Kozlova Letteratura musicale russa 2° anno di studio. Kozlov. Letteratura musicale russa

N.P. Kozlova

Terzo anno di studio

russo letteratura musicale: Libro di testo per la scuola di musica per bambini: il terzo anno di insegnamento della materia. – M.: Musica. – 2003.

ISBN 5-7140-1062-0

Un nuovo libro di testo nel ciclo di manuali di letteratura musicale per le scuole di musica. L'autore copre la vita e l'opera dei compositori russi del XIX secolo - Glinka, Dargomyzhsky, Borodin, Mussorgsky, Rimsky-Korsakov, Čajkovskij e altri, esamina i problemi dell'arte russa dell'era pre-Glinka, la prima e la seconda metà del il 19esimo secolo.

Per gli studenti delle scuole di musica per bambini e delle scuole d'arte.

Casa editrice "Musica" 2004

Musica russa dall'antichità al XVIII secolo

La musica russa è una sorta di cronaca della storia secolare del nostro paese. Le sue origini sono nel tempi antichi e sono strettamente collegati alla creatività artistica degli slavi orientali: canzoni, fiabe, leggende. L'arte popolare è sempre stata inseparabile sia dalle credenze e dai rituali (prima pagani, poi cristiani), sia dal lavoro agricolo, che costituiva la base della vita. Il popolo russo è sempre stato famoso per la sua musicalità e la canzone accompagnava una persona dalla nascita alla morte. Anche questo spiega grande varietà i suoi generi, tra cui ci sono poemi epici, ninne nanne, rituali, danza, lavoro, gioco e molte altre canzoni.

Già nell'antichità era molto diffuso e musica strumentale. È stato eseguito su vari archi, ottoni e strumenti a percussione, tra cui una delle più amate era l'arpa. A poco a poco, nelle canzoni popolari, si svilupparono danze, melodie, un tipo di melodia, caratteristiche di modo, ritmo, polifonia, cioè si formarono caratteristiche dello stile musicale nazionale, che in seguito determinarono l'originalità unica della musica professionale russa.

L'origine della musica professionale in Russia ebbe luogo nell'era della creazione del primo antico stato russo: Kievan Rus (secoli IX-XIII). Di grande importanza per il suo successivo sviluppo politico e politico furono l’introduzione del cristianesimo come religione di stato (988) e il rafforzamento dei legami con Bisanzio. sviluppo culturale. Kievan Rus durante il suo periodo di massimo splendore (la prima metà dell'XI secolo) occupò un posto importante tra i paesi dell'Europa medievale. Il suo ruolo nella storia della cultura russa è grande, come testimoniano i capolavori giunti fino a noi: l'architettura e gli affreschi della Cattedrale di Kiev. Cattedrale di Sofia e la famosa opera dell'antica letteratura russa "Il racconto della campagna di Igor".

Le prime forme di musica professionale furono l'arte secolare orale di cantastorie e buffoni e scritta

creatività musicale associata al canto in chiesa. La musica occupava un posto importante nella vita di Kievan Rus. Suonava durante cerimonie, campagne militari, feste, caccia e anche nella vita di tutti i giorni.

Buffoni: i preferiti dei principi e gente comune- Erano artisti di talento - cantanti e ballerini, "atti" e prestigiatori, acrobati e addestratori di animali. Hanno accompagnato le loro esibizioni suonando vari strumenti popolari: flauti, cornamuse, salterio, corni, trombe, tamburelli, flauti. Cantanti-narratori cantavano le imprese militari di principi e squadre; l'immagine di un simile cantautore è ricreata nel Racconto della campagna di Igor, il cui autore ricorda il famoso Bayan, vissuto nell'XI secolo.

Con l'adozione del cristianesimo, iniziò a svilupparsi la musica spirituale, che all'inizio conobbe un forte impatto Influenza bizantina. Il canto in chiesa era monofonico, senza accompagnamento strumentale, ed era registrato utilizzando speciali segni convenzionali derivati ​​​​dal sistema di scrittura non personale. ( Nevmes (dal greco "respiro") - segni di notazione musicale, che venivano usati nel canto della chiesa nell'Europa medievale; erano posti sopra il testo verbale e ricordavano ai cantanti solo la direzione della melodia, cioè servivano come una sorta di “suggerimento” durante il canto). Questi segni potevano designare sia un suono che un gruppo di suoni, un intero canto caratteristico, ma non indicavano la loro altezza esatta. Questo modo di registrare la musica si chiama

il nome di uno dei segni principali - "gancio"). Le melodie del canto (canto) di Znamenny erano solitamente costruite su un movimento graduale graduale nell'intervallo di una quarta o

Dopo il crollo di Kievan Rus, associato alla guerra civile dei principi e all'invasione delle orde mongolo-tartare (nel 1240, Kiev fu presa da Batu Khan), Novgorod, una ricca città commerciale politicamente indipendente ("libera") , diventa il principale custode dell'antica cultura russa. Epica di Novgorod ci ha portato una descrizione della sua vita rumorosa e brillante, i cui partecipanti indispensabili erano i buffoni, e il più famoso tra loro era il cantante e arpista Sadko. Novgorod diventa una sorta di centro della buffoneria russa. Interi insediamenti di buffoni sorsero dentro e intorno alla città. Vi abitavano numerose famiglie di artisti, da lì viaggiavano per tutta la Rus'. I coristi della chiesa di Novgorod e i maestri del suono delle campane erano famosi per la loro arte. La spettacolare e diversificata "musica delle campane" è diventata un altro tipo unico di antica arte russa.

Dalla fine del XIV secolo iniziò l'unificazione delle terre russe attorno a Mosca e la creazione di un unico stato. Nel 1380, l'esercito russo, guidato dal principe Dmitry Donskoy di Mosca, sconfisse il tartaro Khan Mamai nella battaglia del campo di Kulikovo e alla fine del XV secolo, sotto il principe Ivan III, la Rus' fu completamente liberata dai mongoli. Giogo tartaro. Ivan III fu il primo dei principi di Mosca a definirsi "il sovrano di tutta la Rus'". Nel XVI secolo, suo nipote Ivan IV il Terribile allargò i confini dello stato, annettendo nuove terre. Mosca diventa la capitale della Russia

potere, simbolo della sua grandezza e gloria.

L'era della Rus' moscovita- una nuova fase nello sviluppo della cultura e dell'arte nazionale. Grandi artisti creano i loro capolavori: Feofan Grek, Andrei Rublev, Daniil Cherny, Dionysius, appare un nuovo complesso architettonico del Cremlino di Mosca(Per lavorare alla creazione del Cremlino furono coinvolti Maestri italiani, tra cui l'architetto A. Fioravanti e l'ingegnere P. Solari) , numerosi monasteri e cattedrali. Anche la comparsa dei primi libri stampati risale alla metà del XVI secolo: nel 1564 I. Fedorov e P. Mstislavets pubblicarono il libro liturgico "Apostolo".

Nel folklore della canzone di questo tempo nasce un nuovo genere epico: canzone storica, che sostituisce i poemi epici: in esso, a differenza dei poemi epici, si raccontava eventi reali ed eroi. Poi appare canzone lirica con le sue immagini profondamente emotive e la natura improvvisativa delle melodie, come evidenziato dall'esistenza di molte varianti delle canzoni. A questo genere è collegato anche lo sviluppo di un tipo speciale di polifonia, la polifonia corale subvocale russa.

Alla corte di Mosca l'arte secolare continuò a svilupparsi. Nonostante la costante persecuzione dei buffoni da parte della chiesa come "empi" che compivano "azioni empie", gli zar di Mosca amavano il "divertimento" dei buffoni e tenevano per loro un intero staff di artisti. A poco a poco, europeo intrattenimento musicale- ascoltare musica "d'oltremare" suonata all'organo e al clavicordo. A Mosca, si preoccupavano costantemente dello stato del canto in chiesa: fu fatto molto lavoro per correggere gli errori nei vecchi canti znamenny e furono sistematizzati i canti spirituali, che portarono alla creazione nel XV secolo di "Obikhod" - un libro di canti della Chiesa ortodossa russa. Alla fine del XV secolo, alla corte di Ivan III, aCoro dei Cantori Sovrani. Comprendeva 30-35 cantanti che accompagnavano costantemente il re e cantavano sia nelle cattedrali che durante le varie cerimonie di palazzo ( Nel XVIII secolo il coro fu trasferito a San Pietroburgo e trasformato nella Cappella dei canti di corte) . Il tempo della Russia moscovita fu l'era della più alta fioritura della cultura corale del canto Znamenny.

Il XVII secolo divenne una pietra miliare nella storia della Russia: finì il Medioevo e iniziò una nuova fase importante nello sviluppo dello stato, durante la quale si verificarono seri cambiamenti in tutte le sfere della vita. L'allarmante inizio del secolo, la difficile situazione politica e sociale all'interno del Paese furono associati a molteplici ragioni: questo è il periodo “travagliato” dell'interregno con la sua lotta per il trono, che si concluse con l'ascesa al potere nel 1613 del dinastia dei Romanov, disastri naturali e rivolte contadine, la lotta contro l'intervento polacco e svedese. Solo verso la metà del secolo si rafforza sistema politico Russia, la sua economia è in ripresa. Un evento importante per l'ulteriore sviluppo dello stato, il riavvicinamento e la stretta interazione della cultura dei popoli slavi fu l'unificazione di Russia e Ucraina nel 1654. Allo stesso tempo, l'aumento delle tasse statali e la riduzione in schiavitù dei contadini portarono nella seconda metà del XVII secolo a nuovi sconvolgimenti sociali, tra i quali la guerra contadina guidata da Stepan Razin divenne la più significativa. UN riforme della chiesa Il patriarca Nikon è stato causato da un movimento di protesta (divisione) tra la popolazione contadina e urbana e da numerosi discorsi in difesa della "vecchia fede".

Nonostante tutti gli sconvolgimenti, il XVII secolo fu un punto di svolta nel campo dell’educazione, della cultura e dell’arte. Il rafforzamento del prestigio internazionale della Russia, la crescita del commercio estero contribuiscono al rafforzamento dei suoi legami culturali con i paesi dell'Europa occidentale, allo sviluppo della scienza e dell'istruzione. La stampa di libri si sta sviluppando con successo e non viene pubblicata solo letteratura religiosa, ma anche libri scientifici e tecnici. In una società nobile cresce il desiderio di istruzione e illuminazione: vengono organizzate le prime scuole che forniscono l'istruzione secondaria e nel 1687 viene aperta a Mosca la prima Accademia slava-greco-latina superiore. IN creatività letteraria sorgono nuovi generi secolari: storie quotidiane, storiche, satiriche. Grandi cambiamenti stanno avvenendo nella pittura. Uno di figure centrali nell'arte del XVII secolo c'era un artista, scienziato, insegnante e teologo Simon Ushakov; già nella pittura di icone, ha cercato di ricreare un volto umano vivente (“come accade nella vita”). Una comprensione così nuova del compito principale dell'arte come riflessione

la realtà porta alla nascita della scrittura parsun, cioè il genere del ritratto secolare

(“Parsuna” è una parola latina distorta “persona”, che significa “volto”, “personalità”.).

Seri cambiamenti hanno avuto luogo in questo secolo e nella musica. Già nel XVI secolo sorsero queste prime forme di polifonia ecclesiastica come canto a due e tre parti. Ma la vera affermazione della polifonia nella musica sacra russa avviene nella seconda metà del XVII secolo, quando a Mosca si consolidò un nuovo stile corale proveniente dall'Ucraina - canto partes ("Partes" (lat.) - "voci"; canto partes - canto con voci, parti corali ). Di solito si trattava di canti a quattro, sei, otto, dodici o più voci. La loro registrazione era già stata eseguita utilizzando una notazione di cinque righe, chiamata "lettera di Kiev" e con note di forma quadrata. I concerti spirituali sono diventati la forma più sviluppata di polifonia partesny. Venivano eseguiti durante il servizio festivo, si distinguevano per il grande lusso della scrittura musicale e il numero di voci poteva raggiungere 24. I tratti caratteristici del concerto delle parti erano la pienezza e la ricchezza del suono, i contrasti dinamici colorati con l'alternanza di episodi corali e d'insieme.

Parallelamente all'istituzione del canto partes nel servizio divino, nella vita di tutti i giorni è nato il genere del canto polifonico, che veniva eseguito a casa durante le ore di svago. Questi erano i Kant, anch'essi originari dell'Ucraina. All'inizio, il contenuto del cant era religioso, ma gradualmente divenne puramente secolare: solennemente elogiativo, patriottico, amorevolmente lirico e persino comico. Nella forma, il canto era una canzone in distico, aveva una presentazione a tre voci, in cui le due voci superiori si muovevano in terze parallele, e il basso dava una base armonica:

Successivamente Kant gettò le basi per il genere romantico russo. Nel XVII secolo iniziarono gradualmente a scomparire antiche usanze E

tradizioni: ad esempio, nel 1648, sotto l'influenza della chiesa, fu emanato un regio decreto che vietava la partecipazione dei buffoni ai festeggiamenti e ordinava la distruzione delle loro maschere e degli strumenti musicali. Allo stesso tempo, a corte e nella cerchia dei boiardi illuminati, cresceva la passione per la musica strumentale europea, e i nobili nobili avevano cori e orchestre domestiche. Un evento importante fu la creazione del primo teatro di corte russo durante il regno di Alexei Mikhailovich. Nel suo repertorio prevalevano rappresentazioni su argomenti biblici e in esse la musica giocava un ruolo importante, per la cui esecuzione i musicisti venivano dimessi dall'estero.

18esimo secolo è entrata nella storia del mondo come "l'età della ragione e dell'illuminazione" ( Illuminismo: il corso ideologico dell'era di transizione dal feudalesimo al capitalismo. Maggior parte figure eminenti L'Illuminismo fu J. Locke in Inghilterra, Voltaire, J.-J. Rousseau, C. Montesquieu, D. Diderot in Francia, G. E. Lessing, F. Schiller, J. V. Goethe in Germania, T. Jefferson, B. Franklin negli Stati Uniti, M. Lomonosov, N. Novikov, A. Radishchev in Russia. Gli illuministi si batterono per la libertà politica e l'uguaglianza civile, per l'instaurazione del "regno della ragione". bel posto nella realizzazione di un nuovo ordine sociale, gli Illuministi assegnarono la diffusione della conoscenza; Così, in Francia, sotto la guida di Diderot, l'Enciclopedia, o Dizionario Scienze,

visione del mondo, porta al rapido sviluppo delle scienze naturali, della filosofia, della letteratura e dell'arte. Nel XVIII secolo, grazie alle riforme di Pietro I, anche la Russia fu inclusa nel processo generale di sviluppo, unendosi alle conquiste della civiltà europea.(Pietro I - il primo imperatore russo,

regnò dal 1689 al 1725 ). I decreti di Pietro cambiarono l'intero modo di vivere russo: le vecchie usanze furono distrutte e ne furono introdotte di nuove, furono aperte scuole civili (cioè non ecclesiastiche), fu istituita l'Accademia delle Scienze e furono rafforzati i legami culturali con i paesi dell'Europa occidentale. Le trasformazioni avvenute all'epoca di Pietro il Grande continuarono durante il regno dell'imperatrice Elisabetta Petrovna ( Elizaveta Petrovna - figlia di Pietro I, imperatrice russa dal 1741 ). Durante il suo regno furono compiuti notevoli progressi politica estera ed economia del Paese, nonché così importante eventi culturali, come l'apertura dell'Università di Mosca e del teatro pubblico russo, l'istituzione dell'Accademia delle arti con corsi di musica.

Seconda metà del XVIII secolo divenne il "periodo d'oro" della nobiltà russa, ma la fioritura della monarchia assoluta sotto Caterina II ebbe un duplice carattere. Da un lato, entro la fine del secolo, la Russia diventa una forte potenza che influenza il destino del mondo (il che è stato facilitato dalle vittorie militari sul re prussiano Federico II e sulla Turchia), dall'altro l'oppressione del potere i contadini si intensificano costantemente e il popolo, spinto all'estremo, inizia una grandiosa guerra, guidata da Emelyan Pugachev. Nonostante la repressione della rivolta, l'influenza delle sue idee amanti della libertà fu fortemente influenzata le menti migliori quella volta.

All'intenso sviluppo del pensiero sociale ha risposto anche il rapido progresso nel campo della creatività artistica. Grazie alla stretta interazione tra le tradizioni della cultura europea e la secolare esperienza dell'antica arte russa in Russia, entro la fine del secolo furono create scuole nazionali di letteratura e pittura, scultura e architettura, teatro e musica ( Scuola: una direzione nella letteratura, nella scienza, nell'arte, i cui rappresentanti sono collegati dall'unità di visioni di base, interessi e metodi creativi ). Orgoglio cultura nazionale divennero i nomi degli scrittori Trediakovsky, Lomonosov, Sumarokov, Radishchev, Novikov, Derzhavin, Fonvizin, Krylov,

Maniero domestico di produzione musicale nella Russia del XVIII secolo

Karamzin, artisti Argunov, Rokotov, Levitsky, Borovikovsky, Losenko, scultori Shubin e Kozlovsky, architetti Bazhenov e Kazakov, artisti Volkov e Dmitrevsky, compositori Dubyansky, Berezovsky, Pashkevich, Fomin, Matinsky, Khandoshkin, Bortnyansky, Kozlovsky e altri.

Lo sviluppo dell'arte musicale in Russia nel XVIII secolo fu insolitamente rapido: dalla conoscenza di opere straniere, opere da camera e sinfoniche fino ad allora sconosciute alla comparsa di un'intera galassia di compositori nazionali. Peter ho aperto una novità per la società russa Forme europee incontri pubblici - assemblee,

mascherate, celebrazioni di corte e feste	con musica e

concerti settimanali da composizioni strumentali compositori del XVII e XVIII secolo. Le bande di ottoni militari create con un decreto speciale suonavano durante sfilate e festività, e a Mosca, sulla Piazza Rossa, fu aperto il primo teatro pubblico, le cui esibizioni erano invariabilmente accompagnate dalla musica. Allo stesso tempo, nell'era di Pietro il Grande, continuarono a svilupparsi generi musicali nazionali come il concerto delle parti e un tipo speciale di canti di saluto -

canty-vivati ​​​​("Vivat" (lat.) - "lunga vita") . Inizia così il canto, composto nel 1721 in occasione della fine della Grande Guerra del Nord:

A poco a poco, la musica iniziò a entrare nella vita quotidiana della nobiltà russa: divenne di moda suonare vari strumenti (clavicordo, arpa, flauto, chitarra), l'esecuzione di canti secolari - lirici amorosi, comici, di congratulazioni - divenne molto popolare a casa serate. Successivamente, l'usanza di fare musica in casa fu adottata da persone di altre classi. La musica viene ascoltata sempre più spesso nelle tenute e nelle case di città. Si tratta di canzoni urbane e russe, brani di danza, variazioni su temi popolari, nonché opere più complesse: sonate e quartetti.

La canzone cittadina è nata sulla base di una canzone popolare contadina, che si è “adattata” alla vita urbana - un nuovo modo di esibirsi: la sua melodia era accompagnata da un accompagnamento di accordi di qualche strumento con una chiara struttura ritmica e semplici giri armonici.

La canzone popolare di questo tempo ha contenuti molto diversi; oltre ai generi preesistenti, ne compaiono di nuovi: soldato e recluta, in marcia e valoroso. Le canzoni storiche ricevono un contenuto diverso, che raccontano le vittorie militari della Russia, le gesta di Pietro I,

campagne di Suvorov, circa rivolte contadine, i loro eroi, leader e destini delle persone svantaggiate.

Nel XVIII secolo inizia lo studio dei migliori esempi di folclore nazionale; ci sono studi dedicati al russo racconti popolari, proverbi, rituali e canzoni. Realizzata per la prima volta notazione musicale Vengono compilate canzoni popolari e raccolte speciali con i loro arrangiamenti. Tali raccolte erano "Raccolta di canzoni semplici russe con note" del cantante e guslist V. Trutovsky e "Raccolta di canzoni popolari russe con le loro voci" di N. Lvov e I. Prach (N.

Lvov è una figura di spicco della cultura russa, scienziato, artista, poeta, amante della musica, collezionista di testi di canzoni popolari. I. Prach - compositore ceco, insegnante di pianoforte, folclorista musicale; visse gran parte della sua vita in Russia). Le canzoni di queste raccolte, arrangiate per voce e pianoforte, venivano utilizzate sia dagli amanti della musica che dai compositori che le prendevano in prestito per le loro opere: opere, variazioni strumentali, aperture sinfoniche.

A metà del secolo c'è il nuovo tipo vocale - musica lirica - canzone russa (canzoni create su testi poetici russi - Sumarokov, Derzhavin e altri poeti). Le prime canzoni russe furono composte da un famoso amante della musica, statista e scienziato G. Teplov e pubblicate nella raccolta "Idleness Between Things". Nella loro esposizione sono ancora molto vicini ai Kant. Le opere scritte alla fine del secolo da F. Dubyansky e O. Kozlovsky hanno già una parte di pianoforte abbastanza sviluppata, una forma più complessa e diventano i primi romanzi russi.

Lo sviluppo della musica strumentale da camera è legato anche alla produzione musicale domestica. Particolarmente preferiti erano tutti i tipi di brani di danza - minuetti, polacche, ecossesse, danze country e altri - e variazioni sui temi delle canzoni popolari per vari strumenti. Molte di queste variazioni sono state create per il violino Ivan Evstafievich Khandoshkin(1747-1804) - compositore e il primo virtuoso violinista, direttore d'orchestra e insegnante russo. Maggior parte Ha vissuto la sua vita a Pietroburgo. Khandoshkin era bravo anche a suonare la viola, la chitarra e la balalaika, e nel suo attività concertistica famoso per l'arte dell'improvvisazione. È stato il creatore della sonata russa per violino solo.

Un altro eccezionale compositore del XVIII - inizio XIX secolo

era Dmitrij		Stepanovich		Bortnyanskij (1751-1825). Muse-
ha ricevuto prima un'istruzione formale
nel cortile cappella del canto, UN
poi in Italia, dove visse per dieci anni e
divenne un rinomato compositore. Di
tornare in Russia, tutto oltre
il destino del musicista				Associato a
cortigiano		coro, dove
				titolo di lavoro
Kapellmeister, e in seguito divenne lei
direttore.		Creazione		Bortnyansky
grande e vario - oltre a in-
strumentale				(clavier

sonate, complessi da camera e altri), compose opere e romanze. Ma è entrato nella storia della cultura russa come autore di più di cento opere corali. Il compositore creò meravigliosi concerti sacri, che continuarono la tradizione del concerto partes e allo stesso tempo furono influenzati dalla musica secolare: opera e sinfonia. I concerti spirituali di Bortnyansky nella loro forma si avvicinano al ciclo sinfonico e sono costituiti da parti indipendenti, di natura contrastante, dove gli episodi corali si alternano a quelli d'insieme e sono ampiamente utilizzati i metodi di graduale aumento e diminuzione della sonorità. Oltre alla musica di culto, il compositore ha composto anche musica corale secolare: canzoni, inni, cantate.

studiò prima alla Cappella di Corte, e poi in Italia con il famoso teorico musicale Padre Martini. Superato l'esame venne accettato come membro dell'Accademia di Bologna. Al suo ritorno in Russia, la sua creatività e vita privataè andata molto male. Breve e vita drammatica Berezovsky finì con il suicidio

all'età di 32 anni.

Tuttavia, il posto principale tra i generi musicali nel XVIII secolo era occupato dall'opera. Lei, come tanti generi strumentali, è apparso in Russia grazie a musicisti stranieri. Negli anni '30 fu creato a San Pietroburgo un teatro di corte italiano, il cui repertorio comprendeva l'opera seria e la buffa. Per molti anni hanno vissuto e lavorato nella capitale famosi compositori europei come Araya, Galuppi, Paisiello, Sarti, Cimarosa. Un po 'più tardi, una compagnia d'opera francese apparve a San Pietroburgo, presentando le opere comiche di Rousseau, Philidor, Gretry, Monsigny. Le esibizioni divertenti hanno avuto un'influenza decisiva sulla formazione del genere operistico russo. Il suo sviluppo fu facilitato dall'attività sia dei teatri statali che privati, nonché dei teatri servi, diffusi ovunque; alcuni di loro (ad esempio, dal conte Sheremetev) hanno gareggiato con successo con i migliori teatri europei.

Opere russe del XVIII secolo erano commedie musicali popolari costruite sull'alternanza di scene di dialogo colloquiale (come in un'opera comica francese) e numeri musicali di natura canzone e ariosa, spesso basati su melodie popolari. Le prime opere significative in questo genere furono le opere degli anni 1770-1780 "Melnik - uno stregone, un ingannatore

E sensale" M. Sokolovsky,"San Pietroburgo Gostiny Dvor", "Sfortuna dalla carrozza" e "Avaro" di V. Pashkevich, "Falcon"

e "Son-rival" di D. Bortnyansky, "Coachmen on a set-up" di E. Fomin.

Evstigney Ipatievich Fomin (1761-1800) - il primo compositore russo che ha incarnato il tema tragico nella sua opera. Ha scritto musica orchestrale per il melodramma ( Il melodramma è un genere di spettacolo musicale e teatrale sorto in Europa nel XVIII secolo, in cui un testo letterario veniva pronunciato accompagnato da musica orchestrale: o si alternava a numeri musicali, o suonava in contrasto con essi ). "Orfeo" sul testo di Y. Knyazhnin,

che è andato in scena a San Pietroburgo con la partecipazione del famoso tragico I. Dmitrevsky. L'ouverture di "Orfeo" divenne il primo esempio di musica sinfonica drammatica russa. L'ouverture dell'opera fu il genere grazie al quale si sviluppò la musica sinfonica russa nel XVIII secolo: nelle viscere del teatro, come in Europa, nacque la futura sinfonia russa.

La nascita e l'interazione di molti generi e stili artistici nella musica russa del XVIII secolo, diffusa nella vita di tutti i giorni strumenti musicali e le tradizioni emergenti del fare musica, l'emergere di cori, orchestre, compagnie d'opera, lo sviluppo dell'educazione musicale ( IN fine XVIII secolo lezioni di musica vengono creati anche all'Università di Mosca, negli istituti, nei licei, nei collegi; ci sono un certo numero di scuole private ) e la formazione dell'attività concertistica e, infine, l'emergere di una scuola nazionale di compositori preparò la creazione e il fiorire della musica classica russa nel XIX secolo.

Domande e compiti

1 . Quali sono le origini della musica russa? Dove si sono formate le caratteristiche dello stile musicale nazionale?

2. Dove e quando è nata la musica professionale in Russia?

3. Parlami di buffoni e cantastorie di Kievan Rus.

4. Cos'è il canto dello striscione?

5. Dove sono state preservate le tradizioni dell'antica cultura russa dopo il crollo di Kievan Rus?

6. Qual è stato il ruolo della Russia moscovita nello sviluppo della cultura e dell'arte nazionale? Quali nuovi generi sono apparsi in quest'epoca nel folklore della canzone e nell'arte secolare?

7. Quali cambiamenti avvennero nel XVII secolo nel campo dell’educazione, della cultura e dell’arte? Cos'è una lettera di analisi? canto alla festa? concerto spirituale (partes)? bordo?

8. Nomina i principali eventi culturali del XVIII secolo e scrittori, artisti, compositori russi di questo tempo.

9. Come si sviluppa Kant nel XVIII secolo?

10. Cos'è canzone urbana? Canzone russa?

12. Elenca i principali generi di musica strumentale e corale

13. Quali furono le prime opere russe, quali sono le loro caratteristiche?

14. Raccontaci dei compositori del XVIII secolo e dei generi principali della loro opera.

Musica russa della prima metà del XIX secolo

Nella prima metà del XIX secolo la musica classica russa cominciò a fiorire. Il lavoro di Glinka e Dargomyzhsky apre un periodo di rapida ascesa dell'arte musicale nazionale ai vertici della cultura mondiale. Lo sviluppo della musica ne faceva parte processo complessivo- l'ascesa di tutta l'arte russa in un periodo significativo sviluppo storico Stato russo. La guerra patriottica del 1812 e la rivolta decabrista del 1825 provocarono una potente esplosione di sentimenti patriottici, un'impennata della forza spirituale della nazione. "Il dodicesimo anno", scrisse Belinsky, "scuotendo tutta la Russia da un capo all'altro, risvegliò le sue forze dormienti e scoprì in lei nuove fonti di forza fino ad allora sconosciute ..."

Fu durante questo periodo che si formò l'esercito russo letteratura classica, musica e pittura. Il ruolo principale spettava alla letteratura. Il segno dell'epoca fu l'opera di Pushkin, preparata dalle opere di Zhukovsky, Karamzin, Batyushkov, Krylov. Pushkin è stato il creatore della lingua letteraria russa, determinando così l'ulteriore percorso di sviluppo letteratura nazionale. Nello stesso periodo in cui Pushkin, Griboyedov, Ryleev, Vyazemsky, Delvig, Yazykov, Baratynsky componevano le loro opere; più tardi inizia la vita creativa di Lermontov, Gogol, Koltsov, Belinsky. Entro la metà del secolo apparirà una nuova generazione di scrittori: Dostoevskij, Tolstoj, Nekrasov, Turgenev, Goncharov e altri.

La prima metà del XIX secolo segnò l'inizio dell'era russa pittura classica(dipinti di Kiprensky, Tropinin, Venetsianov, Shchedrin, Bryullov, Ivanov, Fedotov) e scultura (Klodt e altri), architettura (Voronikhin, Zakharov, Beauvais, Gilardi, Rossi).

L'arte russa nei primi decenni del XIX secolo fu fortemente influenzata dalla nuova Europa direzione artistica- romanticismo. "Il romanticismo è la prima parola che ha annunciato il periodo di Pushkin", ha scritto Belinsky. Caratteristico per lui è l'indipendenza della creatività dell'artista e l'attenzione al mondo interiore di una persona, l'interesse per la vita dei suoi nativi, la loro storia, le canzoni, le fiabe e le leggende,

spirito ribelle e amore per la libertà, passione e audacia di espressione, euforia entusiasta sono incarnati nelle opere di questo tempo. Attraverso il romanticismo, la sua elevata emotività e soggettività, l'arte russa si è mossa verso l'affermazione dei principi del realismo artistico.

La vita musicale della Russia dall'inizio del XIX secolo inizia ad acquisire nuove caratteristiche. Licei, collegi, università, nonché circoli letterari e artistici stanno diventando importanti centri musicali. Amanti dell'arte, scrittori, attori, pittori, musicisti si sono uniti in questi circoli. Qui sono state eseguite nuove opere, sono stati discussi spettacoli d'opera e concerti. Tali incontri si sono svolti a San Pietroburgo nelle case di Delvig, Odoevskij, conte Mikhail Vielgorsky, a Mosca - a Griboedov, la principessa Zinaida Volkonskaya.

La vita concertistica riprese vita: nel 1802 il primo russo organizzazione di concerti- "Società Filarmonica", che organizzava concerti sinfonici pubblici. Concerti di musica da camera si tengono in case private, assemblee nobiliari e varie istituzioni educative, vi prendono parte musicisti sia russi che stranieri. Ruolo significativo continuano a suonare cori e orchestre sinfoniche di musicisti servi, che esistevano in molte tenute nobiliari.

Uno dei generi preferiti della musica sinfonica a quel tempo erano le aperture del programma per opere e spettacoli drammatici composti da Kozlovsky, Davydov, Alyabyev, Verstovsky. Anche il genere del teatro musicale sta subendo cambiamenti significativi. L'opera comica di tutti i giorni, amata nel XVIII secolo, sta gradualmente lasciando il posto alle fiabe d'opera ("Il principe invisibile" e "Ilya the Bogatyr" di Kavos, "La sirena del Dnepr" di Davydov) e opere romantiche("La tomba di Askold" di Verstovsky). Insieme all'opera, sono ampiamente utilizzati il ​​vaudeville, la musica per spettacoli drammatici ("tragedie sulla musica"), così come il balletto, fiorito in Russia con il lavoro del grande coreografo francese Charles Didelot.

Lo sviluppo di successo di questi generi è stato inseparabile dalla formazione di scuole di spettacolo russe nell'opera (E. Sandunova, O. Petrov, A. Petrova-Vorobyeva), balletto (A. Istomina, E. Kolosova, A. Glushkovsky), dramma ( E. Semenova, P. Mochalov, M. Shchepkin).

La famiglia sta diventando onnipresente creazione di musica domestica. Gli amanti della musica si riunivano la sera, suonavano e cantavano accompagnati da chitarra, arpa o pianoforte. Il repertorio comprendeva canzoni popolari: contadina, cittadina, soldato. I loro arrangiamenti furono realizzati da molti compositori, le più popolari furono le raccolte di Kashin e Rupin. Sono stati eseguiti come brani solisti, duetti e come variazioni strumentali e ensemble. In questo ambiente prese forma e si sviluppò il genere preferito dell'epoca, il romance.

romanticismo e canzone

La creatività romantica dei compositori della prima metà del XIX secolo si sviluppò sulla base di canzoni popolari contadine, urbane e russe. Fu nel romanticismo che si formarono le caratteristiche della lingua musicale russa, lo stile musicale nazionale. Il suo sviluppo fu strettamente connesso con il fiorire della poesia russa nell'era Pushkin e con l'opera di Zhukovsky, Vyazemsky, Baratynsky, Delvig, Batyushkov, Yazykov, lo stesso Pushkin e altri poeti. Hanno scritto le loro poesie

le loro storie d'amore O. Kozlovsky, A. Zhilin, i fratelli Titov, Mikh. Vielgorskij, A. Verstovskij,

A. Alyabiev, A. Varlamov, A. Gurilev, P. Bulakhov, M. Glinka, A. Dargomyzhsky. Nel loro lavoro si sono sviluppati i principali generi del romanticismo russo. Questo romanticismo lirico- la più comune in questo momento; "canzone russa", nata come imitazione della musica popolare; elegia - riflessione lirica e filosofica; ballata romantica, il cui creatore in Russia era Verstovsky; canzone da bere, nato dalle marce in marcia e dal canto della libertà,

illuminismo e patriottismo; romanzi lirici su "paesi lontani" , in cui immagini romantiche dell'Italia, della Spagna, del Caucaso, dell'Oriente e così via romanzi a ritmi di danza (valzer, polka, mazurka, polonaise, bolero e altri).

. Tutorial per scuole di musica. Problema 1. Ed. MANGIARE. Zareva. - M.: Musica, 2002. - 350 p., illustrato, note.

Il libro di testo per il corso di letteratura musicale è dedicato a una panoramica della cultura musicale dei paesi stranieri del XVII secolo, all'opera di I.S. Bach e G.F. Händel.

ISBN 5-7140-0693-3

Letteratura musicale di paesi stranieri. Libro di testo per le scuole di musica. Problema 2. G. Zhdanova, I. Molchanova, I. Okhalova. Ed. MANGIARE. Zareva. - M.: Musica, 2002. - 414 p., ill., note.

Il secondo numero del libro di testo sul corso di letteratura musicale di paesi stranieri è dedicato al lavoro di K.V. Gluck, J. Haydn, V.A. Mozart. L'Introduzione offre un quadro della creatività artistica dell'Illuminismo in Europa nella metà e nella seconda metà del XVIII secolo.

Pubblicato per la prima volta.

Destinato alle scuole di musica.

Casa editrice musicale, 2002
ISBN 5-7140-0312-8

Letteratura musicale di paesi stranieri. Libro di testo per le scuole di musica. Problema 3. Ed. MANGIARE. Zareva. - M.: Musica, 2004. - 590 p., ill., note.

Un libro di testo per le scuole di musica sul corso di letteratura musicale di paesi stranieri è dedicato al lavoro dei compositori del XIX secolo: Beethoven, Schubert, Rossini, Weber, Mendelssohn, Schumann e Chopin.

La prima edizione del libro di testo sulla letteratura musicale dei paesi stranieri fu pubblicata nel 1952 e fu la prima di una serie aiuti per l'insegnamento su questo argomento. La sua autrice fu Vera Semyonovna Galatskaya (1904-1982), una nota musicista e insegnante che lavorò per oltre 40 anni presso la Scuola di Musica del Conservatorio Statale di Mosca intitolata a P.I. Čajkovskij come insegnante e poi come consulente.

La quarta edizione, riveduta e integrata, fu pubblicata nel 1970 sotto la direzione di E.M. Tsareva ed è già diventata una generalizzazione dell'esperienza accumulata nell'insegnamento della letteratura musicale negli anni '50 -'60.

In questa edizione, il redattore del titolo ha ritenuto necessario apportare alcune modifiche in base all'attuale livello di conoscenza e pratica nell'insegnamento della materia.

Casa editrice musicale, 2004
ISBN 5-7140-0099-4

Letteratura musicale di paesi stranieri. Libro di testo per le scuole di musica. Numero 4. Ed. MANGIARE. Zareva. - M.: Musica, 2006. - 704 p., ill., note.

La quarta edizione del libro di testo è stata creata dal personale docente dell'Academic Musical College (college) del Conservatorio di Mosca. PI. Čajkovskij invece del numero 4, che non è stato ripubblicato da molto tempo e per ragioni oggettive, è in gran parte obsoleto (autore - B. Levik).

Il nuovo libro di testo dedicato alla vita e all'opera di Berlioz, Meyerbeer, Liszt, Wagner, Brahms e Verdi riassume l'esperienza di insegnamento della letteratura musicale nei dipartimenti esecutivo e teorico. Un grande posto in esso è dato ad esempi musicali e frammenti del patrimonio letterario dei compositori.

Pubblicato per la prima volta.

Per gli studenti delle scuole di musica.

Casa editrice musicale, 2006
ISBN 5-7140-0389-6

Letteratura musicale di paesi stranieri. Libro di testo per le scuole di musica. Numero 5. Ed. MANGIARE. Zareva. - M.: Musica, 2007. - 640 p., illustrato, note.

La quinta edizione del libro di testo è stata creata da uno degli insegnanti dell'Academic Musical College (college) del Conservatorio di Mosca. PI. Čajkovskij invece del numero 5, che non è stato ripubblicato da molto tempo e per ragioni oggettive, è in gran parte obsoleto (sotto la direzione di B. Levik).

Il nuovo libro di testo è dedicato alla vita e all'opera di Gounod, Bizet, Smetana, Dvorak, Grieg, Debussy e Ravel; offre inoltre una panoramica della cultura musicale francese e delle giovani scuole nazionali nella seconda metà dell'Ottocento.

Un ampio posto nel manuale è dato ad esempi musicali e frammenti del patrimonio letterario dei compositori.

Pubblicato per la prima volta.

Per gli studenti delle scuole e degli istituti di musica.

Casa editrice musicale, 2007
ISBN 978-5-7140-0741-5

LETTERATURA MUSICALE RUSSA

Attualmente gli insegnanti di letteratura musicale del college stanno lavorando su una serie di libri di testo sulla letteratura musicale russa. Il team di autori – O.I. Averyanova, O.B. Khvoina, I.V. Okhalova.

Nel 2004 la casa editrice "Musica" ha pubblicato il terzo numero della serie, nei prossimi anni verrà effettuata la pubblicazione dei restanti numeri.

Revisione dei libri di testo della serie "Letteratura musicale di paesi stranieri":
Letteratura musicale dell'estero: libro di testo per le scuole di musica. Problema. IV. M.: Musica, 2006. Numero. VM: Musica, 2007.

Olga Fadeeva

LIBRI DI TESTO PER UNA NUOVA GENERAZIONE DI MUSICISTI

Penso che non sbaglierò se noto che oggi l'importanza della letteratura musicale come materia non solo per l'educazione musicale secondaria professionale speciale, ma anche generale, sta aumentando sempre di più. Possedendo un contenuto sintetizzante e combinando elementi di vari tipi di conoscenza - sia storico-musicale che teorico-musicale - è la letteratura musicale con il suo materiale artistico vivente, ampi collegamenti con la cultura mondiale, la letteratura, la storia che non solo possono riempire un giovane di una certa quantità di abilità e abilità - prima di tutto, è progettata per arricchirlo spiritualmente ed esteticamente. Come nessun altro soggetto musicale ti permette di penetrare nei veri tesori della cultura, ti introduce alle più grandi creazioni dello spirito umano, le apre a un intenditore di bellezza alle prime armi. Le conoscenze acquisite nel corso di letteratura musicale durante il periodo di studio presso una scuola di musica risultano necessarie per tutto il percorso successivo di un musicista, qualunque sia la specialità che riceve.

I libri di testo sono una delle fonti più importanti di questa conoscenza, quindi il loro aggiornamento dovrebbe essere costantemente nel campo visivo degli specialisti. Negli ultimi anni la casa editrice “Musica” ha realizzato diversi progetti legati alla pubblicazione di libri di testo sulla letteratura musicale per diversi livelli e livelli di istruzione professionale. Nuovi libri per le scuole di musica per bambini e le scuole d'arte per bambini sono già apparsi e sono entrati in pratica. Ed ecco il prossimo passo importante- una serie di manuali per il middle management, la scuola e l'università. La sua necessità era attesa da tempo, perché le prime edizioni di tali libri di testo furono preparate all'inizio degli anni '50 del secolo scorso e molti di essi sono ormai piuttosto obsoleti. Tuttavia, la comprensione della complessità del compito, della quantità di lavoro e di altri motivi oggettivi ne ha ostacolato l'attuazione. Finalmente i desideri e le speranze della casa editrice, degli insegnanti e degli studenti si sono avverati. Dal 2002 sono stati pubblicati cinque libri principali della serie "Letteratura musicale di paesi stranieri", tre dei quali (II, IV, V edizioni) sono stati riscritti, e gli altri due (I e III) sono già libri di testo classici creati da V.S. Galatskaya, - seriamente modificato. Pertanto, l'intero corpus dei libri di testo, oggi necessari per padroneggiare le sezioni principali della materia in una scuola di musica, è stato completamente rivisto. Tutto questo lavoro è stato svolto dal team di autori dell'Academic Musical College del Conservatorio di Mosca intitolato a P.I. Čajkovskij sotto la guida del Dottore in Storia dell'Arte, Professore E.M. Tsareva.

Gli ultimi due anni si sono rivelati i più fruttuosi per gli autori, che una dopo l'altra hanno realizzato le edizioni finali del manuale e hanno così completato molti anni di lavoro. Come giustamente affermato nella prefazione al quarto numero, la pubblicazione riassume l'esperienza e le tradizioni dell'insegnamento della letteratura musicale in una delle più antiche istituzioni educative della Russia, che si sono sviluppate con la partecipazione di maestri di questa materia come V.S. Galatskaya, R.A. Peskina , L. L. Rytslin, V. B. Grigorovich. È estremamente prezioso che la nuova generazione di autori (E.M. Tsareva, I.M. Molchanova, I.V. Okhalova, D.R. Petrov) abbia preservato il principio di organizzazione del corso, introducendo qualcosa di nuovo nel suo contenuto, che lo ha arricchito nella pratica didattica ultimi decenni. Gli aggiornamenti più significativi, ovviamente, sono avvenuti nelle edizioni IV e V del manuale, apparse abbastanza recentemente, e quindi basate sugli ultimi "sviluppi" degli insegnanti.

La visione del corso scolastico di letteratura musicale come basilare, fondamentale e, allo stesso tempo, per molti aspetti preparante alla percezione del corso universitario nella storia della musica, è oggi la più diffusa tra gli insegnanti di livello medio.

Come nelle edizioni precedenti, i nuovi libri di testo mantengono il principio dei saggi monografici, che consente di combinare la presentazione dell'individualità creativa del compositore con una descrizione dei processi culturali e storici. Ma gli autori non solo hanno preservato il sistema esistente, ma nella maggior parte dei casi hanno arricchito e ampliato il materiale musicale, dando così al lettore curioso l'opportunità di conoscere i requisiti obbligatori del corso e quei fenomeni artistici che deve ancora apprendere in futuro. In altre parole, i manuali sono percepiti come una sorta di "guida all'azione", un "compito massimo" creativo. Permettono di trovare la risposta a uno specifico compito "di oggi", ma allo stesso tempo chiamano lo studente a nuove conoscenze.

Capitoli biografici ("Vita e modo creativo...) occupano qui un posto speciale. Per gli autori sono diventati espressione del concetto storico-musicale dell'argomento. Non solo contengono informazioni sulla vita dei compositori, ma mostrano l'atmosfera creativa in cui è avvenuta la formazione della personalità dell'artista, vengono toccati i problemi del suo stile. In alcuni casi, le descrizioni delle opere musicali sono intrecciate con successo nella biografia (ad esempio, Pelléas et Mélisande di Debussy, la Terza Sinfonia di Brahms) o commenti su opere letterarie e filosofiche (Wagner). Nella presentazione di biografie, materiali documentari, memorie di contemporanei sono ampiamente utilizzati, dichiarazioni di eminenti ricercatori, che conferiscono alle pagine biografiche autenticità storica.

In modo più approfondito di prima, i manuali sviluppavano capitoli analitici dedicati ai singoli brani musicali. Quindi, nell'edizione "romantica" IV, rispetto al libro di testo precedente, le pagine che rappresentano l'eredità pianistica di F. Liszt, le opere e i drammi musicali di R. Wagner sono integrate e significativamente approfondite nei contenuti, e la V include tali opere come la terza sonata per violino di E. Grieg, "Night Gaspard" di M. Ravel e altri. Sono state introdotte anche nuove sezioni, prima non presenti nei libri di testo scolastici: il numero IV, ad esempio, è stato integrato con materiale su J. Meyerbeer.

Un insegnante praticante che da molti anni abitualmente fa conoscere ai suoi studenti le stesse composizioni rigorosamente secondo il programma, accompagnandoli con commenti già elaborati, osserverà scettico: chi ha bisogno di queste innovazioni quando non c'è abbastanza tempo nemmeno per il materiale principale? Nel frattempo, uno studente moderno, di regola, a causa dell'indipendenza del suo carattere, è più propenso a prestare attenzione a quelle pagine del manuale che vanno oltre il corso obbligatorio: dopotutto, ha già sentito "obbligatorio" in classe . Ora, in un normale libro di testo, letteralmente "a portata di mano", trova informazioni sulle opere che probabilmente esegue lui stesso o ascolta spesso in una registrazione. E il libro di testo tradizionale diventa improvvisamente per lui la fonte di informazioni più preziosa, un libro di consultazione, solo un “libro di lettura”, dal quale può apprendere molti fatti musicali e storici che lo interessano. Sembra che gli autori di questo manuale cercassero proprio questa percezione del loro lavoro da parte dei lettori. Quindi la comparsa di un saggio speciale su Meyerbeer e la sua opera Les Huguenots in un manuale destinato alle scuole di musica è come una risposta alle esigenze del tempo: ora ci sono registrazioni audio complete di quest'opera, e uno studente curioso, e solo un amante della musica che utilizza spesso la letteratura educativa per ricostituire il suo bagaglio musicale, troverà qui il materiale necessario. Queste pagine saranno utili anche per gli studenti di alcune specialità delle università.

In relazione a tale comprensione del libro di testo, è sembrato logico includere nella sezione "Richard Wagner" (autore I. Molchanova) una descrizione piuttosto dettagliata dell'opera "Tristano e Isotta". Il precedente libro di testo, in tutte le sue numerose ristampe, forniva solo le informazioni più generali su quest'opera all'interno della biografia del compositore. Allo stesso tempo, quest'opera “eccita costantemente la mente” ed è una delle pagine più affascinanti dell'opera di Wagner, sempre percepita con grande interesse. giovane musicista non si può non rimanere colpiti dalla trama emotivamente ricca, dalle immagini psicologicamente acute, dal tono espressivo appassionato e dal linguaggio musicale insolito. È del tutto naturale che la sezione del manuale che introduce questo saggio unico a suo modo attirerà sicuramente l'attenzione dei lettori.

Nuove scoperte sono contenute anche in altre sezioni del numero IV. Interessante e accattivante, in modo letterario vivace D. Petrov ha scritto un saggio dedicato a Berlioz. Il compositore vi appare senza alcuna artificiosità, artificiosità, in tutta l'inconsistenza del suo carattere e delle complesse vicissitudini della vita. L'autore mostra l'aspetto del maestro in stretto legame con la vita sociale e artistica della Francia, non solo chiarisce alcune informazioni sulla vita di Berlioz, ma amplia anche notevolmente le possibilità di conoscenza della sua musica. Il posto per questo è il capitolo "Vita e percorso creativo", dove vengono fornite le informazioni necessarie (confermate da esempi musicali) su opere come "Harold in Italy", "Romeo e Giulietta", Requiem, ecc. D. Petrov ha fatto da non trascurare anche l'opera non troppo nota di Berlioz è la trilogia sacra “L'Infanzia di Cristo”, dandone una descrizione breve ma capiente e illustrandola con un piccolo esempio musicale tratto dall'ouverture.

Insegnanti e studenti noteranno sicuramente con piacere i cambiamenti avvenuti nel capitolo obbligatorio del libro di testo - "Opere per pianoforte di Liszt". Integrato con una presentazione dettagliata di letteralmente tutti i principali generi concertistici della musica per pianoforte del compositore: studi, rapsodie (insieme a una descrizione dello stile verbunkos), gli Anni di vagabondaggio, ampiamente mostrati come sempre, e alcune composizioni successive, questo capitolo è divenuto qui il vero centro della sezione monografica. Mi è sembrato anche utile conoscere il lavoro di Liszt facendo riferimento ad opere che riassumono i suoi principi stilistici più importanti: questa è la "poesia per pianoforte" "Oberman's Valley" dal ciclo "Years of Wanderings" e due concerti per pianoforte. L'autore del capitolo, I. Okhalova, ha trovato caratteristiche verbali accurate e memorabili per descrivere le composizioni per pianoforte di Liszt, riflettendo il pathos romantico della musica. Ecco come, ad esempio, ha commentato il famoso studio trascendentale "Mazeppa"; “L'immagine di una razza selvaggia (un simbolo delle vicissitudini del destino, per molti aspetti simile al “Re della foresta”), il coraggio di superare e una visione luminosa dell'immagine lirica sono catturati qui con rilievo pittorico. .” (p. 179-180); o il nome del programma "Oberman's Valley": "... La parola" valle "è usata qui non in modo pittoresco, ma psicologico, come immagine di riflessione solitaria, immersione nelle profondità di un mondo spirituale infinitamente complesso" (pag. 209).

Nella sezione dedicata all'opera di Brahms, la sua autrice, E. Tsareva, ha concentrato la sua attenzione su quelle opere consigliate programmi di studio da studiare nel collegamento centrale (IV sinfonia, Intermezzo per pianoforte op.117). Tuttavia, ciò non ha in alcun modo impoverito la visione del compositore nel suo insieme. Conoscitore della sua personalità e creatività, E. Tsareva ha introdotto dettagli toccanti della sua vita nella presentazione della biografia di Brahms (ad esempio, ha sottolineato la passione per lo studio e la raccolta di manoscritti di compositori del passato, ecc.), Che hanno dato vivacità e l'umanità all'apparizione del maestro. Forse, per la prima volta in un libro di testo, l'immagine di questo compositore si è rivelata così naturale, priva di un tocco di fredda razionalità. E, naturalmente, un'aggiunta importante ai fatti della sua biografia sono state le brevi spiegazioni di molte composizioni, dalle danze ungheresi alla Terza sinfonia. Il capitolo, che in realtà contiene un'analisi delle ultime vette della sua musica, è percepito come una generalizzazione delle caratteristiche principali dello stile di Brahms.

Particolarmente degna di nota è la quinta edizione del manuale, scritta da I. Okhalova. Per la prima volta, infatti, questa sezione finale del percorso scolastico ha acquisito una base così fondamentale sotto forma di un libro di testo, in cui capitoli monografici sono abbinati a piccoli saggi musicali e storici che spiegano i più importanti fenomeni artistici del periodo. seconda metà del XIX secolo (“ musica francese seconda metà dell’Ottocento”, “Giovani scuole nazionali nella seconda metà dell’Ottocento”). Senza andare oltre il corso storicamente stabilito (Gounod, Wiese, Smetana, Dvorak, Grieg, Debussy, Ravel), basandosi sui fenomeni più significativi della letteratura musicale, l'autore ha presentato un ampio panorama dello sviluppo dei generi e delle immagini musicali. Scritto emotivamente ed espressivamente nelle sezioni del manuale, dedicato alla creatività Bizet, Dvorak, Grieg. I saggi su Debussy e Ravel hanno avuto successo in termini di analisi del materiale musicale. Significativamente ampliati, non solo danno un'idea convincente dello stile di questi compositori, ma confermano anche i giudizi sulla diversità di genere del loro lavoro con numerosi esempi. Le ultime due edizioni del manuale sono splendidi esempi della continuità del pensiero scientifico e pedagogico. Creati oggi, rappresentano una sintesi organica migliori risultati libri di testo degli anni precedenti e nuove qualità del moderno letteratura educativa. Tuttavia, pur completandosi a vicenda, questi libri, allo stesso tempo, rappresentano approcci completamente diversi all’idea di organizzare un libro di testo moderno. Il numero IV, creato da un ampio team di autori, è l'interazione di diversi principi creativi con l’unità dell’approccio metodologico alla materia. L'individualità delle decisioni dell'autore si manifesta qui sia in relazione al materiale stesso, sia nel modo di presentazione, sia nel grado di dettaglio. Ma le differenze nelle singole questioni non fanno altro che facilitare la percezione dell'insieme, permettono di evitare l'uniformità e allo stesso tempo contribuiscono all'unificazione, proprio come i contrasti temi musicali determinare l’unità della composizione complessiva. Il numero V, scritto da un autore, a sua volta, dimostra l'integrità dell'approccio alla risoluzione dei principali problemi del contenuto del libro.

Gli autori hanno migliorato notevolmente il modo di presentare il materiale, conferendo al tono dei manuali un carattere letterario e artistico. Ciò facilita la percezione dei libri sottoposti a revisione paritaria e li rende interessanti per i lettori di ambienti diversi. Il testo si distingue per l'accuratezza delle definizioni, chiarezza ed espressività. Nelle condizioni dello stato attuale del processo educativo, questa caratteristica dei nuovi manuali sembra essere estremamente preziosa. Attraente anche l'organizzazione interna del testo, costruita professionalmente, tenendo conto delle specificità della "lettura educativa". È facile lavorare con questi libri. Con tutto il loro "artificio" sembrano invitare il lettore a collaborare. Schema dei contenuti opere operistiche inclusi direttamente nella loro caratterizzazione e collegati alla descrizione della musica (solo che è un peccato che il contenuto dell'opera Lohengrin sia stato sottoposto a uno strano troncamento, a seguito del quale parte degli eventi dell'Atto III risultarono spostati a II). La funzione cognitiva si realizza nel testo e nelle spiegazioni; presentati sotto forma di note a piè di pagina, il che indica chiaramente che dovrebbero essere sempre presi in considerazione. Infine, grandi esempi musicali che rappresentano temi costruttivi relativamente completi e significativi (nei campioni musica vocale- con il testo riportato in russo), integrando il materiale analitico, aiutano a consolidare quanto letto.

Non c'è dubbio che abbiamo un nuovo, necessario e lavoro in prospettiva Insegnanti-musicologi di Mosca, riflettendo tendenze moderne nel sistema di insegnamento della letteratura musicale e merita la massima attenzione da parte di una vasta gamma di specialisti. Probabilmente, alcuni lettori potrebbero avere una domanda: a chi sono indirizzati questi libri, quale degli studenti di oggi sarà in grado di padroneggiare appieno il materiale in essi presentato, quale degli insegnanti delle loro classi avrà il tempo di coprirlo cerchio ampio fenomeni che le nuove edizioni ci offrono? La risposta qui è una sola: si tratta di manuali di nuova generazione che includono materiali diversi e la loro attrazione principale risiede proprio nella possibilità di scegliere tra la gamma di fenomeni proposta ciò che è necessario e interessante per te. Questi sono libri sia per insegnanti che per studenti, ognuno può trovare qualcosa di cui ha bisogno per se stesso, ma la cosa principale è che ognuno troverà in essi ciò che è necessario per un corso a tutti gli effetti di letteratura musicale di diversi livelli professionali.

Quindi, l'aggiornamento dei manuali di letteratura musicale straniera è stato completato, ora tocca ai libri di testo sulla musica russa!

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RUSSOMUSICALELETTERATURA

1. RUSSOMUSICAXYIIIEPRIMOMETÀXIXSECOLI

Il fiorire della cultura musicale nel XIX secolo fu preparato dall'intero corso del suo sviluppo in Russia.

La creatività poetica e musicale popolare esisteva nei tempi antichi e rifletteva l'intera vita e la storia delle persone: i loro costumi e rituali, il lavoro e la lotta per la libertà, le speranze e i sogni di una vita migliore.

I compositori russi hanno raccolto e studiato attentamente le canzoni popolari. Balakirev, Lyadov, Rimsky-Korsakov hanno compilato raccolte di canzoni russe per voce e pianoforte.

Nel XVIII secolo apparve una canzone urbana domestica, con accompagnamento armonico di accordi. Furono create le prime opere russe (Gostiny Dvor di San Pietroburgo del musicista servo M. Matinsky). Formato in Russia scuola di compositore. Giovani compositori creano romanzi e arrangiamenti espressivi di canzoni russe, brani per pianoforte e violino, aperture sinfoniche, musica per spettacoli e opere. Tra loro c'erano Dubinsky, Berezovsky, Bortnyansky, Fomin, Khandoshkin.

2. CANZONEEROMANZA

Uno dei tipi di arte musicale più amati alla fine del XVIII secolo e nella prima metà del XIX secolo era il romanticismo. Molte storie d'amore di quel tempo erano strettamente legate alla canzone quotidiana urbana. Sono stati eseguiti con l'accompagnamento di pianoforte, arpa o chitarra. Un ruolo importante nello sviluppo del romanticismo russo è stato svolto dai compositori Alyabyev (“L'usignolo”), Varlamov (“La vela solitaria diventa bianca”, “Mountain Peaks”, “A Blizzard Sweeps Along the Street”), Gurilev ( "Madre Colomba", "I venti delle rondini dalle ali blu", "Campana"). Il lavoro di questi compositori è un prezioso contributo al tesoro della musica russa.

3. M.E.GLINKA.(1804 - 1857 )

Mikhail Ivanovich Glinka è un brillante compositore russo. Come Pushkin nella poesia, fu il fondatore della musica classica russa: opera e sinfonia.

Le origini della musica di Glinka portano all'arte popolare russa. Le sue opere migliori sono intrise di amore per la madrepatria, la sua gente, per la natura russa.

Principalelavori: opera eroico-popolare "Ivan Susanin", opera epica fiabesca "Ruslan e Lyudmila", opere per voce e pianoforte: romanzi, canzoni, arie, pezzi sinfonici: ouverture "Jota d'Aragona", "Notte a Madrid" fantasia sinfonica "Kamarinskaya ", "Valzer Fantasia" pezzi per pianoforte.

4. MUSICA LIRICA"IVANSUSANIN"

L'opera "Ivan Susanin" è un eroico dramma musicale popolare. La trama dell'opera era la leggenda di atto eroico Il contadino di Kostroma Ivan Susanin nel 1612, durante l'occupazione della Russia da parte degli invasori polacchi.

Personaggi: Susanin, sua figlia Antonida, il figlio adottivo Vanya, Sobinin. L'attore principale è il popolo.

L'opera ha 4 atti e un epilogo.

Primoazione- caratteristiche del popolo russo e dei personaggi principali. Inizia con un'ampia introduzione corale, in cui ci sono due cori: maschile e femminile.

Il rondò di Cavatina e Antonida rivela i tratti di una ragazza russa: tenerezza, sincerità e semplicità.

Il trio "Non soffocare, tesoro" trasmette le tristi esperienze degli eroi, si basa sulle intonazioni espressive delle canzoni urbane quotidiane.

Secondoazione - caratteristica musicale dei polacchi. Suona musica da ballo. Quattro danze formano una suite sinfonica: polacca brillante, krakowiak, valzer e mazurka.

Terzoazione. La canzone di Vanja "How Mother Was Killed" funge da caratteristica musicale di un ragazzo orfano, vicino alle canzoni popolari russe.

La scena di Susanin con i polacchi è un meraviglioso esempio di ensemble drammatico. La caratteristica musicale dei polacchi è delineata dai ritmi della polonaise e della mazurka. Il discorso musicale di Susanin è maestoso e pieno di dignità.

Il coro nuziale nella sua struttura melodica è vicino alle canzoni elogiative del matrimonio russo.

La canzone-romanzo di Antonida "Le mie amiche non si addolorano per questo" rivela la ricchezza del mondo spirituale della ragazza, qui si possono sentire le intonazioni dei lamenti popolari.

Il quartoazione. Il recitativo e l'aria di Susanin sono uno degli episodi drammatici più tesi dell'opera. Qui l'immagine di un eroe e di un patriota è pienamente rivelata. La musica è rigorosa, sobria ed espressiva.

Epilogo. Il popolo celebra la vittoria sul nemico. Nel ritornello finale "Glory" la musica è maestosa e solenne. Questo gli conferisce le caratteristiche di un inno. La gente loda terra natia ed eroi caduti.

L'opera "Ivan Susanin" è un'opera realistica, che racconta in modo veritiero e sincero eventi storici. Il nuovo tipo di dramma musicale popolare creato da Glinka ha avuto un enorme impatto sulle successive creazioni dei compositori russi (La serva di Pskov di Rimsky-Korsakov, Boris Godunov di Mussorgsky).

5. LAVORIPERORCHESTRA

Un posto importante nel lavoro di Glinka è occupato dai brani per un'orchestra sinfonica. Tutte le sue opere sono accessibili alle grandi masse di ascoltatori, altamente artistiche e perfette nella forma.

Sinfonicofantasia"Kamarinskaja"(1848) è una variazione su due temi popolari russi. I temi sono contrastanti. Il primo è un canto nuziale ampio e fluido "A causa delle montagne, delle alte montagne". Il secondo tema è l'audace danza russa "Kamarinskaya".

"Valzer Fantasia" uno dei più poetici opere liriche Glinka.

Si basa su un tema sincero, impetuoso e impegnativo. Il tema principale viene ripetuto più volte, formando la forma di un rondò. Episodi di vario contenuto contrastano con esso. La predominanza del gruppo d'archi conferisce all'intera opera sinfonica leggerezza, volo, trasparenza.

6. ROMANTICIECANZONI

Glinka ha scritto romanzi per tutta la vita. Tutto in loro affascina: sincerità e semplicità, moderazione nell'esprimere sentimenti, armonia classica e rigore della forma, bellezza della melodia e chiara armonia.

Tra i romanzi di Glinka, si può trovare un'ampia varietà di generi: il romanticismo quotidiano "The Poor Singer", la ballata drammatica "Night Review", canzoni di bevute e "di strada", canzoni-danze al ritmo di un valzer, mazurka, polonaise , marzo.

Glinka ha composto romanzi basati su poesie di poeti contemporanei: Zhukovsky, Delvig, Pushkin.

Popolari sono i romanzi del ciclo "Addio a San Pietroburgo" - "Allodola" e "Canzone di accompagnamento" (testi di N. Kukolnik).

La storia d'amore con le parole di Pushkin "Ricordo un momento meraviglioso" è una perla dei testi vocali russi. Appartiene al periodo maturo della creatività, quindi l'abilità in esso è così perfetta.

Nei suoi romanzi, Glinka ha riassunto tutto il meglio creato dai suoi predecessori e contemporanei.

7. UN.CON.DARGOMYZHSKY.(1813 - 1869 )

Alexander Sergeevich Dargomyzhsky è un giovane contemporaneo e seguace di Glinka. Entrò nella storia della musica russa come compositore realista, "un grande maestro della verità musicale" e un audace innovatore.

Le opinioni di Dargomyzhsky si formarono nel periodo tra gli anni '30 e '40 del XIX secolo, un periodo di rapido sviluppo della cultura russa. Dargomyzhsky ha risposto con sensibilità a tutto ciò che è avanzato e progressista nell'arte russa. Nel suo lavoro era vicino a scrittori democratici e artisti russi, hanno sollevato il tema della denuncia sociale, hanno creato canzoni comiche e satiriche.

Principalelavori: opere "Mermaid", "Stone Guest" opere sinfoniche "Cossack", "Baba Yaga", "Chukhonskaya Fantasy" 100 canzoni e romanzi sulle parole di Koltsov, Kurochkin, Pushkin, Lermontov complessi vocali pezzi per pianoforte.

8. MUSICA LIRICA"SIRENA"

La Sirena è la prima opera russa nella natura di un dramma musicale psicologico quotidiano. Il compito principale fissato dal compositore è riflettere il mondo spirituale dei personaggi, le loro esperienze e i loro personaggi. Il nuovo compito richiedeva anche nuovi mezzi musicali ed espressivi. Nell'opera prevale il principio dello sviluppo continuo. Il canto d'insieme è spesso sostituito dal dialogo tra i personaggi. Questa nuova tecnica fu successivamente sviluppata nelle opere di Mussorgsky e Čajkovskij.

L'opera ha 4 atti. L'azione scenica è preceduta da un'ouverture.

Sotto l'influenza di eventi drammatici, i personaggi degli eroi cambiano: rabbia e amarezza si risvegliano nella gentile Natasha, l'allegro e burlone Melnik, il padre di Natasha, sciocca con la sua tragedia.

Il primo atto è importante nell'opera. Fornisce le caratteristiche musicali dei personaggi principali Natasha, Melnik, Prince. In esso avviene anche l'epilogo del dramma: Natasha si suicida e cessa di esistere come una vera ragazza, trasformandosi in un'arrogante sirena.

L'opera "Sirena" appartiene a una delle opere più amate dei classici russi. Dargomyzhsky riuscì a scrivere un'opera sincera e comprensibile, esponendo con rabbia i lati oscuri della realtà russa dell'epoca.

9. ROMANTICIECANZONI

Un posto di rilievo nell'opera di Dargomyzhsky è occupato da romanzi e canzoni. Il compositore ne ha scritti più di cento. Il contenuto della musica vocale di Dargomyzhsky è ricco. Qui ci sono testi sinceri, astuzia giocosa e drammaticità, paesaggi tranquilli e tipici schizzi quotidiani e satira sociale talvolta caustica. Soprattutto profondamente e psicologicamente rivelato in modo veritiero nei romanzi mondo interiore una persona con i suoi pensieri, sentimenti e carattere.

I romanzi "Ho superato i sedici anni" nella pagina successiva sono diventati popolari. Delviga, "I'm sad" sui versi di Lermontov, "The Old Caporal" sui testi. Kurochkin.

10. RUSSOMUSICASECONDOMETÀXIXSECOLI

La seconda metà del XIX secolo è il periodo della potente fioritura della musica russa, così come di tutta l'arte russa. Forte esacerbazione contraddizioni sociali porta all'inizio degli anni '60 ad una grande impennata di pubblico. Sconfitta russa guerra di Crimea(1853-1856) ha mostrato la sua arretratezza, ha dimostrato che la servitù della gleba ostacola lo sviluppo del paese. I migliori rappresentanti della nobile intellighenzia e dei raznochintsy insorsero contro l'autocrazia.

Nello sviluppo del movimento rivoluzionario in Russia, il ruolo di Herzen, le attività di Chernyshevsky, Dobrolyubov e del poeta Nekrasov furono significativi. Le idee rivoluzionarie degli anni '60 si riflettevano nella letteratura, nella pittura e nella musica. Le figure di spicco della cultura russa hanno combattuto per la semplicità e l'accessibilità dell'arte, nelle loro opere hanno cercato di riflettere in modo accessibile la vita delle persone svantaggiate.

Nella seconda metà del XIX secolo, la pittura russa ha prodotto artisti straordinari come Perov, Kramskoy, Repin, Surikov, Serov, Levitan. I loro nomi sono associati all'Associazione delle mostre itineranti, poiché mostre di dipinti iniziarono a svolgersi in diverse città della Russia.

Ci sono stati dei cambiamenti vita musicale. La musica andava oltre i salotti aristocratici. Grande importanza in questo ha giocato l'organizzazione della Società musicale russa.

Nel 1862 fu aperto il primo conservatorio russo a San Pietroburgo e nel 1866 a Mosca. Le prime edizioni regalarono all'arte russa grandi musicisti.

IN creatività musicale Negli anni '60, il posto di primo piano fu preso da Čajkovskij e da un gruppo di compositori che facevano parte di un'associazione chiamata Mighty Handful. Balakirev è diventato l'ispiratore del circolo. La composizione comprendeva Cui, Mussorgsky, Borodin, Rimsky-Korsakov. I compositori vedevano il loro obiettivo nello sviluppo della musica nazionale russa, la vera incarnazione della vita delle persone.

11. M.P.MUSSORGSKY.(1839 - 1881 )

Tra i compositori di The Mighty Handful, Modest Petrovich Mussorgsky fu l'esponente più importante delle idee democratiche rivoluzionarie. Riuscì con grande forza accusatoria a rivelare la dura verità sulla vita del popolo russo, le migliori pagine della musica del compositore sono intrise di fede nella sua forza e potere.

Principalelavori: opere "Boris Godunov", "Khovanshchina", "Fiera Sorochinsky", romanzi e canzoni, quadro sinfonico "Notte di mezza estate sulla montagna calva", un ciclo di brani per pianoforte "Immagini da un'esposizione".

12. MUSICA LIRICA"BORISGODUNOV"

L'opera è basata sulla tragedia omonima di Pushkin. Il genere dell'opera è il dramma musicale popolare. Si compone di un prologo e di quattro atti, divisi in scene. L'idea principale è il conflitto tra lo zar criminale Boris e il popolo. La tragedia è aggravata dal dramma spirituale interiore di Boris, lo zar omicida, dai rimorsi della sua coscienza (un monologo del terzo d. “Ho raggiunto il potere più alto”).

Il personaggio principale è il popolo. Mussorgsky è stato attratto dall'opportunità di ricreare nell'opera il risveglio del potere popolare, che si traduce in una rivolta spontanea.

Pertanto, l'introduzione orchestrale del prologo raffigura l'immagine del popolo oppresso, e nel quarto anno il culmine è il potente coro del popolo ribelle “Il potere era disperso, la forza era chiara, il coraggio era coraggioso”.

"Boris Godunov" è una grande opera della musica russa. La creazione di questo lavoro è stata pietra miliare nello sviluppo del teatro musicale.

13. "IMMAGINICONMOSTRE"

"Immagini di un'esposizione" sono stati scritti da Mussorgsky sotto l'impressione di una mostra di opere dell'artista V. Hartmann, amico del compositore morto improvvisamente.

Il ciclo è una suite di dieci brani indipendenti uniti da un'idea comune. Ogni pezzo è un'immagine musicale che riflette l'impressione di Mussorgsky, ispirata da questo o quel disegno di Hartmann. Ecco immagini luminose di tutti i giorni ("Il giardino di Tuilliers", "Il mercato di Limoges"), schizzi ben mirati di personaggi umani ("Due ebrei") e paesaggi (" vecchia serratura") e immagini di fiabe russe ("Capanna su cosce di pollo"), poemi epici ("Bogatyr Gates"). Le singole miniature contrastano tra loro nel contenuto e mezzi espressivi. Allo stesso tempo, sono collegati dal tema del "Camminare", che apre il ciclo, e poi appare più volte, come se conducesse l'ascoltatore da un'immagine all'altra.

"Quadri da una mostra" è diventato uno dei le opere più apprezzate. Molti pianisti inseriscono quest'opera nei loro programmi di concerti.

14. UN.P.BORODINO.(1833 - 1887 )

Alexander Porfiryevich Borodin è un compositore straordinariamente originale. Si è anche mostrato come uno scienziato di spicco e un personaggio pubblico. Nella musica, Borodin continuò in gran parte le tradizioni di Glinka. Ha incarnato la grandezza e il potere del popolo russo, i tratti caratteriali eroici del popolo russo, le maestose immagini dell'epopea nazionale. Insieme a questo ci sono immagini liriche, sincere, piene di passione e tenerezza. Il principale mezzo di espressione musicale è sempre una melodia: ampia, simile a una canzone, plastica. La vivacità e la luminosità sono inerenti al linguaggio armonico.

Principalelavori: opera "Il principe Igor", tre sinfonie, quadro sinfonico "In Asia centrale”, musica strumentale, romanze.

15. MUSICA LIRICA"PRINCIPEIGOR

La base dell'opera è un'opera di letteratura antica del XII secolo - "Il racconto della campagna di Igor".

Il principe Igor è un'opera lirico-epica in quattro atti con un prologo. La musica dell'opera si basa sulle intonazioni di canzoni popolari: russe e orientali.

Il prologo e l'atto caratterizzano il popolo russo. Di grande importanza è l'immagine dell'eclissi solare dal prologo. Nella poesia epica popolare, vari eventi drammatici nella vita delle persone venivano spesso paragonati a fenomeni naturali potenti e formidabili.

L'Atto II è dedicato a mostrare la vita dei popoli orientali. Borodin qui non ha utilizzato autentiche melodie orientali, ma ha implementato le loro intonazioni e le caratteristiche del modo nella sua musica.

Il posto centrale nella 4a azione è occupato dal lamento di Yaroslavna, che nasce da voci e lamenti popolari antichi.

L'opera "Prince Igor" è una delle migliori creazioni di classici dell'opera. Il compositore lo ha dedicato alla memoria di Glinka. Glorifica lo spirito eroico delle persone, la loro fermezza, patriottismo, bellezza spirituale.

16. N.UN.RIMSKY-KORSAKOV(1844 - 1908 )

Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov occupa un posto speciale tra i compositori di The Mighty Handful. Con il suo lavoro, una fiaba è fiorita nella musica russa. Il compositore ha lasciato un'enorme eredità creativa in quasi tutti generi musicali. Le sue opere sono diverse nei contenuti, ma la loro caratteristica principale è una profonda penetrazione nella vita e nella vita delle persone. Con grande forza ha espresso tutta la bellezza che circonda una persona: bellezza e amore, fede nel trionfo della luce e della verità, sogno di un futuro migliore, saggezza popolare e splendore natura nativa. Il lavoro di Rimsky-Korsakov ha influenzato molti compositori delle generazioni successive.

Principalelavori: 15 opere (La fanciulla di neve, Sadko, La storia dello zar Saltan, Il galletto d'oro), suite sinfoniche (Scheherazade), romanzi, raccolte di canzoni popolari russe per voce e pianoforte, ecc.

17. MUSICA LIRICA"VERGINE DELLE NEVI"

L'opera è stata scritta sulla base della trama dell'opera teatrale di A.N. Ostrovskij nel 1880. Il compositore ha riprodotto antichi costumi e rituali con grande calore. Un'immagine fedele della vita e della vita delle persone è combinata con il mondo della fantasia e delle fiabe. Personaggi: lo zar Berendey, Bermyata, Kupava, Lel, Mizgir, Bobyl e Bobylikha (immagini realistiche) sono dotati di tratti umani di Spring-Krasna, Babbo Natale, l'immagine della fanciulla di neve - la figlia di Frost e Spring - combina caratteristiche reali con quelli fantastici.

L'opera raffigura spesso la natura. A volte le immagini della natura hanno un significato allegorico: personificano la giustizia e la regolarità dei fenomeni della vita.

Rimsky-Korsakov usa spesso leitmotiv: caratteristiche musicali sostenute. Scene basate sullo sviluppo continuo (“attraverso”) si alternano nell'opera con numeri finiti. Ci sono molti cori nell'opera, le autentiche melodie popolari sono ampiamente utilizzate.

L'opera è composta da un prologo e quattro atti.

18. "SHEKHERAZADE"

La suite sinfonica "Scheherazade" (1888) è un'opera di programma basata sulle fiabe arabe "Le mille e una notte". Si compone di quattro parti contrastanti, unite non solo da un'unica idea poetica, ma anche da temi musicali comuni (i temi di Shakhriar e Scheherazade). Inizialmente, il compositore intendeva dare a ciascuna parte il proprio nome: Parte I - "Il mare e la nave di Sinbad", Parte II - " storia di fantasia Kalender-Tsarevich”, III parte - “Principe e principessa”, IV parte - “Vacanza a Baghdad e una nave che si schianta contro una roccia con un cavaliere di bronzo”. Tuttavia, in seguito abbandonò questa idea, ritenendo più utile per gli ascoltatori seguire liberamente la propria immaginazione.

Scheherazade è uno dei brani di musica sinfonica preferiti al mondo.

19. P.E.CHAIKOVSKY.(1840 - 1893 )

Pyotr Ilyich Tchaikovsky ha dedicato tutta la sua opera all'uomo, al suo amore per la madrepatria e la natura russa, alle sue aspirazioni alla felicità e alla coraggiosa lotta contro le forze oscure del male. E qualunque cosa dica il compositore, è sempre veritiero e sincero.

Čajkovskij ha scritto in quasi tutti i generi e in ognuno di essi ha detto la sua artista geniale. Ma il suo genere preferito era l'opera. Ha prestato grande attenzione al contenuto, privilegiando la trama della vita russa.

Allo stesso tempo, anche la musica sinfonica occupa un posto importante nell'opera di Čajkovskij.

Principalelavori: 10 opere (Eugene Onegin, L'Incantatrice, La Dama di Picche, Iolanthe, ecc.), 3 balletti (Il Lago dei Cigni, La Bella Addormentata, Lo Schiaccianoci), 6 sinfonie, ecc. opere sinfoniche, brani per pianoforte (compresi i cicli "Stagioni", "Album per bambini"), romanzi.

L'opera di Čajkovskij è l'apice della cultura musicale mondiale del XIX secolo.

20. PRIMOSINFONIA"INVERNOSOGNI"

Scritto nel 1866. Il contenuto dell'opera sono i pensieri e i sentimenti lirici di una persona, nonché le immagini della natura. La sinfonia è in quattro movimenti.

Separo - "Sogni della strada invernale", scritto in forma di sonata. Le immagini della natura russa invernale sono raffigurate qui con colori tenui.

Parte II - "Una terra cupa, una terra nebbiosa." Questa musica è ispirata dalle impressioni dei viaggi di Čajkovskij sul Lago Ladoga.

Le parti III e IV - lo scherzo e il finale - non hanno nomi, ma nel loro contenuto non escono dal disegno poetico generale.

La Prima Sinfonia di Čajkovskij è un notevole esempio dei suoi primi lavori orchestrali. Per la prima volta si manifestano immagini e tecniche caratteristiche, profondamente sviluppate dal compositore nell'opera sinfonica del periodo maturo.

21. MUSICA LIRICA"EUGENIOONEGIN"

L'idea di scrivere un'opera basata sulla trama di "Eugene Onegin" è stata data a Čajkovskij dal famoso cantante E. A. Lavrovskaya. Il compositore ha coinvolto il suo amico, lo scrittore K. S. Shilovsky, nella compilazione del libretto. La prima rappresentazione dell'opera ebbe luogo da parte degli studenti del Conservatorio di Mosca sotto la direzione di N. Rubinstein nel 1879.

Čajkovskij definì la sua opera "scene liriche". Il compositore ha concentrato tutta la sua attenzione sulla rivelazione del mondo interiore e spirituale dei suoi personaggi. Anche le immagini della vita popolare vengono rivelate in modo vivido e veritiero (come la storia d'amore "Have You Heard" nella prima immagine, il canto e la danza dei contadini in occasione della fine del raccolto, il corno del pastore nella scena della scrittura, la canzone “Girls, beauties” nella terza immagine, ecc.) grande amore vengono forniti "schizzi" poetici della natura russa, contro i quali si rivelano i sentimenti e le esperienze dei personaggi.

Personaggi: Tatyana, Olga, Onegin, Lensky, il principe Gremin.

L'orchestra gioca un ruolo importante nel rivelare i personaggi. Ciascuno dei personaggi principali è delineato dai propri temi musicali speciali.

Durante lo sviluppo della trama, anche i caratteri dei personaggi si sviluppano e cambiano gradualmente (ad esempio, nella scena della lettera, il carattere del personaggio principale viene dato in movimento: da una ragazza ingenua e sognante, Tatyana si trasforma in una ragazza appassionatamente amorevole donna, raggiungendo la maturità spirituale).

L'opera "Eugene Onegin" è il risultato più alto dell'arte operistica russa. Già durante la vita del compositore divenne una delle opere più amate.

22. GENTECANZONEESUOUTILIZZOINLAVORIRUSSOCOMPOSITORI-CLASSICI

Il lavoro dei compositori classici è indissolubilmente legato alla canzone popolare

Le canzoni popolari riflettono la storia delle persone e la loro vita quotidiana, i pensieri più intimi e i sogni di felicità. La canzone è l'anima delle persone, un vero specchio della loro vita e del loro modo di vivere.

Tra le canzoni popolari russe ci sono il lavoro e le vacanze, il ballo rotondo e il ballo, il matrimonio e la strascicata, il cocchiere e la tela da imballaggio, la recluta e il soldato, le canzoni cittadine e le canzoncine.

I compositori classici hanno studiato la canzone popolare. Hanno registrato ed elaborato le melodie delle canzoni. Raccolte compilate di canzoni popolari. Le raccolte più famose sono Balakirev (40 canzoni popolari russe), Rimsky-Korsakov (100 canzoni popolari russe), Čajkovskij (50 canzoni popolari russe), Lyadov (8 canzoni popolari russe per orchestra).

Molte canzoni popolari hanno trovato una seconda vita in opere e sinfonie, in opere per pianoforte e vari ensemble (Variazioni di Glinka sulla canzone popolare russa "Among the Flat Valley" nel finale del primo concerto per pianoforteČajkovskij ha usato la canzone primaverile ucraina "Vieni fuori, vieni fuori, Ivanka").

CONCLUSIONE

L'opera dei compositori classici Glinka, Dargomyzhsky, Borodin, Mussorgsky, Rimsky-Korsakov, Čajkovskij è un grande tesoro della musica russa culture dell'Ottocento secolo. Le loro tradizioni hanno trovato la loro implementazione e sviluppo nelle opere dei compositori della fine del XIX e dell'inizio del XX secolo: Taneyev e Glazunov, Lyadov e Adensky, Kalinnikov, Scriabin e Rachmaninov, nelle opere dei compositori Periodo sovietico- Mayakovsky, Prokofiev, Shostakovich, Khachaturian, Kabalevskij, Sviridov e molti altri.

La musica dei compositori classici riflette la storia secolare della nostra Patria, la lotta di liberazione del popolo russo contro l'oppressione e la violenza, le persone sono glorificate con la loro bellezza spirituale, il dolore e il sogno di un futuro migliore.

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Esercitazione. — M.: Muzyka, 2014. — 593 p. - ISBN 978-5-7140-1286-0. La seconda edizione del libro di testo sulla letteratura musicale russa, creata dagli insegnanti dell'Accademia Collegio di Musica(scuola) al Conservatorio di Stato di Mosca. PI Čajkovskij, continua una nuova serie di libri di testo su questo argomento per sostituire i manuali in gran parte obsoleti pubblicati dalla filiale di Leningrado della casa editrice Muzyka sotto la direzione generale di E. Frid.
Il secondo numero comprende capitoli dedicati al lavoro di A. Rubinshtein, A. Serov, M. Balakirev, A. Borodin e M. Mussorgsky.
L'edizione è corredata di un gran numero di esempi musicali. Pubblicato per la prima volta.
Per studenti di musica. Introduzione. russo cultura musicale 1860-1870
AG Rubinstein
Vita e percorso creativo
Anni dell'infanzia (1829-1840)
Lezioni con AI Villuan
Primo viaggio all'estero (1840-1843)
Secondo viaggio all'estero (1844-1848)
Ritorno a casa (1848-1854)
Terzo viaggio all'estero. Rubinstein e Liszt (1854-1858)
Ritorno a Pietroburgo. Creazione della RMO e del Conservatorio di San Pietroburgo (1858-1867)
Anni vagabondi (1867-1881)
Fratelli Rubinstein
L'anno scorso vita. Risultati recenti
Demone
Storia della creazione e ambientazione. Fonte letteraria e libretto. Motivi poetici di base
Riassunto dell'opera
caratteristiche del genere. Composizione e drammaticità. forme operistiche
Prologo
Prima azione
Secondo atto
Terzo atto
Concerto n. 4 per pianoforte con orco.
A. N. Serov
Vita e percorso creativo
1820-30
1840
1850
1860
Patrimonio critico-musicale
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Forza nemica
M. A. Balakirev
Vita e percorso creativo
Infanzia e gioventù
gruppo potente
Balakirev - direttore d'orchestra e personaggio pubblico musicale
Anni di crisi e di rinascita. ultimi anni di vita
Poema sinfonico "Tamara"
Ouverture sui temi di tre canzoni russe
40 canzoni popolari russe
Romanzi e canzoni
Canzone canaglia
abbraccio bacio
Vieni da me
La canzone di Selim
Canzone del pesce rosso
Sento la tua voce
Canzone georgiana ("Non cantare, bellezza, davanti a me")
Una luna limpida salì al cielo
zapevka
Quando il campo ingiallito preoccupa
tra i fiori
Islamey
A. P. Borodin
Vita e percorso creativo
Infanzia e gioventù (1833-1859)
Heidelberg. Conoscenza di E. S. Protopopova (1859-1862)
Ritorno in Russia. Incontro con Balakirev. Prima Sinfonia (1862-1869)
Inizio dei lavori su "Principe Igor". Seconda Sinfonia. Borodin in visita a Liszt (1870)
Ultimi anni di vita (1880-1887)
Il principe Igor
Storia della creazione
Contenuti dell'opera
genere operistico. Composizione e drammaturgia
Immagini della Rus'
Immagini dell'Oriente
Creatività sinfonica
Prima Sinfonia Es-dur
Seconda sinfonia in h-moll ("Bogatyrskaya")
Romanzi e canzoni
Il canto della foresta oscura
principessa addormentata
principessa del mare
Dalle mie lacrime
Le mie canzoni sono piene di veleno
nota falsa
Arroganza. "La gente in casa"
Melodia araba
Per le rive della patria lontana
Creatività cameristico-strumentale
Secondo quartetto
M. P. Mussorgskij
Vita e percorso creativo
Anni dell'infanzia a Karev (1839-1849)
Pietroburgo. Anni di studio (1849-1856)
Scuola di Guardiamarina e Junker di Cavalleria
Musorgskij - ufficiale delle guardie di salvataggio del reggimento Preobrazenskij (1856-1858)
Musorgskij e Dargomyžskij
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Musorgskij e Balakirev
Circolo di lettura. Riflessi. "Edipo Rex". crisi mentale
1860 Alla vigilia dell'opera "Boris Godunov"
Comune
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Eventi della seconda metà degli anni Sessanta dell'Ottocento.
Creatività degli anni '60 dell'Ottocento
Salambo
Matrimonio
Opere sinfoniche degli anni '60 dell'Ottocento "Notte sul Monte Calvo"
Anni di creazione e messa in scena dell'opera "Boris Godunov" (1868-1874)
L'ultimo periodo di vita e di lavoro (1872-1881)
Creatività degli anni '70 dell'Ottocento
La storia della creazione dell'opera "Khovanshchina" (1872-1880)
Fiera Sorochinskaya
pianoforte e composizioni vocali 1870
Spettacoli di concerti
Caratteristiche della creatività
Musorgskij e il suo tempo. Temi idee immagini
Generi, principi della forma del linguaggio musicale
Musorgskij scrittore
Boris Godunov
Contenuti dell'opera
La tragedia di Pushkin "Boris Godunov" e l'opera di Mussorgsky
genere operistico. Drammaturgia e composizione
Dizionario di intonazione del dramma musicale
Prologo
Prima azione
Secondo atto
Terzo atto
Quarto atto
Khovanshchina
Contenuti dell'opera
Lingua letteraria di "Khovanshchina"
Il linguaggio musicale di "Khovanshchina"
Drammaturgia e composizione
Scene popolari in "Khovanshchina"
Il destino scenico di "Khovanshchina"
Arte vocale da camera
Raccolta vocale "Giovani anni"
Cosa dici, parole d'amore?
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