Comunicato stampa fornito dagli organizzatori del concerto
L'Ensemble Sinfonico Unito delle due città gemellate, Mosca e Düsseldorf, si esibirà il 14 dicembre presso la sala concerti P. I. Tchaikovsky, riassumendo il risultato musicale del 2017, anno del centenario Rivoluzione d'Ottobre.
Persimfans (Primo ensemble sinfonico) - un'orchestra senza direttore - fu organizzata a Mosca nel 1922 e divenne uno dei fenomeni più notevoli della vita culturale nella Russia sovietica. L'ensemble ha tenuto più di settanta concerti nel corso della stagione; senza esibirsi una sola volta fuori Mosca, i Persimfans hanno guadagnato fama mondiale come uno dei migliori ensemble sinfonici di quel tempo. A sua somiglianza, le orchestre senza direttore furono organizzate non solo in URSS, ma anche all'estero, negli Stati Uniti e in Germania.
Nel 2008, Persimfans è stato ripreso su iniziativa di Petr Aidu dopo diversi decenni di pausa forzata. Sotto gli auspici di Persimfans si svolgono studi culturali, si organizzano mostre e spettacoli teatrali. Persimfans oggi è una combinazione universale di arti.
Dimostrazione recenti conquiste Persimfans è diventato un progetto congiunto con la Tonhalle di Düsseldorf: il 7 e 8 ottobre i musicisti di Mosca hanno collaborato con gli artisti dei Düsseldorfer Symphoniker e le radio hanno seguito in modo esaustivo l'evento.
L'organizzatore dell'unico concerto a Mosca è l'agenzia Apriori Arts rappresentata dalla produttrice indipendente Elena Kharakidzyan in collaborazione con l'agenzia Helikon Artists e la direzione della Tonhalle Düsseldorf con il sostegno del Goethe Institute di Mosca, del Ministero degli Esteri tedesco e dello Stato Federale di Nord Reno-Westfalia.
In occasione del centenario della Rivoluzione d'Ottobre, l'orchestra di Mosca Persimfans e Düsseldorf Orchestra Sinfonica ha preparato un programma di concerti seguendo i principi degli storici Persimfans, gruppo di musicisti fondato nel 1922 senza direttore. Il concerto degli ensemble delle città gemellate di Mosca e Düsseldorf si svolgerà il 14 dicembre 2017 nella sala da concerto omonima. P. I. Čajkovskij della Filarmonica di Mosca.
Dopo due concerti, che i due ensemble hanno eseguito con grande successo in ottobre alla Tonhalle di Düsseldorf, è prevista una visita di ritorno: più di 60 musicisti da Mosca e 20 da Düsseldorf si presenteranno nella Sala dei concerti di Mosca. PI. Programma Čajkovskij creato secondo i principi degli storici Persimfans. Comprendeva opere interpretate dagli ex Persimfans, che hanno avuto un notevole impatto sull'avanguardia russa durante la rivoluzione. Quindi, attraverso la realizzazione congiunta di opere nate a livello paneuropeo tradizione musicale, V anno dell'anniversario La Rivoluzione d’Ottobre ricreerà un aspetto a lungo dimenticato dell’avanguardia europea. Allo stesso tempo, ti sentirai fresco creatività nega la gerarchia nella musica, ne verrà verificata la pertinenza al contesto odierno.
Nel 2008, il musicista moscovita Pyotr Aidu, nipote di uno dei musicisti all'origine degli storici Persimfans, ha dato una seconda nascita all'ensemble, assolutamente nello spirito del suo predecessore. Musicisti appartenenza attuale intendono le loro attività come la rinascita delle utopie delle avanguardie europee distrutte dalle dittature del XX secolo. In un processo di prove incredibilmente intenso, senza la partecipazione di un direttore, nascono interpretazioni di opere che sarebbero impossibili nell'ambito delle attività quotidiane di una normale orchestra sinfonica. L'enorme responsabilità di ogni singolo musicista e la necessità di una comunicazione costante tra i musicisti portano a risultati unici che gettano un ponte musicale verso l'arte del teatro e della performance.
L'Ensemble si definisce innanzitutto come un gruppo artistico che, oltre ai concerti, realizza installazioni sonore interattive e progetti nel campo del teatro e della multimedialità. I progetti di Persimfans - l'installazione sonora interattiva "Reconstruction of Noise" (2012) e il progetto teatrale e multimediale "Reconstruction of Utopia" - hanno riscosso un grande successo di pubblico e critica a Mosca, San Pietroburgo, Vladivostok, Perm, Berlino e altre città. Questi progetti hanno ricevuto numerosi premi, in particolare il Premio Sergey Kuryokhin nel 2014.
L'arte sonora sperimentale potrà essere ascoltata e vista al concerto del 14 dicembre. Per questo si sono sviluppati musicisti provenienti dalla Germania e dalla Russia, secondo il principio dei Persimfans, che suonano senza direttore d'orchestra progetto comune interessante programma di concerti.
Uno dei progetti più interessanti e innovativi del periodo di massimo splendore Cultura sovietica era Persimfans, il primo ensemble sinfonico. Fu fondato a Mosca nel 1922 e, in consonanza con gli ideali della rivoluzione russa, eseguiva musica, abbandonando l'autorevole figura del direttore d'orchestra, interpretata come simbolo di potere assoluto. Durante lo spettacolo, i musicisti dell'orchestra, il cui repertorio comprendeva sia opere classiche che moderne, si sono seduti in cerchio per mantenere il contatto visivo tra loro - un prerequisito per suonare in modo ben coordinato senza direttore. Durante il suo periodo di massimo splendore, l'ensemble teneva più di 70 concerti a stagione e, sebbene tutti si svolgessero a Mosca, Persimfans ottenne fama mondiale ed era considerata la migliore orchestra del suo tempo. Orchestre senza direttore, seguendo il suo modello, iniziarono ad apparire non solo in URSS, ma anche all'estero, inclusa la Germania. Nel 1932 il progetto idealistico cadde vittima della repressione culturale di Stalin.
E oggi la rinata orchestra senza direttore è stata e rimane una delle più interessanti gruppi musicali nostro. E i suoi programmi sono luminosi e “rivoluzionari”.
Foto di Ira POLARE
Quindi oggi vi parleremo della nascita del jazz in URSS.
interesse per il jazz direzione musicale emerse negli anni post-rivoluzionari. Uno dei primi ad attirare l'attenzione su questo stile di musica fu il poeta Valentin Parnakh. Fu lui a scrivere i primi saggi su argomenti jazz e ad attirare su di sé l'attenzione del pubblico sovietico. Nel 1922 apparve nella capitale il primo ensemble jazz, o, come si diceva a quel tempo, "band jazz". Il debutto dell'ensemble ha avuto luogo in una delle famose sale arte teatrale. Il concerto ebbe luogo nell'ottobre del 1922 e fu un grande successo.
Un ruolo enorme nella formazione del jazz è stato interpretato da due persone: il moscovita Leonid Varpakhovsky e il residente di Kharkiv Julius Meitus. Queste persone formarono i primi gruppi jazz. Per la Repubblica dei Soviet questo genere musicale era una novità e non aveva tradizioni e regole stabilite. Repertorio gruppi jazz di quel tempo non aveva alcun carattere specifico, poiché il punto di riferimento principale per i musicisti era la musica degli ensemble americani di Frank Withers e Sam Wooding, che negli anni '20 fecero tournée nella parte europea. La nuova direzione suscitò un acceso dibattito e un grande interesse da parte del pubblico sovietico.
Il passo successivo nello sviluppo del jazz fu la creazione di un'orchestra guidata da Alexander Tsfasman nel 1927 a Mosca. La risposta alla capitale fu l'orchestra di Leningrado diretta da Leopold Teplitsky, apparsa nello stesso periodo. Padronanza artisti domestici il jazz è cresciuto costantemente. La spina dorsale del repertorio dell'ensemble era costituita da brani stranieri e trascrizioni di brani jazz classici, nonché blues e gospel. Il Narkompros decise di inviare Teplitsky nello stato di Filadelfia per imparare dall'esperienza di creare musica per i film muti popolari a quel tempo. Dopo aver visitato New York, il capo della band sovietica rimase semplicemente affascinato dal lavoro di Paul Whiteman e della sua orchestra, che in seguito divenne nota come "symphojazz".
Un contributo significativo allo sviluppo del jazz domestico fu dato dalla Leningrad Jazz Capella, un'orchestra creata da Georgy Landsberg e Boris Krupyshev a Leningrado nel 1929. Una grande svolta è stata l'apparizione nel repertorio del gruppo di opere teatrali per principianti Autori sovietici: Alexei Zhivotov, Nikolai Minkh, così come Genrikh Terpilovsky e altri, insieme a famose commedie straniere. Il loro stile era caratterizzato da un focus accademico. Nel corso dei sei anni della sua esistenza, la Jazz Capella ha avuto un enorme impatto sul rafforzamento della posizione del jazz nel paese dei sovietici.
Copertina in vinile jazz
La storia del jazz sovietico inizia all'inizio degli anni '20, più precisamente, dal 1922, quando a Mosca fu organizzato il primo ensemble jazz sovietico, o, come veniva chiamato allora, "band jazz". La prima rappresentazione dell'ensemble ebbe luogo nell'ottobre 1922 a Sala Grande Istituto statale arte teatrale ed è andata molto bene. Poco prima, il poeta Valentin Parnakh pubblicò diversi articoli sul jazz e, di fatto, fu il primo a portarlo all'attenzione del pubblico.
Molto è stato fatto per rendere popolare il jazz in questi anni. Leonid Varpakhovsky(a Mosca) e Giulio Meito(a Kharkov), che organizzava ensemble jazz. Il jazz nel nostro Paese in quegli anni muoveva i primi passi. E quindi, non sorprende che il repertorio di questi ensemble fosse di natura casuale e si concentrasse principalmente sulla musica ascoltata dagli ensemble americani in tournée nell'URSS nel 1926 sotto la direzione di Frank Withers (con Bechet e Smith), e dai Negro operetta "Chocolate Boys" sotto la direzione di Sam Wooding. Il Sam Wooding Ensemble era uno degli ensemble di Harlem più apprezzati in quegli anni, spesso in tournée in Europa; la performance suscitò grande interesse tra gli ascoltatori sovietici. Iniziò un'accesa polemica sul jazz, che durò a lungo.
Orchestra diretta da Leopold Teplitsky. Manifesto
Creazione nel 1927 di un'orchestra sotto la direzione di Alexandra Tsfasman ("AMA Jazz") a Mosca e quasi contemporaneamente all'orchestra diretta da Leopoldo Teplickij a Leningrado, segnò l'inizio del jazz professionale nell'URSS. Il repertorio di queste orchestre consisteva principalmente di opere autori stranieri, trascrizioni jazz di compositori classici, blues e spiritual. Teplitsky, inviato dal Commissariato popolare per l'istruzione a New York e Filadelfia per studiare musica per film muti, tornò a Leningrado molto colpito dall'orchestra di Paul Whiteman. Lo stile dell'orchestra di P. Whiteman, esteriormente brillante e raffinato, sebbene non fosse autentico jazz, tuttavia suonava Ruolo significativo nel suo sviluppo. Lo stile di questa orchestra è passato alla storia con il nome di "symphojazz".
Nel 1929 fu creata un'altra orchestra jazz a Leningrado sotto la direzione di Giorgio Landsberg E Boris Krupyshev ("Cappella jazz di Leningrado"), che comprende nel programma dei concerti, oltre a brani stranieri, opere di giovani autori sovietici che hanno lavorato nel campo del jazz - Alexei Zhivotov, Genrikh Terpilovsky, Nikolay Minkh e altri.Il loro stile si distingueva per la serietà delle aspirazioni estetiche e per un certo accademismo. "Cappella Jazz" durò fino al 1935 e diede un contributo significativo allo sviluppo del jazz sovietico.
Nel marzo 1929 ebbe luogo la prima "TÈ Jazz" organizzato da un attore Teatro di Leningrado satire Leonid Utyosov e trombettista Yakov Skomorovsky. "TÈ Jazz", cioè jazz teatrale, costruì le sue esibizioni secondo un determinato scenario, includendo nel programma numeri pop, canzoni, balli, schizzi, ecc .. Fu per questo gruppo che iniziò a scrivere musica Isaac Dunaevskij. Sebbene il repertorio dell'orchestra fosse basato sulla canzone, nei suoi programmi erano spesso incluse opere strumentali jazz. Sono apparse nuove orchestre - Ya. Skomorovsky, G. Landsberg, A. Tsfasman, E A. Varlamova, (creato nel 1933 ed eseguito per qualche tempo con la cantante negra Celestina Kool) - ha eseguito principalmente musica strumentale vicina al jazz. Il posto principale nel repertorio dell'orchestra di A. Varlamov era occupato dai suoi arrangiamenti, realizzati con grande abilità. L'orchestra iniziò a registrare su dischi. A quel tempo, l'orchestra di A. Varlamov era l'orchestra jazz che più si avvicinava alla comprensione del vero stile jazz.
In questi anni il repertorio delle orchestre jazz si è progressivamente ampliato grazie alle opere Compositori sovietici. Le orchestre memorizzeranno le suite jazz D. Shostakovich, A. Zhivotov, rapsodie jazz di I. Dunayevsky, opere di G. Terpilovsky, G. Landsberg, N. Minkh, Y. Khait, A. Varlamov, L. Schwartz, A. Tsfasman, L. Diderikhs, Dm . e Dan. Pokrassov e altri.Nel 1938, in A Mosca viene creata la State Jazz Orchestra(direttore artistico M. Blanter, direttore d'orchestra principale V. Knushevitsky). Allo stesso tempo, fu organizzata l'orchestra del Comitato radiofonico di tutta l'Unione, che inizialmente era guidata da A. Varlamov, poi A. Tsfasman. La musica jazz sovietica iniziò a essere trasmessa regolarmente alla radio. Nel 1940 fu creata una squadra simile N. Minhom alla radio di Leningrado. Nello stesso periodo apparvero gruppi jazz nelle repubbliche dell'Unione. Sono state conservate le registrazioni di alcune orchestre di questo periodo, dalle quali possiamo giudicare il livello artistico ed esecutivo dei protagonisti Orchestre jazz sovietiche(governato da L. Utesov, A. Varlamov, J. Skomorovsky, A. Tsfasman, V. Knushevitsky e così via.). Questo livello è piuttosto alto, e ora possiamo apprezzare l'ingegnosità e la freschezza di pensiero dei compositori e degli arrangiatori, il virtuosismo dei solisti.
Alla fine degli anni Trenta apparvero anche nelle repubbliche federate le orchestre jazz: G Orchestra Jazz di Stato dell'Azerbaigian (direttore T. Kuliyev), Orchestra Jazz di Stato dell'Armenia (direttore A. Ayvazyan), Orchestra Jazz di Stato della Georgia (direttore R. Gabichvadze).
Cappella del Jazz di Leningrado. Manifesto
Tra i temi strumentali di questa sezione vengono presentate alcune delle melodie più popolari ed eseguite degli anni '30 dai gruppi jazz. Sfortunatamente, gran parte di ciò che è stato creato negli anni '20 non è stato ritrovato a causa della mancanza di materiale musicale. Le registrazioni di musica jazz sovietica su dischi iniziarono ad essere effettuate alla fine degli anni '20, quindi si può avere un'idea della musica jazz di quel tempo solo dai resoconti dei testimoni oculari.
I primi esempi dei temi inclusi in questa sezione provengono dal repertorio Cappella del Jazz di Leningrado(scritto da G. Landsberg). Questo "Vento dalla Neva" N.Minha(1929), scritto nella tradizione del primo swing con influenze Dixieland e "Febbre del jazz" G. Terpilovsky(1929) - un pezzo il cui carattere e sequenza di sezioni della forma sono influenzati dallo stile "ragtime".
Le tradizioni del jazz sovietico degli anni '30 si riflettono in gran parte nella musica A. Tsfasman E A. Varlamova. È importante sottolineare che gli autori allora ancora giovani, insieme ad un accurato senso dello stile del genere e seguendo quanto di più prezioso si era accumulato nella musica jazz in generale a quel tempo, mostravano chiaramente quei tratti individuali che contribuirono alla creazione formazione e sviluppo del primo jazz sovietico. I loro brani strumentali sembrano essere esempi tipici della musica jazz sovietica degli anni '20 e '30, anche se, ovviamente, non si limitano ad essi.
Clavicembali e libri di canzoni erano la fonte del materiale musicale per questa sezione. Se ricordiamo la storia del jazz negli anni '30, non solo nel nostro paese, ma anche in altri paesi, il materiale tematico per le composizioni jazz era principalmente la musica vocale. Basta ricordare gli argomenti George Gershwin, Jerome Kern e Kurt Weill- Erano entrambe canzoni e la base per molti arrangiamenti e improvvisazioni jazz strumentali. Nel nostro Paese è apparso anche il termine "song jazz", con il quale TEA-jazz di L. Utyosov con musiche di I. Dunayevskij. Le canzoni popolari di Dunayevskij furono presto riprese dalle orchestre jazz sovietiche: apparvero molte parafrasi strumentali, fantasie e arrangiamenti; negli ensemble jazz, i musicisti improvvisavano su questi temi. È al numero di questi temi che appartengono le melodie incluse in questa raccolta. I temi sono melodie di canzoni altrettanto conosciute nella musica jazz strumentale L. Knpper, M. Blanter, Y. Hayt, V. Pushkov e canzoni scritte appositamente per il jazz A. Tsfasman e A. Varlamov.
Esibizione del Jazz di Stato della RSFSR diretto da Leonid Utyosov in piazza Sverdlov a Mosca il 9 maggio 1945
Durante il Grande Guerra Patriottica L'arte musicale sovietica contribuì attivamente alla mobilitazione delle forze spirituali del popolo per la vittoria sul fascismo. Il jazz e la musica pop sovietici, come parte della cultura musicale sovietica, anche durante gli anni della guerra, con la loro arte importante, che affermava la vita, infondevano ottimismo, rafforzavano morale davanti e dietro, contribuirono alla fiducia incrollabile nella sconfitta del nemico.
Fin dai primi giorni di guerra, i musicisti furono inclusi nella vita in prima linea. Le orchestre jazz preparano i loro nuovi programmi nel più breve tempo possibile e vanno in prima fila. Varietà e orchestre jazz di Alexander Varlamov, Alexander Tsfasman, Viktor Knushevitsky, Boris Karamyshev, Claudia Shulzhenko, Dmitry Pokrass, Leonid Utesov, Isaac Dunayevsky, Boris Rensky, Yuri Lavrentiev, Yakov Skomorovsky, Nikolay Minkh e molti altri. E quanti ensemble e orchestre amatoriali erano organizzati in unità militari! Durante la Grande Guerra Patriottica, il jazz sovietico gravitava maggiormente verso i generi musicali. Durante questo periodo furono create molte belle canzoni. Nati durante gli anni della guerra, vivono ancora. L'alto spirito spirituale di questi canti diede loro una lunga vita anche dopo la vittoriosa fine della guerra. Canzoni come "Notte oscura" N. Bogoslovskij, "Serata in viaggio" V. Solovyov-Sedogo vivono oggi non solo come opere del genere canzone, ma anche come composizioni jazz strumentali.
Durante la guerra creata opere orchestrali per il jazz A. Tsfasman, A. Varlamov, A. Ostrovsky e altri. Un altro fatto interessante è l'apparizione in questo periodo di alcune composizioni jazz americane nel repertorio delle orchestre jazz sovietiche. Quindi, nei registri di 44-45 anni. vengono rappresentate alcune commedie D. McHugh, K. Porter, I. Berlino, G. Miller e altri Ciò, ovviamente, ha avuto un effetto positivo sul lavoro dei compositori e arrangiatori sovietici che lavorano in questo genere, specialmente nel campo della strumentazione. Va notato che durante gli anni della guerra e in Jazz americano il "tema russo" suonava notevolmente. Orchestra Glenn Miller, ad esempio, spesso eseguito nei concerti "Campo Polyushko" E "Dubinushka" nella gestione fatta con tatto; Orchestra Benny Goodman- elaborazione di frammenti di una fiaba sinfonica "Pietro e il lupo" S. Prokofieva, "Intermezzo per clarinetto con orchestra jazz" A. Tsfasman E tutta la linea altre opere di autori sovietici.
Compositore sovietico Alexander Naumovich Tsfasman (1906-1971)
Nel dopoguerra iniziarono gradualmente a delinearsi ulteriori percorsi per lo sviluppo del jazz in URSS. L'attrazione delle orchestre verso vari generi è diventata più evidente. I musicisti di prima linea divennero i leader dell'orchestra di varietà della All-Union Radio. È stato guidato V. Knushevitsky, poi furono fatti molti dischi musica leggera scritto D. Shostakovich, V. Solovyov-Sedym, M. Blanter, A. Tsfasman, Y. Milyutin, A. Polonsky, A. Arsky, V. Knushevitsky, A. Ayvazyan e così via.
Nel 1946 Alexander Tsfasman organizzò una grande orchestra di varietà ( "Sinfojazz") al Teatro Hermitage. Molti giovani musicisti di talento, diplomati al Conservatorio, sono venuti in questa orchestra. Successivamente, potrebbero essere visti tra i migliori strumentisti sovietici.
Ma il jazz, come arte improvvisativa, necessitava naturalmente di un "clima" creativo di piccoli ensemble - "combo". Pertanto, i musicisti jazz che hanno lavorato in un'ampia varietà di orchestre sinfoniche di radio e teatri, oltre al loro lavoro principale, si sono uniti con altri musicisti per suonare insieme. A Mosca uno di questi posti era un ristorante "Metropoli", dove si è esibito un ensemble jazz sorprendentemente armonioso (Alexander Rivchun - clarinetto, sassofoni contralto e tenore, Yan Frenkel - violino, Leonid Kaufman e Viktor Andreev - pianoforte, Alexander Rosenwasser - contrabbasso e Sergey Sedykh - batteria). L'orchestra jazz guidata da A. Shulman, composta principalmente da musicisti del Comitato radiofonico, giocò un ruolo importante nello sviluppo del jazz sovietico in quegli anni.
Il cinema era un altro centro della musica jazz. "Arte". Qui si è esibita l'orchestra diretta da Laci Olah, un magnifico virtuoso del batterista. Insieme alle opere degli autori sovietici, la musica del film è stata un successo. "Serenata della Valle del Sole". A quel tempo, molte delle nostre orchestre lo eseguivano e qualsiasi arrangiatore poteva trovare una versione dell'orchestrazione delle melodie di questo film (tra cui N. Minh, A. Tsfasman, E. Geigner e così via.).
C'erano orchestre ed ensemble che eseguivano il repertorio jazz in altre città: a Leningrado, Riga, Tallinn. Nel 1947 furono pubblicati diversi dischi con registrazioni di piccoli ensemble. Le rappresentazioni ebbero un grande successo. "Giorno felice" A. Tsfasman E "Bambino" I. Klyuchinsky. Fino ad ora, "Blossoming May" di A. Polonsky è ancora popolare.
Nel 1949, il primo nel nostro paese si tenne a Tallinn. festival del jazz. A Leningrado, negli anni '50, iniziò la sua attività un'orchestra che riunì giovani musicisti jazz, tra cui G. Golstein, K. Nosov e altri, contribuendo al processo di differenziazione di questo genere.
La conoscenza della musica in stile "be-bop" ha influenzato lo stile di numerosi ensemble, la natura delle improvvisazioni. Fu un periodo di transizione dal pensiero swing a un nuovo stile, sebbene la musica swing ("swing" significa come stile) continuasse a vivere. Si rende omaggio anche a stili più tradizionali: a metà degli anni '50 Vladimir Rubashevskij ha organizzato Dixieland a Mosca, che si è esibito classici del jazz e opere di compositori sovietici.
Le grandi orchestre di quegli anni accompagnavano soprattutto cantanti, anche se il loro repertorio comprendeva brani strumentali virtuosistici e lirici, alcuni dei quali di carattere jazzistico. Durante questo periodo si sentirono per la prima volta i nomi di giovani compositori, arrangiatori e direttori d'orchestra: V. Ludvikovsky, K. Orbelyan, P. Saul, A. Kalvarsky. Tra i musicisti, membri di piccole dimensioni gruppi jazz fine anni '40, inizio anni '50, i sassofonisti dovrebbero essere nominati: Alexander Rivchun, Emil Geigner, Mikhail Yakon, Piro Rustambekov, Vladimir Kudryavtsev, pianisti Leonid Kaufman, Evgeny Rokhlin, Alexander Osnovikov, fisarmonicisti Evgenia Vystavkin e Vyacheslav Semenov, batterista Boris Matveev.
Un ruolo importante nel consolidamento delle forze creative attorno al genere negli anni '50 è stato svolto da programmi musica dance , che sono stati creati su All-Union Radio. È stato per questi programmi che hanno scritto i loro saggi A. Eshpay, A. Babadzhanyan, Y. Frenkel, A. Ostrovsky. Numerosi argomenti di questi programmi sono entrati saldamente nella pratica della danza e ensemble jazz.
Orchestra diretta da Oleg Lundstrem
All'inizio degli anni '50, un'orchestra jazz p/u andò in tournée a Mosca O. Lundstrem. L'orchestra, con sede all'epoca a Kazan, mostrò esperienze molto interessanti e promettenti nella composizione ed esecuzione di brani jazz utilizzando il folklore ( "Sogni" A. Monasipova, "Samba tartaro" A. Klyuchareva). Alla fine degli anni '50 l'orchestra si stabilì a Mosca e divenne uno dei principali gruppi jazz del paese, in cui tempo diverso hanno lavorato molti talentuosi maestri-esecutori del jazz.
Dalla seconda metà degli anni Cinquanta il ruolo di grandi orchestre nelle repubbliche della Transcaucasia - Orchestra di varietà statale dell'Azerbaigian diretta da R. Hajiyev, Orchestra di varietà statale della Georgia "Rero" diretta da K. Pevzner, Orchestra di stato dell'Armenia diretta da K. Orbelyan. Nei programmi di questi gruppi, insieme alla canzone, suonavano costantemente composizioni jazz. Tra gli argomenti strumentali di questa sezione ci sono le opere A. Tsfasman, A. Polonsky, O. Lundstrem, A. Eshpay, V. Ludvikovsky, U. Nayssoo, A. Monasypov.
Proprio come negli anni '30, in questo periodo c'erano molte canzoni che non erano state create appositamente per il jazz, ma venivano eseguite molto in ensemble jazz; c'erano molti trattamenti creativi di questi temi di canzoni. Durante questo periodo, le canzoni di maestri famosi come I. Dunaevskij E M. Blanter; il repertorio dei gruppi jazz includeva canzoni melodie degli anni della guerra - V. Solovyov-Sedogo, N. Bogoslovsky, B. Mokrousov. Le melodie delle canzoni del dopoguerra, liriche e umoristiche, venivano spesso utilizzate anche per arrangiamenti in grandi ensemble e per improvvisazioni in "combo". Qui basta ricordare temi delle canzoni T. Khrennikov, A. Babajanyan, A. Eshpay, V. Muradeli e altri Alcune canzoni suonavano particolarmente bene in Dixieland (N. Budashkin e Yu. Milyutin).
Sassofonista e compositore sovietico Georgy Aramovich Garanyan (1934-2010)
Tra la fine degli anni '50 e l'inizio degli anni '60. Il jazz sovietico raggiunse nuove frontiere.
Cosa è tipico della formazione di un nuovo periodo del jazz sovietico in questi anni? Atteggiamento nei confronti del jazz come forma seria di arte musicale, studio approfondito dei fondamenti della musica jazz, grande attenzione alle tendenze jazz più moderne, crescente interesse per il folklore dei popoli del nostro paese, padronanza delle abilità professionali nel suonare gli strumenti, comprensione dell’art suonare d'insieme in una grande orchestra. E, infine, e soprattutto, i giovani musicisti sono arrivati a penetrare i misteri l'arte più complessa improvvisazione.
Alla fine degli anni '50, a Mosca apparve un gruppo di allora giovanissimi musicisti, chiamato Golden Eight. Comprendeva sassofonisti Georgy Garanyan E Aleksej Zubov, trombettista Viktor Zelchenko, trombonista Konstantin Bachholdin, pianista Yuri Rychkov, batterista Alessandro Salganik. Questo gruppo divenne la base dell'orchestra giovanile della Central House of Arts (inizialmente era guidata da Boris Figotin, Poi - Yuri Saulsky), ricevuto al concorso jazz VI festa mondiale giovani e studenti a Mosca una medaglia d'argento e il titolo di vincitore. La comunicazione con colleghi stranieri è stata una pietra miliare molto importante nello sviluppo del jazz sovietico. Membri della Central House of Arts Orchestra, come altri musicisti di Mosca, hanno scoperto nuovi orizzonti stilistici e, probabilmente, questa volta può essere considerato l'inizio di una nuova fase nello sviluppo della musica jazz sovietica. La crescita dell'interesse del pubblico per il jazz si è espressa nella creazione jazz club a Leningrado (1958) e a Mosca (1960) con l'attiva assistenza dei comitati cittadini del Komsomol. Ben presto i jazz club iniziarono ad aprire in altre città. Unione Sovietica. Questi club si prefiggono come obiettivo la creazione di ensemble jazz, esibizioni in conferenze, lo studio della musica jazz sovietica e straniera.
Trombettista e compositore sovietico German Konstantinovich Lukyanov (nato nel 1936)
All'inizio degli anni '60 apparvero diversi interessanti gruppi jazz giovanili: "Sette Dixieland Boys" E "Dottore del jazz" suonando jazz tradizionale, "Quintetto sperimentale" A. Liskovich, quartetto Y. Vikhareva, quintetti V. Rodionova, R. Vilksa e altri (Leningrado). In questi ensemble si sente sempre più spesso ascoltare musica domestica, arrangiamenti di canzoni sovietiche e le loro stesse composizioni.
All'inizio degli anni '60. molti giovani appassionati di jazz sono passati dall'ascolto del jazz alla musica, a volte senza una formazione musicale professionale. Durante questo periodo nacquero molti ensemble jazz amatoriali, in cui il livello delle prestazioni rimase indietro rispetto al livello del repertorio. Probabilmente, questo processo era naturale per quel tempo, ma col tempo i musicisti più talentuosi e curiosi che decisero di diventare professionisti iniziarono a separarsi da questa massa generale di dilettanti. Fu durante questo periodo che il processo intuitivo di comprensione del jazz fu sostituito da un approccio mirato e sistematico all'argomento.
Uno dei fenomeni più brillanti della fine degli anni '50 e dell'inizio degli anni '60 fu la registrazione "combo", che comprendeva giovani musicisti moscoviti dell'ex "Otto d'Oro" Orchestra della Casa Centrale delle Arti. A loro si unì un trombettista proveniente da Leningrado Il tedesco Lukyanov e pianista di Mosca Boris Rychkov. Una serie di composizioni eseguite da questa formazione divenne la prima registrazione in studio professionale nuova ondata Jazz sovietico. È interessante notare che i musicisti hanno improvvisato non solo su temi jazz classici, ma anche su noti temi di canzoni sovietiche ( "Notte oscura", "Fisarmonica solitaria" e così via.).
Qui non è possibile evidenziare molti aspetti ed eventi importanti nello sviluppo del jazz sovietico durante questo periodo, ma è necessario soffermarsi sulle pietre miliari più importanti nello sviluppo del moderno jazz domestico. Questo è un periodo di formazione, formazione nel jazz sovietico, comprensione di un nuovo stile, ed è impossibile immaginarlo senza studiare i campioni di jazz classico di quel tempo. I gruppi Benny Goodman, Duke Ellington, Willie Ruff - Dwyke Mitchell, Thad Jones - Mel Lewis, Kurt Edelhagen, Michel Legrand, così come una serie di altri gruppi interessanti di paesi socialisti, tra cui: Orchestra di Gustav Brom(Cecoslovacchia), pianista Adam Makovich, insieme Zbigniew Namyslovsky(Polonia), ecc.
Ensemble Jazz di Igor Bril. Disco in vinile "Earth Morning". 1978 Copertina
Come materiale tematico per composizioni, insieme a melodie del jazz classico e moderno famoso Temi delle canzoni sovietiche, ovviamente, quelli che, secondo il loro piano armonico e la loro struttura intonazione-melodica, potrebbero trovare un'organica implementazione nel jazz. Tra questi, ovviamente, ci sono quelle canzoni “sempreverdi” che hanno alimentato l'immaginazione dei musicisti jazz molti anni fa, e quei nuovi temi di canzoni che sono emersi in questi anni ( T. Khrennikov, A. Eshpay, A. Fattah, A. Flyarkovsky ecc.), apparve anche un ampio corredo di temi strumentali; i temi delle canzoni, oltre ai loro arrangiamenti per big band e combo, sono più spesso interpretati da ensemble in stile Dixieland.
Nella pratica jazz internazionale, i temi strumentali durante questo periodo sono apparsi molto più che mai.
Nel nostro paese, le opere jazz durante questo periodo furono create sia da compositori professionisti che da musicisti jazz, di cui i più dotati dal punto di vista creativo iniziarono a dedicarsi sempre più alla composizione di musica. Tra i compositori professionisti, nell'Unione dei compositori sovietici, c'è un crescente interesse per forme moderne jazz e musica pop. Dopo l'incontro sulla musica pop del 1962, tenuto dal Segretariato dell'Unione dei compositori dell'URSS, è aumentato il ruolo della commissione di musica pop strumentale dell'organizzazione dei compositori di Mosca, che riuniva i compositori che lavoravano in questo genere. Un certo numero di ampiamente eseguiti palco del concerto registrati alla radio e su dischi composizioni jazz e jazz sinfoniche B. Trotsyuk, I. Yakushenko, M. Kazhlaev, V. Rubashevskij, V. Terletsky, Yu. Saulsky, K. Orbelyan, U. Nayssoo, V. Oyakyaer. Molti di questi autori hanno lavorato con passione nello stile "progressivo", "Terzo flusso" (sinfonia jazz di B. Trotsyuk, concerti per orchestra jazz di M. Kazhlaev e I. Yakushenko), il lavoro di altri è stato attratto dalla combinazione della scrittura jazz con le caratteristiche di una particolare tradizione musicale nazionale ( K. Orbelyan, U. Nayssoo, M. Kazhlaev), altri erano vicini a forme jazz più tradizionali. I temi di alcune di queste composizioni erano ampiamente utilizzati in piccole composizioni improvvisate. Sono tra gli argomenti stampati in questa sezione.
Impegnato con propria creatività si verifica in molti musicisti jazz che improvvisano. Questo desiderio naturale negli anni '60, e successivamente negli anni '70, si realizzò nel fatto che molti Temi jazz sovietici. Tuttavia, solo i temi contrassegnati dalle caratteristiche dell'individualità creativa (nella forma, nella struttura armonico-intonazionale o nella struttura ritmica) sono inclusi nell'antologia dei temi del jazz domestico pubblicata nella nostra raccolta.
In un certo numero di casi, si tratta di argomenti che in un modo o nell'altro includono elementi del folclore, ad esempio, - creato negli anni '60. Temi A. Tovmasyan, G. Garanyan, G. Lukyanov e altri Tra i temi che si ispirano agli esempi canonici generali del jazz, ma segnati dall'originalità della grafia dell'autore, ci sono i temi scritti negli anni '60 e '70. G. Holstein, Yu.Markin, A. Kozlov. N. Levinovsky, I. Bril, B. Frumkin, L. Chizhik, A. Kroll e altri. Il lavoro dei compositori e dei musicisti sovietici si è notevolmente intensificato a causa della rinascita della vita concertistica e dei festival nel jazz sovietico.
Dagli anni '60. e attualmente dentro diverse città e le repubbliche del nostro paese sono tenute festival jazz. A Mosca, un festival del genere si svolge ogni due anni (dal 1978). Vengono organizzate settimane jazz Leningrado, Yaroslavl, Donetsk, Novosibirsk, Tbilisi… Nel 1967, oltre ai gruppi sovietici, parteciparono al festival di Tallinn musicisti provenienti da Polonia, Svezia, Stati Uniti, Finlandia e Svizzera.
Nel 1962, per la prima volta festival jazz straniero lasciò l'ensemble sovietico composto da: A. Kozlov, A. Tovmasyan, N. Gromin, A. Bulanov, A. Egorov, la cui esibizione al Festival Jazz di Varsavia (1962) fu un grande successo. Da quel momento in poi, iniziarono le esibizioni regolari dei nostri musicisti jazz in festival stranieri, ad esempio il gruppo di G. Garanyan-N. Gromin (a Praga), "Leningrado Dixieland", big band guidata da V. Ludvikovsky, guidata da O. Lundstrem, K. Orbelyan, A. Kroll (a Varsavia e Praga). Nel futuro, a partire dagli anni '70. la geografia delle esibizioni degli ensemble jazz sovietici si sta espandendo. Oltre a partecipare a festival e concerti nei paesi socialisti, i nostri jazzisti viaggiano in India (A. Kuznetsov, T. Kurashvili, N. Levinovsky), Berlino Ovest (Arsenale di A. Kozlov), Inghilterra e Italia (il trio di V Ganelin), in Francia (L. Chizhik), nella RFT (I. Bril), in Olanda (G. Lukyanov), negli Stati Uniti (orchestra diretta da K-Orbelian).
Aleksej Batashev. Il libro "Jazz sovietico". Copertina
A partire dagli anni '60, poi negli anni '70 e '80. il pensiero teorico-musicale cerca di analizzare e generalizzare i processi in atto nel genere della musica jazz in generale e nel jazz sovietico in particolare. I libri sull'argomento includono: "La nascita del jazz", "Il blues e il XX secolo" W. Konen, Lavoro A. Batasheva "Jazz sovietico", opuscolo V. Mysovsky e V. Feiertag "Jazz" e molti altri. Allo sviluppo del genere contribuiscono anche diversi articoli apparsi su riviste musicali sovietiche, apparizioni su giornali, programmi radiofonici e televisivi e la variegata attività di alcuni dei migliori jazz club del nostro paese.
La professionalizzazione dei musicisti jazz è stata notevolmente facilitata dall'introduzione della sistematica educazione musicale, espresso nell'apertura nel 1974 di dipartimenti pop-jazz nelle scuole di musica della RSFSR e in alcune altre repubbliche, e ora in una serie di istituti di istruzione superiore. Nascono i primi sussidi didattici domestici nel campo della musica jazz: "Fondamenti di improvvisazione jazz" (I. Bril), "L'armonia nel jazz" (Y. Chugunov), "Disposizione" (G. Garanyan), una serie di manuali per suonare strumenti. Insieme a speciale istituzioni educative c'erano studi che univano gli amanti del jazz; il più famoso tra questi è lo "Studio di improvvisazione musicale" presso il D/K "Moskvorechye".
Sassofonista e compositore sovietico Alexei Semyonovich Kozlov (nato nel 1935)
È impossibile presentare questo lungo periodo di sviluppo del jazz sovietico (dal 1957 ai giorni nostri) come qualcosa di inequivocabile. Quindi, ad esempio, negli anni '70. iniziò un periodo di ricerca di nuovi mezzi espressivi, di un nuovo stile. Molti musicisti jazz, sia in URSS che nel mondo, inizialmente non accettarono la musica rock, che era popolare in quegli anni, anche se in futuro non passarono oltre la sua forma più caratteristiche interessanti. Di conseguenza, alcuni aderenti al pensiero esclusivamente jazz iniziarono a lavorare nel campo delle nuove leghe di genere. Questo processo può essere rintracciato, in particolare, sull'esempio delle attività dell'ensemble Arsenal e sul lavoro del suo leader, sassofonista e compositore Aleksej Kozlov cercando di combinare nelle sue composizioni elementi jazz, musica da camera e folclore, e dentro Ultimamente attrazione ed elementi di pantomima. Alcuni di essi sono presentati nella collezione. La voglia di coniugare lo stile jazz con le nuove tendenze a suo modo si è manifestato nella creatività N. Levinovsky, I. Bril, L. Chizhik, una serie di argomenti che sono inclusi anche nella raccolta. Ma alcuni musicisti hanno mantenuto il loro impegno per il jazz nella sua forma più caratteristica e pura, le tendenze della musica rock e fusion li hanno toccati in misura molto minore. Qui si potrebbero citare alcuni dei nostri musicisti che ancora eseguono composizioni negli stili "hard bop", "cool", riferendosi al jazz modale. Questo è prima di tutto G. Lukyanov con il suo ensemble "Kadans", aderendo allo stile che ha scelto molti anni fa nel suo lavoro. Questo - G. Holstein, Yu.Markin, D. Goloshchekin, A. Kuznetsov, M. Okun, V. Sadykov e altri Numerosi musicisti si sviluppano nel loro lavoro e nelle loro attività esecutive stile free jazz con elementi di teatralizzazione aleatoria e grottesca, sono musicisti provenienti dalla Lituania- V. Ganelin. V. Chekasin, P. Vishnyauskas e così via.
Alla fine degli anni '70 e '80. sviluppato molto rapidamente scuole nazionali di jazz sovietico in varie regioni del nostro Paese. Ciò fu particolarmente evidente al Festival Jazz di Mosca del 1982, dedicato al 60° anniversario della formazione dell'URSS (era anche l'anno del 60° anniversario del jazz sovietico). La combinazione del folklore con il jazz moderno, soprattutto con le sue forme modali, si è rivelata più organica rispetto ai tentativi di fondere il folklore con il jazz negli stili jazz precedenti. Le ricerche di successo in questa direzione sono state dimostrate da musicisti provenienti dalla Transcaucasia, dal Kazakistan, dall'Asia centrale, dagli Stati baltici e da un certo numero di repubbliche autonome della RSFSR. Purtroppo in questa edizione non è stato possibile presentare molti temi delle composizioni realizzate dai talentuosi musicisti delle nostre repubbliche.
In questo periodo, in anni diversi, si affermano portatori di una buona scuola nelle tradizioni corrente principale del jazz erano e continuano ad essere big band V. Ludvikovsky, O. Lundstrem, K. Orbelyan, Y. Saulsky, A. Kroll, G. Gachicheladze, A. Kalvarsky, B. Rychkov, G. Rozenberg. Alcuni di quelli ( orchestre di O. Lundstrem, K. Orbelyan, A. Kroll, G. Rosenberg) stanno lavorando con successo anche adesso: danno molti concerti, partecipano a festival jazz e registrano su dischi. Il loro ruolo educativo e divulgativo nel jazz è difficile da sopravvalutare. Grandi orchestre attirare l'attenzione speciale dei compositori che hanno mantenuto molti anni di fedeltà alla musica jazz: la raccolta comprende temi A. Eshpay, M. Kazhlaeva, I. Yakushenko, A. Mazhukov, V. Dolgov.
Negli anni '70, alcuni dei gruppi jazz più significativi ricevettero lo status di gruppi filarmonici professionali. Ciò ha permesso di promuovere regolarmente i migliori campioni musica jazz.
La commissione di musica strumentale pop e jazz continua a lavorare attivamente nella filiale di Mosca dell'Unione dei compositori della RSFSR. Un certo numero di talentuosi compositori jazz sovietici negli anni '70 e '80. accettato come membro dell'Unione dei compositori sovietici, l'ufficio di questa commissione partecipa attivamente all'organizzazione di festival e concerti jazz sovietici, alla promozione dei migliori esempi di musica jazz sulla televisione centrale e sulla radio dell'Unione (ad esempio, Trasmissione televisiva"Panorama Jazz").
La foto mostra un frammento della prova della cantata "Salvation" di Daniil Kharms In arancione - Grigory Krotenko, accovacciato - Pyotr Aidu
Questo, ovviamente, è di per sé un dettaglio curioso, che dall'esterno sembrava piuttosto luminoso e dimostra in qualche modo paradossalmente il fatto che un'orchestra senza direttore è lo stesso oggetto di spettacolo di un'orchestra con un direttore. Solo con un segno diverso sulla chiave.
Va bene, un'orchestra senza direttore... Si potrebbe pensare che i membri dell'orchestra guardino così spesso in direzione del podio del direttore. Sulla base di questo fatto un gran numero di racconti e aneddoti orchestrali dedicati al fatto che i musicisti non sanno nemmeno chi ha diretto il concerto, perché non hanno mai alzato lo sguardo nella direzione del maestro. Come sai, in ogni battuta c'è una condivisione ...
Ma! Dietro un fenomeno come Persimfans si estende un'intera scia di significati.
In primo luogo, l'era dei Persimfans è il momento degli esperimenti rivoluzionari nell'arte della Russia sovietica. In un modo strano e incomprensibile per me, c'erano parallelamente il terrore rosso, la carestia, la povertà generale totale (anche se in una versione un po' ammorbidita dopo la fine del guerra civile) - e il fiorire di sperimentazioni in architettura, pittura, letteratura, musica, cinema. Tutto ciò cessò quasi all'istante, subito dopo che il partito prese nelle proprie mani il controllo dell'arte, e Rodchenko, El Lissitzky, Mosolov rimasero improvvisamente per sempre nella storia, limitati all'inizio degli anni Trenta.
In secondo luogo (e tutti gli altri significati saranno una continuazione del primo), dietro la creazione dei Persimfans c'erano musicisti di tale livello che quasi ognuno di loro ha lasciato il segno nella scena russa cultura musicale– in musicologia, performance e pedagogia. Basta guardare la composizione dell'orchestra nel programma del concerto dei Persimfans.
Composizione dei Persimfans 1922-1932
In terzo luogo, l'ideologia stessa di Persimfans era una continuazione dell'idea rivoluzionaria di uguaglianza nella sua versione idealistica, da cui seguiva direttamente il "quarto": l'eguale responsabilità di tutti gli artisti per il risultato. Ciò è affermato in modo molto preciso nei Fondamenti pubblicati da Persimfans nel 1926. Non è un peccato citare singoli frammenti (mi scuso in anticipo con alcuni direttori d'orchestra moderni con la concomitante richiesta di non prenderla sul personale):
“Nella storia della musica sono noti casi in cui l'orchestra ha suonato senza seguire le istruzioni del direttore durante l'esecuzione – sia perché il direttore non era in grado di dare istruzioni precise all'orchestra (come nel caso di Beethoven, che era già sordo), sia poiché l'orchestra si è esibita senza direttore, il programma ha imparato con questo direttore in onore del direttore, volendo testimoniare la forza della sua influenza.
"Riconoscendo che il momento decisivo è uno studio preliminare approfondito dell'opera, Persimfans nega l'infallibilità e l'indivisibilità del potere del direttore d'orchestra, nega la sua necessità al momento dell'esecuzione, quando l'opera è già stata appresa e preparata per l'esecuzione."
"Persimfans per la prima volta ha ampliato la portata di questa domanda, ponendola su una base fondamentale e sostenendo che la completa spersonalizzazione dei suonatori d'orchestra, che è diventata abbastanza comune, porta al fatto che ognuno di loro è interessato solo alla sua parte e non conosce (e non desidera conoscere) l'opera nel suo insieme: estremamente dannoso per senso artistico un fenomeno che non dovrebbe più verificarsi."
Su questo, forse, sospenderò la mia digressione storica e rivolgiamoci agli eventi che accadono ai nostri giorni, cioè nove decenni dopo.
In testa l'idea di ricreare Persimfans, almeno non su basi permanenti, e come progetto artistico unico, ci sono due meravigliosi musicisti: Piotr Aidu e Grigory Krotenko. Hanno già avuto un'esperienza simile, i Persimfans del 21° secolo si riuniscono dal 2008.
Il programma del concerto, che si è svolto il 9 aprile nella Sala Grande del Conservatorio, comprendeva opere che riflettono quell'epoca, opere autentiche allo spirito e al significato di Persimfance: Concerto per violino, poema sinfonico S. Lyapunov "Hashish" (1913), un'opera, in sostanza, è una copia di "Scheherazade", la suite orchestrale "Dneprostroy n. 2" (1932) di Julius Meitus, un classico ucraino, "nato in un povero ebreo famiglia", come è consuetudine scrivere nella maggior parte dei casi biografie diverse, che scrisse la prima opera e cantata classica turkmena Daniil Kharms "Salvation" (1934) - un'opera drammatica senza note per un coro a cappella su salvataggio miracoloso tra le onde di due giovani fanciulle. Eseguita dall'orchestra con palese gioia. Harms, ovviamente, non aveva questo in mente, nonostante fosse musicalmente educato, ma in termini di tecnica compositiva quest'opera ci rimanda ai tempi dominanti, musicali pre-alfabetizzati, quando il ritmo dell'opera era determinato da il testo e l'altezza non erano specificatamente specificati. Il che non esclude elementi di canone e di imitazione polifonica nella cantata di Kharms.
Quindi, riguardo alla cosa principale, cioè il soggettivo.
Il collega che mi ha invitato a partecipare a questa azione (di cui non rivelerò il nome per la sua sicurezza), ha formulato l'essenza del fenomeno con le seguenti parole: “Ci saranno ragazzi delle migliori orchestre. Fuggono qui dalla schiavitù."
Sì, ho visto musicisti degni di quei nomi che erano nell'orchestra di quella storica Persimfance. E non lasciarti confondere dalla parola "ragazzi" in questo contesto: questi sono davvero solisti delle principali orchestre e insegnanti del paese con tutti i possibili titoli onorifici. Bene, i loro volti sono diventati un po' più spessi, ma in qualche modo non è cambiato nulla. E oltre a loro, l'orchestra ha un gran numero di giovani fanciulle e giovani in età conservatrice e post-conservatoria, che, si spera, hanno un grande futuro musicale.
L'orchestra si è riunita per le prove in un'enorme sala, che Almazny Mir OJSC ha fornito a Petr Aid (grazie mille). Metà della sala è adibita alle prove, mentre l'altra metà, dietro il recinto con Babbo Natale dipinto, è una riserva naturale strumenti musicali, raccolti e portati qui da vari luoghi e in qualsiasi condizione, sotto il nome di "Piano Shelter". Ok, questo merita una storia e uno spettacolo a parte, perché questo non è un museo, ma un enorme oggetto d'arte di grande potere emotivo.
Naturalmente tutti sono interessati a come funziona l'orchestra senza direttore. Anche per me, in fondo, una nuova esperienza.
Se proviamo a formulare in vista generale, quindi qui si applicano le stesse leggi dell'ensemble da camera, la differenza sta solo nel numero di partecipanti: se quattro persone partecipano al quartetto, allora qui - novanta. È tutto.
Tutto il resto è solo una soluzione ai problemi di comunicazione e acustici. Per i posti a sedere dell'orchestra sono stati presi come base gli sviluppi di Persimfans: i gruppi di strumenti che interagiscono più strettamente nella partitura sono visibili e udibili l'uno dall'altro. Quindi, oboi e clarinetti seduti in fila si trovano faccia a faccia con fagotti e flauti, uno di fronte all'altro. Nelle vicinanze, perpendicolarmente, si trova un gruppo di corni: di regola, nell'orchestra hanno più cose in comune con quelli di legno che con il resto degli ottoni, che si trovano dietro le corde, situate in una grande mezzaluna. D'altronde i contrabbassi stanno in piedi in modo che tutti possano vederli, poiché nell'orchestra svolgono essenzialmente il ruolo di sezione ritmica (non nego gli altri loro vantaggi), e saltano quasi un metro durante le prove dell'accompagnatore del gruppo di contrabbasso Grigory Krotenko facilitano notevolmente il coordinamento ritmico dell'orchestra.
Le opere, a proposito, non sono facili, questa non è la Marcia Radetzky di I. Strauss, dove il direttore può lasciare con calma l'orchestra e impegnarsi civettuolamente ad applaudire con il pubblico. Si tratta di partiture stratificate molto dense con cambiamenti di tempo e carattere.
Il senso di responsabilità risvegliato in me da questo progetto mi ha colpito nel profondo dell'anima, perché tutta l'esperienza storica della vita mette in guardia contro questo. Di norma, un'eccessiva penetrazione nel materiale non è vantaggiosa. Nello stesso caso, quando sono arrivato alla prima prova, "Hashish" di S. Lyapunov, lo sapevo quasi a memoria, l'ho letto con il gruppo inviatomi da e-mail, abbiamo preso molti appunti a matita, prima dell'inizio delle prove ci siamo incontrati con un gruppo di oboi, abbiamo concordato i dettagli, costruito accordi complessi - e solo dopo è iniziato il lavoro orchestrale generale. E lo hanno fatto tutti. Naturalmente c'erano dei problemi, ecco perché era una prova, ma già alla prima prova tutti i musicisti sapevano con chi stavano suonando in quale momento, chi orientare visivamente dove, chi ascoltare dove. In realtà il programma è composto da quattro prove, nonostante qualcuno arrivi più tardi, qualcuno sia costretto ad andarsene prima, perché tutti hanno lavoro, e sebbene le prove siano formalmente programmate in un orario in cui la maggior parte dei musicisti è libera, cioè a metà della giornata, tuttavia, ci vuole molto tempo solo per arrivarci.
E un altro molto punto importante- una combinazione di estrema buona volontà e approccio razionale ai problemi. È chiaro che altrimenti è impossibile, eppure viene percepito come un miracolo. E una delle domande che ti poni è: come sei riuscito a mantenere questi rapporti nella storica Persimfance durante i dieci anni della sua esistenza, dato che lì si riunivano personalità così brillanti, straordinarie con caratteri difficili, a volte del tutto autoritari?
Il concerto, ovviamente, promette di essere una vacanza. Ma non meno festivo è ciò che sta accadendo in questi giorni durante le prove di questo concerto: musica libera suonata da persone libere.
Vladimir Zisman
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