Nie ma bardziej satysfakcjonującego medium niż malarstwo olejne. Niepodważalny jest także fakt, że olej otwiera przed artystą nieograniczone możliwości. Olej od początku swego istnienia cieszy się dużą popularnością i większość odkryć w świecie malarstwa dokonano właśnie w tej technice.

Ze wszystkich technik malarskich najbardziej złożoną jest malarstwo olejne. Szczególnie ta trudność pojawia się przy przejściu od akwareli. Pojawia się zupełnie inna zasada komponowania odcieni. W akwarelach papier brał udział we wszystkim poprzez światło, podczas pracy z farbami olejnymi biały kolor gleby prawie nie ma znaczenia. Mieszanie kolorów odbywa się przy stałej obecności bieli.

W naturze istnieje siedem kolorów podstawowych. Jeśli zaczniesz mieszać te kolory, łatwo zauważyć, że niektóre kolory podstawowe uzyskuje się przez zmieszanie innych kolorów podstawowych. Jedynie trzy kolory – czerwony, żółty i niebieski – nie mogą być komponowane żadnymi mieszaninami i muszą znajdować się na palecie w postaci gotowej. Wiedząc o tym, doświadczony malarz nie będzie szukał gotowych farb na każdy kolor przedmiotu, ale zastanowi się, ile czerwieni, żółci i błękitu wejdzie w pożądany odcień barwy.

W malarstwie olejnym farby rozjaśnia się poprzez dodanie do nich bieli (cynku lub ołowiu). Dlatego malarz musi nauczyć się w praktyce, jak uzyskiwać odcienie koloru poprzez wybielanie kolorów podstawowych.

W jakiej kolejności najlepiej wyciskać farby na paletę? Kolejność może być inna, ale stała. Niemożliwe jest na przykład nałożenie ultramaryny dzisiaj w górnym rogu palety, a jutro - w lewym dolnym rogu. Malarz jest tak przyzwyczajony do stałego położenia kolorów, że wybiera mieszaniny kolorów, nie patrząc na nie. Wszystko odbywa się mechanicznie. Podobnie wypracowana w praktyce wiedza o umiejscowieniu kolorów pozwala częściej patrzeć na naturę i płótno niż na paletę.

Farby zmieszane ze sobą często tracą nasycenie (jasność). Trudno jest uzyskać na przykład wystarczająco jasne kolory pomarańczowy, zielony i fioletowy poprzez zmieszanie. Dlatego czasami gotowe farby w tubach w kolorze jasnopomarańczowym, zielonym, niebieskim i fioletowym nie będą zbędne na palecie. Ale to jest opcjonalne. Tylko czarna farba może być konieczna osobno w tubce, ponieważ złożona z trzech podstawowych kolorów nie jest wystarczająco ciemna. Chociaż czerń uważa się za wynik prawie całkowitej absorpcji wszystkich części widma, w naturze prawie nigdy nie spotykamy czystej czerni, ponieważ w przyrodzie nie ma absolutnie całkowitej absorpcji. W praktyce biały (odbijający wszystkie promienie świetlne) i czarny mają odcienie kolorów. Należy o tym pamiętać w pracy i nie używać białej i czarnej farby w czystej postaci. Czarna farba, umiejętnie zastosowana, pozwala uzyskać bardzo piękne i subtelne połączenia z innymi farbami. Na przykład zmieszany z pomarańczą kadmową daje piękną ciepłą zieleń. Czerń zmieszana z ciepłymi barwami daje złożone odcienie ciepłe, zmieszana z barwami zimnymi – zimna.

Farby kryjące nakłada się grubo, tak że dolna warstwa nie jest widoczna. Wręcz odwrotnie, może nadać inny odcień warstwie bazowej, która przez nie prześwituje. Jest to szkliwienie - bardzo silna technika w malarstwie klasycznym. Nic nie stoi na przeszkodzie, aby farby kryjące rozcieńczyć rozcieńczalnikiem i zrobić z nich jakby farby transparentne, efekt glazury będzie, ale nie tak soczysty jak przy prawdziwych farbach transparentnych. Te przezroczyste sprawią, że będzie trochę lepiej. Ale wciąż farby przezroczyste są wyjątkowe. Sekret polega na tym, że jeśli umieścisz je na jasnym białym tle, stworzą efekt akwareli, jakby świeciły. Dawni mistrzowie używali glazurujących, przezroczystych farb, aby uzyskać miękkie przejścia odcieni skóry. Potrafią „połączyć” obraz o różnych kolorach, pokrywając go cienką warstwą przezroczystej farby, co nada mu ogólny odcień.

Zasadą każdej farby jest pigment i jego spoiwo. Może być inaczej, najważniejsze jest to, że utrzymuje pigment i zachowuje swoją siłę po wysuszeniu. Właściwości spoiw schnących szybko lub wolno dają różne techniki ich stosowania. W tym sensie „olej” jest uniwersalny. Farba olejna pozwala imitować farby szybkoschnące, jeśli zostanie rozcieńczona rozpuszczalnikami. Lub rozcieńczony olejem pozwala na powolną stylizację, mieszając się z innymi kolorami, co daje bardzo płynne przejścia. Jest nieprzezroczysty, co pozwala na pisanie w kilku warstwach. Nakładając lakier na wierzch, możesz dostosować połysk (soczystość) lub zamglenie obrazu. Jego wady, np. wolnoschnącą biel, można „wygrać” miejscowo stosując biel akrylową lub dodając do niej środki pochłaniające wilgoć (dodatek przyspieszający schnięcie). Akryl można nakładać na farby olejne i odwrotnie.

Trzeba też wiedzieć, że poszczególne farby (ultramaryna, kraplak), nałożone na białą powierzchnię z przezroczystą warstwą, bardzo słabo przypominają biel tych farb. Zatem, aby skutecznie malować farbami olejnymi, w szkicowniku trzeba mieć tylko pięć kolorów: biel ołowiową lub cynkową, żółtą (kadm cytrynowy), niebieską (błękit kobaltowy lub ultramaryna), czerwony (róż tioindygo, czerwień kadmowa, cynober), czarny w czystej postaci (kość spalona, ​​tioindygo). Z tych pięciu kolorów można uzyskać dowolny kolor występujący w naturze, dowolną farbę dostępną na rynku.

Nie da się z góry powiedzieć, jakie kolory należy wymieszać, aby przedstawić to, co widzialne. Nie mieszaj więcej niż trzech kolorów, nie licząc białego. Komponując kolor z dwóch lub trzech kolorów, nie trzeba ich długo mieszać na palecie. Gdy w mieszance zachowane są czyste kolory, na płótnie uzyskuje się różnorodne odcienie.

Rozciąganie płótna na noszach odbywa się w następujący sposób. Nowe niezagruntowane płótno zaleca się wyprać w gorącej wodzie w celu usunięcia z niego środków zaklejających. Podczas prania płótno nieco się kurczy, co później wpływa pozytywnie na konserwację obrazu. Surowe płótno należy wyprostować i wywiesić do wyschnięcia. Lepiej jest rozciągać płótno w stanie lekko zwilżonym. Połóż ramę pomocniczą poziomo na stole lub tarczy, stroną skierowaną do góry, wyjmij ostrza z rowków, mocniej dociśnij ramę pomocniczą, sprawdź, czy nie ma zniekształceń. Następnie ułóż i wypoziomuj płótno na blejtramie, naciągając je lekko po przekątnej i prowizorycznie mocując gwoździami w rogach (przybijając gwoździe na około 1/3 długości). Następnie na środku boków krosna płótno naciąga się i mocuje 2-3 gwoździami co 3-5 cm, najlepiej również tymczasowo. Płótno jest rozciągnięte, należy dokładnie upewnić się, że boki noszy i nici płótna są ściśle równoległe. Aby to zrobić, zaznacz prostym ołówkiem jedną z nitek w odległości 5-6 cm od krawędzi płótna i upewnij się, że po rozciągnięciu przebiega ściśle wzdłuż krawędzi krosna. To samo można zrobić, rozciągając płótno po drugiej stronie.

Gwoździe nie są wbijane po linii prostej, ale nieco losowo, za pomocą węża. Odbywa się to tak, aby nie podzielić ramy pomocniczej. Gwoździe wbija się w jednakowej odległości od siebie, przy czym każdy gwóźdź z jednej strony musi odpowiadać gwoździowi z przeciwnej strony napinacza.

Klejenie i gruntowanie podłoża to bardzo odpowiedzialny i trudny etap w pracy nad szkicem czy malowaniem. Jakość obrazu, sposób jego konserwacji, a także przebieg i sposób przeprowadzenia procesu malowania w dużej mierze zależą od jakości gleby.

Praktyka sztuk pięknych zna wiele przepisów na przygotowanie różnych gleb. Każdy artysta w oparciu o swoje potrzeby twórcze, wiedzę, manierę, temperament, empirycznie opracowuje swój własny przepis na ziemię. Oczywiście takie prace eksperymentalne należy prowadzić przemyślanie, biorąc pod uwagę wzorce techniczne i technologiczne. Należy dobrze znać materiały na grunty, metody gruntowania, technikę pracy z materiałami kolorowymi.

Wykonując dzieło sztuki, malarz musi postawić sobie za zadanie realizację swojego planu nie tylko metodą twórczą, ale także najnowocześniejszymi metodami technicznymi, zapewniającymi długotrwałe utrwalenie jego dzieła.

Istnieje wiele różnych systemów malowania, ale najczęstszy z nich, szczególnie przy długotrwałej pracy, jest wielowarstwowy. W systemie wielowarstwowym cały proces pracy dzieli się na odrębne główne fazy, wykonywane w mniej lub bardziej określonej kolejności: 1) tonizacja gleby; 2) rysowanie obrazu; 3) podmalowanie; 4) rejestracja, 5) oszklenie; 6) zakończenie.

Tonizacja gleby. Kolor podłoża ma ogromne znaczenie, ponieważ od niego w dużej mierze zależy efekt kolorystyczny obrazu. Wiązka światła przechodząca przez warstwy przezroczystych farb i padająca na zabarwione podłoże zostanie częściowo pochłonięta, a częściowo odbita i dotrze na powierzchnię obrazu namalowanego w tym lub innym kolorze, w zależności od odcienia podłoża i przezroczystość farb. Aby jak najefektywniej wykorzystać kolor podkładu należy go przygotować z farb mocno kryjących, a w dalszych rejestracjach stosować głównie farby transparentne, zachowując jednocześnie przezroczystość odcienia podkładu, gdyż farby kryjące i gęste pokryją powierzchnię kolor podkładu i nie będzie to miało znaczenia. Farby transparentne nałożone na zabarwione podłoże nadają obrazowi głębię, wyrazistość i jasność tonu. Farby półprzezroczyste dają dużą liczbę różnych tonów i odcieni, w zależności od grubości warstwy i intensywności koloru. Farby gęste i kryjące dają bardzo małą liczbę odcieni, a w mieszaninach z przezroczystymi zmniejszają czystość ich odcienia. Farby kryjące stosuje się głównie w postaci czystej lub jako bazę pod farby transparentne. Co prawda po obficie zmieszanym z lakierami lub wypełniaczami glazurniczymi można uzyskać pewną przezroczystość farb kryjących, ale w każdym razie przy bardzo ograniczonej gamie kolorystycznej. Odcienie kolorów farb można wzbogacić wprowadzając do nich przezroczyste wypełniacze: stearynian glinu, kreda, blancfix, kaolin, tlenek glinu, tłuczone szkło itp. W praktyce artyści najczęściej używają bieli. Zaletą białego funta jest to, że można nim pisać dowolną metodą, ponadto niemal całkowicie odbijając światło, nadaje intensywności kolorom.

Ciemne podkłady nadają głębię farbom, a nałożone pastowatą warstwą bieli cynkowej dają mocne światło. Dla wielu artystów kolor podłoża był głównym półtonem, a oni później wytrzymywali światło w dodatkowych kolorach do podłoża. Często zabarwione podłoże w niektórych miejscach pozostawiano całkowicie niezapisane lub lekko pokrywano farbami przezroczystymi lub półprzezroczystymi. Rembrandt preferował podkład w kolorze łupka, Rubens - czerwono-brązowy i umbrowy, Levitsky - neutralny zielony odcień podkładu, Borovikovsky użył neutralnego szarego podkładu, Bryullov użył jasnobrązowego, Aleksander Iwanow zabarwił podkład jasną ochrą. W porównaniu do ciemnych podkładów, jasne i białe podkłady są mniej niebezpieczne, w przypadku zmiany koloru podkładu i zmniejszenia gęstości niektórych farb podkład nie przyciemni i nie zabarwi obrazu własnym tonem.

Rysunek rysunku. Rysunek przygotowywany jest albo osobno na papierze z późniejszym przeniesieniem na płótno, albo bezpośrednio na płótno. Często zaleca się rysowanie na płótnie za pomocą pędzla. Jeśli rysunek wykonywany jest pędzlem, należy zadbać o równomierne rozprowadzenie warstwy farby na płótnie, unikając smug farby wzdłuż konturów rysunku.

Podmalowanie Zwyczajowo nazywa się pierwszą rejestrację malowniczego podkładu kolorem. Jest to etap przygotowawczy pracy nad obrazem lub długie studium wielowarstwowej metody malarskiej. W odróżnieniu od imprimatur podmalówka pełni z reguły trzy funkcje: kompozycyjną, plastyczną i kolorystyczną. Podmalowanie pod wieloma względami determinuje przebieg prac i końcowy efekt konstrukcji malarskich.

Podmalowanie bielą może być wielokolorowe. Biel, biorąc pod uwagę dalsze przeszklenia, jest lekko zabarwiona pożądanymi odcieniami kolorystycznymi. W tym przypadku podmalówka wygląda na bardzo jasną, kolory są mocno rozbielone. W obu przykładach podmalowania z użyciem bieli na tym etapie prac, główną uwagę zwrócono na fakturę kolorowej powierzchni. Powierzchnia warstwy farby podmalarskiej może być gładka lub wręcz lita, grubowarstwowa z silnie zaznaczoną fakturą reliefu, aż do iluzorycznego przeniesienia faktury materiału przedmiotu za pomocą plastycznego roztworu na kształt, duża masa światła i cienia.

W procesie wykonywania podmalówek zaleca się stosowanie farb dobrze schnących, bieli cynkowej itp. lub dodanie spoiwa przyspieszającego schnięcie. Dobrze schnące farby za pomocą lakierów zapewniają silne połączenie warstwy farby z podłożem i stanowią bazę lub, jak to się mówi, „łóżko do malowania”.

Jako takie spoiwo należy zastosować niewielką ilość sykatywu kobaltowego, a do rozcieńczenia farb trójnik o składzie: lakier lany lub damarowy 200 g, olej polimeryzowany 20 g.

W kolejnych etapach – rejestracji – na dobrze wyschniętym podobraziu z cienkimi przezroczystymi szkliwami i półprzezroczystą nakładką kolorów artysta osiąga ostateczną integralność malarsko-plastyczną, kolorystyczną i figuratywną dzieła.

Nie należy losowo i przypadkowo nakładać pociągnięć farby. Niszczy to formę, wprowadza różnorodność, nieporządek i nie przyczynia się do przeniesienia materiału, objętości, przestrzeni. Kształt, kierunek i charakter pociągnięcia w malarstwie zależą od kształtu przedmiotu, charakteru jego powierzchni i materiału. Warto wiedzieć, że pociągnięcie pędzlem naniesione grubo (pastoly) przybliża obraz do widza, natomiast pociągnięcie pędzlem naniesione cienko i płynnie go oddala. Z tego powodu tło martwej natury lub krajobrazu nie powinno być tak ciastowate jak obiekty na pierwszym planie. Przedstawiając niebo, odległość czy kolor mgły, nie należy nakładać farby tak mocno i gęsto, jak to mówimy, przedstawiając ziemię, gęste lub ciężkie przedmioty. Lepiej ułożyć je cienką i luźną warstwą. Charakter powierzchni rozmazu jest inny. Zależy to od narzędzia, sposobu nakładania pociągnięcia, grubości farby, podłoża, na którym jest nakładana. Wszystko to razem wzięte ma pewien wpływ na jakość i piękno koloru, obrazowo-plastyczne i emocjonalne rozwiązanie studium, jego integralność. Innymi słowy, faktura kolorowej powierzchni jest ważnym środkiem wyrazu artystycznego. Konstrukcje faktur są stale modyfikowane, udoskonalane i znajduje się nowe ich rozwiązanie.

Do tego, co zostało powiedziane, należy dodać, że skala plam barwnych, obrysu, obrysu zależy od wielkości płaszczyzny obrazowej. Wielkość kreski należy dostosować do wielkości gabinetu lub obrazu. W malarstwie monumentalnym szczególne znaczenie ma skala plam barwnych.

Olejami można pisać tylko na mokrej lub tylko na suchej warstwie farby, ale w żadnym wypadku na półsuchej. Jeśli będziesz pisać na mokrej farbie, obraz straci kolor, uschnie. Gdy farba zacznie już wysychać i na jej powierzchni utworzy się film, próba nałożenia kolejnej warstwy na wyschniętą warstwę może doprowadzić do całkowitego zniszczenia dzieła. Jeśli chcesz przepisać jakieś miejsce, najlepiej usunąć farbę szpachelką, nie dotykając podłoża płótna. Jeśli miejsce do przepisania jest całkowicie suche, aby związać nową farbę ze starą, przetrzyj ją surowymi ziemniakami lub cebulą, a po wyschnięciu napisz na skrobiowej powierzchni.

Metody i techniki nakładania warstwy farby, a co za tym idzie, faktury kolorowej powierzchni uzyskanych w tym przypadku obrazów i szkiców są różne. Farbami można malować grubą lub cienką warstwą, za pomocą pociągnięć lub cieniować farbę pędzlem, sporządzać mieszaniny z innymi farbami, białą lub nakładać ją w czystej postaci bez domieszek, farbę rozcieńczać w płynie i nakładać warstwy przezroczyste tak, aby widoczne są dolne warstwy kolorów lub kolor bazowy, tworząc w ten sposób nowy ton koloru itp. .

Wśród całej gamy metod nakładania warstwy malarskiej można wyróżnić wiodące, takie jak wizja procesu malarskiego metodą malowania wielowarstwowego i prowadzenie procesu malarskiego metodą alla prima, w którym farba jest nakładana na mokro w jednej warstwie. Często te metody malowania są łączone w jednym dziele. W ramach każdej metody możliwe są różne metody i techniki nakładania farb.

Pierwsza metoda malowania wielowarstwowego polega na obowiązkowym podziale procesu malowania na kilka kolejnych etapów - podmalowanie, rejestracja, szkliwienie (czasami nazywane są pierwszą, główną i końcową warstwą malarską). Na wszystkie warstwy farby, gdy prace są już zakończone i dobrze wyschnięte, nakłada się wierzchnią warstwę ochronną lakieru lub innych mas. Zakończeniu prac na każdym etapie powinny towarzyszyć przerwy na całkowite wyschnięcie farby. Metoda malowania wielowarstwowego polega na powszechnym stosowaniu glazury, właściwości optycznych farb. Dlatego czasami artyście trudno jest uzyskać od razu pożądany efekt obrazowy. Aby to zrobić, może zastosować dwie lub trzy nakładki przezroczystych i półprzezroczystych warstw farby jedna na drugiej. Metoda malowania wielowarstwowego pozostaje wiodącą przez wiele stuleci. Jest niezastąpiony przy wykonywaniu dzieł długotrwałych, kompozycji o tematyce gatunkowej, obrazów wielkoformatowych.

Gotowy obraz lub szkic, namalowany farbami olejnymi, a czasem temperami, pokrywany jest werniksem i innymi kompozycjami. Wierzchnia warstwa chroni warstwę farby przed wilgocią, kurzem, brudem, sadzą, gazami i jednocześnie zwiększa intensywność brzmienia barw obrazu, badania. Zaleca się nakładanie warstwy wierzchniej nie wcześniej niż rok do półtora roku po zakończeniu prac. Wynika to z konieczności całkowitego wyschnięcia warstwy farby i zawartego w niej oleju. Należy pamiętać, że przy braku światła lub w ciemnym pomieszczeniu, bez dopływu świeżego powietrza, schnięcie oleju ulega spowolnieniu, może brązowieć i zmieniać ton obrazu. Obraz wystawiony na światło jest lepiej zachowany w przyszłości.

Lakierowanie i suszenie warstwy nawierzchniowej należy również wykonać w jasnym, suchym, wentylowanym pomieszczeniu o normalnej temperaturze i wilgotności pokojowej. Nie zaleca się nakładania i suszenia warstwy nawierzchniowej w czasie wilgotnej, deszczowej pogody, gdyż wilgoć niekorzystnie wpływa na wytrzymałość i przezroczystość lakierów.

Do pracy możesz użyć fletu lub szerokiego pędzla wiewiórczego. Lakier należy nakładać powoli, w przeciwnym razie będzie się pienił. Włosy ze szczotki, które wpadły do ​​warstwy kryjącej, należy natychmiast usunąć.

Obraz zawerniksowany do czasu wyschnięcia werniksu należy chronić przed kurzem, brudem, mechanicznymi i innymi uszkodzeniami powłoki lakieru.

Zaczynając opanowywać sztuki piękne, prędzej czy później powinieneś zdecydować się na „swoje” technika malarska. I niekoniecznie są to techniki, w których jesteś teraz najlepszy - to technika, dzięki której możesz najpełniej zrealizować swój potencjał twórczy. Błędem wielu obiecujących artystów jest wybieranie łatwej drogi. Po przeczytaniu tego artykułu - próbuj, eksperymentuj, szukaj. Na pewno znajdziesz technika malarska według własnych upodobań.

Więc, techniki malarskie. Nasz sklep internetowy „Lucky-ART” prezentuje towary dla malarstwo sztalugowe wykonywany na płótnie, sztalugach i papierze. Istnieje również malarstwo monumentalne, w którym jako płótna wykorzystywane są ściany różnych budowli. Pierwotni ludzie stali się pierwszymi muralistami w czasach prehistorycznych, malując ściany jaskiń wizerunkami zwierząt, scenami polowań i tak dalej. Swoją drogą malowanie naskalne, jaskiniowe, zwane także petroglifami, wykonywane było nie tylko przy pomocy farb żółtych, czerwonych, białych i czarnych, ale także przy użyciu dłut, prymitywnych narzędzi do rzeźbienia obrazów w kamieniu.

Dla starożytnych Egipcjan technika ta nie straciła na aktualności, ale została zmodernizowana: powierzchnie robocze - kamień i drewno pokryto warstwą wapienia i gipsu, żywicy. Ponadto zaczęto stosować kolory zielony i niebieski. Teraz to technika malarska został nazwany tempera czyli farby na bazie naturalnych pigmentów.

W tym samym starożytnym Egipcie tzw malowanie klejem, która polega na użyciu tempery i kleju (pochodzenia roślinnego lub zwierzęcego). Od tego czasu stało się to znane enkaustyczny, technika malowania woskiem polegająca na malowaniu obrazów roztopionymi farbami, którą przyjęli najpierw starożytni artyści, a później greccy malarze ikon.

Około 2000 r. p.n.e. już istniało fresk- malowanie na mokrym tynku. Jak wiadomo, to technika malarska aktualne na dzień dzisiejszy. Obraz obraz olejny- bardzo starożytny technika malarska pojawił się w VII wieku p.n.e. przynajmniej w Afganistanie, gdzie znaleziono dowody na ten fakt.

Akwarela - technika malarska farby rozpuszczalne w wodzie, powstały w II wieku p.n.e.

Farba wykonana z sadzy atrament, zwana także samą metodą, bardzo starożytną i używaną w kaligrafii i sumi-e.

Chińczycy też wymyślili guohua gdzie używa się tuszu i akwareli. To jest drugi wiek p.n.e. Wynaleziono je w XIV wieku sucha szczotka- wcieranie farb olejnych w powierzchnię papieru.

Sto lat później pojawił się świat goździk- wielowarstwowe nakładanie farb. Dzięki temu technika malarska portrety i wizerunki ludzi zaczęły okazywać się bardziej „żywe”.

Grisaille malarze, którzy podbili gradację jednego koloru, najczęściej sepii i szarości.

Gwasz- rysowanie obrazów o bardziej matowych i gęstych kolorach niż akwarela. Został wynaleziony w Europie w XVI wieku.

Wynalazł słynny Leonardo da Vinci sfumato- zmiękczanie konturów postaci i obiektów. Za jego pomocą możesz nawet przenosić powietrze otaczające ludzi i przedmioty. W tłumaczeniu z języka włoskiego nazwa ta oznacza „znikanie jak dym”, zacieniona. Swoją drogą, nikt jeszcze nie prześcignął tego mistrza, który nałożył warstwę farby o grubości kilku mikronów, podczas gdy cała warstwa farb nie przekraczała 40 mikronów!

Glazura Również wynalazek Leonarda da Vinci. Ten technika malarska nazywane również glisal. Polega na nałożeniu półprzezroczystych tonów na warstwę bazową.

Pastel- Rysowanie kredkami i ołówkami. Metoda znana jest od XVI wieku i występują trzy jej odmiany: woskowa, olejowa i sucha.

Kiedy obrazy są malowane prostokątnymi pociągnięciami i/lub kropkami, to jest to - dywizjonizm Lub pointylizm powstał w XIX wieku.

Pionierem był Andy Warhol akryl - techniki malarskie wodoodporne farby akrylowe.

Nawiasem mówiąc, jeśli chcesz wykorzystać przynajmniej część tego wszystkiego w tym samym czasie, jest to również dopuszczalne. Wtedy będziesz pracować różne środki przekazu.

Będziesz potrzebować

• Farby olejne, podkład, klej, utrwalacz, paleta, pędzle (najlepiej płaskie i wykonane z materiałów naturalnych), szpachla, sztaluga, prosty ołówek, gumka, kalka, kalka i inne przydatne drobiazgi kupowane przez artystów dla ułatwienia pracy.

Instrukcja

Kup płótno. Najczęściej są lniane lub bawełniane. Płótno bawełniane jest tańsze i łatwiejsze w obróbce. Len jest drobnoziarnisty, odpowiedni do umieszczenia drobnych detali oraz gruboziarnisty, na którym dobrze jest odzwierciedlić fakturę (np. kamienie, morze). Zamiast tradycyjnego do pracy używa się również płótna, sklejki, płyty pilśniowej i metalu. Można również użyć papieru, ale nie będzie on trwały.
Tańsze płótno to to naciągnięte na karton. Jest cienki i łatwy w transporcie, ma wymiary nie większe niż 0,5 x 0,7 m. Płótno na noszach jest droższe i cięższe, ale większe - do 1,2 x 1,5 m.

Wraz z płótnem kup wszystkie niezbędne materiały: farby olejne, podkład, klej, utrwalacz, paletę, pędzle, szpachlę, sztalugi. Jeśli szkicujesz na papierze, a następnie przenosisz go na płótno, będziesz potrzebować przezroczystego papieru (możesz wziąć kalkę) i. Przy okazji może przydać się coś innego, więc skontaktuj się ze sprzedawcą.

Przyklej i zagruntuj płótno, a następnie pozostaw do wyschnięcia. Operację tę wykonuje się tak, aby farba jej nie zniszczyła i dobrze leżała na płótnie.

Co więcej, wszystko będzie zależeć od techniki wykonania. Jeśli obraz jest mały, a doświadczenie w tworzeniu obrazów wciąż niewielkie, wypróbuj technikę w jednym kroku (alla prima). Oznacza to, że obraz powinien zostać ukończony w jednym lub kilku podejściach, ale w terminie przed wyschnięciem farb. Czas schnięcia farby olejnej wynosi średnio około 3 dni, w zależności od grubości warstwy. Obraz uzyska te odcienie i kolory, które stworzysz poprzez zmieszanie. Dodatkowe kolory uzyskamy dzięki przezroczystości gleby. Sam obraz będzie coraz jaśniejszy.

Zwykle artyści stosują technikę wielowarstwową: odkrywa ona wszystkie możliwości malarstwa olejnego. Jego istota polega na tym, że autor obrazu dzieli swoje zadanie na kilka podzadań, które następnie realizuje w różnych warstwach. Najpierw tworzy się pierwszą cienką warstwę, zwaną „podmalówką”. W celu jego wykonania farby są rozcieńczane. Podmalówka pomaga określić kompozycję, ton, kształt, cienie oraz światło i cień.

W kolejnych warstwach artysta krok po kroku zapisuje detale, subtelności formy i koloru, faktury. W ostatnich warstwach dodaje się olej lniany w celu nadania nasycenia i stabilności koloru. Po wyschnięciu farby następuje lakierowanie. Czas trwania tego okresu zależy od grubości warstw i wynosi średnio 6-12 miesięcy.

Powiązane wideo

notatka

Zanim sięgniesz po olej, poznaj prawa kompozycji i mieszania kolorów.

Popracuj przez chwilę z akwarelą i gwaszem, aby oswoić się z tym. Zgodnie z techniką olej jest bliższy gwaszowi - obrazy są gęste i nieprzejrzyste.

Łatwiejszym sposobem na opanowanie sztuki rysowania jest nauka w grupie lub indywidualnie pod okiem doświadczonego mistrza.

Pomocna rada

Aby uzyskać długopis testowy w malarstwie olejnym, nie kupuj drogich materiałów. Praca w tej technice wymaga niezbędnego przeszkolenia, umiejętności i cierpliwości. Przejdź od prostego do złożonego.

Rysowanie ołówkiem na ziemi należy nakładać ostrożnie, aby podłoże nie pękło. Możesz się zabezpieczyć, nakładając kolejną warstwę gleby.

Stosując technikę wielowarstwową należy pamiętać, że każda warstwa powinna mieć grubość taką samą jak poprzednia lub być od niej większa. W przeciwnym razie olej pęknie.

Poczekaj, aż poprzednia wyschnie, zanim zaczniesz układać kolejną warstwę.

Jeśli nie podoba ci się wynik, ostrożnie usuń nieużyteczną warstwę, zanim wyschnie, lub nałóż kolejną warstwę na wierzch.

Źródła:

• http://www.kartinanz.narod.ru/info/oil.html
• obraz olejny

Malarstwo olejne jest jedną z najbardziej rozpowszechnionych dziedzin sztuki. Aby malować olejami, trzeba najpierw nastawić się na żmudną i ciężką pracę.

Początkujący artyści często nie wiedzą, od czego zacząć tworzenie. Powinieneś posłuchać kilku zaleceń. Przede wszystkim należy zwrócić uwagę na prawidłowe przygotowanie płótna. Płótno powinno sprężynować pod pędzlem i dawać artyście możliwość wykonywania energicznych i wyraźnych pociągnięć. Jako płótno stosuje się krój konopi lub lnu. Nie należy używać tkanin bawełnianych i wiskozowych. Aby uzyskać lepsze płótno z nitkami o średniej grubości, z czasem możliwe będzie zastosowanie bardziej wytłoczonej tekstury płótna.

Równie ważnym punktem jest produkcja lub zakup ramy pomocniczej. Został zaprojektowany tak, aby utrzymać naprężenie płótna podczas pracy. Rama pomocnicza musi być wykonana ze skosem wewnętrznym, którego kąt waha się w granicach 5-7 stopni. Nie można używać noszy bez fazy, gdyż może to spowodować przedostanie się farby i kleju na tył płótna.

Płótno przed użyciem należy dokładnie skleić płynnym klejem do drewna, gdyż ten zabieg zabezpieczy płótno przed szkodliwym działaniem oleju. Po sklejeniu płótna należy je wysuszyć i przetrzeć kawałkiem zwykle pumeksu. Takie szlifowanie przeprowadza się przed nałożeniem drugiej warstwy kleju. Po sklejeniu płótno jest zagruntowane, ponieważ na niezagruntowanym płótnie nie można malować olejem. Gleba może być emulsyjna, oleista lub półoleista. Ucząc się malować, spróbuj zagruntować płótno różnymi rodzajami podkładów. Najważniejsze jest to, że zagruntowane płótno jest białe, bez plam i pasków. Podstawą malarstwa olejnego jest wcześniej wykonany szkic ołówkiem. Farby olejne nakłada się na płótno za pomocą pędzli o różnej grubości i pamiętaj o użyciu palety. Zwykle obraz olejny powstaje długo, każda warstwa kresek jest nakładana przez artystę stopniowo i stopniowo. Dlatego nie spiesz się, pozwól, aby pomysł artystyczny został w pełni ucieleśniony na płótnie.

Powiązane wideo

Farby olejne nie są pisane na papierze, jak ma to miejsce w przypadku akwareli, ale na specjalnym płótnie na blejtramie. Farby są również specjalnym olejem. Ich paleta jest drewniana. Przygotuj i specjalne rozpuszczalniki. Wiele specjalnych odcieni jest niepotrzebnych, weź kolory podstawowe i ułóż je w następujący sposób: kolory ciepłe z jednej strony, kolory zimne z drugiej. Wyjątkowe są także pędzle do nich - duże, naturalne włosie.

Instrukcja

Spróbujmy. Zacznij od najważniejszych relacji kolorystycznych. Wybierz najbardziej podstawowe kolory. Pisz szerokimi liniami. Zobacz, jakie kolory pasują do czego. Nie zaleca się ostrożnego rysowania fragmentów obrazu. Wszystko powinno być zrobione równolegle, zarówno tło, jak i obiekty. Najpierw całkowicie narysuj kolory podstawowe. Wtedy uzyskasz pełny obraz.
Zwróć uwagę na połączenie koloru i cienia. Na przykład szara draperia będzie w cieniu prawie niebieska, a w świetle srebrzysta.
Piękno malarstwa olejnego polega na tym, że pociągnięcia można nakładać jedna na drugą, nie czekając, aż wyschną. Nie zaleca się mieszania wielu kolorów. Użyj 2-3 kolorów. Ważne jest, aby wszystkie szczegóły martwej natury były ze sobą połączone. Aby jeden obiekt nie wyróżniał się jako ponure miejsce.
Kiedy rysujesz, nie staraj się być fotografem. W końcu Twoim zadaniem jest przekazanie swoich uczuć, punktu widzenia, wizji tej martwej natury.

Kiedy narysujesz główne kolory, zacznij pracować nad szczegółami. Nie zapomnij o refleksie. To znaczy o odbiciu obiektów w sobie. Nie zapomnij natychmiast rozłożyć cieni, światła i świateł. Ale nigdy nie sprawiaj, że cienie będą czarne. Mieszaj różne kolory, aby uzyskać ciemny kolor. Znajdź akcenty kolorystyczne, aby wszystko nie było takie samo, wszystkie inne rzeczy powinny być podporządkowane dominującemu.

notatka

Farby olejne schną bardzo długo. Kiedy wyschną, martwa natura będzie gotowa.

Farby akrylowe zdecydowanie zajęły czołowe miejsce wśród mediów artystycznych stosowanych w robótkach ręcznych i sztuce użytkowej, ze względu na swoją jasność, wodoodporność, szybkie schnięcie i łatwość aplikacji. Farby akrylowe można stosować nie tylko na papierze, ale także na tkaninach, drewnie, plastiku, szkle, ceramice i wielu innych powierzchniach. To sprawia, że ​​akryl jest wszechstronnym medium artystycznym i wkrótce przekonasz się, jak łatwo jest z nim pracować.

Instrukcja

Kupując akryl należy zwrócić uwagę, aby wszystkie kolory pochodziły od tego samego producenta – ułatwi to mieszanie podczas malowania. W przeciwieństwie do gwaszu, akryl nie wysycha, nie pęka i nie wymaga rozcieńczania wodą. Zamiast wody najlepiej użyć specjalnego rozcieńczalnika do akrylu.

Nie używaj pędzli z włosiem odpowiednich do farb olejnych - kup wysokiej jakości pędzle syntetyczne o różnych średnicach i przekrojach. Jednocześnie nie zapomnij opłukać pędzli w wodzie natychmiast po wykonaniu niezbędnych pociągnięć - akryl wysycha bardzo szybko, a jeśli farba wyschnie na pędzlu, nie będzie można jej zmyć.

W zależności od tego, co będziesz malować, kup w sklepie ze sztuką odpowiednie farby - do malowania ceramiki, drewna, szkła lub do zwykłego malowania na zagruntowanym płótnie lub papierze.

Farby akrylowe doskonale nadają się do malowania na tkaninach. Pod tym względem dzielą się na proste akryle do tkanin i farby do batiku - nadają się do lżejszych i zwiewnych tkanin (jedwab lub) oraz mają płynną strukturę.

Podczas nakładania farby należy wykonywać lekkie i cienkie pociągnięcia, nakładając je w krótkich odstępach jeden na drugi, aby warstwy farby miały czas wyschnąć. To utrwali rysunek lepiej, niż gdybyś nałożył farbę grubszą warstwą.

Jeśli zdecydujesz się na pomalowanie T-shirtu, przyda Ci się zwykły T-shirt, najlepiej wykonany z naturalnego materiału, a także szkic przyszłego rysunku i pomalowanie w odpowiednich kolorach.

Można też zastosować konturówki akrylowe, które sprzedawane są w tubach i utrwalać krawędzie farby, a także służyć jako estetyczna dekoracja i dodatek do obrazu.

Narysuj przestronny pokój z możliwością wentylacji. Rozciągnij koszulkę na ramce włożonej do środka i wyłóż wnętrze ramki papierem lub tkaniną, aby zapobiec przedostawaniu się atramentu na przeciwną stronę koszulki.

Można malować zarówno pędzlem, jak i przy użyciu szablonu oraz farbami akrylowymi w sprayu. W tym drugim przypadku należy zwrócić szczególną uwagę na ochronę dróg oddechowych.

Jeśli rysujesz pędzlem, najpierw obrysuj ołówkiem kontury wzoru na tkaninie, nawiązując do szkicu. Następnie zacznij rysować je akrylowymi konturami i wypełniać każdy element rysunku pożądanym kolorem.

Wyszczególnij rysunek, dopracuj go, a po zakończeniu pozostaw do wyschnięcia na kilka godzin. Gdy rysunek wyschnie, przeprasuj go gorącym żelazkiem przez kilka warstw papieru.

Powiązany artykuł

Źródła:

• rysunki akrylowe

Malarstwo olejne nie jest łatwe. Aby to zrobić, musisz przygotować płótno, pędzle, improwizowane środki. Farbę nakłada się różnymi pociągnięciami w zależności od kształtu rysowanych obiektów i występującego na nich światłocienia.

Będziesz potrzebować

• Płótno lniane/bawełniane, karton, drewno lub inne płótno z podkładem akrylowym; pędzle z naturalnego włosia świńskiego do prac podstawowych oraz pędzle sobolowe do rysowania detali; gąbki; łachmany; paleta do mieszania farb; rozcieńczalnik/olej lniany do rozcieńczania farby i mycia pędzla; werniks do zabezpieczenia gotowego dzieła

Instrukcja

Rysuj obiekty kuliste i toroidalne za pomocą pędzla w kształcie półksiężyca i skręconych pociągnięć pędzla, obiekty w kształcie stożka za pomocą trójkątnych pociągnięć, obiekty cylindryczne za pomocą równoległych pociągnięć. Rysuj płaskie powierzchnie również równoległymi pociągnięciami pędzla.

Aby uzyskać płynne przejścia kolorów, użyj płaskich pędzli. W takim przypadku należy wymieszać kolory z palety i nałożyć je w zamierzone miejsce gradacji. Pędzel porusza się do przodu, do tyłu, do przodu w sposób krzyżowy. Na ostatnim etapie projektowania przejścia kolorów zastosuj równoległe pociągnięcia. Pracuj czystym pędzlem od koloru ciemniejszego do średniego odcienia, a następnie ponownie czystym pędzlem od koloru jaśniejszego do średniego odcienia.

Przezroczyste warstwy glazury farby olejnej, cieniujące wzór, nakładamy na wyschniętą warstwę. Aby je uzyskać, użyj specjalnego płynu do rozcieńczenia farby i nałóż mieszaninę pędzlem kolumnowym w pozycji poziomej. Jeśli chcesz zmienić kolorystykę obrazu, podczas szklenia należy ustawić kierunek pociągnięć podobny do tych na warstwie głównej.

Warstwy półprzezroczyste nakłada się również za pomocą pędzla w pozycji poziomej. Rozcieńczyć farbę w proporcji 1/3 lakieru Damar, 1/3 terpentyny i 1/3 oleju lnianego.

notatka

Używaj ołówka do szkicowania ostrożnie, ponieważ jego ostra końcówka może uszkodzić podkład płótna.

Pomocna rada

Mieszaj kolory na palecie ostrożnie i stopniowo. Aby uzyskać jaśniejsze odcienie, użyj bieli lub glazury.

Źródła:

• Technologia malarstwa olejnego

Przez długi czas uważano, że malarstwo olejne zostało wynalezione w XV wieku. W każdym razie wtedy stało się to powszechne w całej Europie. Jednak krytycy sztuki odkryli ślady stosowania farb olejnych już w XII wieku. W okresie renesansu artyści musieli sami wytwarzać farby, podkłady, lakiery, rozpuszczalniki i wymyślać nowe techniki malarskie. Dziś każdy może sprawdzić się w tej formie sztuki – farby i wszystkie niezbędne materiały sprzedawane są w sklepach ze sztuką.

Będziesz potrzebować

• Będziesz potrzebować farb olejnych, pędzli, palety, rozcieńczalnika, płótna, lakieru, podkładów, sztalugi, szpachli. Wyposaż dobrze oświetlone miejsce pracy.

Instrukcja

Wyciśnij farby olejne na paletę, zostaw miejsce, w którym będziesz je mieszać. Nie wyciskaj całej tubki, farba szybko wysycha, więc lepiej dodawać je w razie potrzeby. Farby najwygodniej mieszać małą szpachelką – szpatułką (przyda się również, gdy po pracy wyczyścisz paletę z zaschniętej masy).

Czyść pędzle za każdym razem, gdy zmieniasz kolor. Najpierw należy je przetrzeć szmatką, a następnie spłukać w rozpuszczalniku. Po zakończeniu pracy pamiętaj o wypłukaniu nie tylko pędzli, ale także palety.

Po zakończeniu prac nad obrazem należy go zawerniksować. To utrwali warstwę farby, a także wygładzi jej powierzchnię. Ponadto lakier chroni obraz przed wpływami środowiska, nie pozwala na pękanie i ciemnienie farby.

Powiązane wideo

Źródła:

• Materiały stosowane w malarstwie olejnym

Malarstwo olejne to jedna z najpopularniejszych technik malarskich. Farby olejne zapewniają obrazowi trwałość. Kolory nie psują się z biegiem czasu, a sama technika daje duże możliwości, a jednocześnie nie jest zbyt skomplikowana, co pozwala szybko się jej nauczyć.

Będziesz potrzebować

• Sztaluga, pędzle, farby, rozcieńczalniki, paleta, lakiery, szpachla, szmaty, powierzchnie zagruntowane: płótno na blejtramie, karton lub płótno na tekturze

Instrukcja

Do rysowania potrzebne będzie płótno naciągnięte na noszach lub innej odpowiedniej powierzchni. Stosuje się również tekturę lub płótno przyklejone do tektury. Wszystkie powierzchnie należy zagruntować. Jeśli dopiero zaczynasz malować, lepiej kupić w sklepie gotowe, zagruntowane płótna.

Pędzle - Z reguły początkujący artyści sięgają po pędzle z twardym włosiem, ale miękkie pędzle też się przydadzą. Możesz rysować prawie wszystkim, najważniejsze jest, aby nie robić tego palcami, ponieważ farby i substancje tworzące ich skład są bardzo toksyczne. Mogą przedostać się przez skórę do organizmu i spowodować zatrucie.

Zanim przystąpisz do malowania olejami, wymieszaj farby na palecie do pożądanego odcienia. Pomoże w tym nóż paletowy. Do oczyszczenia farby z pędzla użyj rozcieńczalnika i szmat. Najlepiej uzyskać odcień mieszając nie więcej niż trzy kolory. Tradycyjnym materiałem na paletę jest drewno, ale szkło też świetnie się sprawdza, bo nie wchłania farby i nie wchodzi z nią w reakcję.

Terpentyna jest często używana jako rozpuszczalnik, ale jest dość toksyczna. Dziś jest mniej toksycznych rozpuszczalników o przyjemniejszym zapachu, są przyjemniejsze w użyciu.

Po zakończeniu pisania opłucz pędzle w rozpuszczalniku, a następnie umyj je w ciepłej wodzie z użyciem mydła lub szamponu. Zaleca się nie wkładać pędzli do pudełek, lecz trzymać je w kubku, aby mogły wyschnąć. Najlepiej zamontować dodatkowe dno z otworami w pojemniku z rozpuszczalnikiem do mycia pędzli. Dzięki temu fragmenty farby opadną na dno, nie zakłócając płukania pędzli, a żywotność rozpuszczalnika można znacznie wydłużyć.

Proces malowania jest indywidualny. Każdy używa własnych trików i trików. Oczywiście umiejętność rysowania przyda się każdemu, kto zdecyduje się zająć malarstwem olejnym. Zwykle przed rozpoczęciem głównego rysunku na płótno nakłada się podmalówkę. Są to kontury napisane bardzo rozcieńczoną farbą. Są prawie niewidoczne. Następnie zaczyna się sam rysunek. Farby olejne nakłada się warstwami, z biegiem czasu coraz bardziej zagłębiając się w szczegóły.

Pomocna rada

Gdy obraz jest już gotowy i wyschnięty, zostaje poddany werniksowi. Zwykle należy poczekać około roku, aż farba całkowicie wyschnie. Powłoka lakierowa pozwala zabezpieczyć farbę na obrazie przed zrzucaniem i interakcją z powietrzem. Dlatego obrazy są przechowywane znacznie dłużej.

Źródła:

• ręcznie rysowane obrazy

Obrazy olejne są najbardziej kolorowe i wyraziste, zwłaszcza w porównaniu z rysunkami ołówkiem. Potrafią ozdobić każde wnętrze. Jednak nauka rysowania tą techniką jest dość trudna i kosztowna, ponieważ koszt wszystkich niezbędnych materiałów może być znaczny.

Instrukcja

Jeżeli pozwalają na to fundusze, zakupcie płótno, farby (to stanowi największą część wszystkich kosztów), pędzle, klej i podkład. O wszystkim w porządku. Starannie wybieraj płótno, ponieważ od niego będzie zależeć, jak farba będzie się układać, a także jaką fakturę będzie miał rysunek. Dobry rysunek pociągnięć może zapewnić płótno wykonane z konopi lub lnu.

Pamiętaj, że nie będziesz mógł od razu zacząć rysować. Faktem jest, że najpierw musisz przykleić nabyte płótno. To ochroni go przed wnikaniem farby po niewłaściwej stronie. Ta procedura jest wykonywana przy użyciu zwykłego kleju do drewna. Następnie należy umieścić płótno w wentylowanym miejscu, aby je wysuszyć. Nie zapomnij sprawdzić, czy fałd kleju pęka po wyschnięciu, czy nie. Jeśli nie, oznacza to, że możesz przejść do następnego kroku.

Teraz zajmij się podkładem. Ten przedmiot jest niezbędny, ponieważ bez podkładu nie da się namalować obrazu olejnego. Potraktuj ten etap przygotowania płótna ze szczególną uwagą. Jeśli nałożysz podkład niedokładnie i nierównomiernie lub sam materiał okaże się zły, wówczas obraz okaże się matowy i matowy, mogą pojawić się na nim plamy.

Weź farby, pędzle i możesz zacząć malować obraz. Jednocześnie nie spiesz się, ostrożnie i dokładnie wykonuj pociągnięcia: zaniedbania w tej kwestii nie są mile widziane. Na płótnie nie powinno być również żadnych smug. ponieważ jest to w zasadzie niemożliwe, ponieważ farby olejne mają dość gęstą konsystencję, nie rozpływają się. Po pomalowaniu tego, co chcesz, pozostaw obraz do wyschnięcia.

Powiązane wideo

notatka

Koniecznie wybierz dobre i wysokiej jakości nosze. Pomoże Ci to upewnić się, że płótno jest mocno napięte. Nawiasem mówiąc, ten warunek jest niezbędny do pomyślnego napisania obrazu olejnego. Unikanie tego przedmiotu może być obarczone pęknięciami na płótnie, które oczywiście nie będą ozdobą Twojego rysunku.

Wskazówka 9: Koloruj po numerze: od czego zacząć i jak wybrać zestaw

Pamiętasz, jak jako dzieci chcieliśmy być wielkimi artystami? Ale czas mijał, dojrzeliśmy i zdaliśmy sobie sprawę, że talent, o którym tak uparcie opowiadali nam rodzice, jest w nas zupełnie nieobecny. A jak chcesz narysować obraz własnymi rękami! Żebyś nie musiał później wszystkiego tłumaczyć. jakie stworzenie jest na nim przedstawione i z której strony lepiej na nie spojrzeć. Na ratunek przyjdą specjalne cyfry do kolorowania po numerach.

Zazwyczaj w skład takiego zestawu wchodzą: baza, farby lub ołówki, pędzle oraz instrukcja. Czasami producent dodaje paletę do mieszania farb. Podstawa jest dwojakiego rodzaju:

• karton;
• płótno, na które nałożony jest rysunek konturowy z liczbami w środku.

Ołówki mogą być proste lub kolorowe, ale farby to akryl, olej i akwarela. Jeśli dopiero zaczynasz przygodę z malowaniem, najlepszym wyborem będą farby akrylowe. Całkowicie nakładają się na siebie i umożliwiają skorygowanie błędów lub niedokładności, warto jednak pamiętać, że farby schną bardzo szybko. W zestawie może znajdować się jeden pędzel, ale częściej jest ich kilka, dzięki czemu można wybrać najwygodniejszą dla siebie grubość. Instrukcje zawierają instrukcje dotyczące pokolorowania obrazu, wskazują kolory znajdujące się w zestawie, a także powtarzają rysunek konturowy z liczbami.

Bazy kartonowe są tańsze i łatwiejsze do narysowania, ponieważ granice kolorów i cyfry są bardzo widoczne, a farba równomiernie się rozprowadza i dobrze wchłania. Zdjęcia są bardzo jasne i aby dodać nasycenia niektórym obszarom, wystarczy kilka razy je zamalować. Do gotowej pracy możesz z łatwością wykorzystać ramki na zdjęcia.

Zestawy podkładów płóciennych są nieco trudniejsze w malowaniu, ponieważ płótno jest tkaniną, więc farba nie rozprowadza się i nie wchłania tak równomiernie jak podkład kartonowy. Ale jeśli nałożysz kilka warstw farby, obraz będzie wyglądał bardzo obszernie i jasno. Hostię można zwinąć w rulon lub zamontować na noszach.

Nosze to drewniana podstawa do naciągania płótna. Dzięki noszom zwiększa się grubość obrazu, dlatego znacznie trudniej jest wybrać ramę. Najprawdopodobniej będziesz musiał wykonać ramę na zamówienie, co znacznie zwiększa koszty obróbki gotowego dzieła. Jest jednak pewien trik: jeśli nie masz zasadniczo drogiego projektu i nie rysujesz dla siebie, wystarczy zamalować obraz z końców noszy i możesz powiesić go na ścianie, ponieważ obraz wygląda kompletne i nie wymagają ramek.

Kiedy już zdecydujesz, od czego chcesz zacząć (karton czy płótno), musisz wybrać producenta. Wszystkie różnią się złożonością, jasnością kolorów, krajem produkcji i ceną. Rozważ najpopularniejszy z nich.

1. Zestawy, w których podstawą jest karton:

Schipper Jest bardzo popularna wśród miłośników malowania po numerach. Producent - Niemcy. W zestawach zastosowano farby akrylowe, które znajdują się w specjalnych małych pojemnikach i są hermetycznie zamykane, dzięki czemu można je przechowywać przez bardzo długi czas. Świetne dla początkujących, ponieważ wszystkie kolory są już wymieszane i gotowe do malowania. Wszystkie elementy zestawu są bardzo dobrej jakości, dlatego dla niektórych cena może wydawać się wysoka. Ogromny wybór obrazów na każdy gust.

Firma Dimensions zajmuje się nie tylko kolorowaniem po numerach, ale także zestawami do haftu krzyżykowego i haftem diamentowym. Producent - USA. Wszystkie farby są dobrej jakości, równomiernie rozprowadzają się na kartonie. Ten zestaw jest odpowiedni dla bardziej doświadczonych artystów, ponieważ podczas rysowania będziesz musiał mieszać kolory zgodnie z instrukcją. Tutaj jest ogromne pole do popisu dla kreatywności. Odcienie możesz zmieniać według własnego gustu i nastroju. Gotowy obraz zwykle nieznacznie różni się od tego pokazanego na pudełku, więc nie zmartwij się, jeśli nagle niektóre elementy Twojego obrazu nie będą wyglądać tak, jak byś sobie tego życzył. Ogromny wybór obrazów o różnej tematyce. Cena jest nieco niższa niż u producenta Schipper.

Ravensburgera może zaoferować niezbyt duży wybór tematów do rysowania, a połowa z nich to zdjęcia dla dzieci. Producent - Republika Czeska. Ravensburger, podobnie jak Schipper, jest dobry dla początkujących, ponieważ nie ma potrzeby mieszania farb. Cena jest niższa niż u poprzednich producentów.

PLAID jest mniej popularny wśród miłośników rysunku: stosunkowo niewielki wybór tematów do rysowania, wysoka cena. Chociaż warto zaznaczyć, że gotowe dzieło odpowiada temu podanemu na opakowaniu. Farb nie trzeba mieszać. Producent - USA.

„Królewna Śnieżka” ma dość duży zakres tematów do kolorowania i niewielką cenę. Producent - Rosja. Farby nie wymagają mieszania, dlatego są idealne dla początkujących.

KSG produkuje dwa rodzaje zestawów: do rysowania bez mieszania kolorów oraz do rysowania, w którym wymagane jest mieszanie kolorów. Bądź ostrożny przy wyborze, dokładnie przestudiuj opakowanie, które wskazuje, który to zestaw. Producent - Wielka Brytania. W zestawie zastosowano pędzle wykonane z naturalnych materiałów, dzięki czemu lekko się wspinają. Cena jest porównywalna z produktami najpopularniejszych producentów. Mały wybór tematów do rysowania.

2. Zestawy, w których podstawą jest płótno:

Menglei- jeden z najpopularniejszych producentów zestawów do malowania na płótnie. Dużym plusem jest to, że płótno jest już naciągnięte na noszach. Ogromny wybór tematów do rysowania i rozpiętość cen. Producent produkuje zestawy o różnym stopniu złożoności. Informacje te można znaleźć na opakowaniu lub w instrukcji. Producent - Chiny. W zestawie znajdują się farby akrylowe, które nie wymagają mieszania, ale czasami trzeba będzie je nałożyć 2-3 razy, aby zamalować cyfry. Świetna opcja dla początkujących artystów, którzy dopiero próbują malować na płótnie.

Hobbart to firma o ugruntowanej pozycji, ale ceny zestawów są wyższe niż u innych producentów. W większości zestawów płótno jest już naciągnięte na noszach, ale zdarzają się również zestawy bez noszy. Bądź ostrożny przy wyborze. Producent - Chiny. W zestawie zastosowano farby akrylowe, które znajdują się w zamkniętych tubach. Dzięki temu kolory pozostają świeże znacznie dłużej. Szeroki wybór opowiadań na dowolny temat. Mieszanie kolorów nie jest wymagane.

Oryginalny Paintboy - Kolejna popularna firma zajmująca się kolorowaniem według numeru. Producent - Chiny. Całkiem dobra jakość produktów i niskie ceny. Ogromny wybór tematów dla kreatywności. Do płótna w zestawie dołączone jest napinacz, zastosowano farby akrylowe, których nie trzeba mieszać. Producent produkuje zestawy o różnym stopniu złożoności. Bądź ostrożny przy wyborze. W przeciwieństwie do Paintboya, ulepszona wersja Paintboy Original zawiera 2 słoiczki utrwalacza koloru.

Color-KIT może zaoferować mały wybór tematów malarskich, dobrą jakość produktu i niską cenę. Producent - Chiny. W skład kompozycji wchodzą płótno naciągnięte na blejtramie oraz farby akrylowe niewymagające mieszania. Pędzle nie są zbyt wygodne do rysowania, dlatego zestaw trzeba będzie kupić osobno. Producent produkuje zestawy o różnym stopniu złożoności.

„Królewna Śnieżka” – tę firmę rozważaliśmy w zestawach, gdzie podstawą była tektura. Producent - Rosja. W zestawach płótno naciągane jest na noszach, stosowane są farby akrylowe, które nie wymagają mieszania. Wybór fabuły z płótnem jest bardzo duży, ale trochę nieciekawy. Cena jest nieco wyższa niż u chińskich producentów.

Mosfa to kolejny rosyjski producent kolorowania po numerach. W zestawie hostia z noszem oraz farby akrylowe, które zapakowane są w specjalne worki próżniowe zabezpieczające je przed wysychaniem. Mieszanie kolorów nie jest wymagane, dlatego jest świetne dla początkujących. Numery na płótnie mają ten sam kolor, co nałożona farba. Dobry wybór tematów, choć mniejszy niż u chińskich producentów.

Royal i Langnickel- nie jest to najpopularniejszy producent, ponieważ zestawy są odpowiednie dla doświadczonych artystów. Stosowana jest technika mieszania farb dwóch lub trzech rodzajów, dlatego początkującym bardzo trudno jest uzyskać pożądany odcień. Ale dla tych, którzy nie lubią ograniczać się do ram wybranych kolorów, powstaje szerokie pole dla kreatywności i wyobraźni. Płótno jest już naciągnięte na noszach, farby akrylowe w tubkach zapobiegają wysychaniu. Producent nie może pochwalić się dużym wyborem tematycznym, a ceny są wyższe niż u chińskich producentów. Kolejną wadą jest brak instrukcji w języku rosyjskim.

W ostatnich latach coraz większą popularnością cieszy się takie hobby jak kolorowanie po numerach. Ta aktywność jest odpowiednia dla kreatywnych osób, które mają ograniczoną ilość wolnego czasu. Każda lekcja ma swoje własne sztuczki, które pomogą Ci uzyskać najwyższy wynik, a kolorowanie według liczb nie będzie wyjątkiem.

Oto kilka wskazówek, które Ci pomogą:

Wskazówka nr 1. Zawsze zaczynaj od najjaśniejszych kolorów (biały, różowy, niebieski, beżowy, żółty itp.), ponieważ jeśli się pomylisz, ciemniejszy kolor lepiej zakryje plamę. Następnie przechodzimy do jasnych odcieni - zielonego, niebieskiego, czerwonego itp. Kończymy najciemniejszymi kolorami - czarnym, fioletowym.

Rada numer 2. Najlepiej malować od największych obszarów do najmniejszych. Zmniejszy to liczbę błędów i pozwoli znacznie lepiej rysować drobne szczegóły i akcenty.

Wskazówka nr 3. Nie próbuj malować od razu całego pola – ryzykujesz rozmazaniem jeszcze nie wyschniętej farby. O wiele wygodniej jest poruszać się od góry do dołu lub od środka do krawędzi.

Wskazówka nr 4. Wyraźne granice między kolorami nie zawsze wyglądają naturalnie, a czasami nadają obrazowi nienaturalny wygląd. W takim przypadku należy je nieco rozmazać, wtedy pojawi się wyrazistość i głębia.

Rada numer 5. Do malowania używaj wielu pędzli. Najlepiej osobno kupić dobry zestaw, który wykorzystasz kilka razy.

Rada numer 6. Na gotowej pracy sprawdź czy numery są widoczne, w razie potrzeby nałóż kolejną warstwę farby. Szczególną uwagę należy zwrócić na jasne odcienie.

Karton

1. Początkujący wolą bazę kartonową, ponieważ znacznie łatwiej jest na niej rysować niż na płótnie.

2. Farby na tekturze ze względu na gładką powierzchnię nie wchłaniają się i nie przylegają płasko.

3. Granice i liczby są wyraźnie widoczne, więc ich dostrzeżenie nie wymaga dużego wysiłku i uwagi.

4. Kolory są bardzo jasne, ale aby uzyskać objętość, konieczne będzie nałożenie dodatkowych warstw.

5. W zestawach z bazą kartonową pozostaje część farby, co umożliwia wykończenie drobnych detali i przemalowanie numerów, jeśli są one widoczne przez pierwszą warstwę farby.

6. Łatwiej wybrać ramę na podłożu kartonowym niż na płótnie.

Płótno

1. Płótno jest preferowane przez doświadczonych malarzy, ponieważ jest trudniejsze w obróbce.

2. Ze względu na teksturowaną powierzchnię płótna farba bardzo się wchłania i rozkłada się nieco nierównomiernie, dlatego malowanie poszczególnych obszarów wymaga większego wysiłku. Często po malowaniu pozostają białe kropki, które trzeba ponownie pomalować.

3. Brzegi i numery na płótnie są wydrukowane bardzo słabo, tak że nie są widoczne pod warstwą farby. Jednak podczas rysowania stwarza to duże problemy. Pomaga w poruszaniu się po liście kontrolnej, którą będziesz musiał stale sprawdzać, aby nie popełnić błędów.

4. Farba po nałożeniu na płótno wchłania się i tworzy efekt objętości, dzięki czemu obraz wygląda znacznie bardziej naturalnie i realistycznie niż na tekturze.

5. Często zdarza się, że farby nie wystarczy i trzeba wykończyć obszary innym kolorem.

6. Płótno zazwyczaj mocuje się na noszach, co znacznie zwiększa grubość gotowego dzieła. Aby odebrać ramę, należy skontaktować się z warsztatem i złożyć ją na zamówienie. Jest jednak pewien trik: jeśli nie chcesz wydawać pieniędzy na ramę, musisz pomalować boki ramy pomocniczej. Wtedy będziesz miał skończoną pracę.

Karton i płótno są podstawą wspaniałych rysunków, a to, z którym z nich popracujesz, zależy od Ciebie.

Powiązane wideo

Zagraniczny artysta i dobry nauczyciel szkoły plastycznej Johannes Vloothuis uczy tysiące uczniów malarstwa olejnego (między innymi technikami malarskimi). Johannes dał nam 10 najlepszych wskazówek dla artystów zajmujących się malarstwem olejnym. Myślę, że zgodzisz się ze mną, że każdy artysta powinien znać te podstawowe techniki malarskie.
1. Zastosuj biały podkład lub wybielacz szybkoschnący.
Jednym z typowych problemów malarzy olejnych jest to, że gdy nałożysz warstwę farby na drugą, mają one tendencję do mieszania się. Na przykład trudno jest nakładać śnieg na szczyty gór, gdy pierwsza warstwa farby jest jeszcze mokra.
Kiedy artysta wpada w szał i napotyka taki problem, frustruje się, odkłada obraz i po kilku dniach wraca do pracy. Istnieją specjalne nowe odcienie bieli, które mogą rozwiązać ten problem, w przeciwieństwie do standardowych bieli tytanowych. Nazywa się je szybkoschnącą białą lub białą podmalówką.
2. Cienkie linie w oleju.

Większość, jeśli nie wszyscy, malarzy olejnych frustruje się, gdy próbują rysować cienkie linie farbą olejną, zwłaszcza na mokrej farbie. Nawet podpisanie obrazu nie jest łatwe, jeśli podpis jest mały. Oto kilka sposobów, aby to osiągnąć bez czekania, aż olej wyschnie:

• Zamiast szpatułki użyj plastikowej karty
• Na suche oleje nakładaj farbę akrylową
• Innym innowacyjnym sposobem jest wykorzystanie pasteli. Zwykle nie wysycha, ale można to naprawić warstwą lakieru.

3. Podmalówka na płótnie.

Jeśli odwiedzisz galerię sztuki i przyjrzysz się z bliska obrazom olejnym, dostrzeżesz ubytki w kresach obrazu w kolorze sjeny palonej – jest to podmalówka. Zapewnia następujące korzyści:

• Na białym tle trudniej jest ocenić i wybrać kolor
• Na świeżym powietrzu przy słonecznej pogodzie białe płótno będzie zbyt jasne. Można oczywiście nosić okulary, ale będą oczywiste problemy z dopasowaniem kolorów
• Namalowanie całego białego płótna w szybkim, spontanicznym plenerze jest prawie niemożliwe, a między pociągnięciami pędzla pojawią się białe przerwy.
• Farba olejna nie jest w 100% kryjąca, dlatego przerwy w podmalowaniu pomiędzy pociągnięciami będą odgrywać ważną rolę w odbiorze obrazu. Jeśli malujesz obraz w ciepłych kolorach, na przykład jesiennych, lepiej wykonać podmalówkę w kolorze zimnym.

Na poniższym obrazku widać, że zastosowano ciepłą podmalówkę, następnie dodaliśmy kolory cieni, nieba i liści.

Podmalówka Johannes Canyon Vista


Ukończony krajobraz Kanionu Vista autorstwa Johannesa Vloothuisa
4. Nałożenie olejku grubą warstwą

Dużą zaletą farb akrylowych i olejnych jest możliwość nałożenia grubej, grubej warstwy, która może oddać trójwymiarowy wygląd. Inne farby, takie jak akwarele i pastele, nie są tej jakości. Moja rada jest taka, aby zacząć od grubej warstwy farby olejnej i stopniowo zmierzać do cienkiej warstwy. Dodaj krople farby tylko do drobnych detali - pni drzew, kamieni, kwiatów, liści.
Na poniższym zdjęciu widać, że kwiaty i liście nałożono grubą warstwą, dzięki czemu uzyskano efekt pierwszego planu.


Misja Karmel Johannes Vloothuis
5. Wysusz pędzel, aby utworzyć teksturę

Aby pomalować sterty liści, trawnik, pianę w szumie fal i wodospadów zastosuj technikę Dry Brush. Pędzel na sucho to termin określający technikę nakładania farby poprzez „rozprowadzenie” niewielkiej ilości farby. Technika suchego pędzla może sprawić, że drzewo będzie wyglądać nędznie, pomalować wiele małych liści, pomalować pianką w pobliżu wody i dodać chwasty do trawy.
Aby uzyskać bardziej wizualną prezentację, w poniższym filmie zobaczysz, jak narysować drzewo techniką „suchego pędzla”.

6. Malowanie na już wyschniętym płótnie

Alla Prima Lub mokre na mokre to popularna technika rysunkowa w malarstwie olejnym. Jednak czas i rozmiar obrazu może nie pozwolić na ukończenie dzieła za jednym posiedzeniem. Praca na suchym malowaniu nie daje pożądanego efektu blendowania. Może to stanowić problem w przypadku odbić wody wymagających mieszania.
Do pracy z malowaniem na sucho polecam najpierw nałożyć cienką warstwę Liquin Oil Thinner. Nowa farba rozpuści się, ale nie połączy z poprzednią warstwą. W ten sposób możesz złagodzić krawędzie obrazu!
7. Zainwestuj w profesjonalne farby i oszczędzaj na płótnie.

Płótno jest kosztownym i przeważnie wtórnym wydatkiem, jednak wielu profesjonalnych artystów decyduje się na użycie tego wysokiej jakości płótna w swoich obrazach.
Przyznaję, że suchy pędzel na płótnie ma pewne zalety, ponieważ ładnie oprawia obraz, ale nie sądzę, że taka korzyść jest warta wysokich kosztów.
dostępne w naszym sklepie internetowym.
Możesz przygotować swoje obrazy, po prostu nakładając superciężki tynk Liquitex za pomocą wałka malarskiego na drewniany panel. Spowoduje to pozostawienie przypadkowych wypukłych małych nierówności, imitujących lnianą tkaninę. Do panelu użyj kamienia lub brzozy. Zamiast marnować pieniądze na płótno, kup profesjonalne farby, a zbierzesz korzyści.
8. Użyj różnych kolorów, aby zwiększyć zainteresowanie obrazem

Jednolite kolory monochromatyczne są nudne, więc najlepsi artyści przesadzają i dodają wiele odmian podobnych odcieni w tym samym obszarze. Spróbuj tego: Częściowo mieszaj kolory na palecie, aż wyrównasz nasycenie (około 50% mieszania). Podczas wyciskania farby należy zastosować większą siłę. Powinieneś być w stanie zobaczyć subtelne różnice kolorystyczne w każdym pociągnięciu. Wymaga to pewnej praktyki, ale kiedy już to opanujesz, Twoje obrazy będą wyglądać na bardziej żywe.
Możesz także użyć wielobarwnej mieszanki do malowania liści, trawy i skał. Dowiesz się o tym z krótkiego filmu artystycznego poniżej, który pokazuje, jak narysować różne rodzaje realistycznych zielonych liści.

Obejrzyj także film, aby dowiedzieć się, jak mieszać kolory i jakie pociągnięcia można narysować grube jodły.

9. Narysuj mgłę dla głębokości atmosfery

Myślę, że mgła jest całkowicie osłabiona w malarstwie pejzażowym. Sceny, w których pięknie rysuje się mgła, mogą nadać Twojemu obrazowi głęboką atmosferę.
W galerii sztuki widziałem kiedyś piękne zdjęcie wodospadu Upper Yellowstone z dużą ilością mgły, która opadała na dno. Widziałem jednak przez mgłę i wyglądało to bardzo realistycznie. Osiągnięto to poprzez zastosowanie białego cynku, który posiada charakterystyczną przezroczystość. Można go również użyć do dodania mgły odległym górom i innym obszarom, gdzie mgła może dodać atmosfery.


10. Użyj palców

Istnieje bezpodstawna obawa przed użyciem farby olejnej, szczególnie w przypadku kontaktu ze skórą. Należy pamiętać, że czołowi producenci podają poziomy toksyczności na tubkach z farbą.
Uwielbiam mieszać farby olejne i zależy mi na równomiernych pociągnięciach. Palce mogą dotykać i wywierać odpowiedni nacisk na płótno, wykonując dobre pociągnięcia. Pędzlem tego nie zrobisz.
Cóż, kup wysokiej jakości szpatułki i pędzle w naszym sklepie internetowym w odpowiednim dziale i dziale

Jednym z osiągnięć malarstwa olejnego było stworzenie ulepszonych zasad pisania - systemu przejrzystej kolejności i organizacji pracy, składającego się z trzech głównych części: 1) przygotowania rysunku i przeniesienia go na bazę; 2) prace wstępne z farbami - podmalowanie; 3) oszklenie końcowe.
Kolejną, nie mniej ważną, a być może główną zaletą tej techniki są unikalne możliwości materiałów olejnych i żywicznych bezpośrednio z nimi związanych - lakierów, które umożliwiają rozprowadzenie farby na powierzchni bardzo cienką warstwą i znacznie zwiększają ich właściwości optyczne nieruchomości. Oczywiście porządek w pracy i kolejność istniały w innych technologiach. Jednak ani enkaustyka, ani tempera, ani fresk nie posiadały takich zalet szklenia, możliwości technicznych i właściwości optycznych, jakie wyróżniają malarstwo olejne. Niewątpliwie wiele technik z wczesnej technologii przeszło do malarstwa olejnego.
Kolor podłoża
Wszystkie etapy powstawania dzieła klasycznego są ze sobą ściśle powiązane. Pracę można rozpocząć na białym podłożu z późniejszym modelowaniem form jedną farbą lub na kolorowej podszewce – imprimatura, gdzie modelowanie odbywa się za pomocą grisaille. Z reguły poprzedni etap jest przeprowadzany z uwzględnieniem kolejnego. W podmalowaniu rozwiązano problem „faktury” i już częściowo - lokalnego koloru, ale nieco w schłodzonym (bielonym) sposobie malowania. Późniejsze wykonanie glazury uzależnione jest od jakości podmalówki.

Włosi znali technikę olejną już na początku XIV wieku, jednak jasna organizacja pracy dotarła do Włoch z północy, gdzie pod koniec XIV wieku pojawili się artyści holenderscy. po raz pierwszy zaczęto pisać na białym podłożu na drewnianych podstawach z brązowym modelowaniem form. Tę technikę malarską nazwano później „metodą flamandzką”. Stopniowo białe fusy zastępowane są kolorowymi imprimaturami, które początkowo są dość jasne. Później, pod wpływem szkół Giorgione i Tycjana, kolor ziemi zmienia się z jasnoszarego na ciemny, na bardzo ciemnobrązowy i czerwonobrązowy. W nowej metodzie pojawia się koncepcja „grisaille”. Cechą charakterystyczną tej metody od metody flamandzkiej jest to, że artyści natychmiast przystąpili do pracy na kolorowych glebach. Metodę tę nazwano później „metodą włoską”. Porównując metody widać, że artyści w drugim etapie w obu przypadkach kontynuowali malowanie zgodnie z ciemnym tłem. Jedyna różnica polegała na tym, że w pierwszym rysunek naniesiono na białe podłoże, następnie nastąpiło brązowe modelowanie formy, w drugim rysunek naniesiono na kolorowe podłoże.
Malując na białym podłożu, dawni mistrzowie po przeniesieniu rysunku starannie cieniowali formy temperą lub farbą olejną, zawsze przezroczystą, tak aby było przez nią widać biały podkład, który w niektórych miejscach był ledwo przykryty lub pozostał biały. Kolor modelujący - złoty brąz. Czasami do werniksu olejnego dodawano przezroczystą różową farbę w kolorze cielistym i przez nią przechodził cały obraz lub niektóre obszary były zacienione. Już na tym etapie obraz może być bardzo piękny. W najwcześniejszych stadiach rozwoju techniki olejnej tak przygotowane dzieło można było uzupełnić wielobarwnymi szkliwami lub napisami półłustkowymi, z których każdy kolor był przygotowywany osobno. Inny sposób pracy na białym podłożu - po brązowo-różowym przygotowaniu farbami transparentnymi kontynuowano malowanie ciałami i półpłynnymi farbami wodnymi lub olejnymi, licząc na dalsze szkliwienie lub po prostu wykończenie obrazu w jednym kroku. We wszystkich przypadkach przygotowano osobne kolory o określonym odcieniu. Na jasnoszarym podłożu malowano ciepłą brązową farbą i układano nią cienie, ciemne draperie i inne mniej lub bardziej ciemne miejsca. Często robiono to farbami temperowymi lub klejowymi, które po wykończeniu utrwalano lakierem olejnym. W jasnych obszarach prace prowadzono na osuszającym lakierze olejnym ze zwykłym lub lekko zabarwionym grisaille, starannie opracowując formy. Po takim przygotowaniu obrazowi nadano gładki, błyszczący charakter – zeskrobano, wypolerowano, przetarto werniksem. Jednocześnie kadłub (lub półkadłub) izolował zacienione obszary i zapewniał refleks. W rastrach nad szarym preparatem farba grisaille została delikatnie cieniowana, łącząc ją z cieniami. Półtony zawsze pozostawały zimne. Ta kolorystyczna konstrukcja – ciepłe światła, zimne półtony i intensywniejsze „gorące” cienie – była charakterystyczna dla podmalówki nagiego ciała. Preparat wykończono cienkimi, powtarzalnymi glazurami oraz akcentami w najjaśniejszych i najciemniejszych miejscach.
System wykonania malowania na podłożu jasnobrązowym i czerwonobrązowym był w przybliżeniu podobny do pracy na podłożu jasnoszarym. Ale jeśli na szarym podłożu zaczynano od cieni brązowej farby, a zimne światła pozostały nietknięte, to na brązowych podłożach zaczynano od jasnych obszarów grisaille, a cienie pozostawały ciepłe. Następnie prace przeprowadzono w przybliżeniu w taki sam sposób, jak na glebach jasnoszarych.
W XVI wieku. gleby stopniowo ciemnieją. A pod koniec XVI - na początku XVII wieku. artyści, głównie szkół południowych, zaczęli stosować bardzo ciemne, niemal czarne podłoża, często dodając do nich węgiel drzewny. Rozpoczęto malowanie na ciemnych glebach, pokrywając całą powierzchnię obrazu podmalówką korpusową. Szybkość wykonania znacznie wzrosła, ale później doprowadziło to do tego, że prace wykonano lokalnymi farbami bez tradycyjnego podmalowania i glazury, a zakończyły się za jednym razem.
Podmalowanie
Jeśli przyjrzymy się malarstwu dawnych mistrzów, zauważymy, że na wszystkich etapach malowanie odbywało się łatwo, bez przeciążania form tonem i, jeśli to możliwe, jednorazowo. Po każdej sesji następuje dokładne suszenie.
Pracując nad podbarwionymi podobraziami i szkliwami artyści mogli powrócić do cieni i odbić, których podstawę założono na początku. Ale często cienie i odbicia pozostawały w swojej pierwotnej formie nawet na etapach ostatniego oszklenia.
Technika malarstwa olejnego rozwinęła się na tle utrwalonych tradycji malarstwa temperowego. Jeden ważny szczegół - farby wodne na mokro mają ciemny, gęsty odcień, który po wyschnięciu staje się białawy, jasny. Ta różnica odcieni zależy od właściwości optycznych mokrego materiału i suchej warstwy kleju. Dla utrwalenia ogólnego tonu obrazu podmalówkę wykonaną farbą wodną wysuszono, zeskrobano, usuwając nadmiar farby ostrym nożem tak, aby jej warstwa była jak najcieńsza i pokryto lakierem olejnym lub dobrze przygotowanym olej. Praca od razu nabrała innego wyglądu - znacznie zmniejszona tonacja, nabrała elastyczności, głębi i złotego odcienia. Obraz pozostawiono do wyschnięcia i powstał obraz olejny. Czasami polerowano go drobnym materiałem ściernym jeszcze kilka razy, po lakierowaniu i zawsze olejem.
Zadaniem podmalówki jest dokładne rozpracowanie wszystkich świateł występujących w obrazie w przypadku malowania impastowego, dającego wzmocniony, często mocno kontrastowy efekt światła i cienia. Dotyczyło to głównie przyciemnianej bieli. Podmalowanie czystą bielą jest niezwykle rzadkie. W swojej ostatecznej formie zawsze miał zimniejszy i jaśniejszy odcień niż po ostatecznym glazurowaniu. To „chłodzenie” nasiliło się po wysuszeniu. W podmalówce oświetlane obszary obrazu przygotowywano tym mocniej i ostrożniej, im większą rolę przypisano dalszemu szkliwieniu. W podmalowaniu duże znaczenie miała faktura pociągnięć pędzla, która mogła być gładka, pierzasta lub tłoczona, z wyraźnymi śladami pozostawionymi przez pędzel, które stawały się coraz bardziej widoczne w dalszym szkliwieniu. Aby uzyskać efekt gładkiego pociągnięcia pędzla, często stosowano metodę żłobkowania – cieniowanie korpusu pociągnięcia suchym fletem lub cieniowanie farbą nakładaną w płynie. W tym celu wykorzystano pędzle o różnych fakturach, rozmiarach i kształtach. Suche cieniowanie w końcowej fazie podmalówki nadało obrazowi gładki, błyszczący charakter. Często był używany w nagich pracach.
W malarstwie dawnych mistrzów zastosowano technikę wzmacniającą oświetlone miejsca na obrazie. Jeśli nałożysz płynną cienką warstwę jasnej, kryjącej farby, będzie ona zimniejsza i ciemniejsza niż ta sama farba ułożona grubo. Korpus, gęsta farba, odbijająca promienie światła, będzie nieporównywalnie lżejsza i zachowa swój prawdziwy kolor niż płynny kolor bielony.
Ale jeśli korpus kolorów był zawsze używany w oświetlonych obszarach obrazu, a zwłaszcza przy wyrażaniu blasku, wówczas cienie pisane były bardzo cienko. Często przez warstwę farby widać było kolor podłoża, cienka warstwa farby nadawała cieniom przezroczystość, lekkość i jednocześnie głębię, zwłaszcza po szkliwieniu. Jeżeli podmalówka jest wykonana w sposób rozjaśniający, lekko podbarwiony lub grisaille, ale mocno wymodelowany i skontrastowany, podany w pełnej mocy światła, a półcienie i cienie pozostają prawie nienaruszone, wówczas zadanie szkliwienia (poza uwydatnieniem koloru) zostaje osłabić kontrast podmalówki. Glazura nałożona na jasne partie obrazu obniża ich ton, uwydatnia barwę. Lekko przyciemnia obszary cieni, nadając im większą głębię.
W dawnej technice malarskiej spotykane są rozwiązania, gdy światłocień jest słabo wyrażony w podobraziu. W tym przypadku zadaniem przeszkleń jest zwiększenie kontrastu światła i cienia. Glazurę taką nakłada się intensywniej w cieniach i bardzo cienko w obszarach jasnych. Często już na etapie szkliwienia trzeba na nowo wprowadzić w oświetlone miejsca obrazu i wzmocnić je w bryle poprzez retusz.
W malarstwie podmalunkowym używano pędzli o różnych kształtach i rozmiarach: włosia, kolinskiego, włosia usznego, fretki, wiewiórki i innych, w zależności od przeznaczenia. Długie, płaskie pędzle z włosiem zbierają dużo farby i można je używać przez długi czas. Te największe przechodzą przez duże powierzchnie i organizują teksturę pociągnięcia, które może być szerokie i krótkie lub długie i wąskie. Mogą rysować linie lub układać kreski jedna obok drugiej, lekko nachodząc na siebie. Grubość narysowanych linii zależy od obrotu ostrza pędzla. Dają najtwardszą teksturę rozmazu. Wygodnie jest cieniować farbę pędzlami z płaskim włosiem - do rowków. Wygodnie jest zakończyć pędzlem okrągłym i innymi pędzlami, zadając małe i częste uderzenia końcem pędzla na gęstą lub półłuskową farbę. Jest to jeden z rodzajów wyrównywania warstwy farby. Miękkie pędzle kolinsky, wiewiórka i podobne dają delikatny i delikatny pociąg. Do prac wykończeniowych bardziej nadają się wszelkiego rodzaju cienkie pędzle. Przepisują drobne szczegóły: kamienie, ziemię, trawę, liście i ogólnie wszystko, co wymaga dokładnego przestudiowania. Do wykańczania pociągnięć na pierwszym planie, wykańczania chropowatej powierzchni ziemi, kamieni i innych detali, stosuje się rozczochrane stare pędzle z włosia i różne noże paletowe.
Glazura
Trzeci kanon malarstwa klasycznego. Przesadnie można to sobie wyobrazić jako ubieranie nagiego ciała w kolorowe, przezroczyste ubrania. W technice olejnej jest to technika ostateczna, polegająca na nałożeniu lub nałożeniu cienkiej warstwy przezroczystej farby na już całkowicie wyschnięte części w celu modyfikacji lub wzmocnienia podstawowego odcienia. Szkliwienie zawsze obniża ton dzieła, uogólnia lub ujawnia w nim poszczególne fragmenty, wzmacniając wydźwięk barwy i głębię obrazu. Przeszklenie często ogólnie izoluje lub chłodzi kolor obrazu. Transparentne przeszklenia nie zmieniają żadnego z dopracowanych detali, wzmacniając bądź zamykanie planów, bądź ocieplając lub schładzając inne partie kompozycji, dążąc do osiągnięcia pełni efektu. Szkliwienie zawsze wykonywali dawni mistrzowie, zgodnie z przygotowaniem nadwozia.
Waler
W tłumaczeniu z francuskiego jest to „wartość”, a w malarstwie jest to pewien odcień tonu, wyrażający specyficzny stan światła i cienia. Wykonuje się go poprzez retusz obrazu płynną farbą zmieszaną z bielą. Pod tym względem jest podobny do oszklenia i często jest błędnie nazywany jako taki. Jest to bardziej związane z drugim etapem pracy kadłuba, chociaż często wykorzystuje się je w procesie glazurowania. Ale jeśli laserunek to sposób pisania wyłącznie farbami przezroczystymi, nakładanymi z reguły wielokrotnie w określonej kolejności technologicznej, to walerem jest samo malowanie mieszankami farb, wykonywane za jednym razem - czasem łatwo w obszarach zacienionych, czasem więcej korpusowo w najważniejszych momentach.
Technika ta była często stosowana przez wielu starych i współczesnych artystów przy przepisywaniu drugiego planu obrazu, przy przedstawianiu porannej mgły, podczas pracy z aktami, portretami itp. Jest to mniej więcej to samo, co dzisiaj nazywamy perspektywą powietrzną. Leonardo da Vinci po raz pierwszy użył go w malarstwie, nazywając go sfumato (dosłownie „zniknął jak dym”). Dzięki najlepszym szkliwiem i wirtuozi pracy z bardzo płynną i cienko nałożoną półłuskową bieloną farbą osiągnął niezrównaną lekkość, elegancję i głębię w zagospodarowaniu przestrzeni. Rubens był także wybitnym przedstawicielem tej techniki.
retusz
Technika malarska zastosowana w końcowej fazie pracy. W pewnym stopniu przypomina waleria i glazurę.
Artyści na końcowym etapie pracy nie zawsze są w stanie w pełni wyrazić swoje intencje i w tym przypadku wymagany jest retusz. Czasem polega to na bardziej korpusowym badaniu światła i pogłębieniu półtonów i refleksów; czasem jest to połączenie malarstwa w tonacji zawsze płynnej, która może być półkadłubowa lub przeźroczysta. W pierwszym przypadku można to przypisać Walery'emu, w drugim - oszkleniu.
E. Berger tak pisze o technice Rubensa: „Artyści przeciążeni, jak Rubens, często oddawali studentom do napisania podmalówki do swoich obrazów, a następnie je „retuszowali”, czyli przechodzili przez cały obraz w taki sposób, że można uznać za ich własne dzieło. Takie retusze można było wykonać częściowo za pomocą szkliwa, częściowo półkadłuba, a czasem w sposób mocno wyrazisty, aby nadać całości mistrzowski charakter pisma.
Armenini w swoim traktacie z wielką aprobatą wypowiada się o technice retuszu, stwierdzając, że może ona osiągnąć wielką doskonałość: „W technice olejnej jest to łatwe do wykonania, jeśli podmalówka jest bardzo zaawansowana; Ponieważ kolory zawsze blakną lub cienie czernieją, trzeba do nich wracać kilka razy, aby znów stały się żywe, świeże, jednolite, miękkie i przyjemne. W tym celu należy dobrze przetrzeć to miejsce kawałkiem płótna, lekko zanurzając go w jasnym oleju orzechowym, dzięki czemu fragment będzie wyglądał gładko i błyszcząco. Działa to lepiej na drewnie niż na płótnie; gdy tylko olej zostanie starannie wytarty suchą białą szmatką, już zapisane rzeczy natychmiast przechodzą na nowo, tam gdzie to konieczne, retuszując, rozjaśniając, zmiękczając, szkliwiąc, dokonując rejestracji ciała i nie pozostawiając nawet najmniejszej rzeczy, która mogłaby zabrudzić oko .
Zatem koncepcje związane z trzecim etapem - szkliwieniem, które często spotyka się we współczesnym życiu codziennym, należy rozpatrywać jako całą różnorodność pracy z płynną farbą olejną.
Gotowy produkt dawnych mistrzów, wykonany w technice malarstwa olejnego, przypomina głęboką, przezroczystą, często bezdenną wodę. Kiedy zajrzysz w jego głębiny, zobaczysz kolor i fakturę dna, czasem wyraźnie, czasem ledwo zauważalne: piasek, kamienie, trawę i żyjące w nim stworzenia. To jest cała istota wyrażenia – „głębokie malowanie”. Od tej głębi i czystości kolorystycznej zależy także piękno malarstwa.
głęboki kolor
Tak nazywa się każdy podstawowy, czysty kolor bez wybielania. Głębokie kolory nadają ogromne znaczenie kolorystyce obrazu, a dzięki czystości tonów nie drażnią oka, nie zakłócają harmonii, nawet jeśli w pobliżu znajdują się inne czysto kontrastujące kolory. Największą głębię koloru uzyskuje się poprzez szkliwienie, w którym dominującą rolę odgrywają lakiery żywiczne: im wyższa temperatura topnienia żywic, tym bardziej przyczyniają się one do większej głębi malowania. Bez względu na to, jak silny kontrast namaluje obraz, ale jeśli zostanie pokryty cienką przezroczystą warstwą jednego z jasnych podstawowych kolorów z uogólniającą glazurą, wówczas wszystkie kolory obrazu znajdą harmonię.
Farby stosowane na etapie glazurowania są mniej lub bardziej przezroczyste. Mniej przejrzyste kolory w połączeniu z bielą stają się zimniejsze i tracą świeżość; farby transparentne w połączeniu z bielą zachowują większą czystość koloru.
Do glazury najczęściej stosuje się farby i ich mieszaniny: sienna - naturalna i palona, ​​umbra - naturalna i palona, ​​naturalny brązowy vandik, transparent mars wszystkich odcieni, czerwony kraplak i inne rodzaje kraplaka, a także inne farby lakiernicze w różnych odcieniach: przezroczysta czerwona ochra naturalna, szmaragdowa zieleń, volkonskoite, naturalna ultramaryna, sztuczna ultramaryna. Lista ta nie ogranicza liczby użytych farb. Innymi słowy, w glazurowaniu biorą udział wszystkie rodzaje przezroczystych i półprzezroczystych farb stosowanych w malarstwie.
Niektórych jasnych kolorów nie można uzyskać inaczej niż poprzez pracę na jasnym tle farbami przezroczystymi. Najdelikatniejsze szkliwa z ledwo zauważalnymi przejściami jednych kolorów w inne najwygodniej wykonuje się na dobrze przygotowanym, rafinowanym, zagęszczonym i sklarowanym oleju lnianym. Olejek nie jest rozpuszczalnikiem (jak np. pinen) i twardnieje powoli, dlatego stosując go można pracować długo i powoli. Glazurę nakładamy na dobrze wyschniętą kolorową powierzchnię, którą wcześniej cienko przecieramy wacikiem, a najlepiej czystymi palcami z bardzo rzadkim olejem. Jeśli powierzchnia jest sucha, to przed przetarciem olejem należy ją lekko przetrzeć terpentyną, pinenem, terpentyną oczyszczoną lub benzyną lakową, ale trzeba mieć pewność, że te słabe rozpuszczalniki jedynie zmiękczą warstwę farby, nie rozpuszczając jej.
Film olejny ma niższe właściwości optyczne niż lakiery, dlatego lakiery nadają obrazowi większą głębię i zawsze biorą udział w procesie szkliwienia. Glazurowanie na czystym pinenie lub terpentynie nie ma sensu, gdyż pinen, rozrzedzając olej w farbach, szybko odparowuje, a na powierzchni pozostaje cienki, słaby, matowy film w kolorze oleju o słabych właściwościach optycznych. W takim przypadku olej gęstnieje i twardnieje szybciej, co uniemożliwia długotrwałą i drobną obróbkę obrazu.
Duże powierzchnie, które nie wymagają subtelnych przejść z jednego koloru w drugi, aby nie zrobić zabrudzeń, lepiej jest szkliwić jednoetapowo werniksem retuszowym bez oleju. Warstwy lakieru kolorowego wysychają szybciej niż olejne ze względu na aktywne ulatnianie się pinenu, dlatego przy ponownym trasowaniu pędzel utknie w półschniętej farbie lakierniczej, tworząc brudne plamy. Ale jeśli zajdzie potrzeba ponownej rejestracji na warstwie lakieru, należy pozwolić jej wystarczająco wyschnąć i ponownie zarejestrować się w skondensowanym oleju. Delikatnie łączy się z półsuchym lakierem i delikatnie rozciera farbę. Lepiej jest wykonywać małe cieniowanie palcami dłoni, a duże obszary krawędzią dłoni. Jednocześnie, aby olej nie opadał, należy go brać jak najmniej i zacieniać tak sucho, jak to możliwe.
W niektórych przypadkach, aby uwypuklić fakturę reliefu lub ukazać ziarnistość płótna, artysta usuwa dłonią nadmiar przezroczystej farby, usuwając ją z wybrzuszeń i pozostawiając jedynie w rowkach.
Jest to praca niekonwencjonalna w sposób zbliżony do glazury, gdy biała, bardzo płynna farba barwiona cienko i łatwo pokrywa poszczególne fragmenty podmalówki. Taka płynna farba wybielająca na ciemnym podmalowaniu daje chłodno-zielonkawe odcienie, które po 2-3 godzinach uzupełnia się pociągnięciami tej samej, ale grubszej farby w jasnych obszarach. I tak np. koronkę białego welonu maluje się za jednym razem, dzięki czemu można „ożywić” nagie partie ciała (twarze, dłonie) w końcowej fazie malowania. Czasami trzeba wracać do tej techniki kilka razy, powtarzając recepturę po wyschnięciu i przetarciu retuszem lub retuszem olejem poprzedniej warstwy farby.
Zdarzają się przypadki prac z glazurą na etapie podmalowania, które polegają na tym, że następnego dnia pracy na półschnącą podmalówkę nakłada się czystą glazurę, półglazurę lub nawet bardzo płynną farbę do ciała.
Częściej stosuje się tę technikę, rozcieńczając farby lakierami retuszowymi. W tym przypadku dochodzi do zmętnienia obrazu, gdy farba lekko zmiesza się z białą częścią podmalówki, dosłownie „wtapiając się” w jeszcze mokry obraz.
Często jednak zdarza się, że nawet po zakończeniu szkliwienia obraz nie jest całkowicie skończony, po chwili artysta wraca do pracy z wyschniętą już warstwą malarstwa i w razie potrzeby dokonuje retuszu, akcentuje najjaśniejsze partie obrazu obrazu, cieniując formy i podkreślając szczegóły.
Jeden z najbardziej niekonwencjonalnych przypadków poprawek malarskich w trakcie lub na koniec pracy za pomocą glazury wykorzystał Van Dyck, kiedy w trybie pilnym dokonywał poprawek w pozornie ukończonym dziele. Użył soku czosnkowego, który ma działanie powierzchniowo czynne „odtłuszczania” wyschniętej powierzchni farb olejnych, natarł sokiem wyschniętą powierzchnię oleju, a gdy sok wyschnął, tworząc film, dokonał w tym miejscu poprawek wodą- farby na bazie gumy. Po wyschnięciu artysta przetarł je lakierem olejnym i zakończył malowanie. Z reguły po wyschnięciu prawie gotowego przedmiotu pokrywa się go ujednolicającą glazurą za pomocą werniksu retuszowego lub mieszanek terpentynowo-olejowych, po czym obraz staje się kompletny.
Współczesny artysta, pracując bez przerwy i operując dużą liczbą kolorów, stara się nadać każdemu pociągnięciu szczególny status na całej powierzchni obrazu. stary mistrz,
z reguły ograniczał liczbę barw, a każdy kolejny ton stosował możliwie szeroko i zróżnicowanie fakturowo, dbając o czystość barw. W rezultacie jego praca zawsze kończyła się szkliwieniem.
Opisując malarstwo dawnych mistrzów, Erns Berger mówi: „Moim zdaniem głównego powodu wysokiego rozkwitu sztuki tamtych czasów nie należy upatrywać w tym czy innym mistrzowskim przepisie (który według wielu z czasem zaginął ), ale w sposób świadomy i celowy, wykorzystując wszelkie dostępne środki zarówno o charakterze optyczno-estetycznym, jak i rękodzielniczym. Prawidłowe zrozumienie wszystkich wskazanych
środki pomocnicze we właściwym miejscu i w odpowiedniej ilości, a nie indywidualne przepisy, bez względu na to, jak dobre mogą być.
Siła wypowiedzi artystycznej oparta na znajomości anatomii i perspektywy,
wysoka kultura w rozumieniu i przedstawianiu form i linii, światła i koloru, przestrzeni itp. - wszystko to razem wzięte umożliwiło mistrzom renesansu wyniesienie sztuki na taki szczyt, co później osiągnęło bardzo niewielu.
Słowniczek:
Imprimatura (przetłumaczona z włoskiego - „na początek”) to kolorowa górna warstwa gleby lub pierwsza (dolna) warstwa malarstwa, która pełni główną rolę kolorystyczną w obrazie. Tekstura - położenie podkładu pod dalsze szkliwienie, podmalowanie reliefowe bardziej obciążoną farbą w oświetlonych obszarach.
Wybielanie, wykonane z kolorów ciepłych (lub neutralnych brązowawych) lub chłodnych, to preparat wybielający kolor, w którym zastosowano niewielką liczbę kolorów. W pierwszym przypadku mogą to być kolory: biały, czarny, żółta ochra, trochę ciemnego brązu (na przykład umbra palona) i trochę cynobru. Farby o zimnym odcieniu dawni mistrzowie nazywali „farbami martwymi”, tj. nienaturalny. Wykonywali podmalówki, w tym szarawe, zielonkawe, ochrowo-zielonkawe, niebieskawe, różowe itp.
Grisaille (francuski grisaille z gris - „szary”) to drugi etap pracy z farbami, kiedy po przeniesieniu rysunku nakłada się monochromatyczną podmalówkę w zwykły sposób miejscowego wybielania. Przycinanie farb - technika techniczna polegająca na wyrównywaniu i tworzeniu cienkiej, ledwo zauważalnej faktury kolorowej powierzchni. Technika ta była przygotowaniem do kolejnego etapu – szkliwienia.
Pojęcia: należy rozróżnić kolor, kolor i ton. Kolor jest pojęciem fizycznym, właściwością światła wywołującą pewne wrażenia wizualne. Nie da się pokryć tego czy innego miejsca na zdjęciu kolorem, a jedynie kolorem.
Kohler - farba lub mieszanka kilku kolorów.
Barwa jest jedną ze oznak koloru - jego „jakością” lub odcieniem, dzięki któremu ten kolor różni się od innego.
Skurcz oleju lnianego odnosi się do jego właściwości tworzenia filmu na powierzchni pod wpływem tlenu z powietrza. Jednocześnie górne warstwy oleju twardnieją szybciej, a dolne, z braku dostępu powietrza do nich, wolniej. W grubej warstwie oleju (i farb) na skutek różnicy szybkości twardnienia oleju w głębokości i na powierzchni, folia marszczy się w jej górnych partiach, co nazywa się „skurczeniem”.
Gummi (łac.) lub gumy (gr.) - naturalne kleje roślinne, czyli gęste soki wypływające z nacięć kory niektórych krzewów i drzew, twardniejące na powietrzu i tworzące żywice rozpuszczalne w wodzie.
Sok czosnkowy przygotowuje się w następujący sposób: do małego ceramicznego moździerza medycznego wyciśnij główkę czosnku, zalej ciepłą wodą i rozetrzyj masę tłuczkiem. Następnie przeciśnij go przez cztery warstwy gazy do osobnej miski. Wcześniej zaolejoną powierzchnię przygotowuje się do poprawek: przeciera się ją suchym papierem ściernym lub drobnym materiałem ściernym, rozluźniając film olejowy i usuwając nadmiar warstwy farby; ostrożnie usuń pył z farby, pokrywając powierzchnię dłonią lub palcami sokiem czosnkowym, aż sok zleje się w krople, tworząc równy film.