„Sztuka jest jak natura. Jeśli nie wpuścisz go do drzwi,
wpadnie przez okno.
Butler S.
Poeci i pisarze wyrażają swoją wdzięczność naturze poprzez słowa, kompozytorzy poprzez połączenie dźwięków, a artyści poprzez przedstawianie krajobrazów i rysowanie natury. Każdy ma swój własny, niepowtarzalny i przystępny instrument, swoją indywidualność. Być może jedną rzeczą jest przedmiot podziwu (sama natura) i wyjątkowa gama uczuć, jakie wywołuje w człowieku to czy inne dzieło sztuki.
Natura! To jest to co zawsze przyciąga, przyciąga wzrok, sprawia, że się zatrzymujesz, podziwiasz, podziwiasz.
W malarstwie sceneria– może to być widok ogólny dowolnego obszaru; obrazy lub rysunki przedstawiające przyrodę, jej różne rodzaje i przejawy, poszczególne zjawiska przyrodnicze.
Przedstawiając dowolny krajobraz, artysta z pewnością wkłada w ten proces swoją duszę. Nie stara się całkowicie kopiować fabuły, ale przepuszcza ją przez swój wewnętrzny świat, swoją wizję, wkładając kawałek siebie w proces rysowania natury. Dlatego mówią, że malowniczy pejzaż to nie tyle obraz, obraz czy kopia natury, ile raczej dusza autora dzieła.
Dlatego ten sam obraz, wykonany przez różnych ludzi, będzie wyglądał zupełnie inaczej.
Nie oznacza to, że w rysowaniu natury nie ma wzorców i zasad. Oni są. I zwracając uwagę na te wzory, możesz z łatwością powtórzyć prawie każdą działkę krajobrazową, którą lubisz (oczywiście przepuszczając ją przez swój wewnętrzny świat, swoją indywidualność) i uzyskać własny, niepowtarzalny, całościowy i „żywy” obraz.
Za Twoją zgodą chcielibyśmy zaoferować Ci kilka ważnych lekcji rysunku przyrodniczego. Mamy nadzieję, że pomogą Ci tworzyć i wyrażać siebie, tworząc wokół siebie niepowtarzalne krajobrazy i nastroje.
Gdzie zaczyna się rysowanie natury?
Przede wszystkim musisz zrozumieć, co dokładnie chcesz przedstawić. Znajdź i zdecyduj o fabule i kompozycji przyszłego obrazu.
Pomogą Ci w tym: własna wyobraźnia, prawdziwy obraz natury za oknem, być może czyjaś już narysowana fabuła lub piękna fotografia.
Swoją drogą pomysł narysowania krajobrazu ze zdjęcia jest bardzo dobry. W każdym razie nie musisz się już martwić zmianą pogody i zmianą kolorów. Możesz spokojnie przerwać proces twórczy i łatwo zanurzyć się w nim na nowo, nie starając się zachować w głowie wszystkich szczegółów krajobrazu. Wystarczy spojrzeć na zdjęcie, które Cię zainspirowało i wracasz do procesu!
Sylwetka na tle nieba
Gdy tylko będzie to jasne, obrysowujemy i rysujemy linię horyzontu na arkuszu. Co więcej, wydajesz je tam, gdzie uznasz za stosowne (wszystko zależy od Twojego pomysłu lub wybranej fabuły). Zwróć jednak uwagę - lepiej narysować linię horyzontu nieco powyżej lub nieco poniżej środka arkusza, nie dziel arkusza dokładnie na pół. Jeśli obraz zostanie podzielony na równe części, pojawia się poczucie sztuczności i nienaturalności obrazu.
Następnie rysowane są wszystkie pozostałe plany. Jednocześnie pamiętaj, że plan najbliższy widzowi powinien być narysowany jako ostatni. W związku z tym najpierw rysowane jest tło, plan powyżej linii horyzontu. Podczas narodzin Twojego arcydzieła będziesz mógł oczywiście dodać szczegóły do dowolnego planu.
Dlaczego krajobrazy są tak hipnotyzujące? Przyciągają wzrok i sprawiamy wrażenie zanurzonych w obrazie.
Co daje widzowi to samo poczucie „żywości”, naturalności obrazu?
Co tworzy integralność percepcji, skąd bierze się poczucie głębi i równowagi podczas kontemplacji krajobrazu?
Na naszych lekcjach rysunku przyrodniczego zwróć szczególną uwagę na następujące punkty, które pomogą dodać „żywości” i naturalności Twojemu obrazowi. Wierzymy, że pomogą Ci stworzyć własną, niepowtarzalną historię.
Plany i perspektywy
Długi strzał:
- stosuje się chłodniejsze kolory (zwykle z dodatkiem bieli i szarości, szaroniebieskich kolorów) - to doskonale pozwala stworzyć iluzję głębi przestrzeni na obrazie;
- mniej jasne, mniej nasycone (w tym cienie obiektów są mniej nasycone);
- szczegóły są bardziej uogólnione, brak jasnego przedstawienia obiektów (ledwo je można rozróżnić, ale można je rozpoznać);
- widzimy to jak we mgle powietrza, jakbyśmy patrzyli przez warstwę powietrza.
Bardzo wyraźnie widać to na przykładzie krajobrazów górskich (wodno-górskich).
Sredni strzał:
- obraz jest mniej jasny, mniej bogaty;
- mniej wyraźne, bez nadmiernego uszczegółowienia i rysowania szczegółów;
- znacznie mniejsze rozmiary obiektów;
- ledwo widoczne szczegóły.
Zbliżenie:
- z reguły jest malowany w cieplejszych kolorach;
- można zidentyfikować kontrastujące jasne punkty;
- pociągnięcia mogą być bardziej wyraziste;
- obiekty, obiekty są rysowane wyraźniej i wyraźniej, większe;
- używane są ciemne cienie.
Pierwszy plan lub tło różni się tym, że w porównaniu z tłem innych planów przyjmuje wyraźniejsze kształty. A można to osiągnąć zarówno poprzez wyraźne rysowanie detali, jak i rozwiązania światła i cienia.
Jeśli narysujesz także jakieś zjawisko naturalne, na przykład opady śniegu lub mgłę, to perspektywa powietrzna. W tym przypadku plany środkowe i odległe stają się jeszcze bardziej jednolite, bardziej wyblakłe w porównaniu z planem bliższym (głównym), jeszcze bardziej rozmyte o ledwo zauważalnych konturach.
Rozmiar i lokalizacja obiektu
Będzie to pewien obiekt, tzw. ośrodek uwagi i zainteresowania. Wszystko znowu zależy od Twojego pomysłu!
Z reguły główny obiekt krajobraz jest podkreślony przez:
- kolory – obiekt nie musi być jaśniejszy, ale zdecydowanie bardziej zróżnicowany kolorystycznie, bardziej nasycony;
- rozmiar – obiekt może zajmować większą część obrazu (ale niekoniecznie – musieć, wszystko jest bardzo indywidualne);
- lokalizacja – obiekt znajduje się blisko (na pierwszym planie), ale niekoniecznie w centrum zdjęcia;
- otoczenie – wręcz przeciwnie, obszar wokół głównego obiektu powinien być nieco mniej zauważalny, mniej jasny, mniej rzucający się w oczy,
Chodzi o to, aby skupić uwagę najpierw na przedmiocie!
Aby krajobraz się bawił i ożywał, jest kilka punktów, na które należy zwrócić szczególną uwagę i unikać tych „ostrych zakamarków” na obrazie.
Czego unikać podczas rysowania obiektów
Aby uwaga nie była rozproszona, a wzrok (w zamyśle autora pejzażu) skupiony na jednym przedmiocie, tak aby powstało poczucie harmonii (a nie dysharmonii), należy zdecydowanie unikać:
- identyczne linie (na przykład dwa całkowicie identyczne proste lub zakrzywione drzewa, kwiaty, źdźbła trawy itp.),
- identyczne rozmiary i kształty (na przykład dwa identyczne szczyty górskie, dwa całkowicie identyczne okna w domu, dwa lub więcej identycznych zwierząt itp.).
Jeśli pomyślałeś, że centralny obiekt składa się z kilku obiektów (na przykład pary zwierząt lub ludzi) - wprowadź różne kształty, nadaj ruch tym obiektom. Jeden może być na przykład większy, drugi mniejszy. Jeden może się poruszać, drugi może stać lub leżeć nieruchomo. Najważniejsze jest to, że są w różnych pozach, różnych rozmiarach i tak dalej.
Jeśli jako obiekt posługujesz się rzeką lub drogą, zwróć uwagę, aby linie nie były proste, a bardziej zakrzywione, jakby „wprowadzały” wzrok w obraz.
Pamiętaj, że woda i drogi stwarzają wrażenie ruchu. Następnie, gdy linie są mniej proste, wzrok wydaje się podążać za linią i zatrzymywać się na obrazie. Jeśli wręcz przeciwnie, droga jest zbyt prosta, wówczas wzrok danej osoby nie zatrzymuje się na niej na dłuższy czas, ale jakby „przebiega” i szybko się wymyka.
Jeśli chodzi o proste linie, to generalnie jest to bardzo ciekawa i osobna historia, posiadająca swoje własne zasady.
Pamiętaj, że jeśli chcesz użyć „prostych linii” jako obiektu - na przykład rysujesz jakiś most, filar, maszt statku, ścianę domu lub część dachu - nie powinieneś rysować ich zbyt prosto „na linijce”. Wręcz przeciwnie, spraw, aby były odważnie krzywe (nada to bardziej naturalny wygląd), zamaskuj zbyt proste linie (na przykład prostą ścianę domu można zamaskować roślinnością, ławką). Proste filary mostu można lekko wygiąć.
Lepiej w ogóle nie używać kwadratów, kół, trójkątów w „czystej” formie geometrycznej. Nie oznacza to, że zawsze należy przedstawiać krzywe okna i drzwi, a w niektórych miejscach można po prostu przerwać geometryczny kształt. Możesz na przykład umieścić kwiat w doniczce na prostokątnym oknie, co już wprowadzi ożywienie i harmonię w krajobrazie.
Kolor
Jeśli chodzi o wybór koloru, jest tu również kilka ważnych wskazówek, które (mamy nadzieję) pomogą Ci stworzyć „żywy” i harmonijny obraz.
Główną zasadą jest mieszanie kolorów! Staraj się nigdy nie używać czystego koloru w takiej postaci, w jakiej go posiadasz. Pozwól na jasność!
Śmiało możesz mieszać ze sobą kolory! Najważniejsze, że kolor nie brudzi się, z niezrozumiałym szarym odcieniem. A wszystko inne jest mile widziane i całkowicie akceptowalne.
Dobór koloru powinien także dawać poczucie harmonii. Kiedy go wybierasz, przepuszczasz go przez swój wewnętrzny świat, przez swoją wizję krajobrazu. Dlatego nie próbuj dokładnie wybierać schematu kolorów, który postrzega Twoje oko (jeśli przenosisz fabułę, na przykład ze zdjęcia). Najważniejsze, że przede wszystkim lubisz kolor, który otrzymujesz podczas mieszania farb.
Oczywiście sama Matka Natura wiele nas uczy. W odniesieniu do kształtów, kolorów, nasycenia naturalnych obrazów i przedmiotów. Najważniejsza jest Twoja zdolność obserwacji i chęć tworzenia i rysowania. Najważniejsze to wziąć się w garść i coś zrobić, nawet jeśli niezbyt umiejętnie, a może nawet po raz pierwszy. Po prostu pozwól sobie spróbować, dotknąć.
Zainspiruj się najpierw jakimś krajobrazem. Wybierz odpowiednie kolory, weź kartkę papieru i określ linię horyzontu, zaznacz położenie głównego obiektu...
Najważniejsze jest to, że możesz wyrazić swój wewnętrzny, indywidualny świat w swojej kreatywności, w przedstawieniu natury. A może stworzysz coś wyjątkowego i magicznego! Obrazek! Który zachwyci i zachwyci nie tylko Ciebie, ale także kogoś innego!
Pamiętaj, masz prawo do wolności twórczych!
Życzymy radości i twórczej ekspresji! Spraw sobie przyjemność, po prostu pozwól sobie być artystą!
Oksana! Dziękuję!
Świetnie, że uznałeś go za bardzo pouczający i przydatny – najważniejsze, że materiał może być przydatny! Powodzenia w tworzeniu krajobrazów!
Julio, bardzo dziękuję za artykuł! Główne idee przedstawiania krajobrazów wyrażone są bardzo zwięźle i przejrzyście, a ilustracje są dobrze dobrane. Inspirujące!
Istnieje możliwość uczęszczania do pracowni artystycznej lub szkoły plastycznej. Dlatego też, po zdobyciu odpowiednich podręczników i odnalezieniu materiałów tematycznych w Internecie, młodzi artyści sami próbują opanować podstawy profesjonalnego rysunku.
Ogólne wyjaśnienia
W tym artykule dowiemy się, jak narysować krajobraz, jak poprawnie przekazać perspektywę oraz zapoznać się z innymi koncepcjami teoretycznymi i ich praktycznym wdrożeniem na papierze lub płótnie. Tak więc pierwszą rekomendacją, która dotyczy każdego, zanim zaczniesz pracować z farbami lub innymi kolorowymi narzędziami, jest wykonanie szkicu za pomocą prostych ołówków i gumki, który następnie zostanie doprowadzony do perfekcji. Do szkicu najlepiej nadaje się zwykły arkusz poziomy lub papier Whatman.
Podstawy teoretyczne
Rysunek krok po kroku
Teraz zastanówmy się, jak krok po kroku narysować krajobraz.
- Arkusz albumu należy ułożyć pionowo. Dzięki temu rysowanie będzie znacznie wygodniejsze.
- Rozmieszczając przedstawione obiekty i detale, należy wziąć pod uwagę zasadę harmonii, aby obraz nie przesunął się w lewo lub w prawo, aby któraś z jego krawędzi nie stała się „cięższa”.
- Porozmawiamy o krajobrazie. Praca rozpoczyna się od narysowania podłoża i głównych szczegółów płaskorzeźby.
- Następnie przechodzimy do drzew na pierwszym planie, a następnie do drzew odległych. Należy zawsze pamiętać o prawidłowym rozmieszczeniu przestrzennym obiektów.
- Teraz czas na drobne szczegóły: wyspy śniegu, trawę w rozmrożonych obszarach, kałuże, liście itp.
- Kolejnym etapem jest cieniowanie. Stosuje się go nie do całego rysunku, ale do jego poszczególnych części. Wtedy szkic nie straci swojej pierwotnej lekkości i zwiewności. Kreskowanie odbywa się za pomocą miękkiego ołówka. Nie ma potrzeby zbytniego „zaczerniania” kałuż i chmur, nie zapomnij o grze świateł i cieni. I lepiej też cieniować korony drzew w „masie”, nie rysując każdego liścia osobno, w przeciwnym razie rysunek straci swoją naturalność.
Do pędzli i farb
Kiedy szkic będzie już gotowy, przyjrzyj się uważnie, czy wszystko poszło dokładnie tak, jak chcesz? Popraw błędy. Może trzeba narysować jeszcze jeden szkic, a potem przejść do pędzli i farb. Warto zaznaczyć, że pejzaż, zwłaszcza wiosenny, najlepiej wykonywać suchymi pastelami. W ten sposób łatwiej będzie Ci oddać blask i zwiewność wiosennego powietrza, delikatność barw i atmosferę początku tej wspaniałej pory roku.
To dość trudna lekcja, dlatego powtórzenie jej może wymagać sporo wysiłku. Jeśli nie udało Ci się narysować natury za pierwszym razem, nie rozpaczaj i spróbuj ponownie. Postaraj się jak najlepiej ukończyć tę lekcję. Jeśli nadal nie działa, możesz spróbować dokończyć lekcję „”. Wierzę jednak, że Ci się uda.
Czego będziesz potrzebować
Do narysowania natury możemy potrzebować:
- Potrzebujesz programu Photoshop.
- Trochę cierpliwości.
- Dobry humor.
Lekcja krok po kroku
Prawdziwą naturę w całym jej pięknie można odkryć tylko wtedy, gdy zaczerpniesz ją z życia. Będziesz mógł rysować znacznie lepiej, jeśli spojrzysz bezpośrednio na naturę. Jeśli nie jest to możliwe, pomocne mogą być zwykłe zdjęcia, których w wyszukiwarkach jest po prostu mnóstwo.
Nawiasem mówiąc, oprócz tej lekcji radzę zwrócić uwagę na lekcję „”. Pomoże Ci to udoskonalić Twoje umiejętności lub po prostu sprawi Ci odrobinę frajdy.
Wskazówka: wykonuj różne czynności na różnych warstwach. Im więcej warstw utworzysz, tym łatwiej będzie Ci zarządzać rysunkiem. Można więc wykonać szkic na dolnej warstwie, a białą wersję na górze, a gdy szkic nie będzie już potrzebny, można po prostu wyłączyć widoczność tej warstwy.
Po ukończeniu tego samouczka pamiętaj, że ze względu na różnice w wersjach oprogramowania niektóre pozycje menu i narzędzia mogą mieć inne nazwy lub mogą w ogóle nie istnieć. Może to sprawić, że samouczek będzie nieco trudny, ale myślę, że możesz to zrobić.
Lekcję zacznę od tego, czego w niej nie będzie, żeby nikogo nie zawieść. Nie będzie zawierać informacji o kolorze, estetyce, składzie. Ilustracje nie mają w żadnym wypadku charakteru fotorealistycznego. Chciałem tylko pokazać, jak za pomocą Photoshopa stworzyć obraz, który wygląda jak prawdziwy obraz olejny. A także - opisz, jak rysuję i daj kilka wskazówek na temat tworzenia obrazów cyfrowych. Dobra, dość gadania, czas zabrać się do pracy.
W naszym przykładzie ustawiłem rozmiar na połowę normalnego rozmiaru i model kolorów RGB. Zwykle korzystam z CMYK-u, ponieważ oczekuję, że moja praca będzie drukowana. Pracuj w wyższych rozdzielczościach, nawet korzystając z Internetu. W innym przypadku, powiedzmy przy rozdzielczości 72 dpi, piksele będą wyglądać na grubsze, obszary obrazu zostaną „skompresowane” i obraz będzie wyglądał jak mniejsza kopia, a nie jak oryginał pomalowany naturalnymi kolorami. Ponadto niektóre szczegóły znikną - na to też bądź przygotowany.
Po stworzeniu dokumentu maluję tło neutralnym kolorem. Staram się nie malować na białym tle – zaburza to percepcję kolorów i relacje między nimi. Jeśli obraz jest ciemny, jako tło stosuję ciemny, ciepły lub chłodny kolor, który będzie dobrą bazą dla pozostałych kolorów.
Przy tej rozdzielczości lepiej jest używać twardych pędzli w rozmiarach 5, 9, 35, 45, a czasami aerografu w rozmiarze 100. Rozstaw ustawiam na 1, aby uniknąć pojawienia się „zawirowań”.
W tym szkicu naszkicowałem jedynie kontury. W przypadku bardziej złożonych obrazów potrzebny jest oczywiście bardziej szczegółowy szkic. Użyłem małego, miękkiego aerografu. Kolor pędzla jest szary, aby wyróżniał się na tle tła, ale nie czarny.
Dodaj nową warstwę nad tłem. Czerpiemy z tego. Pozwala to uniknąć zepsucia tła, co może się przydać. Zwłaszcza jeśli pracujesz nad tym od dłuższego czasu.
W naszym przykładzie użyłem stonowanych, średnich kolorów dla skał i liści. Ale w naturze wszystko nie jest tak regularne i jednolite, dlatego warto poeksperymentować z różnymi kolorami, aby odzwierciedlić różnicę w oświetleniu.
Wybrałem aerograf (twardy pędzel, rozmiar 100 pikseli, w ustawieniach - Pomnóż). Kolor - taki sam jak tło - próbka (określ za pomocą narzędzia Kroplomierz).
Chcę pokazać zacienione obszary obrazu i jednocześnie stworzyć ciemniejszą wersję, którą będę mógł później wykorzystać do próbkowania.
Zwykle podczas malowania przełączam się między aerografem a zakraplaczem, naciskając przycisk Alt/Opcja.
Po utworzeniu kilku zacienionych obszarów ustaw parametr Ekran w panelu Warstwy.
Tak więc żółto-brązowy okazał się trochę cieplejszy, niż chciałem. Ustaw aerograf na Normalny i wykonaj kilka pociągnięć bardziej stonowanym, jaśniejszym kolorem.
Wróć do „ekranu”, za pomocą pipety pobierz próbkę żółtego koloru z jakiejś części skały i zacznij rysować kształty liści krzewu za pomocą pędzla o wielkości 5–9 pikseli.
Pracując nad krzakiem, przełączałem się między trybem normalnym a trybem ekranowym, gdy potrzebowałem narysować ciemne i jasne krawędzie liści.
Narysuj szczegóły (aerograf w trybie normalnym). Na tym etapie po prostu próbuję ciemne i jasne odcienie za pomocą zakraplacza i maluję pędzlem o średnicy 5 pikseli.
Teraz wyznaczamy długie „strzałki” trawy. Zaczynamy od dołu, szybkimi, zakrzywionymi ruchami ołówka w górę. Użyj kolorów, które lubisz, ale nie zapomnij dodać odcieni, aby urozmaicić.
Przejdźmy teraz do skały po lewej stronie obrazu. Wykonaj kilka szorstkich pociągnięć pędzlem 35, aby pokazać teksturę.
Zmiany można docenić - wystarczy spojrzeć na skałę po prawej stronie zdjęcia. Zacienione obszary są rozjaśniane i wygładzane pociągnięciami pędzla próbkowanego koloru.
Zwykle robię kilka pociągnięć, próbuję, maluję, próbuję jeszcze raz, aż osiągnę zamierzony efekt.
Zwiększmy skalę, rozjaśnijmy obraz i użyjmy szorstkich pociągnięć, aby stworzyć iluzję nieregularności na powierzchni skały. Zwykle pracuję pędzlem w sposób zamaszysty, używając lekkich pociągnięć, aby połączyć kolory, ale wykonuję też jaśniejsze, bardziej zauważalne pociągnięcia. Jest to jeden ze sposobów na nadanie obrazowi wyglądu innego niż cyfrowy.
Teraz próbujemy koloru zacienionego obszaru i „rozmazujemy” pędzel tam i z powrotem, aby narysować teksturę.
To samo z liśćmi - pobieramy próbki i pracujemy pędzlem, aż zacznie się pojawiać kształt.
Tutaj dodałem kilka szczegółów, aby przedstawić pęknięcie i grzbiety po prawej stronie skały. W tym celu za pomocą pędzla ustawionego na opcję Podświetlenie zamaluj zacieniony obszar – ruchami tam i z powrotem stworzymy iluzję gry cieni na nierównej powierzchni.
Podobną technikę stosujemy w przypadku skały. Warto zmienić kolor i fakturę, aby obraz był ciekawszy i inny.
Pomniejszejmy trochę i zobaczmy, czy skała pasuje do otoczenia. Jeśli nie, edytujemy dalej.
Ale już zdecydowałem się przejść na trawę. Są tu już zarysowane ciemne obszary, ale nic nie przypomina skały.
Spróbujmy koloru cienia i przyciemnijmy niektóre obszary obrazu, aby skały nie wyróżniały się z ogólnego obrazu.
Od dołu do góry ostrymi pociągnięciami bardzo małego pędzla tworzę bazę pod trawę.
Robimy tak, jak radzą artyści z telewizji – światło podkreślamy cieniem i odwrotnie.
Teraz wykonujemy ruchy w górę nad tymi obszarami, aby uzyskać głębię.
Zwykle wykonuję kilka szorstkich pociągnięć w tę i z powrotem, aby szybko wypełnić obraz. Tworzy to bazę, na której pracuję nad detalami.
Teraz dodajmy długie źdźbła trawy. Następnie pobieramy próbki kilku kolorów z powierzchni skały i wykonujemy kilka pociągnięć, aby urozmaicić obraz i osiągnąć jedność stylu.
Oto ostateczna wersja. Pomiędzy skałami namalowałem trawę. W tle zastosowałem szybkie pociągnięcia w górę. Warto skorzystać z kombinacji Ctrl/Command + Z, aby szybko usunąć źdźbła trawy, które nie mieszczą się w ogólnym obrazie.
Na koniec za krzakami narysowałem małą przyjazną jaszczurkę. Na tej lekcji nie opowiedziałam Wam, jak to narysowałam – może zrobię to na kolejnej. Mogę tylko powiedzieć, że jego kolor jest odwróconym kolorem jednej ze skał, więc wpisuje się w ogólną kolorystykę.
Cała praca, łącznie z jaszczurką, zajęła dwie godziny. Eksperymentuj, wypróbuj różne metody. Spróbuj od podstaw stworzyć realistyczną planetę w Photoshopie. I obserwuj otaczający Cię świat – to źródło inspiracji artysty.
KLASA MASTER „Akwarelowy pejzaż”
Lekcja malarstwa w plenerze dla nauczycieli i uczniów klas 3-4 Dziecięcego Zespołu Plastycznego na temat: Szkice nad wodą.
Ponomareva Lyubov Innokentievna, nauczycielka MAOU DOD „ODSHI nr 3” obwodu miejskiego Brack, obwód irkucki.Kurs mistrzowski dla uczniów dziecięcych szkół artystycznych w klasach 3-4 (14-15 lat) i nauczycieli.
Zamiar: pomoc wizualna, prezent.
Cel: Zapoznanie z podstawowymi metodami i technikami sekwencyjnego wykonywania szkicu krajobrazu w akwareli.
Zadania:
Doskonalenie umiejętności wykonywania szkicu krajobrazu w technice akwareli.
Rozwój zdolności twórczych.
Rozbudzanie miłości i zainteresowania przedstawianiem natury.
Materiały: Akwarela („St. Petersburg”, „Neva”, „Czarna Rzeka” lub „Leningrad”); szczotki okrągłe, wiewiórka nr 3, nr 6; papier akwarelowy, słoik na wodę, paleta, ołówek.
Witam, drodzy koledzy i miłośnicy sztuki!
Moja klasa mistrzowska nazywa się „Krajobraz akwarelowy”.
Pejzaże wykonywane są na zajęciach plenerowych i mają ogromne znaczenie, ponieważ przyczyniają się do wizualnego i praktycznego poznania praw perspektywy światło-powietrze, zdobycia nowej wiedzy w zakresie rozwoju technik akwarelowych i metodologicznej sekwencji pracy.
Wybieramy motyw pejzażu z wodą i uczymy się malować odbicie.
Wyróżnia się dwie główne techniki akwareli – szkliwienie, czyli malowanie wielowarstwowe i „a la prima” – surowe, a także liczne techniki łączone z nich wywodzące, mające na celu ukazanie efektywności, wielostruktury i obrazowości przedmiotu.
Malujemy pejzaż tradycyjną techniką malarstwa wielowarstwowego. Technika ta polega na nałożeniu kolejnych warstw farby po wyschnięciu poprzedniej. Co więcej, pierwsze warstwy są transparentne, kolejne częściowo na nie nachodzą, stopniowo przyciemniają i nasycają strukturę kolorystyczną dzieła. Nie można od razu malować ciemnymi i jasnymi kolorami, ponieważ przy braku bieli w akwareli dość trudno jest coś rozjaśnić, a akwarela to świeży, jasny, przezroczysty materiał, wywodzący się od słowa „aqua”, co oznacza wodę. Kolor składa się z dużej ilości wody, dlatego używa się okrągłego, wiewiórkowego pędzla, który dobrze zatrzymuje wodę, a papier akwarelowy dobrze ją wchłania.
Etapy pracy.
1. Motyw pejzażu nie jest bardzo skomplikowany, dlatego rysunek wykonujemy bezpośrednio pędzlem, w kolorze zimnym lub ciepłym.
2. Niebo tła wypełniamy akwarelami pędzlem nr 6 od góry do dołu, używając do tego ultramaryny i ochry, gdyż w słoneczny dzień w błękicie nieba pojawiają się ciepłe odcienie.
3. Pokryj krzaki i brzegi rzek jasnym i ciepłym zielonym kolorem. Lepiej jest, jeśli zielony kolor uzyskamy w wyniku zmieszania. Jak wiadomo, w pudełku z akwarelami oferowane są nie kolory, ale farby. Aby uzyskać kolor, musisz wymieszać co najmniej dwie farby.
4. Na tym szkicu dominującymi kolorami są niebieski, brązowy, ochra i zielony. Wszystkie kolejne etapy prac prowadzone są na wysuszonej poprzedniej warstwie. W tle określamy półcień krzaka.
5. Wzmacniamy półcień tła, biorąc pod uwagę, że oświetlenie pochodzi z góry, a krzaki mają duże półkoliste objętości.
6.Zapisz odbicie w wodzie. Rzeka ta ma bardzo słaby nurt, więc odbicie jest niemalże lustrzane. Z reguły jest zawsze ciemniejszy i cieplejszy niż rzeczywiste obiekty. Odbicie malujemy pionowymi pociągnięciami, odzwierciedlając kształt krzaków.
7. Wodę z odbitym w niej niebem malujemy na ciemniejszy kolor.
8. Pierwszy plan brzegowy wzmacniamy jaśniejszymi odcieniami zieleni, nie zapominając jednak o przezroczystości akwareli.
9. W cieniu krzaków szukamy odcieni chłodnych barw. W tle zaczynamy malować świerki. W porównaniu do krzewów są znacznie ciemniejsze.
10. Świerki są ciemne, prawie płaskie, ponieważ są daleko, malujemy je cieńszym pędzlem.
11. Uwydatniamy cień w krzakach i wodę na pierwszym planie, co daje poczucie przestrzeni.
12. Pokaż odbicie jodeł w wodzie, zwiększ kontrast i gęstość kolorów w odbiciu krzaków.
13. Podkreślamy gałęzie w krzaku, rozjaśniamy odbicia pierwszego planu.
14. Szkic jest gotowy. Sukces w pracy twórczej!
Jeśli zdecydujesz się sięgnąć po ołówek, gratuluję, jesteś bardzo odważną osobą. Ponieważ wielu strasznie boi się rysować, wstydzą się nawet próbować: „Nie uda mi się!” To będzie działać! Białej kartki papieru nie trzeba się bać, w ostateczności wyrzuć ją po cichu do kosza lub spal na pustym miejscu, z dala od ciekawskich oczu. Pamiętaj jednak, że technik rysowania można nauczyć każdego, ale przeniesienie emocji na papier jest trudniejsze. Dlatego jeśli jesteś zbyt emocjonalny i chcesz rysować, nie martw się, że technika jest kiepska, jest to łatwe. Weź to i narysuj. Na tej lekcji spróbujemy krok po kroku narysować prosty krajobraz.
Jak więc narysować naturę ołówkiem? Weź kartkę papieru i ołówki. Zwykły papier biurowy niezbyt nadaje się do rysowania ołówkiem, jego powierzchnia jest zbyt gładka. Weź na przykład arkusz papieru Whatman A4. To wystarczy. Dobrze byłoby zabrać ze sobą trzy ołówki – jeden twardy HB, drugi bardziej miękki – 4B i trzeci bardzo miękki – 8-9B. Pierwszy służy do konturów i bardzo jasnego cieniowania, drugi i trzeci do miękkiego, wyraźnego, kontrastowego wzoru.
- Nakreślamy linię ścieżki, po lewej stronie dwa duże drzewa, góry i odległy las.Pamiętajmy, że w przyrodzie nie ma linii idealnych. Spróbuj poczuć drzewa, wyobraź sobie, jak rosły przez lata, jak dzień po dniu odbudowywały korę. Pod ulewami, pod letnim upałem, pod ostrymi mrozami, centymetr po centymetrze drzewa zyskiwały na sile. Jeszcze jedna rzecz, o której warto pamiętać. Na dole pnia gałęzie są grubsze i jest ich mniej, w górze pnia gałęzi jest coraz więcej i są one cieńsze. Leonardo da Vinci wyprowadził kiedyś wzór na narysowanie drzewa: objętość pnia = suma objętości pni jego gałęzi. Oznacza to, że jeśli dodasz wszystkie gałęzie, zarówno największe, jak i najmniejsze, otrzymamy obwód pnia. Ścieżka również nie może być równa, ponieważ nie została wykonana przez mistrzów budownictwa ze sztucznych materiałów, ale przez Naturę. Zaczynamy rysować, zgodnie z najważniejszą zasadą – od ogółu do szczegółu. Dlatego najpierw zarysowujemy ogólne kontury na całym rysunku, następnie cienie, strukturę obiektów, a na samym końcu szczegóły. Jeśli zaczniesz rysować od razu od szczegółów, ogólny obraz się rozpadnie.
- Obrysowujemy ciemne miejsca i cienie. Pamiętaj, aby w myślach zachować „słońce w głowie”, musisz stale pamiętać, gdzie jest źródło światła. Obiekty znajdujące się bezpośrednio przed źródłem światła będą bardzo ciemne. Nazywa się to „podświetleniem”. Jedno z naszych drzew jest oświetlone tylko od tyłu, więc wydaje nam się prawie czarne. Drugi dostaje trochę światła, co dodaje mu objętości. To właśnie przy tym świetle pod kątem struktura kory jest bardzo wyraźnie widoczna. Staje się wypukła, widoczne są wszelkie pęknięcia i nierówności. Nie zapominaj, że drzewa w tle również mają cienie. Drugi plan rysujemy bardziej ogólnie, gdyż ludzkie oko nie widzi szczegółów z takiej odległości i im dalej znajduje się obiekt, tym bardziej ogólny będzie on wyglądał.
- Zacznijmy opracowywać szczegóły. Kora drzewa jest bardzo szorstka, szorstka i można ją przedstawić jako „ósemki” lub „pętle”. Pamiętaj, że w cieniu takich „pętli” będzie dużo, ale bliżej światła będzie ich mniej i będą bardziej miękkie, to tylko podpowiedź. Spacerując po parku przyjrzyj się bliżej korze drzewa, potrafi być niesamowicie piękna.
- Pracujemy nad perspektywą dłuższą. Cienie drzew dodajemy większy kontrast, pamiętajmy jednak, że cienie nie powinny być ciemniejsze niż te na pierwszym planie. Tylko na pierwszym planie będzie najsilniejszy i najjaśniejszy kontrast. W przeciwnym razie tło „wspina się” do przodu, zakłóca percepcję i „odbiera” powietrze z rysunku. Dlatego rysujemy drugi plan bardziej przejrzyście. Ważne jest, aby wiedzieć, jaki rodzaj drzewa ma daną sylwetkę. Brzoza będzie miała swoją, świerk będzie miała zupełnie inną. Poćwicz rysowanie sylwetek sosny, klonu i dębu. Jest to przydatne, aby widz natychmiast rozpoznał, o co chodzi, na podstawie jednego konturu. W tle rysujemy świerki i staramy się, aby nie były takie same. Jest to nie tylko nudne i nieciekawe, ale też nie zdarza się w naturze. Na tym małym szkicu jeden świerk jest bliżej i ciemniejszy, drugi trochę dalej i jaśniejszy. Im większa odległość od obiektu, tym wydaje nam się on jaśniejszy i bardziej „rozmyty”. Nigdy nie rysuj drobnych szczegółów w tle. Zaczną się kłócić z obiektami na pierwszym planie, a rysunek stanie się płaski. Wystarczy przedstawić całą masę za pomocą konturów lub podpowiedzi, cieni. Resztę dopełni wyobraźnia widza.
- Ponownie wracamy na pierwszy plan i rysujemy drzewa z większym kontrastem. Sprawiamy, że odległe drzewo jest jeszcze ciemniejsze, a nad drzewem, które jest bliżej nas, będziemy pracować dokładniej. Ręka nie powinna być zaciśnięta, pędzel powinien poruszać się swobodnie i jakby „fruwał” po rysunku – gdzieś linia powinna być bardziej szorstka, gdzieś łatwiejsza. Poćwicz na kartce papieru - narysuj jedną linię, czasem z mocnym, czasem słabym naciskiem i zobacz, jak ożywi się. Nawiasem mówiąc, rysując prostym ołówkiem, umieść pod ręką kartkę czystego papieru, aby nie rozmazać rysunku, w przeciwnym razie pozostaną brzydkie, matowe szare plamy, których nie można usunąć żadną gumką.
Rysując podłoże musimy pamiętać, że nie jest to gładki asfalt, ale gleba żywa, czyli posiada nierówności, wypukłości, wklęsłości, pagórki i dziury. Można to rozpoznać po kierunku kreskowania - może być pod kątem, zakrzywione, krótkie, długie, cienkie i szorstkie. Pamiętaj, że na ziemi znajdują się nie tylko wklęsłości i wypukłości, ale także cienie od liści drzew.
Ważny! Pamiętaj, aby pamiętać o fakturze każdego przedmiotu. Kora drzewa jest szorstka i szorstka, lepiej narysować ją krótkimi i wyraźnymi liniami, trawa jest miękka, lepiej zobrazować ją cienkimi pociągnięciami, drzewami i krzewami w oddali - z podpowiedzią, ogółem masa, kontury, nierówny teren - kreski powinny powtarzać kształt wybrzuszeń i kopców, świerk z wystającymi gałęziami - ciemna sylwetka.
- Narysujmy pole. Od widza w głąb rysunku pole będzie coraz bardziej uproszczone – czy będą to tylko trawy, czy stokrotki, widz wymyśli własny pomysł. Najważniejsze jest, aby pokazać, że nie jest to goła ziemia, jest ona gęsto porośnięta trawą i wygląda jak miękki, gruby dywan. A już są kwiaty, trzmiele i koniki polne.
Teraz mrużymy oczy i sprawdzamy, czy wszystko jest w porządku tonalności i kompozycji. Czy nie jest to coś irytującego, czy nie jest to „niepowodzenie”, czy coś, co powinno pozostać drugorzędne i wysunąć się na pierwszy plan? Jeśli nie, kontynuuj rysowanie...
- Ponownie wracamy na pierwszy plan i zaczynamy dopracowywać szczegóły. Rysujemy gałęzie i liście. Nie musisz rysować każdego liścia. Człowiek postrzega cały obraz, jako całość, a nasz mózg jest tak skonstruowany, że wystarczy pokazać zarys, drobną podpowiedź, a on mentalnie dopełni resztę. Jeszcze raz przypomnę Ci o „trzymaj słońce w głowie”. Liście rzucają cień na gałęzie, pamiętaj o tym.
- Teraz pamiętaj o naostrzeniu ołówka, aby był ostry. Będziemy potrzebować cienkiego i precyzyjnego cieniowania. Zacznijmy rysować niebo i góry. Chmury są bardzo lekkie, puszyste, wirowane są przez prądy wiatru. Pokaż ich dynamikę i ruch za pomocą cieniowania. Możesz zrobić inną opcję - ostrożnie zacień niebo, przyciemnij je i pozostaw chmury całkowicie białe. Gór też nie trzeba rysować zbyt ostro, są daleko, prawie we mgle, wystarczy sylwetka.
Rysowanie natury ołówkiem nie jest takie trudne. Aby to zrobić, musisz być uważny i wykonać wiele szkiców (na morzu, w kawiarni, na spacerze lub gdziekolwiek). Najważniejsze jest, aby nauczyć się wyrażać swoje uczucia i emocje. Nawet jeśli rysujesz niepoprawnie z punktu widzenia ścisłej techniki, ale z miłością, to uwierz mi, na pewno przyciągnie to każdego widza. Ponieważ czysta technika jest sucha i niezbyt ciekawa, o wiele ciekawiej jest przyjrzeć się podejściu artysty do tego, co rysuje, jego postrzeganiu otoczenia jako odzwierciedleniem własnego, wewnętrznego świata. Powodzenia, inspiracji i nie bój się rysować, wszystko się ułoży!