- (dal greco ballizein ballare). Spettacoli teatrali, accompagnati da musica, in cui i personaggi esprimono varie passioni non attraverso le parole, ma esclusivamente attraverso movimenti mimici e danze. Dizionario di parole straniere incluse in ... Dizionario di parole straniere della lingua russa
Dalla metà degli anni '30. 18esimo secolo A San Pietroburgo, le esibizioni di balletto di corte divennero regolari. Nel 1738 il primo russo scuola di balletto(dal 1779 scuola di teatro), che comprendeva lezioni di danza classica (oggi Scuola Coreografica); … San Pietroburgo (enciclopedia)
- (balletto francese dal balletto italiano), un tipo di arte scenica, il cui contenuto si rivela nella danza e nelle immagini musicali. Il balletto iniziò a prendere forma in Europa nel XVI secolo. Il suo periodo di massimo splendore è associato al romanticismo, che proponeva, a partire dal secondo terzo ... ... Grande dizionario enciclopedico
BALLETTO, balletto, marito. (balletto francese). 1. Spettacolo teatrale su una certa trama da balli e pantomima alla musica. Vai al balletto. || Composizione musicale, destinato a tale rappresentazione. L'orchestra ha eseguito un valzer dal popolare ... ... Dizionario Ushakov
La danza è l'unica arte per la quale noi stessi serviamo come materiale. Ted Sean Russia: centinaia di chilometri di campi e balletto la sera. Alan Hackney Ballet è un'opera per non udenti. Emil the Meek Ballet: un'arte che deve la sua popolarità in gran parte al fatto che ... Enciclopedia consolidata degli aforismi
Ex. coreografia Dizionario dei sinonimi russi. Contesto 5.0 Informatica. 2012. balletto n., numero di sinonimi: 6 gala ballet (1) ... Dizionario dei sinonimi
BALLETTO, marito. 1. L'arte della danza scenica. Classico b. 2. Spettacolo teatrale di danze e pantomime, accompagnato da musica. B. sul ghiaccio (pattinaggio). 3. Artisti che partecipano a tale performance. | agg. balletto, oh, oh. Esplicativo ... ... Dizionario esplicativo di Ozhegov
Marito. uno spettacolo composto da danze e azioni silenziose. Balletto, legato a una tale esibizione; ballerino maschio ballerina femminile ballerino classico. Marito coreografo. compositore, compilatore di balletti; titolare della società dei ballerini; ... ... Dizionario esplicativo di Dahl
Balletto- opera per sordi... L'elefante di Skepty
Balletto- Il balletto fa presagire l'adulterio, così come i fallimenti negli affari, nel commercio, i litigi e la gelosia tra amanti. Inoltre, un sogno sul balletto indica che nella vita ordinaria tendi a torturarti. Sopporti spesso... Grande libro dei sogni universale
balletto- padishas. p e r i f r. Shara Zhienkulova d.m. Olardyn arasyndan "b a l e t p a d i s h a s y" atanyp ketken ғazhaiyp bishі Shara Zhienқұlovany airyқsha bөlip aytuғa bolady (Kaz. әdeb., 19.10.1971, 4) ... Tilinin kazako tusindirme sozdigі
Libri
- Balletto. 1992. Numero 2,. La rivista "BALLET" è una pubblicazione per veri intenditori di questa bellissima arte, che unisce plasticità, drammaticità, musica ed emotività. Il linguaggio della danza è universale, comprensibile a tutti. Rivista…
- Balletto. 1992. Numero 3,. La rivista "BALLET" è una pubblicazione per veri intenditori di questa bellissima arte, che unisce plasticità, drammaticità, musica ed emotività. Il linguaggio della danza è universale, comprensibile a tutti...
Il balletto (balletto francese, dal latino ballo - I dance) è un tipo di arte performativa, i cui principali mezzi espressivi sono la musica e la danza, che sono indissolubilmente legate.
Molto spesso, un balletto si basa su una sorta di trama, disegno drammatico, libretto, ma ci sono anche balletti senza trama. I principali tipi di danza nel balletto sono la danza classica e la danza di carattere. Un ruolo importante qui è svolto dalla pantomima, con l'aiuto della quale gli attori trasmettono i sentimenti dei personaggi, la loro "conversazione" tra loro, l'essenza di ciò che sta accadendo. Elementi di ginnastica e acrobazie sono anche ampiamente utilizzati nel balletto moderno.
La nascita del balletto
Il balletto nasce in Italia durante il Rinascimento (XVI secolo), inizialmente come una scena di danza unita da un'unica azione o stato d'animo, un episodio di una performance musicale, un'opera. Preso in prestito dall'Italia in Francia, il balletto di corte fiorisce come un magnifico spettacolo solenne. Base musicale i primi balletti (The Comedy Ballet of the Queen, 1581) erano balli popolari e di corte, che facevano parte del vecchio seguito. Nella seconda metà del XVII secolo apparvero nuovi generi teatrali, come la commedia-balletto, l'opera-balletto, in cui viene dato un posto significativo alla musica da balletto e si tenta di drammatizzarla. Ma il balletto divenne un tipo indipendente di arte scenica solo nella seconda metà del XVIII secolo grazie alle riforme attuate dal coreografo francese J. J. Nover. Basandosi sull'estetica degli illuministi francesi, ha creato performance in cui il contenuto si rivela in drammatiche immagini plastiche espressive e ha approvato il ruolo attivo della musica come "un programma che determina i movimenti e le azioni del ballerino".
Ulteriore sviluppo del balletto
L'ulteriore sviluppo e fioritura del balletto cade nell'era del romanticismo.
Costume da balletto moderno (costume della fata Dragee dalla commedia "Lo Schiaccianoci")
Torna negli anni '30 del XVIII secolo. La ballerina francese Camargo ha accorciato la gonna (tutù) e ha abbandonato i tacchi, cosa che le ha permesso di introdurre le pantofole nella sua danza. Entro la fine del XVIII secolo. il costume da balletto diventa molto più leggero e libero, il che contribuisce in larga misura al rapido sviluppo della tecnica di danza. Cercando di rendere la loro danza più ariosa, gli artisti hanno cercato di stare in piedi sulla punta delle dita, il che ha portato all'invenzione delle scarpe da punta. In futuro, tecnica delle dita danza femminile si sta attivamente sviluppando. La prima ad utilizzare la danza delle punte come mezzo espressivo è stata Maria Taglioni.
La drammatizzazione del balletto ha richiesto lo sviluppo della musica da balletto. Beethoven, nel suo balletto Le creazioni di Prometeo (1801), fece il primo tentativo di sinfonizzare un balletto. La direzione romantica è stabilita nei balletti di Adam Giselle (1841) e Le Corsaire (1856). I balletti di Delibes Coppelia (1870) e Sylvia (1876) sono considerati i primi balletti sinfonici. Parallelamente si delinea anche un approccio semplificato alla musica da balletto (nei balletti di C. Pugna, L. Minkus, R. Drigo, ecc.), come musica melodica, chiara nel ritmo, che serve solo come accompagnamento alla danza .
Il balletto penetra in Russia e inizia a diffondersi anche sotto Pietro I all'inizio. 18esimo secolo Nel 1738, su richiesta del maestro di danza francese Jean-Baptiste Lande, fu aperta a San Pietroburgo la prima scuola di danza classica in Russia (ora l'Accademia del balletto russo intitolata ad A. Ya. Vaganova).
La storia del balletto russo inizia nel 1738. Fu allora, grazie alla petizione del signor Lande, che apparve la prima scuola in Russia. arte del balletto- Accademia di danza di San Pietroburgo intitolata ad Agrippina Yakovlevna Vaganova, ormai conosciuta in tutto il mondo. governanti Trono russo sempre attento allo sviluppo arte della danza. Mikhail Fedorovich è stato il primo degli zar russi a introdurre una nuova posizione di ballerino nello staff della sua corte. Sono diventati Ivan Lodygin. Doveva non solo ballare se stesso, ma anche insegnare questo mestiere agli altri. Furono messi a sua disposizione ventinove giovani. Il primo teatro è apparso sotto lo zar Alexei Mikhailovich. Quindi era consuetudine mostrare una danza scenica tra gli atti dello spettacolo, che si chiamava balletto. Successivamente, con decreto speciale dell'imperatore Pietro il Grande, divennero balli parte integrale galateo di corte. Negli anni '30 del XVIII secolo, i giovani della nobiltà erano obbligati a imparare a ballare. A San Pietroburgo, il ballo da sala divenne una disciplina obbligatoria nel corpo dei cadetti della nobiltà. Con l'apertura del teatro estivo nel Giardino d'Estate, del teatro invernale nell'ala del Palazzo d'Inverno, i cadetti iniziano a partecipare ai balli. L'istruttore di danza nell'edificio era Jean-Baptiste Landet. Era ben consapevole che i nobili non si sarebbero dedicati al balletto in futuro. Sebbene loro, insieme ai professionisti, ballassero nei balletti. Lande, come nessun altro, ha visto la necessità di un teatro di balletto russo. Nel settembre 1737 presentò una petizione in cui riuscì a giustificare la necessità di creare una nuova scuola speciale dove ragazze e ragazzi di origini semplici studiassero arte coreografica. Presto tale permesso fu concesso. Dodici ragazze e dodici giovani snelli furono selezionati dai servi del palazzo, ai quali Lande iniziò a insegnare. Il lavoro quotidiano ha portato risultati, il pubblico è stato felicissimo di ciò che ha visto. Dal 1743 ex studenti Lande inizia a pagare gli stipendi come ballerini. La scuola è riuscita molto rapidamente a dare al palcoscenico russo eccellenti ballerini di corpo di ballo e ottimi solisti. I nomi dei migliori studenti del primo set sono rimasti nella storia: Aksinya Sergeeva, Avdotya Timofeeva, Elizaveta Zorina, Afanasy Toporkov, Andrey Nesterov
identità nazionale Il balletto russo iniziò a prendere forma all'inizio del XIX secolo grazie all'attività del coreografo francese Ch.-L. Dilo. Didlo esalta il ruolo del corpo di ballo, il legame tra danza e pantomima, afferma la priorità della danza femminile.
Una vera rivoluzione nella musica da balletto è stata fatta da Čajkovskij, che vi ha introdotto un continuo sviluppo sinfonico, un profondo contenuto figurativo e un'espressività drammatica. La musica dei suoi balletti Il lago dei cigni"(1877)," La bella addormentata "(1890)," Lo schiaccianoci "(1892) trovarono, insieme al sinfonico, l'opportunità di rivelare il corso interiore dell'azione, di incarnare i personaggi dei personaggi nella loro interazione, sviluppo, lotta. Nella coreografia, l'innovazione di Čajkovskij è stata incarnata dai coreografi Marius Petipa e L.I. Ivanov, che hanno avviato la sinfonizzazione della danza. La tradizione della musica da balletto sinfonica fu continuata da Glazunov nei balletti Raymonda (1898), The Young Maid (1900) e The Seasons (1900).
L'inizio del '900 è segnato da ricerche innovative, dalla volontà di superare gli stereotipi, le convenzioni del mondo accademico balletto XIX secolo. Nei suoi balletti, il coreografo Teatro Bolshoj A. A. Gorsky ha cercato di ottenere uno sviluppo coerente dell'azione drammatica, l'accuratezza storica, ha cercato di rafforzare il ruolo del corpo di ballo come personaggio di massa, per superare la separazione tra pantomima e danza. M. M. Fokin ha dato un contributo importante all'arte del balletto russo ampliando in modo significativo la gamma di idee e immagini nel balletto, arricchendolo con nuove forme e stili. Le sue esibizioni per i balletti "Russian Seasons" "Chopiniana", "Petrushka", "The Firebird" e altri hanno portato fama al balletto russo all'estero. La miniatura "The Dying Swan" (1907), creata da Fokin per Anna Pavlova, ha vinto la fama mondiale. Nel 1911-13, sulla base delle Stagioni Russe, si formò una compagnia permanente, il Balletto Russo di Diaghilev. Dopo aver lasciato la compagnia di Fokine, Vaslav Nijinsky ne divenne il coreografo. La sua produzione più famosa è stata il balletto La sagra della primavera su musiche di Stravinskij.
Danza moderna
La danza moderna è una direzione nell'arte della danza apparsa all'inizio del XX secolo come risultato di un allontanamento dalle rigide norme del balletto, a favore della libertà creativa dei coreografi.
La danza libera ispirata al balletto, i cui creatori non erano tanto interessati nuova tecnologia danza o coreografia, quanta danza come filosofia speciale che può cambiare la vita. Questo movimento, sorto all'inizio del XX secolo (Isadora Duncan è considerata la sua antenata), è servito come fonte di molte direzioni danza moderna e diede impulso alla riforma del balletto stesso.
Tutto ebbe inizio più di cinquecento anni fa nel Nord Italia. Era il Rinascimento, i cui tratti distintivi erano la laicità della cultura, dell'umanesimo e dell'antropocentrismo, cioè l'interesse, prima di tutto, per l'uomo e le sue attività.
Durante il Rinascimento, i principi italiani tenevano feste di palazzo, in cui la danza occupava un posto importante. Tuttavia, le magnifiche vesti, come le sale, non consentivano movimenti disorganizzati. Pertanto, c'erano insegnanti speciali: maestri di danza che provavano con i nobili del movimento e figure separate per guidare i ballerini più tardi. A poco a poco, la danza divenne sempre più teatrale e la stessa parola "balletto" significava composizioni che non trasmettevano una trama, ma una proprietà o uno stato di carattere.
Entro la fine del XV secolo, questo tipo di balletto faceva parte dello spettacolo creato da poeti famosi e artisti. Nel 1496 Leonardo da Vinci disegnò i costumi dei ballerini e inventò gli effetti scenici per la festa del Duca di Milano.
Nel 1494, quando il re Carlo VIII di Francia entrò in Italia reclamando il trono di Napoli, i suoi cortigiani rimasero colpiti dall'abilità degli insegnanti di danza italiani. Di conseguenza, i maestri di ballo furono invitati alla corte francese. Allo stesso tempo, c'era bisogno della notazione, un sistema per registrare la danza. L'autore del primo sistema conosciuto fu Tuan Arbo. Ha registrato passi di danza con segni musicali.
Lo sviluppo è continuato in Francia...
La regina francese Caterina de Medici invitò l'italiano Baldasarino di Belgiojoso (in Francia si chiamava Balthazar de Beaujoieux) a mettere in scena rappresentazioni di corte. Il balletto si è poi affermato come genere, dove dramma, "storia cantata" (recitativo) e danza formavano un'azione continua. È considerato il primo di questo genere e il più famoso "Circe, o il balletto della commedia della regina", consegnato nel 1581. La trama è stata presa da mitologia antica. I balli sono stati eseguiti in magnifici costumi e maschere. nobili dame e grandi.
Nel XVI secolo, con lo sviluppo della musica strumentale, si sviluppò anche la tecnica della danza. In Francia XVII secolo iniziarono ad apparire balletti in maschera, e poi pomposi balletti melodrammatici su trame cavalleresche e fantastiche, dove episodi di danza erano intervallati da arie vocali e recitazione di poesie - "Il balletto di Alcine" (1610), "Il trionfo di Minerva" (1615 ), “La Liberazione di Rinaldo” (1617). Tali balletti consistevano in numeri diversi, che oggi assomiglia al divertissement, e diventerà in seguito una delle forme strutturali importanti del futuro balletto.
Successivamente, il re Luigi XIII di Francia, che amava ballare e ricevette un eccellente educazione musicale, fu l'autore dello spettacolo di balletto "Merlezon Ballet" (15 marzo 1635). La trama era avventure durante la caccia ai tordi, uno dei passatempi preferiti del re. Il balletto consisteva in 16 atti. Sua Maestà non solo ha composto il libretto, la musica, la coreografia, le scene e i costumi disegnati, ma ha anche interpretato due ruoli: un commerciante di esche e un contadino.
I primi passi della giovane arte. Grande Pierre Beauchamp
Le esibizioni del balletto di corte raggiunsero uno splendore speciale durante il periodo del re Luigi XIV. Perché solo allora la danza ha cominciato a essere eseguita da certe regole. Furono formulati per la prima volta dal coreografo francese Pierre Beauchamp (1637–1705).
Luigi XIV ricevette il suo famoso soprannome di "Re Sole" dopo aver interpretato il ruolo del Sole nel Balletto della Notte. Amava ballare e partecipare a spettacoli. Nel 1661 aprì la Royal Academy of Music and Dance, dove furono invitati 13 importanti maestri di ballo. Il loro compito era preservare tradizioni di danza.
Il direttore dell'Accademia, Pierre Beauchamp, ha scritto i canoni del modo nobile della danza, la cui base era l'eversione delle gambe (en dehors). Questa posizione ha dato corpo umano la capacità di muoversi liberamente in diverse direzioni. Ha diviso tutti i movimenti in gruppi: squat (plié), salti (altalene, entresha, cabrioles, jette, capacità di restare sospesi in un salto - elevazione), rotazioni (piroette, fouettes), posizioni del corpo (atteggiamenti, arabeschi). L'esecuzione di questi movimenti veniva effettuata sulla base di cinque posizioni delle gambe e tre posizioni delle mani (port de bras). Tutti pa danza classica derivato da queste posizioni dei piedi e delle mani.
La sua classificazione è viva fino ad oggi e la terminologia francese è diventata comune per gli artisti di tutto il mondo, come il latino per i medici.
Beauchamp ha dato un contributo inestimabile al balletto classico dividendo i balli in tre tipi principali: serio, semi-caratteristico e comico. La danza seria (il prototipo della musica classica moderna) richiedeva un rigore accademico nell'esecuzione, bellezza esteriore, grazia - anche sull'orlo dell'affettazione. Era una danza "nobile" usata per interpretare il ruolo di un re, dio, eroe mitologico. Semi-caratteristico: danze pastorali, peisan e fantastiche combinate, che dovevano rappresentare le forze della natura o personificate passioni umane. Anche le danze delle furie, delle ninfe e dei satiri obbedivano alle sue leggi. Infine, la danza comica è stata notevole per il suo virtuosismo, consentendo movimenti esagerati e improvvisazione. Era necessario per le danze grottesche ed esotiche che si trovano nelle commedie del teatro del classicismo.
Iniziò così la formazione del balletto, che XVIII secolo Da intermezzi e divertissement si è sviluppata in un'arte indipendente.
Primo teatro. Prima troupe
Guadagnando sempre più popolarità, il balletto divenne affollato sale del palazzo. Sotto la guida di Beauchamp, fu creata l'Opera di Parigi, dove era coreografo, ma le esibizioni non differivano molto dalle esibizioni precedenti. Erano presenti gli stessi cortigiani che eseguivano lenti minuetti, gavotte e pavane. Abiti pesanti, scarpe col tacco alto e maschere impedivano alle donne di eseguire movimenti complessi. Quindi Pierre Beauchamp formò una compagnia di balletto di soli ballerini maschi. Le loro danze erano più aggraziate e aggraziate. Le donne apparvero sul palcoscenico dell'Opera di Parigi solo nel 1681. Grandi gruppi i ballerini iniziarono a eseguire contemporaneamente movimenti complessi e accompagnarono i solisti; la danza solista trasmetteva in modo significativo l'altezza dei personaggi, la forza delle emozioni; ballo di coppia formato in un pas de deux. Altamente condizionata, gravitante verso il virtuosismo, la danza dipendeva dalla musica e raggiungeva pari diritti con essa nella pratica e nella teoria.
La coreografia francese fu notevolmente arricchita dal drammaturgo Molière e dal compositore J. B. Lully, che per primi collaborò con Molière come coreografo e ballerino nelle commedie-balletti Matrimonio involontario (1664), Georges Dandin (1668) e Il commerciante nella nobiltà (1670 ). ). Divenuto compositore, Lully ha creato il genere della tragedia musicale, dove ha influito l'estetica del classicismo: la monumentalità delle immagini, la chiara logica dello sviluppo, la severità del gusto, l'inseguimento delle forme. L'azione delle tragedie liriche è stata rafforzata da processioni plastiche e decorative, pantomime e danze.
La riforma del teatro di balletto ha causato un aumento delle capacità di esecuzione: sono apparsi i ballerini L. Pecourt e J. Ballon. Mademoiselle Lafontaine divenne la prima ballerina professionista, esibendosi nell'opera-balletto Triumph of Love di Lully. In seguito fu conosciuta come la "Regina della danza".
Danze serie venivano eseguite in un'ampia gonna, che si teneva su cerchi di canna. Le punte delle sue scarpe spuntavano da sotto di lei. Gli uomini indossavano corazze di broccato e gonne corte su telai di canne, chiamati "botti". Tutti avevano i tacchi alti. Inoltre, si coprivano il volto con maschere rotonde di diversi colori, a seconda della natura del personaggio.
Nei balletti semi-caratteristici, i costumi erano leggeri, ma venivano aggiunti attributi che caratterizzano la danza: falci, cestini, scapole, pelli di leopardo e altri. Il costume per i balli comici non era così rigorosamente regolamentato: il regista si fidava dell'immaginazione dell'artista.
Poi è nato l'intero sistema. simboli. Se un artista, ad esempio, si accarezzava la fronte con il bordo della mano, ciò significava una corona, ad es. re; mani incrociate sul petto - "morto"; indicato anulare mani - "Voglio sposarmi" o "sposato"; immagine della mano di movimenti ondulatori - "navigato su una nave".
Il balletto incanta l'Europa
Contemporaneamente allo sviluppo del balletto in tutto principali città iniziarono ad apparire i loro teatri, coreografi e artisti. Così, il balletto è tornato in patria, in Italia, dove nel XVIII secolo si era sviluppato il proprio stile di esecuzione, che differiva dal manierismo francese per virtuosismo tecnico e maggiore immediatezza. La lotta delle scuole francese e italiana in balletto classico continuerà per più di un secolo.
Nel XVII secolo, il balletto apparve nei Paesi Bassi. In Inghilterra, a causa della rivoluzione borghese e del divieto degli spettacoli, il teatro del balletto si sviluppò poco dopo, solo con la restaurazione della monarchia. Nel 1722 fu fondato il primo teatro di corte in Danimarca, dove ballerini professionisti partecipavano alle commedie e ai balletti di Molière. E solo alla fine del XVIII secolo il balletto danese ottenne l'indipendenza. Nel XVIII secolo il balletto esisteva anche in Germania, Svezia e Olanda. Le forme di esecuzione, prese in prestito dagli italiani e dai francesi, furono arricchite dal colore nazionale.
Il balletto è arrivato in Russia più tardi rispetto ad altri paesi europei, ma fu qui che fu colto dal periodo di massimo splendore, e questa è la storia di altri secoli, che merita un capitolo a parte.
Il balletto è un'arte piuttosto giovane. Ha poco più di quattrocento anni, anche se la danza decora la vita umana fin dai tempi antichi. Il balletto è nato nel nord Italia durante il Rinascimento. I principi italiani adoravano le magnifiche feste di palazzo, in cui la danza occupava un posto importante. I balli rurali non erano adatti a dame e signori di corte. Le loro vesti, come le sale dove ballavano, non permettevano movimenti disorganizzati. Insegnanti speciali - maestri di danza - hanno cercato di mettere le cose in ordine nei balli di corte. Hanno provato in anticipo singole figure e movimenti della danza con i nobili e hanno guidato gruppi di ballerini. A poco a poco la danza divenne sempre più teatrale.
Il termine "balletto" apparve alla fine del XVI secolo (dall'italiano balletto - ballare). Ma allora non significava un'esibizione, ma solo un episodio di danza che trasmette un certo stato d'animo. Tali "balletti" di solito consistevano in "uscite" poco collegate di personaggi - il più delle volte eroi miti greci. Dopo che tali "uscite" sono iniziate danza comune- "grande balletto".
La prima rappresentazione di balletto fu il Queen's Comedy Ballet, messo in scena in Francia nel 1581 dal coreografo italiano Baltazarini di Belgiojoso. Fu in Francia che ebbe luogo l'ulteriore sviluppo del balletto. Dapprima si trattava di balletti in maschera, poi pomposi balletti melodrammatici su trame cavalleresche e fantastiche, in cui gli episodi di danza venivano sostituiti da arie vocali e recitazione di poesie. Non essere sorpreso, a quel tempo il balletto non era solo uno spettacolo di danza.
Durante il regno di Luigi XIV, le esibizioni del balletto di corte raggiunsero uno splendore speciale. Lo stesso Louis amava partecipare ai balletti e ricevette il suo famoso soprannome di "Il re sole" dopo aver interpretato il ruolo del sole nel "Balletto della notte".
Nel 1661 creò la Royal Academy of Music and Dance, che comprendeva 13 importanti maestri di danza. Il loro compito era preservare le tradizioni della danza. Il direttore dell'accademia, l'insegnante di danza reale Pierre Beauchamp, ha individuato le cinque posizioni fondamentali della danza classica.
Presto fu aperta l'Opera di Parigi, il cui coreografo era lo stesso Beauchamp. Sotto la sua guida si formò una compagnia di balletto. All'inizio era composto solo da uomini. Le donne apparvero sul palcoscenico dell'Opera di Parigi solo nel 1681.
Il teatro ha messo in scena balletti d'opera del compositore Lully e commedie-balletti del drammaturgo Molière. All'inizio vi prendevano parte i cortigiani e le esibizioni quasi non differivano dalle esibizioni di palazzo. Si ballavano i già citati minuetti lenti, gavotte e pavane. Maschere, abiti pesanti e scarpe col tacco alto rendevano difficile per le donne eseguire movimenti complessi. Ecco perché danze maschili si distinguevano allora per maggiore grazia e grazia.
Entro la metà del XVIII secolo, il balletto stava guadagnando grande popolarità in Europa. Tutte le corti aristocratiche d'Europa cercarono di imitare il lusso della corte reale francese. aperto nelle città teatri d'opera. Numerosi ballerini e insegnanti di danza trovarono facilmente lavoro.
Ben presto, sotto l'influenza della moda, il costume da balletto femminile divenne molto più leggero e libero, le linee del corpo furono indovinate sotto di esso. I ballerini hanno abbandonato le scarpe con i tacchi, sostituendole con scarpe leggere senza tacco. è diventato meno ingombrante e abito da uomo: pantaloni attillati al ginocchio e calze hanno permesso di vedere la figura del ballerino.
Ogni innovazione ha reso le danze più significative e la tecnica di danza più elevata. A poco a poco, il balletto si separò dall'opera e si trasformò in un'arte indipendente.
Sebbene la scuola di balletto francese fosse famosa per la sua grazia e plasticità, era caratterizzata da una certa freddezza e formalità di esecuzione. Pertanto, coreografi e artisti cercavano altri mezzi di espressione.
IN fine XVIII secolo nacque una nuova tendenza nell'arte: il romanticismo, che ebbe una forte influenza sul balletto. In un balletto romantico, il ballerino stava sulle scarpe da punta. Maria Taglioni è stata la prima a farlo, cambiando completamente le idee precedenti sul balletto. Nel balletto "La Sylphide" è apparsa come una fragile creatura da malavita. Il successo è stato sbalorditivo.
In quel momento apparvero molti balletti meravigliosi, ma sfortunatamente divenne il balletto romantico l'ultimo periodo fiorente arte della danza in Occidente. Dal secondo metà del XIX il balletto del secolo, avendo perso il suo significato precedente, è diventato un'appendice dell'opera. Solo negli anni '30, sotto l'influenza del balletto russo, iniziò la rinascita di questa forma d'arte in Europa.
In Russia, il primo spettacolo di balletto - "Il balletto di Orfeo ed Euridice" - fu messo in scena l'8 febbraio 1673 alla corte dello zar Alexei Mikhailovich. I balli cerimoniali e lenti consistevano in un cambiamento di posture aggraziate, inchini e movimenti, alternati a canti e discorsi. Non ha svolto alcun ruolo significativo nello sviluppo della danza teatrale. Era solo un altro "divertimento" reale che attirava con la sua insolita e novità.
Solo un quarto di secolo dopo, grazie alle riforme di Pietro I, la musica e la danza entrarono nella vita della società russa. Nella nobiltà istituti scolastici ha introdotto l'insegnamento obbligatorio della danza. Alla corte, musicisti congedati dall'estero, artisti d'opera e compagnie di balletto.
Nel 1738 fu aperta la prima scuola di balletto in Russia e tre anni dopo 12 ragazzi e 12 ragazze della servitù del palazzo divennero i primi ballerini professionisti in Russia. Dapprima si esibirono nei balletti di maestri stranieri come figuranti (come venivano chiamati i ballerini del corpo di ballo), e successivamente nelle parti principali. Il notevole ballerino di quel tempo, Timofey Bublikov, brillava non solo a San Pietroburgo, ma anche a Vienna.
All'inizio del XIX secolo, l'arte del balletto russo raggiunse maturità creativa. I ballerini russi hanno portato espressività e spiritualità alla danza. Sentendolo in modo molto accurato, A. S. Pushkin ha definito la danza della sua contemporanea Avdotya Istomina "un volo pieno di anima".
Il balletto in questo momento occupava una posizione privilegiata tra gli altri tipi arte teatrale. Le autorità glielo hanno dato grande attenzione fornito sovvenzioni governative. Le compagnie di balletto di Mosca e San Pietroburgo si esibivano in teatri ben attrezzati e i diplomati delle scuole di teatro rifornivano ogni anno lo staff di ballerini, musicisti e decoratori.
Nella storia del nostro teatro di balletto, si incontrano spesso i nomi di maestri stranieri che hanno svolto un ruolo significativo nello sviluppo del balletto russo. Prima di tutto, questi sono Charles Didelot, Arthur Saint-Leon e Marius Petipa. Hanno contribuito a creare la scuola di balletto russa. Ma i talentuosi artisti russi hanno anche permesso di rivelare i talenti dei loro insegnanti. Ciò attirava invariabilmente i più grandi coreografi d'Europa a Mosca e San Pietroburgo. In nessuna parte del mondo potevano incontrare una troupe così numerosa, talentuosa e ben addestrata come in Russia.
IN metà del diciannovesimo secolo, il realismo arrivò alla letteratura e all'arte russa. I coreografi febbrilmente, ma senza successo, hanno cercato di creare spettacoli realistici. Non hanno tenuto conto del fatto che il balletto è un'arte condizionale e il realismo nel balletto differisce in modo significativo dal realismo nella pittura e nella letteratura. La crisi dell'arte del balletto è iniziata.
Una nuova tappa nella storia del balletto russo iniziò quando il grande compositore russo P. Tchaikovsky compose per la prima volta la musica per il balletto. Era il lago dei cigni. Prima di allora, la musica del balletto non veniva presa sul serio. Era considerata inferiore creatività musicale, solo un accompagnamento alla danza.
Grazie a Čajkovskij, la musica del balletto è diventata un'arte seria insieme all'opera e musica sinfonica. Precedentemente musica completamente dipendente dalla danza, ora la danza doveva obbedire alla musica. Erano necessari nuovi mezzi di espressione nuovo approccio per creare uno spettacolo.
L'ulteriore sviluppo del balletto russo è legato al nome del coreografo di Mosca A. Gorsky, che, abbandonando le tecniche obsolete della pantomima, ha utilizzato le tecniche della regia moderna in uno spettacolo di balletto. Dando Grande importanza il design pittoresco della performance, ha attirato i migliori artisti a lavorare.
Ma il vero riformatore dell'arte del balletto è Mikhail Fokin, che si ribellò alla costruzione tradizionale di uno spettacolo di balletto. Ha sostenuto che il tema della performance, la sua musica, l'era in cui si svolge l'azione, richiedono ogni volta qualcosa di diverso passi di danza, un modello di danza diverso. Durante la messa in scena del balletto "Egyptian Nights" Fokine si è ispirato alla poesia di V. Bryusov e agli antichi disegni egizi, e le immagini del balletto "Petrushka" sono state ispirate dalla poesia di A. Blok. Nel balletto Daphnis and Chloe, ha abbandonato la danza sulle punte e, con movimenti liberi e plastici, ha fatto rivivere antichi affreschi. La sua "Chopiniana" ha fatto rivivere l'atmosfera del balletto romantico. Fokin ha scritto che "sogna di creare un balletto drammatico dal balletto divertente, dalla danza - un linguaggio comprensibile e parlante". E ci è riuscito.
Nel 1908 iniziarono le esibizioni annuali di ballerini russi a Parigi, organizzate da figura teatrale S. P. Diaghilev. I nomi dei ballerini russi - Vaslav Nijinsky, Tamara Karsavina, Adolf Bolm - sono diventati noti in tutto il mondo. Ma il primo di questa fila è il nome dell'incomparabile Anna Pavlova.
Pavlova - lirica, fragile, con linee del corpo allungate, occhi enormi - incisioni evocate raffiguranti ballerine romantiche. Le sue eroine trasmettevano un sogno puramente russo di una vita armoniosa e spiritualizzata o desiderio e tristezza per una vita insoddisfatta. "Il cigno morente" grande ballerina Pavlova, è un simbolo poetico del balletto russo all'inizio del XX secolo.
Fu allora, sotto l'influenza dell'abilità degli artisti russi, che il balletto occidentale si scosse e ottenne un secondo vento.
Dopo Rivoluzione d'ottobre Nel 1917 molte figure del balletto lasciarono la Russia, ma nonostante ciò la scuola di balletto russo sopravvisse. Il pathos del movimento verso una nuova vita, i temi rivoluzionari e, soprattutto, la possibilità di esperimenti creativi hanno ispirato i maestri di ballo. Il loro compito era portare arte coreografica alle persone, per renderle più vitali e accessibili.
È così che è nato il genere del balletto drammatico. Queste erano esibizioni, di solito basate su trame di famosi Lavori letterari, che sono stati costruiti secondo le leggi prestazione drammatica. Il contenuto in essi è stato presentato con l'aiuto della pantomima e della danza pittorica. A metà del XX secolo, il balletto drammatico era in crisi. I coreografi hanno tentato di preservare questo genere di balletto, esaltando lo spettacolo delle esibizioni con l'ausilio di effetti scenici, ma, purtroppo, invano.
Alla fine degli anni '50, arrivò una svolta. Coreografi e ballerini di una nuova generazione hanno fatto rivivere generi dimenticati - balletto in un atto, sinfonia di balletto, miniatura coreografica. E dagli anni '70 sono sorte compagnie di balletto indipendenti, indipendenti dai teatri dell'opera e del balletto. Il loro numero è in costante aumento, tra questi ci sono studi danza libera e danza moderna. Ma balletto accademico e la scuola di danza classica è ancora all'avanguardia nel nostro paese.
QUESTO È INTERESSANTE
Nei balletti del passato c'era un intero sistema di simboli. Se un artista, ad esempio, si accarezzava la fronte con il bordo della mano, sottintendendo che aveva una corona in testa, questo significava "re"; incrociò le braccia incrociate sul petto, che significa "morto"; indicava l'anulare della mano, dove di solito indossano un anello: "Voglio sposarmi" o "sposato"; ha iniziato a fare movimenti ondulatori con le mani, il che significa che "ha navigato su una nave" e così via. Naturalmente, tutti questi gesti erano comprensibili solo a coreografi, artisti e una manciata di balletomani, visitatori abituali dei balletti.
Le radici del balletto russo, come ogni forma d'arte, risiedono nel folklore della danza. Molto probabilmente, si trattava di balli cult (tutti i tipi di balli rotondi) e balli di gioco ("Dance", "Kuma, dov'eri", ecc.). Il balletto russo non solo ha mantenuto tutti i canoni estetici, ma è diventato anche un legislatore nel mondo del balletto.
origini
IN Rus' di Kiev a cavallo tra l'VIII e il IX secolo iniziarono ad apparire i primi ballerini, professionisti nel loro campo: buffoni ... Dopo un po ', quando Mosca divenne la capitale, i buffoni non erano più necessariamente uomini.
IN secoli XV-XVI divertenti spettacoli di mummers con volti nascosti da maschere, i cosiddetti "mashkar", stupiti e sorpresi in visita agli stranieri.
Nel XVII secolo, la storia del balletto russo fu segnata dall'apertura del Teatro del Cremlino. Secondo la tradizione consolidata, ogni spettacolo in questo teatro si è sempre concluso con le mezze stagioni (spettacoli speciali di balletto). Questi cosiddetti entrées erano eseguiti da uomini vestiti con abiti pomposi. Gli attori hanno mostrato diversi elementi del ballo da sala.
divertimento reale
La prima rappresentazione di balletto su vasta scala in Russia è considerata uno spettacolo messo in scena l'8 febbraio 1673. Questo evento significativo ha avuto luogo alla corte dello zar Alexei Mikhailovich ed è stato chiamato "Il balletto di Orfeo ed Euridice". La storia dell'emergere del balletto russo lo descrive come un cambiamento di pose cerimoniali, danze lente, inchini e transizioni. Tra di loro, gli attori pronunciavano parole memorizzate o cantavano. Sembrava tutto un po' come la cosa reale. Esibizione teatrale. Era solo un divertimento regale, allettante con la sua oscurità.
Nel frattempo, I. Gregory, l'organizzatore del teatro, invita Nicola Lim a organizzare corsi di formazione teatrale per teatro reale. All'inizio, 10 figli di nobili filistei, poi 20, completarono con successo l'addestramento e mostrarono alla corte dello zar la produzione di balletto di "Orfeo" in stile francese.
Il compito è impostato
Solo dopo un quarto di secolo Pietro I, avviandosi alla riforma vita culturale Russia, porta la musica e la danza nella vita della società russa. Decide di instillare l'arte negli strati d'élite degli abitanti di San Pietroburgo. Per fare questo, Pietro I chiude il teatro di Mosca di Alexei Mikhailovich ed emette un decreto rivoluzionario. Questo decreto sulle assemblee obbligava tutti agenzie governative insegna a ballare senza fallo. Queste riforme hanno reso la posizione del maestro di danza irraggiungibilmente alta. È a queste assemblee che il balletto deve l'apparizione nei movimenti di danza classica provenienti dall'estero, innovazioni sotto forma di elementi delle danze slave nazionali.
L'autore V. Krasovskaya ("Storia del balletto russo" - L. Art, 1978) ritiene che grazie all'energia e alla natura perentoria di Pietro I, le esibizioni di compagnie di balletto, musicisti e artisti d'opera invitati dall'estero iniziarono a svolgersi nel sale del palazzo.
All'inizio del 1738 fu organizzata nel Paese una scuola di arte del balletto, che, di fatto, divenne la prima. La storia del balletto russo racconta brevemente questo periodo. I diplomati della scuola hanno lavorato in gruppi di balletto di teatri stranieri come i cosiddetti figuranti (attori del corpo di ballo). E solo molto più tardi furono ammessi alle feste principali.
Prima formazione professionale
culla balletto contemporaneo Gli storici ritengono che il terrestre vi abbia lavorato Il famoso Jean-Baptiste Lange, che ha messo in scena tre spettacoli di balletto di corte con i suoi studenti. Come mostra la storia del balletto russo, erano praticamente i primi spettacoli di balletto che rispettavano tutte le leggi e i regolamenti dell'Accademia reale di danza nella capitale della Francia.
I cadetti del corpo della nobiltà hanno preso parte a uno spettacolo di balletto accademico, lirico, semi-caratteristico e allo stesso tempo comico della compagnia italiana di Fessano.
Elisabetta I, per non perdere i preparati ballerini, apre Her Majesty's Own Scuola di danza, il primo dei quali erano 12 figli di gente comune.
E alla fine del 1742, l'imperatrice firmò un decreto che ordinava l'istituzione di una compagnia di balletto di ballerini russi. Fu in esso che apparvero le prime star russe: ballerini professionisti: Aksinya Baskakova e Afanasy Toporkov.
Via d'uscita dall'impasse
La morte di Baptiste Lande porta confusione nel business coreografico del paese. Gli spettacoli guidati da Fessano diventano burlesque monotoni e noiosi. Il pubblico non è attratto da tali spettacoli.
La storia del balletto russo descrive brevemente quel periodo. In questo momento, e in Europa c'è una domanda sulla riforma del business coreografico. Rousseau e Saint-Mar chiedono ai ballerini di sbarazzarsi dei loro vestiti pomposi e delle maschere con parrucche. Diderot raccomanda vivamente di cambiare le trame degli spettacoli di balletto. Nel frattempo, John Weaver, senza aspettare i cambiamenti generali, mette in scena uno spettacolo di danza che ha una trama ben congegnata, e Georges Nover scrive le leggendarie Letters on the Dance.
Il balletto russo non è molto indietro. L'aspetto di Hilferding ne è la prova. Questo specialista tedesco si è assicurato produzioni coreografiche della trama a San Pietroburgo. A Parigi, gli spettacoli di balletto della storia sono apparsi solo 15 anni dopo. Hilferding era assistito da Leopold Paradiso. Già nel 1850 stavano creando spettacoli di balletto indipendenti.
L'inizio di produzioni drammatiche
Il primo dramma nel balletto russo appartiene ad A.P. Sumarokov. Ha promosso spettacoli di danza elogiativi, ha composto le basi letterarie per gli spettacoli di balletto "Refuge of Virtue" e "New Laurels".
Gasparo Angiolini, il coreografo invitato dallo zar, intensifica la brillantezza delle note della canzone popolare slava, mettendo in scena lo spettacolo di balletto "Divertimento sul periodo natalizio". Caterina II ha elogiato molto la performance. Nel 1779, la Commissione Legislativa approvò integralmente il balletto, la cui musica fu scritta sulla base del folklore slavo.
Dopo un successo così colossale, Angilini passò a intrattenere produzioni teatrali che prendevano in giro argomenti di attualità. Furono panegirici che fecero scalpore: "Russia trionfante" (si lodò la sconfitta dell'esercito turco a Cahul e Larga), "Nuovi Argonauti" (un glorioso inno alla flotta dell'Impero russo) e "Ragionamento vittorioso" (il è stata sollevata la questione della necessità della vaccinazione contro il vaiolo dilagante, che preoccupava tutti).
Poco prima è stata messa in scena la prima performance di balletto eroico di "Semir". Da quel momento in poi, i coreografi iniziarono a prestare grande attenzione all'espressività della danza classica. Perché i ballerini possono essere contemporaneamente impegnati in divertenti spettacoli d'opera di teatri non statali e in spettacoli d'opera pseudo-russi, il cui libretto è stato composto dalla stessa Imperatrice.
Nel nuovo anno 1778 a San Pietroburgo (come mostra la storia del balletto russo, i libri descrivono vividamente questo evento unico) ci sono già due teatri che aspettano il pubblico: il "Teatro libero" commerciale e quello di corte.
I primi collettivi di fortezza
Nella seconda metà del XVIII secolo, divenne di moda padroneggiare l'arte della danza. E già all'inizio del 1773, sotto la tutela di Leopold Paradis, il primo Il centro educativo che in seguito divenne il primo teatro pubblico. C'erano 60 bambini nel primo gruppo. Y. Bakhrushin racconta le prime performance coreografiche messe in scena dal famoso Cosimo Maddox nei suoi libri.
La storia del balletto russo, da lui studiata e descritta nei minimi dettagli, rivela pienamente questo periodo dell'arte della danza. Medox con un team di giovani ballerini formati in Russia ha messo in scena opere comiche, spettacoli coreografici dedicati a eventi reali(ad esempio, "La cattura di Ochakov") e divertissement.
In questo contesto, il teatro della fortezza iniziò a svilupparsi rapidamente. Nell'ultimo decennio del XVIII secolo erano già ben noti grandi gruppi di attori servi della gleba. Zorich, Golovkina, Apraksin, Sheremetyev, Potemkin e altri proprietari terrieri avevano tali collettivi.
Lo stesso periodo è stato segnato dallo sviluppo e dalla messa in scena della tecnica della danza femminile e dalla progettazione artistica del palcoscenico per lo spettacolo. Appare nuova tradizione concretizzare il luogo dell'azione sul palcoscenico, dipingere lo scenario in uno stile realistico, applicare il gioco della penombra e della luce.
Celebrazione del balletto russo
La storia del balletto russo nel XIX e XX secolo è ricca e varia. A inizio XIX secolo, l'arte del balletto raggiunge quella maturità, che è apprezzata dallo spettatore. Le ballerine russe apportano ariosità, nobiltà ed espressività alla coreografia. Ciò è notato in modo molto appropriato da A. S. Pushkin, descrivendo la bellezza dei movimenti di danza della sua contemporanea, la star della scena del balletto, Istomina: "un volo dell'anima" (la frase è diventata sinonimo di balletto). Le sue espressioni facciali e la perfezione dei movimenti di danza hanno suscitato ammirazione. La maggior parte degli spettatori è andata a
Non meno belle erano Lihutina Anastasia, Ekaterina Teleshova, Danilova Maria.
Gli spettacoli di balletto stanno guadagnando popolarità. danza classica, in quanto arte, diventa privilegiata, e per essa vengono stanziati sussidi statali.
Negli anni '60 del secolo scorso, il beau monde culturale fu abbracciato dalla nuova tendenza del "realismo". Una crisi sta arrivando al teatro russo. Per quanto riguarda le produzioni coreografiche, si esprimeva nel primitivismo della trama, adattata a una certa danza. Alle ballerine che hanno raggiunto la perfezione viene offerto di ballare in produzioni realistiche.
La storia della creazione del balletto russo sta entrando in un nuovo round. Il risveglio è iniziato con Pyotr Tchaikovsky, che è stato il primo a scrivere musica per una produzione coreografica. Per la prima volta nella storia del balletto, la musica è diventata importante quanto la danza. E si è persino trovata alla pari con la musica lirica e le composizioni sinfoniche. Se prima la musica di Čajkovskij veniva scritta per ballare elementi, ora l'attore di balletto cercava di trasmettere con plasticità, movimento e grazia umore musicale ed emozione, che ha aiutato lo spettatore a dipanare la trama, trascritta dal compositore in note. Il mondo ammira ancora il famoso "Lago dei cigni".
Il coreografo A. Gorsky ha introdotto elementi di regia moderna nelle produzioni, ha iniziato a prestare grande attenzione all'inquadratura artistica del palcoscenico, credendo che lo spettatore dovesse essere completamente immerso in ciò che sta accadendo sul palco. Ha proibito l'uso di elementi di pantomima. M. Fokin ha cambiato radicalmente la situazione. Ha fatto rivivere il balletto romantico e ha reso comprensibile e parlante il linguaggio del corpo nella danza. Secondo Fokin, ogni performance sul palco dovrebbe essere unica. Questo è accompagnamento musicale, lo stile e il modello di danza dovrebbero essere specifici per una performance specifica. Nei primi anni del 20° secolo, le sue produzioni di Egyptian Nights, The Dying Swan, A Midsummer Night's Dream, Acis and Galatea e altre furono girate fino al tutto esaurito.
Nel 1908, P. invita Fokine a diventare il direttore principale delle "stagioni russe" parigine. Grazie a questo invito, Fokin diventa famoso in tutto il mondo. E i ballerini russi iniziarono a esibirsi ogni anno in trionfo nella capitale francese. La storia del balletto russo glorifica i ballerini della compagnia russa, i cui nomi sono conosciuti in tutto il mondo: Adolf Bolm, Tamara Karsavina, Vaclav Nijinsky e altri, e questo è durante il declino del balletto europeo!
Diaghilev ha colto l'occasione e ha vinto. Ha riunito una compagnia di giovani e talentuosi attori di balletto e ha dato loro libero sfogo. Mi ha permesso di recitare al di fuori del quadro noto, stabilito dal famoso, ma già piuttosto anziano Petipa.
La libertà di azione ha dato ai ballerini l'opportunità di scoprire ed esprimersi. Oltre a queste innovazioni rivoluzionarie, Diaghilev ha portato a decorazione il più famoso dei suoi artisti contemporanei (J. Cocteau, A. Derain, P. Picasso) e compositori (C. Debissy, M. Ravel, I. Stravinsky). Ora ciascuno spettacolo di balletto diventato un capolavoro.
Dopo la Rivoluzione d'Ottobre, molti ballerini e coreografi hanno lasciato la Russia ribelle. Ma la spina dorsale è rimasta. A poco a poco, il balletto russo si avvicina alla gente. Le pagine della storia durante il periodo della formazione ne hanno viste tante...
Dopo la metà del XX secolo, una nuova generazione di ballerini e coreografi ha riportato in scena miniature di danza dimenticate, sinfonie e balletti in un atto. Il numero di studi e teatri iniziò a crescere costantemente.
"Triumphant", ballerina, critico di balletto
La famosa ballerina russa Vera Mikhailovna Krasovskaya è nata nell'impero russo l'11 settembre 1915. Dopo Scuola superiore entrò e nel 1933 si diplomò con successo alla Scuola Coreografica di Leningrado. Ha studiato con la famosa Vaganova Agrippina. Da quel momento fino al 1941, Krasovskaya prestò servizio nel teatro. Kirov. È impegnata in balletti del repertorio accademico.
Nel 1951, Vera Mikhailovna completò i suoi studi post-laurea a Leningrado. Istituto Teatrale loro. A. Ostrovsky, dopo l'istruzione di base presso la Facoltà di studi teatrali.
La scuola di professionalità ricevuta da Krasovskaya, prima nella classe di Agrippina Vaganova, poi negli spettacoli di balletto Teatro Mariinskij, insieme al bagaglio di conoscenze di scala enciclopedica, aristocrazia, tradizioni culturali e la straordinaria padronanza delle lingue (francese e inglese), le hanno permesso di diventare una brillante e inequivocabilmente la più grande critica d'arte del balletto.
Nel 1998 lieta notizia volò intorno al tutto mondo del teatro. Vera Mikhailovna Krasovskaya ha ricevuto il Premio Triumph. La storia del balletto russo, di cui ha parlato nei libri (alcuni tradotti in lingue straniere) e articoli (più di 300) come storico e critico d'arte, hanno reso Vera Mikhailovna una vincitrice di un libero Premio Russo"Trionfo". Questo premio riconosce l'eccellenza nelle arti e nella letteratura.
Nel 1999, Krasovskaya Vera Mikhailovna morì.
Epilogo
La storia del balletto russo conserva con gratitudine i nomi dei maestri dell'arte della danza che hanno dato un contributo colossale alla formazione della coreografia russa. Questi sono i famosi Sh Didlo, M. Petipa, A. Saint-Leon, S. Diaghilev, M. Fomin e molti altri. E il talento degli artisti russi ha attratto e attrae oggi grande quantità spettatori dentro paesi diversi pace.
Fino ad oggi, le compagnie di balletto russe sono considerate le migliori al mondo.