Fino a poco tempo fa, solo poche persone interessate alla pittura, in particolare all’espressionismo e al primitivismo, conoscevano il nome dell’artista ungherese Tivadar Kostka Csontvary. Molte persone hanno recentemente iniziato a parlare del pittore morto in povertà quasi 100 anni fa, che era anche considerato pazzo (alcuni ricercatori della sua biografia pensano che Tivadar fosse malato di schizofrenia).
Il fatto è che uno dei dipendenti del museo cittadino di Pecha, guardando il dipinto di Tivadar Chontvari, “ Vecchio pescatore", scoprì che se dividi la tela a metà con uno specchio, ne ottieni due immagini diverse! Questo dettaglio interessava non solo molti storici dell'arte, ma anche persone normali. Hanno iniziato a parlare del misticismo segreto dell'opera, dell'atteggiamento verso patrimonio creativo Autodidatta ungherese. In Russia, l'interesse per questo fatto è cresciuto dopo la trasmissione del programma “Cosa? Dove? Quando?" del 1 ottobre 2011, durante il quale uno spettatore con una domanda sul dipinto “Il vecchio pescatore” è riuscito a battere gli esperti.
Artista non riconosciuto
Tivadar Kostka Csontvari nacque nel 1853 nel piccolo villaggio ungherese di Kisseben. Suo padre era medico e farmacista, era interessato alla scienza, era un convinto oppositore dell'alcol e del tabacco e ne sosteneva ardentemente il divieto. Tivadar ricevette qui la sua istruzione primaria, ma dopo un incendio nel 1866 si trasferì dai parenti di sua madre a Uzhgorod. Dopo la laurea Scuola superiore, ha lavorato come assistente commerciante a Presov.
Da suo padre Laszlo, il giovane Tivadar Csontvary ereditò l'interesse per la farmacologia. Di conseguenza, ha ricevuto una formazione farmaceutica presso l'Università di Budapest, successivamente ha studiato legge e ha lavorato come impiegato presso il vicesindaco della capitale. Durante i suoi studi godette del rispetto degli altri studenti, fu eletto capo dell'organizzazione studentesca e partecipò agli scioperi del 1879.
Tivadar iniziò la sua carriera di artista nel 1880. Un giorno d'autunno, mentre lavorava in una farmacia, guardò fuori dalla finestra, prese meccanicamente una matita e un modulo di prescrizione e iniziò a disegnare. Non era qualcosa di astratto: era un carro che passava e che è stato catturato su carta. Il proprietario della farmacia, vedendo il dipinto, ha elogiato Chontvari, dicendo che solo oggi è nato l'artista. Più tardi, alla fine della sua vita, lo stesso Tivadar, nella sua autobiografia, scritta nel suo caratteristico modo mistico e profetico, descrivendo quello che accadde, disse di aver avuto una visione. Fu questo a suggerire a Tivadar il suo destino: diventare un grande pittore.
Da quel momento in poi, Tivadar Kostka iniziò a viaggiare per conoscere il lavoro di grandi artisti. Ha viaggiato in Vaticano e Parigi. Poi tornò in Ungheria, aprì una propria farmacia e si dedicò interamente al lavoro per ottenere l'indipendenza finanziaria e fare quello per cui, secondo lui, era nato. Tivadar dipinse il suo primo quadro nel 1893. Un anno dopo, andò in Germania (Monaco, Karlsruhe, Dusseldorf) e Francia (Parigi) per studiare disegno. Tuttavia, l'artista appena coniato si stancò rapidamente di questo e nel 1895 fece un viaggio in Italia, Grecia, Medio Oriente e Africa per dipingere paesaggi locali. Nel corso del tempo iniziò a firmare i suoi dipinti non con il cognome Kostka, ma con lo pseudonimo Chontvari.
Tivadar Chontvari fu impegnato nella pittura fino al 1909. In questo momento, la sua malattia iniziò a progredire (presumibilmente la schizofrenia, accompagnata da manie di grandezza), e dipinti rari iniziarono a riflettere visioni surreali. L'artista scrisse anche diversi trattati filosofici allegorici. Durante la sua vita, Tivadar non ha mai venduto nessuno dei suoi dipinti: le mostre a Parigi non erano particolarmente popolari e nella sua terra natale non ce n'era quasi nessuna. Il pittore morì nel 1919, senza ricevere il riconoscimento del suo talento.
Dio e il diavolo nel film “Il vecchio pescatore”
Più recentemente, oggetto di grande attenzione da parte dei critici d'arte è stato il dipinto di Tivadar Kostka Chontvari “Il vecchio pescatore”, dipinto da lui nel 1902. Specchiando alternativamente le parti sinistra e destra dell'immagine, vengono create due immagini completamente diverse: Dio in barca sullo sfondo di un lago calmo o il Diavolo su un vulcano con acque tempestose alle spalle.
Dopo l'apertura questo fatto, il riconoscimento dell'autore dell'immagine è stato affrontato in modo diverso. Ma cosa voleva dire Tivadar Chontvari con il suo lavoro? Molti sospettavano la connessione tra il lavoro dell’artista e il misticismo e iniziarono a studiare l’eredità del pittore ungherese con grande zelo.
La versione più plausibile dell'idea insita nell'immagine è l'opinione della natura dualistica dell'immagine natura umana, che Tivadar voleva trasmettere. Una persona trascorre tutta la sua vita in una lotta costante tra due principi: maschio e femmina, bene e male, intuitivo e logico. Queste sono le componenti dell'esistenza. Come Dio e il diavolo nel dipinto di Chontvari, si completano a vicenda, senza l’uno non esiste l’altro.
“Il Vecchio Pescatore” come incarnazione di una vita vissuta e saggezza umana usando semplice trucco mostra come il bene e il male, il bene e il male, Dio e il diavolo si armonizzano in ognuno di noi. E bilanciarli è compito di ogni persona.
Più recentemente, oggetto di grande attenzione da parte dei critici d'arte è stato il dipinto di Tivadar Kostka Chontvari “Il vecchio pescatore”, dipinto da lui nel 1902. Specchiando alternativamente le parti sinistra e destra dell'immagine, vengono create due immagini completamente diverse: Dio in barca sullo sfondo di un lago calmo o il Diavolo su un vulcano con acque tempestose alle spalle.
Dopo la scoperta di questo fatto, il riconoscimento della creatività dell’autore è stato affrontato in modo diverso. Ma cosa voleva dire Tivadar Chontvari con il suo lavoro? Molti sospettavano la connessione tra il lavoro dell’artista e il misticismo e iniziarono a studiare l’eredità del pittore ungherese con grande zelo.
Fino a poco tempo fa, solo poche persone interessate alla pittura, in particolare all’espressionismo e al primitivismo, conoscevano il nome dell’artista ungherese Tivadar Kostka Csontvary. Molte persone hanno recentemente iniziato a parlare del pittore morto in povertà quasi 100 anni fa, che era anche considerato pazzo (alcuni ricercatori della sua biografia pensano che Tivadar fosse malato di schizofrenia).
Il fatto è che uno dei dipendenti del museo cittadino di Pec, guardando il dipinto “Il vecchio pescatore” di Tivadar Chontvari, ha scoperto che se dividi la tela a metà con uno specchio, ottieni due immagini diverse!
Questo dettaglio interessava non solo molti critici d'arte, ma anche la gente comune. Cominciarono a parlare del misticismo segreto dell'opera e l'atteggiamento nei confronti del patrimonio creativo dell'autodidatta ungherese fu rivisto. In Russia, l'interesse per questo fatto è cresciuto dopo la trasmissione del programma “Cosa? Dove? Quando?" del 1 ottobre 2011, durante il quale uno spettatore con una domanda sul dipinto “Il vecchio pescatore” è riuscito a battere gli esperti.
La versione più plausibile dell'idea alla base del dipinto è l'idea della natura dualistica della natura umana, che Tivadar voleva trasmettere. Una persona trascorre tutta la sua vita in una lotta costante tra due principi: maschio e femmina, bene e male, intuitivo e logico. Queste sono le componenti dell'esistenza. Come Dio e il diavolo nel dipinto di Chontvari, si completano a vicenda, senza l’uno non esiste l’altro.
“Il Vecchio Pescatore”, come incarnazione della vita vissuta e della saggezza umana, con l'aiuto di una tecnica semplice mostra come il bene e il male, il bene e il male, Dio e il diavolo siano in armonia in ognuno di noi. E bilanciarli è compito di ogni persona.
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L’artista Tivadar Kostka Chontvary, sconosciuto a tutti durante la sua vita, divenne improvvisamente famoso un secolo dopo la sua morte grazie al suo dipinto “Il vecchio pescatore”. Il maestro stesso era fiducioso nel suo destino messianico, sebbene i suoi contemporanei la chiamassero schizofrenia. Ora nei suoi dipinti cercano personaggi nascosti e accenni velati. Ci sono? Una di queste opere che è stata sottoposta ad un'analisi approfondita è il dipinto “Il vecchio pescatore”.
Artista non riconosciuto
Nel 1853, il futuro pittore nacque nel villaggio ungherese di Kisseben. Il destino di Tivadar e dei suoi cinque fratelli era predeterminato fin dall'infanzia. Erano pronti a continuare il lavoro del padre. E il genitore era un farmacista e aveva uno studio medico. Ma prima di dedicarsi alla farmacologia, il giovane riuscì a diplomarsi, a lavorare come commesso e a studiare Facoltà di legge. E dopo tutto questo mi sono rivolto affari di famiglia. Arrivato in farmacia, Tivadar ha lavorato qui per quattordici lunghi anni.
Un giorno, quando aveva 28 anni, in una normale giornata di lavoro, prese un modulo di prescrizione e una matita e abbozzò una trama: un carro che in quel momento passava davanti alla finestra, con dei bufali imbrigliati. Prima di allora, non aveva mostrato una propensione per il disegno, ma in seguito scrisse nella sua autobiografia che quel giorno ebbe una visione che profetizzò il destino del grande pittore.
Nella primavera del 1881, Tivadar Kostka aprì la sua farmacia nel nord dell'Ungheria e risparmiò abbastanza soldi per recarsi in Italia. Come tutti i giovani artisti, sognava di vedere i capolavori degli antichi maestri. Era particolarmente attratto dai dipinti di Raffaello. Va detto che in seguito rimase deluso dal suo idolo, non trovando nelle sue tele la necessaria vivacità e sincerità nella natura. Dopo Roma, Kostka va a Parigi e poi in patria.
Chontvari (l'artista prese questo pseudonimo nel 1900) iniziò a dedicarsi seriamente alla pittura a metà degli anni Novanta dell'Ottocento. Lascia la farmacia ai fratelli e viene a Monaco per studiare pittura. In molte fonti, Kostka è chiamato autodidatta, ma nel frattempo ha studiato scuola d'arte il suo famoso connazionale, più affermato nel campo dell'arte, Shimon Hollosy. L'insegnante aveva quasi dieci anni meno del suo studente.
A Monaco Chontvari realizza diversi ritratti. L’impronta di tristezza sui volti delle modelle le distingue dal resto più allegro del suo lavoro. Dipinse ritratti naturali solo durante gli studi, perdendone poi l'interesse. Dopo aver lasciato Monaco, l'artista si recò a Karlsruhe, dove continuò a prendere lezioni, ora da Kallmorgen. I biografi dell’artista dicono che in quel periodo viveva comodamente, comprando per lavoro le migliori tele Produzione belga.
L'anno scorso
Lo studio non dava soddisfazione a Chontvari. Sembrava che comprendesse le leggi della pittura solo per infrangerle. Nel 1895 si recò nuovamente in Italia per lavorare all'aperto nella sua casa preferita genere paesaggistico. L'artista visita non solo l'Italia, ma anche la Francia, la Grecia, il Medio Oriente e il Libano.
Nel 1907-1910 ne ebbero luogo diversi. mostre personali a Parigi, Budapest e a casa. Non gli danno alcuna fama particolare, anche se alcuni critici ne parlano con grande approvazione. In Ungheria si parla addirittura dell'artista come se fosse pazzo. Non è un segreto che soffrisse di attacchi di schizofrenia, ma sperava comunque nel riconoscimento dei suoi compatrioti.
Nel 1910 la malattia cominciò a progredire. Gli attacchi diventavano sempre più gravi, il lavoro era difficile. Chontvari non scrive quasi più, fa solo piccoli schizzi. Non ha mai completato una sola opera, anche se ha fatto dei tentativi. All'età di sessant'anni l'artista morì a Budapest, dove fu sepolto.
Patrimonio creativo
Più di centocinquanta dipinti e disegni sono stati lasciati da Tivadar Kostka Chontvari. Il dipinto “Il vecchio pescatore”, dipinto nel 1902, è forse il più famoso di tutti, “iconico”. La maggior parte delle opere sono state realizzate nel breve periodo tra il 1903 e il 1909. Era fioritura creativa artista, lampo di genio. Nel loro stile sono simili all'espressionismo. Alle sue opere vengono anche attribuite caratteristiche di simbolismo, postimpressionismo e persino surrealismo.
Riconoscimento postumo
Dopo la morte di Chontvari, le sue opere sopravvissero solo per miracolo. La sorella si è rivolta ai periti per sapere quanto avrebbe potuto ottenere per i dipinti. Le assicurarono che il loro valore artistico era pari a zero. Quindi la donna pensò che se i dipinti fossero stati brutti, le tele almeno sarebbero state utili a qualcuno. E metterli in vendita in blocco. L'architetto Gedeon Gerlotsi si è preso tutto il lavoro, superando l'offerta del rigattiere. Successivamente espose dipinti alla Scuola di Budapest belle arti, e nel 1949 li espone in Belgio e Francia.
Prima della sua morte, l'architetto consegnò la sua collezione a Zoltan Fülep, il futuro direttore del Museo Csontvari. Era già un successo. Ma l'artista sarebbe rimasto noto solo a una ristretta cerchia di fan nella sua terra natale se, quasi un secolo dopo la sua morte, uno dei lavoratori del museo non avesse scoperto un certo segreto che il dipinto “Il Vecchio Pescatore” conservava ancora. Da allora, il nome di Chontvari, che durante la sua vita non vendette un solo dipinto, è diventato noto in tutto il mondo.
“Il Vecchio Pescatore”: descrizione del dipinto
Quasi tutto lo spazio della tela è occupato dalla figura di un uomo anziano. Il vento tempestoso gli scompiglia i capelli e i vestiti vecchi e logori. Il pescatore indossa una camicetta nera, un berretto grigio e un mantello. Si appoggia al suo bastone e guarda dritto verso lo spettatore. Il suo viso ha la pelle ruvida ed è ricoperto da una frequente rete di rughe. Sullo sfondo l'artista ha collocato una baia marina. Le onde si infrangono sulla riva, e dai comignoli delle case sulla riva esce un fumo denso. All'orizzonte ci sono le montagne, o meglio le loro sagome, nascoste da una nebbia lattiginosa. Rispetto alla figura del pescatore, il paesaggio è secondario e svolge il ruolo di sfondo.
Il dipinto “Il vecchio pescatore” di Chontvari è realizzato in uno schema cromatico sobrio, con predominanza di colori tenui e tenui: tortora, grigio, sabbia, sfumature di marrone.
Il mistero del dipinto “Il Vecchio Pescatore”
Quale scoperta ha fatto il dipendente del museo? Sveliamo l'intrigo: scoprì che se ricopri metà della tela e rifletti simmetricamente la parte restante, otterrai un quadro completamente finito pezzo d'arte. Inoltre, questo funziona in entrambi i casi: sia con la parte destra che con quella sinistra dell'immagine. Questo è il segreto che il dipinto “Il Vecchio Pescatore” ha custodito per quasi cento anni. Le foto delle metà montate ora possono essere facilmente trovate su Internet. Il riflesso della metà destra è un bell'uomo anziano, sbiancato con i capelli grigi, sullo sfondo della superficie del mare. Se riflettiamo sul lato sinistro, vedremo un uomo con un cappello a punta con gli occhi a mandorla e onde impetuose dietro di lui.
Interpretazione
Il dipinto “Il vecchio pescatore” segnò l’inizio della ricerca di accenni mistici nelle opere di Chontvari. Ciò che ha aggiunto benzina sul fuoco è stato il fatto che durante la sua vita l'artista ha spesso adottato un tono profetico. Questa tela è solitamente interpretata come un simbolo della doppia natura umana: sia la metà chiara che quella oscura, il bene e il male, coesistono in un uomo. A volte viene anche chiamata "Dio e il Diavolo", riflettendo ancora una volta il suo dualismo.
In verità, la storia di successo di Tivadar Kostka Chontvari è un esempio di una serie di felici incidenti (o grande destino, che gli apparivano in visioni, chi lo sa?). Il dipinto "Il vecchio pescatore" - genio e follia - divenne ironicamente la sua chiave per la fama mondiale. Sfortunatamente, il riconoscimento non gli è arrivato durante la sua vita. Ma oggi Chontvari è considerato uno dei migliori e dei più artisti originali Ungheria.
In quasi tutti lavoro significativo l'arte è un mistero, un “doppio fondo” o storia segreta, che voglio rivelare.
Musica sui glutei
Hieronymus Bosch, "Il giardino" piaceri terreni", 1500-1510.
Frammento di parte di un trittico
Controversie sui significati e sui significati nascosti dell'opera più famosa Artista olandese non si sono attenuati dalla sua comparsa. L’ala destra del trittico detta “Inferno Musicale” raffigura i peccatori che vengono torturati negli inferi con l’aiuto di strumenti musicali. Uno di loro ha delle note musicali impresse sulle natiche. Amelia Hamrick, studentessa dell'Oklahoma Christian University, che ha studiato il dipinto, ha tradotto la notazione del XVI secolo in un tocco moderno e ha registrato "una canzone infernale di 500 anni fa".
Monna Lisa nuda
La famosa "La Gioconda" esiste in due versioni: la versione nuda si chiama "Monna Vanna", è stata scritta da artista poco conosciuto Salai, che fu allievo e modello del grande Leonardo da Vinci. Molti storici dell’arte sono sicuri che sia stato lui il modello per i dipinti di Leonardo “Giovanni Battista” e “Bacco”. Ci sono anche versioni in cui Salai, vestito con un abito da donna, fungeva da immagine della stessa Monna Lisa.
Vecchio Pescatore
Nel 1902 l’artista ungherese Tivadar Kostka Csontvary dipinse il dipinto “Il vecchio pescatore”. Sembrerebbe che non ci sia nulla di insolito nell’immagine, ma Tivadar vi ha inserito un sottotesto che non è mai stato rivelato durante la vita dell’artista.
Poche persone hanno pensato di posizionare uno specchio al centro dell'immagine. In ogni persona può esserci sia Dio (la spalla destra del Vecchio è duplicata) sia il Diavolo (la spalla sinistra del Vecchio è duplicata).
C'era una balena?
Hendrik van Antonissen, Scena costiera.
Sembrerebbe che, paesaggio ordinario. Barche, gente sulla riva e un mare deserto. E solo uno studio a raggi X ha mostrato che le persone si radunavano sulla riva per un motivo: nell'originale stavano guardando la carcassa di una balena portata a riva.
Tuttavia, l'artista ha deciso che nessuno avrebbe voluto guardare una balena morta e ha riscritto il dipinto.
Due “Colazioni sull’erba”
Edouard Manet, “Colazione sull'erba”, 1863.
Claude Monet, “Colazione sull’erba”, 1865.
Gli artisti Edouard Manet e Claude Monet a volte vengono confusi: dopotutto erano entrambi francesi, vivevano contemporaneamente e lavoravano nello stile dell'impressionismo. Monet prese persino in prestito il titolo di uno dei dipinti più famosi di Manet, “Colazione sull’erba”, e scrisse il suo “Colazione sull’erba”.
Raddoppia nell'Ultima Cena
Leonardo da Vinci, "L'Ultima Cena", 1495-1498.
Quando Leonardo da Vinci scrisse " ultima cena", attribuì particolare importanza a due figure: Cristo e Giuda. Ha trascorso molto tempo alla ricerca di modelli per loro. Alla fine riuscì a trovare un modello per l'immagine di Cristo tra i giovani cantanti. Per tre anni Leonardo non riuscì a trovare un modello per Giuda. Ma un giorno incontrò per strada un ubriaco che giaceva in un canale di scolo. Era un giovane invecchiato a causa del bere eccessivo. Leonardo lo invitò in un'osteria, dove iniziò subito a dipingere Giuda da lui. Quando l'ubriacone tornò in sé, disse all'artista che aveva già posato per lui una volta. Diversi anni fa, quando cantava nel coro della chiesa, Leonardo dipinse Cristo da lui.
"Ronda di notte" o "Ronda di giorno"?
Rembrandt", La Guardia notturna", 1642.
Uno dei dipinti più famosi di Rembrandt, "L'esibizione della compagnia di fucilieri del capitano Frans Banning Cock e del tenente Willem van Ruytenburg", è rimasto appeso in stanze diverse per circa duecento anni ed è stato scoperto dagli storici dell'arte solo nel XIX secolo. Poiché le figure sembravano sporgenti sfondo scuro, si chiamava "Night Watch", e con questo nome entrò nel tesoro dell'arte mondiale.
E solo durante il restauro effettuato nel 1947, si scoprì che nell'atrio il dipinto era riuscito a ricoprirsi di uno strato di fuliggine, che ne falsava il colore. Dopo la pulizia dipinto originale Alla fine è stato rivelato che la scena presentata da Rembrandt si svolge effettivamente durante il giorno. La posizione dell'ombra della mano sinistra del Capitano Kok mostra che la durata dell'azione non supera le 14 ore.
Barca ribaltata
Henri Matisse, "La barca", 1937.
Al Museo di New York arte contemporanea nel 1961 fu esposto il dipinto di Henri Matisse "La Barca". Solo dopo 47 giorni qualcuno si accorse che il dipinto era appeso a testa in giù. La tela raffigura 10 linee viola e due vele blu su sfondo bianco. L'artista ha dipinto due vele per un motivo: la seconda vela è un riflesso della prima sulla superficie dell'acqua.
Per non commettere errori su come dovrebbe essere appesa l'immagine, è necessario prestare attenzione ai dettagli. La vela più grande dovrebbe essere la parte superiore del dipinto e la punta della vela dovrebbe essere verso l'angolo in alto a destra.
L'inganno nell'autoritratto
Vincent van Gogh, "Autoritratto con la pipa", 1889.
Ci sono leggende secondo cui Van Gogh si sarebbe tagliato l'orecchio. Ora la versione più attendibile è che Van Gogh si sia danneggiato un orecchio in una piccola rissa che ha coinvolto un altro artista, Paul Gauguin.
L'autoritratto è interessante perché riflette la realtà in forma distorta: l'artista è raffigurato con l'orecchio destro bendato perché utilizzava uno specchio mentre lavorava. In effetti, è stato l'orecchio sinistro ad essere colpito.
Orsi alieni
Ivan Shishkin, "Mattinata pineta", 1889.
Il famoso dipinto non appartiene solo a Shishkin. Molti artisti che erano amici tra loro spesso ricorrevano "all'aiuto di un amico" e Ivan Ivanovich, che dipinse paesaggi per tutta la vita, aveva paura che i suoi toccanti orsi non sarebbero andati come voleva. Pertanto, Shishkin si è rivolto al suo amico, l'artista degli animali Konstantin Savitsky.
Savitsky ha disegnato forse i migliori orsi della storia Pittura russa, e Tretyakov ordinò che il suo nome fosse cancellato dalla tela, poiché tutto nel dipinto “dal concetto all'esecuzione, tutto parla del modo di dipingere, di metodo creativo, caratteristico di Shishkin."
La storia innocente di "Gothic"
Grant Wood," gotico americano", 1930.
Il lavoro di Grant Wood è considerato uno dei più strani e deprimenti della storia. Pittura americana. L’immagine con il cupo padre e la figlia è piena di dettagli che indicano la severità, il puritanesimo e la natura retrograda delle persone raffigurate.
L'artista, infatti, non intendeva rappresentare alcun orrore: durante un viaggio in Iowa, notò una piccola casa in stile gotico e ha deciso di ritrarre quelle persone che, secondo lui, sarebbero ideali come abitanti. La sorella di Grant e il suo dentista vengono immortalati come i personaggi da cui gli Iowan erano così offesi.
La vendetta di Salvador Dalì
Il dipinto "Figura alla finestra" fu dipinto nel 1925, quando Dalì aveva 21 anni. A quel tempo, Gala non era ancora entrato nella vita dell'artista e la sua musa ispiratrice era sua sorella Ana Maria. Il rapporto tra fratello e sorella si deteriorò quando in uno dei dipinti scrisse "a volte sputo sul ritratto di mia madre, e questo mi fa piacere". Ana Maria non poteva perdonare un comportamento così scioccante.
Nel suo libro del 1949, Salvador Dalì attraverso gli occhi di una sorella, scrive di suo fratello senza alcuna lode. Il libro fece infuriare Salvador. Per altri dieci anni, la ricordò con rabbia in ogni occasione. E così, nel 1954, apparve il dipinto “Una giovane vergine che si abbandona al peccato di sodomia con l'aiuto delle corna della propria castità”. La posa della donna, i suoi riccioli, il paesaggio fuori dalla finestra e la combinazione di colori del dipinto riecheggiano chiaramente “Figura alla finestra”. Esiste una versione in cui Dalì si è vendicato di sua sorella per il suo libro.
Danae bifronte
Rembrandt Harmens van Rijn, "Danae", 1636 - 1647.
Molti segreti di uno dei dipinti più famosi di Rembrandt furono svelati solo negli anni '60 del Novecento, quando la tela fu illuminata raggi X. Ad esempio, le riprese hanno mostrato che in una prima versione il volto della principessa che entrava storia d'amore con Zeus era simile al volto di Saskia, moglie del pittore, morta nel 1642. Nella versione finale del dipinto, cominciò ad assomigliare al volto di Gertje Dirks, l’amante di Rembrandt, con la quale l’artista visse dopo la morte di sua moglie.
La camera gialla di Van Gogh
Vincent Van Gogh, "Camera da letto ad Arles", 1888 - 1889.
Nel maggio 1888, Van Gogh acquistò un piccolo studio ad Arles, nel sud della Francia, dove fuggì dagli artisti e dai critici parigini che non lo capivano. In una delle quattro stanze, Vincent allestisce una camera da letto. In ottobre tutto è pronto e decide di dipingere “La camera da letto di Van Gogh ad Arles”. Per l'artista il colore e il comfort della stanza erano molto importanti: tutto doveva evocare pensieri di relax. Allo stesso tempo, l'immagine è disegnata in toni gialli allarmanti.
I ricercatori del lavoro di Van Gogh lo spiegano con il fatto che l'artista ha preso la digitale, un rimedio per l'epilessia, che provoca gravi cambiamenti nella percezione del colore del paziente: l'intera realtà circostante è dipinta nei toni del verde e del giallo.
Perfezione senza denti
Leonardo da Vinci, "Ritratto di Lady Lisa del Giocondo", 1503 - 1519.
L'opinione generalmente accettata è che la Gioconda sia la perfezione e il suo sorriso sia bello nel suo mistero. Tuttavia, il critico d'arte americano (e dentista part-time) Joseph Borkowski ritiene che, a giudicare dalla sua espressione facciale, l'eroina abbia perso molti denti. Studiando le fotografie ingrandite del capolavoro, Borkowski scoprì anche cicatrici intorno alla bocca. "Lei "sorride" così proprio per quello che le è successo", ritiene l'esperto. "La sua espressione facciale è tipica delle persone che hanno perso i denti anteriori."
Maggiore sul controllo del volto
Pavel Fedotov, "Il matrimonio del maggiore", 1848.
Il pubblico, che per primo ha visto il dipinto “Major's Matchmaking”, ha riso di cuore: l'artista Fedotov lo ha riempito di dettagli ironici comprensibili al pubblico di quel tempo. Ad esempio, il maggiore chiaramente non ha familiarità con le regole del galateo nobile: si è presentato senza i bouquet richiesti per la sposa e sua madre. E i suoi genitori mercantili vestirono la sposa stessa con un abito da ballo da sera, anche se era giorno (tutte le lampade nella stanza erano spente). La ragazza evidentemente ha provato per la prima volta un abito scollato, è imbarazzata e cerca di scappare in camera sua.
Perché la Libertà è nuda?
Ferdinand Victor Eugene Delacroix, La libertà sulle barricate, 1830.
Secondo il critico d'arte Etienne Julie, Delacroix ha basato il volto della donna sul famoso rivoluzionario parigino: la lavandaia Anne-Charlotte, che andò sulle barricate dopo la morte di suo fratello per mano dei soldati reali e uccise nove guardie. L'artista la raffigurò con il seno nudo. Secondo il suo piano, questo è un simbolo di coraggio e altruismo, nonché del trionfo della democrazia: il seno nudo mostra che la Libertà, come cittadino comune, non indossa un corsetto.
Quadrato non quadrato
Kazimir Malevich, "Nero piazza suprematista", 1915.
In effetti, il “Quadrato Nero” non è affatto nero e non è affatto quadrato: nessuno dei lati del quadrilatero è parallelo a nessuno degli altri suoi lati, e a nessuno dei lati della cornice quadrata che incornicia l’immagine. UN colore scuro- questo è il risultato della miscelazione vari colori, tra i quali non ce n'era uno nero. Si ritiene che questa non sia stata negligenza dell'autore, ma una posizione di principio, il desiderio di creare una forma dinamica e in movimento.
Specialisti Galleria Tretyakov scoperto l'iscrizione dell'autore su famoso dipinto Malevich. L'iscrizione recita: "La battaglia dei neri nella caverna oscura". Questa frase si riferisce al titolo del dipinto umoristico del giornalista, scrittore e artista francese Alphonse Allais, “La battaglia dei negri in una grotta oscura”. a notte fonda", che era un rettangolo completamente nero.
Melodramma della Monna Lisa austriaca
Gustav Klimt, "Ritratto di Adele Bloch-Bauer", 1907.
Uno dei dipinti più significativi di Klimt raffigura la moglie del magnate dello zucchero austriaco Ferdinad Bloch-Bauer. Tutta Vienna discuteva romanticismo vorticoso Adele e artista famoso. Il marito ferito voleva vendicarsi dei suoi amanti, ma scelse molto modo insolito: decise di ordinare un ritratto di Adele a Klimt e di costringerlo a realizzare centinaia di schizzi finché l'artista non iniziò a vomitare da lei.
Bloch-Bauer voleva che il lavoro durasse diversi anni, in modo che il soggetto potesse vedere come i sentimenti di Klimt stavano svanendo. Ha fatto un'offerta generosa all'artista, che non ha potuto rifiutare, e tutto è andato secondo lo scenario del marito ingannato: il lavoro è stato completato in 4 anni, gli amanti si erano calmati da tempo l'uno con l'altro. Adele Bloch-Bauer non ha mai saputo che suo marito fosse a conoscenza della sua relazione con Klimt.
Il dipinto che ha riportato in vita Gauguin
Paul Gauguin, "Da dove veniamo? Chi siamo? Dove andiamo?", 1897-1898.
Più famoso dipinto Gauguin ha una particolarità: si “legge” non da sinistra a destra, ma da destra a sinistra, come i testi cabalistici a cui l'artista era interessato. È in questo ordine che si svolge l'allegoria della vita spirituale e fisica umana: dalla nascita dell'anima (un bambino addormentato nell'angolo in basso a destra) all'inevitabilità dell'ora della morte (un uccello con una lucertola tra gli artigli in nell'angolo in basso a sinistra).
Il dipinto è stato dipinto da Gauguin a Tahiti, dove l'artista fuggì più volte dalla civiltà. Ma questa volta la vita sull'isola non ha funzionato: la povertà totale lo ha portato alla depressione. Terminata la tela, che sarebbe diventata il suo testamento spirituale, Gauguin prese una scatola di arsenico e si recò in montagna a morire. Tuttavia, non calcolò la dose e il suicidio fallì. La mattina dopo, barcollò verso la sua capanna e si addormentò, e quando si svegliò sentì una sete di vita dimenticata. E nel 1898, i suoi affari iniziarono a migliorare e iniziò un periodo più luminoso nel suo lavoro.
112 proverbi in un'unica immagine
Pieter Bruegel il Vecchio, "Proverbi olandesi", 1559
Pieter Bruegel il Vecchio dipinse una terra abitata da immagini letterali dei proverbi olandesi di quei tempi. Il dipinto contiene circa 112 idiomi riconoscibili. Alcuni di essi sono utilizzati ancora oggi, ad esempio: “nuotare contro corrente”, “sbattere la testa contro il muro”, “armati fino ai denti” e “ pesce grosso mangia il piccolo."
Altri proverbi riflettono la stupidità umana.
Soggettività dell'art
Paul Gauguin," Villaggio bretone sotto la neve", 1894
Il dipinto di Gauguin "Villaggio bretone nella neve" fu venduto dopo la morte dell'autore per soli sette franchi e, inoltre, con il titolo " cascate del Niagara" L'uomo che ha organizzato l'asta ha appeso accidentalmente il dipinto a testa in giù perché vi ha visto una cascata.
Immagine nascosta
Pablo Picasso, “Camera Blu”, 1901
Nel 2008, la radiazione infrarossa ha rivelato che nascosta sotto la Sala Blu c'era un'altra immagine: il ritratto di un uomo vestito con un abito con un papillon e con la testa appoggiata sulla mano. “Non appena Picasso lo aveva fatto nuova idea, ha preso il pennello e lo ha incarnato. Ma non ha avuto la possibilità di acquistare nuova tela ogni volta che una musa lo visitava”, spiega possibile motivo questa critica d'arte Patricia Favero.
Marocchini indisponibili
Zinaida Serebryakova, “Nuda”, 1928
Una volta ricevuta Zinaida Serebryakova offerta allettante- vai a viaggio creativo per rappresentare figure nude di fanciulle orientali. Ma si è scoperto che trovare modelli in quei luoghi era semplicemente impossibile. Il traduttore di Zinaida è venuto in soccorso: le ha portato le sue sorelle e la fidanzata. Nessuno prima o dopo è stato in grado di catturarlo chiuso donne orientali nudo.
Intuizione spontanea
Valentin Serov, “Ritratto di Nicola II in giacca”, 1900
Per molto tempo Serov non riuscì a dipingere un ritratto dello zar. Quando l'artista si arrese completamente, si scusò con Nikolai. Nikolai era un po' turbato, si sedette al tavolo, allungando le braccia davanti a sé... E poi l'artista si rese conto: ecco l'immagine! Un semplice militare con la giacca da ufficiale con gli occhi chiari e tristi. Questo ritratto è considerato migliore immagine l'ultimo imperatore.
Un altro diavolo
© Fedor Reshetnikov
Il famoso dipinto “Deuce Again” è solo la seconda parte di una trilogia artistica.
La prima parte è “Arrivati in vacanza”. Chiaramente una famiglia benestante le vacanze invernali, gioioso studente eccellente.
La seconda parte è "Ancora un diavolo". Una famiglia povera della periferia operaia, nel pieno dell'anno scolastico, un idiota abbattuto che prese ancora una volta un brutto voto. Nell'angolo in alto a sinistra puoi vedere il dipinto “Arrivati per le vacanze”.
La terza parte è “Riesame”. Casa di campagna, estate, tutti camminano, un malizioso ignorante, che non ha superato l'esame annuale, è costretto a sedersi quattro mura e stipare. Nell’angolo in alto a sinistra puoi vedere il dipinto “Deuce Again”.
Come nascono i capolavori
Joseph Turner, Pioggia, vapore e velocità, 1844
Nel 1842, la signora Simon viaggiò in treno in Inghilterra. All'improvviso iniziò un forte acquazzone. L'anziano signore seduto di fronte a lei si alzò, aprì la finestra, sporse la testa e guardò per una decina di minuti. Incapace di contenere la curiosità, anche la donna aprì la finestra e cominciò a guardare avanti. Un anno dopo, in una mostra alla Royal Academy of Arts, scopre il dipinto “Rain, Steam and Speed” e vi riconosce lo stesso episodio sul treno.
Lezione di anatomia da Michelangelo
Michelangelo, "La Creazione di Adamo", 1511
Una coppia di esperti americani di neuroanatomia ritiene che Michelangelo abbia effettivamente lasciato alcune illustrazioni anatomiche in uno dei suoi libri opere famose. Credono che il lato destro del dipinto raffiguri un enorme cervello. Sorprendentemente si possono trovare anche componenti complessi, come il cervelletto, i nervi ottici e l'ipofisi. E l'accattivante nastro verde si abbina perfettamente alla posizione dell'arteria vertebrale.
"L'Ultima Cena" di Van Gogh
Vincent Van Gogh," Terrazza notturna caffè", 1888
Il ricercatore Jared Baxter ritiene che il dipinto di Van Gogh “La terrazza del caffè di notte” contenga una dedica crittografata all’”Ultima Cena” di Leonardo da Vinci. Al centro dell'immagine c'è un cameriere con capelli lunghi e in una tunica bianca che ricorda gli abiti di Cristo, e intorno a lui ci sono esattamente 12 visitatori del caffè. Baxter attira l'attenzione anche sulla croce situata direttamente dietro il cameriere in bianco.
L'immagine della memoria di Dalì
Salvador Dalì, "La persistenza della memoria", 1931
Non è un segreto che i pensieri che hanno visitato Dalì durante la creazione dei suoi capolavori fossero sempre sotto forma di immagini molto realistiche, che l'artista ha poi trasferito su tela. Quindi, secondo l'autore stesso, il dipinto “La persistenza della memoria” è stato dipinto a seguito di associazioni nate dalla vista del formaggio fuso.
Di cosa sta urlando Munch?
Edvard Munch, "L'urlo", 1893.
Munch ha parlato di come gli è venuta l'idea di uno dei più dipinti misteriosi nella pittura del mondo: “Camminavo lungo un sentiero con due amici - il sole stava tramontando - all'improvviso il cielo si è tinto di rosso sangue, mi sono fermato, sentendomi esausto, e mi sono appoggiato al recinto - ho guardato il sangue e le fiamme sul bluastro- fiordo nero e la città - i miei amici sono andati avanti, e io sono rimasto lì, tremando per l'eccitazione, sentendo un grido infinito che trafiggeva la natura." Ma quale tipo di tramonto potrebbe spaventare così tanto l'artista?
Esiste una versione secondo cui l'idea di "L'Urlo" è nata a Munch nel 1883, quando si verificarono diverse potenti eruzioni del vulcano Krakatoa, così potenti da cambiare la temperatura dell'atmosfera terrestre di un grado. Copiose quantità di polvere e cenere sparse ovunque al globo, raggiungendo anche la Norvegia. Per diverse sere di seguito, i tramonti sembravano come se stesse per arrivare l'apocalisse: uno di questi è diventato fonte di ispirazione per l'artista.
Uno scrittore tra la gente
Alexander Ivanov, "L'apparizione di Cristo al popolo", 1837-1857.
Decine di modelli hanno posato per Alexander Ivanov per il suo immagine principale. Uno di questi è conosciuto niente meno che l'artista stesso. Sullo sfondo, tra viaggiatori e cavalieri romani che non hanno ancora ascoltato la predica di Giovanni Battista, si vede un personaggio in tunica. Ivanov lo ha scritto da Nikolai Gogol. Lo scrittore ha comunicato a stretto contatto con l'artista in Italia, in particolare su questioni religiose, e gli ha dato consigli durante il processo di pittura. Gogol credeva che Ivanov "fosse morto da tempo per il mondo intero, tranne che per il suo lavoro".
La gotta di Michelangelo
Raffaele Santi," Scuola di Atene", 1511.
Creare famoso affresco"La Scuola di Atene", Raffaello immortalò nelle immagini i suoi amici e conoscenti filosofi greci antichi. Uno di questi era Michelangelo Buonarotti “nei panni” di Eraclito. Per diversi secoli l'affresco mantenne segreti vita privata Michelangelo e i ricercatori moderni hanno ipotizzato che il ginocchio stranamente angoloso dell’artista indicasse che aveva una malattia articolare.
Ciò è abbastanza probabile, date le peculiarità dello stile di vita e delle condizioni di lavoro degli artisti del Rinascimento e il cronico maniaco del lavoro di Michelangelo.
Specchio dei coniugi Arnolfini
Jan van Eyck, "Ritratto dei coniugi Arnolfini", 1434
Nello specchio dietro i coniugi Arnolfini si vedono riflesse altre due persone nella stanza. Molto probabilmente, questi sono testimoni presenti alla conclusione del contratto. Uno di questi è van Eyck, come testimonia l’iscrizione latina posta, contrariamente alla tradizione, sopra lo specchio al centro della composizione: “Jan van Eyck era qui”. Questo è il modo in cui solitamente venivano stipulati i contratti.
Come uno svantaggio si è trasformato in un talento
Rembrandt Harmens van Rijn, Autoritratto all'età di 63 anni, 1669.
La ricercatrice Margaret Livingston ha studiato tutti gli autoritratti di Rembrandt e ha scoperto che l'artista soffriva di strabismo: nelle immagini i suoi occhi guardano in direzioni diverse, cosa che non si osserva nei ritratti di altre persone del maestro. La malattia ha fatto sì che l'artista fosse in grado di percepire la realtà in due dimensioni meglio delle persone con una vista normale. Questo fenomeno è chiamato “cecità stereo” – l’incapacità di vedere il mondo in 3D. Ma dal momento che il pittore deve lavorare immagine bidimensionale, era questo difetto di Rembrandt che potrebbe essere una delle spiegazioni del suo talento fenomenale.
Venere senza peccato
Sandro Botticelli, "Nascita di Venere", 1482-1486.
Prima dell'apparizione della "Nascita di Venere" l'immagine di un nudo corpo femminile in pittura simboleggiava solo l'idea del peccato originale. Sandro Botticelli fu il primo dei pittori europei a non trovare nulla di peccaminoso in lui. Inoltre, gli storici dell'arte ne sono sicuri dea pagana simboleggia l'amore sull'affresco Immagine cristiana: la sua apparizione è un'allegoria della rinascita di un'anima che ha subito il rito del battesimo.
Suonatore di liuto o suonatore di liuto?
Michelangelo Merisi da Caravaggio, "Il suonatore di liuto", 1596.
Per lungo tempo il dipinto fu esposto all'Ermitage con il titolo “Il suonatore di liuto”. Solo all'inizio del XX secolo gli storici dell'arte furono concordi nel ritenere che il dipinto raffigurasse un giovane (probabilmente posò per lui un conoscente di Caravaggio, il pittore Mario Minniti): sulle note davanti al musicista si vede una registrazione del basso verso del madrigale di Jacob Arkadelt “Sai che ti amo” . Una donna difficilmente potrebbe fare una scelta del genere: è solo dura per la gola. Inoltre, il liuto, come il violino all’estremità del quadro, era considerato uno strumento maschile all’epoca di Caravaggio.
Ai cedri del Libano
Ciò è accaduto con un modesto farmacista ungherese di nome Tivadar Kostka Csontvary, che per noi è difficile da ricordare. Si sedeva nella sua farmacia in un piccolo villaggio dei Carpazi chiamato Iglo, selezionava ricette illeggibili, dispensava gocce e pillole e ascoltava le lamentele delle donne anziane secondo cui le polveri non aiutavano. Rimase seduto a lungo, più di una dozzina di anni. E improvvisamente caldo notte d'estate Nel 1881 fece un sogno...
Kostka non ha raccontato a nessuno del suo sogno, ma letteralmente il giorno dopo ha affittato una farmacia, ha raccolto tutti i soldi, ha comprato pennelli e colori ed è andato direttamente in Libano per dipingere i cedri libanesi.
L'artista appena coniato non è più apparso nella sua farmacia. Viaggiato in Grecia, Italia, Nord Africa viaggiò e durante questo periodo creò più di cento dipinti.
Ha scritto quanto segue su se stesso: “Io, Tivadar Kostka, in nome del rinnovamento del mondo, ho rinunciato alla mia giovinezza. Quando presi l'iniziazione dallo spirito invisibile, avevo una posizione sicura, vivevo nella prosperità e nel conforto. Ma ho lasciato la mia terra natale perché volevo vederla ricca e gloriosa alla fine della mia vita. Per raggiungere questo obiettivo, ho viaggiato molto in tutta Europa, Asia e Africa. Volevo trovare la verità che mi era stata predetta e trasformarla in pittura”.
"Vecchio pescatore"
Il valore delle sue opere è stato messo in dubbio da molti critici. Furono esposti in Europa (anche se senza molto successo), ma nella loro nativa Ungheria, Csontvary fu una volta per tutte definito pazzo. Solo alla fine della sua vita venne a Budapest e vi portò i suoi dipinti. Ho provato a lasciarli in eredità a un museo locale, ma nessuno ne aveva bisogno. Nel 1919, Tivadar Kostka Chontvari impazzì davvero e morì povero, solo, ridicolizzato e inutile per chiunque.
Dopo aver seppellito lo sfortunato, i parenti iniziarono a spartirsi i beni. Ma tutto quello che c'era di buono erano le foto. E così, dopo essersi consultati con gli “esperti”, decisero di rottamare le tele come tele normali e di dividere tra loro il denaro in modo che tutto fosse giusto.
In questo periodo, quasi per caso, passò di lì il giovane architetto Gedeon Gerlotsi. Fu lui a salvare le creazioni dell’artista, pagandole un po’ di più di quanto offriva il rigattiere.
Ora i dipinti di Tivadar Csontvari sono conservati nel museo della città di Pecs (Ungheria).
E proprio di recente, uno dei dipendenti del museo, mentre guardava il dipinto di Kostka “Il vecchio pescatore”, dipinto nel 1902, ha avuto l’idea di metterci sopra uno specchio. E poi vide che sulla tela non c'era un quadro, ma almeno due! Prova a dividere tu stesso la tela con uno specchio e vedrai o un dio seduto su una barca sullo sfondo di un paesaggio pacifico, si potrebbe dire, paradisiaco, o il diavolo stesso, dietro il quale infuriano onde nere. O forse in altri film di Chontvari sì significato nascosto? Dopotutto, si scopre che l'ex farmacista del villaggio di Iglo non era così semplice.