Mondo dell'Arte
World of Art (1898-1924) - un'associazione artistica formata in Russia
alla fine del 1890. Una rivista pubblicata con lo stesso nome iniziò nel 1898.
membri del gruppo.
UN. Benois tra gli artisti. agosto 1898
World of Art - una rivista d'arte illustrata mensile, pubblicata a San Pietroburgo
dal 1898 al 1904, interamente dedicato alla promozione dell'opera dei simbolisti russi e
che era l'organo dell'omonima associazione - "World of Art" e scrittori simbolisti.
Editori - Princess M. K. Tenisheva e S. I. Mamontov, l'editore era S. P. Diaghilev;
dal 1902 Diaghilev divenne l'editore; con il n. 10 per il 1903, lo era anche l'editore
A. N. Benois.
Copertina di una rivista per 1901 Benois tra gli artisti. agosto 1898
L'associazione si è dichiarata a gran voce organizzando la "Mostra di russo e finlandese
Artisti" nel 1898 presso il Museo della Scuola Centrale di Disegno Tecnico
Barone AL Stieglitz.
Il periodo classico nella vita dell'associazione cade nel 1900-1904. - in questo momento per
Il gruppo era caratterizzato da una speciale unità di principi estetici e ideologici. Artisti
mostre organizzate sotto gli auspici della rivista "World of Art".
Dopo il 1904 l'associazione si espanse e perse la sua unità ideologica. Nel 1904-1910
la maggior parte dei membri del "World of Art" erano membri dell '"Unione degli artisti russi".
Artisti della Società "World of Art" nella scuola della Society for the Encouragement of Arts.
Pietroburgo. marzo 1914
Alla riunione di fondazione del 19 ottobre 1910, la società artistica "World of Art"
è stato ripreso (NK Roerich è stato eletto presidente). Dopo la rivoluzione, molti dei suoi leader
furono costretti ad emigrare. L'associazione in realtà cessò di esistere nel 1924.
BM Kustodiev. "Ritratto di gruppo dei membri dell'associazione "World of Art"". 1916-1920.
Da sinistra a destra: I.E. Grabar, N.K. Roerich, E.E. Lansere, B.M. Kustodiev, I.Ya. Bilibin,
AP Ostroumova-Lebedeva, A.N. Benois, GI Narbut, K.S. Petrov-Vodkin, N.D. Milioti,
KA Somov, M.V. Dobuzhinsky.
Dopo il successo della mostra russo-finlandese alla fine del 1898, fu creata un'associazione
"World of Art", uno dei fondatori di cui era Benois. Insieme a S. Diaghilev
diventa direttore dell'omonima rivista, divenuta araldo del neoromanticismo.
Motivando l'emergere del "Mondo dell'Arte", Benoit ha scritto:
"Siamo stati guidati non tanto da considerazioni di ordine 'ideologico', ma da considerazioni
necessità pratica. Un certo numero di giovani artisti non sapeva dove andare. Loro
o non sono stati affatto accettati in grandi mostre - accademiche, itineranti e di acquerello,
o accettato solo con un rifiuto di tutto ciò in cui gli artisti stessi vedevano di più
una chiara espressione della sua ricerca ... Ed è per questo che Vrubel si è rivelato accanto a noi
Bakst e Somov accanto a Malyavin. Ai "non riconosciuti" si sono aggiunti quelli dei "riconosciuti"
che erano a disagio nei gruppi approvati. Principalmente, siamo stati contattati da Levitan,
Korovin e, con nostra grande gioia, Serov. Ancora una volta, ideologicamente e dall'intera cultura loro
appartenevano a una cerchia diversa, erano l'ultima progenie del realismo, non priva di
"colorazione peredvizhnaya". Ma con noi erano legati dall'odio per tutto ciò che era stantio,
stabilito, morto”.
Copertina di una rivista del 1900
La rivista World of Art uscì nell'autunno del 1898, con un'impronta del 1899. Lui
ha causato ancora più rumore della mostra. Impostare il mondo dell'arte sull'arte pura,
libero da predilezioni ideologiche, ovviamente, vagabondaggio e accademismo,
sembrava ovviamente imperfetto, cosa che si riscontrava anche nei dipinti di giovani artisti.
Fenomeni simili si sono verificati nell'architettura, nella poesia e nel teatro, che
percepito come decadenza e ciò che è stato definito russo moderno.
Arlecchino. Screensaver nella rivista "World of Art", 1902, N ° 7-9. 1902
"The World of Art" è stato pubblicato fino al 1901 - una volta ogni 2 settimane, poi - mensilmente.
Era una rivista letteraria e artistica illustrata dai più ampi contenuti,
che ha segnato il suo destino. Parlano della divulgazione dell'arte russa XVIII -
l'inizio del XIX secolo, sulla promozione di campioni di arte popolare e artigianato
artigianato, che manifestava l'estetica del mondo dell'arte e gli interessi dei mecenati
Elefanti. Screensaver nella rivista "World of Art", 1902. N ° 7-9. 1902
La rivista ha ampiamente introdotto il lettore all'arte moderna russa e straniera
life (articoli e note di A.N. Benois, I.E. Grabar, S.P. Diaghilev, V.V. Kandinsky,
estratti dall'op. R. Muther e J. Meyer-Grefe, recensioni di pubblicazioni straniere,
riproduzione di esposizioni espositive, riproduzioni di russo moderno e
pittura e grafica dell'Europa occidentale).
Ciò corrispondeva alle principali aspirazioni degli amici della cerchia di Benois: il raggiungimento dello sviluppo
Arte russa in linea con l'arte europea e globale, basata su
pensieri sulla nostra arretratezza, che però sveleranno qualcosa di inaspettato: lo sviluppo del russo
la letteratura classica, la musica e la pittura si trasformeranno in una rivoluzione nel teatro del mondo
scala e ciò che oggi riconosciamo come un fenomeno rinascimentale.
Inoltre, sulle pagine di World of Art sono stati pubblicati articoli di critica letteraria
V.Ya.Bryusov e Andrei Bely, che hanno formulato l'estetica del simbolismo russo.
Ma la maggior parte del posto era occupata dagli scritti religiosi e filosofici di D. S. Merezhkovsky,
Z. N. Gippius, N. M. Minsky, L. Shestova, V. V. Rozanov.
Con quaderni delle sue poesie,
Molto tempo fa sei crollato in polvere,
Come rami volati intorno ai lillà.
Sei in un paese dove non ci sono forme già pronte,
Dove tutto è sparso, mescolato, rotto,
Dove invece del cielo - solo una grave collina
E l'orbita lunare è immobile.
Lì in una lingua diversa e confusa
Canta il sinclito di insetti silenziosi,
Lì con una piccola torcia in mano
Beetle-man saluta i conoscenti.
Siete calmi, miei compagni?
È facile per te? E hai dimenticato tutto?
Ora siete fratelli - radici, formiche,
Fili d'erba, sospiri, colonne di polvere.
Ora voi sorelle siete fiori di garofani,
Capezzoli lilla, scaglie, galline...
E non riesco a ricordare la tua lingua
C'è un fratello sinistro lassù.
Non ha ancora posto da quelle parti,
Dove sei sparito, leggero come ombre,
In ampi cappelli, giacche lunghe,
Con quaderni delle sue poesie.
Nikolaj Zabolotsky.
LS Bychkova
Il mondo dell'arte nel mondo dell'arte*
L'associazione artistica e la rivista "World of Art" sono fenomeni significativi nella cultura russa dell'età dell'argento, esprimendo chiaramente una delle tendenze estetiche essenziali del loro tempo. Il Commonwealth of the World of Arts ha iniziato a prendere forma a San Pietroburgo negli anni '90. 19esimo secolo attorno a un gruppo di giovani artisti, scrittori, artisti che cercavano di rinnovare la vita culturale e artistica della Russia. I principali iniziatori furono A.N. Benois, S.P. Diaghilev, D.V. Filosofov, K.A. Somov, L.S. Bakst, poi M.V. amici legati dalla stessa cultura e gusto comune ”, nel 1899 si tenne la prima delle cinque mostre della rivista, l'associazione stessa fu ufficialmente formalizzato nel 1900. La rivista durò fino alla fine del 1904, e dopo la rivoluzione del 1905 cessò l'attività ufficiale dell'associazione. Oltre ai membri dell'associazione, sono stati coinvolti nelle mostre molti artisti di spicco dell'inizio del secolo, che hanno condiviso la principale linea spirituale ed estetica del "Mondo dell'Arte". Tra questi, prima di tutto, possiamo citare i nomi di K. Korovin, M. Vrubel, V. Serov, N. Roerich, M. Nesterov, I. Grabar, F. Malyavin. Sono stati invitati anche alcuni maestri stranieri. Anche molti pensatori e scrittori religiosi russi hanno pubblicato sulle pagine della rivista, sostenendo a modo loro la "rinascita" della spiritualità in Russia. Questo è V. Rozanov,
* L'articolo utilizza materiali del progetto di ricerca n. 05-03-03137a, sostenuto dalla Russian Humanitarian Foundation.
D. Merezhkovsky, L. Shestov, N. Minsky e altri La rivista e l'associazione nella sua forma originale non sono durate a lungo, ma lo spirito del mondo dell'arte, le sue attività editoriali, organizzative, espositive ed educative hanno lasciato un segno notevole sulla cultura e l'estetica russa, ei membri principali dell'associazione - il mondo dell'arte - hanno mantenuto questo spirito e le predilezioni estetiche quasi per tutta la vita. Nel 1910-1924. Il "Mondo dell'Arte" ha ripreso la sua attività, ma già in una composizione molto espansa e senza una prima linea estetica (essenzialmente estetica) sufficientemente chiaramente orientata. Molti dei rappresentanti dell'associazione negli anni '20. si trasferirono a Parigi, ma anche lì rimasero aderenti ai gusti artistici della loro giovinezza.
Due idee principali hanno unito i partecipanti al World of Art in una comunità integrale: 1. Il desiderio di restituire all'arte russa la principale qualità dell'arte abilità artistica, libera l'arte da ogni tendenziosità (sociale, religiosa, politica, ecc.) e la indirizza in una direzione puramente estetica. Da qui, lo slogan l'art pour l'art, popolare tra loro, sebbene antico nella cultura, il rifiuto dell'ideologia e della pratica artistica dell'accademismo e dell'erranza, un interesse speciale per le tendenze romantiche e simboliste nell'arte, nel Pre- Raffaelliti, nabidi francesi, nella pittura di Puvis de Chavana, mitologismo di Böcklin, estetismo Jugendstil, Art Nouveau, ma anche E.T.A. una tendenza a includere la cultura e l'arte russa in un ampio contesto artistico europeo. 2. Su questa base - romanticizzazione, poetizzazione, estetizzazione del patrimonio nazionale russo, in particolare del tardo, XVIII - inizio XIX secolo, orientato verso la cultura occidentale, l'interesse generale per la cultura post-petrina e l'arte popolare tarda, per la quale i principali partecipanti nell'associazione ha ricevuto un soprannome nei circoli artistici "sognatori retrospettivi".
La tendenza principale del "World of Art" era il principio dell'innovazione nell'arte basato su un gusto estetico altamente sviluppato. Da qui le preferenze artistiche ed estetiche e le attitudini creative del mondo dell'arte. Crearono, infatti, una solida versione russa di quel movimento esteticamente affilato di fine secolo, che gravitava verso la poetica del neoromanticismo o del simbolismo, verso la decoratività e la melodiosità estetica della linea, e in diversi paesi aveva nomi diversi (Art Nouveau, Secession, Art Nouveau), e in Russia era chiamato lo stile " moderno".
Gli stessi partecipanti al movimento (Benoit, Somov, Dobuzhinsky, Bakst, Lansere, Ostroumova-Lebedeva, Bilibin) non erano grandi artisti, non hanno creato capolavori artistici o opere eccezionali, ma hanno scritto diverse pagine molto belle, quasi estetiche nella storia di Arte russa, in realtà mostrando al mondo che lo spirito dell'estetismo orientato a livello nazionale nel senso migliore di questo termine ingiustamente sottovalutato non è estraneo all'arte russa. Tipici dello stile della maggior parte del mondo dell'arte erano la raffinata linearità (grafica - hanno portato la grafica russa al livello di una forma d'arte indipendente), la raffinata decorazione, la nostalgia per la bellezza e il lusso delle epoche passate, a volte le tendenze neoclassiche e l'intimità nei lavori da cavalletto. Allo stesso tempo, molti di loro gravitavano anche verso la sintesi teatrale delle arti - da qui la partecipazione attiva alle produzioni teatrali, ai progetti di Diaghilev e alle "stagioni russe", un crescente interesse per la musica, la danza e il teatro moderno in generale. È chiaro che la maggior parte del mondo delle arti era diffidente e, di regola, nettamente negativo nei confronti dei movimenti d'avanguardia del loro tempo. Il "Mondo dell'Arte" ha cercato di trovare nell'arte una propria strada innovativa, saldamente legata alle migliori tradizioni dell'arte del passato, alternativa al percorso degli artisti d'avanguardia. Oggi lo vediamo nel ventesimo secolo. Gli sforzi degli specialisti del mondo dell'arte praticamente non hanno ricevuto alcuno sviluppo, ma nel primo terzo del secolo hanno contribuito a mantenere un alto livello estetico nelle culture russa ed europea e hanno lasciato un buon ricordo nella storia dell'arte e della cultura spirituale.
Qui voglio soffermarmi sulle attitudini artistiche e sui gusti estetici di alcuni dei principali rappresentanti del "Mondo dell'Arte" e degli artisti che aderirono attivamente al movimento al fine di individuare la principale tendenza artistica ed estetica dell'intero movimento oltre a quanto è ben mostrato dagli storici dell'arte basati sull'analisi della creatività artistica.il mondo delle arti stesse.
Costantino Somov (1869-1939) nel "Mondo dell'Arte" fu uno degli esteti più raffinati e raffinati, nostalgico della bellezza dell'arte classica del passato, fino agli ultimissimi giorni della sua vita, alla ricerca della bellezza o delle sue tracce nella contemporaneità arte e, al meglio delle sue capacità, cercando di creare questa bellezza. In una delle sue lettere spiega ad A. Benois perché non può in alcun modo partecipare al movimento rivoluzionario del 1905, che travolse l'intera Russia: “... prima di tutto, sono follemente innamorato della bellezza e io voglio servirlo; solitudine con pochi e cosa c'è dentro
l'anima umana è eterna e intangibile, apprezzo soprattutto. Io sono un individualista, tutto il mondo gira intorno al mio “io” e, in sostanza, non mi interessa ciò che va oltre questo “io” e la sua ristrettezza” (89) . E alle lamentele del suo corrispondente sull'imminente "maleducazione", lo consola con il fatto che ce n'è sempre abbastanza, ma la bellezza rimane sempre accanto a lui - è sufficiente in qualsiasi sistema per "ispirare poeti e artisti ” (91).
Nella bellezza Somov vedeva il senso principale della vita e quindi tutte le sue manifestazioni, ma soprattutto la sfera dell'arte, che considerava però attraverso occhiali estetici, la sua produzione, piuttosto soggettiva. Allo stesso tempo, ha costantemente cercato non solo di godere di oggetti estetici, ma anche di sviluppare il proprio gusto estetico. Già un noto artista quarantenne, non considera vergognoso andare alla conferenza sull'estetica di I. Grabar, ma acquisisce la principale esperienza estetica per tutta la vita quando comunica con l'arte stessa. In questo, fino agli ultimi giorni della sua vita improvvisamente troncata, fu instancabile. Dalle sue lettere e dai suoi diari vediamo che tutta la sua vita è stata spesa nell'arte. Oltre al lavoro creativo, visite costanti, quasi quotidiane a mostre, gallerie, musei, studi di artisti, teatri e sale da concerto. In ogni città in cui è arrivato, è corso per la prima volta nei musei e nei teatri. E troviamo una breve reazione a quasi tutte queste visite nei suoi diari o lettere. Qui, nel gennaio 1910, era a Mosca. "Mi stanco durante il giorno, ma comunque vado a teatro tutte le sere" (106). E gli stessi record fino agli ultimi anni della sua vita a Parigi. Quasi ogni giorno teatri, concerti, mostre. Allo stesso tempo, visita non solo ciò che sa per certo che riceverà piacere estetico, ma anche molte cose che non possono soddisfare il suo bisogno estetico. Segue professionalmente le vicende della vita artistica e cerca almeno tracce di bellezza.
E li trova quasi ovunque. Non dimentica di menzionare la bellezza del paesaggio, che scopre in Francia, in America, a Londra e nella Mosca del periodo sovietico; sulla bellezza della cattedrale di Chartres o sugli interni di case e palazzi che ha dovuto visitare in diversi paesi del mondo. Tuttavia, con amore speciale e costante, gode della bellezza dell'arte. Allo stesso tempo, con la stessa passione, ascolta musica, opera, guarda balletti e spettacoli teatrali, legge narrativa, poesia e, naturalmente, non perde una sola occasione per vedere dipinti: sia antichi maestri che suoi contemporanei. E ad ogni contatto con l'arte ha qualcosa da dire. Allo stesso tempo, i suoi giudizi, sebbene piuttosto soggettivi, spesso si rivelano
mirato e preciso, che è ulteriormente sottolineato dalla loro concisione. L'impressione generale, alcune osservazioni specifiche, ma anche da esse si sente bene sia il livello di coscienza estetica dello stesso Somov, sia lo spirito dell'atmosfera dell'età dell'argento in cui si è formata questa coscienza.
“La sera ero a un concerto di Koussevitzky. C'era una messa di Bach. Un'opera di straordinaria bellezza e ispirazione. L'esecuzione è stata eccellente, molto armoniosa” (1914) (138). Completamente deliziato dall'esibizione della New York Philharmonic Orchestra diretta da Toscanini: “Non ho mai sentito niente di simile in vita mia” (Parigi, 1930) (366). Sull'esecuzione della messa da parte del coro papale a Notre Dame: “L'impressione di questo coro è soprannaturale. Non ho mai sentito tanta armonia, purezza di voci, il loro timbro italiano, acuti così deliziosi” (1931) (183). Sull'esecuzione dell'opera Idomeneo di Mozart da parte del coro di Basilea: "Si è rivelata una bellezza assolutamente brillante e incomparabile" (Parigi, 1933) (409), ecc. e così via. Già in età avanzata, ha trascorso quattro serate nella galleria del teatro, dove la compagnia di Bayreuth ha eseguito la tetralogia di Wagner. Non era possibile ottenere altri biglietti e ogni spettacolo durava 5-6 ore. Fine giugno, caldo a Parigi, "ma ancora grande piacere" (355).
Somov ha frequentato il balletto con ancora maggiore entusiasmo per tutta la vita. Soprattutto il russo, le cui forze migliori si sono rivelate in Occidente dopo la rivoluzione del 1917. Qui c'è sia il piacere estetico che l'interesse professionale per la decorazione, che spesso (soprattutto nelle prime esibizioni di Diaghilev) veniva eseguita dai suoi amici e colleghi del mondo dell'arte. Nel balletto, nella musica, nel teatro e nella pittura, naturalmente, Somov trae il massimo piacere dai classici o dall'estetismo raffinato. Tuttavia, il primo terzo del ventesimo secolo era in pieno svolgimento con qualcos'altro, soprattutto a Parigi. Le tendenze d'avanguardia hanno acquisito sempre più forza, tutte le tendenze d'avanguardia sono fiorite e Somov osserva, ascolta, legge tutto questo, cerca di trovare tracce di bellezza in ogni cosa, che sono tutt'altro che sempre trovate, quindi spesso deve cedere bruscamente valutazioni negative su ciò che ha visto, sentito, letto.
Tutto ciò che tende all'estetismo di inizio secolo attira soprattutto l'attenzione dell'artista russo, e le innovazioni d'avanguardia non vengono da lui assimilate, sebbene si senta che si stia sforzando di trovare la propria chiave estetica per esse. Risulta molto raramente. A Parigi assiste a tutte le esibizioni di Diaghilev, spesso ammira i ballerini, la coreografia, meno soddisfatto della scenografia e dei costumi, che negli anni '20.
sono stati spesso eseguiti dai cubisti. “Amo il nostro vecchio balletto”, confessa in una lettera del 1925, “ma questo non mi impedisce di godermi anche quello nuovo. Coreografie e grandi ballerini, soprattutto. Non riesco a digerire lo scenario di Picasso, Matisse, Derain, amo sia la natura illusoria che la bellezza lussureggiante” (280). A New York cammina "fino alle ultime file della galleria" e si gode il gioco degli attori americani. Ha esaminato molte giocate e conclude: “Non vedevo un gioco così perfetto e tali talenti da molto tempo. I nostri attori russi sono molto inferiori" (270). Ma considera la letteratura americana di second'ordine, il che non impedisce, osserva, agli stessi americani di esserne soddisfatti. Deliziato dai singoli pezzi di A. France e M. Proust.
Nelle belle arti moderne, a Somov piacciono soprattutto molte cose del suo amico A. Benois: sia la grafica che la scenografia teatrale. È deliziato dai dipinti e dagli acquerelli di Vrubel - "qualcosa di incredibile in termini di brillantezza e armonia dei colori" (78). È rimasto colpito da Gauguin nella collezione Shchukin; una volta ha elogiato la colorata (popolare) gamma di colori in una delle opere teatrali di N. Goncharova, anche se in seguito, basandosi sulle sue nature morte, parla di lei come stupida e persino idiota, "a giudicare da queste sue cose stupide" ( 360); osservava di sfuggita che Filonov aveva "una grande arte, anche se sgradevole" (192). In generale, è avaro di lodi per i suoi colleghi pittori, a volte è sarcastico, bilioso e persino scortese nelle recensioni del lavoro di molti di loro, sebbene non lodi nemmeno se stesso. Esprime spesso insoddisfazione per il suo lavoro. Spesso informa i suoi amici e parenti che sta strappando e distruggendo schizzi e schizzi che non gli piacevano. Sì, e molti lavori finiti, soprattutto quelli già esposti, non gli piacciono.
Ecco i giudizi scelti quasi a caso di Somov sulle sue opere: “Il XVIII secolo iniziò a scrivere, una signora vestita di viola su una panchina in un parco di carattere inglese. Estremamente banale e volgare. Non è capace di un buon lavoro” (192). “Ha iniziato un altro disegno volgare: la marchesa (maledetta!) È sdraiata sull'erba, a distanza due stanno schermando. Ho dipinto fino alle 21:00. La merda è venuta fuori. Proverò a colorare domani. Il mio cuore si sentiva male" (193). Sulle sue opere alla Galleria Tretyakov (e le migliori sono state portate lì, tra cui la famosa “Lady in Blue”): “quello di cui avevo paura, l'ho sperimentato: “Non mi piaceva“ Lady in Blue ”, come tutto altrimenti mio ... " (112). E tali affermazioni non sono rare in lui e mostrano a se stesso la speciale esigenza estetica del maestro. Allo stesso tempo, conosce i momenti di felicità dalla pittura ed è convinto che "la pittura, dopotutto, ma rallegra la vita e talvolta regala momenti felici" (80). È particolarmente severo con i suoi colleghi in negozio e, soprattutto,
tutto, a qualsiasi elemento di avanguardia nell'arte. Lui, come la maggior parte del mondo delle arti, non capisce e non accetta. Questa è la posizione interiore dell'artista, che esprime il suo credo estetico.
Il severo occhio estetico di Somov vede difetti in tutti i suoi contemporanei. Ottiene e russi e francesi nella stessa misura. Questo, ovviamente, non riguarda sempre il lavoro di un particolare maestro nel suo insieme, ma di opere specifiche viste in una particolare mostra o workshop. Esprime, ad esempio, la "verità spietata" a Petrov-Vodkin sul suo dipinto "Attacco", dopo di che voleva "spararsi o impiccarsi" (155-156). In una delle mostre del 1916: "La spia di Korovin"; Il dipinto di Mashkov è "bello nei colori, ma in qualche modo idiotamente stupido"; le opere di Sudeikin, Kustodiev, Dobuzhinsky, Grabar non sono interessanti (155). Alla mostra del 1918: “Grigoriev, un pornografo meravigliosamente talentuoso, ma bastardo, stupido, da quattro soldi. Qualcosa che mi è piaciuto ... Petrov-Vodkin è sempre lo stesso sciocco noioso, stupido e pretenzioso. La stessa insopportabile combinazione di spiacevoli toni puri di blu, verde, rosso e mattone. Dobuzhinsky è un terribile ritratto di famiglia e il resto è insignificante” (185). Per tutta la vita, ha avuto un atteggiamento nei confronti di Grigoriev: "talentuoso, ma frivolo, stupido e narcisista" (264). Sulla prima rappresentazione della produzione de L'ospite di pietra di Meyerhold e Golovin: "Volenteroso, molto pretenzioso, molto ignorante, ammucchiato, stupido" (171). Yakovlev ha molte cose meravigliose, ma “non ha ancora la cosa principale: mente e anima. Tuttavia, è rimasto un artista esterno" (352), "c'è sempre una sorta di superficialità e fretta in lui" (376).
Gli artisti occidentali ottengono ancora di più da Somov, sebbene il suo approccio a tutto sia puramente soggettivo (come praticamente qualsiasi artista nel suo campo artistico). Così, a Mosca, al primo incontro con alcuni capolavori della collezione Shchukin: “Gauguin mi piaceva molto, ma Matisse no. La sua arte non è affatto arte! (111). La pittura di Cézanne non è mai stata riconosciuta come arte. Nell'ultimo anno della sua vita (1939) alla mostra di Cézanne: “Tranne una (o forse tre) belle nature morte, quasi tutto è brutto, opaco, senza valori, colori stantii. Le figure e il suo "bagno" nudo sono decisamente sporchi, mediocri, inetti. Brutti ritratti" (436). Van Gogh, ad eccezione di certe cose: "non solo non brillante, ma anche non buono" (227). Quindi, quasi tutto ciò che va oltre il raffinato estetismo del mondo dell'arte, che è alla base di questa associazione, non è accettato da Somov, non gli dà piacere estetico.
Parla in modo ancora più netto degli artisti d'avanguardia, che ha incontrato a Mosca e poi ha visto regolarmente a Parigi, ma l'atteggiamento nei loro confronti è stato costante e quasi sempre negativo. A proposito della mostra “0.10”, in cui, come sapete, Malevich ha esposto per la prima volta le sue opere suprematiste: “Assolutamente insignificante, senza speranza. Non arte. Trucchi terribili per fare rumore" (152). Alla mostra del 1923 all'Accademia delle arti su Vasilyevsky: "Ci sono molti di sinistra - e, naturalmente, terribili abomini, arroganza e stupidità" (216). Oggi è chiaro che in tali mostre c'era molta "arroganza e stupidità", ma c'erano anche molte opere che ora sono incluse nei classici dell'avanguardia mondiale. Somov, come la maggior parte del mondo delle arti, sfortunatamente, non l'ha visto. In questo senso, è rimasto un tipico aderente alla pittura tradizionale, ma a modo suo compreso. Inoltre non rispettava gli erranti e gli accademici. In questo, tutto il mondo delle arti era unito. Dobuzhinsky ha ricordato che generalmente erano di scarso interesse per gli Erranti, "trattavano la loro generazione in modo irrispettoso" e non ne parlavano nemmeno nelle loro conversazioni.
Tuttavia, lontano da tutto nell'avanguardia è nettamente negato da Somov - dove vede almeno alcune tracce di bellezza, tratta i suoi antagonisti con condiscendenza. Quindi, gli piacevano anche le scene e i costumi cubisti di Picasso per Pulcinella, ma il sipario di Picasso, dove "due donne enormi con braccia come gambe e con gambe come un elefante, con tette triangolari sporgenti, in clamide bianca ballano una specie di danza selvaggia" , ha descritto succintamente: "Disgustoso!" (250). Ha visto il talento di Filonov, ma ha trattato la sua pittura con molta freddezza. O molto apprezzato S. Dalì come eccellente disegnatore, ma nel complesso era indignato per la sua arte, sebbene osservasse tutto. A proposito delle illustrazioni del metro del surrealismo per le “Canti di Maldoror” di Lautréamont in qualche piccola galleria: “Tutti uguali, gli stessi pendenti di un metro..., gambe mezze marce. Bistecche d'osso sulle cosce umane delle sue figure selvagge<...>Ma che brillante talento di Dalì, come disegna magnificamente. Sta fingendo di essere l'unico, speciale o genuina erotomania e maniacismo a tutti i costi? (419). Anche se, paradossalmente, lui stesso, come è ben noto dal suo lavoro, non era estraneo all'erotismo, sebbene estetico, carino, crinolina. Sì, e spesso qualcosa di patologico lo attraeva. A Parigi sono andata al Musée patologique, dove ho visto... bambole di cera: malattie, ferite, parto, feti, mostri, aborti, ecc. Amo questi musei - voglio andare al musée Grèvin" (320)
Lo stesso vale per la letteratura, il teatro, la musica. Tutto ciò che era d'avanguardia in qualche modo lo respingeva, offendeva il suo gusto estetico. Per qualche ragione non gli piaceva particolarmente Stravinsky. Rimprovera spesso e in ogni occasione la sua musica. In letteratura, Belyy lo ha fatto arrabbiare. “Ho letto "Petersburg" di Andrei Bely - disgustoso! Insapore, sciocco! Analfabeta, come una signora, e, soprattutto, noiosa e poco interessante” (415). A proposito, "noioso" e "poco interessante" sono le sue valutazioni estetiche negative più importanti. Non l'ha mai detto di Dalì o di Picasso. In generale, considerava tutto l'avanguardia una sorta di cattiva tendenza dei tempi. "Penso che i modernisti di oggi", scrisse nel 1934, "tra 40 anni scompariranno completamente e nessuno li raccoglierà" (416). Ahimè, quanto è pericoloso fare previsioni nell'arte e nella cultura. Oggi questi "modernisti" vengono pagati favolosamente e i più talentuosi sono diventati dei classici dell'arte mondiale.
Alla luce dei grandiosi sconvolgimenti storici dell'arte del Novecento. molte delle valutazioni nettamente negative, a volte maleducate, estremamente soggettive del lavoro degli artisti d'avanguardia di Somov ci sembrano ingiuste e sembrano persino in qualche modo sminuire l'immagine di un artista di talento della Silver Age, un sofisticato cantante della poetica del crinolina-galante del XVIII secolo da lui idealizzato, nostalgico per l'estetica squisita e auto-inventata. Tuttavia, in questo estetismo artificiale, raffinato e sorprendentemente attraente, sono radicate le ragioni del suo atteggiamento negativo nei confronti delle ricerche d'avanguardia e degli esperimenti con la forma. Somov ha colto in modo particolarmente netto nelle avanguardie l'inizio di un processo diretto contro il principio fondamentale dell'arte: la sua abilità artistica, sebbene i maestri da lui criticati all'inizio del XX secolo. si sentiva ancora abbastanza debole e lo sperimentava dolorosamente. Il gusto raffinato dell'esteta reagiva nervosamente e bruscamente a qualsiasi deviazione dalla bellezza nell'arte, anche nella sua. Nella storia dell'arte e dell'esperienza estetica, è stato uno degli ultimi e coerenti aderenti alle "belle arti" nel senso più vero del concetto di estetica classica.
E alla fine della conversazione su Somov, una delle sue confessioni estremamente interessanti, quasi freudiane e molto personali nel suo diario datato 1 febbraio 1914, che rivela gli aspetti principali del suo lavoro, il suo galante-pretenzioso, crinolino, manierista XVIII secolo. e in una certa misura, apre il velo sul profondo significato inconscio e libidico dell'estetismo in generale. Si scopre che nei suoi dipinti, secondo l'artista stesso, erano espresse le sue più intime intenzioni intimo-erotiche, il suo sensualmente affilato
Ego. "Le donne nei miei dipinti languono, l'espressione dell'amore sui loro volti, tristezza o lussuria è un riflesso di me stesso, la mia anima<...>E le loro pose spezzate, la loro deliberata bruttezza - una presa in giro di me stesso e allo stesso tempo dell'eterna femminilità, contraria alla mia natura. Ovviamente è difficile indovinarmi senza conoscere la mia natura. Questa è una protesta, un fastidio che io stesso sono per molti versi come loro. Stracci, piume: tutto questo mi attrae e mi ha attratto non solo come pittore (ma qui passa anche l'autocommiserazione). L'arte, le sue opere, i dipinti e le statue preferite per me sono molto spesso strettamente legati al genere e alla mia sensualità. Mi piace ciò che mi ricorda l'amore ei suoi piaceri, anche se le trame dell'arte non ne parlano affatto direttamente” (125-126).
Una confessione estremamente interessante, audace, schietta, che spiega molto sia nell'opera dello stesso Somov, sia nelle sue predilezioni artistiche ed estetiche, sia nell'estetica raffinata del mondo dell'arte nel suo insieme. In particolare, sono comprensibili la sua indifferenza per Rodin (non ha sensualità), o la sua passione per il balletto, l'infinito entusiasmo per ballerini eccezionali, l'ammirazione per l'anziana Isadora Duncan e le aspre critiche a Ida Rubinstein. Tuttavia, tutto questo non può essere trattato in un articolo, ed è ora di passare ad altri rappresentanti non meno interessanti e dotati del mondo dell'arte, le loro opinioni sulla situazione artistica del loro tempo.
Mstislav Dobuzhinsky (1875-1957). Le predilezioni estetiche di Dobuzhinsky, che iniziarono a manifestarsi ancor prima che entrasse a far parte del circolo del mondo dell'arte, riflettono bene l'atmosfera spirituale e artistica generale di questa associazione, un partenariato di persone che la pensano allo stesso modo nell'arte che cercavano di "far rivivere", come credevano che la vita artistica in Russia dopo il predominio di accademici ed erranti fosse basata su un'attenta attenzione all'effettiva abilità artistica delle arti visive. Allo stesso tempo, tutti i membri del World of Art erano patrioti di San Pietroburgo ed esprimevano nella loro arte e nelle loro passioni uno speciale estetismo pietroburghese, che a loro avviso differiva notevolmente da Mosca.
Dobuzhinsky era una figura particolarmente sorprendente in questo senso. Amava San Pietroburgo fin dall'infanzia e divenne infatti un cantante raffinato e raffinato di questa città russa unica con un pronunciato orientamento occidentale. Molte pagine delle sue Memorie respirano per lui un grande amore. Al suo ritorno da Monaco, dove studiò nelle botteghe di A. Azhbe e S. Hollosha (1899-1901) e dove conobbe bene l'arte dei suoi futuri amici e colleghi nei primi numeri della rivista World of Art , Dobuzhinsky con particolare intensità
ha sentito il peculiare fascino estetico di San Pietroburgo, la sua bellezza modesta, la sua grafica sorprendente, l'atmosfera cromatica speciale, le sue distese e le linee dei tetti, lo spirito di Dostoevskij che la penetra, il simbolismo e il misticismo dei suoi labirinti di pietra. In me, scrisse, “una sorta di sentimento nativo che aveva vissuto fin dall'infanzia per i monotoni edifici governativi, le incredibili prospettive di Pietroburgo si era saldamente stabilito in un modo nuovo, ma la parte inferiore della città mi pungeva ancora più acutamente ora.<...>Queste pareti posteriori delle case sono firewall in mattoni con le loro strisce bianche di camini, una linea uniforme di tetti, come con merli di fortezza - tubi senza fine - canali dormienti, alte cataste nere di legna da ardere, pozzi scuri di cortili, recinzioni cieche, terre desolate "( 187). Questa bellezza speciale affascinò Dobuzhinsky, che era sotto l'influenza dell'Art Nouveau di Monaco (Stuck, Böcklin), e determinò in gran parte il suo volto artistico nel mondo dell'arte, dove fu presto introdotto da I. Grabar. “Ho fissato intensamente i tratti grafici di San Pietroburgo, ho scrutato la muratura in mattoni delle pareti nude e non intonacate e il loro motivo a “tappeto”, che a sua volta si forma nelle irregolarità e nelle macchie dell'intonaco” (188). È affascinato dalla legatura degli innumerevoli reticoli di San Pietroburgo, dalle maschere antiche degli edifici dell'Impero, dai contrasti di case in pietra e angoli accoglienti con case rustiche in legno, è deliziato da insegne ingenue, chiatte a strisce panciute sulla Fontanka e gente eterogenea su Nevsky.
Comincia a capire chiaramente che "Pietroburgo con tutto il suo aspetto, con tutti i contrasti del tragico, curioso, maestoso e accogliente è davvero l'unica e fantastica città del mondo" (188). E prima ancora, aveva già avuto l'opportunità di viaggiare in Europa, vedere Parigi e alcune città in Italia e Germania. E nell'anno in cui entrò a far parte del circolo del Mondo dell'Arte (1902), sentì che era proprio questa bellezza della città “appena acquisita” “con la sua poesia languida e amara” che nessuno aveva ancora espresso nell'arte, e ha diretto i suoi sforzi creativi a questa incarnazione. “Certo”, ammette, “sono stato abbracciato, come tutta la mia generazione, dalle tendenze del simbolismo, ed è naturale che mi fosse vicino un senso di mistero, che, a quanto pare, era pieno di Pietroburgo, mentre io ora l'ho visto” (188). Attraverso la "volgarità e l'oscurità della vita quotidiana di Pietroburgo" sentiva costantemente "qualcosa di terribilmente serio e significativo che si nascondeva nella parte più deprimente" della "sua" Pietroburgo, e nella "melma appiccicosa autunnale e nella pioggia opaca di Pietroburgo che aveva caricato per molti giorni” gli sembrava che “gli incubi pietroburghesi e i “demoni meschini” strisciassero fuori da ogni fessura” (189). E questa poesia di Peter ha attratto Dobuzhinsky, anche se allo stesso tempo lo ha spaventato.
Descrive poeticamente il “terribile muro” che si stagliava davanti alle finestre del suo appartamento: “un muro spento, dai colori selvaggi, anche nero, il più triste e tragico che si possa immaginare, con chiazze umide, scrostate e con solo un piccola finestra cieca. Lo attraeva irresistibilmente e lo opprimeva, evocando ricordi dei cupi mondi di Dostoevskij. E ha superato queste deprimenti impressioni dal terribile muro, come racconta lui stesso, raffigurandolo con “tutte le sue crepe e privazioni, ... già ammirandolo” - “l'artista ha vinto in me” (190). Dobuzhinsky considerava questo pastello il primo "vero lavoro creativo", e molte delle sue opere, sia nella grafica che nell'arte teatrale e decorativa, sono permeate del suo spirito. Successivamente, lui stesso si è chiesto perché proprio da questo "lato sbagliato" di San Pietroburgo abbia iniziato la sua grande opera, sebbene fin dall'infanzia fosse attratto anche dalla bellezza cerimoniale della capitale Pietro.
Tuttavia, se ricordiamo l'opera di Dobuzhinsky, vedremo che fu lo spirito romantico (o neoromantico) delle città antiche (soprattutto San Pietroburgo e Vilna, a lui vicine negli anni del ginnasio) ad attrarlo magneticamente con i suoi segreti simbolici. A Vilna, di cui si innamorò fin dall'adolescenza e che considerava la sua seconda città natale insieme a San Pietroburgo, fu attratto soprattutto come artista dal vecchio "ghetto" "con le sue strade strette e tortuose, attraversate da archi, e con multi -case colorate" (195), dove ha realizzato molti schizzi e incisioni bellissime, molto delicate e altamente artistiche basate su di essi. Sì, questo è comprensibile se guardiamo alle predilezioni estetiche del giovane Dobuzhinsky. Questa non è la luce chiara e diretta e la bellezza armoniosa della "Madonna Sistina" di Raffaello (non lo impressionò a Dresda), ma il misterioso crepuscolo della "Madonna nella roccia" e del "Giovanni Battista" di Leonardo (169). E poi ci sono i primi italiani, la pittura senese, i mosaici bizantini di San Marco e Tintoretto a Venezia, Segantini e Zorn, Böcklin e Stuck, i preraffaelliti, gli impressionisti a Parigi, soprattutto Degas (che divenne per lui per sempre uno dei "dei"), l'incisione giapponese e, infine, il mondo dell'arte, la cui prima mostra vide e studiò attentamente ancor prima di incontrarli personalmente nel 1898, fu deliziato dalla loro arte. Soprattutto, come ammette, è stato "affascinato" dall'arte di Somov, che lo ha colpito per la sua sottigliezza, con il quale, entrato pochi anni dopo nella cerchia dei suoi idoli, ha stretto amicizia. La sfera degli interessi estetici del giovane Dobuzhinsky testimonia chiaramente l'orientamento artistico del suo spirito. Lei, come vediamo chiaramente nelle sue Memorie,
coincise completamente con l'orientamento simbolista-romantico e raffinato-estetico del principale Mondo delle Arti, che lo riconobbe subito come uno di loro.
Dobuzhinsky ha ricevuto informazioni di base sul "Mondo dell'arte" da Igor Grabar, con il quale è diventato amico intimo a Monaco durante il suo apprendistato con insegnanti tedeschi e che è stato uno dei primi a vedere in lui un vero artista e ha aiutato correttamente il suo sviluppo artistico, ha dato orientamenti chiari nel campo dell'educazione artistica . Ad esempio, ha compilato un programma dettagliato di cosa vedere a Parigi prima del primo breve viaggio di Dobuzhinsky lì, e in seguito lo ha introdotto nel circolo del mondo dell'arte. Dobuzhinsky ha portato gratitudine a Grabar per tutta la vita. In generale, era uno studente riconoscente e un collega simpatico e benevolo e amico di molti artisti a lui vicini nello spirito. È completamente estraneo allo spirito di scetticismo o snobismo, caratteristico di Somov, nei confronti dei suoi colleghi.
Dobuzhinsky ha fornito descrizioni brevi, benevole e mirate di quasi tutti i partecipanti all'associazione, e in una certa misura ci permettono di avere un'idea della natura dell'atmosfera artistica ed estetica di questa interessante direzione nella cultura dell'Argento Età, e della coscienza estetica dello stesso Do-buzhinsky, perché . ha preso la maggior parte degli appunti sui suoi amici attraverso il prisma del suo lavoro.
A. Benois lo ha "punzecchiato" nei suoi anni da studente, quando i suoi disegni "romantici" sono stati esposti alla prima mostra del World of Art, uno dei quali aveva una grande somiglianza con i motivi preferiti di Dobuzhinsky: il barocco di Vilna. Quindi Benois influenzò notevolmente la formazione dello stile grafico del giovane Dobuzhinsky, rafforzandolo nella correttezza dell'angolo di visione scelto del paesaggio urbano. Poi sono stati uniti dall'amore per il collezionismo, in particolare le vecchie incisioni, e il culto dei loro antenati, e la brama per il teatro, e il sostegno che Benois ha subito fornito al giovane artista.
Dobuzhinsky si avvicinò particolarmente a Somov, che si rivelò in sintonia con lui per la sorprendente sottigliezza della grafica, la "poesia triste e tagliente", che non fu subito apprezzata dai suoi contemporanei. Dobuzhinsky era innamorato della sua arte fin dal primo incontro, gli sembrava preziosa e ha fortemente influenzato lo sviluppo del proprio lavoro, ammette. “Questo può sembrare strano, poiché i suoi temi non sono mai stati i miei temi, ma la stupefacente osservazione del suo occhio e allo stesso tempo la “miniaturità”, e in altri casi la libertà e l'abilità della sua pittura, dove non c'era nulla
un pezzo che non è stato realizzato con sentimento - mi ha affascinato. E, soprattutto, la straordinaria intimità del suo lavoro, il mistero delle sue immagini, il suo senso dell'umorismo triste e la sua storia d'amore allora "Hoffmanniana" mi hanno profondamente turbato e hanno aperto uno strano mondo vicino ai miei vaghi stati d'animo ”(210). Dobuzhinsky e Somov sono diventati molto intimi e spesso si sono mostrati reciprocamente il loro lavoro in una fase molto precoce per ascoltare i reciproci consigli e commenti. Tuttavia, Dobuzhinsky, ammette, era spesso così colpito dagli schizzi di Somov con la loro "poesia languida" e un "aroma" inesprimibile che non riusciva a trovare le parole per dire nulla al riguardo.
Era anche vicino a Leon Bakst, un tempo insegnava anche con lui alla scuola d'arte di EN Zvantseva, tra i cui studenti c'era allora Marc Chagall. Amava Bakst come persona e lo apprezzava per la grafica dei suoi libri, ma soprattutto per l'arte teatrale, a cui ha dedicato tutta la sua vita. Dobuzhinsky ha definito le sue opere grafiche "sorprendentemente decorative", piene di "speciale poesia enigmatica" (296). Ha attribuito grande merito a Bakst sia nel trionfo delle "stagioni russe" di Diaghilev, sia in generale nello sviluppo dell'arte teatrale e decorativa in Occidente. "La sua" Scheherazade "ha fatto impazzire Parigi, e da qui inizia la fama europea e poi mondiale di Bakst". Nonostante la ribollente vita artistica a Parigi, è stato Bakst, secondo Dobuzhinsky, che per lungo tempo "è rimasto uno degli irremovibili trendsetter del 'gusto'". Le sue produzioni provocarono infinite imitazioni nei teatri, le sue idee variarono all'infinito, portate al punto di assurdità, il suo nome a Parigi "cominciò a suonare come il più parigino dei nomi parigini" (295). Per il mondo delle arti con il loro cosmopolitismo, questa valutazione suonava come un elogio speciale.
Sullo sfondo dell'“europeismo” pietroburghese dei principali artisti mondiali, insieme a Roerich, si distinse soprattutto Ivan Bilibin per il suo russofilismo estetico, che portava una barba russa à la moujik e si limitava solo a temi russi espressi da uno speciale squisita tecnica calligrafica e sottili stilizzazioni per l'arte popolare. Nella cerchia del mondo delle arti, era una figura di spicco e socievole. N. Roerich, al contrario, secondo le memorie di Dobuzhinsky, sebbene partecipasse regolarmente alle mostre del World of Art, non si avvicinò ai suoi partecipanti. Forse per questo “la sua grande abilità ei colori molto belli sembravano troppo “prudenti”, enfaticamente spettacolari, ma molto decorativi.<...>Roerich era un "mistero" per tutti, molti dubitavano persino che il suo lavoro fosse sincero o solo inverosimile, e la sua vita personale era nascosta a tutti"(205).
Valentin Serov era il rappresentante di Mosca nel "Mondo dell'arte" ed era venerato da tutti i suoi partecipanti per il suo talento eccezionale, la straordinaria diligenza, l'innovazione nella pittura e la costante ricerca artistica. Se gli Erranti e gli Accademici del mondo dell'arte si collocavano tra i sostenitori dello storicismo, allora si consideravano aderenti allo "stile". A questo proposito, Dobuzhinsky ha visto entrambe le tendenze in Serov. Particolarmente vicino nello spirito al "Mondo dell'arte" era il defunto Serov "Peter", "Ida Rubinstein", "Europa", e Dobuzhinsky vide in questo l'inizio di una nuova fase, che, ahimè, "non dovette aspettare " (203).
Dobuzhinsky ha fatto brevi appunti, puramente personali, anche se spesso molto accurati, su quasi tutto il mondo dell'arte e sugli artisti e scrittori che gli sono stati vicini. Con buoni sentimenti, ricorda Vrubel, Ostroumova, Borisov-Musatov (pittura bella, innovativa, poetica), Kustodiev, Chyurlionis. In quest'ultimo, il mondo delle arti è stato attratto dalla sua capacità di "guardare nell'infinito dello spazio, nella profondità dei secoli", "soddisfatto della sua rara sincerità, un vero sogno, un profondo contenuto spirituale". Le sue opere, "apparendo come da sole, con la loro grazia e leggerezza, colori e composizione sorprendenti, ci sembravano una sorta di gioielli sconosciuti" (303).
Tra gli scrittori, Dobuzhinsky era particolarmente attratto da D. Merezhkovsky, V. Rozanov, Vyach.Ivanov (era un assiduo frequentatore della sua famosa Torre), F. Sologub, A. Blok, A. Remizov, i.e. autori che hanno collaborato con il "Mondo dell'Arte" oa lui vicini nello spirito, soprattutto i simbolisti. In Rozanov fu colpito da una mente insolita e da scritti originali pieni dei "paradossi più arditi e terribili" (204). Nella poesia di Sologub, Dobuzhinsky ammirava "l'ironia salvifica", e Remizov gli sembrava in alcune cose "un vero surrealista anche prima del surrealismo" (277). Ivanov era lusingato dal fatto che "mostrava un rispetto particolarmente attento per l'artista in quanto detentore di qualche suo segreto, i cui giudizi sono preziosi e significativi" (272).
Con un sentimento d'amore speciale, quasi intimo, Dobuzhinsky descrive l'atmosfera che regnava nell'associazione del World of Arts. L'anima di tutto era Benoit, e il centro informale era la sua casa accogliente, in cui tutti si riunivano spesso e regolarmente. Lì venivano preparati anche i numeri della rivista. Inoltre, si incontravano spesso a Lansere, Ostroumova, Dobuzhinsky in affollati tea party serali. Dobuzhinsky sottolinea che l'atmosfera nel mondo dell'arte era familiare, non bohémien. In questa "eccezionale atmosfera di vita intima" e l'arte era "un'amichevole causa comune". Molto è stato fatto
insieme al costante aiuto e sostegno reciproco. Dobuzhinsky scrive con orgoglio che il loro lavoro era estremamente disinteressato, indipendente, libero da qualsiasi tendenza o idea. L'opinione di persone affini era l'unica preziosa; gli stessi membri della comunità. Lo stimolo più importante per l'attività creativa era la sensazione di essere "pionieri", scopritori di nuove aree e sfere nell'arte. "Ora, guardando indietro e ricordando l'allora produttività creativa senza precedenti e tutto ciò che ha cominciato a essere creato intorno", ha scritto in età adulta, "abbiamo il diritto di chiamare questo tempo davvero il nostro "Rinascimento"" (216); “è stato un rinnovamento della nostra cultura artistica, si potrebbe dire il suo revival” (221).
L'innovazione e il "revival" della cultura e dell'arte sono stati intesi nel senso di spostare l'enfasi nell'arte da tutto ciò che è secondario al suo lato artistico senza abbandonare la rappresentazione della realtà visibile. “Amavamo troppo il mondo e la bellezza delle cose”, ha scritto Dobuzhinsky, “e allora non c'era bisogno di distorcere deliberatamente la realtà. Quel tempo era lontano da qualsiasi "ismo" venuto (a noi) da Cézanne, Matisse e Van Gogh. Eravamo ingenui e puri, e forse questo era il merito della nostra arte" (317). Oggi, un secolo dopo quegli eventi più interessanti, con una certa tristezza e nostalgia possiamo gentilmente invidiare questa ingenuità e purezza altamente artistiche e rimpiangere che tutto questo sia lontano nel passato.
E il processo di grande attenzione alle specificità estetiche dell'arte è iniziato anche tra i precursori del mondo dell'arte, alcuni dei quali hanno successivamente collaborato attivamente con il mondo dell'arte, sentendo che stava continuando il lavoro che avevano iniziato. Tra questi precursori-partecipanti, è necessario prima di tutto nominare i nomi dei più grandi artisti russi Michail Vrubel (1856-1910) e Konstantin Korovin (1861-1939).
Loro, così come i diretti fondatori del Mondo dell'Arte, erano disgustati da ogni tendenziosità dell'arte, che va a scapito dei mezzi puramente artistici, a scapito della forma e della bellezza. A proposito di una delle mostre dei Wanderers Vrubel lamenta che la stragrande maggioranza degli artisti si preoccupa solo dell'argomento del giorno, di argomenti che interessano il pubblico, e "la forma, il contenuto principale della plasticità, è nella penna" (59). Contrariamente a molte estetiche professionali del suo tempo e di quelle moderne, che portano infinite discussioni su forma e contenuto nell'arte, un vero artista che vive l'arte sente bene che la forma è
questo è il vero contenuto dell'arte, e tutto il resto non è direttamente correlato all'arte vera e propria. Questo principio estetico più importante dell'arte, tra l'altro, univa artisti, in generale, diversi come Vrubel, Korovin, Serov, con il mondo dell'arte vero e proprio.
La vera forma d'arte si ottiene, secondo Vrubel, quando l'artista conduce "conversazioni amorose con la natura", è innamorato dell'oggetto raffigurato. Solo allora nasce un'opera che dona all'anima un “piacere speciale”, che è caratteristico della percezione di un'opera d'arte e la distingue da un foglio stampato, che descrive gli stessi eventi del quadro. L'insegnante principale della forma d'arte è la forma creata dalla natura. Lei “sta a capo della bellezza” e senza alcun “codice dell'estetica internazionale” ci è cara perché “è portatrice di un'anima che si aprirà solo a te e ti dirà la tua” (99-100). La natura, mostrando la sua anima nella bellezza della forma, ci rivela così la nostra anima. Pertanto, Vrubel vede la vera creatività non solo nel padroneggiare il mestiere tecnico dell'artista, ma, soprattutto, in un profondo sentimento diretto del soggetto dell'immagine: sentire profondamente significa “dimenticare di essere un artista ed essere contento che tu sei, prima di tutto, una persona” (99).
Tuttavia, la capacità di "sentire profondamente" nei giovani artisti è spesso sconfitta dalla "scuola", esercitandoli su intonaci e modelli nell'elaborazione di dettagli tecnici e incidendo in essi ogni sorta di ricordo di una percezione estetica diretta del mondo. Vrubel, d'altra parte, è convinto che insieme alla padronanza della tecnica, l'artista debba conservare uno "sguardo ingenuo e individuale", perché contiene "tutta la forza e la fonte dei piaceri dell'artista" (64). Vrubel è arrivato a questo sulla sua esperienza. Descrive, ad esempio, come ha rifatto lo stesso posto decine di volte al suo lavoro, “e ora, circa una settimana fa, è uscito il primo pezzo vivente, che mi ha deliziato; Guardo la sua attenzione e si scopre che è solo un ingenuo trasferimento delle impressioni viventi più dettagliate della natura ”(65). Ripete praticamente la stessa cosa e spiega con le stesse parole che fecero i primi impressionisti a Parigi una dozzina di anni fa, ammirando anche l'impressione diretta della natura, trasmessa sulla tela, con la cui arte Vrubel, a quanto pare, non conosceva ancora. A quel tempo era più interessato a Venezia e ai vecchi veneziani Bellini, Tintoretto, Veronese. Anche l'arte bizantina gli sembrava nativa: “Ero a Torcello, il mio cuore si agitava di gioia - cara, com'è, Bisanzio” (96).
Già questo intimo riconoscimento dell'arte bizantina "nativa" vale molto, testimonia una profonda comprensione dell'essenza della vera arte. Con tutta e per tutta la sua vita la sua dolorosa ricerca di "puramente ed elegantemente bello nell'arte" (80), Vrubel ha capito bene che questa bellezza è un'espressione artistica di qualcosa di profondo, espresso solo con questi mezzi. La sua ricerca a lungo termine della forma si riduceva a questo, sia quando dipingeva il famoso cespuglio di lillà (109), sia quando lavorava su soggetti cristiani per le chiese di Kiev - il ripensamento artistico dell'autore dello stile bizantino e antico russo dell'arte del tempio, e quando lavorando sul tema del Demone, per lui eterno, e in effetti quando dipinge qualsiasi quadro. E li ha collegati con le specificità puramente russe del pensiero artistico. “Ora sono tornato ad Abramtsevo e ancora una volta mi colpisce, no, non mi colpisce, ma sento quell'intima nota nazionale che voglio così cogliere sulla tela e nell'ornamento. Questa è la musica di una persona intera, non sezionata dalle distrazioni dell'ordinato, differenziato e pallido Occidente” (79).
E la musica di questo "uomo intero" può essere trasmessa solo con mezzi puramente pittorici, quindi cerca costantemente e dolorosamente il "pittoresco" in ciascuna delle sue opere, lo nota nella natura. Sì, infatti, solo una tale natura attira la sua attenzione. Nel 1883, in una lettera di Peterhof ai suoi genitori, descrisse dettagliatamente i dipinti su cui si lavorava e si progettava, e tutta la sua attenzione era rivolta esclusivamente al loro lato pittoresco, alla pittura pura. "Invece della musica" la sera, va a vedere da vicino la "vita molto pittoresca" dei pescatori locali. “Mi piaceva un vecchio tra loro: una faccia scura come una monetina di rame, con capelli grigio sporco sbiaditi e una barba arruffata di feltro; una felpa fumosa, catramata, bianca a righe marroni, fascia stranamente la sua vecchia vita con scapole sporgenti, stivali mostruosi ai piedi; la sua barca, asciutta dentro e sopra, ricorda nelle ombre l'osso stagionato; dalla chiglia, bagnata, scura, verde vellutata, goffamente arcuata - esattamente il dorso di un pesce marino. Una bella barca - con macchie di legno fresco, lucentezza setosa al sole, che ricorda la superficie delle cannucce di Kuchkur. Aggiungete ad esso le tinte lilla, blu-bluastre del rigonfiamento serale, tagliate dalle curve stravaganti della sagoma blu, verde-rossastra del riflesso, e questo è il quadro che intendo dipingere ”(92-93).
Il "quadro" è così succoso e descritto in modo pittoresco che possiamo quasi vederlo con i nostri occhi. Vicino a questo, descrive alcune delle sue altre opere e nuove idee. Allo stesso tempo, non dimenticare di enfatizzarli.
carattere pittoresco, sfumature pittoresche del tipo: “Questo è uno studio per sfumature sottili: argento, gesso, calce, colorazione e tappezzeria dei mobili, un vestito (blu) - una gamma delicata e sottile; poi il corpo dall'accordo caldo e profondo si traduce in una variegatura di fiori e tutto è ricoperto dalla potenza tagliente del velluto azzurro del cappello ”(92). Da ciò è chiaro che nelle rumorose riunioni della gioventù moderna, dove si discutono questioni sullo scopo e sul significato delle arti plastiche e si leggono i trattati estetici di Proudhon e Lessing, Vrubel è l'unico e coerente difensore della tesi "l'arte per l'arte», e gli si oppone «la massa dei difensori dell'utilizzazione dell'arte» (90). La stessa posizione estetica lo ha portato al "Mondo dell'Arte", dove è stato subito riconosciuto come un'autorità e lui stesso si è sentito partecipe a pieno titolo di questo movimento di difensori dell'arte nell'arte. "Noi, il mondo dell'arte", dichiara Vrubel non senza orgoglio, "vogliamo trovare il vero pane per la società" (102). E questo pane è una buona arte realistica, dove, con l'aiuto di mezzi puramente pittorici, non vengono creati documenti ufficiali della realtà visibile, ma opere poetiche che esprimono gli stati più profondi dell'anima ("illusione l'anima"), risvegliandola "da le piccole cose della vita quotidiana con immagini maestose” (113) offrendo piacere spirituale allo spettatore.
K. Korovin, che ha accettato il programma del World of Arts e ha partecipato attivamente alle loro mostre, ha studiato la visione estetico-romantica della natura e dell'arte dall'eccellente paesaggista A.K. Savrasov. Ha memorizzato molte delle affermazioni estetiche dell'insegnante e le ha seguite nella sua vita e nel suo lavoro. "La cosa principale", scrisse Korovin le parole di Savrasov ai suoi studenti, tra i quali lui e Levitan erano in prima linea, "è la contemplazione - un senso del motivo della natura. L'arte e i paesaggi non servono se non c'è sentimento”. “Se non c'è amore per la natura, allora non c'è bisogno di essere un artista, non c'è bisogno.<...>Abbiamo bisogno di romanticismo. Motivo. Il romanticismo è immortale. L'umore è necessario. La natura respira sempre. Canta sempre e la sua canzone è solenne. Non c'è piacere più grande della contemplazione della natura. La terra è il paradiso e la vita è un mistero, un bel mistero. Sì, un segreto. Festeggia la vita. L'artista è lo stesso poeta ”(144, 146).
Queste e simili parole dell'insegnante erano molto vicine allo spirito dello stesso Korovin, che conservava il pathos romantico ed estetico di Savrasov, ma nell'esprimere la bellezza della natura andava molto oltre il suo insegnante nel trovare le ultime tecniche artistiche e nell'usare i moderni reperti pittorici , in particolare impressionista. In termini teorici, non fa alcuna scoperta, ma semplicemente, e talvolta anche in modo abbastanza primitivo
esprime la sua posizione estetica, simile alla posizione del mondo delle arti e in netta contraddizione con l '"estetica della vita" che dominava il suo tempo, gli Erranti e l'estetica e i critici d'arte democraticamente orientati (come Pisarev, Stasov, ecc.), che sia lui e Vrubel, e tutto il mondo delle arti dopo le prime mostre del 1898 furono registrate alla rinfusa come decadenti.
Korovin scrive che fin dall'infanzia ha sentito qualcosa di fantastico, misterioso e bello nella natura, e per tutta la vita non si è stancato di godersi questa misteriosa bellezza della natura. "Quante belle serate, tramonti, quanti stati d'animo nella natura, le sue impressioni", ripete quasi parola per parola le lezioni di Savrasov. - Questa gioia è come la musica, la percezione dell'anima. Che tristezza poetica" (147). E nella sua arte, ha cercato di esprimere, incarnare la bellezza della natura percepita direttamente, l'impressione dell'umore vissuto. Allo stesso tempo, era profondamente convinto che "l'arte della pittura ha un obiettivo: l'ammirazione della bellezza" (163). Ha emesso questa massima allo stesso Polenov quando gli ha chiesto di parlare della sua grande tela Cristo e il peccatore. Per decenza, Korovin ha elogiato il quadro, ma è rimasto freddo nei confronti dell'argomento, poiché si sentiva freddo negli stessi mezzi pittorici del maestro. Allo stesso tempo, ha effettivamente seguito il concetto dello stesso Polenov, che, come scrisse una volta Korovin, è stato il primo a parlare ai suoi studenti “della pura pittura, Comeè scritto ... sulla varietà dei colori ”(167). Questo Come ed è diventato la cosa principale per Korovin in tutto il suo lavoro.
“Sentire la bellezza della pittura, della luce: questo è ciò che l'arte si esprime un po ', ma è veramente vero prendere, godere liberamente della relazione dei toni. I toni, i toni sono più veritieri e sobri, sono il contenuto" (221). Segui i principi degli impressionisti nel tuo lavoro. Cercare una trama per tono, toni, relazioni cromatiche: il contenuto dell'immagine. È chiaro che tali affermazioni e ricerche sono state estremamente rivoluzionarie sia per gli accademici della pittura russi che per i Wanderers degli anni '90. 19esimo secolo Solo i giovani del mondo dell'arte potevano capirli, sebbene loro stessi non avessero ancora raggiunto il coraggio di Korovin e degli impressionisti, ma li trattavano con riverenza. Con tutto questo entusiasmo per le ricerche nel campo dell'espressività puramente artistica, Korovin aveva un buon senso del significato estetico generale dell'arte nella sua retrospettiva storica. "Solo l'arte fa di un uomo un uomo", è l'intuizione di un artista russo, che sale alle vette dell'estetica classica tedesca, all'estetica dei più grandi romantici. E anche qui una polemica con positivisti e materialisti, inaspettata per Korovin: “Non è vero, il cristianesimo
non ha privato una persona di un senso estetico. Cristo ha comandato di vivere e di non seppellire il talento. Il mondo pagano era pieno di creatività, sotto il cristianesimo, forse il doppio» (221).
In effetti, Korovin, a modo suo, cerca nell'arte la stessa cosa di tutto il mondo dell'arte: l'arte, la qualità estetica dell'arte. Se esiste, accetta qualsiasi arte: sia pagana che cristiana, sia antica che nuova, la più moderna (impressionismo, neoimpressionismo, cubismo). Se solo avesse influito sulla "percezione estetica", consegnato "piacere spirituale" (458). Pertanto, il suo particolare interesse per la decoratività della pittura come proprietà puramente estetica. Scrive molto sulle qualità decorative dello scenario teatrale, su cui ha lavorato costantemente. E ha visto l'obiettivo principale dello scenario in quanto partecipano organicamente a un unico ensemble: azione drammatica - musica - scenario. A questo proposito, ha scritto con particolare ammirazione della produzione di successo dello zar Saltan di Rimsky-Korsakov, in cui i geni di Pushkin e del compositore si sono fusi con successo in un'unica azione basata sullo scenario dello stesso Korovin (393).
In generale, Korovin ha cercato, mentre scrive, nei suoi scenari, in modo che trasmettano all'occhio del pubblico lo stesso piacere della musica all'orecchio. "Volevo che l'occhio dello spettatore godesse esteticamente così come l'orecchio dell'anima alla musica" (461). Pertanto, in primo piano nel suo lavoro, lo ha sempre fatto Come da cui deriva qualcosa artista, no Che cosa, che dovrebbe essere una conseguenza Come. Ne scrive ripetutamente nelle sue bozze di note e lettere. In cui Come non è qualcosa di inverosimile, artificialmente torturato dall'artista. No, secondo Korovin, è una conseguenza della sua ricerca organica del “linguaggio della bellezza”, inoltre, la ricerca di uno libero, organico - “le forme d'arte sono buone solo quando provengono dall'amore, dalla libertà, dalla facilità in se stessi» (290). E vera è qualsiasi arte in cui esiste un'espressione così involontaria, ma unita a una ricerca sincera, della bellezza in una forma originale.
Sotto tutti questi e simili giudizi di Korovin, quasi tutti i membri del World of Arts potevano iscriversi. La ricerca della qualità estetica dell'arte, la capacità di esprimerla in una forma adeguata era il compito principale di questa comunità, e quasi tutti i suoi membri sono riusciti a risolverlo a modo loro nel loro lavoro, a creare, anche se non brillanti (ad eccezione di alcuni eccezionali dipinti di Vrubel), ma opere d'arte originali di valore artistico che hanno preso il loro giusto posto nella storia dell'arte.
Appunti
Vedi almeno monografie: Benois A.N. L'emergere del "mondo dell'arte". L., 1928; Etkind M. Alexander Nikolaevich Benois. L.-M., 1965; Gusarova A.P. "Il mondo dell'arte". L., 1972; Lapshina N.P. "Il mondo dell'arte". Saggi di storia e pratica creativa. M., 1977; Pruzhan I. Konstantin Somov. M., 1972; Zhuravleva E.V. K.A.Somov. M., 1980; Golynets S.V. LS Bakst. L., 1981; Pozarskaya m.n. Arte teatrale e decorativa russa della fine del XIX - inizio del XX secolo. M., 1970, ecc.
Un ruolo importante nella cultura russa a cavallo tra il XIX e il XX secolo è stato svolto dall'associazione artistica "World of Art", che ha avuto un enorme impatto sullo sviluppo del simbolismo e della modernità russi.
La nascita e le fasi dell'esistenza dell'associazione
La storia dell'emergere del "Mondo dell'Arte" iniziò nel 1887 con la formazione di un gruppo di studenti della scuola Karl May "Neva Pickwickians", che comprendeva A. Benois, K. Somov, V. Nouvel, D. Philosophers .
Lo scopo del circolo è studiare la storia delle belle arti e della musica. Successivamente, S. Diaghilev e L. Bakst si unirono a questo circolo. Il circolo sotto la guida di Diaghilev nel 1898 era cresciuto e si era trasformato nell'associazione creativa "World of Art".
A. Benois, autoritratto
A questo hanno contribuito due eventi:
1. Il primo numero della rivista "World of Art", i cui editori erano la principessa M.K. Tenisheva e S.I. mammut;
2. Una mostra di artisti russi e finlandesi, in cui, oltre ai membri del circolo, S.V. Malyutin, I.I. Levitan, AM Vasnetsov, V.A. Serov e altri.
Nel 1900 viene formalizzata l'associazione, redatto uno statuto ed eletto un comitato amministrativo.
Nel 1902, l'articolo "Forme d'arte" fu pubblicato nel ventesimo numero della rivista "World of Art", da quel momento molti poeti simbolisti pubblicarono le loro opere sulle sue pagine.
Nel 1904 sorsero disaccordi tra artisti e poeti, la rivista World of Art cessò di essere pubblicata e l'associazione si sciolse. Nel 1906 organizzò una mostra d'addio prima di emigrare a Parigi con lo stesso titolo. A Parigi, dal 1909 al 1914, organizza anche le Stagioni Russe. Dal 1910 l'associazione è stata ripresa sotto la guida di Benois, ma funge da organizzazione espositiva; dal 1917 alcuni membri dell'associazione si sono dedicati al restauro e alle attività museali. Negli anni '20, il mondo dell'arte cessò finalmente di esistere.
Miriskusniki - membri dell'associazione artistica
I principali ideologi di questa associazione artistica erano A. Benois e S. Diaghilev.
Dal 1904 al 1910, molti membri dell'associazione erano membri dell'Unione degli artisti russi. Il nucleo principale del "World of Art" comprendeva E. Lansere, K. Somov, L. Bakst, M. Dobuzhinsky. Successivamente, furono raggiunti dai membri del circolo Abramavtsev V. Serov, M. Nesterov, i fratelli Vasnetsov, M. Vrubel e altri Nel 1906, giovani artisti si unirono all'associazione: M. Saryan, M. Larionov e N. Feofilaktov.
Diaghilev ha prestato grande attenzione alla rivista "World of Art", vi ha pubblicato articoli critici, ha scritto sui problemi dello scambio culturale internazionale. Inoltre, Diaghilev è stato attivamente impegnato in attività organizzative, organizzato mostre di artisti russi contemporanei, pittori dell'Europa occidentale, ecc.
Viste estetiche del "Mondo dell'Arte"
L'associazione World of Art si batteva per alti valori spirituali e artistici e si opponeva alle visioni artistiche contemporanee del vagabondaggio e dell'accademismo. Nelle belle arti, il mondo delle arti coltivato anche "dilettantismo culturale", poiché personificava anche una forma di libertà di creatività, non vincolata da alcun canone.
L'ideale dell'arte "pura" è stato combinato nel mondo delle arti con l'idea che la creatività artistica è progettata per cambiare esteticamente la realtà circostante. La maggior parte dei membri dell'associazione ha tratto ispirazione dalle conquiste artistiche del passato. - ha ricevuto un'incarnazione peculiare nelle loro opere. Epoche diverse hanno attratto gli artisti non per le loro caratteristiche storiche o svolte di sviluppo, ma solo per l'estetica, lo stile e l'atmosfera. Gli artisti del "Mir" in tali tele si sono battuti per il gioco, la fantasia, la teatralizzazione. Un'altra caratteristica importante del mondo dell'arte era l'ironia e l'autoironia.
Il primo "World of Art", incentrato su gruppi dell'Europa occidentale, artisti e scrittori uniti basati sulle idee di modernità, neo-romanticismo, ecc. L'obiettivo principale della creatività nella comprensione dei partecipanti al "Mondo dell'arte" è la bellezza nella comprensione soggettiva dell'artista. Poco dopo, i pittori iniziarono a concentrarsi maggiormente sui motivi del passato nazionale della Rus' pre-petrina. Di conseguenza, l'associazione è stata divisa in due gruppi di artisti: San Pietroburgo (orientata all'Occidente) e Mosca (orientata al passato nazionale). Ma, nonostante tutte le differenze, questa associazione artistica li collegava tutti per opporsi all'arte accademica ufficiale e al successivo naturalismo.
Nella seconda metà del XIX secolo, l'arte veniva talvolta creata da dilettanti che non avevano un'educazione artistica professionale, cercavano di stabilire una nuova direzione nei problemi delle belle arti e in materia di cultura.
Le attività e il significato dell'associazione "World of Art"
Le mostre organizzate dal "Mondo dell'Arte" si sono svolte con grande successo. Nel 1899, Diaghilev organizzò una mostra internazionale in cui furono esposte le opere di Böcklin, Whistler, Monet, Degas, Moreau, Puvis de Chavant e altri.Nel periodo dal 1899 al 1903 si tennero cinque di queste grandi mostre.
Miriskusniki ha pubblicato una rivista con lo stesso nome, in cui sono stati pubblicati molti filosofi, pensatori religiosi e poeti. La rivista è stata magnificamente illustrata da artisti di questa direzione.
Uno degli aspetti importanti delle attività dei partecipanti al "Mondo dell'arte" è stato quello di suscitare interesse per le creazioni artistiche del passato nazionale, a questo proposito hanno pubblicato le raccolte "Tesori artistici della Russia", ecc. Membri di la comunità ha aperto a una vasta gamma di intellighenzia russa interi periodi della storia dell'arte - movimenti, artisti scultori secoli XVIII-XIX. Le pubblicazioni sulla rivista riguardavano anche artisti contemporanei, sono stati pubblicati articoli sui grandi personaggi della cultura mondiale.
La creatività dei partecipanti al Mir era poliedrica, erano impegnati nella pittura, nelle arti e nei mestieri, nel design di produzioni teatrali, ma la maggior parte del loro patrimonio sono opere grafiche.
La massima fioritura dell'attività teatrale e scenografica è stata la progettazione degli spettacoli di "Stagioni russe" a Parigi. Nella pittura dominava il paesaggio urbano, il ritratto e il genere storico. Nella grafica, un risultato speciale è stata la comparsa dell'illustrazione del libro. Alcuni dei partecipanti durante la rivoluzione del 1905-1907. agito come maestri della satira politica.
Una caratteristica delle opere di molti artisti di World of Art era il decorativismo, la linearità e una combinazione di toni opachi.
L'associazione "Mir Iskusstva" era strettamente associata alle "Serate di musica contemporanea", il cui scopo era l'esecuzione e la promozione della musica dell'Europa occidentale del XIX-XX secolo.
I membri dell'associazione "World of Art" hanno spesso preso parte a vari salotti serali. I più famosi nella cultura russa dell'età dell'argento erano "Ambienti Ivanovo", le collezioni "Sulla torre" di Vyacheslav Ivanov, "Domenica", i salotti di Sologub e
L'unificazione ha lasciato un segno profondo nella storia dell'arte russa, principalmente per il fatto che le persone di questo circolo hanno prestato attenzione in modo nuovo ai problemi della forma artistica e del linguaggio pittorico.
Il contributo del mondo dell'arte alla storia è inestimabile. Non si tratta solo di pittura, grafica, poesia e prosa, ma di opere scientifiche sulla storia dell'arte e della cultura dell'età dell'argento
Ti è piaciuto? Non nascondere la tua gioia al mondo: condividiAlla fine del XIX secolo, la vita artistica in Russia era molto vivace. La società ha mostrato un crescente interesse per numerose mostre d'arte e aste, per articoli e periodici dedicati alle belle arti. Non solo Mosca e San Pietroburgo, ma anche molti giornali e riviste provinciali avevano corrispondenti intestazioni permanenti. Sorsero vari tipi di associazioni artistiche, ponendosi vari compiti, ma principalmente di natura educativa, che fu influenzata dalle tradizioni degli Erranti.
In queste condizioni, l'idea di Diaghilev di unire le giovani forze artistiche di San Pietroburgo e Mosca, la cui esigenza era da tempo sentita nell'arte russa, fu accolta favorevolmente.
Nel 1898, Diaghilev per la prima volta ottenne la loro esibizione congiunta all'Esposizione di artisti russi e finlandesi. Vi hanno partecipato Bakst, Benois, A. Vasnetsov, K. Korovin, Nesterov, Lansere, Levitan, Malyutin, E. Polenova, Ryabushkin, Serov, Somov e altri.
Nello stesso 1898, Diaghilev riuscì a convincere i noti personaggi e amanti dell'arte S. I. Mamontov e M. K. Tenisheva a finanziare una rivista d'arte mensile. Presto fu pubblicato a San Pietroburgo un doppio numero della rivista "World of Art", a cura di Sergei Pavlovich Diaghilev.
È stata la prima rivista d'arte il cui carattere e direzione sono stati determinati dagli stessi artisti. I redattori hanno informato i lettori che la rivista avrebbe preso in considerazione le opere di maestri russi e stranieri "di tutte le epoche della storia dell'arte, nella misura in cui le suddette opere sono di interesse e significato per la coscienza artistica moderna".
L'anno seguente, nel 1899, ebbe luogo la Prima Esposizione Internazionale della rivista "Il Mondo dell'Arte". Presentava oltre 350 opere e comprendeva quarantadue artisti europei, tra cui P. de Chavannes. D. Whistler, E. Degas, C. Monet, O. Renoir. Esposizione
ha permesso ad artisti e spettatori russi di conoscere varie aree dell'arte occidentale.
Grazie alla comparsa della rivista "World of Art" e alle mostre del 1898-1899, emerse una cerchia di giovani artisti che simpatizzavano con la direzione della rivista.
Nel 1900 Diaghilev riuscì a unire molti di loro nella comunità creativa "World of Art". Questa "squadra brillante" (un'espressione di A.P. Ostroumova-Lebedeva) era composta da artisti straordinari che arrivarono all'arte negli anni 1890, vale a dire: Bakst, Alexander Benois, Bilibin, Braz, Vrubel, Golovin, Grabar, Dobuzhinsky. K. Korovin, Lansere, Malyutin, Malyavin, Ostroumova, Purvit, Roerich, Ruschits, Serov, Somov, Trubetskoy, Zionglinsky, Yakunchikova e Yaremich.
Inoltre, Repin, V. ed E. Polenov, A. Vasnetsov, Levitan, Nesterov, Ryabushkin hanno preso parte ad alcune delle allora mostre del World of Art.
Dal 1900 al 1903 si tennero tre mostre del "Mondo dell'Arte". Organizzando queste mostre, Diaghilev si è concentrato sui giovani artisti russi. Erano pietroburghesi: Bakst, Benois. Somov, Lansere e moscoviti - Vrubel, Serov, K. Korovin, Levitan, Malyutin, Ryabushkin e altri. Erano i moscoviti su cui Diaghilev riponeva le sue più grandi speranze. Ha scritto: "... tutta la nostra arte attuale e tutto ciò da cui possiamo aspettarci il futuro, è a Mosca". Pertanto, ha cercato in tutti i modi di attirare artisti di Mosca alle mostre del mondo dell'arte, cosa che non sempre ha avuto successo.
Le mostre World of Art hanno introdotto a fondo la società russa alle opere di famosi maestri russi e artisti emergenti che non hanno ancora ottenuto il riconoscimento, come Bilibin, Ostroumova, Dobuzhinsky, Lansere, Kustodiev, Yuon, Sapunov, Larionov, P. Kuznetsov, Saryan.
Non è necessario coprire in dettaglio le attività del mondo dell'arte qui, poiché recentemente sono apparse pubblicazioni ad esso dedicate. Va detto di alcune delle sue caratteristiche generali, sono state enfatizzate dallo stesso mondo delle arti e da molti contemporanei.
L'associazione "World of Art" non è stata un fenomeno accidentale nell'arte russa, ma storicamente condizionata. Tale, ad esempio, era l'opinione di I. E. Grabar: “Se non fosse per Diaghilev<...>, un'arte di questo ordine doveva emergere.
Riguardo alla questione della continuità della cultura artistica, Diaghilev disse nel 1906: “Tutto il presente e il futuro dell'arte plastica russa ... si nutrirà in un modo o nell'altro degli stessi precetti che il mondo dell'arte ha tratto da un attento studio dei grandi maestri russi fin dai tempi di Pietro”.
UN. Benois ha scritto che tutto ciò che è stato fatto dal mondo dell'arte "non significava affatto" che "avessero rotto con tutto il passato". Al contrario, sosteneva Benois, il nucleo stesso del "Mondo dell'arte" "era alla base del rinnovamento di molte tradizioni, sia tecniche che ideologiche, dell'arte russa e internazionale". E inoltre: “... ci consideravamo in larga misura rappresentanti delle stesse ricerche e degli stessi metodi creativi che apprezzavamo nei ritrattisti del XVIII secolo, e in Kiprensky, e in Venetsianov, e anche in Fedotov come in maestri eccezionali direttamente la generazione che ci ha preceduto - in Kramskoy, Repin, Surikov.
V. E. Makovsky, un noto vagabondo, in un'intervista a un giornalista, ha dichiarato: “Abbiamo svolto il nostro lavoro<...>Siamo costantemente citati come esempio dall'Unione degli artisti russi e dal mondo dell'arte, dove si suppone che ora siano concentrate tutte le migliori forze della pittura russa. Ma chi sono, queste forze migliori, se non i nostri stessi figli?<...>Perché ci hanno lasciato? Sì, perché si sono sentiti stretti e hanno deciso di fondare la loro nuova società».
Nell'opera del Mondo dell'Arte, questa continuità delle migliori tradizioni degli Erranti si manifestò durante la rivoluzione del 1905. La maggior parte degli artisti del "Mondo dell'arte" si è unita alla lotta contro lo zarismo, prendendo parte attiva alla pubblicazione di pubblicazioni di satira politica.
"World of Art" ha svolto un ruolo significativo, e talvolta anche decisivo, nel destino creativo di molti artisti. I. E. Grabar, ad esempio, solo dopo aver incontrato i membri del comitato della mostra World of Art, Diaghilev, Benois e Serov, "ha creduto in se stesso e ha iniziato a lavorare". Anche sullo stesso Serov, non senza ragione, hanno affermato che "l'attiva simpatia del circolo "World of Art" ha miracolosamente ispirato e rafforzato il suo lavoro"
K. S. Petrov-Vodkin scrisse nel 1923 nelle sue memorie sul mondo dell'arte: “Qual è il fascino di Diaghilev, Benois, Somov, Bakst, Dobuzhinsky? Tali costellazioni di gruppi umani sorgono ai confini delle svolte storiche. Sanno molto e portano con sé questi valori del passato. Sanno estrarre le cose dalla polvere della storia e, facendole rivivere, dar loro un suono moderno... “The World of Art” ha svolto brillantemente il suo ruolo storico.” E in un altro luogo delle stesse memorie: “Quando ricordi come vent'anni fa, tra il miasma della decadenza, tra il cattivo gusto storico, l'oscurità e la fanghiglia della pittura, Sergey Diaghilev ei suoi compagni equipaggiarono la loro nave, come allora noi, giovani uomini, hanno preso le ali insieme a loro, soffocando nell'oscurantismo che ci circonda - ricorda tutto questo, dì: sì, bravi ragazzi, ci avete portato al presente sulle vostre spalle.
N. K. Roerich ha affermato che è stato il "mondo dell'arte" a "alzare la bandiera per le nuove conquiste dell'arte".
Ricordando il lontano 1900 sul pendio della sua vita, A.P. Ostroumova-Lebedeva ha scritto: “Gli studenti di World Art hanno scelto e invitato giovani artisti nella loro società quando hanno notato in loro, oltre al talento, un atteggiamento sincero e serio nei confronti dell'arte e del loro lavoro<...>Il mondo dell'arte proponeva con insistenza il principio del "mestiere nell'arte", ovvero desiderava che gli artisti realizzassero dipinti con una conoscenza completa e dettagliata dei materiali con cui lavoravano e portassero la tecnica alla perfezione<...>Inoltre, tutti hanno parlato della necessità di aumentare la cultura e il gusto tra gli artisti e non hanno mai negato i temi nei dipinti e, quindi, non hanno privato le belle arti delle sue proprietà intrinseche di agitazione e propaganda. La conclusione di Ostroumova-Lebedeva è stata molto precisa: “È semplicemente impossibile distruggere il significato della società del “Mondo dell'Arte” e negarlo, ad esempio, come fanno i critici d'arte nel nostro paese a causa del principio “l'arte per l'arte ”.
K.F. Yuon ha osservato: "The World of Art" indicava la terra vergine incontaminata di diversi mezzi di espressione artistica. Ha incoraggiato tutto ciò che è terreno e nazionale...”. Nel 1922, A. M. Gorky definì questa concentrazione di notevoli talenti come "un'intera tendenza che fece rivivere l'arte russa".
Il "mondo dell'arte" cessò di esistere nel 1903, ma continuò a esercitare un'enorme attrazione per i contemporanei. Nel 1910, la società World of Art riapparve a San Pietroburgo, ma Diaghilev non prese più parte ai suoi lavori. L'attività artistica di Diaghilev ha preso una direzione diversa.
Nel 1905, nel Palazzo Tauride di San Pietroburgo, organizzò una grande mostra storico-artistica di ritratti russi. Non limitandosi alle opere dei palazzi e dei musei della capitale, Diaghilev ha girato le province, rivelando un totale di circa 4.000 ritratti. Ci sono stati molti reperti interessanti e inaspettati alla mostra. La ritrattistica russa appariva insolitamente significativa e ricca. V. E. Borisov-Musatov scrisse in quei giorni a V. A. Serov: “Per questo lavoro [vol. e. sistemazione della mostra] Diaghilev è un genio, e il suo nome storico diventerebbe immortale. Il suo significato è in qualche modo poco compreso e mi dispiace sinceramente per lui che sia stato in qualche modo lasciato solo. Le fotografie scattate su iniziativa di Diaghilev dalla maggior parte delle mostre (i negativi sono conservati nel TG) ora consentono di conoscere molti capolavori dell'arte russa che morirono o scomparvero durante i turbolenti eventi della rivoluzione del 1905, guerre civili e mondiali (ad esempio, il destino di diciotto opere di D. G. Levitsky, che, tra le altre sue opere, furono esposte alla Tauride Exhibition).
Nella primavera del 1905, personalità della cultura a Mosca decisero di onorare Diaghilev in segno di gratitudine per aver curato la rivista "World of Art" e aver organizzato una mostra storica e artistica. Rispondendo ai saluti, Diaghilev ha dichiarato: “... è stato dopo questi avidi vagabondaggi [Diaghilev significa viaggi in Russia che ha intrapreso, raccogliendo opere per l'Esposizione storica e artistica] che mi sono convinto particolarmente che era giunto il momento per i risultati. L'ho osservato non solo nelle immagini brillanti degli antenati, così ovviamente lontani da noi, ma soprattutto nei discendenti che vivono la loro vita. La fine della vita è qui<...>Siamo testimoni del più grande momento storico di risultati e fini in nome di una cultura nuova, sconosciuta, che nascerà per noi, ma ci travolgerà anche. E quindi, senza paura e incredulità, alzo un bicchiere alle mura in rovina di bei palazzi, così come ai nuovi testamenti di una nuova estetica”
INFORMAZIONI STORICHE "World of Art", associazione artistica russa. Formata alla fine del 1890. Pietroburgo sulla base di un circolo di giovani artisti e amanti dell'arte, guidati da A. N. Benois e S. P. Diaghilev. Esisteva nella sua forma originale come unione espositiva sotto gli auspici della rivista World of Art fino al 1904; in una composizione allargata, avendo perso la loro unità ideologica e creativa, nella maggior parte dei maestri “M. E." era un membro dell'Unione degli artisti russi. Oltre al nucleo principale (L. S. Bakst, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lancers, A. P. Ostroumova-Lebedeva, K. A. Somov), “M. E." includeva molti pittori e grafici di San Pietroburgo e Mosca (I. Ya. Bilibin, A. Ya. Golovin, I. E. Grabar, K. A. Korovin, B. M. Kustodiev, N. K. Roerich, V. A. Serov e altri). Nelle mostre "M. E." M. A. Vrubel, I. I. Levitan, M. V. Nesterov, così come alcuni artisti stranieri hanno partecipato.
LA RIVISTA DEL MONDO DELLE ARTI L'associazione artistica Mir Iskusstva si è annunciata pubblicando una rivista con lo stesso nome a cavallo tra il XIX e il XX secolo. L'uscita del primo numero della rivista "World of Art" a San Pietroburgo alla fine del 1898 fu il risultato di dieci anni di comunicazione tra un gruppo di pittori e grafici guidati da Alexander Nikolaevich Benois ().
BASE DELL'IDEA L'idea principale dell'associazione è stata espressa nell'articolo dell'eccezionale filantropo e conoscitore d'arte Sergei Pavlovich Diaghilev () “Domande difficili. Il nostro declino immaginario. L'obiettivo principale della creatività artistica è stato dichiarato essere la bellezza e la bellezza nella comprensione soggettiva di ogni maestro. Un simile atteggiamento nei confronti dei compiti dell'arte ha dato all'artista assoluta libertà nella scelta di temi, immagini e mezzi di espressione, cosa abbastanza nuova e insolita per la Russia.
Di grande importanza per i maestri che si unirono attorno a Benois e Diaghilev fu la collaborazione con gli scrittori simbolisti. Nel dodicesimo numero della rivista del 1902, il poeta Andrei Bely pubblicò un articolo "Forms of Art", e da allora i più grandi poeti simbolisti sono stati regolarmente pubblicati sulle sue pagine.
ALEXANDER BENOIS I migliori lavori grafici di Benois; tra questi, sono particolarmente interessanti le illustrazioni per il poema di A. S. Pushkin "The Bronze Horseman" (gg.). Pietroburgo divenne il principale "eroe" dell'intero ciclo: le sue strade, canali, capolavori architettonici appaiono o nella fredda severità delle linee sottili, o nel drammatico contrasto di punti luminosi e scuri. Al culmine della tragedia, quando Eugenio fugge dal formidabile gigante, un monumento a Pietro, galoppando dietro di lui, il maestro dipinge la città con colori cupi e cupi.
LEON BAKST Il design degli spettacoli teatrali è la pagina più brillante dell'opera di Lev Samuilovich Bakst (vero nome Rosenberg;). Le sue opere più interessanti sono associate alle produzioni di opera e balletto delle stagioni russe a Parigi. una sorta di festival dell'arte russa, organizzato da Diaghilev.
LEON BAKST Particolarmente notevoli sono i bozzetti dei costumi, che sono diventati opere grafiche indipendenti. L'artista ha modellato il costume, concentrandosi sul sistema di movimenti del ballerino, attraverso linee e colori, ha cercato di rivelare lo schema della danza e la natura della musica. Nei suoi schizzi colpiscono la nitidezza della visione dell'immagine, una profonda comprensione della natura dei movimenti del balletto e una grazia sorprendente.
ARTISTI DEL MONDO E ROCOCO Uno dei temi principali per molti maestri del "Mondo dell'Arte" era l'appello al passato, il desiderio del mondo ideale perduto. L'epoca preferita fu il XVIII secolo, e soprattutto il periodo rococò. Gli artisti non solo hanno cercato di resuscitare questa volta nel loro lavoro, ma hanno attirato l'attenzione del pubblico sulla vera arte del XVIII secolo, riscoprendo in realtà il lavoro dei pittori francesi Antoine Watteau e Honore Fragonard e dei loro compatrioti Fyodor Rokotov e Dmitry Levitsky.
KONSTANTIN SOMOV Con particolare espressività, i motivi rococò sono apparsi nelle opere di Konstantin Andreevich Somov (). Si unì presto alla storia dell'arte (il padre dell'artista era il curatore delle collezioni dell'Ermitage). Dopo essersi diplomato all'Accademia delle arti, il giovane maestro divenne un grande conoscitore della pittura antica.
KONSTANTIN SOMOV Somov ha brillantemente imitato la sua tecnica nei suoi dipinti. Il genere principale del suo lavoro potrebbe essere chiamato variazioni sul tema della "scena galante". Sulle tele dell'artista, infatti, sembrano rivivere i personaggi di Watteau, dame in magnifici abiti e parrucche, attori della commedia delle maschere. Flirtano, amoreggiano, cantano serenate nei vicoli del parco, circondati dal bagliore carezzevole della luce del tramonto.
KONSTANTIN SOMOV Somov è riuscito a esprimere la sua ammirazione nostalgica per il passato in modo particolarmente sottile attraverso immagini femminili. La famosa opera "Lady in Blue" (gg.) Ritratto di un maestro artista contemporaneo E. M. Martynova. È vestita all'antica ed è raffigurata sullo sfondo di un parco paesaggistico poetico. Il modo di dipingere imita brillantemente lo stile Biedermeier. Ma l'evidente morbosità dell'aspetto dell'eroina (Martynova morì presto di tubercolosi) evoca un sentimento di acuto desiderio, e l'idilliaca morbidezza del paesaggio sembra irreale, esistente solo nell'immaginazione dell'artista.
NICHOLAS RERICH Artista russo, filosofo, mistico, scienziato, scrittore, viaggiatore, archeologo, personaggio pubblico, massone, poeta, insegnante. Autore di circa 7.000 dipinti (molti dei quali in famose gallerie di tutto il mondo) e di circa 30 opere letterarie, autore dell'idea e iniziatore del Patto Roerich, fondatore dei movimenti culturali internazionali "Peace through Culture" e "Banner of Peace ".
NICHOLAS RERICH L'arte unirà l'umanità. L'arte è una e indivisibile. L'arte ha molti rami, ma la radice è una... Tutti sentono la verità della bellezza. Le porte della sorgente sacra devono essere aperte a tutti. La luce dell'arte illuminerà innumerevoli cuori con nuovo amore. All'inizio, questa sensazione arriverà inconsciamente, ma dopo purificherà l'intera coscienza umana. Quanti giovani cuori cercano qualcosa di bello e vero. Daglielo. Dai l'arte alle persone a cui appartiene.
DOMANDE DI CONTROLLO (CONTINUA) 7 - CHI HA SCRITTO IL RITRATTO DI ZINAIDA GIPPIUS? 8 - CHI ERA FAMOSO PER I LAVORI LEGATI ALLE STAZIONI OPERA E DI BALLETTO? 9 - CHI VENIVA CHIAMATO "IL CANTANTE DELL'ARCOBALENO"? 10 - CHI SI È GUADAGNATO LA REPUTAZIONE DI VEGGENTE, GURU? 11 - NOME IL NOME DI ROSENBERG.
