Typy malarskie i gatunki malarskie. Główne gatunki malarstwa rosyjskich artystów z przykładami malarstwa. Malarstwo artystyczne na ceramice

09.02.2019

Malarstwo to jedna ze sztuk starożytnych, która na przestrzeni wielu stuleci ewoluowała od paleolitycznych malowideł naskalnych do najnowszych trendów XX, a nawet XXI wieku. Ta sztuka narodziła się niemal wraz z nadejściem ludzkości. Starożytni ludzie, nawet nie do końca zdając sobie sprawę z siebie jako osoby, odczuwali potrzebę zobrazowania otaczającego ich świata na powierzchni. Rysowali wszystko, co widzieli: zwierzęta, przyrodę, sceny z polowań. Do malowania używali czegoś podobnego do farb wykonanych z naturalnych materiałów. Były to kolory ziemi węgiel drzewny, czarna sadza. Pędzle były wykonane z sierści zwierzęcej lub po prostu malowane palcami.

W wyniku przemian powstały nowe rodzaje i gatunki malarstwa. Po okresie starożytności nastąpił okres starożytności. Pragnieniem malarzy i artystów było odtworzenie prawdziwego otaczającego życia, takiego jakie widzi człowiek. Pragnienie dokładności przekazu spowodowało powstanie podstaw perspektywy, podstaw światłocieniowych konstrukcji różnych obrazów i studiowanie tego przez artystów. Przede wszystkim studiowali, jak przedstawiać przestrzeń wolumetryczną na płaszczyźnie ściany, w malowanie alfresko. Niektóre dzieła sztuki, takie jak trójwymiarowa przestrzeń, światłocień, zaczęto wykorzystywać do dekoracji pomieszczeń, ośrodków religijnych i pochówków.

Kolejnym ważnym okresem w przeszłości malarstwa jest średniowiecze. W tym czasie malarstwo miało charakter bardziej religijny, a światopogląd zaczął być odzwierciedlany w sztuce. Twórczość artystów skierowana była na ikonografię i inne melodie religijne. Główny ważne punkty co artysta musiał podkreślić, było nie tyle wiernym odzwierciedleniem rzeczywistości, co przekazaniem duchowości nawet w najróżniejszych obrazach. Płótna ówczesnych mistrzów uderzały wyrazistością konturów, kolorystyką i barwnością. Malarstwo średniowieczne wydaje nam się płaskie. Wszystkie postacie artystów tamtych czasów są na tej samej linii. I tak wiele dzieł wydaje nam się nieco stylizowanych.

Okres szarego średniowiecza został zastąpiony jaśniejszym okresem renesansu. Renesans ponownie stał się punktem zwrotnym w historycznym rozwoju tej sztuki. Nowe nastroje w społeczeństwie, nowy światopogląd zaczęły dyktować artyście: jakie aspekty malarstwa należy ujawnić pełniej i wyraźniej. Gatunki malarskie, takie jak portret i pejzaż, stałyby się niezależnymi stylami. Artyści wyrażają emocje człowieka i jego wewnętrzny świat poprzez nowe sposoby malowania. Wiek XVII i XVIII to jeszcze poważniejszy rozwój malarstwa. W tym okresie Kościół katolicki traci na znaczeniu, a artyści w swoich pracach coraz częściej odzwierciedlają prawdziwe poglądy na ludzi, przyrodę, życie domowe i codzienne. W tym okresie powstają również takie gatunki jak barok, rokoko, klasycyzm, manieryzm. Powstaje romantyzm, który później zostaje zastąpiony stylem bardziej spektakularnym – impresjonizmem.

Na początku XX wieku malarstwo zmienia się diametralnie i pojawia się nowszy kierunek sztuki współczesnej - malarstwo abstrakcyjne. Ideą tego kierunku jest przekazanie harmonii między człowiekiem a sztuką, stworzenie harmonii w kombinacjach linii i akcentów kolorystycznych. Ta sztuka nie ma obiektywizmu. Nie dąży do dokładnego przeniesienia rzeczywistego obrazu, wręcz przeciwnie, przekazuje to, co jest w duszy artysty, jego emocje. Ważną rolę dla tego rodzaju sztuki odgrywają kształty i kolory. Jego istotą jest przekazanie w nowy sposób znanych wcześniej przedmiotów. Tutaj artyści mają pełną swobodę swoich fantazji. Dało to impuls do powstania i rozwoju nowoczesnych nurtów, takich jak sztuka awangardowa, undergroundowa, abstrakcyjna. Od końca XX wieku do chwili obecnej malarstwo podlega ciągłym zmianom. Jednak pomimo wszystkich nowych osiągnięć i nowoczesnych technologii artyści nadal pozostają wierni sztuce klasycznej - malarstwu olejnemu i akwareli, tworząc swoje arcydzieła za pomocą farb i płócien.

Natalii Martynenko

Historia sztuki

Historia malarstwa to niekończący się łańcuch, który rozpoczął się wraz z wykonaniem pierwszych obrazów. Każdy styl wyrasta ze stylów, które pojawiły się przed nim. Każdy wielki artysta dodaje coś do dokonań wcześniejszych artystów i wpływa na późniejszych.

Możemy cieszyć się malarstwem ze względu na jego piękno. Jego linie, kształty, kolory i kompozycja (układ części) mogą cieszyć nasze zmysły i zapadać w pamięć. Ale radość ze sztuki wzrasta, gdy dowiadujemy się, kiedy, dlaczego i jak została stworzona.

Na historię malarstwa wpłynęło wiele czynników. Geografia, religia, cechy narodowe, wydarzenia historyczne, opracowywanie nowych materiałów – wszystko to pomaga kształtować wizję artysty. Na przestrzeni dziejów malarstwo odzwierciedlało zmieniający się świat i nasze rozumienie go. Z kolei artyści zapewnili część z nich najlepsze rekordy o rozwoju cywilizacji, czasem ujawniając więcej niż słowo pisane.

malarstwo prehistoryczne

Najwcześniejszymi artystami byli mieszkańcy jaskiń. Na ścianach jaskiń w południowej Francji i Hiszpanii znaleziono kolorowe rysunki zwierząt datowane na okres od 30 000 do 10 000 pne. Wiele z tych rysunków jest zaskakująco dobrze zachowanych, ponieważ jaskinie były zamknięte przez wiele stuleci. Pierwsi ludzie rysowali obrazki dzikich zwierząt, które widzieli wokół siebie. W Afryce i wschodniej Hiszpanii znaleziono bardzo prymitywne postacie ludzkie wykonane w ważnych pozycjach.

Artyści jaskiniowi wypełnili ściany jaskini rysunkami w bogatych, żywych kolorach. Niektóre z najpiękniejszych malowideł znajdują się w jaskini Altamira w Hiszpanii. Jeden szczegół przedstawia rannego bawoła, który nie może już stać - prawdopodobnie ofiara myśliwego. Jest pomalowany na czerwono-brązowy kolor i prosty, ale umiejętnie zarysowany na czarno. Pigmenty używane przez artystów jaskiniowych to ochra (tlenki żelaza o barwie od jasnożółtej do ciemnopomarańczowej) i mangan (ciemny metal). Zmielono je na drobny proszek, zmieszano ze smarem (prawdopodobnie olejem tłuszczowym) i nałożono na powierzchnię jakimś pędzlem. Czasami pigmenty przybierały postać sztyftów, podobnych do kredek. Tłuszcz zmieszany ze sproszkowanymi pigmentami tworzył płynną farbę i lakier, a cząstki pigmentu sklejały się. Mieszkańcy jaskini robili pędzle z sierści zwierzęcej lub roślinnej, az krzemienia ostre narzędzia (do rysowania i drapania).

Już 30 000 lat temu ludzie wynaleźli podstawowe narzędzia i materiały do malowania. Metody i materiały były udoskonalane i ulepszane w następnych stuleciach. Ale odkrycia mieszkańca jaskini pozostają głównymi dla malarstwa.

Malarstwo egipskie i mezopotamskie (3400–332 pne)

Jedna z pierwszych cywilizacji pojawiła się w Egipcie. Z pisemnych przekazów i dzieł sztuki pozostawionych przez Egipcjan wiele wiadomo o ich życiu. Uważali, że ciało musi być zachowane, aby dusza mogła żyć po śmierci. Wielkie Piramidy były wymyślnymi grobowcami bogatych i potężnych egipskich władców. Wiele dzieł sztuki egipskiej powstało na potrzeby piramid i grobowców królów i innych ważnych osobistości. Aby mieć absolutną pewność, że dusza będzie nadal istnieć, artyści stworzyli w kamieniu wizerunki zmarłej osoby. Odtwarzali także sceny z życia człowieka na malowidłach ściennych w komorach grobowych.

Egipskie techniki artystyczne pozostają niezmienione od wieków. W jednej metodzie farbę akwarelową nakładano na gliniane lub wapienne powierzchnie. W innym procesie kontury zostały wyrzeźbione w kamiennych ścianach i pomalowane akwarelami. Prawdopodobnie do przyklejenia farby do powierzchni użyto materiału zwanego gumą arabską. Na szczęście suchy klimat i zapieczętowane grobowce zapobiegły niektórym z nich obrazy akwarelowe rozkładać się od wilgoci. Dobrze zachowało się wiele scen myśliwskich ze ścian grobowców w Tebach, datowanych na około 1450 rok pne. Pokazują, jak myśliwi gonią ptaki lub ryby i ryby. Sceny te można dziś zidentyfikować, ponieważ zostały starannie i starannie namalowane.

Cywilizacja Mezopotamii, która trwała od 3200 do 332 pne, znajdowała się w dolinie między rzekami Tygrys i Eufrat na Bliskim Wschodzie. Domy w Mezopotamii budowano głównie z gliny. Kiedy deszcz zmiękcza glinę, ich budynki zamieniają się w pył, niszcząc wszelkie malowidła ścienne, które mogły być bardzo interesujące. To, co przetrwało, to zdobiona ceramika (malowana i wypalana) oraz kolorowe mozaiki. Chociaż mozaiki nie można uznać za malarstwo, często mają na nie wpływ.

Cywilizacja Morza Egejskiego (3000–1100 pne)

Trzecią wielką wczesną kulturą była cywilizacja egejska. Mieszkańcy Morza Egejskiego mieszkali na wyspach u wybrzeży Grecji i na półwyspie Azji Mniejszej mniej więcej w tym samym czasie, co starożytni Egipcjanie i mieszkańcy Mezopotamii.

W 1900 roku archeolodzy rozpoczęli wykopaliska w pałacu króla Minosa w Knossos na Krecie. Wykopaliska odkryły dzieła sztuki napisane około 1500 roku pne. w niezwykle swobodnym i pełnym wdzięku stylu tamtych czasów. Oczywiście Kreteńczycy byli beztroskimi, kochającymi przyrodę ludźmi. Wśród ich ulubionych tematów w sztuce były życie morskie, zwierzęta, kwiaty, gry sportowe, masowe procesje. W Knossos i innych pałacach na Morzu Egejskim malowidła malowano na mokrych ścianach gipsowych farbami mineralnymi, piaskiem i glinianą ochrą. Farba wsiąkła w mokry tynk i stała się trwałym elementem ściany. Obrazy te nazwano później freskami (od włoskiego słowa oznaczającego „świeży” lub „nowy”). Kreteńczycy lubili jaskrawe żółcie, czerwienie, błękity i zielenie.

Greckie i rzymskie malarstwo klasyczne (1100 pne - 400 ne)

Starożytni Grecy dekorowali freskami ściany świątyń i pałaców. Ze starożytnych źródeł literackich i rzymskich kopii sztuki greckiej można stwierdzić, że Grecy malowali małe obrazki i wykonywali mozaiki. Imiona greckich mistrzów oraz niewiele z ich życia i dzieł jest znanych, chociaż bardzo niewiele greckich obrazów przetrwało stulecia i następstwa wojen. Grecy nie pisali wiele w grobowcach, więc ich praca nie była chroniona.

Malowane wazy to wszystko, co pozostało z malarstwa greckiego dzisiaj. Produkcja ceramiki była dużym przemysłem w Grecji, zwłaszcza w Atenach. Kontenery cieszyły się dużym zainteresowaniem, były eksportowane, podobnie jak olej i miód oraz do celów domowych. Najwcześniejsze malarstwo wazowe miało geometryczne kształty i ornamenty (1100-700 pne). Wazony zdobiono również postaciami ludzkimi w brązowej glazurze na jasnej glinie. W VI wieku malarze waz często malowali czarne postacie ludzkie na naturalnej czerwonej glinie. Detale zostały wyrzeźbione w glinie za pomocą ostrego narzędzia. Pozwoliło to na pojawienie się czerwieni w głębi reliefu.

Styl z czerwonymi figurami ostatecznie zastąpił czarny. Oznacza to, że wręcz przeciwnie: cyfry są czerwone, a tło stało się czarne. Zaletą tego stylu było to, że artysta mógł używać pędzla do tworzenia konturów. Pędzel daje bardziej swobodną linię niż metalowe narzędzie używane w wazach z czarnymi figurami.

Rzymskie malowidła ścienne znajdowano głównie w willach (wiejskich domach) w Pompejach i Herkulanum. W 79 rne te dwa miasta zostały całkowicie zniszczone przez erupcję Wezuwiusza. Archeolodzy, którzy prowadzili wykopaliska na tym obszarze, mogli dowiedzieć się wiele o życiu starożytnych Rzymian z tych miast. Niemal każdy dom i willa w Pompejach miał malowidła na ścianach. Malarze rzymscy starannie przygotowywali powierzchnię ściany, nakładając mieszaninę pyłu marmurowego i tynku. Wypolerowali powierzchnie do jakości marmurowego wykończenia. Wiele obrazów to kopie greckich obrazów z IV wieku pne. Pełen wdzięku pozy postaci namalowanych na ścianach Willi Misteriów w Pompejach zainspirowały artystów XVIII wieku, kiedy miasto było wykopywane.

Grecy i Rzymianie malowali także portrety. Niewielka ich liczba, głównie portrety mumii, powstała w r Grecki styl przez artystów egipskich, przetrwały w okolicach Aleksandrii, w północnym Egipcie. Założona w IV wieku pne przez Aleksandra Wielkiego z Grecji Aleksandria stała się wiodącym ośrodkiem kultury greckiej i rzymskiej. Portrety malowano techniką enkaustyczną na drewnie i instalowano w formie mumii po śmierci przedstawianej osoby. Obrazy enkaustyczne wykonane farbą zmieszaną z roztopionym woskiem pszczelim mają bardzo długi okres przydatności do spożycia. Rzeczywiście, te portrety wciąż wyglądają świeżo, chociaż zostały wykonane już w II wieku pne.

Malarstwo wczesnochrześcijańskie i bizantyjskie (300–1300)

Cesarstwo Rzymskie upadło w IV wieku naszej ery. W tym samym czasie chrześcijaństwo zyskiwało na sile. W 313 r. cesarz rzymski Konstantyn oficjalnie uznał religię i sam przeszedł na chrześcijaństwo.

Pojawienie się chrześcijaństwa wywarło ogromny wpływ na sztukę. Artystom zlecono dekorowanie ścian kościołów freskami i mozaikami. Wykonywali tablice w kaplicach kościelnych, ilustrowali i dekorowali księgi kościelne. Pod wpływem Kościoła artyści musieli jak najdokładniej przekazywać nauki chrześcijaństwa.

Pierwsi chrześcijanie i artyści bizantyjscy kontynuowali technikę mozaikową, której nauczyli się od Greków. Małe płaskie kawałki kolorowego szkła lub kamienia osadzano na mokrym cemencie lub gipsie. Czasami używano innych twardych materiałów, takich jak kawałki wypalanej gliny lub muszle. We włoskich mozaikach kolory są szczególnie głębokie i pełne. Włoscy artyści wykonali tło z kawałków pozłacanego szkła. Przedstawiały postacie ludzkie w bogatych kolorach na tle mieniącego się złota. Ogólny efekt był płaski, dekoracyjny i nierealistyczny.

Mozaiki artystów bizantyjskich były często jeszcze mniej realistyczne, a nawet bardziej dekoracyjne niż mozaiki pierwszych chrześcijan. „Bizantyński” to nazwa nadana stylowi sztuki, który rozwinął się wokół starożytnego miasta Bizancjum (obecnie Stambuł, Turcja). Technika mozaikowa doskonale odpowiadała bizantyńskiemu gustowi do wspaniale zdobionych kościołów. Słynne mozaiki Teodory i Justyniana, wykonane około 547 rne, pokazują zamiłowanie do bogactwa. Biżuteria na figurach błyszczą, a kolorowe suknie dworskie mienią się na tle brylantowego złota. Artyści bizantyjscy również używali złota na freskach i panelach. Złoto i inne cenne materiały były używane w średniowieczu do oddzielania przedmiotów duchowych od codziennego świata.

Malarstwo średniowieczne (500–1400)

Pierwsza część średniowiecza, od około VI do XI wieku naszej ery, jest zwykle określana jako średniowiecze. W tym okresie niepokojów sztukę przechowywano głównie w klasztorach. W V wieku naszej ery Plemiona Varran z północnej i środkowej Europy wędrowały po kontynencie. Przez setki lat dominowali w Europie Zachodniej. Ci ludzie tworzyli sztukę, w której głównym elementem jest wzór. Szczególnie upodobali sobie struktury przeplatających się smoków i ptaków.

Najlepsze sztuki celtyckie i saksońskie można znaleźć w rękopisach z VII i VIII wieku. Ilustracje książkowe, oświetlenie i malarstwo miniaturowe, praktykowane od późnych czasów rzymskich, rozpowszechniły się w średniowieczu. Oświetlenie to dekoracja tekstu, wielkich liter i marginesów. Zastosowano złoto, srebro i jasne kolory. Miniatura to mały obraz, często portret. Termin ten był pierwotnie używany do opisania ozdobnego bloku wokół pierwszych liter w rękopisie.

Karol Wielki, który został koronowany na Świętego Cesarza Rzymskiego na początku IX wieku, próbował ożywić sztukę klasyczną późnego okresu rzymskiego i wczesnego chrześcijaństwa. Za jego panowania malarze miniatury naśladowali sztukę klasyczną, ale poprzez swoje przedmioty wyrażali także osobiste uczucia.

Ze średniowiecza zachowało się bardzo niewiele malowideł ściennych. w kościołach zbudowanych w r Okres romański(XI-XIII wiek) było kilka wspaniałych fresków, ale większość z nich zniknęła. W kościołach okresu gotyckiego (XII-XVI w.) brakowało miejsca na malowidła ścienne. Ilustracja książkowa była głównym dziełem malarza gotyckiego.

Do najlepiej ilustrowanych rękopisów należały księgi godzin - zbiory kalendarzy, modlitw i psalmów. Strona z włoskiego rękopisu przedstawia wyszukane inicjały i bardzo szczegółową marginalną scenę przedstawiającą świętego Jerzego zabijającego smoka. Kolory są olśniewające i klejnotowe, jak w witrażu, a złoto mieni się nad stroną. Wyjątkowo delikatne wzory liściaste i kwiatowe obramowania tekstu. Artyści prawdopodobnie używali szkieł powiększających, aby wykonać tak misternie szczegółową pracę.

Włochy: Cimabue i Giotto

Artyści włoscy pod koniec XIII wieku nadal pracowali w stylu bizantyjskim. Postacie ludzkie były płaskie i dekoracyjne. Twarze rzadko wyrażały wyraz. Ciała były nieważkie i zdawały się raczej unosić, niż stać twardo na ziemi. We Florencji malarz Cimabue (1240-1302) próbował zmodernizować niektóre stare techniki bizantyjskie. Aniołowie w „Madonnie na tronie” są bardziej aktywni niż zwykle na obrazach z tamtego okresu. W ich gestach i twarzach widać trochę więcej ludzkich uczuć. Cimabue dodał swoim obrazom nowe poczucie monumentalności lub wspaniałości. Jednak nadal podążał za wieloma tradycjami bizantyjskimi, takimi jak złote tła i wzorzyste ułożenie przedmiotów i postaci.

Dopiero wielki artysta florencki Giotto (1267-1337) faktycznie zerwał z tradycją bizantyjską. Jego seria fresków w Kaplicy Areny w Padwie pozostawia daleko w tyle sztukę bizantyjską. W tych scenach z życia Maryi i Chrystusa jest prawdziwe wzruszenie, napięcie i naturalizm. Obecne są wszystkie cechy ludzkiego ciepła i współczucia. Ludzie nie wydają się całkowicie nierealni ani niebiańscy. Giotto zacieniował kontury postaci i umieścił głębokie cienie w fałdach szat, aby nadać wrażenie krągłości i solidności.

Do swoich małych paneli Giotto użył czystej tempery jajecznej, medium, które zostało udoskonalone przez Florentczyków w XIV wieku. Przejrzystość i blask jego kolorów musiała silnie oddziaływać na osoby przyzwyczajone do ciemnych barw bizantyjskich paneli. Malowidła temperowe sprawiają wrażenie, jakby na scenę padało miękkie światło dzienne. Mają prawie płaski wygląd, w przeciwieństwie do połysku obrazu olejnego. Tempera jajeczna pozostała głównym kolorem, dopóki olej prawie całkowicie nie zastąpił jej w XVI wieku.

Późnośredniowieczne malarstwo na północ od Alp

Na początku XV wieku artyści w Północna Europa pracował w stylu zupełnie odmiennym od malarstwa włoskiego. artyści z północy osiągnęli realizm, dodając niezliczone szczegóły do swoich obrazów. Wszystkie włosy zostały delikatnie podkreślone, a każdy szczegół draperii czy podłogi precyzyjnie ustawiony. Wynalezienie malarstwa olejnego ułatwiło detalowanie detali.

Znaczący wkład w rozwój malarstwa olejnego wniósł flamandzki malarz Jan van Eyck (1370-1414). W przypadku stosowania tempery kolory należy nakładać oddzielnie. Nie mogą się dobrze cieniować, ponieważ farba szybko wysycha. Dzięki wolno schnącemu olejowi artysta może osiągnąć bardziej złożone efekty. Jego portrety z lat 1466-1530 zostały wykonane we flamandzkiej technice olejnej. Wszystkie szczegóły, a nawet lustrzane odbicie są wyraźne i precyzyjne. Kolor jest trwały i ma twardą, przypominającą emalię powierzchnię. Zagruntowany drewniany panel został przygotowany w taki sam sposób, w jaki Giotto przygotowywał swoje panele do tempery. Van Eyck stworzył obraz warstwami subtelnego koloru zwanego szkliwem. Tempera została prawdopodobnie użyta w pierwotnym runie i do pasemek.

włoski renesans

Podczas gdy van Eyck pracował na północy, Włosi wkraczali w złoty wiek sztuki i literatury. Ten okres nazywany jest renesansem, co oznacza odrodzenie. Włoscy artyści inspirowali się rzeźbą starożytnych Greków i Rzymian. Włosi chcieli ożywić ducha sztuki klasycznej, która gloryfikuje niezależność i szlachetność człowieka. Renesansowi artyści nadal malowali sceny religijne. Ale kładli również nacisk na ziemskie życie i ludzkie osiągnięcia.

Florencja

Osiągnięcia Giotta na początku XIV wieku zapoczątkowały renesans. Kontynuowali ją włoscy artyści XVII wieku. Masaccio (1401-1428) był jednym z przywódców pierwszego pokolenia artystów renesansu. Mieszkał we Florencji, bogatym mieście handlowym, gdzie narodziła się sztuka renesansu. Do swojej śmierci pod koniec lat dwudziestych zrewolucjonizował malarstwo. W jego słynny fresk W The Tribute Money umieszcza solidne rzeźbiarskie postacie w krajobrazie, który wydaje się rozciągać daleko w dal. Masaccio mógł studiować perspektywę u florenckiego architekta i rzeźbiarza Brunelleschiego (1377-1414).

Technika fresków była bardzo popularna w okresie renesansu. Nadawał się szczególnie do dużych obrazów, ponieważ kolory na fresku są suche i idealnie płaskie. Obraz można oglądać pod dowolnym kątem bez odblasków i odbić. Dostępne są również freski. Zwykle artyści mieli kilku asystentów. Prace wykonywano fragmentarycznie, ponieważ trzeba było je kończyć, gdy tynk był jeszcze mokry.

Pełny „trójwymiarowy” styl Masaccio był typowy dla nowego ruchu progresywnego XV wieku. Styl Fra Angelico (1400-1455) jest bardziej tradycyjnym podejściem stosowanym przez wielu artystów wczesnego renesansu. Mniej interesował się perspektywą, a bardziej dekoracją. Jego „Koronacja Marii Panny” to przykład tempery w najpiękniejszym wykonaniu. Wesoła, bogata kolorystyka zestawiona ze złotem i akcentowana złotem. Obraz wygląda jak powiększona miniatura. Długie, wąskie postacie mają niewiele wspólnego z Masaccio. Kompozycja jest zorganizowana w szerokie linie ruchu, które wirują wokół centralnych postaci Chrystusa i Maryi.

Innym florentyńczykiem, który pracował w tradycyjnym stylu, był Sandro Botticelli (1444-1515). Płynne linie rytmiczne łączą fragmenty „Wiosny” Botticellego. Postać Wiosny, niesiona przez zachodni wiatr, przemyka z prawej strony. Trzy gracje tańczą w kole, powiewające fałdy ich sukien i pełne wdzięku ruchy rąk wyrażają rytm tańca.

Leonardo da Vinci (1452-1519) studiował malarstwo we Florencji. Jest znany ze swoich badania naukowe i wynalazki, a także jego obrazy. Bardzo niewiele jego obrazów przetrwało, po części dlatego, że często eksperymentował z różnymi sposobami tworzenia i nakładania farby, zamiast używać wypróbowanych i prawdziwych metod. Ostatnia Wieczerza (namalowana w latach 1495-1498) została wykonana olejem, ale niestety Leonardo namalował ją na wilgotnej ścianie, co spowodowało pękanie farby. Ale nawet w złym stanie (przed restauracją) obraz miał zdolność wzbudzania emocji u każdego, kto go zobaczy.

Jedną z wyróżniających cech stylu Leonarda była jego metoda przedstawiania światła i ciemności. Włosi nazywali jego półmroczne oświetlenie „sfumato”, co oznacza zadymione lub zamglone. Postacie Madonny na Skale są spowite atmosferą sfumato. Ich kształty i cechy są delikatnie cieniowane. Leonardo osiągnął te efekty, stosując bardzo subtelne przejścia tonów jasnych i ciemnych.

Rzym

Kulminacja malarstwa renesansowego nastąpiła w XVI wieku. W tym samym czasie centrum sztuki i kultury przeniosło się z Florencji do Rzymu. Pod rządami papieża Sykstusa IV i jego następcy Juliusza II miasto Rzym było wspaniale i bogato zdobione przez artystów renesansu. Niektóre z najbardziej ambitnych projektów tego okresu rozpoczęto za pontyfikatu Juliusza II. Juliusz zlecił wielkiemu rzeźbiarzowi i malarzowi Michałowi Aniołowi (1475-1564) pomalowanie sufitu Kaplicy Sykstyńskiej i wyrzeźbienie rzeźby grobowca papieża. Juliusz zaprosił także malarza Rafaela (1483-1520) do pomocy przy dekorowaniu Watykanu. Wraz z pomocnikami Rafał namalował cztery pokoje apartamentów papieskich w Pałacu Watykańskim.

Michał Anioł, Florentczyk z urodzenia, rozwinął monumentalny styl malarstwa. Postacie na jego obrazie są tak solidne i obszerne, że wyglądają jak rzeźby. Sufit Sykstyński, którego ukończenie zajęło Michałowi Aniołowi 4 lata, składa się z setek postaci ludzkich ze Starego Testamentu. Aby ukończyć ten wspaniały fresk, Michał Anioł musiał położyć się na plecach na rusztowaniu. Zamyślona twarz Jeremiasza wśród proroków otaczających sufit jest uważana przez niektórych ekspertów za autoportret Michała Anioła.

Rafał przybył do Florencji z Urbino jako bardzo młody człowiek. We Florencji wchłonął idee Leonarda i Michała Anioła. Zanim Raphael wyjechał do Rzymu, aby pracować w Watykanie, jego styl stał się jednym z największych pod względem piękna. Szczególnie upodobał sobie jego piękne portrety Madonny z Dzieciątkiem. Zostały one odtworzone przez tysiące i można je zobaczyć wszędzie. Jego „Madonna del Granduca” odnosi sukces dzięki swojej prostocie. Ponadczasowy w swoim spokoju i czystości, jest dla nas tak samo atrakcyjny, jak dla Włochów epoki Rafaela.

Wenecja

Wenecja była głównym północnowłoskim miastem renesansu. Odwiedzali go artyści z Flandrii i innych krajów, świadomi flamandzkich eksperymentów z farbą olejną. To stymulowało wczesne użycie technologia oleju we włoskim mieście. Wenecjanie nauczyli się malować na ciasno naciągniętym płótnie, a nie na drewnianych panelach powszechnie używanych we Florencji.

Giovanni Bellini (1430-1515) był największym malarzem weneckim XV wieku. Był także jednym z pierwszych malarzy włoskich, który używał oleju na płótnie. Giorgione (1478-1151) i Tycjan (1488-1515), najsłynniejszy ze wszystkich malarzy weneckich, byli uczniami w pracowni Belliniego.

Mistrz oleju Tycjan malował ogromne płótna w ciepłych, bogatych kolorach. W swoich dojrzałych obrazach poświęcał szczegóły, aby uzyskać oszałamiające efekty, takie jak Madonna z Pesaro. Używał dużych pędzli do wykonywania dużych pociągnięć. Jego kolory są szczególnie bogate, ponieważ cierpliwie tworzył laserunki w kontrastowych kolorach. Zwykle na brązową hartowaną powierzchnię nakładano laserunki, co nadawało obrazowi jednolity ton.

Innym wielkim malarzem weneckim XVI wieku był Tintoretto (1518-1594). W przeciwieństwie do Tycjana, zwykle pracował bezpośrednio na płótnie, bez wstępnych szkiców i konturów. Często zniekształcał swoje formy (przekręcał je) ze względu na kompozycję i dramaturgię fabuły. Jego technika, obejmująca szerokie pociągnięcia i dramatyczne kontrasty światła i ciemności, wydaje się bardzo nowoczesna.

Artysta Kyriakos Theotokopoulos (1541-1614) był znany jako El Greco („Grek”). Urodzony na Krecie, okupowanej przez armię wenecką, El Greco był szkolony przez włoskich artystów. Jako młody człowiek wyjechał na studia do Wenecji. Zjednoczony wpływ sztuka bizantyjska, które widział wokół siebie na Krecie, oraz sztuka włoskiego renesansu sprawiły, że dzieło El Greco było wybitne.

W swoich obrazach zniekształcał naturalne formy i używał jeszcze dziwniejszych, bardziej zwiewnych kolorów niż Tintoretto, którego podziwiał. Później El Greco przeniósł się do Hiszpanii, gdzie ponurość hiszpańskiej sztuki wpłynęła na jego twórczość. W jego dramatycznej wizji Toledo burza szaleje nad śmiertelną ciszą miasta. Zimne błękity, zielenie i niebiesko-białe niosą chłód nad krajobrazem.

Renesans we Flandrii i Niemczech

Złoty wiek malarstwa we Flandrii (obecnie część Belgii i północnej Francji) przypadł na XV wiek, czasy van Eycka. W XVI wieku wielu artystów flamandzkich naśladowało artystów włoskiego renesansu. Jednak niektórzy Flamandowie kontynuowali flamandzką tradycję realizmu. Potem rozpowszechniło się malarstwo rodzajowe - sceny z życia codziennego, czasem urocze, a czasem fantastyczne. Hieronim Bosch (1450-1515), który wyprzedził malarzy rodzajowych, miał niezwykle bujną wyobraźnię. Wymyślił wszelkiego rodzaju dziwne, groteskowe stworzenia do Kuszenia św. Antoniego". Pieter Brueghel Starszy (1525-1569) również pracował w tradycji flamandzkiej, ale dodał perspektywę i inne cechy renesansu do swoich scen rodzajowych.

Albrecht Dürer (1471-1528), Hans Holbein Młodszy (1497-1543) i Lucas Cranach Starszy (1472-1553) to trzej najważniejsi malarze niemieccy XVI wieku. Zrobili wiele, aby złagodzić ponury realizm wczesnego malarstwa niemieckiego. Dürer przynajmniej raz odwiedził Włochy, gdzie był pod wrażeniem obrazów Giovanniego Belliniego i innych północnych Włochów. Dzięki temu doświadczeniu zaszczepił w malarstwie niemieckim znajomość perspektywy, wyczucie koloru i światła oraz nowe rozumienie kompozycji. Holbein nauczył się jeszcze więcej włoskich osiągnięć. Jego wrażliwy rysunek i umiejętność wydobycia tylko najistotniejszych detali uczyniły z niego mistrza portrecisty.

malarstwo barokowe

Wiek XVII znany jest w sztuce jako okres baroku. We Włoszech malarze Caravaggio (1571-1610) i Annibale Carracci (1560-1609) reprezentowali dwa przeciwstawne punkty widzenia. Caravaggio (prawdziwe nazwisko Michelangelo Merisi) zawsze czerpał inspiracje bezpośrednio z realiów życia. Jednym z jego głównych problemów było jak najdokładniejsze naśladowanie natury bez gloryfikowania jej w jakikolwiek sposób. Z drugiej strony Carracci podążał za renesansowym ideałem piękna. Uczył się starożytna rzeźba oraz dzieła Michała Anioła, Rafaela i Tycjana. Styl Caravaggia podziwiało wielu artystów, zwłaszcza Hiszpan Ribera i młody Velázquez. Carracci zainspirował Nicolasa Poussina (1594-1665), słynnego francuskiego malarza XVII wieku.

Hiszpania

Diego Velázquez (1599-1660), nadworny malarz hiszpańskiego króla Filipa IV, był jednym z największych malarzy hiszpańskich. Wielbiciel twórczości Tycjana, był mistrzem w posługiwaniu się bogatym, harmonijnym kolorem. Żaden artysta nie wykonałby lepszej pracy, tworząc iluzję bogatych tkanin lub ludzkiej skóry. Portret małego księcia Filipa Prospera pokazuje tę umiejętność.

Flandria

Obrazy flamandzkiego malarza Pietera Paula Rubensa (1577-1640) są uosobieniem stylu barokowego w pełnym kolorze. Tryskają energią, kolorem i światłem. Rubens zerwał z flamandzką tradycją malowania małych obrazków. Jego płótna są ogromne, wypełnione postaciami ludzkimi. Dostał więcej rozkazów duże obrazy niż mógł osiągnąć. Dlatego często rysował tylko mały kolorowy szkic. Następnie jego asystenci przenieśli szkic na duże płótno i pod kierunkiem Rubensa ukończyli obraz.

Holandia

Osiągnięcia holenderskiego malarza Rembrandta (1606-1669) należą do najwybitniejszych w historii. Miał wspaniały dar - trafnego uchwycenia i przekazania ludzkich emocji. Podobnie jak Tycjan przez długi czas pracował nad tworzeniem wielowarstwowych obrazów. Kolory ziemi - żółta ochra, brąz i brązowo-czerwony - były jego ulubionymi. Jego obrazy są w większości wykonane w ciemnych kolorach. Znaczenie ciemnych, warstwowych części sprawia, że jego technika jest niezwykła. Akcent jest przekazywany przez jasne oświetlenie w stosunku do jasnych obszarów.

Jan Vermeer (1632-1675) był jedną z grup holenderskich malarzy, którzy malowali skromne sceny z życia codziennego. Był mistrzem w malowaniu wszelkiego rodzaju faktur - atłasu, perskich dywanów, bułki tartej, metalu. Ogólne wrażenie wnętrza Vermeera to słoneczny, wesoły pokój wypełniony kultowymi przedmiotami gospodarstwa domowego.

malarstwo XVIII wieku

W XVIII wieku Wenecja wydała wielu znakomitych artystów. Najbardziej znanym był Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770). Udekorował wnętrza pałaców i innych budynków wspaniałymi kolorowymi freskami przedstawiającymi sceny bogactwa. Francesco Guardi (1712-1793) był bardzo biegły w posługiwaniu się pędzlem, z zaledwie kilkoma plamami koloru mógł wyczarować ideę małej postaci w łodzi. Spektakularne widoki Antonio Canaletto (1697-1768) opiewały dawną świetność Wenecji.

Francja: styl rokoko

We Francji zamiłowanie do pastelowych kolorów i skomplikowanych dekoracji na początku XVIII wieku doprowadziło do rozwoju stylu rokoko. Z nurtem rokoko związany był Jean Antoine Watteau (1684-1721), nadworny malarz króla Ludwika XV, a później François Boucher (1703-1770) i Jean Honoré Fragonard (1732-1806). Watteau pisał marzycielskie wizje, życie, w którym wszystko jest zabawne. Styl bazuje na piknikach w parkach, leśnych imprezach, gdzie weseli panowie i eleganckie panie bawią się na łonie natury.

Inni XVIII-wieczni artyści przedstawiali sceny ze zwykłego życia mieszczańskiego. Podobnie jak holenderski Vermeer, Jean Baptiste Simeon Chardin (1699-1779) cenił proste sceny domowe i martwe natury. Jego kolory są trzeźwe i spokojne w porównaniu do Watteau.

Anglia

W XVIII wieku Brytyjczycy jako pierwsi rozwinęli odrębną szkołę malarstwa. Trzon składał się głównie z portrecistów, na których wpływ mieli malarze weneckiego renesansu. Najbardziej znani są Sir Joshua Reynolds (1723-1792) i Thomas Gainsborough (1727-1788). Reynolds, który podróżował po Włoszech, podążał za ideałami malarstwa renesansowego. Jego portrety, urocze i wzruszające, nie są szczególnie interesujące pod względem koloru ani faktury. Z drugiej strony Gainsborough miał talent do błyskotliwości. Powierzchnie jego obrazów lśnią promiennym kolorem.

malarstwo XIX wieku

Wiek XIX jest czasami postrzegany jako okres, w którym zaczęła się kształtować sztuka współczesna. Jednym z ważnych powodów tzw. rewolucji w sztuce w tym czasie było wynalezienie aparatu fotograficznego, które skłoniło artystów do ponownego przemyślenia celu malowania.

Ważniejszym wydarzeniem było powszechne stosowanie prefabrykowanych farb. Do XIX wieku większość artystów lub ich pomocników wykonywała własne farby, mieląc pigment. Wczesne farby komercyjne były gorsze od farb ręcznych. Artyści pod koniec XIX wieku odkryli, że ciemne błękity i brązy z wcześniejszych obrazów zmieniały się w czarne lub szare w ciągu kilku lat. Zaczęli ponownie używać czystych kolorów, aby zachować swoją pracę, a czasem dlatego, że starali się dokładniej odbijać światło słoneczne w scenach ulicznych.

Hiszpania: Goya

Francisco Goya (1746-1828) był pierwszym wielkim malarzem hiszpańskim, który pojawił się w XVII wieku. Jako ulubiony malarz dworu hiszpańskiego wykonał wiele portretów rodziny królewskiej. Królewskie postacie są ubrane w eleganckie ubrania i piękną biżuterię, ale na niektórych twarzach odbija się tylko próżność i chciwość. Oprócz portretów Goya malował dramatyczne sceny, takie jak 3 maja 1808 roku. Ten obraz przedstawia grupę hiszpańskich rebeliantów rozstrzeliwanych przez francuskich żołnierzy. Śmiałe kontrasty jasnych i ciemnych, posępnych barw, poprzecinanych czerwonymi plamami, wywołują ponurą grozę spektaklu.

Chociaż Francja była wielkim ośrodkiem sztuki w XIX wieku, angielscy pejzażyści John Constable (1776-1837) i Joseph Mallord William Turner (1775-1851) wnieśli cenny wkład w malarstwo XIX wieku. Obaj interesowali się malarstwem światła i powietrza, dwoma aspektami natury, które XIX-wieczni artyści w pełni eksplorowali. Policjant zastosował metodę zwaną podziałem lub złamanym kolorem. Użył kontrastujących kolorów na głównym kolorze tła. Często używał szpachli, aby mocno nakładać kolor. Obraz „Wóz z sianem” przyniósł mu sławę po pokazaniu go w Paryżu w 1824 roku. To jest prosta wiejska scena sianokosów. Chmury dryfują nad łąkami pokrytymi plamami słońca. Obrazy Turnera są bardziej dramatyczne niż obrazy Constable'a, który malował majestatyczne widoki natury - burze, pejzaże morskie, płonące zachody słońca, wysokie góry. Często złota mgiełka częściowo zasłania obiekty na jego obrazach, sprawiając, że wydają się unosić w nieskończonej przestrzeni.

Francja

Okres panowania Napoleona i Rewolucji Francuskiej oznaczał pojawienie się dwóch przeciwstawnych nurtów w sztuce francuskiej – klasycyzmu i romantyzmu. Jacques Louis David (1748-1825) i Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867) inspirowali się sztuką starożytnej Grecji i Rzymu oraz renesansem. Podkreślali detale i używali koloru do tworzenia brył. Będąc ulubionym artystą rządu rewolucyjnego, David często malował wydarzenia historyczne z tego okresu. W swoich portretach, takich jak Madame Recamier, dążył do osiągnięcia klasycznej prostoty.

Théodore Guéricault (1791-1824) i romantyk Eugène Delacroix (1798-1863) zbuntowali się przeciwko stylowi Davida. Dla Delacroix kolor był najważniejszy ważny element w malarstwie i nie miał cierpliwości do naśladowania klasycznych rzeźb. Zamiast tego podziwiał Rubena i Wenecjan. Do swoich obrazów wybierał barwne, egzotyczne motywy, które mienią się światłem i są pełne ruchu.

Malarze z Barbizon byli również częścią ogólnego ruchu romantycznego, który trwał od około 1820 do 1850 roku. Pracowali w pobliżu wioski Barbizon na skraju lasu Fontainebleau. Czerpali inspirację z natury i wykonywali obrazy w swoich pracowniach.

Inni artyści eksperymentowali z codziennymi, powszechnymi tematami. Pejzaże Jeana Baptiste'a Camille'a Corota (1796-1875) odzwierciedlają jego miłość do natury, a jego studia nad ludzkim ciałem ukazują rodzaj zrównoważonego spokoju. Gustave Courbet (1819-1877) nazywał siebie realistą, ponieważ przedstawiał świat takim, jakim go widział – nawet jego surową, nieprzyjemną stronę. Ograniczył swoją paletę do zaledwie kilku ponurych kolorów. Również Edouard Manet (1832-1883) wzorował się na swoich poddanych ze świata zewnętrznego. Ludzie byli zszokowani jego kolorowymi kontrastami i nietypowe sztuczki. Powierzchnie jego obrazów często mają płaską, wzorzystą fakturę pędzla. Metody Maneta polegające na stosowaniu efektów świetlnych w formie wywarły wpływ na młodych artystów, zwłaszcza impresjonistów.

Działająca w latach 70. i 80. XIX wieku grupa artystów zwana impresjonistami chciała przedstawiać naturę dokładnie taką, jaka była. Posunęli się znacznie dalej niż Constable, Turner i Manet w badaniu wpływu światła na kolor. Niektórzy z nich rozwinęli naukowe teorie koloru. Claude Monet (1840-1926) często malował ten sam widok o różnych porach dnia, aby pokazać, jak zmienia się on w różnych warunkach oświetleniowych. Niezależnie od tematu, jego obrazy składają się z setek maleńkich kresek umieszczonych obok siebie, często w kontrastowych kolorach. Z daleka pociągnięcia łączą się, dając wrażenie solidnych kształtów. Pierre Auguste Renoir (1841-1919) wykorzystał metody impresjonizmu, aby uchwycić święto paryskiego życia. W jego „Tańcu w Moulin de la Galette” ludzie w kolorowych ubraniach tłoczyli się i tańczyli wesoło. Renoir namalował cały obraz małymi pociągnięciami. Kropki i kreski farby tworzą na powierzchni obrazu fakturę, która nadaje mu szczególny wygląd. Tłumy ludzi wydają się rozpuszczać w świetle słonecznym i mieniących się kolorach.

malarstwo XX wieku

Wielu artystów wkrótce stało się niezadowolonych z impresjonizmu. Artyści tacy jak Paul Cézanne (1839-1906) uważali, że impresjonizm nie opisuje trwałości form w naturze. Cezanne lubił malować martwe natury, ponieważ pozwalały mu skupić się na kształcie owoców lub innych przedmiotów i ich ułożeniu. Tematy jego martwych natur wyglądają solidnie, ponieważ zredukował je do prostych geometrycznych kształtów. Jego technika umieszczania plam farby i krótkich pociągnięć bogatych kolorów obok siebie pokazuje, że wiele nauczył się od impresjonistów.

Vincent van Gogh (1853-90) i Paul Gauguin (1848-1903) odpowiedzieli na realizm impresjonistów. W przeciwieństwie do impresjonistów, którzy twierdzili, że patrzą na naturę obiektywnie, Van Gogh nie dbał o dokładność. Często zniekształcał przedmioty, aby bardziej kreatywnie wyrazić swoje myśli. Wykorzystał impresjonistyczne zasady, aby umieścić obok siebie kontrastujące ze sobą kolory. Czasami wyciskał farbę z tubki bezpośrednio na płótno, jak w "Polu żółtej kukurydzy".

Gauguina nie obchodził cętkowany kolor impresjonistów. Gładko nakładał kolor na duże płaskie powierzchnie, które oddzielał od siebie liniami lub ciemnymi krawędziami. Wiele z jego tematów stanowiły kolorowe ludy tropikalne.

Metoda Cezanne'a tworzenia przestrzeni za pomocą prostych geometrycznych kształtów została opracowana przez Pabla Picassa (1881-1973), Georgesa Braque'a (1882-1963) i innych. Ich styl stał się znany jako kubizm. Kubiści malowali przedmioty tak, jakby można je było oglądać pod wieloma kątami jednocześnie lub jakby zostały rozebrane i złożone z powrotem na płaskim płótnie. Często obiekty okazywały się niepodobne do niczego, co istnieje w naturze. Czasami kubiści wycinali postacie z tkaniny, kartonu, tapety lub innych materiałów i wklejali je na płótno, tworząc kolaż. Zmieniano także tekstury, dodając do farby piasek lub inne substancje.

Nowsze trendy polegały na kładzeniu mniejszego nacisku na ten temat. Zaczęto kłaść większy nacisk na kompozycję i technikę obrazu.

Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy korzystają z bazy wiedzy w swoich studiach i pracy, będą Wam bardzo wdzięczni.

WSTĘP

1. RODZAJE MALARSTWA

2. MALARSTWO I JEGO RODZAJE

WNIOSEK

BIBLIOGRAFIA

WSTĘP

Słowo „malowanie” powstało ze słów „żyć” i „pisać”. „Malowanie”, wyjaśnia Dahl, „aby przedstawiać poprawnie i żywo za pomocą pędzla lub słów, za pomocą pióra”. Dla malarza poprawne zobrazowanie oznacza dokładne oddanie wyglądu zewnętrznego tego, co zobaczył, jego najważniejszych cech. Udało się je poprawnie przekazać środkami graficznymi - linią i tonem. Ale nie da się tak plastycznie oddać za pomocą tych ograniczonych środków wielobarwności otaczającego świata, pulsacji życia w każdym centymetrze kolorowej powierzchni przedmiotu, uroku tego życia i nieustannego ruchu i zmiany. Malarstwo, jeden z rodzajów sztuk pięknych, pomaga wiernie oddać kolorystykę rzeczywistego świata.

Kolor - główny środek obrazowy i ekspresyjny w malarstwie - ma ton, nasycenie i lekkość; zdaje się scalać w całość wszystko, co charakterystyczne dla podmiotu: zarówno to, co można narysować kreską, jak i to, co jest dla niej niedostępne.

Malarstwo, podobnie jak grafika, wykorzystuje jasne i ciemne linie, kreski i plamy, ale w przeciwieństwie do niego te linie, kreski i plamy są kolorowe. Poprzez olśnienia i jasno oświetlone powierzchnie oddają barwę źródła światła, rzeźbią trójwymiarową formę z barwą obiektu (lokalną) i barwą odbitą od otoczenia, ustanawiają relacje przestrzenne i głębię, obrazują fakturę i materialność przedmiotów.

Zadaniem malarstwa jest nie tylko pokazanie czegoś, ale także ujawnienie wewnętrznej istoty przedstawianych, odtworzenie „typowych postaci w typowych okolicznościach”. Dlatego prawdziwe artystyczne uogólnienie zjawisk życia jest podstawą podstaw malarstwa realistycznego.

1. RODZAJE MALARSTWA

malarstwo monumentalne- To szczególny rodzaj malowideł wielkoformatowych, zdobiących ściany i sufity obiektów architektonicznych. Ujawnia treść najważniejszych zjawisk społecznych, które pozytywnie wpłynęły na rozwój społeczeństwa, gloryfikuje je i utrwala, pomagając edukować ludzi w duchu patriotyzmu, postępu i człowieczeństwa. Wzniosłość treści malarstwa monumentalnego, znaczny rozmiar jego dzieł, związki z architekturą wymagają dużych mas kolorystycznych, surowej prostoty i zwięzłości kompozycji, wyrazistości konturów i uogólnienia formy plastycznej.

malarstwo dekoracyjne Służy do ozdabiania budynków i wnętrz w postaci kolorowych paneli, które realistycznym obrazem stwarzają iluzję przebicia ściany, wizualnego powiększenia pomieszczenia lub wręcz przeciwnie, celowo spłaszczone formy potwierdzają płaskość ściany i izolację przestrzeni. Wzory, wieńce, girlandy i inne rodzaje dekoracji, które zdobią dzieła monumentalnego malarstwa i rzeźby łączą ze sobą wszystkie elementy wnętrza, podkreślając ich piękno, spójność z architekturą.

Malarstwo teatralne i dekoracyjne(scenografia, kostiumy, charakteryzacja, rekwizyty, wykonane według szkiców artysty) pozwala głębiej odsłonić treść spektaklu. Szczególne teatralne warunki odbioru scenerii wymagają uwzględnienia wielu punktów widzenia publiczności, jej dużej odległości, wpływu sztucznego oświetlenia i kolorowych świateł. Sceneria daje wyobrażenie o miejscu i czasie akcji, uruchamia percepcję widza tego, co dzieje się na scenie. Artysta teatralny stara się ostro wyrazić indywidualny charakter postaci, ich status społeczny, styl epoki i wiele więcej w szkicach kostiumów i charakteryzacji.

malarstwo miniaturowe rozwinęła się znacznie w średniowieczu, przed wynalezieniem druku. Odręcznie pisane książki były ozdobione najwspanialszymi nakryciami głowy, zakończeniami i szczegółowymi miniaturowymi ilustracjami. Artyści rosyjscy pierwszej połowy XIX wieku umiejętnie wykorzystywali malarską technikę miniatury do tworzenia niewielkich (głównie akwarelowych) portretów. Czyste głębokie kolory akwareli, ich wykwintne połączenia, finezja malarstwa wyróżniają te portrety, pełne wdzięku i szlachetności.

malarstwo sztalugowe, wykonywana na obrabiarce - sztalugach, jako materiał bazowy wykorzystuje drewno, tekturę, papier, ale najczęściej płótno naciągnięte na blejtram. Obraz sztalugowy, będąc dziełem samodzielnym, może przedstawiać absolutnie wszystko: fakty i fikcję artysty, przedmioty i ludzi nieożywionych, współczesność i historię - jednym słowem życie we wszystkich jego przejawach. W przeciwieństwie do grafiki, malarstwo sztalugowe charakteryzuje się bogactwem barw, które pomagają emocjonalnie, psychologicznie wieloaspektowo i subtelnie oddać piękno otaczającego świata.

Pod względem techniki i sposobu wykonania malarstwo dzieli się na olej, temperę, fresk, wosk, mozaikę, witraż, akwarelę, gwasz, pastel. Nazwy te pochodziły od spoiwa lub od sposobu użycia środków materiałowych i technicznych.

Obraz olejny wykonane farbą wytartą na olejach roślinnych. Gęsta farba po dodaniu do niej oleju lub specjalnych rozcieńczalników i lakierów upłynnia się. Farbę olejną można stosować na płótnie, drewnie, kartonie, papierze, metalu.

tempera malowanie odbywa się farbą przygotowaną na żółtku jaja lub kazeinie. Farba tempera rozpuszcza się w wodzie i jest nakładana w postaci pasty lub płynu na ścianę, płótno, papier, drewno. Tempera na Rusi tworzyła malowidła ścienne, ikony i wzory na przedmiotach gospodarstwa domowego. W naszych czasach tempera jest używana w malarstwie i grafice, w sztuce i rzemiośle oraz w sztuce i projektowaniu.

malowanie alfresko zdobi wnętrza w postaci monumentalnych i dekoracyjnych kompozycji nakładanych na mokre tynki farbami wodnymi. Fresk ma przyjemną matową powierzchnię i jest trwały w warunkach wewnętrznych.

malowanie woskiem(enkaustyczny) był używany przez artystów starożytnego Egiptu, o czym świadczą słynne „Portrety fajumskie” (I wne). Spoiwem w enkaustyce jest bielony wosk. Farby woskowe nakłada się w stanie stopionym na ogrzaną podstawę, po czym poddaje się je kauteryzacji.

malarstwo mozaikowe, czyli mozaika, składa się z pojedynczych kawałków smołowanych lub kolorowych kamieni i mocuje na specjalnym podłożu cementowym. Przezroczysta smalta, wbita w ziemię pod różnymi kątami, odbija lub załamuje światło, powodując, że kolor migocze i mieni się. Panele mozaikowe można spotkać w metrze, we wnętrzach teatralnych, muzealnych itp. Witraż to dzieło sztuki zdobniczej przeznaczone do zdobienia otworów okiennych w dowolnych obiektach architektonicznych. Witraż składa się z kawałków kolorowego szkła połączonych mocną metalową ramą. Strumień świetlny, przebijając się przez kolorową powierzchnię witrażu, rysuje efektowne dekoracyjnie, wielobarwne wzory na podłodze i ścianach wnętrza.

2. MALARSTWO I JEGO RODZAJE

Gatunki malarskie (gatunek francuski – rodzaj, typ) – historyczny podział obrazów ze względu na tematykę i przedmiot obrazu. We współczesnym malarstwie wyróżnia się następujące gatunki: portretowy, historyczny, mitologiczny, batalistyczny, codzienny, pejzażowy, martwa natura, zwierzęcy.

Chociaż pojęcie „gatunek” pojawiło się w malarstwie stosunkowo niedawno, pewne różnice gatunkowe istniały już od czasów starożytnych: wizerunki zwierząt w jaskiniach epoki paleolitu, portrety starożytnego Egiptu i Mezopotamii z 3000 r. p.n.e., pejzaże i martwe natury w czasach hellenistycznych i rzymskich mozaiki i freski. Formowanie się gatunku jako systemu w malarstwie sztalugowym rozpoczęło się w Europie w XV-XV wieku. i zakończył się głównie w XVII wieku, kiedy to oprócz podziału sztuk plastycznych na gatunki pojawiło się pojęcie gatunków „wysokich” i „niskich”, w zależności od tematyki obrazu, tematu, fabuły.

Gatunek „wysoki” obejmował gatunki historyczne i mitologiczne, a gatunek „niski” obejmował portret, pejzaż i martwą naturę. To stopniowanie gatunków trwało do XIX wieku. Tak więc w XVII wieku w Holandii to właśnie „niskie” gatunki stały się wiodącymi w malarstwie (pejzaż, gatunek domowy, martwa natura) i formalny portret, który formalnie należał do „niskiego” gatunku portretu, nie należał do takiego.

Gatunki malarstwa, stając się formą odzwierciedlenia życia, przy całej stałości wspólnych cech, nie są niezmienne, rozwijają się wraz z życiem, zmieniają się wraz z rozwojem sztuki. Niektóre gatunki obumierają lub nabierają nowego znaczenia (np. gatunek mitologiczny), powstają nowe, zwykle w ramach już istniejących (np. w ramach gatunku pejzażowego pojawił się pejzaż architektoniczny i marina). Są prace łączące różne gatunki (np. połączenie gatunku codziennego z pejzażem, portret grupowy z gatunkiem historycznym).

Nazywa się gatunek sztuki, który odzwierciedla zewnętrzny i wewnętrzny wygląd osoby lub grupy ludzi portret. Gatunek ten jest szeroko rozpowszechniony nie tylko w malarstwie, ale także w rzeźbie, grafice itp. Główne wymagania dotyczące portretu to przeniesienie zewnętrznego podobieństwa i ujawnienie wewnętrznego świata, istoty charakteru osoby. Ze względu na charakter obrazu wyróżnia się dwie główne grupy: portrety ceremonialne i kameralne. Portret ceremonialny przedstawia osobę w pełni rozwiniętą (na koniu, stojącą lub siedzącą) na tle architektonicznym lub krajobrazowym. W portrecie kameralnym używany jest wizerunek połowy długości lub klatki piersiowej na neutralnym tle. W szczególnej grupie wyróżnia się autoportret - wizerunek samego artysty.

Portret jest jednym z najstarszych gatunków plastycznych, pierwotnie miał cel kultowy, utożsamiany był z duszą zmarłego. W świat starożytny portret rozwinął się bardziej w rzeźbie, a także w portretach obrazkowych - portretach Fajum z I-III wieku. W średniowieczu pojęcie portretu zostało zastąpione uogólnionymi obrazami, chociaż w przedstawianiu postaci historycznych na freskach, mozaikach, ikonach i miniaturach występują pewne cechy indywidualne. Późny gotyk i renesans to burzliwy okres w rozwoju portretu, w którym gatunek portretowy wyłania się, osiągając wyżyny humanistycznej wiary w człowieka i rozumienia jego życia duchowego.

Gatunek sztuki poświęcony historycznym wydarzeniom i postaciom nazywa się gatunek historyczny. Gatunek historyczny, który charakteryzuje się monumentalnością, przez długi czas rozwinął się w malowanie ścian. Od renesansu do XIX wieku artyści wykorzystali wątki starożytnej mitologii, chrześcijańskich legend. Często prawdziwe wydarzenia historyczne przedstawione na obrazie były nasycone mitologicznymi lub biblijnymi alegorycznymi postaciami.

Gatunek historyczny przeplata się z innymi - gatunek codzienny (sceny historyczne i codzienne), portret (wizerunek postaci historycznych z przeszłości, kompozycje portretowo-historyczne), pejzaż („krajobraz historyczny”), łączy się z gatunkiem bitewnym.

Gatunek historyczny ucieleśniony jest w formach sztalugowych i monumentalnych, w miniaturach i ilustracjach. Wywodzący się ze starożytności gatunek historyczny łączył prawdziwe wydarzenia historyczne z mitami. W krajach starożytnego Wschodu istniały nawet typy kompozycji symbolicznych (apoteoza zwycięstw militarnych monarchy, przekazanie mu władzy przez bóstwo) oraz narracyjne cykle malowideł ściennych i płaskorzeźb. W starożytnej Grecji istniały rzeźbiarskie wizerunki bohaterów historycznych, w starożytnym Rzymie powstawały płaskorzeźby ze scenami kampanii wojennych i triumfów.

W średniowieczu w Europie wydarzenia historyczne znalazły odzwierciedlenie w miniaturach kronik, w ikonach. Gatunek historyczny w malarstwie sztalugowym zaczął kształtować się w Europie w okresie renesansu, w XVII-XVIII wieku. uznano go za gatunek „wysoki”, wysuwający na pierwszy plan (wątki religijne, mitologiczne, alegoryczne, wręcz historyczne).

Obrazy z gatunku historycznego wypełnione były treściami dramatycznymi, wysokimi ideałami estetycznymi i głębią relacji międzyludzkich.

Nazywa się gatunek sztuki poświęcony bohaterom i wydarzeniom, o których opowiadają mity starożytnych ludów gatunek mitologiczny(z greckiego mythos - tradycja). Gatunek mitologiczny styka się z historycznym i kształtuje się w okresie renesansu, kiedy starożytne legendy dawały najbogatsze możliwości ucieleśnienia opowieści i postaci o złożonym etycznym, często alegorycznym wydźwięku. w XVII wieku -- wczesny XIX wiek w dziełach gatunku mitologicznego poszerza się zakres problemów moralnych, estetycznych, które są ucieleśnione w wysokich ideałach artystycznych i albo zbliżają się do życia, albo tworzą uroczysty spektakl. Od XIX-XX wieku. popularne stały się motywy mitów germańskich, celtyckich, indyjskich, słowiańskich.

gatunek bitewny(z francuskiego bataille - bitwa) to gatunek malarstwa należący do gatunku historycznego, mitologicznego i specjalizujący się w przedstawianiu bitew, wyczynów militarnych, działań wojennych, gloryfikacji militarnej waleczności, wściekłości bitwy, triumfu zwycięstwa. Gatunek bitewny może zawierać elementy innych gatunków - domowych, portretowych, pejzażowych, zwierzęcych, martwej natury.

Nazywa się gatunek sztuki, który przedstawia sceny z życia codziennego, osobistego człowieka, życia codziennego z życia chłopskiego i miejskiego gatunek na co dzień. Odwoływanie się do życia i zwyczajów ludzi można już znaleźć w obrazach i płaskorzeźbach starożytnego Wschodu, w starożytnym malarstwie i rzeźbie wazowej, w średniowiecznych ikonach i godzinnikach. Ale gatunek codzienny wyróżniał się i nabierał charakterystycznych form dopiero jako fenomen świeckiej sztuki sztalugowej. Jego główne cechy zaczęły nabierać kształtu w XIV - XV wieku. w obrazach ołtarzowych, płaskorzeźbach, gobelinach, miniaturach w Holandii, Niemczech, Francji. W XVI wieku w Holandii gatunek codzienny zaczął się szybko rozwijać i stał się izolowany. Jednym z jej założycieli był Hieronim Bosch.

Duży wpływ na rozwój gatunku codziennego w Europie miała twórczość Pietera Brueghela: przechodzi on do gatunku czysto codziennego, pokazuje, że codzienność może być przedmiotem badań i źródłem piękna. Wiek XVII można nazwać wiekiem gatunku codziennego we wszystkich szkołach malarstwa w Europie.

W XVIII wieku. we Francji malarstwo rodzajowe kojarzy się z przedstawieniem szarmanckich scen, „pastoralnych”, staje się wyrafinowane i pełne wdzięku, ironiczne. Dzieła gatunku codzienności są różnorodne: ukazywały ciepło domowego życia i egzotykę odległych krain, sentymentalne przeżycia i romantyczne namiętności. Gatunek codzienności, skupiający się na pokazywaniu życia chłopskiego i miejskiego, intensywnie rozwijał się w malarstwie rosyjskim XIX wieku: m.in.

Nazywa się gatunek sztuk pięknych, w którym najważniejszy jest obraz natury, otoczenia, widoków wsi, miast, zabytków krajobraz(francuska wypłata). Wyróżnia się krajobraz wiejski, miejski, architektoniczny, przemysłowy, morski (marinowy) i rzeczny.

W starożytności i średniowieczu pejzaż pojawia się na obrazach świątyń, pałaców, ikonach i miniaturach. W sztuce europejskiej weneccy malarze renesansu jako pierwsi zwrócili się ku obrazowi natury. Od XVI wieku krajobraz staje się niezależnym gatunkiem, kształtują się jego odmiany i kierunki: pejzaż liryczny, heroiczny, dokumentalny. W 19-stym wieku twórcze odkrycia mistrzów krajobrazu, jego nasycenie problematyką społeczną, rozwój pleneru (obrazu środowiska naturalnego) zwieńczyły osiągnięcia impresjonizmu, który dał nowe możliwości w malowniczym przekazywaniu głębi przestrzennej, zmienność środowiska świetlnego i powietrznego oraz złożoność kolorów.

Nazywa się gatunek sztuki, który przedstawia przedmioty gospodarstwa domowego, pracę, kreatywność, kwiaty, owoce, martwą zwierzynę, złowione ryby, umieszczone w prawdziwym środowisku domowym. martwa natura(fr. natura morte – martwa natura). Martwa natura może mieć złożone znaczenie symboliczne, pełnić rolę dekoracyjnego panelu, być tzw. „oszustwo”, które daje iluzoryczne odwzorowanie rzeczywistych przedmiotów lub postaci, powodując efekt obecności prawdziwej natury.

Obraz przedmiotów znany jest w sztuce starożytności i średniowiecza. Ale pierwszą martwą naturą w malarstwie sztalugowym jest obraz weneckiego artysty Jacopo de Barbari „Kuropatwa ze strzałą i rękawiczkami”. Już w XVI wieku martwą naturę dzieli się na wiele typów: wnętrze kuchni z ludźmi lub bez ludzi, zastawiony stół w wiejskiej scenerii, „vanitas” z przedmiotami symbolicznymi (wazon z kwiatami, zgaszona świeca, instrumenty muzyczne ). Martwa natura holenderska była szczególnie bogata, skromna w kolorze i przedstawionych rzeczach, ale wyśmienita w wyrazistej fakturze przedmiotów, w grze koloru i światła.

Nazywa się gatunek sztuki przedstawiający zwierzęta gatunek zwierząt(od łac. zwierzę - zwierzę). Artysta-zwierzęcy zwraca uwagę na artystyczne i figuratywne cechy zwierzęcia, jego zwyczaje, dekoracyjną ekspresję postaci, sylwetkę. Często zwierzęta są obdarzone cechami właściwymi ludziom, działaniom i doświadczeniom. Obrazy zwierząt często znajdują się w starożytnej rzeźbie, malarstwie wazowym.

WNIOSEK

Podsumowując, podsumujmy powyższe:

Malarstwo dzieli się na monumentalne, dekoracyjne, teatralno-dekoracyjne, miniaturowe i sztalugowe.

Pod względem techniki i sposobu wykonania malarstwo dzieli się na olej, temperę, fresk, wosk, mozaikę, witraż, akwarelę, gwasz, pastel.

We współczesnym malarstwie wyróżnia się następujące gatunki: portretowy, historyczny, mitologiczny, batalistyczny, codzienny, pejzażowy, martwa natura, zwierzęcy.

Malarstwo historyczne jest obrazem pewnych momentów historycznych, a także postaci życia publicznego z przeszłości.

Malarstwo bitewne ma na celu uchwycenie bitew, bitew i wojen. Malarstwo mitologiczne przedstawia wydarzenia opisane w mitach, eposach i legendach.

Malarstwo codzienne (rodzajowe) jest obrazem scen z prawdziwego życia, jego realiów i atrybutów.

Malarstwo pejzażowe (pejzażowe) to obraz przyrody lub dowolnego obszaru.

Malarstwo portretowe jest artystycznym przedstawieniem osoby. Szczególnym typem portretu jest autoportret.

Martwa natura to obraz różnych przedmiotów nieożywionych, na przykład owoców, kwiatów, artykułów gospodarstwa domowego, przyborów kuchennych, umieszczonych w prawdziwym środowisku domowym i kompozycyjnie zorganizowanych w jedną grupę.

BIBLIOGRAFIA

1. Batrakova SP Artysta XX wieku. i język malarstwa. M., 1996.

2. Vipper B.R. Wprowadzenie do historycznego studium sztuki. M., Sztuki wizualne, 1985

3. Sztuka zachodnia XX wieku. Klasyczne dziedzictwo i nowoczesność. M, 1992.

4. Historia sztuka zagraniczna. M., Sztuki wizualne, 1984

5. Historia sztuki światowej. Wydanie III, Wydawnictwo Akademii, M., 1998.

6. Od konstruktywizmu do surrealizmu. M., 1996.

7. Poliakow V.V. Historia sztuki światowej. Sztuki wizualne i architektura XX wieku. M., 1993.

8. Sadokhin A.P. Kulturologia: teoria i historia kultury: Instruktaż. -- M.: Eksmo, 2007.

9. Współczesna sztuka zachodnia. XX wiek: problemy i trendy. M., 1982.

10. Suzdalev P. O gatunkach malarstwa. // Kreatywność, 2004, nr 2, 3. s. 45-49.

Podobne dokumenty

Ogólna charakterystyka, klasyfikacja i typy krajobrazu jako jeden z aktualnych gatunków form artystycznych. Identyfikacja cech, związków gatunku pejzażowego w malarstwie, fotografii, filmie i telewizji. Historia powstania fotografii na przełomie XIX i XX wieku.

streszczenie, dodano 26.01.2014

Pojęcie malarstwa sztalugowego jako niezależnej formy sztuki. Koreańskie malarstwo okresu Goguryeo. Sztuki piękne i architektura Silla. Wybitni artyści i ich twórczość. Cechy treści koreańskiego malarstwa ludowego.

streszczenie, dodano 06.04.2012

Geneza sztuki w epoce jaskini. Rozwój sztuki w starożytnej Grecji i Rzymie. Cechy rozwoju malarstwa w średniowieczu, renesansie i baroku. Prądy artystyczne w sztuce współczesnej. Esencja piękna z moralnego punktu widzenia.

artykuł, dodano 16.02.2011

System klasyfikowania sztuki na typy przestrzenne (plastyczne), temporalne (dynamiczne), syntetyczne (spektakularne). Rozwój historyczny, cechy i sposoby wykorzystania materiałów plastycznych w grafice, rzeźbie i malarstwie.

test, dodano 29.01.2010

Studium przedstawicieli włoskiej szkoły malarstwa. Charakterystyka cech głównych rodzajów sztuk plastycznych: grafiki sztalugowej i użytkowej, rzeźby, architektury i fotografii. Poznanie technik i metod pracy z farbami olejnymi.

praca semestralna, dodano 15.02.2012

Portret jako gatunek w malarstwie. Historia portretu. Portret w malarstwie rosyjskim. Budowa kompozycji portretu. Technika malarstwa olejnego. Podstawa do malowania. Oleisty farby artystyczne i pędzle. Paleta barwników i mieszanie farb.

praca dyplomowa, dodano 25.05.2015

Geneza i rozwój sztuki niderlandzkiej w XVII wieku. Studium twórczości największych mistrzów niderlandzkiego i niderlandzkiego malarstwa rodzajowego i pejzażowego. Badanie specyficzne cechy takie gatunki jak gatunek domowy, portret, pejzaż i martwa natura.

test, dodano 12.04.2014

Martwa natura jako jeden z gatunków sztuk plastycznych, zapoznanie się z umiejętnościami i zdolnościami malarstwa. Cechy zastosowania płynnych farb akrylowych. Zapoznanie z zadaniami malarstwa. Analiza intensywnej ascetycznej sztuki Bizancjum.

praca semestralna, dodano 09.09.2013

Charakterystyka malarstwa wnętrz, które występuje zarówno jako samodzielny gatunek sztuki, jak i jako tło w pracach przedstawiających wydarzenia historyczne, codzienne. Analiza cech wnętrz w obrazach mistrzów malarstwa K. Bryullova, I. Repina.

test, dodano 26.08.2011

Cechy charakterystyczne sztuki starożytnego Rzymu. Historyczne korzenie kultury rzymskiej. styl malarstwa romańskiego. Główne kierunki i różnorodność starożytnego malarstwa rzymskiego: portrety fajumskie, malarstwo monumentalne, malarstwo Etrusków.

MALARSTWO I JEGO RODZAJE?

Malarstwo to sztuka płaszczyzny i jednego punktu widzenia, gdzie przestrzeń i objętość istnieją tylko w iluzji.

Ogromna różnorodność i kompletność zjawisk, wrażeń, efektów, które malarstwo jest w stanie ucieleśnić. Cały świat uczuć, postaci, relacji, przeżyć jest do dyspozycji malarstwa. Najsubtelniejsze obserwacje natury, odwieczne idee, wrażenia, subtelne odcienie nastrojów są jej dostępne.

1. RODZAJE MALARSTWA

Malarstwo dzieli się na monumentalne, dekoracyjne, teatralno-dekoracyjne, miniaturowe i sztalugowe.

MATERIAŁ W PRACACH MALARSKICH.

Ze względu na technikę i sposób wykonania malarstwo dzieli się na olej, temperę, fresk, wosk, mozaikę, witraż, akwarelę, gwasz, pastel.

Materiały do malowania sztalugowego: pierwotnie używano drewna, używano go w Egipcie, starożytnej Grecji.

W epoce wczesnego renesansu w XIV wieku obraz i rama do niego zostały wykonane z jednego kawałka. (we Włoszech XV-XVI w. najczęściej używano topoli, rzadziej wierzby, jesionu, orzecha włoskiego. Na początku używano grubych desek, nie ciętych z tyłu. W Holandii, Francji zaczęto używać desek dębowych używany od XVI w. w Niemczech lipa, buk, świerk).

Od XVIII w. drewno traci na popularności. Pojawia się „płótno". Występuje już wśród starożytnych artystów. Płótno łączy się z drewnem. W tej epoce płótno jest jednak używane sporadycznie. Płótno osiąga szerokie zastosowanie dopiero w XV-XVI w. Używane do tempery.

Od drugiej połowy XVI wieku pojawiały się tablice miedziane na małe obrazy (szczególnie popularne we Flandrii).

W XIX wieku karton był czasami używany do szkiców do szkiców.

W malarstwie średniowiecza i wczesnego renesansu dominuje duży, wypolerowany podkład wykonany z gipsu i kredy. W XIII-XIV wieku do pokrycia białego podkładu używano złota. Pod koniec XIV wieku złoty elementarz stopniowo zanika. Zamiast gipsu czy kredy zagruntowuje się je farbą olejną.Pod koniec XVI wieku pełne uznanie kolorowego podkładu farbami olejnymi zyskuje we Włoszech.Powszechny był czerwono-brązowy podkład.(BOLUS)

Decydujący krok zostaje podjęty początek XVIII wieku, bifurkacja jest wykonana techniką trzech ołówków.

XVIII wiek - rozkwit łóżka (najwięksi mistrzowie Chardin, Latour, Lyotard).

Akwarela zaczyna się bardzo późno, później niż pastel.Technika akwareli jest znana od bardzo dawna. Znana była już w Starożytny Egipt, w Chinach. Akwarela była używana przez średniowiecznych miniaturystów.

Od końca XV wieku wzrosła popularność malarstwa olejnego. W XVI wieku wypiera temperę.

Romantycy francuscy początku XIX wieku lubili bitum (lub asfalt).

GŁÓWNE RODZAJE PERSPEKTYWY W MALARSTWIE

Perspektywa to nauka o przedstawianiu obiektów w przestrzeni na płaszczyźnie lub dowolnej powierzchni zgodnie z pozornymi redukcjami ich wielkości, zmianami w zarysach formy oraz proporcjami światła i cienia, które obserwuje się w przyrodzie.

(Perspektywa klasyczna odpowiada pewnemu poziomowi intelektualnemu, w ramach którego własny punkt widzenia nie może różnić się od innych, a jej praktyczna realizacja w rzeczywistości może być rodzajem samowystarczalnej doskonałości technicznej.

Perspektywa dynamiczna jest szczególną formą perspektywy pierwotnej.

zarys - liniowe kontury przedstawionej postaci, jej kontur.

Sztuka abstrakcyjna - jeden z nurtów formalistycznych w sztukach wizualnych, który powstał na przełomie XIX i XX wieku. Abstrakcjoniści odmówili przedstawiania przedmiotów i zjawisk świata obiektywnego (stąd inna nazwa abstrakcjonizmu - sztuka nieobiektywna). Ich praca jest próbą wyrażenia swoich uczuć i myśli poprzez zestawienia kolorystyczne plam lub linii na własną rękę, bez przedstawiania rzeczywistych przedmiotów i przedmiotów. Abstrakcjoniści porzucili rysunek, perspektywę, kolor i wszelkie inne środki obrazkowy język sztuka malarstwa. Naruszyli tym samym profesjonalne podstawy malarstwa, zniszczyli jego prawdziwe możliwości artystyczne. Abstrakcjonizm zniekształca gusta estetyczne ludzi, odwodzi ich od zrozumienia piękna przyrody i życia.

Dostosowanie - właściwość oka do przystosowania się do określonych warunków oświetleniowych. Istnieją adaptacje do światła, ciemności, a także do koloru. Osobliwością tego ostatniego jest zdolność przystosowania się oka do niezauważania koloru oświetlenia przedmiotów.

W warunkach półmroku i ogólnie przy słabym oświetleniu oka najbardziej wrażliwe na światło są zakończenia nerwowe (fotoreceptory) zwane pręcikami. Z ich pomocą oko dostrzega przejścia tonalne czerni i bieli. W silnym świetle w ciągu dnia inne fotoreceptory są bardziej wrażliwe - czopki, za pomocą których postrzegany jest kolor. Wraz z adaptacją do światła zmniejsza się czułość widzenia, a wraz z adaptacją do ciemności wzrasta. Kiedy oko przyzwyczaja się do ciemności, zaczynamy wyraźnie rozróżniać szczegóły krajobrazu. Ze względu na zwiększoną wrażliwość oka na ciemność w pochmurny dzień i o zmierzchu, początkujący artysta traci z oczu poziom oświetlenia ogólnego, które w tych warunkach jest znacznie słabsze niż w słoneczny lub jasnoszary dzień. O zmierzchu jasne przedmioty nie wydają mu się zmniejszone w jasności do tego stopnia, że iluminacja stała się niższa niż poprzednia iluminacja w świetle dziennym. Słabo dostrzega też bliższe relacje tonalne charakterystyczne dla zmierzchu i szarego dnia. Ponadto, mimo zaciemnienia, początkujący artysta rozróżnia w naturze (lub cieniach) bardzo subtelne przejścia światła i cienia na przedmiotach oraz pozwala na nadmierną różnorodność i fragmentaryzację. Nie jest więc na początku w stanie dokładnie ocenić i oddać tych rzeczywistych zmian jasności i barwy, jakie zachodzą w naturze.

Adaptacja polega na różnych zmianach zachodzących w naszym oku, gdy zmienia się natężenie światła. Na przykład w ciągu dnia źrenica zmniejsza się o 1-2 mm, w wyniku czego do oka wpada niewiele światła. W ciemności rozszerza się o 8-10 mm, przepuszczając dużo światła. Wiedząc, że powierzchnia źrenicy jest proporcjonalna do kwadratu średnicy, można ustalić, że jeśli źrenica podwoi się, to ilość przepuszczanego przez nią światła wzrośnie czterokrotnie; jeśli źrenica zostanie powiększona czterokrotnie, ilość przepuszczanego przez nią światła wzrośnie 16 razy. Jest to częściowo powód, dla którego wyróżniamy główne proporcje światła o zmierzchu. Odruch źreniczny na światło i ciemność kompensuje w ten sposób do pewnego stopnia spadek oświetlenia.

akademizm - termin wartościujący odnoszący się do tych nurtów w sztuce, których przedstawiciele są całkowicie zorientowani na ustalone autorytety artystyczne, uważają, że postęp sztuki nowoczesnej nie odbywa się w żywym związku z życiem, ale w jej najbliższym zbliżeniu do ideałów i form sztuki przeszłości epok i bronią absolutnej, niezależnej od miejsca i czasu normy piękna. Historycznie akademizm związany jest z działalnością akademii, które kształciły młodych artystów w duchu bezsensownego naśladowania wzorców sztuki antyku i włoskiego renesansu. Nurt ten, zapoczątkowany po raz pierwszy w Akademii Bolońskiej w XVI wieku, był szeroko rozwijany w akademiach czasów późniejszych; było to charakterystyczne dla Rosyjskiej Akademii Sztuk w XIX wieku, co wywołało walkę z akademią zaawansowanych artystów realistycznych. Kanonizując klasycystyczne metody i intrygi, akademizm odgradzał sztukę od nowoczesności, uznając ją za „niską”, „niską”, niewartą sztuki „wysokiej”.

Pojęcia akademizmu nie można utożsamiać ze wszystkimi działaniami uczelni artystycznych z przeszłości. W systemie edukacji akademickiej było wiele cnót. W szczególności, oparty na długiej tradycji, wysokiej kulturze rysunkowej, która była jednym z najmocniejszych punktów akademickiego szkolnictwa.

Farby akwarelowe - klej wodny z drobno zmielonych pigmentów zmieszanych z gumą, dekstryną, gliceryną, czasem z miodem lub syropem cukrowym; produkowane są na sucho - w postaci płytek, półwilgotne - w porcelanowych kubkach lub półpłynne - w tubach.

Akwarele można pisać na suchym lub mokrym papierze od razu, w pełnej mocy koloru, można pracować z laserunkami, stopniowo udoskonalając relacje kolorystyczne Natura. Musicie wiedzieć, że akwarela nie toleruje poprawek, tortur, wielokrotnych, wielokrotnych rejestracji farbami mieszanymi.

Często malarze stosują technikę akwareli w połączeniu z innymi materiałami: gwaszem, temperą, węglem drzewnym. Jednak w tym przypadku tracone są główne cechy malarstwa akwarelowego - nasycenie, przezroczystość, czystość i świeżość, czyli dokładnie to, co odróżnia akwarelę od każdej innej techniki.

Akcent - technika podkreślania linii, tonu lub koloru dowolnego wyrazistego obiektu, szczegółów obrazu, na które należy zwrócić uwagę widza.

Alla prima - technika w malarstwie akwarelowym lub olejnym, polegająca na tym, że szkic lub obraz jest napisany bez uprzedniej rejestracji i podmalowania, czasem jednorazowo, w jednej sesji.

Malarz zwierząt - artysta, który swoją twórczość poświęcił głównie przedstawianiu zwierząt.

kolory achromatyczne - biały, szary, czarny; różnią się jedynie jasnością i są pozbawione tonacji kolorystycznej. Natomiast istnieją kolory chromatyczne, które mają odcień koloru o różnej jasności i nasyceniu.

blask - element światłocienia, najjaśniejsze miejsce na oświetlanej (głównie błyszczącej) powierzchni przedmiotu. Wraz ze zmianą punktu widzenia olśnienie zmienia swoje położenie na kształcie przedmiotu.

Waler - termin praktyki artystycznej określający jakościową stronę odrębnego, głównie jasnego i cienistego tonu, w jego relacji z tonami otaczającymi. W malarstwie realistycznym materialne właściwości obiektywnego świata są przekazywane głównie poprzez obiektywnie regularne relacje tonalne. Ale aby żywo i holistycznie oddać materialność, plastyczność i kolor przedmiotu w określonym stanie oświetlenia iw określonym otoczeniu, artysta musi osiągnąć bardzo dużą dokładność i wyrazistość w stosunkach tonalnych; bogactwo, subtelność proporcji przejść prowadzących do wyrazistości malarstwa i są główną cechą Valera. Najwięksi mistrzowie XVII-XIX wieku. - takich jak Velasquez, Rembrandt, Chardin, Repin - malarstwo jest zawsze bogate w walerianę.

wizja malownicza - widzenie i rozumienie zależności kolorystycznych przyrody, z uwzględnieniem wpływu otoczenia i ogólnego stanu oświetlenia charakterystycznego dla przyrody w momencie jej obrazu. W wyniku takiej wizji na szkicu pojawia się prawdziwość relacji światła i barw, bogactwo ciepłych i zimnych odcieni, ich jedność i harmonia kolorystyczna, oddająca naturę z całym drżeniem życia. W tym przypadku mówi się o malowniczości etiudy lub obrazu.

Wizja artystyczna - umiejętność dokonania niezbędnej oceny estetycznej walorów natury. Przed przedstawieniem natury artysta widzi już w jej głównych cechach figuratywne rozwiązanie obrazowe, uwzględniające określony materiał.

witraż - malowanie na szkle farbami transparentnymi lub ornamentem złożonym z kawałków wielobarwnego szkła, mocowanych na metalowej oprawie, służy do wypełniania otworów okiennych i drzwiowych. Promienie światła przenikające przez szkło nabierają zwiększonej jasności i tworzą we wnętrzu grę barwnych refleksów.

perspektywa powietrzna - widoczne zmiany niektórych cech obiektów pod wpływem powietrza i przestrzeni. Wszystkie pobliskie obiekty są postrzegane wyraźnie, z wieloma szczegółami i fakturą, a odległe obiekty są postrzegane w sposób uogólniony, bez szczegółów. Kontury bliskich obiektów wyglądają na ostre, a odległe obiekty na miękkie. Z dużej odległości jasne obiekty wydają się ciemniejsze, a ciemne jaśniejsze. Wszystkie bliskie obiekty mają kontrastowy światłocień i wydają się obszerne, wszystkie odległe obiekty mają lekko zaznaczony światłocień i wydają się płaskie. Kolory wszystkich odległych obiektów stają się mniej nasycone z powodu zamglenia powietrza i nabierają koloru tego zamglenia - niebieskiego, mleczno-bladego lub fioletowego. Wszystkie pobliskie obiekty wydają się być wielokolorowe, a odległe obiekty wydają się mieć ten sam kolor. Artysta bierze pod uwagę wszystkie te zmiany, aby oddać przestrzeń i stan oświetlenia - ważne cechy plener malarski.

Percepcja wizualna - proces odbicia przedmiotów i zjawisk rzeczywistości w całej różnorodności ich właściwości, które bezpośrednio wpływają na narządy wzroku. Wraz z wrażeniami wizualnymi obejmuje również percepcję przeszłe doświadczenie wiedzy i zrozumienia na określony temat. Zrozumienie, zrozumienie istoty postrzeganego jest możliwe tylko wtedy, gdy obserwowane obiekty i zjawiska porówna się z poprzednio widzianymi (stała i stała percepcja wzrokowa). Do tego należy dodać, że percepcji wzrokowej towarzyszą uczucia skojarzeniowe, poczucie piękna, które wiążą się z osobistym doświadczaniem doznań zmysłowych pod wpływem otoczenia.

Kolor gamy - kolory, które dominują w tej pracy i określają charakter jej systemu kolorystycznego. Mówią: gama zimnych, ciepłych, bladych odcieni kolorów itp.

Harmonia - komunikacja, proporcjonalność, spójność. W sztukach wizualnych - połączenie form, związek części lub kolorów. W malarstwie jest to zgodność szczegółów z całością, nie tylko pod względem wielkości, ale także koloru (jedność koloru, zakres powiązanych odcieni). Źródłem harmonii są wzory zmian barwy obiektów naturalnych pod wpływem siły i składu spektralnego oświetlenia. Harmonia struktury kolorystycznej studium czy obrazu zależy także od fizjologii i psychologii wizualnego postrzegania światła i właściwości kolorystycznych obiektywnego świata (kontrastowe oddziaływanie kolorów, zjawisko aureoli itp.).

Rytownictwo- drukowana reprodukcja rysunku wycięta lub wytrawiona na desce (drzeworyt), linoleum (linoryt), blasze (akwaforta), kamieniu (litografia) itp. Cechą graweru jest możliwość jego replikacji: z jednej deski grawerowane przez artystę, drukuj dużą liczbę wielobarwnych nadruków (druków). W zależności od charakteru obróbki formy drukarskiej (tablicy lub płyty) oraz sposobu druku wyróżnia się ryty wypukłe i wgłębne.

Grafika - jeden z rodzajów sztuk plastycznych, bliski treści i formie malarstwu, ale posiadający własne zadania i możliwości artystyczne. W przeciwieństwie do malarstwa głównym środkiem wizualnym grafiki jest rysunek monochromatyczny (tj. Linia, światłocień); rola koloru pozostaje w nim stosunkowo ograniczona. Od strony środków technicznych grafika obejmuje rysunek we właściwym tego słowa znaczeniu we wszystkich jego odmianach. Z reguły prace graficzne wykonywane są na papierze, sporadycznie wykorzystywane są inne materiały.

W zależności od celu i treści grafiki dzieli się na grafiki sztalugowe, do których zalicza się dzieła o samodzielnym znaczeniu (które nie wymagają niezbędnego związku z tekstem literackim dla ujawnienia ich treści i nie ograniczają się do zawężonego, ściśle określonego celu praktycznego), grafika książkowa, która tworzy całość ideową i artystyczną z tekstem literackim lub towarzyszącym, a jednocześnie przeznaczona do dekoracyjnego i artystycznego zaprojektowania książki, plakat, który jest najbardziej widok masowy sztuki piękne, przeznaczone do realizacji zadań politycznych, propagandowych, artystycznych lub użytkowych (etykiety, dyplomy, znaczki pocztowe itp.) środkami artystycznymi.

Grisaille - obraz w czarno-białej farbie (lub monochromatyczny, na przykład brązowy); Wykorzystywana jest często do prac pomocniczych przy wykonywaniu podmalówek czy szkiców, a także do celów edukacyjnych przy opanowaniu technik obrazu tonalnego wykonywanego w farbach akwarelowych lub olejnych. Obraz tworzony jest wyłącznie na podstawie proporcji tonalnych (jasności) obiektów w naturalnym ustawieniu.

Podkładowy - cienka warstwa specjalnego składu (klej, olej, emulsja) nakładana na płótno lub tekturę w celu nadania ich powierzchni pożądanego koloru i właściwości tekstury oraz ograniczenia nadmiernego wchłaniania spoiwa (oleju). Jeśli pracujesz farbami olejnymi na podłożu niezagruntowanym (np. płótno), farby nie osadzają się, wysychają, olej z farby wsiąka w tkaninę, niszczy płótno i warstwa farby. W zależności od składu spoiwa wyróżnia się zabrudzenia: olejowe, klejowe, emulsyjne, syntetyczne. Według koloru - przyciemniane i kolorowe. Podkład składa się zwykle z 3 elementów: cienkiej warstwy kleju pokrywającej całą powierzchnię płótna folią (tzw. klejonką) oraz kilku warstw farby podkładowej, w tym cienkiej warstwy końcowej. Klejarka - cienka warstwa kleju (stolarskiego, kazeinowego lub żelatynowego) - zabezpiecza płótno przed wnikaniem farby gruntującej lub olejnej w głąb tkaniny lub na odwrotną stronę płótna, mocno wiąże kolejne warstwy gruntu z płótnem. Farba podkładowa wyrównuje powierzchnię płótna, tworzy niezbędny (zwykle biały) kolor i zapewnia mocne połączenie warstwy malarskiej z podkładem.

Elementarz - w technologii malarskiej: proces nakładania podkładu na powierzchnię przeznaczoną do malowania.

Gwasz - farba wodna o dużej sile krycia. Farby po wyschnięciu szybko się rozjaśniają i potrzeba sporego doświadczenia, aby przewidzieć stopień zmiany ich odcienia i koloru. Piszą farbami gwaszowymi na papierze, tekturze, sklejce. Prace mają matową aksamitną powierzchnię.

Detalowanie - uważne studiowanie szczegółów kształtu obiektów na obrazie. W zależności od zadania, jakie stawia przed sobą artysta, stopień szczegółowości może być różny.

Dodatkowe kolory - dwa kolory, które po zmieszaniu optycznie dają biel (czerwony i niebiesko-zielony, pomarańczowy i błękitny, żółty i niebieski, fioletowy i zielono-żółty, zielony i magenta). Po mechanicznym wymieszaniu tych par kolorów dopełniających uzyskuje się odcienie o obniżonym nasyceniu. Kolory dopełniające są często nazywane kontrastującymi.

Gatunek muzyczny - historycznie utrwalony podział wewnętrzny we wszystkich rodzajach sztuki; rodzaj dzieła sztuki w jedności specyficznych właściwości jego formy i treści. Pojęcie „gatunek” uogólnia cechy charakterystyczne dla szerokiej grupy dzieł dowolnej epoki, narodu lub sztuki światowej w ogóle. W każdej formie sztuki system gatunków jest skomponowany na swój własny sposób. W sztukach wizualnych – w oparciu o tematykę obrazu (portret, martwa natura, pejzaż, historyczny i obraz bitwy), a czasem charakter obrazu (karykatura, karykatura).

Obraz - jeden z głównych rodzajów sztuk pięknych. Wierne odwzorowanie wyglądu zewnętrznego przedmiotu, jego cech zewnętrznych jest możliwe również za pomocą środków graficznych – kreski i tonu. Ale tylko malarstwo może przekazać całą niezwykle różnorodną wielobarwność otaczającego świata.

Zgodnie z techniką wykonania malarstwo dzieli się na olej, temperę, fresk, wosk, mozaikę, witraż, akwarelę, gwasz, pastel. Nazwy te uzyskano od spoiwa lub od użytego materiału i środków technicznych. Cel i treść obrazu wymagają doboru takich środków plastycznych, za pomocą których najpełniej można wyrazić ideową i twórczą intencję artysty.

Według gatunku malarstwo dzieli się na sztalugowe, monumentalne, dekoracyjne, teatralne i dekoracyjne, miniaturowe.

Malarstwo dekoracyjne nie ma samodzielnego znaczenia i służy jako dekoracja zewnętrzna i wewnętrzna budynków w postaci kolorowych paneli, które z realistycznym obrazem tworzą iluzję „przebicia” ściany, zwiększenia wielkości pomieszczenia , lub wręcz przeciwnie, celowo spłaszczone formy wizualnie niejako zawężają, zamykają przestrzeń. Wzory, wieńce, girlandy i inne rodzaje dekoracji, które zdobią dzieła monumentalnego malarstwa i rzeźby, łączą ze sobą wszystkie elementy wnętrza, podkreślając piękno, ich spójność z architekturą. Zdobione są także przedmioty malarstwem dekoracyjnym: szkatułki, szkatułki, tace, skrzynie itp. Jej tematyka i forma podporządkowana jest przeznaczeniu rzeczy.

Malarstwo miniaturowe rozwinęła się znacznie w średniowieczu, przed wynalezieniem druku. Odręcznie pisane księgi zdobiły najwspanialsze nakrycia głowy, zakończenia, szczegółowe ilustracje i miniatury. Artyści rosyjscy pierwszej połowy XIX wieku umiejętnie wykorzystywali malarską technikę miniatur do tworzenia niewielkich (głównie akwarelowych) portretów. Czyste głębokie kolory akwareli, ich wykwintne kombinacje, delikatność obrazu wyróżniają te portrety.

Malarstwo monumentalne - szczególny rodzaj malowideł wielkoformatowych, zdobiących ściany i sufity obiektów architektonicznych (freski, mozaiki, panele). Ujawnia treść najważniejszych zjawisk społecznych, które pozytywnie wpłynęły na rozwój społeczeństwa, gloryfikuje je i utrwala. Wzniosłość treści malarstwa monumentalnego, znaczny rozmiar jego dzieł, związki z architekturą wymagają dużych mas kolorystycznych, surowej prostoty i zwięzłości kompozycji, wyrazistości sylwetek i uogólnienia formy plastycznej.

malarstwo sztalugowe - nazwa pochodzi od maszyny (sztalugi), na której powstaje obraz. Jako podstawę materiałową stosuje się drewno, tekturę, papier, ale najczęściej płótno naciągnięte na nosze. Obraz jest wstawiony w ramę i odbierany jako samodzielne dzieło sztuki, niezależne od otoczenia. W związku z tym do tworzenia dzieł malarstwa sztalugowego stosuje się nieco inne środki artystyczne, podaje się bardziej subtelne i szczegółowe relacje kolorystyczne i tonalne oraz podaje się bardziej złożony i szczegółowy opis psychologiczny postaci.

Malarstwo teatralne i dekoracyjne - dekoracje, kostiumy, charakteryzacja, rekwizyty, wykonane według szkiców artysty; pomagają pogłębić treść spektaklu. Szczególne teatralne warunki odbioru malarstwa wymagają uwzględnienia wielu punktów widzenia publiczności, ich większego oddalenia, wpływu sztucznego oświetlenia i akcentów kolorystycznych. Sceneria daje wyobrażenie o miejscu i czasie akcji, uruchamia percepcję widza tego, co dzieje się na scenie. W szkicach kostiumów i charakteryzacji artysta teatralny stara się ostro wyrazić indywidualny charakter postaci, ich status społeczny, styl epoki i wiele więcej.

Malarstwo akademickie - malowanie, wykonane w dowolnym celu edukacyjnym.

malowanie na mokro - technika malarstwa olejnego i akwarelowego. Podczas pracy z olejem należy zakończyć pracę przed wyschnięciem farb i wykluczyć takie etapy jak podmalowanie, glazurowanie i ponowna rejestracja. Malowanie na mokro ma dobrze znane zalety - świeżość warstwy farby, dobrą konserwację i względną prostotę techniki.

W akwareli, przed rozpoczęciem pracy na surowym papierze, równomiernie zwilżyć wodą. Gdy woda zostanie wchłonięta przez papier i trochę wyschnie (po 2-3 minutach), zaczynają pisać; pociągnięcia farby, leżące na mokrej powierzchni, rozmywają się, łączą ze sobą, tworzą płynne przejścia. Możesz więc osiągnąć miękkość w przekazywaniu konturów obiektów lekkości i przestrzenności obrazu.

uschnięcie - niepożądane zmiany w wysychającej warstwie farby, w wyniku których obraz traci świeżość, traci połysk, dźwięczność kolorów, ciemnieje, staje się czarniawy. Przyczyną więdnięcia jest nadmierne rozdrobnienie farby wiążącej olej wchłonięty przez podkład lub leżącą pod nią warstwę malarską, a także nakładanie farb na niecałkowicie wyschniętą poprzednią warstwę farb olejnych.

Kompletność .- taki etap w pracy nad studium lub obrazem, kiedy zostaje osiągnięta największa kompletność wcielenia kreatywny pomysł lub po zakończeniu określonego zadania wzrokowego.

„Ugniatające” farby bazowe - wstępne przygotowanie na palecie mieszanki farb odpowiadającej podstawowym relacjom tonalnym i kolorystycznym obiektów występujących w przyrodzie (krajobraz). W trakcie pracy do tych podstawowych mieszanek wprowadzane są różne warianty odcieni, nalewane są nowe kolory. Jednak kolory głównych obiektów przygotowane na palecie nie pozwalają popaść w przesadną kolorystykę, nie pozwalają zatracić charakteru głównych relacji kolorystycznych. W akwareli te referencyjne „ugniatania” są wykonywane w oddzielnych filiżankach.

Naszkicować - rysunek z życia, wykonywany głównie poza warsztatem w celu zebrania materiału do bardziej znaczącej pracy, w celu ćwiczenia, czasem w jakimś specjalnym celu (np. na zlecenie gazety, czasopisma). W przeciwieństwie do szkicu podobnego pod względem środków technicznych, wykonanie szkicu może być bardzo szczegółowe.

Idealizacja w sztuce - odchylenie od prawdy życia z powodu celowego lub nieumyślnego upiększenia przez artystę tematu obrazu. Idealizacja zwykle przejawia się w wyolbrzymieniu i absolutyzacji zasady pozytywnej jako jakiejś ostatecznej, rzekomo już osiągniętej doskonałości; w łagodzeniu życiowych sprzeczności i konfliktów; wcielenia abstrakcyjnego, ponadżyciowego ideału itp. Idealizacja zawsze oznacza zerwanie z zasadami realizmu i okazuje się w ten czy inny sposób związana z ideologią klas reakcyjnych, skłonnych do od prawdziwego obrazu życia i zastąpić badanie rzeczywistości subiektywnie upiększonymi wyobrażeniami na jej temat.

Konieczne jest odróżnienie od idealizacji odzwierciedlenia w sztuce realistycznej pewnego społecznie postępowego ideału życia, który będąc ważnym aspektem treści ideowej każdego realistycznego obrazu artystycznego, może czasami być zasadą decydującą w artystycznym rozwiązaniu obrazu .

Pomysł na malowanie - główna idea pracy, która określa jej treść i strukturę figuratywną, wyrażona w odpowiedniej formie.

Iluzoryczny - podobieństwo obrazu z naturą; graniczy z iluzją optyczną. W wyniku iluzorycznej natury artystyczna ekspresja dzieła i głębia jego treści mogą zostać utracone, jeśli na obrazie pragnienie zewnętrznego podobieństwa przesłania główną rzecz - jego intencję.

Impresjonizm - nurt w sztuce ostatniej tercji XIX - początku XX wieku, którego przedstawiciele starali się jak najbardziej naturalnie i bezstronnie uchwycić rzeczywisty świat w jego mobilności i zmienności, przekazać swoje ulotne wrażenia. Impresjonizm powstał w latach 60. XIX wieku. w malarstwie francuskim. E. Manet, O. Renoir, E. Degas wnieśli do sztuki świeżość i bezpośredniość postrzegania życia, obraz natychmiastowych, jakby przypadkowych ruchów i sytuacji, pozornej nierównowagi, fragmentacji kompozycji, nieoczekiwanych punktów widzenia, kątów, cięć figur. W latach 1870-80. ukształtował impresjonizm we francuskim krajobrazie. K. Monet, K. Pizarro, A. Sisley opracowali spójny system plenerowy. Chwilowym ruchem, płynną formą, obok malarzy, interesowali się rzeźbiarze (O. Rodin, M. Rosso, P. P. Trubetskoy).

Impresjonizm rozwinął realistyczne zasady sztuki, ale twórczość jego wyznawców często wykazywała odejście od badania podstawowych zjawisk rzeczywistości społecznej, niezmiennych, stabilnych jakości świata materialnego. Ten kierunek twórczości doprowadził późnych impresjonistów do formalizmu.

Wnętrze - widok wnętrza lokal. Obraz wnętrza wymaga gruntownej znajomości perspektywy. Jednocześnie ważne jest, aby znaleźć miejsce, z którego można ciekawiej skomponować obraz. Gotowy obraz wnętrza, oprócz ciekawej kompozycji, prawidłowej konstrukcji perspektywicznej, rozmieszczenia obiektów w przestrzeni, powinien dawać wyobrażenie o oświetleniu.

Obraz - dzieło malarstwa sztalugowego, wiernie oddające zamysł artysty, wyróżniające się doniosłością treści, prawdziwością i kompletnością formy artystycznej. Obraz jest efektem wieloletnich obserwacji i przemyśleń artysty nad życiem. Poprzedzają go szkice, szkice, studia, szkice, w których artysta chwyta poszczególne zjawiska życia, zbiera materiał do przyszły obraz, szukając podstawy jego składu i koloru. Tworząc obraz, artysta opiera się na naturze, wychodzi z niej zarówno w planie ogólnym, jak iw poszczególnych szczegółach. W tym procesie obserwacja, wyobraźnia i projektowanie odgrywają ważną rolę. Obraz na swój sposób niesie ze sobą pewną koncepcję ideową i figuratywną, a formy wyrazu są wizualnie autentyczne. Każdy szczegół, część jest skorelowana z całością, każdy element wyraża obraz. Dekadenckie nurty formalistyczne charakteryzują się kryzysem obrazu fabularno-tematycznego, odrzuceniem istotnych kwestii ideowych i psychologizmem. Z obrazów zostaje nie tylko wyrzucona fabuła, ale także zerwanie z tematem w ogóle. W zależności od formy obrazu obraz staje się bezsensowny, abstrakcyjny.

Farby adhezyjne - suche farby wytwarzane w proszkach i mieszane przez samego artystę z klejem wodnym. Dobrze wyszlifowane, są czasami używane przez artystów przy projektowaniu reprodukcji oryginałów jako zamienniki farb gwaszowych. Najczęściej wykonują scenografię teatralną.

kliaczka - rodzaj miękkiej gumy, stosowany w przypadkach, gdy trzeba rozjaśnić ton cieniowania na rysunkach ołówkiem. Nag jest miękki i łatwy do ugniatania palcami; nie wymazują nim ołówka, ale lekko dociskają do tych części rysunku, które się rozjaśniają: grafit przykleja się do naga i trzyma się go po oderwaniu od papieru. Jeśli oświetlone obszary są bardzo małe, nag otrzymuje wygląd spiczastego stożka.

Klyachkę można wykonać w następujący sposób. Zwykłą gumę umieszcza się w benzynie na dwa lub trzy dni (ewentualnie w nafcie), a następnie przechowuje przez kolejne dwa dni. Następnie zmiękczoną gumę zagniata się z mąką ziemniaczaną (skrobią), mąkę należy pobierać szczyptami, a lepkość nag należy dostosować do jej ilości.

kolorowanie (etiuda lub malarstwo) - charakter relacji wszystkich elementów kolorystycznych obrazu, jego system kolorów. Jego główną zaletą jest bogactwo i spójność kolorystyczna odpowiadająca samej naturze, oddająca w jedności z światłocieniem właściwości przedmiotu i stan oświetlenia przedstawionej chwili. O kolorystyce badania decydują: 1) spójność relacji kolorystycznych proporcjonalna do natury, z uwzględnieniem ogólnej tonacji i stanu barwnego oświetlenia, 2) bogactwo i różnorodność refleksów otoczenia światło-powietrze i obiektu, 3 ) kontrastowe oddziaływanie odcieni ciepłych i zimnych, 4) wpływ barwy oświetlenia, która łączy kolory natury, czyni je podrzędnymi i pokrewnymi.

Prawdziwe odzwierciedlenie stanu realne warunki oświetlenie oddziałuje na odczucia widza, tworzy nastrój, wywołuje odpowiednie doznania estetyczne.

pędzle . Pędzle to kolinsky, wiewiórka, włosie. Pędzle z włosia przeznaczone są do pracy z farbami olejnymi, ale można ich używać do malowania farbami temperowymi i gwaszowymi. Pędzle wiewiórki i kolinsky są używane w akwareli. Kształt jest płaski i okrągły. Rozmiar pędzla jest oznaczony liczbą. Liczba szczotek płaskich i rowków odpowiada ich szerokości w milimetrach, a liczba szczotek okrągłych odpowiada ich średnicy (również wyrażonej w milimetrach).

Po pracy z farbami olejnymi pędzle myje się ciepłą wodą z mydłem. Nie myj pędzli w acetonie: spowoduje to uszkodzenie włosów. Pędzle akwarelowe po pracy myje się w czystej wodzie. W żadnym wypadku nie należy pozostawiać pędzli do wyschnięcia, zwłaszcza po pracy z farbami olejnymi, włożyć pędzle do słoiczka włosiem do dołu, ponieważ włosie jest zdeformowane. Umyty pędzel należy zawinąć w papier, wtedy zachowa swój kształt.

Kompozycja - konstrukcja szkicu lub rysunku, koordynacja jego części. Z naturalnym obrazem: selekcja i inscenizacja obiektów, wybór najlepszego punktu widzenia, oświetlenie, określenie formatu i wielkości płótna, określenie centrum kompozycyjnego, podporządkowanie mu drugorzędnych części dzieła. Podczas tworzenia obrazu: wybór tematu, opracowanie fabuły, znalezienie formatu i wielkości pracy, charakteryzacja aktorzy, ich wzajemne relacje, postawy, ruchy i gesty, wyrazistość twarzy, stosowanie kontrastów i rytmów - to wszystko składowe elementy konstrukcji kompozycyjnej obrazu, służące jak najlepszemu wcieleniu intencji artysty. W takiej kompozycji brane jest pod uwagę wszystko: bryły przedmiotów i ich sylwetki, rytm z jakim są umieszczane na płótnie, perspektywa, wyimaginowana linia horyzontu i punkt widzenia na przedstawiony, kolor obrazu , grupowanie postaci, kierunek ich spojrzeń, kierunek linii perspektywy, redukcja obiektów, rozmieszczenie światłocienia, póz i gestów itp.

Stałość percepcji wzrokowej - tendencja do postrzegania przedmiotu, jego wielkości, kształtu, jasności, koloru jako stałego i niezmiennego, niezależnie od zachodzących w nim zmian (odsunięcie od widza, zmiana oświetlenia, wpływy otoczenia itp.) - stałość wielkości - tendencja do postrzegania wielkości obiektu jako stałej, pomimo zmiany odległości do niego. Z reguły początkujący kreślarze nie zauważają zmian perspektywy.

Stałość formy - tendencja do postrzegania rzeczywistego kształtu, nawet jeśli przedmiot jest obrócony tak, że jego obraz na siatkówce różni się od rzeczywistego kształtu. (Na przykład kwadratowa kartka papieru leżąca na stole wydaje się kwadratowa, mimo że jej rzut na siatkówkę nie jest kwadratowy).

Stałość luminancji - tendencja do postrzegania jasności przedmiotu jako stałej pomimo zmian oświetlenia; zależy głównie od stałego stosunku natężenia światła odbitego zarówno od obiektu, jak i jego otoczenia.

Stałość koloru - tendencja do postrzegania barwy obiektu (jego barwy lokalnej) niezależnie od zmieniających się warunków oświetlenia, jego natężenia i składu widmowego (dzienny, wieczorowy, sztuczny).

Ze względu na zjawisko stałości, percepcja i transmisja w malarstwie przedmiotów i zjawisk dokładnie tak, jak jawią się one oku w określonych warunkach oświetleniowych, w określonym otoczeniu iw określonej odległości, na początku szkolenia nastręcza pewną trudność. Początkujący artysta, choć wie, że kolor zmienia się w zależności od warunków oświetleniowych, widzi go niezmienionym i nie odważy się np. złożony różowo-ochrowy, jak to bywa o zachodzie słońca.

Niedoświadczonemu malarzowi wydaje się, że biały przedmiot jest biały we wszystkich swoich częściach, ciemny przedmiot jest ciemny. Tymczasem w naturalnym otoczeniu powierzchnia ciemnego obiektu zwrócona w stronę światła będzie odbijać więcej promieni świetlnych niż cień białego obiektu, a zatem cień białego obiektu będzie ciemniejszy niż jasna część ciemnego obiektu.

Niedoświadczony malarz, pracując nad szkicem pejzażu, nie zauważa, jak nadchodzi zmierzch, choć oświetlenie znacznie się zmniejszyło.

Otaczające obiekty mogą być oświetlane światłem o różnym składzie widmowym, co zmienia skład widmowy światła odbitego od obiektów. Jednak oko początkującego artysty nie zauważa nawet tej zmiany koloru.

Stałość percepcji może wzrastać i nasilać się z wielu powodów. Im silniejsze oświetlenie chromatyczne, a także im większa odległość obserwacji obiektu, tym słabszy przejaw stałości. Zdolność powierzchni przedmiotu do silnego odbijania promieni świetlnych również przyczynia się do stałego postrzegania: obiekty o jasnym kolorze bardziej zauważalnie wykazują wpływ koloru oświetlenia. Adaptacje światła i koloru poprawiają stałość percepcji. Obserwując zimowy krajobraz przy pochmurnej pogodzie, można zobaczyć tylko złożone szarawe odcienie. Jeśli spojrzysz na ten sam zimowy motyw z okna pokoju oświetlonego elektrycznością, to krajobraz za oknem będzie odbierany jako intensywnie niebieskawy. Jeśli opuścisz pokój pod gołym niebem, to po kilku minutach niebieski ton krajobraz zniknie. Podobnie zerowa stałość na widowni przejawia się w kolorowym oświetleniu sceny teatralnej; po zgaśnięciu ciepłego oświetlenia elektrycznego w sali kurtyna się rozsuwa i widz podziwia scenę zimy, blasku księżyca lub innych warunków oświetleniowych.

W wyniku praktyki artysta nabywa umiejętność dostrzegania w przyrodzie zmian barwy przedmiotu pod wpływem otoczenia i oświetlenia, widzi i przekazuje całe bogactwo i różnorodność świata zewnętrznego, bardzo wiele przejść kolorystycznych. W rezultacie oświetlenie na płótnie wydaje się przekonujące, kolor wygląda na skomplikowany i wzbogacony otoczeniem i oświetleniem. Wielu artystów i edukatorów wykonało specjalne ćwiczenia, tworząc modele wizualne, aby zrozumieć cechy kolorystyczne różnych warunków oświetleniowych. Na przykład K. Monet napisał serię opracowań przedstawiających ten sam obiekt (stóg siana), a tym samym badał zmianę koloru w przyrodzie w różnych warunkach oświetleniowych. Aby rozwinąć stałą percepcję, N. N. Krymow umieścił biały sześcian, pomalowany z jednej strony czarną farbą i oświetlił go z tej strony mocną lampą, pozostawiając białą stronę w cieniu. Jednocześnie jego uczniowie byli przekonani, że czarna, rozświetlona strona sześcianu jest jaśniejsza od białej, która znajdowała się w cieniu. Krymow zasugerował, aby uczniowie napisali mały kartonowy ekran akordeonowy, którego płaszczyzny pomalowano na różne kolory i oświetlono z dwóch stron: z jednej strony lampą elektryczną, z drugiej światłem dziennym. Promienie z lampy kierowane były na obszary pomalowane na chłodne kolory, podczas gdy ciepłe barwy były zwracane na światło dzienne. Uczniowie byli przekonani, że warunki oświetleniowe znacząco zmieniają badaną kolorystykę, a tym samym uwolnili się od ciągłego postrzegania kolorów.

Początkujący malarz musi pozbyć się stałości percepcji i być w stanie dostrzec kształt przedmiotu, jego lekkość i kolor, ze względu na światło otoczenia, oświetlenie i przestrzeń.

Projekt - w sztukach plastycznych esencja, charakterystyczna cecha struktury formy, sugerująca naturalny związek między częściami formy, jej proporcje.

Kontrast - 1) wyraźna różnica, przeciwieństwo dwóch wielkości: rozmiar, kolor (jasny i ciemny, ciepły i zimny, nasycony i neutralny), ruch itp.; 2) jasność i kontrast chromatyczny – zjawisko, w którym postrzegana różnica jest znacznie większa niż podstawa fizyczna. Na jasnym tle kolor obiektu wydaje się ciemniejszy, na ciemnym tle kolor wydaje się jaśniejszy. Kontrast światła jest najwyraźniej potrojony na granicy ciemnych i jasnych powierzchni. Kontrast chromatyczny - zmiana odcienia i nasycenia pod wpływem kolorów otoczenia (kontrast równoczesny) lub pod wpływem kolorów zaobserwowanych wcześniej ( spójny kontrast). Na przykład: zielony obok czerwonego zwiększa jego nasycenie. Szary kolor na czerwonym tle nabiera zielonkawego odcienia. Kontrast chromatyczny jest silniejszy, gdy kolory oddziałujące na siebie są mniej więcej równe pod względem jasności.

biurowy - proces uzyskiwania kopii rysunku lub rysunku; można to zrobić na różne sposoby: przebijając, śledząc, ściskając, przerysowując do światła, przerysowując wzdłuż siatki, a także za pomocą pantografu i epidiaskopu.

perforacja - metoda kopiowania bez zmiany skali: oryginał umieszcza się na czystej kartce papieru i za pomocą cienkiej igły nakłuwa się wszystkie charakterystyczne punkty rysunku lub rysunku, przez które następnie rysuje się linie ołówkiem na podziurawionym papierze .

Rysunek kalkowy - sposób na kopiowanie bez zmiany skali. Kalka jest nakładana na oryginał, na którym rysowany jest obraz ołówkiem lub tuszem; powierzchnię roboczą kalki należy najpierw odtłuścić - przetrzeć kredą w proszku lub węglanem magnezu.

Ściskanie - metoda kopiowania bez zmiany skali: suchy papier transferowy umieszcza się pod oryginałem lub jego kopią na kalce kreślarskiej; Ostra igła jest wbijana wzdłuż linii oryginalnego obrazu, dzięki czemu przetłumaczony obraz jest odciskany na czystej kartce papieru. Odwrotną stronę oryginału (kalkę kreślarską) można przetrzeć miękkim ołówkiem, dzięki czemu przeniesiony obraz będzie wyraźniejszy.

Przerysowanie do światła - sposób na kopiowanie bez zmiany skali. Oryginał umieszcza się na szkle i przykrywa czystym papierem lub kalką kreślarską; za szybą znajduje się źródło światła (światło dzienne lub elektryczne); linie oryginału prześwitującego przez papier są zakreślone ołówkiem. Do tego celu przystosowane są specjalne kserokopiarki.

Przerysowanie siatki - sposób kopiowania z możliwa zmiana skali (powiększenia lub pomniejszenia obrazu) z wykorzystaniem siatki współrzędnych wykonanej na oryginale i czystej kartce papieru. Obraz jest rysowany „po komórkach”. Komórki budują kwadrat lub prostokąt. Ponowne rysowanie za pomocą komórek jest bardzo pracochłonne i nie może przekazać linii oryginału z nienaganną dokładnością, ponieważ odbywa się to okiem i ręcznie.

Malowanie karoserii (pastosa). - wykonanie studium lub obrazu gęstą, nieprzezroczystą, stosunkowo grubą warstwą farby olejnej, często o fakturze reliefowej.

Kroki - szybki szkic z natury, rzadziej szybkie utrwalenie pomysłu kompozycyjnego w formie rysunku. Termin „crocs” jest mało przydatny; w ogólnym sensie jest bliżej szerokie pojęcie"zarys".

Drzeworyt - drzeworyt, główna odmiana techniczna ryciny wypukłej, w ogóle najstarsza technika grawerowania. Drzeworyty wykonuje się przez nacięcie na desce, najczęściej gruszy, drewnie bukowym, na którą nanosi się te części graweru, które powinny pozostać białe. W grawerowaniu podłużnym lub krawędziowym włókna deski są równoległe do jej powierzchni, a prace wykonuje się głównie ostrymi nożami. Możliwości tej techniki są stosunkowo wąskie, ale trudności są znaczne (ponieważ opór materiału włóknistego wobec noża jest nierównomierny w różnych kierunkach). Grawer końcowy wykonywany jest na desce z włóknem prostopadłym do powierzchni; jej główne narzędzie, grawer, pozwala na bardzo precyzyjne i różnorodne techniki.

W przeciwieństwie do każdego rodzaju grawerowania wklęsłego, drzeworyty można drukować wraz ze składem na konwencjonalnej prasie drukarskiej i dlatego są często używane w ilustracji książkowej.

Mający szczęście . Artyści lakierują podłoża, aby nie przeniknęły one olejem z farb, wprowadzają werniksy do spoiwa farby, nakładają je na stwardniałą warstwę malarską przed dalszymi pracami (dla lepszego związania warstw) i na koniec werniksują gotowe prace. Jednocześnie lakier wzmacnia nasycenie kolorów. Powłoka lakieru chroni obraz przed bezpośrednim kontaktem ze szkodliwymi gazami atmosferycznymi, kurzem i sadzą w powietrzu. Werniksy w składzie farby olejnej przyczyniają się do jej bardziej równomiernego i szybszego wysychania, a warstwy farby lepiej wiążą się z podłożem i ze sobą. Lepiej pokrywać obrazy werniksami terpentynowymi niż olejnymi (wtedy mniej ciemnieją). Lakier-utrwalacz utrwala prace wykonane węglem, sangwinikiem, pastelami, akwarelami.

Modelowanie kształtu za pomocą koloru - proces modelowania obiektu, ujawniania jego objętości i materiału za pomocą odcieni kolorów, z uwzględnieniem ich zmian jasności i nasycenia.

Glazura - jedna z metod techniki malarskiej, polegająca na nakładaniu bardzo cienkich warstw trwałych i prześwitujących farb na wyschniętą gęstą warstwę innych farb. Osiąga to szczególną lekkość, dźwięczność kolorów, która jest wynikiem ich optycznego mieszania.

Linoryt - grawerowanie na linoleum, rodzaj grawerowania wypukłego. Pod względem techniki i środków plastycznych linoryt jest zbliżony do drzeworytu, aw druku często różni się od niego jedynie brakiem drobnych szczegółów.

Litografia - w plastyce szeroko rozpowszechniony typ techniki graficznej związany z obróbką kamienia (gęsty wapień) lub zastępującej go blachy (cynk, aluminium).

Artysta wykonuje litografię, rysując na ziarnistej lub gładkiej powierzchni kamienia grubym ołówkiem litograficznym i specjalnym tuszem. Po wytrawieniu kamienia kwasem (działającym na powierzchnię nie pokrytą tłuszczem) wzór jest zmywany: w zamian nakładana jest farba drukarska, która przykleja się tylko do niewytrawionych cząstek kamienia, dokładnie odpowiadających wzorowi. Farbę toczy się wałkiem po zwilżonym kamieniu; druk odbywa się na specjalnej maszynie.

kolor lokalny - barwa charakterystyczna dla danego przedmiotu (jego barwa) i nie uległa żadnym zmianom. W rzeczywistości tak się nie dzieje. Kolor obiektu stale się nieco zmienia pod wpływem siły i barwy oświetlenia, otoczenia, oddalenia przestrzennego i nie nazywa się go już lokalnym, lecz uwarunkowanym. Czasami kolor lokalny jest rozumiany nie jako kolor podmiotowy, ale jako jednolita plama koloru uwarunkowanego, wzięta w podstawowym stosunku do kolorów sąsiednich, bez ujawniania mozaiki refleksów barwnych, bez niuansów tych plam głównych.

Sposób - w odniesieniu do praktyki artystycznej: charakter lub sposób wykonania jako cecha czysto techniczna (np. „szeroka maniera”).

W historii sztuki termin „maniera” oznacza czasem ogólne właściwości wykonawcze charakterystyczne dla artysty lub szkoły artystycznej w pewnym okresie rozwoju twórczego (np. „późna maniera Tycjana”).

Mniecierpliwość - w praktyce artystycznej: właściwości podejścia i wykonania, pozbawione prostoty i naturalności, prowadzące do rezultatów pretensjonalnych, naciąganych lub warunkowych. Najczęściej manieryzm nazywany jest upodobaniem do jakiegoś pozornie spektakularnego, wyuczonego sposobu i wszelkiego rodzaju stronniczych technik artystycznych, grawitacją w kierunku stylizacji. Skrajnym wyrazem manieryzmu jest formalistyczna praktyka współczesnej sztuki mieszczańskiej.

Farby olejne - barwniki zmieszane z olejem roślinnym: lniany (głównie), makowy lub orzechowy; farby olejne pod wpływem światła i powietrza stopniowo twardnieją. Wiele podłoży (płótno, drewno, karton) jest wcześniej zagruntowanych do pracy na nich farbami olejnymi. Najczęściej stosowany podkład jest następujący: materiał pokrywa się płynnym klejem stolarskim, a po wyschnięciu przeciera pumeksem, a następnie pokrywa drobnym proszkiem kredowym wymieszanym z wodą klejącą do konsystencji kwaśnej śmietany. W celu oczyszczenia pędzli myje się je w nafcie, terpentynie lub benzynie, a na końcu w ciepłej wodzie z mydłem, wyciskając farbę z nasady pędzla, po czym płucze się je w czystej wodzie.

Materialność przedstawionym obiektom przekazywany jest przede wszystkim charakter światłocienia. Przedmioty składające się z różnych materiałów posiadają charakterystyczne dla nich gradacje światłocienia. Cylindryczny obiekt gipsowy charakteryzuje się płynnymi przejściami od światła poprzez półcień, cień i refleks. Szklane cylindryczne naczynie nie ma wyraźnych stopni światłocienia. Na jego formie tylko blask i refleks. Metalowe przedmioty charakteryzują się również głównie odblaskami i refleksami. Jeśli przekażesz naturę światłocienia na rysunku, obiekty będą wyglądać na materialne. Innym, jeszcze ważniejszym warunkiem, od którego zależy przedstawienie właściwości materialnych przedmiotów, jest konsekwencja w rysunkowym lub malarskim studium proporcjonalnych do natury relacji tonalnych i kolorystycznych między przedmiotami. Dostrzegając materialne właściwości przedmiotów, nasza świadomość opiera się głównie na ich związkach tonalnych i kolorystycznych (różnicach). Jeśli więc natura światłocienia, relacje tonalne i kolorystyczne zostaną oddane zgodnie z wizualnym obrazem natury, otrzymamy prawdziwy obraz materialnych walorów obiektów martwej natury lub obiektów pejzażowych.

Malarstwo warstwowe - najważniejszy techniczny typ malarstwa olejnego, wymagający podziału pracy na szereg następujących po sobie etapów (podmalowanie, rejestracja, glazurowanie), rozdzielonych przerwami na całkowite wyschnięcie farby. Podczas wykonywania dużej kompozycji tematycznej, a także ogólnie podczas długotrwałej pracy, malarstwo wielowarstwowe jest jedyną pełnoprawną techniką malarstwa olejnego. Do połowy XIX wieku. wszyscy główni progresywni artyści z przeszłości używali tej techniki jako głównej. Później porzucili go impresjoniści i ich zwolennicy.

Z wąskiego technologicznego punktu widzenia, niezwiązanego z techniką dawnych mistrzów, koncepcja malarstwa wielowarstwowego może odpowiadać jedynie rejestracji na wyschniętej warstwie farby (bez podmalowania i glazurowania).

Modelowanie - w sztukach wizualnych: przenoszenie właściwości wolumetryczno-plastycznych i przestrzennych świata przedmiotowego poprzez gradacje światła i cienia (malarstwo, grafika) lub odpowiadającą im plastyczność form trójwymiarowych (rzeźba, w szczególności relief). Modelowanie odbywa się zwykle z uwzględnieniem perspektywy, w malarstwie dodatkowo za pomocą przejść tonalnych, które są nierozerwalnie związane z światłocieniem. Zadania modelowania nie ograniczają się do prostego odtworzenia obiektywnego świata: uczestnicząc w ideowych i figuratywnych cechach przedmiotu, uogólnia, uwydatnia i ujawnia to, co najistotniejsze, charakterystyczne.

Modernizm - ogólne określenie kierunków sztuki i literatury końca XIX-XX wieku. (kubizm, dadaizm, surrealizm, futuryzm, ekspresjonizm, sztuka abstrakcyjna itp.). Główne cechy modernizmu to: zaprzeczanie poznawczej i społecznej roli sztuki, jej ideologii, narodowości, zastępowanie sztuką wszelkiego rodzaju sztuczek, całkowite wypaczenie lub ignorowanie profesjonalnych tradycji realistycznego dziedzictwa artystycznego.

Mozaika - specjalny techniczny rodzaj malarstwa monumentalnego, polegający na wykorzystaniu brył wielobarwnych - smaltu, kolorowych kamieni naturalnych, kolorowych emalii na wypalonej glinie itp. jako głównego materiału artystycznego. Obraz składa się z kawałków takich materiałów, dobrze dopasowanych do siebie, wzmocnionych cementem lub specjalnym mastyksem, a następnie wypolerowanych. Zgodnie z metodą tzw. zestawu bezpośredniego mozaikę wykonuje się od strony czołowej – w miejscu do tego przeznaczonym (ściana, sklepienie itp.) lub na osobnej płycie, którą następnie wbudowuje się w ścianę. W układzie odwrotnym barwne fragmenty widoczne są dla artysty tylko od tyłu, gdyż wklejane są przednią powierzchnią na tymczasową cienką podszewkę (zdejmowaną po przeniesieniu mozaiki na ścianę). Pierwsza z tych metod jest stosunkowo złożona i czasochłonna, ale doskonalsza z artystycznego punktu widzenia.

Sztaluga - maszyna (stąd definicja „malarstwa sztalugowego”), niezbędna artyście do utrzymania pożądanego nachylenia obrazu podczas pracy. Głównym wymaganiem dla sztalugi jest stabilność.

Monotyp - specjalny rodzaj techniki graficznej związany z procesem drukowania, ale zdecydowanie różniący się od wszelkiego rodzaju grawerowania całkowitym brakiem wpływów mechanicznych lub technicznych na powierzchnię płyty. Farby nakłada się ręcznie na gładką powierzchnię, a następnie drukuje na maszynie. Otrzymany odcisk palca jest jedyny

i wyjątkowy.

Mmonumentalność w dziełach malarstwa sztalugowego wynika ze społecznego znaczenia tematu obrazu, jego heroicznego patosu, głębi i siły ucieleśnienia idei w odpowiednich obrazach - prostych, surowych, majestatycznych i wyrazistych.

szkic w kolorze - etiuda niewielkich rozmiarów, płynnie i szybko wykonana. Głównym celem takiego szkicu jest nabycie umiejętności pełnego postrzegania natury, znajdowania i przekazywania prawidłowych relacji kolorystycznych jej głównych obiektów. Wiadomo, że pełnoprawna struktura obrazkowa obrazu jest określona przez proporcjonalne przeniesienie różnic między głównymi plamami barwnymi natury. Bez tego żadne staranne badanie szczegółów, odbić, mozaik odcieni kolorów nie doprowadzi do pełnoprawnego obrazu obrazkowego.

Narodowość - związek sztuki z ludźmi, warunkowość zjawiska artystyczneżycie, walka, idee, uczucia i aspiracje mas, wyrażanie w sztuce ich zainteresowań i psychologii. Jedna z podstawowych zasad socrealizmu.

Natura - w praktyce sztuk pięknych są to dowolne Zjawiska naturalne, przedmioty i przedmioty, które artysta przedstawia, obserwując bezpośrednio jako model. Z natury z reguły wykonywany jest tylko szkic, szkic, szkic, portret, a czasem krajobraz.

Naturalizm - w sztukach wizualnych wyraża się w oderwaniu od szerokich uogólnień, od ideologicznych zasad i prowadzi do metody czysto zewnętrznego kopiowania wszystkiego, co znajduje się w polu widzenia. Początkującym malarzom czasem wydaje się też, że rzetelne przedstawienie natury w przekazaniu jej trójwymiarowych, materialnych i przestrzennych walorów jest bezwzględnym celem sztuki plastycznej. Oczywiście konieczne jest opanowanie sztuk pięknych, technicznych technik malarstwa. Równie ważne jest jednak jednoczesne rozwijanie umiejętności patrzenia na rzeczywistość oczami artysty. Malowniczy obraz nie jest lustrzanym odbiciem natury. „Malarstwo”, powiedział I. I. Lewitan, „nie jest protokołem, ale wyjaśnieniem natury za pomocą malarstwa”. Malarz wybiera i uogólnia w barwnej różnorodności natury te elementy, które mogą ekspresyjnie oddać projekt ideowy i figuratywny. Stara się odsłonić istotę przedstawionego, pokazuje, co go ekscytuje. Pokazuje to osobowość artysty, jego światopogląd, a także gust i praktyczne doświadczenie w posługiwaniu się kolorowymi materiałami i technikami.

Martwa natura - jeden z gatunków sztuk plastycznych poświęcony reprodukcji przedmiotów gospodarstwa domowego, owoców, warzyw, kwiatów itp. Zadaniem artysty przedstawiającego martwą naturę za pomocą malarstwa jest oddanie kolorystycznego piękna przedmiotów otaczających człowieka, ich obszerną i materialną istotę, a także wyrazić swój stosunek do przedstawionych. Obraz martwej natury jest szczególnie przydatny w praktyce edukacyjnej do doskonalenia umiejętności malarskich. W martwej naturze artysta rozumie prawa harmonii kolorów, nabywa techniczną umiejętność malarskiego modelowania formy.

Uogólnienie artystyczne - zdolność artysty do poznawania obiektywnej rzeczywistości, ujawniania tego, co główne, istotne w przedmiotach i zjawiskach poprzez porównanie, analizę i syntezę. Dzieło sztuki jest wynikiem ekspresji ogólnej, przy jednoczesnym zachowaniu całej oryginalności konkretnego obrazu wizualnego.

W wąskim, profesjonalnym sensie uogólnienie jest ostatnim etapem procesu rysowania lub malowania z natury, po szczegółowym przestudiowaniu formy. Na tym etapie pracy dochodzi do podsumowania szczegółów w celu stworzenia holistycznego obrazu przyrody w oparciu o jej integralną percepcję wzrokową.

Artystyczny obraz - specyficzna forma odzwierciedlenia rzeczywistości w konkretnej, zmysłowo postrzeganej wizualnie postaci. Tworzenie obrazu artystycznego jest ściśle związane z wyborem najbardziej charakterystycznych, z uwypukleniem istotnych aspektów przedmiotu lub zjawiska w granicach indywidualnej niepowtarzalności tych obiektów i zjawisk. Wiadomo, że ludzka świadomość odzwierciedla nie tylko obiektywny obraz wizualny przedmiotu lub zjawiska, ale także emocjonalne cechy ich postrzegania. Obraz artystyczny w malarstwie zawiera zatem nie tylko rzeczywiste cechy przedstawianego przedmiotu, ale także jego znaczenie zmysłowe i emocjonalne. Każdy obraz jest zarówno wiernym odzwierciedleniem obiektywnej rzeczywistości, jak i wyrazem odczuć estetycznych artysty, jego indywidualnego, emocjonalnego stosunku do przedstawianej, gustu i stylu.

Odwróć perspektywę - błędna technika rysowania perspektywy, której istotą jest to, że równoległe i poziome linie w przestrzeni na obrazie nie są zbieżne, ale rozbieżne; występuje dość często w starożytnym malarstwie ikon, na skutek nieznajomości przez artystów elementarnych zasad konstruowania perspektywy (w niektórych przypadkach dopuszcza się celowe naruszenie zasad konstruowania perspektywy).

Ogólny ton i stan koloru natury - wynik różnych mocy oświetlenia. Aby oddać stan różnego oświetlenia (rano, po południu, wieczorem lub w szary dzień), przy budowaniu systemu kolorów szkicu nie zawsze stosuje się jasne i jasne kolory palety. W niektórych przypadkach artysta buduje relację w zmniejszonym zakresie jasności i intensywności barw (szary dzień, ciemny pokój), w innych jasnych i jaskrawych barwach (np. słoneczny dzień). W ten sposób artysta utrzymuje tonację i kolorystykę studium w różnych zakresach (skalach) tonalnych i kolorystycznych. Przyczynia się to do transmisji stanu iluminacji, co jest szczególnie ważne w malarstwie pejzażowym, ponieważ to właśnie ten stan determinuje jego oddziaływanie emocjonalne (patrz skala tonalna i kolorystyczna obrazu).

Tom - obraz trójwymiarowości formy na płaszczyźnie. Odbywa się to przede wszystkim poprzez poprawną konstruktywną i obiecującą konstrukcję przedmiotu. Innym ważnym sposobem przenoszenia objętości na płaszczyźnie jest gradacja światła i cienia, wyrażona kolorem: światło, światło, półcień, cień własny i padający, refleks. Obraz objętości na płaszczyźnie obrazowej ułatwia również kierunek kreskowania lub kreskowania, ich ruch w kierunku formy (na powierzchniach płaskich są proste i równoległe, na powierzchniach cylindrycznych i kulistych są łukowate).

Aureola - zjawisko znane również jako „napromieniowanie”; powstaje w wyniku rozproszenia jasnego światła w przezroczystej cieczy wypełniającej gałkę oczną. Ze względu na wzrost czułości oka w ciemności, silnie reaguje ono podczas obserwacji jasnych źródeł światła (ognia lub zapalonej lampy). W ciągu dnia nie wydają się jasne, ale o zmierzchu lub w nocy mogą oślepiać oczy. Oczy prawie nie dostrzegają koloru jasnych źródeł światła, ale aureola wokół świecących ciał lub silnie oświetlonych obiektów ma bardziej wyraźny kolor. Płomień świecy wygląda prawie na biały, a otoczka wokół niego jest żółta. Silne podświetlenie na błyszczącej powierzchni wydaje się białe, a otaczająca go aureola nabiera właściwości kolorystycznych źródła światła. Cienkie pnie drzew na tle nieba są całkowicie spowite aureolą, to znaczy wyglądają na niebieskie, a na tle żółtego zachodu słońca - pomarańczowe lub czerwone. Kiedy halo jest transmitowane na obrazie, oko postrzega obiekty jako świecące (świeca, jasne okna w dzień iw nocy, gwiazdy na niebie itp.). Przedstawiony bez aureoli, nieodzownego towarzysza jasnego światła, pień drzewa i jego korona wyglądają jak twarda aplikacja na jasnym niebie, gwiazdy bez aureoli sprawiają wrażenie plamek farby rozpylonej na ciemnym tle, jasne refleksy bez aureoli na tle dzbanka wyglądają jak jasne plamy.

Podstawy - w technologii malowania: materiał, na który nakłada się podkład i warstwę malarską obrazu. Najczęstszym rodzajem podłoża jest płótno, drewno (było to podłoże najpowszechniejsze w starożytności, średniowieczu i renesansie), rzadziej stosuje się karton, papier, metal, szkło, linoleum itp. W niektórych rodzajach malarstwa (na przykład fresk, akwarela itp.) podstawa jest używana bez specjalnego przygotowania.

pranie - 1) technika akwareli przy użyciu bardzo płynnej farby lub tuszu. Aby pomalować stosunkowo duży obszar jasnym tonem, malują go farbą na około '/ * szklankę wody, pozwól farbie osiąść (lepiej ją później przefiltrować) i weź „roztwór” pędzlem z góry , bez dotykania dna szklanki; 2) wyklarowanie farby lub usunięcie jej z papieru pędzlem zamoczonym w czystej wodzie i zebranie nasiąkniętej farby bibułą (procedurę powtarza się kilka razy).

Relacje kolorów - różnice w przedmiotach ze względu na jasność i kolor: co z natury jest jaśniejsze, a co ciemniejsze, plus różnice w kolorze i jego nasyceniu.

Odcień (niuans) - niewielka, często ledwo zauważalna różnica w kolorze, jasności lub nasyceniu kolorów.

Akwaforta - wytrawianie igłą lub linią, szeroko stosowana techniczna odmiana głębokiego grawerowania na metalu. Prace nad wytrawianiem polegają na zdrapywaniu podłoża grawerskiego specjalnymi igłami, zazwyczaj w technice swobodnego rysowania linii. Nierównomierny czas wytrawiania detali obrazu kwasami powoduje różnice w sile i nasyceniu kreski. Technika trawienia charakteryzuje się względną prostotą i dużą elastycznością.

Sensacja wizualna - wynik interakcji promienistej energii z narządem wzroku i postrzeganie tej interakcji przez świadomość. W efekcie człowiek otrzymuje różnorodne doznania świetlne i barwne, bogate gradacje barw charakteryzujące kształt przedmiotów i zjawiska naturalne w różnych warunkach oświetleniowych, środowiskowych i przestrzennych.

Paleta - 1) mała cienka tabliczka o kształcie czworokąta lub owalu, na której artysta miesza farby podczas pracy; 2) dokładna lista kolorów używanych przez tego lub innego artystę w jego praktyce twórczej.

Panorama - płótno malarskie w formie zamkniętej okrągłej wstęgi. Na płótnie przed obrazem obrazowym umieszczane są różne prawdziwe fałszywe przedmioty, które tworzą iluzję bezpośredniego przejścia rzeczywistej przestrzeni pierwszego planu do przestrzeni obrazowej obrazu. Panorama znajduje się w specjalnie dla niej zbudowanej sali obrazowej z centralną, zwykle zaciemnioną platformą widokową. W przeciwieństwie do panoramy, diorama jest malowniczym obrazem w formie zakrzywionej półokrągłej wstęgi.

Panoramy stworzone przez artystę F. A. Rubo „Obrona Sewastopola” (1902-1904) i „Bitwa pod Borodino” (1911) są nadal niezrównanymi przykładami.

Pastel - kolorowe kredki bez oprawek, wykonane z farby proszkowej. Uzyskuje się je przez zmieszanie proszku farby z klejem (klej wiśniowy, dekstryna, żelatyna, kazeina). Pracuj pastelami na papierze, tekturze lub płótnie. Farby nakłada się pociągnięciami, jak na rysunku, lub rozciera palcami z cieniowaniem, co pozwala uzyskać najdrobniejsze niuanse kolorystyczne i najdelikatniejsze przejścia kolorystyczne, matową aksamitną powierzchnię. Podczas pracy z pastelami warstwy farby można łatwo usuwać lub nakładać na siebie, ponieważ jest ona swobodnie zdrapywana z podłoża. Prace wykonane pastelami są zazwyczaj utrwalane specjalnym roztworem.

pastowatość - 1) w technice malarstwa olejnego: znaczna grubość warstwy malarskiej stosowanej jako medium artystyczne. Pełniąc funkcję techniczną, pastowatość zawsze pozostaje zauważalna dla oka i objawia się pewną nierównością warstwy malarskiej, „reliefem” itp. W wąskim, czysto technologicznym sensie, grubowarstwowe malowanie o gładkiej powierzchni jest czasami nazywany pastowatym, w którym pastowatość może nie być zauważalna (malowanie ciała). malowanie); 2) specjalna właściwość plastyczności materiału farby, która pozwala nierozcieńczonej farbie olejnej całkowicie zachować kształt, jaki nadaje jej pędzel.

Sceneria - widok, obraz dowolnego obszaru; w gatunku malarstwo i grafika oraz Praca indywidualna, w którym głównym tematem obrazu jest natura. Często przedstawiane widoki miast i zespołów architektonicznych (krajobraz architektoniczny), widoki na morze (przystań).

Różnorodność (frakcjonalność) obrazu - wady rysunku lub szkicu, które uzyskuje się, gdy początkujący artysta rysuje lub maluje naturę w częściach, „bez sensu”. W rezultacie kształt przedmiotów jest przeładowany szczegółami, ich kontury są ostre, wiele przedmiotów i ich powierzchnie wyglądają tak samo pod względem tonacji i siły kolorów. Dzieje się tak dlatego, że niedoświadczony artysta, choć porównywał przedmioty tonem i kolorem, patrzył na nie naprzemiennie, osobno. Gdy artysta rozwinie umiejętność jednoczesnego (integralnego) widzenia i porównywania obiektów według trzech właściwości kolorystycznych (barwa, jasność, nasycenie), zanika zróżnicowanie tonalne obrazu.

Plany przestrzenne - umownie podzielone obszary przestrzeni znajdujące się w różnych odległościach od obserwatora. Na zdjęciu wyróżnia się kilka planów: pierwszy, drugi, trzeci lub przód, środek, tył. Przestrzeń na płaszczyźnie płótna czy papieru przekazywana jest głównie przez poprawną konstrukcję perspektywiczną. Jeśli obiekty lub kubatury na planach przestrzennych są rysowane bez ścisłego przestrzegania zmian ich perspektywy, rozwiązanie kolorystyczne niewiele pomoże w zobrazowaniu przestrzeni. Charakter kreski również przyczynia się do przekazania walorów przestrzennych obrazu (na rycinie – charakter kreski). Technika cieniowania obiektów na pierwszym planie jest bardziej zdefiniowana, sztywna i gęsta. Rozmaz farb jest bardziej pastowaty, wytłoczony, ułamkowy. Odległe plany są przekazywane miękkim pociągnięciem, cienką warstwą farby.

Plastikowy - harmonia, wyrazistość i elastyczność form, linii, dostrzeżona przez artystę w przedstawionej naturze.

Malarstwo plenerowe - malowanie w plenerze. Zmiany barw natury pod wpływem światła i powietrza mają aktywne znaczenie przy pisaniu szkicu w plenerze. Szczególną uwagę należy zwrócić na ogólny stan tonalny i kolorystyczny natury (w zależności od siły i barwy oświetlenia) oraz zjawisko perspektywy lotniczej. Decydującym momentem w malarstwie w plenerze jest spójność skali tonalnej i kolorystycznej przy konstruowaniu relacji tonalnych i kolorystycznych studium (patrz skala tonalna i kolorystyczna obrazu):

Podmalowanie - etap przygotowawczy pracy nad obrazem, wykonywany w technice malarstwa olejnego. Podmalowanie zwykle wykonuje się cienką warstwą farby i może być monochromatyczne lub wielokolorowe.

Nosze. Płótno, na którym artysta maluje obraz, naciągnięte jest na blejtram. Jego celem jest utrzymanie napięcia płótna. Zapewnia to niesztywne mocowanie drewnianych desek ramy pomocniczej. Przy ślepym mocowaniu rogów noszy trudno jest skorygować zwiotczenie płótna przed wilgocią. Na listwach ramy pomocniczej wykonane są skosy skierowane do wnętrza ramy pomocniczej. W przeciwnym razie w miejscach styku płótna z wewnętrznymi żebrami blejtramu płótno ulega deformacji i pojawiają się na nim wewnętrzne żebra blejtramu. Ramy pomocnicze o dużych rozmiarach są wykonane z krzyżem, który chroni je przed ukośnymi zniekształceniami i ugięciami listew.

Półcień - jedna z gradacji światłocienia na powierzchni trójwymiarowego przedmiotu, pośrednia między światłem a cieniem (zarówno w naturze, jak i na obrazie).

Portret - obraz, który oddaje wygląd konkretnej osoby, jej indywidualne cechy. Sztuka portretowania wymaga, aby obok podobieństwa zewnętrznego wygląd osoby odzwierciedlał jej zainteresowania duchowe, status społeczny i typowe cechy epoki, do której należy. W portrecie powinien być również obecny osobisty stosunek artysty do przedstawionych ludzi, jego światopogląd, odcisk jego twórczego sposobu bycia.

prymitywizm - jeden z nurtów formalistycznych w sztukach wizualnych. Charakteryzuje się całkowitym odrzuceniem zdobyczy realizmu na rzecz naśladowania form sztuki tzw. epok prymitywnych (plemion prymitywnych), celowego zapożyczania cech rysunków dziecięcych itp.

Rejestracja - w technice malarstwa olejnego główny etap w wykonaniu dużego płótna, który następuje po podmalowaniu poprzedzającym glazurę. Liczba rejestracji uzależniona jest od zaawansowania prac artysty; każdy z nich kończy się całkowitym wyschnięciem farby. W szerokim i niedokładnym znaczeniu tego słowa podmalowanie, a także jakakolwiek obróbka już gotowego płótna lub jego fragmentu, nazywana jest czasem rejestracją.

Proporcje - stosunek wielkości przedmiotów lub ich części do siebie i do całości. Na rysunku lub obrazie relacje te są przekazywane proporcjonalnie, to znaczy są podobne, zmniejszane lub zwiększane o tę samą liczbę razy. Zgodność z proporcjami ma decydujące znaczenie, ponieważ są one najbardziej charakterystyczną cechą przedmiotu i stanowią podstawę prawdziwego i wyrazistego obrazu.

Proporcjonalność stosunków - prawo malarstwa realistycznego, które określa stosunek każdej jasnej plamy barwnej studium do innych, proporcjonalny do wizualnego obrazu natury, ważny warunek prawdziwego i holistycznego obrazu rzeczywistości. Nasza percepcja wzrokowa i rozpoznawanie kształtu, koloru, materiału przedmiotów, stanu oświetlenia opiera się na ich relacjach tonalnych i kolorystycznych. Cechy tonu i koloru są postrzegane wizualnie nie w izolacji, ale w zależności od otoczenia, wraz z innymi tonami i kolorami. Dlatego artysta odtwarza różnice tonalne i kolorystyczne natury na szkicu, a także wymiary perspektywiczne przedmiotów, metodą proporcjonalnej korespondencji między obrazem a wizualnym obrazem przyrody. Osiąga to stan iluminacji studium, prawdziwe modelowanie trójwymiarowej formy, materialności, przestrzennej głębi i innych malarskich walorów obrazu.

Proces malowania z natury polega na specjalnej kolejności wykonywania pracy na początku, w środku i na końcowym etapie. Proces ten przechodzi od ogólnego do szczegółowego opracowania formy i kończy się uogólnieniem - podkreśleniem głównego i podporządkowaniem mu drugorzędnego. W malowaniu na tych etapach rozwiązywane są następujące zadania szczegółowe: 1) znalezienie związku głównych plam barwnych, biorąc pod uwagę ton i kolor oświetlenia (jego siłę i skład widmowy), 2) „rozciąganie” tonu kolorów w ramach stwierdzonych podstawowych zależności modelowanie kolorystyczne trójwymiarowego kształtu poszczególnych obiektów, 3) w fazie uogólnienia – zmiękczenie ostrych konturów obiektów, stłumienie lub uwypuklenie tonacji i barwy poszczególnych obiektów, uwypuklenie głównych, podporządkowanie w stosunku do niego drugorzędne. Ostatecznie cały obraz malarski zostaje doprowadzony do integralności i jedności, do wrażenia, jakie odnosi się do widzenia, gdy patrzy się na naturę jako całość.

Rozcieńczalniki . W przypadku akwareli i farb gwaszowych jedynym rozcieńczalnikiem jest woda. Do rozcieńczania farb olejnych stosuje się kompozycje pochodzenia terpentynowego (pinen nr 4) lub produkty naftowe zmieszane z alkoholem lub olejem lnianym (rozcieńczalniki nr 1, 2). Dodanie np. pinenu do farb olejnych przyczynia się do ich szybkiego wysychania. Dodatkowo, w celu zapewnienia lepszej przyczepności warstw malarskich, utwardzoną powierzchnię warstwy malarskiej przeciera się pinenem przed ponowną rejestracją.

Kąt - perspektywiczna redukcja formy przedmiotu, prowadząca do zmiany jego zwykłych konturów; ostro zaznaczone skurcze, które występują, gdy obiekt jest obserwowany z góry lub z dołu.

Rama. Stworzony przez artystę obraz posiada ramę. Dopełnia kompozycję, nadaje jej jedność, kieruje uwagę widza na samo dzieło. Najczęściej rama ma kształt prostokąta, czasem okrągły lub owalny. Często listwy ramy mają cienkie profile, jak stopnie schodzące do samego obrazu. Pomagają oku widza łatwiej zanurzyć się w świecie przedstawionych. Artyści traktują ramę jako istotną część kompozycji obrazu i malują ją w jasnych i ciemnych barwach. różne odcienie. Są ramki z bogatymi motywami plastycznymi, konwencjonalnymi ornamentami roślinnymi czy geometrycznymi.

Realizm - metoda twórczości artystycznej oparta na głębokiej znajomości życia i figuratywnym odzwierciedleniu jego istoty i piękna. Realizm w malarstwie opiera się na przedstawianiu życia w formach samego życia. Artysta nieustannie studiuje życie ołówkiem i pędzlem w dłoni i doskonale opanowuje umiejętność wiernego przedstawiania przedmiotów i przedmiotów rzeczywistości. Bez organicznej wiedzy i uogólnienia życia z jednej strony, az drugiej umiejętności urzeczywistnienia tego wszystkiego w konkretnym obrazie wizualnym, obraz artystyczny w obrazie zamienia się w schemat pozbawiony życiowej perswazji.

realizm socjalistyczny - metoda sztuki socjalistycznej, mająca na celu prawdziwe, historycznie konkretne odzwierciedlenie rzeczywistości w jej rewolucyjnym rozwoju w celu ideowego i estetycznego wychowania ludzi w duchu socjalizmu i komunizmu.

Odruch - odbicie światła lub koloru, które pojawia się na formie w wyniku odbicia promieni świetlnych od otaczających obiektów. Kolory wszystkich obiektów są połączone refleksami. Im większa różnica w jasności i kolorze między dwoma sąsiednimi przedmiotami, tym bardziej zauważalny jest refleks. Na chropowatych, matowych powierzchniach są one słabsze, na gładkich są bardziej widoczne i wyraźniejsze w zarysie. Na polerowanych powierzchniach są one szczególnie wyraźne (w tym przypadku są wzmocnione odbiciem lustrzanym).

Rysunek -1) pełnoprawne odwzorowanie obiektywnego świata: modelowanie wolumetryczno-przestrzenne, prawidłowe proporcje, wierność wypowiedzi, wyraźnie oddany charakter itp. Jest to podstawa realistycznego przedstawienia rzeczywistości w ogóle - wszelkimi środkami technicznymi i technikami. Szkolenie rysunkowe jest istotną częścią wykształcenie zawodowe malarza, grafika i rzeźbiarza; 2) rodzaj grafiki artystycznej opartej na środkach technicznych i możliwościach rysunkowych. W przeciwieństwie do malarstwa, rysunek wykonywany jest głównie za pomocą stałych środków barwiących (ołówek, węgiel, sangwina itp.), z reguły za pomocą kreski i kreski, z pomocniczą rolą koloru; 3) odrębną pracę odpowiedniego rodzaju grafiki.

Rytm i rytm - powtarzalność pewnych elementów kompozycyjnych utworu, ich szczególna proporcjonalność, prowadząca do harmonijnej, regularnej spójności całości. Rytm może przejawiać się poprzez kontrasty i odpowiedniki grupowania postaci, obiektów, linii, ruchów, czarno-białych i kolorowych plam, planów przestrzennych itp.

Światło - element gradacji światła i cienia, służy do oznaczenia oświetlonej części powierzchni przedmiotów.

Lekkość (ton) - porównawczy stopień różnicy od ciemności: im dalej od ciemności, tym większa jasność koloru.

Otwór - stopień lekkości tematu, jego ton. Przysłona zależy od obecności innych (sąsiednich) tonów, a także od koloru obiektów.

Światłocień - regularne gradacje światła i ciemności na wolumetrycznej formie obiektu, dzięki czemu zarówno w naturze, jak i na rysunku takie obiektywne właściwości, jak objętość i materiał, są postrzegane przez oko. Główne gradacje światłocienia: rozjaśnienie, światło, półcień, własny cień, refleks, padający cień.

właściwości koloru - ton lub odcień koloru: czerwony, niebieski, żółty, żółto-zielony, jasność i nasycenie (stopień jego różnicy od szarości, czyli stopień bliskości czystego koloru widmowego). W procesie malowania te trzy właściwości są wykorzystywane do porównywania kolorów naturalnej produkcji, znajdowania ich różnic kolorystycznych i są przenoszone na szkic w proporcjonalnych relacjach.

Spoiwo - jest to środek ściągający (klej, olej, wapno gaszone, żółtko jaja kurzego), za pomocą którego cząsteczki pigmentu są ze sobą połączone i utrwalane na powierzchni gleby, tworząc warstwę farby. Rodzaje malarstwa – fresk, malarstwo olejne, tempera – różnią się właśnie składem spoiwa, choć pigment jest zwykle ten sam.

Sylwetka - jednokolorowy planarny obraz ciemny na jasnym tle. osobę, zwierzę lub przedmiot. Termin pochodzi od nazwiska francuskiego ministra finansów z XVIII wieku. E. de Silhouette, który został karykaturowany w postaci profilu cienia.

Symbol. - obraz, który alegorycznie wyraża dowolną szeroką koncepcję lub abstrakcyjną ideę. W przypadku, gdy powiązanie symbolu z pojęciem, które on wyraża, wynika z wewnętrznego podobieństwa znaczeniowego, związku między przedstawianym przedmiotem a jego alegorycznym znaczeniem, użycie symbolu staje się właściwe i możliwe w sztuce realistycznej. Symbol jest używany, gdy chcą wyrazić szeroką, wszechstronną koncepcję w zwięzłej i zwięzłej formie.

Treść i forma w sztuce - kategorie nierozerwalnie ze sobą powiązane i współzależne, z których jedna wskazuje, co dokładnie znajduje odzwierciedlenie i wyraz w utworze (treść), a druga wskazuje, w jaki sposób, jakimi środkami to się osiąga (forma). Wiodąca, determinująca rola należy do treści. Staje się w procesie pewnym fenomenem życia, świadomym i estetycznie pojmowanym przez artystę kreatywna praca. Kategoria formy artystycznej w sztukach plastycznych obejmuje: fabułę, kompozycję, czcionkę, rysunek, kolorystykę, objętość, przestrzenność, konstrukcję światła i cienia itp. Należy zauważyć, że walory artystyczne dzieła zależą bezpośrednio od tego, jak profesjonalnie wyszkolony artysta posługuje się środkami wyrazu. Bez praktycznego opanowania kultury posługiwania się kolorem niemożliwe jest wyrażenie treści figuratywnej poprzez malowanie w określonym materiale.

Porównanie - metoda określania proporcji, relacji tonalnych, kolorystycznych itp. Właściwości i jakości poznaje nasza świadomość poprzez porównanie. Zrozumienie natury formy przedmiotu, określenie jego tonu i koloru jest możliwe tylko w porównaniu z innymi przedmiotami. Aby wiernie przedstawić naturę, artysta musi stworzyć na szkicu proporcjonalne do natury różnice w przedmiotach w wielkości, tonacji i kolorze. Tylko metodą porównawczą (z integralnym postrzeganiem natury) można określić w naturze relacje kolorystyczne między przedmiotami, przenieść je na płótno lub papier.

Stylizacja - 1) celowe naśladowanie stylu artystycznego, charakterystycznego dla każdego autora, gatunku, nurtu, sztuki i kultury określonego środowiska społecznego, narodowości, epoki. Zwykle obejmuje swobodną interpretację treści i stylu sztuki, która służyła jako prototyp; 2) w sztukach wizualnych, a przede wszystkim w sztuka dekoracyjna, projektowe uogólnienie przedstawionych postaci i przedmiotów za pomocą technik warunkowych; stylizacja jest szczególnie charakterystyczna dla ornamentu, gdzie zamienia przedmiot obrazu w motyw wzoru.

Styl - 1) wspólność cech ideowych i artystycznych dzieł sztuki określonej epoki. Pojawianie się i zmiana stylów zależy od przebiegu historycznego rozwoju społeczeństwa (na przykład klasycyzmu, baroku itp.); 2) narodowa cecha sztuki (styl chiński, mauretański itp.). Mówią także o stylu grupy artystów lub jednego artysty, jeśli ich prace wyróżniają się jasnymi indywidualnymi cechami.

Sucha szczotka - w malarstwie i grafice technika pomocnicza polegająca na pracy pędzlami twardymi, słabo nasyconymi farbą. Jako niezależna technika, suchy pędzel jest używany głównie w sztuce dekoracyjnej.

Sfumato - w malarstwie i grafice termin kojarzony z malarstwem włoskiego renesansu począwszy od Leonarda da Vinci i oznaczający miękkość wykonania, nieuchwytność konturów przedmiotów w wyniku określonego podejścia artystycznego.

Działka - 1) określone wydarzenie lub zjawisko przedstawione na zdjęciu. Ten sam temat można ujawnić w różnych fabułach; 2) czasami przez fabułę rozumie się dowolny przedmiot żywej przyrody lub świat obiektywny, wzięty za obraz. Często fabuła zastępuje koncepcję motywu, który jest podstawą dzieła (zwłaszcza pejzażu).

Proces twórczy (kreatywność) - proces tworzenia dzieła sztuki, od narodzin idei figuratywnej do jej urzeczywistnienia, proces przekładania obserwacji rzeczywistości na obraz artystyczny. W malarstwie kreatywność polega na tworzeniu dzieła w bezpośrednio autentycznych, widocznych formach.

Temat - zakres zjawisk wybranych przez artystę do zobrazowania i ujawnienia idei dzieła.

farby temperowe - farby wodne wykonane z suchych proszków zmieszanych z żółtkiem jaja rozcieńczonym klejem wodnym. Obecnie produkowane są również farby półpłynne, zamykane w tubkach i przygotowywane na żółtku, jajku lub emulsji oleju roślinnego z jajkiem i klejem. Farby temperowe można pisać grubo, jak oleje, i cienko, jak akwarele, rozcieńczając je wodą. Schną wolniej niż gwasz. Wadą jest różnica w odcieniach surowej i wysuszonej farby. Obrazy malowane farbami temperowymi mają matową powierzchnię, dlatego czasami pokrywa się je specjalnym werniksem, który likwiduje to zmatowienie.

Cień - element światłocienia, najsłabiej oświetlonych obszarów w przyrodzie i na obrazie. Są cienie własne i padające. Cienie należące do samego obiektu nazywane są cieniami właściwymi. Padające cienie to cienie rzucane przez ciało na otaczające obiekty.

Ciepłe i zimne kolory . Ciepłe kolory są warunkowo kojarzone z kolorem ognia, słońca, gorących przedmiotów: czerwonym, czerwono-pomarańczowym, żółto-zielonym. Zimne kolory kojarzą się z kolorem wody, lodu i innych zimnych przedmiotów: zielono-niebieski, niebieski, niebiesko-niebieski, niebiesko-fioletowy. Te cechy koloru są względne i zależą od lokalizacji innego koloru w pobliżu. Na przykład ultramaryna sama w sobie jest zimna, obok błękitu pruskiego będzie ciepła, a nakrapiana czerwień będzie wydawała się zimniejsza niż czerwień cynobru.

W kolorystyce widocznej natury zawsze obecne są zarówno ciepłe, jak i zimne odcienie. Ten ciepły-zimny odcień opiera się przede wszystkim na naturalnych kontrastach kolorystycznych światła i cienia. W naturze często zdarza się, że kolory przedmiotów są zimne, a ich cienie ciepłe i odwrotnie. Tak zwane kontrastowe wizualne postrzeganie kolorów również przyczynia się do zjawiska chłodu: z obecności ciepłego koloru w postrzeganej naturze powstaje wrażenie zimnego na siatkówce, chociaż w naturze tak nie jest. Ciepło-zimno w malarstwie jest zjawiskiem naturalnym i integralną cechą malarskiego przedstawienia studium natury lub obrazu.

Technika - w dziedzinie sztuki: zestaw specjalnych umiejętności i technik, za pomocą których wykonuje się dzieło sztuki. Pojęcie „technika” w wąskim tego słowa znaczeniu zwykle odpowiada bezpośredniemu, natychmiastowemu rezultatowi pracy artysty ze specjalnym materiałem i narzędziem, umiejętności wykorzystania artystycznych możliwości tego materiału; w szerszym znaczeniu pojęcie to obejmuje również odpowiadające im elementy o charakterze obrazkowym – przenoszenie materialności przedmiotów, modelowanie form trójwymiarowych, modelowanie relacji przestrzennych itp. Bez wyjątku wszystkie środki techniczne powinny prowadzić do dobrze -znany, co najmniej skromny efekt artystyczny.

Środki techniczne sztuki nie pozostają neutralne w stosunku do treści. Główne cechy techniki realistycznej wynikają przede wszystkim z jej podporządkowania ideowo-figuratywnej strukturze dzieła.

Ttechnika malarska - patrz malarstwo olejne, akwarela, gwasz, tempera, malowanie klejem, pastel, enkaustyka, fresk, mozaika.

Ton (bez towarzyszącego słowa „kolor”) – w terminologii artystów jest równoznaczne z pojęciem lekkości barwy (farby). Każdy kolor chromatyczny lub achromatyczny może mieć różną jasność. O tonacji w obrębie tego samego koloru, na przykład czerwieni, można powiedzieć: „jasny odcień czerwonej farby” lub „ciemny odcień farby”. Czasami termin „ton” jest używany w odniesieniu do koloru, na przykład „złoty odcień panelu”, „brązowy odcień obrazu”. Artyści często używają terminu „jasność” lub „przysłona” koloru zamiast terminu „ton” koloru.

Klucz - określenie określające zewnętrzne cechy koloru lub światłocienia w dziełach malarskich i graficznych. Jest bardziej powszechny w odniesieniu do koloru i pokrywa się z terminem „gama kolorów”.

Skala tonalna i kolorystyczna obrazu . Przeniesienie proporcji tonalnych i kolorystycznych proporcjonalnych do natury można przeprowadzić w różnych zakresach jasności i nasycenia barw palety. Zależy to od ogólnego stanu siły iluminacji natury i od jej usunięcia z malarza. Najjaśniejsze i najbardziej nasycone kolorystycznie obiekty w przyrodzie artysta może podjąć na szkicu lub w pełnej sile światła i żywe kolory palet, czyli tylko połowę ich możliwości. W ten sposób zachowana jest skala tonalna i kolorystyczna obrazu, w którym odzwierciedlane są relacje tonalne i kolorystyczne obiektów naturalnej produkcji.

ton obrazu - obraz z różnymi przejściami tonalnymi od światła do cienia, czyli z obszarami o różnej sile tonalnej. Typowym przykładem obrazu tonowego jest fotografia, olej lub akwarela rysunek w jednym kolorze (grisaille), a także rysunek ołówkiem wykonany metodą cieniowania.

relacje tonowe . Rozpoznanie objętościowej formy przedmiotów, ich materiału następuje w naszych umysłach na podstawie wizualnej percepcji ich relacji świetlnych. Dlatego artysta musi odtworzyć współczynniki jasności rysunku metodą podobieństwa. Za pomocą gradacji światłocienia na wolumetrycznej formie i przeniesienia proporcjonalnych do natury relacji tonalnych między barwą (materiałem) przedmiotów artysta uzyskuje prawdziwie wolumetryczne modelowanie formy, ekspresję materialności, głębi przestrzennej i stanu skupienia. iluminacja (rysunek tonalny, malarstwo grisaille).

Tekstura - charakterystyczne cechy powierzchni przedmiotów wykonanych z różnych materiałów zarówno w przyrodzie, jak i na obrazie (relief warstwy farby pociągnięć). Tekstura może być gładka, szorstka, wytłaczana. Faktura litery zależy w dużej mierze od właściwości barwnego materiału, od cech przedmiotu natury, który artysta przedstawia, a także od zadania i materiału wykonania. W akwareli tekstura w dużej mierze zależy od powierzchni papieru. Faktura listu ujawnia indywidualny charakter pisma artysty.

Fas (cała twarz) - przód, widok z przodu. Termin ten wskazuje, że model (głowa osoby lub przedmiot) jest umieszczony frontalnie, równolegle do płaszczyzny obrazu.

Tło - dowolne medium lub płaszczyzna za obiektem obrazu.

Formularz - 1) wygląd, zarys; implikuje obecność objętości, konstrukcji, proporcji; 2) w sztukach wizualnych forma sztuki jest środkiem artystycznym służącym do stworzenia obrazu, ujawnienia treści (patrz treść i forma).

Formalizm - ogólne określenie licznych *> 1X antyrealistycznych szkół i nurtów w sztukach wizualnych: kubizmu, futuryzmu, konstruktywizmu, surrealizmu, suprematyzmu, puryzmu, dadaizmu, abstrakcjonizmu, pop-artu itp. Wszystkie te odmiany formalizmu opierają się na nienaturalne oddzielenie formy artystycznej od treści, uznanie niezależności i niezależności formy, błędne twierdzenie, że tworzy się dzieła sztuki poprzez różne zestawienia „czystych” linii lub kolorów. Formalistyczny obraz rażąco zniekształca rzeczywistość, traci zdolność metaforycznego poznawania świata, a czasem przeradza się w bezsensowne, szarlatańskie eksperymenty.

Format - kształt płaszczyzny, na której wykonywany jest obraz. Wynika to z ogólnych zarysów natury, stosunku wysokości do szerokości. Wybór formatu zależy od treści i pasuje do kompozycji obrazu. Dla systemu figuratywnego format ma zasadnicze znaczenie.

Fresk - najważniejsza odmiana techniczna malarstwa monumentalnego, wykorzystująca wapno jako główne spoiwo.

Kolor w malarstwie. Ogólnie rzecz biorąc, kolor jest właściwością obiektów powodującą pewne wrażenie wizualne zgodnie ze składem widmowym odbitych promieni. W życiu codziennym każdemu przedmiotowi lub przedmiotowi przypisany jest jeden określony kolor. Ten kolor nazywa się obiektywnym lub lokalnym (trawa jest zielona, niebo jest niebieskie, woda morska jest niebieska itp.). U początkujących malarzy z reguły dominuje obiektywna wizja koloru, co prowadzi do kolorowania amatorskiego. W sensie obrazowym obiekt może być poprawnie przedstawiony tylko wtedy, gdy nie jest przekazywany kolor obiektu, ale kolor zmieniony przez oświetlenie i otoczenie. Kolor obiektu zmienia się wraz ze wzrostem i spadkiem intensywności światła. Różni się również od składu widmowego oświetlenia. Środowisko, w którym znajduje się obiekt, odbija również promienie kolorów, które uderzając w powierzchnię innych obiektów, tworzą na nich kolorowe refleksy. Kolor zmienia się również w wyniku interakcji kontrastu. Tak więc kolor przedmiotu jest zawsze mozaiką złożoną z plam barwy i światła i cienia (refleksy i refleksy), iw tym przypadku nazywa się to nieobiektywnym, ale uwarunkowanym. To właśnie ten kolor jest jednym z głównych środków wizualnych realistycznego malarstwa.

Ogólnie przyjmuje się, że sam kolor może mieć pewien wpływ na osobę. Czasami myślą, że ciemność i jasne odcienie stworzyć wesoły nastrój; szarość i czerń powodują uczucie przygnębienia itp. W psychologii prowadzone są badania i eksperymenty na ten temat, ale pewne wzorce w tej materii nie zostały jeszcze zidentyfikowane. Malarz nie stosuje powyższych wartości kolorystycznych. Nie ma ogólnej zasady dotyczącej emocjonalnego oddziaływania koloru na „różne okazje”. Wcale nie trzeba rozwiązywać obrazu w ciemnej lub surowej kolorystyce, jeśli jego temat jest tragiczny lub smutny, a jasne kolory nie są potrzebne do radosnych wątków. Na przykład wątki obrazów Surikowa „Mieńszikow w Berezowie” i „Bojar Morozowa” poświęcone są tragicznemu losowi ludzi silnej woli i przekonań. W kolorystyce pierwszego zdjęcia dominują ciemne tony. Drugi obraz zbudowany jest na bogatych zestawieniach kolorystycznych plenerowego malarstwa zimowego pejzażu, jaskrawych strojów tłumu, odświętnej kolorystyki „dywanowej”. Charakter naturalnej działki, stan oświetlenia zadecydowały o kolorystyce tych prac. Tak więc kolor obrazu jest tworzony przez system relacji kolorów, którego celem jest przedstawienie rzeczywistych warunków i warunków życia. Kolor jest sposobem na zobrazowanie wolumetrycznej formy przedmiotu, jego materialności, walorów przestrzennych, kolorystycznego stanu iluminacji natury i tylko poprzez ujawnienie semantycznej treści obrazu w ten sposób ma on niezbędny wpływ emocjonalny.

Jedność kolorów i powinowactwo kolorów. Barwa oświetlenia, jego skład widmowy, odpowiednio oddziałuje na różne barwy przedmiotów i obiektów natury, podporządkowuje je pewnemu zakresowi. Rezultatem jest kolorystyczna jedność kolorów. Wierne odzwierciedlenie tych cech sprawia, że studium z natury jest szczególnie prawdziwe i harmonijne pod względem malarskim.

Relacje kolorów - różnice w kolorach naturalnych pod względem odcienia (hue), jasności i nasycenia. W naturze kolor jest zawsze postrzegany w odniesieniu do otaczających go kolorów, z którymi jest w ścisłej interakcji i zależności. Dlatego relacje kolorystyczne badania powinny być przekazywane proporcjonalnie do relacji kolorystycznych natury. Jest to prawo kolorystycznej transpozycji barw widzialnej natury w zakres barw palety, determinuje ją psychofizjologia naszej percepcji wzrokowej i myślenia.

Integralność obrazu - wynik pracy z naturą metodą relacji (porównań) z integralną wizją natury, w wyniku której artysta pozbywa się takich wad rysunku lub szkicu, jak fragmentacja i różnorodność.

Integralność percepcji - zdolność artysty do jednoczesnego widzenia obiektów produkcji naturalnej. Tylko w wyniku integralnej percepcji wzrokowej możliwe jest prawidłowe określenie proporcji obiektów, relacji tonalnych i kolorystycznych oraz uzyskanie integralności obrazu naturalnego otoczenia. Integralność percepcji to profesjonalna zdolność widzenia i „ustawienie oka” artysty.

Istnieje kilka wskazówek, jak praktycznie postrzegać przyrodę jako całość: 1) w momencie obserwacji, przy określaniu relacji kolorystycznych, zmruż lub „rozpuść” oczy na całą przyrodę, 2) P. P. Czistyakow radził „mentalnie mieć przed sobą jakby płaskie szkło daje relacje”, 3) R. Falk dla integralności widzenia zalecał wycięcie prostokątnego otworu (2X1 cm) w kawałku tektury i patrzenie na przyrodę w płaszczyźnie tego okna (oko otrzymuje holistyczny układ obrazkowy głównych relacji kolorystycznych natury, podobny do mozaiki drogocennych kamieni); 4) możesz również postrzegać naturę jako całość i rozumieć jej zależności kolorystyczne za pomocą „czarnego lustra” (jeśli pomalujesz czarną farbą jedną stronę przezroczystego szkła, otrzymasz lustro, w którym w jasnym świetle słonecznym , możesz oglądać obiekty krajobrazu w zmniejszonej jasności.W takim lustrze obiekty odbijają się w tej samej płaszczyźnie w zmniejszonej formie, można je zobaczyć wszystkie w tym samym czasie.Umożliwi to dokładniejsze uchwycenie relacji tonalnych i kolorystycznych natury).

Zewnętrzny (w przeciwieństwie do wnętrza) - przedstawienie zewnętrznej części budynku.

Enkaustyczny Malarstwo woskowe jest rodzajem techniki malarskiej, obecnie rzadko stosowanej, polegającej na wykorzystaniu wosku jako spoiwa. Najlepszą metodą malowania woskiem pod względem rezultatów i trwałości jest antyczna enkaustyka. Jego zalety tkwią w wyjątkowych właściwościach specjalnie przygotowanego wosku, który jest prawie niewrażliwy na działanie czasu i wilgoci, nigdy nie pęka i zachowuje niezmieniony kolor.

Naszkicować - szkic przygotowawczy studium lub obrazu. W procesie pracy z natury szkice są wykorzystywane jako materiał pomocniczy; opracowują opcje kompozycji z kartki papieru lub płótna. Szkice wykonujemy zarówno w formie szybkich szkiców ołówkiem jak i w materiale.

Etiuda - pomocniczy obraz o ograniczonym rozmiarze, wykonany z natury w celu jej dokładnego zbadania. Poprzez szkicowanie artysta doskonali swoje umiejętności zawodowe. Głównym celem pracy etiudowej zawsze pozostaje prawdziwe i żywe ucieleśnienie idei obrazowej, stworzenie obrazu. W sztuce realistycznej studium zawsze odgrywa rolę drugoplanową.

Etiuda jest wynikiem przewartościowania roli etiudy, nieuchronnie prowadzi do zubożenia treści ideowych i figuratywnych. Powszechnie przyjmuje się, że etiuda zrodziła się z impresjonizmu, który ogranicza aktywność malarza do pobieżnej pracy z natury, zastępując obraz etiudą.

Efekt Purkyne'a - zmiana względnej jasności kolorów, gdy oświetlenie jest zwiększane lub zmniejszane. Na przykład w ciągu dnia względna jasność czerwieni i żółci wydaje się silna, a o zmierzchu - zieleń i niebieskie kwiaty. Chodzi o to, że w ciągu dnia, przy normalnym oświetleniu, nasze oko widzi przez niektóre komórki siatkówki oka, tzw. czopki, a przy bardzo słabym świetle już przez inne - pręciki. Czopki są bardziej wrażliwe na żółć i czerwień, podczas gdy pręciki są bardziej wrażliwe na niebiesko-zielone. Nawet Leonardo da Vinci zauważył: „Zielony i niebieski intensyfikują swoje kolory w półcieniu, a czerwony i żółty wygrywają kolorem w najbardziej oświetlonych miejscach”.

Malarstwo jest prawdopodobnie najstarszą formą sztuki. Nawet w czasach prymitywnych nasi przodkowie robili wizerunki ludzi i zwierząt na ścianach jaskiń. To są pierwsze przykłady malarstwa. Od tego czasu ten rodzaj sztuki na zawsze pozostał towarzyszem ludzkiego życia. Przykłady malarstwa dzisiaj są liczne i różnorodne. Postaramy się omówić ten rodzaj sztuki w jak największym stopniu, aby porozmawiać o głównych gatunkach, stylach, kierunkach i technikach.

techniki malarskie

Rozważ najpierw podstawowe techniki malowania. Jednym z najczęstszych jest olej. Jest to technika, w której stosuje się farby olejne. Farby te nakłada się pociągnięciami. Za ich pomocą możesz tworzyć różnorodne odcienie, a także przekazywać niezbędne obrazy z maksymalnym realizmem.

tempera to kolejna popularna technika. Mówimy o tym, gdy stosuje się farby emulsyjne. Spoiwem w tych farbach jest jajko lub woda.

Gwasz- technika szeroko stosowana w grafice. Farba gwaszowa jest wytwarzana na bazie kleju. Można nim pracować na kartonie, papierze, kości czy jedwabiu. Obraz jest trwały, a linie wyraźne. Pastel- Jest to technika rysowania suchymi ołówkami, podczas gdy powierzchnia musi być szorstka. I oczywiście warto wspomnieć o akwarelach. Ta farba jest zwykle rozcieńczana wodą. Tą techniką uzyskuje się miękką i cienką warstwę farby. Szczególnie popularne Oczywiście wymieniliśmy tylko główne techniki, które są najczęściej używane w malarstwie. Są inni.

Na czym zazwyczaj maluje się obrazy? Najpopularniejszy obraz na płótnie. Jest naciągnięty na ramę lub przyklejony do kartonu. Należy pamiętać, że w przeszłości dość często używano drewnianych desek. Dziś popularne jest nie tylko malowanie na płótnie, ale do stworzenia obrazu można użyć dowolnych innych płaskich materiałów.

Rodzaje malarstwa

Istnieją 2 główne jego rodzaje: malarstwo sztalugowe i monumentalne. Ta ostatnia związana jest z architekturą. Ten typ obejmuje malowidła na sufitach i ścianach budynków, dekorowanie ich obrazami wykonanymi z mozaiki lub innych materiałów, witraże i tak dalej. Malarstwo sztalugowe nie jest kojarzone z konkretnym budynkiem. Można go przenosić z miejsca na miejsce. W malarstwie sztalugowym istnieje wiele odmian (inaczej nazywa się je gatunkami). Rozważmy je bardziej szczegółowo.

Gatunki malarstwa

Słowo „gatunek” ma pochodzenie francuskie. Tłumaczy się jako „rodzaj”, „gatunek”. Oznacza to, że pod nazwą gatunku kryje się jakaś treść, a wymawiając jej nazwę, rozumiemy, o czym jest obraz, co w nim znajdziemy: osobę, naturę, zwierzę, przedmioty itp.

Portret

Najstarszym gatunkiem malarstwa jest portret. To obraz osoby, która wygląda tylko jak on i nikt inny. Innymi słowy, portret jest w malarstwie obrazem o indywidualnym wyglądzie, ponieważ każdy z nas ma indywidualną twarz. Ten gatunek malarstwa ma swoje własne odmiany. Portret może być pełnej długości, do klatki piersiowej lub malowana jest tylko jedna osoba. Zwróć uwagę, że nie każdy wizerunek osoby jest portretem, ponieważ artysta może stworzyć na przykład „osobę w ogóle”, nie spisując jej od nikogo. Kiedy jednak portretuje konkretnego przedstawiciela rasa ludzka, potem pracuje nad portretem. Nie trzeba dodawać, że istnieje wiele przykładów malarstwa w tym gatunku. Ale poniższy portret jest znany prawie każdemu mieszkańcowi naszego kraju. Mówimy o obrazie A. S. Puszkina, stworzonym w 1827 roku przez Kiprensky'ego.

Do tego gatunku można również dodać autoportret. W tym przypadku artysta przedstawia siebie. istnieje portret towarzysza gdy na zdjęciu są osoby w parze; oraz portret grupowy, gdy przedstawiona jest grupa ludzi. Można również zwrócić uwagę na portret ceremonialny, którego odmianą jest jeździectwo, jeden z najbardziej uroczystych. Było to bardzo popularne w przeszłości, ale takie prace są teraz rzadkością. Jednak następny gatunek, o którym będziemy mówić, jest istotny w dowolnym momencie. O czym to jest? Można się tego domyślić, sortując gatunki, których jeszcze nie nazwaliśmy, charakteryzujące malarstwo. Jedną z nich jest martwa natura. To o nim teraz porozmawiamy, nadal rozważając malowanie.

Martwa natura

To słowo ma również francuskie pochodzenie, oznacza „martwą naturę”, chociaż znaczenie byłoby dokładniejsze „natura nieożywiona”. Martwa natura - obraz przedmiotów nieożywionych. Są bardzo różnorodne. Zwróć uwagę, że martwe natury mogą również przedstawiać „żywą naturę”: motyle opadły na płatki, piękne kwiaty, ptaki, a czasem wśród darów natury można zobaczyć człowieka. Jednak nadal będzie to martwa natura, ponieważ obraz żywych nie jest w tym przypadku najważniejszy dla artysty.

Sceneria

Krajobraz to kolejne francuskie słowo oznaczające w tłumaczeniu „widok na kraj”. Jest to analogiczne do niemieckiej koncepcji „krajobrazu”. Krajobraz to przedstawienie natury w jej różnorodności. Do tego gatunku dołączają następujące odmiany: pejzaż architektoniczny oraz bardzo popularny pejzaż morski, który często nazywany jest jednym słowem „marina”, a tworzący go artyści nazywani są malarzami morskimi. Liczne przykłady malarstwa z gatunku pejzażu morskiego można znaleźć w twórczości I. K. Aivazovsky'ego. Jednym z nich jest „Tęcza” z 1873 roku.

Ten obraz jest namalowany olejem i jest trudny do wykonania. Ale tworzenie akwarelowych krajobrazów nie jest trudne, więc w szkole, na lekcjach rysunku, to zadanie zostało powierzone każdemu z nas.

Gatunek zwierzęcy

Kolejnym gatunkiem jest zwierzęcy. Tutaj wszystko jest proste - to obraz ptaków i zwierząt w przyrodzie, w naturalnym środowisku.

gatunek domowy

Gatunek codzienności to przedstawienie scen z życia codziennego, zabawnych „incydentów”, życia domowego oraz opowieści zwykłych ludzi w zwyczajnym otoczeniu. I możesz obejść się bez historii - po prostu uwiecznij codzienne czynności i sprawy. Takie obrazy są czasami określane mianem malarstwa rodzajowego. Jako przykład weźmy przedstawionych powyżej Zjadaczy ziemniaków (1885) Van Gogha.

gatunek historyczny

Tematyka malarstwa jest różnorodna, ale gatunek historyczny wyróżnia się osobno. Jest to obraz historycznych bohaterów i wydarzeń. Przylega do niego gatunek batalistyczny, przedstawia epizody wojenne, batalistyczne.

Gatunek religijny i mitologiczny

W gatunku mitologicznym obrazy są pisane na tematy starożytnych i starożytnych legend o bogach i bohaterach. Należy zauważyć, że wizerunek ma charakter świecki i tym różni się od wizerunków bóstw przedstawionych na ikonie. Nawiasem mówiąc, malarstwo religijne to nie tylko ikony. Skupia różne prace napisane na tematy religijne.

Zderzenie gatunków

Im bogatsza treść gatunku, tym więcej pojawia się jego „towarzyszy”. Gatunki mogą się łączyć, więc istnieje obraz, którego w ogóle nie da się umieścić w ramach żadnego z nich. W sztuce istnieje zarówno to, co ogólne (techniki, gatunki, style), jak i to, co indywidualne (konkretne dzieło rozpatrywane osobno). Oddzielny obraz niesie ze sobą coś wspólnego. Dlatego wielu artystów może mieć jeden gatunek, ale obrazy w nim malowane nigdy nie są do siebie podobne. Takie cechy ma kultura malarska.

Styl

Styl w jest aspektem wizualnej percepcji obrazów. Może łączyć twórczość jednego artysty lub twórczość artystów z określonego okresu, kierunku, szkoły, obszaru.

Malarstwo akademickie i realizm

Malarstwo akademickie to szczególny kierunek, którego powstanie wiąże się z działalnością akademii sztuk pięknych w Europie. Pojawił się w XVI wieku w Akademii Bolońskiej, której tubylcy starali się naśladować mistrzów renesansu. Od XVI wieku metody nauczania malarstwa zaczęto opierać na ścisłym przestrzeganiu reguł i norm, kierując się wzorami formalnymi. sztuka w Paryżu była uważana za jedną z najbardziej wpływowych w Europie. Propagowała estetykę klasycyzmu, która dominowała we Francji w XVII wieku. akademia paryska? przyczyniając się do systematyzacji edukacji, stopniowo przekształcił zasady kierunku klasycznego w dogmat. Tak więc malarstwo akademickie stało się szczególnym kierunkiem. W XIX wieku jednym z najwybitniejszych przejawów akademizmu była twórczość J. L. Gerome'a, Alexandre'a Cabanela, J. Ingresa. Klasyczne kanony zastąpiono kanonami realistycznymi dopiero na przełomie XIX i XX wieku. To właśnie realizm na początku XX wieku stał się podstawową metodą nauczania w akademiach, przekształcając się w system dogmatyczny.

Barokowy

Barok to styl i epoka w sztuce, którą cechuje arystokracja, kontrast, dynamika obrazów, prostota detali w przedstawianiu obfitości, napięcie, dramatyzm, przepych, fuzja rzeczywistości i iluzji. Ten styl pojawił się we Włoszech w 1600 roku i rozprzestrzenił się w całej Europie. Jego najwybitniejszymi przedstawicielami są Caravaggio i Rubens. Barok często porównywany jest z ekspresjonizmem, jednak w przeciwieństwie do tego drugiego nie wywołuje zbyt odpychających efektów. Obrazy tego stylu charakteryzują się dziś złożonością linii i bogactwem ornamentów.

Kubizm

Kubizm to awangardowy ruch artystyczny, który powstał w XX wieku. Jego twórcą jest Pablo Picasso. Kubizm dokonał prawdziwej rewolucji w rzeźbie i malarstwie Europy, inspirując do powstania podobnych nurtów w architekturze, literaturze i muzyce. Malarstwo artystyczne w tym stylu charakteryzuje się rekombinowanymi, rozbitymi przedmiotami, które mają abstrakcyjną formę. Przedstawiając je, wykorzystuje się wiele punktów widzenia.

Ekspresjonizm

Ekspresjonizm to kolejny ważny nurt w sztuce współczesnej, który pojawił się w Niemczech w pierwszej połowie XX wieku. Początkowo obejmowała tylko poezję i malarstwo, z czasem rozprzestrzeniła się na inne dziedziny sztuki.

Ekspresjoniści przedstawiają świat subiektywnie, zniekształcając rzeczywistość, aby stworzyć większy efekt emocjonalny. Ich celem jest skłonienie widza do myślenia. Ekspresja w ekspresjonizmie dominuje nad obrazem. Można zauważyć, że wiele prac charakteryzuje się motywami udręki, bólu, cierpienia, krzyku (przedstawione powyżej dzieło Edvarda Muncha nosi tytuł „Krzyk”). Artyści ekspresjonistyczni w ogóle nie interesują się materialną rzeczywistością, ich obrazy są wypełnione głębokim znaczeniem i przeżyciami emocjonalnymi.

Impresjonizm

Impresjonizm - kierunek malarstwa, nastawiony głównie na pracę w plenerze (plener), a nie w pracowni. Swoją nazwę zawdzięcza obrazowi „Impresja, wschód słońca” Claude’a Moneta, który prezentujemy na poniższym zdjęciu.

Słowo „wrażenie” język angielski- wrażenie. Obrazy impresjonistyczne oddają przede wszystkim wrażenie świetlne artysty. Główne cechy malarstwa w tym stylu to: ledwo widoczne, cienkie kreski; zmiana oświetlenia, trafnie oddana (często uwaga skupiona jest na efekcie upływu czasu); otwarta kompozycja; prosty wspólny cel; ruch jako kluczowy element ludzkiego doświadczenia i percepcji. najbardziej wybitni przedstawiciele takim nurtem jak impresjonizm są Edgar Degas, Claude Monet, Pierre Renoir.

Modernizm

Kolejnym kierunkiem jest modernizm, który powstał jako zbiór nurtów w różnych dziedzinach sztuki na przełomie XIX i XX wieku. Paryski Salon Odrzuconych został otwarty w 1863 roku. Wystawiano tu artystów, których obrazów nie wpuszczono do oficjalnego salonu. Datę tę można uznać za datę powstania modernizmu jako odrębnego kierunku w sztuce. W przeciwnym razie modernizm jest czasami nazywany „inną sztuką”. Jego celem jest tworzenie unikalnych obrazów, które nie są jak inne. Główną cechą prac jest szczególna wizja świata autorstwa autora.

Artyści w swojej twórczości buntowali się przeciwko wartościom realizmu. Charakterystyczną cechą tego kierunku jest samoświadomość. Często prowadzi to do eksperymentowania z formą, a także zamiłowania do abstrakcji. Przedstawiciele modernizmu zwracają szczególną uwagę na użyte materiały i proces pracy. Jednymi z jego najwybitniejszych przedstawicieli są Henry Matisse (jego dzieło „Czerwony pokój” z 1908 r. prezentujemy powyżej) oraz Pablo Picasso.

Neoklasycyzm

Neoklasycyzm jest głównym kierunkiem malarstwa w Europie Północnej od połowy XVIII wieku do końca XIX wieku. Charakteryzuje się powrotem do funkcji starożytny renesans a nawet klasycyzm. Pod względem architektonicznym, artystycznym i kulturowym neoklasycyzm powstał jako odpowiedź na rokoko, postrzegane jako płytki i artystyczny styl artystyczny. Artyści neoklasyczni, dzięki dobrej znajomości praw kościelnych, starali się wprowadzać kanony do swojej twórczości. Unikali jednak prostego odtwarzania klasycznych motywów i tematów. Artyści neoklasyczni starali się osadzić swoje malarstwo w ramach tradycji, demonstrując w ten sposób mistrzostwo gatunku. Neoklasycyzm pod tym względem bezpośrednio przeciwstawia się modernizmowi, w którym improwizacja i autoekspresja są uważane za cnoty. Do jego najsłynniejszych przedstawicieli należą Nicolas Poussin, Raphael.

Pop Art

Ostatnim kierunkiem, który rozważymy, jest pop-art. Pojawił się w Wielkiej Brytanii w połowie lat 50. ubiegłego wieku, a pod koniec lat 50. w Ameryce. Uważa się, że pop-art powstał jako reakcja na dominujące wówczas idee abstrakcyjnego ekspresjonizmu. Mówiąc o tym kierunku, nie sposób nie wspomnieć, że w 2009 roku jeden z jego obrazów „Eight Elvis” został sprzedany za 100 milionów dolarów.