La pittura giapponese è una direzione assolutamente unica nell'arte mondiale. Esiste fin dall'antichità, ma come tradizione non ha perso la sua popolarità e la capacità di sorprendere.
Attenzione alle tradizioni
L'Oriente non è solo paesaggi, montagne e sole nascente. Queste sono anche le persone che hanno creato la sua storia. Sono queste persone che hanno mantenuto per molti secoli la tradizione della pittura giapponese, sviluppando e moltiplicando la loro arte. Coloro che hanno dato un contributo significativo alla storia degli artisti giapponesi. È grazie a loro che quelli moderni hanno conservato tutti i canoni della pittura tradizionale giapponese.
Stile pittorico
A differenza dell’Europa, gli artisti giapponesi preferivano dipingere più vicino alla grafica che alla pittura. In tali dipinti non si possono trovare i tratti di olio ruvidi e trascurati che sono così caratteristici degli impressionisti. Qual è la natura grafica dell'arte giapponese come alberi, rocce, animali e uccelli? Tutto in queste immagini è disegnato nel modo più chiaro possibile, con linee di inchiostro ferme e sicure. Tutti gli oggetti nella composizione devono avere un contorno. Il riempimento all'interno del contorno viene solitamente eseguito con l'acquerello. Il colore viene sbiadito, vengono aggiunte altre sfumature e da qualche parte rimane il colore della carta. La decoratività è esattamente ciò che distingue i dipinti giapponesi dall'arte di tutto il mondo.
Contrasti nella pittura
Il contrasto è un'altra tecnica caratteristica utilizzata dagli artisti giapponesi. Potrebbe trattarsi di una differenza di tono, colore o di un contrasto di tonalità calde e fredde.
L'artista ricorre ad una tecnica quando vuole evidenziare qualche elemento del soggetto. Può essere una vena su una pianta, un singolo petalo o il tronco di un albero contro il cielo. Quindi vengono raffigurate la luce, la parte illuminata dell'oggetto e l'ombra sottostante (o viceversa).
Transizioni e colori
Quando si disegnano dipinti giapponesi, vengono spesso utilizzate le transizioni. Sono diversi: ad esempio, da un colore all'altro. Sui petali delle ninfee, delle peonie, puoi notare il passaggio da una tonalità chiara a una ricca e luminosa di qualche colore.
Nell'immagine vengono utilizzate anche le transizioni superficie dell'acqua, cielo. La transizione graduale dal tramonto al crepuscolo scuro e sempre più profondo sembra molto bella. Anche le nuvole vengono disegnate con transizioni da sfumature diverse e riflessi.
I motivi principali della pittura giapponese
Nell'arte tutto è connesso vita reale, con i sentimenti e le emozioni di chi ne è coinvolto. Come nella letteratura, nella musica e in altre manifestazioni di creatività, nella pittura ce ne sono diverse temi eterni. Queste sono trame storiche, immagini di persone e natura.
I paesaggi giapponesi sono vari. Spesso nei dipinti ci sono immagini di stagni, il soggetto preferito degli interni giapponesi. Uno stagno decorativo, diverse ninfee e bambù nelle vicinanze: ecco come appare un tipico dipinto del XVII-XVIII secolo.
Gli animali nella pittura giapponese
Anche gli animali sono un elemento ricorrente nella pittura asiatica. Tradizionalmente è una tigre accovacciata o un gatto domestico. In generale, gli asiatici sono molto affezionati e quindi i loro rappresentanti si trovano in tutte le forme di arte orientale.
Il mondo della fauna è un altro tema seguito dalla pittura giapponese. Uccelli - gru, pappagalli decorativi, pavoni lussuosi, rondini, passeri poco appariscenti e persino galli - si trovano tutti nei disegni dei maestri orientali.
Pesce - niente di meno argomento reale per gli artisti giapponesi. I Koi sono la versione giapponese dei pesci rossi. Queste creature vivono in Asia in tutti gli stagni, anche nei piccoli parchi e giardini. La carpa koi è un tipo di tradizione che appartiene specificamente al Giappone. Questi pesci simboleggiano la lotta, la determinazione, il raggiungimento del proprio obiettivo. Non c'è da stupirsi che siano raffigurati mentre fluttuano nel flusso, sempre con creste ondulate decorative.
Dipinti giapponesi: raffigurazione di persone
Le persone nella pittura giapponese sono un tema speciale. Gli artisti raffiguravano geishe, imperatori, guerrieri e anziani.
Le geishe sono raffigurate circondate da fiori, indossando sempre abiti elaborati con molte pieghe ed elementi.
I saggi sono raffigurati seduti o mentre spiegano qualcosa ai loro studenti. L'immagine di un vecchio scienziato è un simbolo della storia, della cultura e della filosofia dell'Asia.
Il guerriero veniva descritto come formidabile, a volte intimidatorio. Quelli lunghi erano disegnati in dettaglio e sembravano un filo.
Di solito tutti i dettagli dell'armatura vengono rifiniti con inchiostro. Spesso i guerrieri nudi sono decorati con tatuaggi raffiguranti un drago orientale. È un simbolo di forza e potenza militare del Giappone.
I governanti furono ritratti per famiglie imperiali. Bellissimi abiti, ornamenti nei capelli degli uomini: tali opere d'arte abbondano.
paesaggi
Paesaggio tradizionale giapponese - montagne. I pittori asiatici sono riusciti a rappresentare una varietà di paesaggi: possono raffigurare la stessa vetta colori differenti, con un'atmosfera diversa. L'unica cosa che rimane invariata è la presenza obbligatoria dei fiori. Di solito, insieme alle montagne, l'artista raffigura una specie di pianta in primo piano e la disegna in dettaglio. Le montagne sono bellissime e fiori di ciliegio. E se disegni petali che cadono, l'immagine è ammirata dalla triste bellezza. Il contrasto nell'atmosfera del dipinto è un'altra notevole qualità della cultura giapponese.
Geroglifici
Spesso la composizione di un'immagine nella pittura giapponese è combinata con le lettere. I geroglifici sono disposti in modo che appaiano belli dal punto di vista compositivo. Di solito sono disegnati a sinistra o a destra dell'immagine. I geroglifici possono indicare ciò che è raffigurato nell'immagine, il suo nome o il nome dell'artista.
Il Giappone è uno dei paesi più ricchi di storia e cultura. In tutto il mondo è consuetudine considerare i giapponesi come persone pedanti che trovano l'estetica in assolutamente tutte le manifestazioni della vita. Pertanto, i dipinti giapponesi sono sempre molto armoniosi nel colore e nel tono: se ci sono inclusioni di qualche colore brillante, solo nei centri semantici. Sull'esempio dei dipinti di artisti asiatici, si può studiare la teoria del colore, il corretto trasferimento della forma utilizzando la grafica e la composizione. La tecnica di esecuzione dei dipinti giapponesi è così elevata che può servire da esempio per lavorare con gli acquerelli ed eseguire il "lavaggio" di opere grafiche.
Ha una storia molto ricca; la sua tradizione è ampia, con la posizione unica del Giappone nel mondo che influenza ampiamente gli stili e le tecniche dominanti degli artisti giapponesi. Fatto noto Il fatto che il Giappone sia stato piuttosto isolato per secoli non è dovuto solo alla geografia, ma anche alla dominante propensione culturale giapponese all'isolamento che ha segnato la storia del paese. Durante i secoli di esistenza di ciò che potremmo chiamare " Civiltà giapponese”, la cultura e l'arte si sono sviluppate separatamente da quelle del resto del mondo. E questo è evidente anche nella pratica della pittura giapponese. Ad esempio, i dipinti Nihonga sono tra i punti fermi della pratica pittorica giapponese. Si basa su una tradizione di oltre mille anni e i dipinti vengono solitamente realizzati con pennelli su carta giapponese o egina (seta).
Tuttavia, l'arte e la pittura giapponese furono influenzate dall'estero pratiche artistiche. Innanzitutto, era l'arte cinese nel XVI secolo e Arte cinese e la tradizione artistica cinese, che è stata particolarmente influente in diversi modi. A partire dal XVII secolo, anche la pittura giapponese subì l'influenza delle tradizioni occidentali. In particolare, nel periodo prebellico, durato dal 1868 al 1945, Pittura giapponese influenzato dall'impressionismo e Romanticismo europeo. Allo stesso tempo, anche i nuovi movimenti artistici europei furono significativamente influenzati da quelli giapponesi tecniche artistiche. Nella storia dell'arte, questa influenza viene chiamata "Giapponismo", ed è particolarmente significativa per gli impressionisti, i cubisti e gli artisti associati al modernismo.
Lunga storia La pittura giapponese può essere vista come una sintesi di diverse tradizioni che creano parti di un'estetica giapponese riconosciuta. Innanzitutto, l’arte e i metodi di pittura buddisti, così come la pittura religiosa, hanno lasciato un segno significativo nell’estetica dei dipinti giapponesi; pittura con inchiostro ad acqua di paesaggi nella tradizione della pittura letteraria cinese - un altro elemento importante, riconosciuto in molti famosi dipinti giapponesi; la pittura di animali e piante, soprattutto uccelli e fiori, è ciò che viene comunemente associato alle composizioni giapponesi, così come lo sono i paesaggi e le scene da Vita di ogni giorno. Infine, le antiche idee sulla bellezza provenienti dalla filosofia e dalla cultura hanno avuto una grande influenza sulla pittura giapponese. Giappone antico. Wabi, che significa bellezza transitoria e dura, sabi (bellezza della patina naturale e dell'invecchiamento) e yugen (grazia profonda e sottigliezza) influenzano ancora gli ideali nella pratica della pittura giapponese.
Infine, se ci concentriamo sulla scelta dei dieci capolavori giapponesi più famosi, dobbiamo menzionare l'ukiyo-e, che è uno dei generi artistici più popolari in Giappone, anche se appartiene all'incisione. Ha dominato l'arte giapponese dal XVII al XIX secolo, con artisti appartenenti a questo genere che hanno prodotto xilografie e dipinti di soggetti come belle ragazze, attori kabuki e lottatori di sumo, oltre a scene tratte dalla storia e racconti popolari, scene e paesaggi di viaggio, flora e fauna e persino erotismo.
È sempre difficile fare un elenco le migliori foto dalle tradizioni artistiche. Verranno escluse molte opere straordinarie; tuttavia, questo elenco presenta dieci dei dipinti giapponesi più riconoscibili al mondo. Questo articolo presenterà solo dipinti realizzati dal XIX secolo ai giorni nostri.
La pittura giapponese ha una storia estremamente ricca. Nel corso dei secoli, gli artisti giapponesi si sono sviluppati un gran numero di tecniche e stili unici che rappresentano il contributo più prezioso del Giappone al mondo dell'arte. Una di queste tecniche è sumi-e. Sumi-e significa letteralmente "disegno a inchiostro", combinando calligrafia e pittura a inchiostro per creare composizioni dipinte a pennello di rara bellezza. Questa bellezza è paradossale: antica ma moderna, semplice ma complessa, audace ma sommessa, riflette senza dubbio la base spirituale dell'arte nel Buddismo Zen. I sacerdoti buddisti portarono in Giappone dalla Cina nel VI secolo il blocco di inchiostro duro e il pennello di bambù e negli ultimi 14 secoli il Giappone ha sviluppato una ricca eredità di pittura a inchiostro.
Scorri verso il basso e guarda 10 capolavori della pittura giapponese
1. Katsushika Hokusai "Il sogno della moglie del pescatore"
Uno dei dipinti giapponesi più riconoscibili è Il sogno della moglie del pescatore. Fu dipinto nel 1814 dal famoso artista Hokusai. Secondo definizioni rigorose, questo lavoro fantastico Hokusai non può essere considerato un dipinto, poiché è una xilografia ukiyo-e di Young Pines (Kinoe no Komatsu), che è un libro shunga in tre volumi. La composizione raffigura un giovane subacqueo ama intrecciato sessualmente con una coppia di polpi. Questa immagine è stata molto influente nei secoli XIX e XX. L'opera influenzò artisti successivi come Felicien Rops, Auguste Rodin, Louis Ocock, Fernand Khnopf e Pablo Picasso.
2. Tessai Tomioka "Abe no Nakamaro scrive una poesia nostalgica mentre guarda la luna"
Tessai Tomioka è lo pseudonimo di un famoso artista e calligrafo giapponese. È considerato l'ultimo grande artista della tradizione del bungjing e uno dei primi grandi artisti Stile Nihonga. Bunjinga era una scuola di pittura giapponese che fiorì durante il tardo periodo Edo tra artisti che si consideravano letterati o intellettuali. Ciascuno di questi artisti, compresa Tessaia, ha sviluppato il proprio proprio stile e tecnologia, ma erano tutti grandi fan dell’arte e della cultura cinese.
3. Fujishima Takeji "L'alba sul mare orientale"
Fujishima Takeji era un artista giapponese noto per il suo lavoro nello sviluppo del romanticismo e dell'impressionismo nel movimento artistico Yoga (in stile occidentale) in fine XIX- l'inizio del XX secolo. Nel 1905 si recò in Francia, dove fu influenzato dai movimenti francesi dell'epoca, in particolare dall'impressionismo, come si può vedere nel suo dipinto del 1932 Alba sul mare orientale.
4. Kitagawa Utamaro "Dieci tipi di volti femminili, una collezione di bellezze dominanti"
Kitagawa Utamaro era un importante artista giapponese nato nel 1753 e morto nel 1806. È di gran lunga meglio conosciuto per una serie chiamata The Ten Types volti femminili. Raccolta di bellezze dominanti, temi Grande amore Poesia classica" (a volte chiamata "Donne innamorate", contenente incisioni separate "Amore nudo" e "Amore pensieroso"). È uno degli artisti più significativi appartenenti al genere della xilografia ukiyo-e.
5. Kawanabe Kyosai "Tigre"
Kawanabe Kyosai è stato uno degli artisti giapponesi più famosi del periodo Edo. La sua arte fu influenzata da Tohaku, un pittore Kano del XVI secolo che fu l'unico pittore del suo tempo a dipingere schermi interamente con inchiostro su un delicato sfondo di polvere d'oro. Sebbene Kyosai sia conosciuto come fumettista, è lui che ne ha scritti di più dipinti famosi V Storia giapponese Arte del XIX secolo. "Tiger" è uno di quei dipinti che Kyosai ha utilizzato acquerello e inchiostro per creare.
6. Hiroshi Yoshida Fuji dal Lago Kawaguchi
Hiroshi Yoshida è conosciuto come una delle figure più importanti dello stile Shin-Hanga (Shin-Hanga è un movimento artistico nato in Giappone all'inizio del XX secolo, durante i periodi Taisho e Showa, che fece rivivere arte tradizionale ukiyo-e, che attecchisce nel periodo Edo e Meiji (XVII - XIX secolo)). Si è formato nella tradizione della pittura a olio occidentale, adottata in Giappone durante il periodo Meiji.
7. Takashi Murakami "727"
Takashi Murakami è probabilmente l'artista giapponese più popolare del nostro tempo. Il suo lavoro viene venduto a prezzi astronomici aste importanti, e la creatività sta già ispirando nuove generazioni di artisti non solo in Giappone, ma anche all'estero. L'arte di Murakami comprende una vasta gamma di mezzi e viene solitamente descritta come super piatta. Il suo lavoro è noto per l'uso del colore, incorporando motivi della cultura tradizionale e popolare giapponese. Il contenuto dei suoi dipinti è spesso descritto come "carino", "psichedelico" o "satirico".
8. Yayoi Kusama "Zucca"
Yaoi Kusama è anche uno degli artisti giapponesi più famosi. Lei crea dentro varie tecniche tra cui pittura, collage, scultura scat, performance art, arte ambientale e installazione, la maggior parte dei quali mostrano il suo interesse tematico per il colore psichedelico, la ripetizione e il modello. Una delle serie più famose di questa grande artistaè la serie "Zucca". Una zucca regolare a pois in giallo brillante è mostrata contro una rete. Insieme, tutti questi elementi formano un linguaggio visivo che è inconfondibile per lo stile dell'artista ed è stato sviluppato e perfezionato nel corso di decenni di scrupolosa lavorazione e riproduzione.
9. Tenmyoya Hisashi "Spirito giapponese #14"
Tenmyoya Hisashi è un artista giapponese contemporaneo noto per i suoi dipinti neo-nihonga. Ha partecipato alla rinascita dell'antica tradizione della pittura giapponese, che è l'esatto opposto della pittura giapponese moderna. Nel 2000 crea anche il suo un nuovo stile butouha, che attraverso i suoi dipinti dimostra un forte rapporto con un autorevole sistema artistico. "Japanese Spirit No. 14" è stato creato come parte di schema artistico"BASARA", interpretato in cultura giapponese come il comportamento ribelle della bassa aristocrazia durante il periodo degli Stati Combattenti al fine di privare le autorità dell'opportunità di cercare immagine perfetta vita, vestendosi con abiti pomposi e lussuosi e agendo di libera volontà, che non corrispondeva alla loro classe sociale.
10. Katsushika Hokusai "La grande onda al largo di Kanagawa"
Finalmente, " Una grande onda a Kanagawa" è probabilmente il più riconoscibile pittura giapponese mai scritto. È davvero il massimo opera famosa arte realizzata in Giappone. Raffigura enormi onde che minacciano le barche al largo della costa della prefettura di Kanagawa. Anche se a volte viene scambiata per uno tsunami, l'onda, come suggerisce il nome del dipinto, molto probabilmente ha semplicemente un'altezza anomala. Il dipinto è realizzato secondo la tradizione ukiyo-e.
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Ciao, cari lettori cercatori di conoscenza e verità!
Gli artisti giapponesi sono diversi stile unico affinato da generazioni di artigiani. Oggi parleremo dei rappresentanti più brillanti della pittura giapponese e dei loro dipinti, dai tempi antichi ai tempi moderni.
Bene, tuffiamoci nell'arte del Paese del Sol Levante.
La nascita dell'arte
L'antica arte della pittura in Giappone è principalmente associata alle peculiarità della scrittura e quindi si basa sulle basi della calligrafia. I primi esempi includono frammenti di campane, stoviglie e oggetti domestici in bronzo rinvenuti durante gli scavi. Molti di loro erano dipinti con vernici naturali e la ricerca suggerisce che i prodotti furono realizzati prima del 300 a.C.
Una nuova fase nello sviluppo dell'arte è iniziata con l'arrivo in Giappone. Su emakimono - speciali rotoli di carta - sono state applicate immagini delle divinità del pantheon buddista, scene della vita del Maestro e dei suoi seguaci.
La predominanza dei temi religiosi nella pittura può essere rintracciata nel Giappone medievale, vale a dire dal X al XV secolo. I nomi degli artisti di quell'epoca fino ad oggi, purtroppo, non sono stati conservati.
Nel periodo tra il XV e il XVIII secolo inizia un nuovo tempo, caratterizzato dalla comparsa di artisti con una sviluppata stile individuale. Hanno etichettato il vettore ulteriori sviluppi arti visive.
Rappresentanti brillanti del passato
Shubun teso (inizio XV secolo)
Per diventare un maestro eccezionale, Xubong ha studiato le tecniche di scrittura degli artisti cinesi Sung e il loro lavoro. Successivamente divenne uno dei fondatori della pittura in Giappone e il creatore del sumi-e.
Sumi-e- stile artistico, che si basa sul disegno a inchiostro, il che significa un colore.
Shubun fece molto per far radicare il nuovo stile nei circoli artistici e insegnò l'arte ad altri talenti, compresi quelli futuri. pittori famosi come Sesshu.
Il dipinto più popolare di Shubun si chiama "Lettura nel boschetto di bambù".
"Leggere nel boschetto di bambù" di Tense Shubun
Hasegawa Tohaku (1539-1610)
Divenne il creatore della scuola, che porta il suo nome: Hasegawa. Inizialmente cercò di seguire i canoni della scuola Kano, ma gradualmente la sua “grafia” individuale cominciò a essere rintracciata nelle sue opere. Tohaku è stato guidato dalla grafica di Sesshu.
La base del lavoro era semplice, concisa, ma paesaggi realistici con nomi semplici:
- "Pini";
- "Acero";
- Pini e piante da fiore.
Pini, Hasegawa Tohaku
Fratelli Ogata Korin (1658-1716) e Ogata Kenzan (1663-1743)
I fratelli erano eccellenti artigiani del XVIII secolo. Il maggiore, Ogata Korin, si dedicò interamente alla pittura e fondò il genere rimpa. Evitò le immagini stereotipate, preferendo il genere impressionista.
Ogata Korin dipinse la natura in generale e i fiori in particolare sotto forma di astrazioni luminose. I suoi pennelli appartengono al dipinto:
- "Fiore di prugno rosso e bianco";
- "Onde di Matsushima";
- "Crisantemi".
Le onde di Matsushima di Korin Ogata
Il fratello minore, Ogata Kenzan, aveva molti pseudonimi. Almeno era impegnato nella pittura, ma era più famoso come un meraviglioso ceramista.
Ogata Kenzan padroneggiava molte tecniche di ceramica. Si distingueva per un approccio non standard, ad esempio creava piatti a forma di quadrato.
La sua pittura non si distingueva per lo splendore: questa era anche la sua particolarità. Gli piaceva mettere la calligrafia su prodotti come un rotolo o estratti di poesie. A volte lavoravano insieme al fratello.
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Ha lavorato nello stile dell'ukiyo-e, una sorta di xilografia, in altre parole, pittura con incisione. Per tutto il tempo della creatività, ha cambiato circa 30 nomi. L'opera più famosa è La Grande Onda al largo di Kanagawa, grazie alla quale divenne famoso anche fuori dalla sua terra natale.
"La grande onda al largo di Kanagawa" di Hokusai Katsushika
Hokusai ha iniziato a lavorare particolarmente duramente dopo 60 anni, il che ha portato buoni risultati. Van Gogh, Monet, Renoir avevano familiarità con il suo lavoro, e in in una certa misura ha influenzato il lavoro dei maestri europei.
Ando Hiroshige (1791-1858)
Uno di i più grandi artisti 19esimo secolo. Nato, vissuto, lavorato a Edo, ha continuato il lavoro di Hokusai, è stato ispirato dal suo lavoro. Il modo in cui ha rappresentato la natura è sorprendente quasi quanto il numero delle opere stesse.
Edo- precedente nome Tokio.
Ecco alcuni dati sulla sua opera, rappresentati da un ciclo di dipinti:
- 5,5 mila - il numero di tutte le incisioni;
- “100 vedute di Edo;
- "36 vedute del Fuji";
- "69 stazioni Kisokaido";
- "53 stazioni Tokaido" .
Dipinto di Ando Hiroshige
È interessante notare che l'eccezionale Van Gogh ha scritto un paio di copie delle sue incisioni.
Modernità
Takashi Murakami
Pittore, scultore, stilista, si guadagnò il nome già alla fine del XX secolo. Nella creatività, aderisce Tendenze di moda con elementi classici e trae ispirazione dai cartoni animati di anime e manga.
Dipinto di Takashi Murakami
Le opere di Takashi Murakami sono classificate come sottocultura, ma allo stesso tempo sono incredibilmente popolari. Ad esempio, nel 2008, una delle sue opere è stata acquistata all'asta per oltre 15 milioni di dollari. Ai miei tempi creatore moderno ha collaborato con le case di moda "Marc Jacobs" e "Louis Vuitton".
Tycho Asima
Socia di un artista precedente, crea dipinti surreali contemporanei. Descrivono vedute di città, strade di megalopoli e creature come provenienti da un altro universo: fantasmi, spiriti maligni, ragazze aliene. Sullo sfondo dei dipinti si vede spesso la natura incontaminata, a volte addirittura spaventosa.
I suoi dipinti raggiungono grandi dimensioni e raramente si limitano al supporto cartaceo. Vengono trasferiti su pelle, materiali plastici.
Nel 2006, nell'ambito di una mostra nella capitale britannica, una donna ha creato circa 20 strutture ad arco che riflettevano la bellezza della natura del villaggio e della città, giorno e notte. Uno di loro decorava la stazione della metropolitana.
Ciao Arakawa
Il giovane non può essere definito solo un artista nel senso classico del termine: crea installazioni così popolari nell'arte del 21 ° secolo. I temi delle sue mostre sono veramente giapponesi e toccano le relazioni amichevoli, così come il lavoro dell'intero team.
Ei Arakawa partecipa spesso a varie biennali, ad esempio a Venezia, esposte nel museo arte contemporanea a casa, riceve meritatamente premi di vario genere.
Ikenaga Yasunari
Il pittore moderno Ikenaga Yasunari è riuscito a combinare due cose apparentemente incompatibili: la vita delle ragazze di oggi in forma di ritratto e tecniche tradizionali Il Giappone viene dai tempi antichi. Nel suo lavoro, il pittore utilizza pennelli speciali, vernici pigmentate naturali, inchiostro e carbone. Invece del solito lino - tessuto di lino.
Dipinto di Ikenaga Yasunari
Questa tecnica di contrasto tra l'epoca rappresentata e l'aspetto delle eroine crea l'impressione che ci siano tornate dal passato.
popolare in Ultimamente nella comunità online, il fumettista giapponese Keigo ha creato anche una serie di dipinti sulla complessità della vita di un coccodrillo.
Conclusione
Quindi, la pittura giapponese ebbe origine intorno al III secolo a.C. e da allora è cambiata molto. Le prime immagini furono applicate alla ceramica, poi i motivi buddisti iniziarono a prevalere nelle arti, ma i nomi degli autori non sono sopravvissuti fino ad oggi.
Nell'era della New Age, i maestri del pennello acquisivano tutto grande personalità, creato direzioni diverse, scuole. Di oggi arte non limitato pittura tradizionale- vengono utilizzate installazioni, caricature, sculture d'arte, strutture speciali.
Grazie mille per l'attenzione, cari lettori! Ci auguriamo che tu abbia trovato utile il nostro articolo e che le storie sulla vita e sul lavoro dei più brillanti rappresentanti dell'arte abbiano permesso di conoscerli meglio.
Certo, è difficile raccontare in un articolo tutti gli artisti dall'antichità ai giorni nostri. Sia dunque questo il primo passo verso la conoscenza della pittura giapponese.
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Arte e design
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01.02.18 09:02
Di oggi scena artistica Il Giappone è molto vario e provocatorio: guardando le opere dei maestri del Paese del Sol Levante, deciderai di essere sbarcato su un altro pianeta! Ospita innovatori che hanno cambiato il panorama del settore su scala globale. Ecco un elenco di 10 artisti giapponesi contemporanei e delle loro creazioni, dalle incredibili creature di Takashi Murakami (che oggi festeggia il suo compleanno) al colorato universo di Kusama.
Dai mondi futuristici alle costellazioni punteggiate: artisti giapponesi contemporanei
Takashi Murakami: tradizionalista e classico
Cominciamo con l'eroe dell'occasione! Takashi Murakami è uno degli artisti contemporanei più iconici del Giappone, che lavora su dipinti, sculture su larga scala e moda. Lo stile di Murakami è influenzato da manga e anime. È il fondatore del movimento Superflat, che sostiene le tradizioni artistiche giapponesi e la cultura del dopoguerra del paese. Murakami ha promosso molti suoi colleghi contemporanei, oggi ne conosceremo anche alcuni. Le opere "subculturali" di Takashi Murakami sono presentate nei mercati della moda e dell'arte. Il suo provocatorio My Lonesome Cowboy (1998) è stato venduto a New York da Sotheby's nel 2008 per la cifra record di 15,2 milioni di dollari. Murakami ha collaborato con tutto il mondo marchi famosi Marc Jacobs, Louis Vuitton e Issey Miyake.
Tycho Asima e il suo universo surreale
Membro artistico società di produzione Kaikai Kiki e i movimenti Superflat (entrambi fondati da Takashi Murakami) Chiho Ashima è nota per i suoi paesaggi urbani fantasy e le strane creature pop. L'artista crea sogni surreali abitati da demoni, fantasmi, giovani bellezze raffigurate sullo sfondo di una natura stravagante. Le sue opere sono solitamente di grandi dimensioni e stampate su carta, pelle, plastica. Nel 2006, questo moderno Artista giapponese ha partecipato ad Art on the Underground a Londra. Ha creato 17 archi consecutivi per la piattaforma - paesaggio magico gradualmente si è trasformato dal giorno alla notte, da urbano a rurale. Questo miracolo è sbocciato alla stazione della metropolitana di Gloucester Road.
Chiharu Shima e i Fili Infiniti
Un altro artista, Chiharu Shiota, sta lavorando su installazioni visive su larga scala per punti di riferimento specifici. È nata a Osaka, ma ora vive in Germania, a Berlino. Temi centrali il suo lavoro - oblio e memoria, sogno e realtà, passato e presente, e anche - il confronto con l'ansia. Le opere più famose di Chiharu Shiota sono le ragnatele impenetrabili di filo nero che avvolgono molti oggetti domestici e personali come vecchie sedie, Vestito da sposa, pianoforte bruciato. Nell'estate del 2014, Shiota ha collegato più di 300 scarpe e stivali che le erano stati donati con fili di filo rosso e li ha appesi a dei ganci. La prima mostra di Chiharu nella capitale tedesca si è tenuta durante la Berlin Art Week nel 2016 e ha suscitato scalpore.
Ehi Arakawa: ovunque, non da nessuna parte
Ei Arakawa si ispira a stati di cambiamento, periodi di instabilità, elementi di rischio e le sue installazioni spesso simboleggiano i temi dell'amicizia e del lavoro di squadra. Il credo dell'artista giapponese contemporaneo è definito dall'indefinito performativo “ovunque ma da nessuna parte”. Le sue creazioni spuntano in luoghi inaspettati. Nel 2013 il lavoro di Arakawa è stato esposto alla Biennale di Venezia e nella mostra di arte contemporanea giapponese al Mori Art Museum (Tokyo). L'installazione Hawaiian Presence (2014) è stata una collaborazione con l'artista newyorkese Carissa Rodriguez ed è stata presentata alla Whitney Biennale. Sempre nel 2014, Arakawa e suo fratello Tomu, esibendosi in un duetto chiamato United Brothers, hanno offerto ai visitatori di Frieze London il loro "lavoro" "The This Soup Taste Ambivalent" con radici "radioattive" dei daikon di Fukushima.
Koki Tanaka: Relazione e ripetizione
Nel 2015, Koki Tanaka è stata nominata Artista dell'anno. Tanaka esplora l'esperienza condivisa di creatività e immaginazione, incoraggia lo scambio tra i partecipanti al progetto e sostiene nuove regole per la collaborazione. La sua installazione nel padiglione giapponese alla Biennale di Venezia del 2013 consisteva in video di oggetti che trasformavano lo spazio in una piattaforma per lo scambio artistico. Le installazioni di Koki Tanaka (da non confondere con il suo omonimo attore) illustrano la relazione tra oggetti e azioni, ad esempio il video contiene la registrazione di gesti semplici eseguiti con oggetti comuni (un coltello che affetta verdure, la birra versata in un bicchiere, aprire l'ombrello). Non succede nulla di significativo, ma ripetizione ossessiva e attenzione i più piccoli dettagli far sì che lo spettatore apprezzi il banale.
Mariko Mori e le forme aerodinamiche
Un'altra artista giapponese contemporanea, Mariko Mori, "evoca" oggetti multimediali, combinando video, foto, oggetti. Ha una visione futuristica minimalista e forme eleganti e surreali. Un tema ricorrente nel lavoro di Mori è la giustapposizione della leggenda occidentale con cultura occidentale. Nel 2010, Mariko ha fondato la Fau Foundation, un'organizzazione culturale educativa organizzazione non profit, per il quale ha prodotto una sua serie installazioni artistiche in onore dei sei continenti abitati. Più recentemente, l'installazione permanente della Fondazione, The Ring: One with Nature, è stata issata su una pittoresca cascata a Resende vicino a Rio de Janeiro.
Ryoji Ikeda: sintesi audio e video
Ryoji Ikeda è un artista e compositore dei nuovi media il cui lavoro è principalmente legato al suono in diversi stati "grezzi", dai suoni sinusoidali ai rumori che utilizzano frequenze ai margini dell'udito umano. Le sue installazioni mozzafiato includono suoni generati dal computer che vengono trasformati visivamente in proiezioni video o modelli digitali. Gli oggetti d'arte audiovisivi di Ikeda utilizzano scala, luce, ombra, volume, suoni elettronici e ritmo. Il famoso oggetto di prova dell'artista è composto da cinque proiettori che illuminano un'area lunga 28 metri e larga 8 metri. L'unità converte i dati (testo, suoni, foto e filmati) in un codice a barre e modelli binari di zero e uno.
Tatsuo Miyajima e i contatori LED
Lo scultore e artista di montaggio giapponese moderno Tatsuo Miyajima utilizza circuiti elettrici, video, computer e altri gadget nella sua arte. I concetti principali di Miyajima sono ispirati da idee umanistiche e insegnamenti buddisti. I contatori LED nella sua configurazione lampeggiano continuamente in una ripetizione da 1 a 9, simboleggiando il viaggio dalla vita alla morte, ma evitando la finalità rappresentata dallo 0 (lo zero non appare mai nel lavoro di Tatsuo). I numeri onnipresenti nelle griglie, nelle torri e nei diagrammi esprimono l'interesse di Miyajima per le idee di continuità, eternità, connessione e flusso di tempo e spazio. Non molto tempo fa, l'oggetto Arrow of Time di Miyajima è stato mostrato alla mostra inaugurale "Incomplete Thoughts Visible in New York".
Nara Yoshimoto e i bambini malvagi
Nara Yoshimoto crea dipinti, sculture e disegni di bambini e cani, soggetti che riflettono il senso infantile di noia e frustrazione e la feroce indipendenza che è naturale nei bambini piccoli. L'estetica del lavoro di Yoshimoto ricorda le tradizionali illustrazioni di libri, un misto di tensione irrequieta e amore dell'artista per il punk rock. Nel 2011, l'Asian Society Museum di New York ha ospitato la prima mostra personale di Yoshitomo dal titolo "Yoshitomo Nara: Nessuno's Fool", che copre i vent'anni di carriera dell'artista giapponese contemporaneo. Le mostre erano strettamente legate alle sottoculture giovanili del mondo, alla loro alienazione e protesta. .
Yayoi Kusama e lo spazio che cresce con forme stravaganti
Una straordinaria biografia creativa di Yayoi Kusama abbraccia sette decenni. Durante questo periodo, una straordinaria donna giapponese è riuscita a studiare i campi della pittura, della grafica, del collage, della scultura, del cinema, dell'incisione, dell'arte ambientale, dell'installazione, nonché della letteratura, della moda e del design della moda. Kusama ha sviluppato uno stile di dot art altamente distintivo che è diventato il suo marchio di fabbrica. Le visioni illusorie presentate nelle opere dell'88enne Kusama - quando il mondo sembra essere ricoperto da proliferanti forme stravaganti - sono il risultato di allucinazioni che ha vissuto fin dall'infanzia. Le stanze con punti colorati e specchi "infiniti" che riflettono i loro accumuli sono riconoscibili, non possono essere confuse con nient'altro.
Ami la pittura giapponese? Quanto sai delle celebrità? Artisti giapponesi? Diamo un'occhiata al massimo artisti famosi Giappone che hanno creato le loro opere nello stile di ukiyo-e (浮世絵). Questo stile di pittura è stato sviluppato sin dal periodo Edo. I geroglifici che scrivono questo stile 浮世絵 significano letteralmente "immagini (immagini) del mondo che cambia", puoi leggere di più su questa direzione della pittura
Hisikawa Moronobu(菱川師宣, 1618-1694). È considerato il fondatore del genere ukiyo-e, sebbene, in realtà, sia solo il primo maestro, sulla cui vita sono state conservate informazioni biografiche. Moronobu nacque nella famiglia di un maestro che tingeva tessuti e ricamava con oro e fili d'argento ed è stato a lungo impegnato nell'artigianato di famiglia, quindi il segno distintivo del suo lavoro sono gli abiti splendidamente decorati delle bellezze, che danno un meraviglioso effetto artistico.
Dopo essersi trasferito a Edo, ha studiato dapprima le tecniche pittoriche, poi l'artista Kambun ha continuato i suoi studi.
Per lo più ci sono pervenuti gli album di Moronobu, in cui descrive storie storiche e trame letterarie e libri con modelli campione di kimono. Il maestro lavorò anche nel genere shunga e, tra le singole opere, ne sono conservate diverse raffiguranti belle donne. 
(鳥居清長, 1752-1815). Riconosciuto alla fine del XVIII secolo, il maestro Seki (Sekiguchi) Shinsuke (Ishibei) portava lo pseudonimo Torii Kiyonaga, che prese dopo aver ereditato la scuola di ukiyo-e Torii da Torii Kiyomitsu dopo la morte di quest'ultimo.
Kiyonaga è nato nella famiglia del libraio Shirakoya Ishibei. Il genere bijinga gli ha portato la fama più grande, sebbene abbia iniziato con yakusha-e. Le trame per le incisioni del genere bijinga sono state tratte dalla vita di tutti i giorni: passeggiate, processioni festive, uscite nella natura. Tra le tante opere dell'artista, la serie “Concorso di bellezze alla moda da quartieri divertenti”, raffigurante Minami, uno dei “quartieri divertenti” nel sud di Edo, “12 ritratti di bellezze del sud”, “10 tipi di negozi di tè”. segno distintivo il maestro fu uno studio dettagliato della vista di sfondo e l'uso di tecniche provenienti dall'Occidente per rappresentare la luce e lo spazio.
Kiyonaga ottenne la sua fama iniziale con la ripresa nel 1782 della serie "Models of Fashion: Models New as Spring Foliage", iniziata da Koryusai negli anni Settanta del Settecento per l'editore Nishimurai Yohachi.
(喜多川歌麿, 1753-1806). Su questo maestro eccezionale Ukiyo-e è stato fortemente influenzato da Torii Kiyonaga e dall'editore Tsutai Juzaburo. Frutto di una lunga collaborazione con quest'ultimo furono pubblicati numerosi album, libri con illustrazioni e una serie di incisioni.
Nonostante Utamaro abbia tratto storie dalla vita di semplici artigiani e si sia sforzato di rappresentare la natura (“Il libro degli insetti”), la fama gli è arrivata come artista di opere dedicate alle geishe del quartiere Yoshiwara (“Yoshiwara Green Houses Yearbook” ).
Utamaro raggiunse alto livello nell’espressione degli stati mentali su carta. Per la prima volta nelle xilografie giapponesi iniziarono ad essere utilizzate composizioni di petto.
Fu l'opera di Utamaro che influenzò gli impressionisti francesi e contribuì all'interesse degli europei per le stampe giapponesi.
(葛飾北斎, 1760-1849). Il vero nome di Hokusai è Tokitaro. Probabilmente il maestro di ukiyo-e più conosciuto in tutto il mondo. Nel corso del suo lavoro ha utilizzato più di trenta pseudonimi. Molto spesso gli storici usano pseudonimi per periodizzare il suo lavoro.
All'inizio Hokusai lavorò come intagliatore, il cui lavoro era limitato dalle intenzioni dell'artista. Questo fatto pesò su Hokusai e iniziò a cercarsi come artista indipendente.
Nel 1778 divenne apprendista presso lo studio di Katsukawa Shunsho, specializzato in stampe yakusha-e. Hokusai era uno studente talentuoso e molto diligente che mostrava sempre rispetto per l'insegnante e quindi godeva del favore speciale di Shunsho. Quindi, il primo lavoro indipendente Gli Hokusai rientravano nel genere yakusha-e sotto forma di dittici e trittici, e la popolarità dello studente era pari a quella dell'insegnante. A quel tempo, il giovane maestro aveva già sviluppato il suo talento così tanto che divenne affollato all'interno di una scuola, e dopo la morte dell'insegnante, Hokusai lasciò lo studio e studiò le direzioni di altre scuole: Kano, Sotatsu (altrimenti Koetsu), Rinpa, Tosa.
Durante questo periodo, l'artista sta attraversando notevoli difficoltà finanziarie. Ma allo stesso tempo avviene la sua formazione di maestro, che rifiuta l'immagine consueta che la società richiedeva, e cerca il proprio stile.
Nel 1795 furono pubblicate le illustrazioni per l'antologia poetica Keka Edo Murasaki. Quindi Hokusai dipinse dipinti surimono, che iniziarono immediatamente ad essere popolari, e molti artisti iniziarono a imitarli.
A partire da questo periodo Tokitaro cominciò a firmare le sue opere con il nome Hokusai, anche se alcune sue opere furono pubblicate sotto gli pseudonimi Tatsumasa, Tokitaro, Kako, Sorobeku.
Nel 1800, il maestro iniziò a chiamarsi Gakejin Hokusai, che significa "Dipingere Mad Hokusai".
Famose serie di illustrazioni includono “36 vedute del Monte Fuji”, di cui “Il vento vittorioso. Clear Day" o "Red Fuji" e "The Great Wave off Kanagawa", "100 Views of Mount Fuji", pubblicati in tre album, "Hokusai Manga" (北斎漫画), definito "l'enciclopedia del popolo giapponese" . L'artista ha investito in "Manga" tutte le sue opinioni sulla creatività, la filosofia. "Manga" è la fonte più importante per studiare la vita del Giappone dell'epoca, poiché comprende molti aspetti culturali. In totale, durante la vita dell'artista furono pubblicati dodici numeri e dopo la sua morte altri tre:
* 1815 - II, III
* 1817 - VI,VII
* 1849 - XIII (dopo la morte dell'artista)
L'arte di Hokusai influenzò movimenti europei come l'Art Nouveau e l'Impressionismo francese.
(河鍋暁斎, 1831-1889). Ha usato gli pseudonimi Seisei Kyosai, Shuransai, Baiga Dojin, ha studiato alla scuola di Kano.
A differenza di Hokusai, Kyosai era piuttosto sfacciato, il che lo fece litigare con l'artista Tsuboyama Tozan. Dopo la scuola, divenne un maestro indipendente, anche se a volte andò a trovarla per altri cinque anni. A quel tempo dipingeva kyoga, i cosiddetti "quadri pazzi".
Tra le incisioni eccezionali si distinguono i "Cento dipinti di Kyosai". Come illustratore, Kyosai collabora con altri artisti per creare illustrazioni per racconti e romanzi.
Alla fine del XIX secolo gli europei visitavano spesso il Giappone. L'artista ne conosceva alcuni e molte delle sue opere si trovano ora al British Museum.
(歌川広重, 1797-1858). Ha lavorato sotto lo pseudonimo di Ando Hiroshige (安藤広重) ed è noto per la sua sottile interpretazione di motivi naturali e fenomeni naturali. Il primo dipinto "Il Monte Fuji nella neve", che ora è conservato al Suntory Museum di Tokyo, lo dipinse all'età di dieci anni. Trame primi lavori basato su eventi reali che accadono per le strade. I suoi cicli famosi sono 100 Vedute di Edo, 36 Vedute del Monte Fuji, 53 Stazioni Tokaido, 69 Stazioni Kimokaido, 100 specie conosciute Edo. Monet e l'artista russo Bilibin furono fortemente influenzati dalle 53 stazioni della Tokaido Road, dipinte dopo aver viaggiato lungo la East Seaside Road, così come dalle 100 vedute di Edo. Della serie kacho-ga di 25 incisioni, il foglio più famoso è “Passeri su una camelia coperta di neve”.
(歌川 国貞, noto anche come Utagawa Toyokuni III (giapponese 三代歌川豊国)). Uno dei più importanti artisti ukiyo-e.
Ha prestato particolare attenzione agli attori kabuki e al teatro stesso: questo rappresenta circa il 60% di tutte le opere. Sono note anche opere del genere bijinga e ritratti di lottatori di sumo. È noto che creò dalle 20 alle 25mila storie, che comprendevano 35-40mila fogli. Raramente si rivolgeva a paesaggi e guerrieri. Utagawa Kuniyoshi (歌川 国芳, 1798 - 1861) Nato nella famiglia di un tintore di seta. Kuniyoshi ha iniziato a imparare a disegnare all'età di dieci anni mentre viveva nella famiglia dell'artista Kuninao. Poi continuò a studiare con Katsukawa Shun'ei, e all'età di 13 anni entrò nel laboratorio di Tokuyoni. I primi anni di giovane artista le cose non stanno andando bene. Ma dopo aver ricevuto un ordine dall'editore Kagaya Kitibei per cinque stampe per la serie 108 Suikoden Heroes, le cose hanno preso il volo. Crea il resto dei personaggi di questa serie e poi procede con gli altri varie opere, e dopo quindici anni è alla pari di Utagawa Hiroshige e Utagawa Kunisada.
Dopo il divieto delle immagini del 1842 scene teatrali, attori, geishe e cortigiane, Kuniyoshi scrive la sua serie "gatti", realizza incisioni da una serie educativa per casalinghe e bambini, raffigura eroi nazionali nella serie "Tradizioni, moralità e decanato", e tra la fine degli anni Quaranta dell'Ottocento e l'inizio degli anni Cinquanta dell'Ottocento, dopo l'allentamento dei divieti, l'artista ritorna al tema del kabuki.
(渓斎英泉, 1790-1848). Conosciuto per le sue opere nel genere delle offerte. Nel suo miglior lavoro comprende ritratti del tipo okubi-e (“grandi teste”), considerati esempi dell'artigianato dell'era Bunsei (1818-1830), quando il genere ukiyo-e era in declino. L'artista scrisse molti surimono lirici ed erotici, così come il ciclo di paesaggi "Sessantanove stazioni di Kisokaido", che non riuscì a completare, e Hiroshige lo finì.
La novità nella rappresentazione del bijinga era una sensualità che altri artisti non avevano mai avuto prima. Dalle sue opere possiamo capire la moda di quel tempo. Pubblicò anche biografie dei Quarantasette Ronin e scrisse diversi altri libri, tra cui La storia delle stampe Ukiyo-e (Ukiyo-e ruiko), che contiene le biografie degli artisti. E in Notes of a Nameless Elder, si descriveva come un ubriacone depravato ed ex proprietario di un bordello Nezu raso al suolo da un incendio negli anni '30 dell'Ottocento.
Suzuki Harunobu (鈴木春信, 1724-1770) Il vero nome dell'artista è Hozumi Jirobei. È il pioniere della stampa policroma ukiyo-e. Ha studiato alla scuola Kano e ha studiato pittura. Poi, sotto l'influenza di Shigenaga Nishimura e Toriya Kiyomitsu, l'intaglio del legno divenne la sua passione. Le stampe in due o tre colori furono realizzate dall'inizio del XVIII secolo e Harunobu iniziò a dipingere quadri in dieci colori, utilizzando tre tavole e combinando tre colori: giallo, blu e rosso.
Distinguiti nell'immagine scene di strada e dipinti shunga. E dal 1760 fu uno dei primi a iniziare a ritrarre gli attori del teatro Kabuki. Il suo lavoro ha influenzato E. Manet ed E. Degas.
(小原古邨, 1877 - 1945). Il suo vero nome è Matao Ohara. Rappresentate scene delle guerre russo-giapponese e sino-giapponese. Tuttavia, dopo la comparsa della fotografia, il suo lavoro iniziò a vendersi poco e iniziò a guadagnarsi da vivere insegnando a scuola. belle arti a Tokio. Nel 1926 Ernest Felloza, curatore del dipartimento Arte giapponese al Boston Museum, convinse Ohara a tornare alla pittura, e l'artista iniziò a raffigurare uccelli e fiori, e il suo lavoro vendette bene all'estero. 
(伊藤若冲, 1716 - 1800). Si distinse tra gli altri artisti per la sua eccentricità e il suo stile di vita, che consisteva nell'amicizia con molti esponenti della cultura e figure religiose quella volta. Animali, fiori e uccelli raffigurati in modo molto forma esotica. Era molto famoso e ricevette ordini per dipingere paraventi e dipinti di templi.
(鳥居清信, 1664-1729). Uno dei rappresentanti più importanti primo periodo ukiyo-e. Nonostante la grande influenza del suo insegnante Hisikawa Monorobu, divenne il fondatore del genere yakusha-e nella raffigurazione di manifesti e manifesti e inventò il proprio stile. Gli attori sono stati ritratti in pose speciali come eroi coraggiosi e sono stati dipinti 
nobile colore arancione, e i cattivi erano disegnati in blu. Per rappresentare la passione, l'artista ha inventato un tipo speciale di motivo mimizugaki: si tratta di linee sinuose con tratti sottili e spessi alternati e combinate con un'immagine grottesca dei muscoli degli arti.
Torii Kiyonobu è il fondatore della dinastia di artisti Torii. I suoi studenti erano Torii Kiyomasu, Torii Kiyoshige I, Torii Kiyomitsu.
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