzare centinaia di schizzi finché l'artista non iniziò a vomitare da lei.
Bloch-Bauer voleva che il lavoro durasse diversi anni, in modo che il soggetto potesse vedere come i sentimenti di Klimt stavano svanendo. Ha fatto un'offerta generosa all'artista, che non ha potuto rifiutare, e tutto è andato secondo lo scenario del marito ingannato: il lavoro è stato completato in 4 anni, gli amanti si erano calmati da tempo l'uno con l'altro. Adele Bloch-Bauer non ha mai saputo che suo marito fosse a conoscenza della sua relazione con Klimt.
Il dipinto che ha riportato in vita Gauguin
Paul Gauguin, "Da dove veniamo? Chi siamo? Dove andiamo?", 1897-1898.
Più famoso dipinto Gauguin ha una particolarità: si “legge” non da sinistra a destra, ma da destra a sinistra, come i testi cabalistici a cui l'artista era interessato. È in questo ordine che si svolge l'allegoria della vita spirituale e fisica umana: dalla nascita dell'anima (un bambino addormentato nell'angolo in basso a destra) all'inevitabilità dell'ora della morte (un uccello con una lucertola tra gli artigli in nell'angolo in basso a sinistra).
Il dipinto è stato dipinto da Gauguin a Tahiti, dove l'artista fuggì più volte dalla civiltà. Ma questa volta la vita sull'isola non ha funzionato: la povertà totale lo ha portato alla depressione. Terminata la tela, che sarebbe diventata il suo testamento spirituale, Gauguin prese una scatola di arsenico e si recò in montagna a morire. Tuttavia, non calcolò la dose e il suicidio fallì. La mattina dopo, barcollò verso la sua capanna e si addormentò, e quando si svegliò sentì una sete di vita dimenticata. E nel 1898, i suoi affari iniziarono a migliorare e iniziò un periodo più luminoso nel suo lavoro.
112 proverbi in un'unica immagine
Pieter Bruegel il Vecchio, "Proverbi olandesi", 1559
Pieter Bruegel il Vecchio dipinse una terra abitata da immagini letterali dei proverbi olandesi di quei tempi. Il dipinto contiene circa 112 idiomi riconoscibili. Alcuni di essi sono utilizzati ancora oggi, ad esempio: “nuotare contro corrente”, “sbattere la testa contro il muro”, “armati fino ai denti” e “ pesce grosso mangia il piccolo."
Altri proverbi riflettono la stupidità umana.
Soggettività dell'art
Paul Gauguin," Villaggio bretone sotto la neve", 1894
Il dipinto di Gauguin "Villaggio bretone nella neve" fu venduto dopo la morte dell'autore per soli sette franchi e, inoltre, con il titolo " cascate del Niagara" L'uomo che ha organizzato l'asta ha appeso accidentalmente il dipinto a testa in giù perché vi ha visto una cascata.
Immagine nascosta
Pablo Picasso, “Camera Blu”, 1901
Nel 2008, la radiazione infrarossa ha rivelato che nascosta sotto la Sala Blu c'era un'altra immagine: il ritratto di un uomo vestito con un abito con un papillon e con la testa appoggiata sulla mano. “Non appena Picasso lo aveva fatto nuova idea, ha preso il pennello e lo ha incarnato. Ma non ha avuto la possibilità di acquistare nuova tela ogni volta che una musa lo visitava”, spiega possibile motivo questa critica d'arte Patricia Favero.
Marocchini indisponibili
Zinaida Serebryakova, “Nuda”, 1928
Una volta ricevuta Zinaida Serebryakova offerta allettante- vai a viaggio creativo per rappresentare figure nude di fanciulle orientali. Ma si è scoperto che trovare modelli in quei luoghi era semplicemente impossibile. Il traduttore di Zinaida è venuto in soccorso: le ha portato le sue sorelle e la fidanzata. Nessuno prima o dopo è stato in grado di catturarlo chiuso donne orientali nudo.
Intuizione spontanea
Valentin Serov, “Ritratto di Nicola II in giacca”, 1900
Per molto tempo Serov non riuscì a dipingere un ritratto dello zar. Quando l'artista si arrese completamente, si scusò con Nikolai. Nikolai era un po' turbato, si sedette al tavolo, allungando le braccia davanti a sé... E poi l'artista si rese conto: ecco l'immagine! Un semplice militare con la giacca da ufficiale con gli occhi chiari e tristi. Questo ritratto è considerato migliore immagine l'ultimo imperatore.
Un altro diavolo
© Fedor Reshetnikov
Il famoso dipinto “Deuce Again” è solo la seconda parte di una trilogia artistica.
La prima parte è “Arrivati in vacanza”. Chiaramente una famiglia benestante le vacanze invernali, gioioso studente eccellente.
La seconda parte è "Ancora un diavolo". Una famiglia povera della periferia operaia, nel pieno dell'anno scolastico, un idiota abbattuto che prese ancora una volta un brutto voto. Nell'angolo in alto a sinistra puoi vedere il dipinto “Arrivati per le vacanze”.
La terza parte è “Riesame”. Casa di campagna, estate, tutti camminano, un malizioso ignorante, che non ha superato l'esame annuale, è costretto a sedersi quattro mura e stipare. Nell’angolo in alto a sinistra puoi vedere il dipinto “Deuce Again”.
Come nascono i capolavori
Joseph Turner, Pioggia, vapore e velocità, 1844
Nel 1842, la signora Simon viaggiò in treno in Inghilterra. All'improvviso iniziò un forte acquazzone. L'anziano signore seduto di fronte a lei si alzò, aprì la finestra, sporse la testa e guardò per una decina di minuti. Incapace di contenere la curiosità, anche la donna aprì la finestra e cominciò a guardare avanti. Un anno dopo, in una mostra alla Royal Academy of Arts, scopre il dipinto “Rain, Steam and Speed” e vi riconosce lo stesso episodio sul treno.
Lezione di anatomia da Michelangelo
Michelangelo, "La Creazione di Adamo", 1511
Una coppia di esperti americani di neuroanatomia ritiene che Michelangelo abbia effettivamente lasciato alcune illustrazioni anatomiche in uno dei suoi libri opere famose. Credono che il lato destro del dipinto raffiguri un enorme cervello. Sorprendentemente si possono trovare anche componenti complessi, come il cervelletto, i nervi ottici e l'ipofisi. E l'accattivante nastro verde si abbina perfettamente alla posizione dell'arteria vertebrale.
"L'Ultima Cena" di Van Gogh
Vincent Van Gogh," Terrazza notturna caffè", 1888
Il ricercatore Jared Baxter ritiene che il dipinto di Van Gogh “La terrazza del caffè di notte” contenga una dedica crittografata all’”Ultima Cena” di Leonardo da Vinci. Al centro dell'immagine c'è un cameriere con capelli lunghi e in una tunica bianca che ricorda gli abiti di Cristo, e intorno a lui ci sono esattamente 12 visitatori del caffè. Baxter attira l'attenzione anche sulla croce situata direttamente dietro il cameriere in bianco.
L'immagine della memoria di Dalì
Salvador Dalì, "La persistenza della memoria", 1931
Non è un segreto che i pensieri che hanno visitato Dalì durante la creazione dei suoi capolavori fossero sempre sotto forma di immagini molto realistiche, che l'artista ha poi trasferito su tela. Quindi, secondo l'autore stesso, il dipinto “La persistenza della memoria” è stato dipinto a seguito di associazioni nate dalla vista del formaggio fuso.
Di cosa sta urlando Munch?
Edvard Munch, "L'urlo", 1893.
Munch ha parlato di come gli è venuta l'idea di uno dei più dipinti misteriosi nella pittura del mondo: “Camminavo lungo un sentiero con due amici - il sole stava tramontando - all'improvviso il cielo si è tinto di rosso sangue, mi sono fermato, sentendomi esausto, e mi sono appoggiato al recinto - ho guardato il sangue e le fiamme sul bluastro- fiordo nero e la città - i miei amici sono andati avanti, e io sono rimasto lì, tremando per l'eccitazione, sentendo un grido infinito che trafiggeva la natura." Ma quale tipo di tramonto potrebbe spaventare così tanto l'artista?
Esiste una versione secondo cui l'idea di "L'Urlo" è nata a Munch nel 1883, quando si verificarono diverse potenti eruzioni del vulcano Krakatoa, così potenti da cambiare la temperatura dell'atmosfera terrestre di un grado. Copiose quantità di polvere e cenere si diffusero in tutto il mondo, raggiungendo persino la Norvegia. Per diverse sere di seguito, i tramonti sembravano come se stesse per arrivare l'apocalisse: uno di questi è diventato fonte di ispirazione per l'artista.
Uno scrittore tra la gente
Alexander Ivanov, "L'apparizione di Cristo al popolo", 1837-1857.
Decine di modelli hanno posato per Alexander Ivanov per il suo immagine principale. Uno di questi è conosciuto niente meno che l'artista stesso. Sullo sfondo, tra viaggiatori e cavalieri romani che non hanno ancora ascoltato la predica di Giovanni Battista, si vede un personaggio in tunica. Ivanov lo ha scritto da Nikolai Gogol. Lo scrittore ha comunicato a stretto contatto con l'artista in Italia, in particolare su questioni religiose, e gli ha dato consigli durante il processo di pittura. Gogol credeva che Ivanov "fosse morto da tempo per il mondo intero, tranne che per il suo lavoro".
La gotta di Michelangelo
Raffaele Santi," Scuola di Atene", 1511.
Creare famoso affresco"La Scuola di Atene", Raffaello immortalò nelle immagini i suoi amici e conoscenti filosofi greci antichi. Uno di questi era Michelangelo Buonarotti “nei panni” di Eraclito. Per diversi secoli l'affresco mantenne segreti vita privata Michelangelo e i ricercatori moderni hanno ipotizzato che il ginocchio stranamente angoloso dell’artista indicasse che aveva una malattia articolare.
Ciò è abbastanza probabile, date le peculiarità dello stile di vita e delle condizioni di lavoro degli artisti del Rinascimento e il cronico maniaco del lavoro di Michelangelo.
Specchio dei coniugi Arnolfini
Jan van Eyck, "Ritratto dei coniugi Arnolfini", 1434
Nello specchio dietro i coniugi Arnolfini si vedono riflesse altre due persone nella stanza. Molto probabilmente, questi sono testimoni presenti alla conclusione del contratto. Uno di questi è van Eyck, come testimonia l’iscrizione latina posta, contrariamente alla tradizione, sopra lo specchio al centro della composizione: “Jan van Eyck era qui”. Questo è il modo in cui solitamente venivano stipulati i contratti.
Come uno svantaggio si è trasformato in un talento
Rembrandt Harmens van Rijn, Autoritratto all'età di 63 anni, 1669.
La ricercatrice Margaret Livingston ha studiato tutti gli autoritratti di Rembrandt e ha scoperto che l'artista soffriva di strabismo: nelle immagini i suoi occhi guardano in direzioni diverse, cosa che non si osserva nei ritratti di altre persone del maestro. La malattia ha fatto sì che l'artista fosse in grado di percepire la realtà in due dimensioni meglio delle persone con una vista normale. Questo fenomeno è chiamato “cecità stereo” – l’incapacità di vedere il mondo in 3D. Ma dal momento che il pittore deve lavorare immagine bidimensionale, era questo difetto di Rembrandt che potrebbe essere una delle spiegazioni del suo talento fenomenale.
Venere senza peccato
Sandro Botticelli, "Nascita di Venere", 1482-1486.
Prima dell'apparizione della "Nascita di Venere" l'immagine di un nudo corpo femminile in pittura simboleggiava solo l'idea del peccato originale. Sandro Botticelli fu il primo dei pittori europei a non trovare nulla di peccaminoso in lui. Inoltre, gli storici dell'arte ne sono sicuri dea pagana simboleggia l'amore sull'affresco Immagine cristiana: la sua apparizione è un'allegoria della rinascita di un'anima che ha subito il rito del battesimo.
Suonatore di liuto o suonatore di liuto?
Michelangelo Merisi da Caravaggio, "Il suonatore di liuto", 1596.
Per lungo tempo il dipinto fu esposto all'Ermitage con il titolo “Il suonatore di liuto”. Solo all'inizio del XX secolo gli storici dell'arte concordarono nel ritenere che il dipinto raffigurasse un giovane (probabilmente posò per lui un conoscente di Caravaggio, il pittore Mario Minniti): sulle note davanti al musicista si vede una registrazione del basso verso del madrigale di Jacob Arkadelt “Sai che ti amo” . Una donna difficilmente potrebbe fare una scelta del genere: è solo dura per la gola. Inoltre, il liuto, come il violino all’estremità del quadro, era considerato uno strumento maschile all’epoca di Caravaggio.
Hieronymus Bosch (1450-1516) può essere considerato il precursore del surrealismo, nella sua mente sorsero creature così strane. La sua pittura è un riflesso delle dottrine esoteriche segrete medievali: alchimia, astrologia, magia nera. Come non è finito sul rogo dell'Inquisizione, che a suo tempo ha guadagnato piena forza, soprattutto in Spagna? Il fanatismo religioso era particolarmente forte tra la gente di questo paese. E ancora la maggior parte le sue opere si trovano in Spagna. La maggior parte delle opere non hanno data e il pittore stesso non ha dato loro nomi. Nessuno sa quale sia il nome del dipinto di Bosch "Il giardino delle delizie", la cui fotografia è qui presentata, sia stato dato dall'artista stesso.
Clienti
Oltre ai clienti nella sua terra natale, l'artista profondamente religioso aveva ammiratori di alto rango per le sue opere. All'estero almeno tre dipinti erano nella collezione del cardinale veneziano Domenico Grimani. Nel 1504, il re Filippo il Bello di Castiglia gli commissionò il dipinto “Il giudizio di Dio seduto nel paradiso e nell’inferno”. Nel 1516, la sorella Margherita d'Austria - “La Tentazione di S. Antonio." I contemporanei credevano che il pittore desse un'interpretazione prudente dell'Inferno o una satira su tutto ciò che è peccaminoso. I sette trittici principali, grazie ai quali ha ricevuto fama postuma, conservato in molti musei del mondo. Il dipinto di Bosch "Il giardino delle delizie" è conservato al Prado. Quest'opera ha un numero incredibile di interpretazioni tra i critici d'arte. Quante persone, così tante opinioni.
Storia
Alcune persone credono che il dipinto di Bosch “Il giardino delle delizie” - Alcuni lavorano presto, altri lavorano fino a tardi. Dall'esame dei pannelli di quercia su cui è scritto si può datare intorno al 1480-1490. Al Prado, sotto il trittico c'è la data 1500-1505.
I primi proprietari dell'opera furono membri della casata di Nassau (Germania). Successivamente è tornata nei Paesi Bassi. Fu vista nel loro palazzo a Bruxelles dal primo biografo di Bosch, che viaggiava al seguito del cardinale Luigi d'Aragona nel 1517. Ha lasciato una descrizione dettagliata del trittico, che non lascia dubbi sul fatto che davanti a lui si trovava davvero il dipinto di Bosch “Il giardino delle delizie”.
Fu ereditato dal figlio di Guglielmo, René de Chalons, poi passò di mano durante la guerra delle Fiandre. Poi il Duca lasciò fare a lui figlio illegittimo Don Fernando, Superiore dell'Ordine di San Giovanni. Il re spagnolo Filippo II, soprannominato il Ragionevole, lo acquistò e lo inviò al monastero dell'Escorial nel 1593. Cioè, praticamente al palazzo reale.
L'opera viene descritta come un dipinto su tavola a due ante. Bosch ha dipinto un quadro enorme: "Il giardino delle delizie terrene". Dimensioni del dipinto: pannello centrale - 220 x 194 cm, pannelli laterali - 220 x 97,5 cm, donato dal teologo spagnolo José de Siguenza descrizione dettagliata e interpretazione. Già allora veniva apprezzato come il lavoro più ingegnoso e abile che si possa immaginare. Nell’inventario del 1700 è chiamata “La Creazione del Mondo”. Nel 1857 apparve il suo nome attuale: "Il giardino delle delizie terrene". Nel 1939 il dipinto fu trasferito al Prado per essere restaurato. Il dipinto rimane lì fino ad oggi.
Trittico chiuso
È raffigurato su porte chiuse Terra in una sfera trasparente che simboleggia la fragilità dell'Universo. Non ci sono persone o animali su di esso.
Dipinto in toni grigiastri, bianchi e neri, significa che non c'è ancora né il sole né la luna e crea un netto contrasto con mondo luminoso all'apertura del trittico. Questo è il terzo giorno della creazione. Il numero 3 era considerato completo e perfetto perché contiene sia l'inizio che la fine. Quando le porte sono chiuse è una, cioè la perfezione assoluta. Nell'angolo in alto a sinistra c'è un'immagine di Dio con una tiara e una Bibbia in grembo. In alto si legge la frase latina del Salmo 33, che tradotta significa: “Disse e tutto fu fatto. Egli comandò e tutto fu creato”. Altre interpretazioni ci presentano una Terra dopo il diluvio.
Apertura del trittico
Il pittore ci fa tre regali. Pannello sinistro - immagine del Paradiso ultimo giorno creazione con Adamo ed Eva. La parte centrale è la follia di tutti i piaceri carnali, che dimostrano che l'uomo è caduto in disgrazia. A destra, lo spettatore vede l'Inferno, apocalittico e crudele, in cui una persona è condannata per sempre a rimanere per i suoi peccati.
Pannello di sinistra: Giardino dell'Eden
Davanti a noi c'è il paradiso in terra. Ma non è tipico e non inequivocabile. Per qualche ragione, Dio appare al centro sotto forma di Gesù Cristo. Tiene la mano di Eva, che è inginocchiata davanti ad Adamo disteso.
I teologi dell'epoca discutevano animatamente se una donna avesse un'anima. Alla creazione dell'uomo, Dio soffiò un'anima in Adamo, ma dopo la creazione di Eva ciò non fu detto. Pertanto, tale silenzio ha permesso a molti di credere che una donna non abbia affatto un'anima. Se un uomo può ancora resistere al peccato che riempie la parte centrale, allora nulla trattiene una donna dal peccato: non ha anima ed è piena di tentazioni diaboliche. Questa sarà una delle transizioni dal Paradiso al peccato. I peccati delle donne: insetti e rettili che strisciano sulla terra, così come anfibi e pesci che nuotano nell'acqua. Anche un uomo non è senza peccato: i suoi pensieri peccaminosi volano come uccelli neri, insetti e pipistrelli.
Paradiso e morte
Al centro c'è una fontana, come un fallo rosa, e al suo interno si trova un gufo, che serve il male e qui simboleggia non la saggezza, ma la stupidità, la cecità spirituale e la spietatezza di tutto ciò che è terreno. Inoltre, il bestiario di Bosch è pieno di predatori che divorano le loro vittime. È possibile questo in Paradiso, dove tutti vivono in pace e non conoscono la morte?
Alberi in Paradiso
L'albero della bontà, situato accanto ad Adamo, è intrecciato con l'uva, che simboleggia i piaceri carnali. Albero frutto proibito avvolto attorno al serpente. Nell'Eden c'è tutto per passare ad una vita peccaminosa sulla Terra.
Porta centrale
Qui l'umanità, soccombendo alla lussuria, va dritta alla distruzione. Lo spazio è pieno di follia che ha attanagliato il mondo intero. Queste sono orge pagane. Qui vengono presentati spettacoli sessuali di tutti i tipi. Gli episodi erotici sono adiacenti alle scene etero e omosessuali. Ci sono anche gli onanisti. Collegamenti sessuali tra persone, animali e piante.
Frutti e bacche
Tutte le bacche e i frutti (ciliegie, lamponi, uva e "fragole" - una chiara connotazione moderna), comprensibili per i medievali, sono segni di piacere sessuale. Allo stesso tempo, questi frutti simboleggiano la transitorietà, poiché dopo pochi giorni marciscono. Anche il pettirosso a sinistra simboleggia l'immoralità e la depravazione.
Strani vasi trasparenti e opachi
Sono chiaramente presi dall'alchimia e sembrano sia bolle che emisferi. Queste sono trappole per una persona da cui non uscirà mai.
Bacini e fiumi
Lo stagno rotondo al centro è per lo più pieno figure femminili. Attorno a lui, in un turbinio di passioni, sfila una cavalcata di cavalieri maschi su animali tratti dal bestiario (leopardi, pantere, leoni, orsi, unicorni, cervi, asini, grifoni), interpretati come simboli di lussuria. Poi c'è uno stagno con una palla blu, in cui c'è spazio per azioni oscene di personaggi lussuriosi.
E questo non è tutto ciò che viene rappresentato da Hieronymus Bosch. “Il giardino delle delizie” è un dipinto che non mostra i genitali sviluppati di uomini e donne. Forse con questo il pittore ha cercato di sottolineare che tutta l'umanità è una e coinvolta nel peccato.
Questo è tutt'altro Descrizione completa pannello centrale. Perché puoi descrivere 4 fiumi del Paradiso e 2 Mesopotamia, e l'assenza di malattie, morti, anziani, bambini ed Eva nell'angolo in basso a sinistra, che ha ceduto alla tentazione, e ora le persone camminano nude e non provano vergogna.
Colore
Predomina il colore verde. È diventato un simbolo di gentilezza, il blu rappresenta la terra e i suoi piaceri (mangiare bacche e frutti blu, giocare acque blu). Il rosso, come sempre, è passione. Il rosa divino diventa la fonte della vita.
Ala destra: l'Inferno musicale
La parte superiore del trittico destro è realizzata nei toni scuri e contrastanti delle due ante precedenti. La parte superiore è cupa e allarmante. L'oscurità della notte è squarciata dai lampi di luce della fiamma. Getti di fuoco escono dalle case in fiamme. Dai suoi riflessi l'acqua diventa scarlatta, come il sangue. L'incendio sta per distruggere tutto. C’è caos e confusione ovunque.
La parte centrale è aperta guscio d'uovo Con testa umana. Guarda direttamente lo spettatore. Sulla testa c'è un disco con anime peccatrici che ballano con l'accompagnamento della cornamusa. All'interno dell'albero uomo ci sono le anime di una società di streghe e demoni.
Di fronte a te c'è un frammento del dipinto di Bosch "Il giardino delle delizie". Le ragioni per cui ci sono molti strumenti musicali all'inferno sono chiare. La musica è un intrattenimento frivolo e peccaminoso che spinge le persone verso i piaceri carnali. Pertanto, un peccatore fu crocifisso su un'arpa con strumenti musicali, le note furono bruciate sulle natiche di un altro con un ferro caldo e il terzo fu legato a un liuto.
I golosi non sono da meno. Un mostro con la testa di uccello divora i golosi.
Il maiale non lascia l'uomo indifeso con la sua ossessione.
L'inesauribile immaginazione di I. Bosch offre un numero enorme di punizioni per i peccati terreni. Non è un caso che Bosch attribuisca grande importanza all'Inferno. Nel Medioevo, per poter controllare il gregge, la figura del diavolo venne rafforzata, anzi raggiunse dimensioni incredibili. L'inferno e il diavolo regnavano sovrani nel mondo, e solo un appello ai ministri della chiesa poteva salvarli da loro, naturalmente, per denaro. Quanto più terribili sono i peccati, tanto più più soldi riceverà la chiesa.
Gesù stesso non avrebbe potuto immaginare che un certo angelo si sarebbe trasformato in un mostro e che la chiesa, invece di cantare amore e gentilezza verso il prossimo, avrebbe parlato in modo estremamente eloquente solo dei peccati. E migliore è il predicatore, più i suoi sermoni parlano delle inevitabili punizioni che attendono il peccatore.
Hieronymus Bosch scrisse “Il giardino delle delizie” con grande disgusto per il peccato. La descrizione del dipinto è riportata sopra. È molto modesto, perché nessuno studio può rivelare completamente tutte le immagini. Questo lavoro richiede una riflessione approfondita al riguardo. Solo il dipinto di Bosch "Il giardino delle delizie" Alta qualità ti permetterà di vedere assolutamente tutti i dettagli. Hieronymus Bosch non ci ha lasciato molte delle sue opere. Si tratta di un totale di 25 dipinti e 8 disegni. Indubbiamente opere più grandi I capolavori che Bosch ha scritto sono:
- "Carro Fieno", Madrid, El Escorial.
- "Crocifisso Martire", Palazzo Ducale, Venezia.
- “Il Giardino delle Delizie”, Madrid, Prado.
- "Il Giudizio Universale", Vienna.
- "Santi Eremiti", Palazzo Ducale, Venezia.
- "La tentazione di Sant'Antonio", Lisbona.
- "Adorazione dei Magi", Madrid, Prado.
Questi sono tutti grandi trittici d'altare. Il loro simbolismo non è sempre chiaro ai nostri giorni, ma i contemporanei di Bosch li leggono come un libro aperto.
Arte dei Paesi Bassi del XV e XVI secolo
L'ala destra del trittico "Il giardino delle delizie terrene" ha ricevuto il nome "Inferno musicale" a causa delle immagini di strumenti usati come strumenti di tortura e altri in un modo strano: un peccatore è crocifisso su un'arpa; sotto, un liuto diventa strumento di tortura per un altro “musicista”, disteso prono, sulle cui natiche sono impresse le note della melodia. Viene eseguito da un coro anime dannate guidato dal reggente: un mostro con la faccia di pesce. Se la parte centrale raffigura un sogno erotico, l'ala destra raffigura una realtà da incubo. Questa è la visione più terribile dell'Inferno: qui le case non solo bruciano, ma esplodono, illuminate da lampi di fiamma sfondo scuro e rendere l'acqua del lago viola come il sangue. In primo piano, un coniglio trascina la sua preda, legata per le zampe a un palo e sanguinante: questo è uno dei motivi preferiti di Bosch, ma qui il sangue dallo stomaco squarciato non scorre, ma sgorga, come sotto l'influenza di una carica di polvere da sparo. La vittima diventa carnefice, la preda diventa cacciatore, e questo rende perfettamente il caos che regna nell'Inferno, dove i normali rapporti che un tempo esistevano nel mondo vengono invertiti, e gli oggetti più comuni e innocui Vita di ogni giorno, raggiungendo dimensioni mostruose, si trasformano in strumenti di tortura. Possono essere paragonati alle gigantesche bacche e agli uccelli della parte centrale del trittico.
La fonte letteraria dell'Inferno dei musicisti di Bosch è considerata l'opera "La visione di Tundal", pubblicata a 's-Hertogenbosch nel 1484, che descrive dettagliatamente la visita mistica dell'autore al Paradiso e all'Inferno, da cui sembra provenire l'immagine di uno stagno coperto di ghiaccio, lungo il quale i peccatori sono costretti a scivolare invariabilmente su slitte o pattini traballanti. Sul lago ghiacciato al centro, un altro peccatore è in equilibrio precario su un enorme pattino, ma questo lo trasporta direttamente nel buco del ghiaccio, dove già si dibatte acqua ghiacciata un altro peccatore. Queste immagini si ispirano ad un vecchio proverbio olandese, il cui significato è simile alla nostra espressione “by ghiaccio sottile". Appena sopra, le persone sono raffigurate come moscerini che si affollano alla luce di una lanterna; sul lato opposto, "condannato alla morte eterna" è appeso all'"orecchio" della chiave di una porta. Il meccanismo diabolico - l'organo dell'udito rimosso da il corpo - è formato da un paio di orecchie gigantesche trafitte da una freccia con una lunga lama al centro.
Ci sono diverse interpretazioni di questo motivo fantastico: Secondo alcuni si tratterebbe di un accenno di sordità umana alle parole del Vangelo “chi ha orecchi intenda”. La lettera "M" incisa sulla lama indica o il marchio di un armaiolo o l'iniziale di un pittore che per qualche motivo era particolarmente antipatico all'artista (forse Jan Mostert), oppure la parola "Mundus" ("Mondo"), indicando un significato universale mascolinità, simboleggiato dalla lama, ovvero il nome dell'Anticristo, che, secondo le profezie medievali, inizierà con questa lettera. Strana creatura con la testa di un uccello e una grande bolla traslucida assorbe i peccatori e poi getta i loro corpi in una sfera perfettamente rotonda pozzo nero. Là l'avaro è condannato a defecare per sempre in monete d'oro, e l'altro. A quanto pare, un ghiottone rigurgita senza sosta le prelibatezze che ha mangiato. Il motivo di un demone o diavolo seduto su un seggiolone è tratto dal testo "La visione di Thundal." Ai piedi del trono di Satana, accanto ai fuochi dell'inferno, è raffigurata una donna nuda con un rospo sul petto abbracciato da un demone nero con orecchie d'asino. Il volto della donna si riflette in uno specchio attaccato alle natiche di un altro demone verde: tale è la punizione per coloro che hanno ceduto al peccato dell'orgoglio. Nella scena dell'Inferno, Bosch parla delle conseguenze negative dell'influenza della Luna e di Venere. Abbastanza posto importante L’“uomo-albero” occupa la composizione. Per questa figura, Bosch ha realizzato uno schizzo speciale, mostrandoci che il simbolo della Luna dell’artista era un uovo, alberi e pipistrelli. La corruzione, l'omicidio e l'ubriachezza sono puniti con la tortura. Il pianeta Venere patrocina la musica e i musicisti. All'Inferno, a causa dell'influenza sfavorevole del pianeta, le anime dei peccatori vengono torturate sul liuto, sull'arpa e sull'organistrum.
Inferno - Hieronymus Bosch (Parte del trittico "Il giardino delle delizie"). 1500-1510. Legno, olio. 389 x 220 centimetri
L’inferno è l’ala destra del famoso trittico dell’artista intitolato “Il giardino delle delizie”. Sotto questo nome lirico si nasconde un quadro tutt'altro che dolce e idilliaco. In effetti, il trittico è realizzato nello stile di Bosch: visioni inquietanti, figure grottesche, immagini terribili sono quasi ovunque qui.
Nella visione dell'artista l'inferno appare come un luogo mostruoso e surreale. I critici spesso chiamano l’ala destra del trittico “ Inferno musicale"a causa del fatto che qui vengono utilizzati molti strumenti musicali diversi. Tuttavia, non bisogna sperare che vengano utilizzati per lo scopo previsto. In effetti, anche i diavoli non li interpretano, come si potrebbe sospettare. Bosch ha deciso di utilizzare metodi di utilizzo completamente lontani dallo scopo diretto degli strumenti musicali. Nella maggior parte dei casi fungono da strumenti di tortura.
Ad esempio, l'arpa dell'artista svolge il ruolo di una croce per una crocifissione o di una rastrelliera: su di essa è disteso uno sfortunato peccatore. L'innocente liuto divenne oggetto di tortura per un altro poveretto, che giace a faccia in giù. È interessante notare che sulle sue natiche sono stampate le note su cui canta un coro del tutto inimmaginabile: i dannati, guidati da un direttore d'orchestra con la “faccia di pesce”.
Il primo piano dell'immagine è capace di scioccare anche una persona moderna, condita con film horror. Un coniglio trascina un uomo con la pancia squarciata, che è legato a un palo. Allo stesso tempo, un flusso di sangue fuoriesce letteralmente dal poveretto. Il coniglio predatore sembra molto pacifico, e questo è un contrasto davvero mostruoso con ciò che fa e con ciò che le sue azioni dovrebbero implicare in futuro.
L'anormalità di questo luogo è sottolineata dall'incredibile dimensione delle bacche e dei frutti sparsi qua e là per l'edificio. Quando guardi questo, non è chiaro chi sta mangiando chi qui: bacche della gente o bacche della gente? Il mondo si capovolse e divenne un inferno.
Uno stagno ghiacciato con assenzio, dove un peccatore si precipita a cavalcioni di un enorme pattino, persone che volano verso la luce come moscerini senza cervello, un uomo bloccato nella serratura di una porta: tutte queste immagini sono allegoriche e certamente erano comprensibili ai contemporanei dell'artista. Parte di ciò che è stato visto può essere interpretato e interpretato anche oggi, ma dal punto di vista di una persona del nostro tempo, e non del tardo Medioevo.
È interessante notare che un ricercatore del lavoro di Bosch è riuscito a decifrare le note incise sul quinto punto del peccatore. Si scopre che l'artista ha registrato una melodia completamente coerente che può essere suonata e ascoltata. Ma questo è l'unico elemento normale, reale, nel mondo delirante del suo inferno.
"Il giardino delle delizie terrene" è il massimo famoso trittico Hieronymus Bosch, che prende il nome dal tema della parte centrale, è dedicato al peccato della voluttà: Luxuria.
Hieronymus Bosch (1460 circa -1516) Giardino delle delizie (trittico) Intorno al 1500, Museo del Prado, Madrid, Spagna. (un'alta risoluzione)
Il titolo originale di quest'opera di Bosch non è noto con certezza. I ricercatori hanno chiamato il trittico “Il giardino delle delizie terrene”. In generale, nessuna delle interpretazioni attualmente disponibili dell'immagine è riconosciuta come l'unica corretta. La maggior parte delle teorie sul significato del dipinto sono state sviluppate nel XX secolo.
Gironimo Bosch. Giardino delle delizie terrene. Ala destra. Inferno musicale (frammento)
Ma data l’enorme quantità di ricerche dedicate al Giardino delle delizie terrene, è sorprendente che il frammento misterioso notazione musicale, impresso sulle natiche di uno dei peccatori, ha attirato l'attenzione solo di recente, e non da parte dei professionisti.
Gironimo Bosch. Giardino delle delizie terrene. Ala destra. Frammento misterioso di notazione musicale
La studentessa americana Amelia Hamrick nel 2010 si interessò al frammento raffigurato della melodia e “in ginocchio” lo tradusse “secondo le regole della moderna notazione musicale, supponendo che la tonalità della voce inferiore sia Do maggiore, come era consuetudine in corali medievali”.
L'adeguatezza dell'adattamento effettuato solleva dubbi tra gli esperti. Esiste un'altra versione di questo frammento musicale, realizzata nel 2003 dal gruppo svedese Vox Vulgaris.
Ma come loro stessi scrivono:
- “... la possibilità che la nostra versione raggiunga almeno un'approssimazione a come potrebbe suonare nel Medioevo è incredibilmente piccola. Non stiamo cercando alcuna verità storica, e alcune di esse sono impossibili da trovare, ammesso che esistano”.
Gironimo Bosch. Giardino delle delizie terrene. Ala destra. Strumenti musicali
E infine, la terza versione della "song from hell", realizzata dall'amico di Amelia Hamrick, William Esenzo, in un arrangiamento "corale":
Ma il contenuto finale del messaggio musicale di Hieronymus Bosch ne “Il giardino delle delizie” rimane non rivelato.