Miasta świat starożytny pojawiały się zwykle w pobliżu wysokiej skały, na której wzniesiono cytadelę, aby było się gdzie schować, gdyby wróg przedarł się przez miasto. Taką cytadelę nazywano akropolem. W ten sam sposób, na skale, która wznosiła się prawie 150 metrów nad Atenami i od dawna służyła jako naturalna struktura obronna, górne miasto stopniowo uformowało się w formie fortecy (akropolu) z różnymi budynkami obronnymi, publicznymi i religijnymi.
Ateński Akropol zaczęto budować w II tysiącleciu pne. Podczas Wojny grecko-perskie(480-479 pne) został całkowicie zniszczony, później pod kierownictwem rzeźbiarza i architekta Fidiasza rozpoczęto jego renowację i odbudowę.
Akropol to jedno z tych miejsc, „o których wszyscy mówią, że są wspaniałe, niepowtarzalne. Ale nie pytaj dlaczego. Nikt Ci nie odpowie... Można go zmierzyć, nawet wszystkie jego kamienie można policzyć. Przejrzenie go od końca do końca nie jest wielkim problemem - zajmie to tylko kilka minut. Ściany Akropolu są strome i strome. Na tym wzgórzu o skalistych zboczach wciąż stoją cztery wielkie kreacje. Szeroki zygzak droga idzie od podnóża wzgórza do jedynego wejścia. To Propyleje - monumentalna brama z doryckimi kolumnami i szerokimi schodami. Zostały zbudowane przez architekta Mnezyklesa w latach 437-432 pne. Ale przed wejściem do tych majestatycznych marmurowych bram wszyscy mimowolnie skręcili w prawo. Tam, na wysokim cokole bastionu, który strzegł niegdyś wejścia na akropol, wznosi się ozdobiona jońskimi kolumnami świątynia bogini zwycięstwa Nike Apteros. Jest to dzieło architekta Kallikratesa (druga połowa V wieku pne). Świątynia – lekka, przewiewna, niezwykle piękna – wyróżniała się bielą na niebieskim tle nieba. Ten kruchy budynek, który wygląda jak elegancka marmurowa zabawka, wydaje się sam uśmiechać i sprawiać, że przechodnie uśmiechają się czule.
Niespokojni, żarliwi i aktywni bogowie Grecji byli jak sami Grecy. To prawda, że \u200b\u200bbyli wyżsi, mogli latać w powietrzu, przybierać dowolne kształty, zamieniać się w zwierzęta i rośliny. Ale pod wszystkimi innymi względami zachowywali się jak zwykli ludzie: żonaci, oszukiwali się, kłócili, pogodzili, ukarali dzieci ...
Świątynia Demeter, budowniczowie nieznani, VI w. PNE. Olimpia
Świątynia Nike Apteros, architekt Kallikrates, 449-421 pne Ateny
Propyleje, architekt Mnezykles, 437-432 pne Ateny
Bogini zwycięstwa, Nike, była przedstawiana jako piękna kobieta z dużymi skrzydłami: zwycięstwo jest zmienne i przelatuje od jednego przeciwnika do drugiego. Ateńczycy przedstawiali ją jako bezskrzydłą, aby nie opuściła tak niedawno zdobytego miasta wielkie zwycięstwo nad Persami. Pozbawiona skrzydeł bogini nie mogła już latać i musiała na zawsze pozostać w Atenach.
Świątynia Nike stoi na półce skalnej. Jest lekko zwrócona w stronę Propyleje i pełni rolę latarni morskiej dla procesji, które okrążają skałę.
Tuż za Propyleje dumnie górowała Atena Wojownik, której włócznia witała podróżnika z daleka i służyła jako latarnia morska dla żeglarzy. Napis na kamiennym cokole brzmiał: „Ateńczycy poświęcili się zwycięstwu nad Persami”. Oznaczało to, że posąg został odlany z brązowej broni zabranej Persom w wyniku ich zwycięstw.
Na Akropolu znajdował się także zespół świątynny Erechtejon, który (w zamyśle jego twórców) miał łączyć ze sobą kilka sanktuariów położonych na różne poziomy, - skała jest tu bardzo nierówna. Północny portyk Erechtejonu prowadził do sanktuarium Ateny, gdzie drewniana statua bogini, która rzekomo spadła z nieba. Drzwi z sanktuarium otwierały się na mały dziedziniec, na którym rosło jedyne święte drzewo oliwne na całym Akropolu, które wyrosło, gdy Atena dotknęła skały swoim mieczem w tym miejscu. Przez wschodni portyk można było dostać się do sanktuarium Posejdona, gdzie uderzywszy trójzębem w skałę, pozostawił pomruk wody w trzech bruzdach. Tutaj znajdowało się sanktuarium Erechteusza, czczone na równi z Posejdonem.
Centralną część świątyni stanowi prostokątne pomieszczenie (24,1 x 13,1 metra). W świątyni znajdował się także grobowiec i sanktuarium pierwszego legendarnego króla Attyki, Kekropa. Po południowej stronie Erechtejonu znajduje się słynny portyk z kariatydami: na skraju ściany sześć dziewcząt wyrzeźbionych z marmuru podtrzymuje sufit. Niektórzy uczeni sugerują, że portyk służył jako platforma dla honorowych obywateli lub że zbierali się tu księża na ceremonie religijne. Ale dokładny cel portyku jest nadal niejasny, ponieważ „portyk” oznacza próg, aw ta sprawa portyk nie miał drzwi i stąd nie można dostać się do wnętrza świątyni. Figury portyku kariatyd są w istocie podporami zastępującymi filar czy kolumnę, doskonale oddają też lekkość i giętkość figur dziewczęcych. Turcy, którzy w swoim czasie zdobyli Ateny i nie pozwolili na wizerunki osoby ze względu na ich muzułmańskie przekonania, nie zaczęli jednak niszczyć tych posągów. Ograniczyli się tylko do tego, że wycięli twarze dziewczyn.
Erechtejon, budowniczowie nieznani, 421-407 pne Ateny
Partenon, architekci Iktin, Kallikrat, 447-432 pne Ateny
W 1803 roku Lord Elgin, ambasador angielski w Konstantynopolu i kolekcjoner, korzystając z pozwolenia tureckiego sułtana, złamał jedną z kariatyd w świątyni i zabrał ją do Anglii, gdzie ofiarował ją British Museum. Zbyt szeroko interpretując firman tureckiego sułtana, zabrał ze sobą także wiele rzeźb Fidiasza i sprzedał je za 35 000 funtów. Firman powiedział, że „nikt nie powinien mu przeszkadzać w zabraniu z Akropolu kamieni z inskrypcjami lub figurami”. Elgin wypełnił takimi „kamieniami” 201 pudełek. Jak sam stwierdził, zabierał tylko te rzeźby, które już upadły lub groziły upadkiem, rzekomo w celu ratowania ich przed ostatecznym zniszczeniem. Ale Byron nazwał go także złodziejem. Później (podczas renowacji portyku kariatyd w latach 1845-1847) British Museum wysłało do Aten odlew gipsowy posągu zabranego przez lorda Elgina. Następnie odlew został zastąpiony mocniejszą kopią Sztuczny kamień zrobione w Anglii.
Pod koniec ubiegłego wieku grecki rząd zażądał od Anglii zwrotu należących do niej skarbów, ale otrzymał odpowiedź, że londyński klimat jest dla nich korzystniejszy.
Na początku naszego tysiąclecia, kiedy Grecja została scedowana na Bizancjum podczas podziału Cesarstwa Rzymskiego, Erechtejon został przekształcony w kościół chrześcijański. Później krzyżowcy, którzy zajęli Ateny, uczynili ze świątyni pałac książęcy, a podczas podboju Aten przez Turków w 1458 r. w Erechtejonie utworzono harem komendanta twierdzy. Podczas wojny wyzwoleńczej w latach 1821-1827 Grecy i Turcy na przemian oblegali Akropol, bombardując jego budowle, w tym Erechtejon.
W 1830 r. (po ogłoszeniu niepodległości Grecji) na miejscu Erechtejonu można było znaleźć jedynie fundamenty oraz leżące na ziemi dekoracje architektoniczne. Fundusze na odbudowę tego zespołu świątynnego (a także na odbudowę wielu innych budowli Akropolu) przekazał Heinrich Schliemann. Jego najbliższy współpracownik V. Derpfeld dokładnie zmierzył i porównał antyczne fragmenty, już pod koniec lat 70. ubiegłego wieku planował odrestaurowanie Erechtejonu. Ale ta rekonstrukcja została poddana ostrej krytyce, a świątynia została rozebrana. Budynek został odrestaurowany na nowo pod kierunkiem słynnego greckiego naukowca P. Kavadiasa w 1906 roku i ostatecznie odrestaurowany w 1922 roku.
„Wenus z Milo” Agessander (?), 120 pne Luwr, Paryż
„Laokoon” Agessander, Polidorus, Atenodor, ok. 40 pne Grecja, Olimpia
„Herkules z Farnese” ok. 200 pne e., Narodowy muzeum, Neapol
„Raniona Amazonka” Polikletos, 440 pne Krajowy Muzeum Rzym
Partenon – świątynia bogini Ateny – największa budowla na Akropolu i najbardziej piękne stworzenie architektura grecka. Nie stoi na środku placu, ale nieco z boku, dzięki czemu można od razu przyjrzeć się frontowej i bocznej fasadzie, zrozumieć piękno świątyni jako całości. Starożytni Grecy wierzyli, że świątynia z głównym kultowym posągiem pośrodku jest niejako domem bóstwa. Partenon jest świątynią Ateny Dziewicy (Parthenos), dlatego w jego centrum znajdowała się chryzoelefantyna (wykonana z kość słoniowa i złote talerze na drewnianej podstawie) posąg bogini.
Partenon został wzniesiony w latach 447-432 pne. architekci Iktin i Kallikrates z marmuru penteliańskiego. Usytuowana została na czterostopniowym tarasie, wielkość jej podstawy to 69,5 x 30,9 metra. Z czterech stron Partenon otoczony jest smukłymi kolumnadami, pomiędzy ich pniami z białego marmuru widoczne są szczeliny. niebieskie niebo. Całość przesiąknięta światłem sprawia wrażenie przewiewnej i lekkiej. Na białych kolumnach nie ma jaskrawych wzorów, jakie można znaleźć w egipskich świątyniach. Jedynie podłużne żłobienia (flety) pokrywają je od góry do dołu, co sprawia, że zausznik wydaje się wyższy i jeszcze smuklejszy. Kolumny swoją harmonię i lekkość zawdzięczają temu, że lekko zwężają się ku górze. W środkowej części pnia, zupełnie niewidoczne dla oka, pogrubiają się i wydają się być elastyczne, bardziej odporne na ciężar kamiennych bloków. Iktin i Kallikrat, po przemyśleniu każdego najmniejszego szczegółu, stworzyli budynek, który uderza niesamowitymi proporcjami, niezwykłą prostotą i czystością wszystkich linii. Umieszczony na górnej platformie Akropolu, na wysokości około 150 metrów nad poziomem morza, Partenon był widoczny nie tylko z każdego miejsca w mieście, ale także z licznych statków płynących do Aten. Świątynia była doryckim obwodem otoczonym kolumnadą złożoną z 46 kolumn.
„Afrodyta i Pan” 100 pne, Delfy, Grecja
„Diana Łowczyni” Leohar, ok. 340 pne, Luwr, Paryż, Francja
„Odpoczywający Hermes” Lizyp, IV wiek. pne e., Muzeum Narodowe, Neapol
„Herkules walczący z lwem” Lizyp, ok. 330 pne Ermitaż, Petersburg
„Atlant of Farnese” ok. 200 pne, Nat. muzeum, Neapol
W rzeźbiarskiej dekoracji Partenonu brali udział najsłynniejsi mistrzowie. Dyrektor artystyczny Budową i dekoracją Partenonu był Fidiasz, jeden z największych rzeźbiarzy wszechczasów. Jest właścicielem całokształtu kompozycji i opracowania całej dekoracji rzeźbiarskiej, której część wykonał samodzielnie. Organizacyjną stroną budowy zajmował się Perykles, największy mąż stanu Aten.
Cała dekoracja rzeźbiarska Partenonu miała na celu gloryfikację bogini Ateny i jej miasta - Aten. Tematem frontonu wschodniego są narodziny ukochanej córki Zeusa. Na zachodnim frontonie mistrz przedstawił scenę sporu między Ateną a Posejdonem o dominację nad Attyką. Według mitu Atena wygrała spór, podarowując mieszkańcom tego kraju drzewko oliwne.
Bogowie Grecji zebrali się na frontonach Partenonu: Zeus Grzmot, potężny władca mórz Posejdon, mądra wojowniczka Atena, uskrzydlona Nike. Dekorację rzeźbiarską Partenonu dopełnił fryz, na którym prezentowana była uroczysta procesja podczas Wielkiej Uczty Panatenajskiej. Ten fryz jest uważany za jeden ze szczytów sztuka klasyczna. Przy całej jedności kompozycyjnej uderzała różnorodnością. Spośród ponad 500 postaci młodych mężczyzn, starców, dziewcząt, pieszych i konnych, ani jedna nie powtarzała się, ruchy ludzi i zwierząt zostały oddane z niesamowitą dynamiką.
Postacie rzeźbiarskiej płaskorzeźby greckiej nie są płaskie, mają objętość i kształt. Ludzkie ciało. Różnią się od posągów tylko tym, że nie są obrabiane ze wszystkich stron, ale niejako zlewają się z tłem utworzonym przez płaską powierzchnię kamienia. Jasne kolory ożywiły marmur Partenonu. Czerwone tło podkreślało biel postaci, wąskie pionowe gzymsy oddzielające jedną płytę fryzu od drugiej wyraźnie wyróżniały się na niebiesko, a złocenia mocno błyszczały. Za kolumnami, na marmurowej wstędze opasującej wszystkie cztery elewacje budynku, przedstawiony został uroczysty pochód. Bogów tu prawie nie ma, a ludzie, odciśnięci na zawsze w kamieniu, przeszli wzdłuż dwóch dłuższych boków budynku i połączyli się na wschodniej fasadzie, gdzie uroczysta ceremonia wręczając kapłanowi szatę utkaną przez ateńskie dziewczęta dla bogini. Każda figura charakteryzuje się niepowtarzalnym pięknem, a razem dokładnie odzwierciedlają prawdziwe życie i celne starożytne miasto.
Rzeczywiście, raz na pięć lat, w jeden z gorących dni środka lata w Atenach, odbywało się narodowe święto ku czci narodzin bogini Ateny. Nazywano go Wielkim Panatenaikiem. Uczestniczyli w nim nie tylko obywatele państwa ateńskiego, ale także liczni goście. Uroczystość składała się z uroczystej procesji (przepychu), wniesienia hekatomby (100 sztuk bydła) i wspólnego posiłku, zawodów sportowych, jeździeckich i muzycznych. Zwycięzca otrzymał specjalną, tzw. amforę panatenajską wypełnioną olejem oraz wieniec z liści świętego drzewa oliwnego rosnącego na Akropolu.
Najbardziej uroczystym momentem święta była ogólnopolska procesja na Akropol. Ruszyli jeźdźcy na koniach, szli mężowie stanu, wojownicy w zbrojach i młodzi sportowcy. Kapłani chodzili w długich białych szatach i szlachetni ludzie heroldowie głośno wychwalali boginię, muzycy wypełniali radosnymi dźwiękami jeszcze chłodne poranne powietrze. Zwierzęta ofiarne wspinały się na wysokie wzgórze Akropolu wzdłuż zygzakowatej drogi Panathenaic, deptane przez tysiące ludzi. Chłopcy i dziewczęta nieśli model świętego statku panatenajskiego z peplosem (zasłoną) przymocowanym do masztu. Lekki wietrzyk powiewał jasną tkaniną żółto-purpurowej szaty, którą szlachetne dziewczęta z miasta niosły jako dar dla bogini Ateny. Przez cały rok tkały go i haftowały. Inne dziewczęta wznosiły święte naczynia do składania ofiar wysoko nad głowami. Stopniowo procesja zbliżała się do Partenonu. Wejście do świątyni wykonano nie od strony Propyleje, lecz od drugiej, tak jakby każdy mógł najpierw obejść, obejrzeć i docenić piękno wszystkich części pięknej budowli. W przeciwieństwie do kościołów chrześcijańskich, starożytne greckie nie były przeznaczone do oddawania czci w ich wnętrzu, ludzie przebywali na zewnątrz świątyni podczas czynności kultowych. W głębi świątyni, otoczonej z trzech stron dwupoziomowymi kolumnadami, dumnie stał słynny posąg dziewicy Ateny, autorstwa słynnego Fidiasza. Jej strój, hełm i tarcza były wykonane z czystego, mieniącego się złota, a jej twarz i ręce lśniły bielą kości słoniowej.
O Partenonie napisano wiele tomów książek, wśród nich znajdują się monografie każdej z jego rzeźb i każdego stopnia stopniowego upadku od czasu, gdy po dekrecie Teodozjusza I stał się on Chrześcijańska świątynia. W XV wieku Turcy zrobili z niego meczet, aw XVII wieku magazyn prochu. Wojna turecko-wenecka z 1687 roku obróciła je w ostateczną ruinę, kiedy trafił w nie pocisk artyleryjski iw jednej chwili zrobił to, czego wszechpożerający czas nie mógł dokonać przez 2000 lat.
Kouros z Teb, 540 pne mi. Narodowe Muzeum Archeologiczne w Atenach
Grecy przypisywali najstarsze obrazy legendarnemu rzeźbiarzowi Dedalowi. Nazwa ta pochodzi od czasowników „make”, „manufacture”, „forge”, „spin”. w VII wieku pne mi. na Krecie znana była dynastia artystów Dedalidów, wywodząca się od rzeźbiarza. Do tej słynnej dynastii należeli mistrzowie Deepoin i Skillid, a także ich uczniowie Tektei i Angelion.
OKRES GEOMETRYCZNY (VIII-VII wiek p.n.e.)
Xoans są uważane za najstarsze obrazy rzeźbiarskie. W Erechtejonie na ateńskim Akropolu,
obraz drzewa oliwnego, które, jak wierzono, spadło z nieba. Według zachowanych opisów Xoanie mieli kształt okrągłego lub czworościennego filaru, mieli twarze z oczami, ręce przyciśnięte do boków i nogi. Materiałem na takie posągi było pierwotnie drewno, a następnie - miękki, łatwy w obróbce wapień.
OKRES ARCHAICZNY (VII-VI WIEK PNE)
W VII-VI wieku. pne mi. w sztuce dominowały dwa typy wizerunków rzeźbiarskich: naga postać męska (kouros) i udrapowana postać kobieca (kora). Duży wpływ na ich powstanie miały m.in rzeźba egipska, z którym Grecy spotkali się podczas Wielkiej Kolonizacji. Podobnie jak postacie faraonów, które były ich pierwowzorami, kouros zostały wyrzeźbione w ścisłej pozie czołowej, z uniesioną twarzą i spojrzeniem do przodu; ich ręce były opuszczone wzdłuż ciała, lewa noga była wysunięta do przodu w nieśmiałej próbie oddania ruchu. Ciała Kouros są zredukowane do prostych geometrycznych kształtów. Anatomia postaci przedstawiona jest w sposób skrajnie ogólnikowy, jedynie twarze ożywione archaicznym uśmiechem są uszczegółowione. Większość posągów jest naturalnej wielkości, były też kolosy o wysokości ponad trzech metrów.
Posągi cor ukazane zostały zgodnie z tymi samymi kanonami gatunku w pozie statycznej, stojącej wyprostowanej, z jedną nogą lekko wysuniętą do przodu, jedną ręką opuszczoną wzdłuż ciała, a drugą trzymającą brzeg draperii. Zwykle korpus i głowa posągu były wykonane z jednego kawałka kamienia, a ramiona były przymocowane oddzielnie.
Gotowe rzeźby zostały woskowane i malowane. Ochra pasowała do koloru ciała, włosy, usta i brwi były ufarbowane na szkarłat. Na tkaniny nanoszono ornament za pomocą kolorowych farb. Posągi zaopatrzone były w akcesoria z brązu: broń, uzdę, lustro itp.
Ubrania kor z reguły składały się z jońskiego chitonu, rzadziej przedstawiano peplos. Rzeźbiarze szczegółowo opracowali fałdy tkaniny, tworząc ozdobne płótno odzieży, które albo zostało wyrzeźbione w marmurze, albo pomalowane farbami.
OKRES KLASYCZNY (V-IV wpne)
Atena z grupy Myron, 460 pne mi. Liebighaus we Frankfurcie nad Menem
W przejściu do epoki klasycznej artyści dążyli do jak najdokładniejszego oddania anatomii i ukazania postaci ludzkiej w momencie ruchu. Nowym materiałem, którego użyli, był brąz. Szczyty jej rozwoju rzeźba klasyczna osiągnął w dziele trzech słynnych mistrzów – Mirona, Polikleta i Fidiasza.
Miron pochodził z Eleutherus, jego nauczycielem był argiwski rzeźbiarz Agelad, który uczył również Polikleta i Fidiasza. Rozkwit twórczości Myrona przypada na połowę V wieku. pne mi. Jego ulubionym tematem było pokazywanie ciała sportowca w momencie największego wysiłku, a szczytem jego umiejętności jest słynny „Disco Thrower”. Zachowała się także grupa rzeźbiarska przedstawiająca Atenę i Marsjasza. Oryginały dzieł zostały wykonane z brązu i nie zachowały się do naszych czasów. Stworzone przez rzeźbiarza wizerunki zwierząt budziły również podziw współczesnych. Zachowało się ponad 30 fraszek Statuła z Bronzu Io w postaci krowy. Polikleitos pochodził z Argos, żył i pracował w Atenach, Efezie i Olimpii między 460-420 pne. pne mi. i dlatego był rówieśnikiem Myrona i Fidiasza. Wiodącym tematem w twórczości Polikleitosa jest wizerunek sportowców, których lubił ukazywać w stanie dynamicznej równowagi. Dzięki zastosowaniu zasady nierównomiernego ruchu krzyża (postać spoczywa na prawej nodze, lewa przeciwnie, pozostaje rozluźniona; odpowiednio prawa ręka jest ukazana napięta, a lewa rozluźniona), jego rzeźby wydają się naturalne. Najbardziej znane są takie dzieła Polikleitosa, jak „Dorifor” i „Diadumen”, które przetrwały do naszych czasów w kopiach z rzymskiego marmuru.
Hestia, Dione i Afrodyta autorstwa Fidiasza. grupa rzeźbiarska od wschodniego frontonu Partenonu, ok. 447–433 pne mi. Muzeum Brytyjskie w Londynie
Największym artystą okresu klasycznego był ateński rzeźbiarz i architekt Fidiasz. Jako przyjaciel Peryklesa Fidiasz brał udział w programie odbudowy ateńskiego Akropolu. Kierował pracami nad dekoracją rzeźbiarską Partenonu w latach 447-432. pne i stworzył posąg Ateny Partenos, zainstalowany w świątyni. Rzeźba została wykonana w technice chryzoelefantyny, złoto o wartości 40 talentów i cienkie blaszki z kości słoniowej pokrywały drewnianą ramę o wysokości 13 metrów. Przed świątynią Fidiasz wzniósł 17-metrowy brązowy posąg Ateny Promachos. Bogini została przedstawiona w hełmie, z tarczą i włócznią, a czubek włóczni był złocony i jasno świecił w słońcu, widocznym z daleka przez żeglarzy płynących do brzegów Attyki.
Mówiliśmy już o POCZĄTKU. Planowana linia przerywana została przerwana z przyczyn obiektywnych, ale nadal chcę kontynuować. Przypominam, że zatrzymaliśmy się o godz głęboka historia w sztuce starożytnej Grecji. Z czego pamiętamy program nauczania? Z reguły trzy nazwiska są mocno osadzone w naszej pamięci - Miron, Phidias, Poliliklet. Potem przypominamy sobie, że był też Lysippus, Skopas, Praxiteles i Leochar… Zobaczmy więc, co jest czym. Czas akcji to 4-5 wieków pne, scena to starożytna Grecja.
PYTAGORAS REGIA
Pitagoras Rhegius (V wpne) Nowa era) – starogrecki rzeźbiarz starożytnej Grecji okresu wczesnoklasycznego, którego twórczość znana jest jedynie z wzmianek o autorach antycznych. Zachowało się kilka rzymskich kopii jego dzieł, w tym mój ulubiony, Chłopiec wyciągający drzazgę. Z tej pracy powstała tzw. rzeźba krajobrazowo-ogrodnicza.
Pitagoras Rhegian Boy usuwający drzazgę c. połowa V wieku pne br.rzymska kopia muzeum kapitolińskiego
MIRON
Myron (Μύρων) - rzeźbiarz połowy V wieku. pne mi. Rzeźbiarz epoki bezpośrednio poprzedzającej największy rozkwit sztuki greckiej (koniec VI - początek V wieku). Starożytni określają go jako największy realista i znawca anatomii, który jednak nie wiedział, jak ożywić i wyrazić twarze. Portretował bogów, bohaterów i zwierzęta, a ze szczególną miłością odtwarzał trudne, ulotne pozy. Jego najsłynniejsze dzieło „Discobolus”, przedstawiające atletę zamierzającego wystartować dyskiem, to pomnik, który przetrwał do naszych czasów w kilku egzemplarzach, z których najlepszy jest wykonany z marmuru i znajduje się w Pałacu Massimi w Rzymie.
rzucający dyskiem.
FIDIUSZ.
Jeden z założycieli styl klasyczny Uważa się, że starożytny grecki rzeźbiarz Fidiasz ozdobił swoimi rzeźbami zarówno świątynię Zeusa w Olimpii, jak i świątynię Ateny (Partenon) na ateńskim Akropolu. Obecnie znajdują się fragmenty fryzu rzeźbiarskiego Partenonu Brytyjskie Muzeum(Londyn).
Fragmenty fryzu i frontonu Partenonu. Muzeum Brytyjskie w Londynie.
Główne dzieła rzeźbiarskie Fidiasza (Ateny i Zeusa) dawno zaginęły, świątynie zostały zniszczone i splądrowane.
Partenon.
Istnieje wiele prób rekonstrukcji świątyń Ateny i Zeusa. Możesz o tym przeczytać tutaj:
Informacje o samym Fidiaszu i jego spuściźnie są stosunkowo skąpe. Wśród istniejących dziś posągów nie ma ani jednego, który niewątpliwie należałby do Fidiasza. Cała wiedza o jego twórczości opiera się na opisach starożytni autorzy, na badaniu późnych kopii, a także dzieł zachowanych, które z mniejszą lub większą pewnością przypisuje się Fidiaszowi.
Więcej o: Fidiasz http://biography-peoples.ru/index.php/f/item/750-fidij
http://art.1september.ru/article.php?ID=200901207
http://www.liveinternet.ru/users/3155073/post207627184/
Cóż, o reszcie przedstawicieli starożytnej kultury greckiej.
POLILKLET
Rzeźbiarz grecki z drugiej połowy V w. pne mi. Twórca wielu statuetek, w tym zwycięzców rozgrywek sportowych, dla kultowych ośrodków sportowych Argos, Olimpii, Teb i Megalopolis. Autor kanonu wizerunku ciała ludzkiego w rzeźbie, zwanego „kanonem Polikleta”, według którego głowa stanowi 1/8 długości ciała, twarz i dłonie 1/10, stopa to 1/6. Kanonu przestrzegano w rzeźbie greckiej do końca, tzw. epoka klasyczna, czyli do końca IV wieku. pne e., kiedy Lysippos ustanowił nowe zasady. Jego najbardziej znanym dziełem jest „Dorifor” (Spearman). To z encyklopedii.
Polikletos. Doryfor. Muzeum Puszkina. Kopia gipsowa.
PRAKSYTELS
AFRODYTA Z CNIDS (rzymska kopia z IV wieku pne) Rzym, Muzea Narodowe (głowa, ręce, nogi, odrestaurowane draperie)
Jednym z najsłynniejszych dzieł rzeźby antycznej jest Afrodyta z Knidos, pierwsza rzeźba starożytnej Grecji (wysokość - 2 m.), przedstawiająca nagą kobietę przed kąpielą.
Afrodyta z Knidus, (Afrodyta z Braschi) kopia rzymska, I w. n.e. PNE. Glyptothek, Monachium
Afrodyta z Knidos. Marmur średnioziarnisty. Tułów - rzymska kopia z II wieku. N. gipsowa kopia Muzeum Puszkina
Według Pliniusza mieszkańcy wyspy Kos zamówili dla miejscowego sanktuarium posąg Afrodyty. Praksyteles wykonał dwie opcje: nagą boginię i ubraną boginię. Za oba posągi Praksyteles wyznaczył tę samą opłatę. Klienci nie ryzykowali i wybierali wersja tradycyjna, z udrapowaną postacią. Jego kopie i opisy nie zachowały się i popadł w zapomnienie. A Afrodytę z Knidos, która pozostała w warsztacie rzeźbiarza, kupili mieszkańcy miasta Knidos, co sprzyjało rozwojowi miasta: do Knidos zaczęli napływać pielgrzymi, zwabieni słynną rzeźbą. Afrodyta stała w świątyni pod otwarte niebo widoczny ze wszystkich stron.
Afrodyta z Knidus cieszyła się taką sławą i była tak często kopiowana, że opowiedzieli o niej nawet anegdotę, która stała się podstawą fraszki: „Widząc Cyprydę na Knidzie, Cyprida nieśmiało rzekł: „Biada mi, gdzie Praksyteles ujrzał mnie nagiego? ”
Praksyteles stworzył boginię miłości i piękna jako uosobienie ziemskiej kobiecości, zainspirowany wizerunkiem swojej ukochanej, pięknej Fryny. Rzeczywiście, twarz Afrodyty, choć stworzona zgodnie z kanonem, o marzycielskim spojrzeniu ospałych, cieniowanych oczu, nosi w sobie nutę indywidualności, wskazującą na specyficzny oryginał. Po stworzeniu prawie portretowego obrazu Praxiteles spojrzał w przyszłość.
zachowane romantyczna legenda o związku między Praksytelesem a Fryne. Mówią, że Fryne poprosiła Praksytelesa, aby dał ją jako dowód swojej miłości najlepsza praca. Zgodził się, ale nie chciał powiedzieć, który z posągów uważa za najlepszy. Następnie Fryne nakazał służącemu poinformować Praksytelesa o pożarze w warsztacie. Przerażony mistrz wykrzyknął: „Jeśli płomień zniszczył zarówno Erosa, jak i Satyra, wszystko umarło!” Fryne dowiedziała się więc, o jaką pracę może poprosić Praksytelesa.
Praksyteles (prawdopodobnie). Hermes z niemowlęciem Dionizosem IV w. PNE. Muzeum w Olimpii
Rzeźba „Hermes z małym Dionizosem” jest typowa dla tego okresu późny klasyk. Uosabia nie siłę fizyczną, jak to było wcześniej, ale piękno i harmonię, powściągliwą i liryczną komunikację międzyludzką. Przedstawienie uczuć, życia wewnętrznego bohaterów jest nowym zjawiskiem w sztuce sztuka antyczna nie charakterystyczne dla wysokiej klasyki. Męskość Hermesa podkreśla infantylny wygląd Dionizosa. Zakrzywione linie postaci Hermesa są pełne wdzięku. Jego silne i rozwinięte ciało pozbawione jest atletyzmu charakterystycznego dla dzieł Polikleta. Wyraz twarzy, choć brak cechy indywidualne ale delikatny i przemyślany. Jej włosy były pomalowane i związane srebrną opaską.
Uczucie ciepła ciała Praksyteles osiągnął dzięki precyzyjnemu modelowaniu powierzchni marmuru iz wielką wprawą oddał w kamieniu tkaninę płaszcza Hermesa i szat Dionizosa.
SCOPAS
Muzeum w Olimpii, Skopas Menada Zredukowana marmurowa kopia rzymska po oryginale 1 tercja IV w
Skopas - starożytny grecki rzeźbiarz i architekt z IV wieku. pne e., przedstawiciel późnej klasyki. Urodzony na wyspie Paros, pracował w Teges (obecnie Piali), Halikarnasie (obecnie Bodrum) oraz innych miastach Grecji i Azji Mniejszej. Jako architekt brał udział w budowie świątyni Ateny Alei w Tegea (350-340 pne) oraz mauzoleum w Halikarnasie (połowa IV wieku pne). Wśród zachowanych do naszych czasów autentycznych dzieł S. najważniejszy jest fryz z mauzoleum w Halikarnasie, przedstawiający Amazonomachię (połowa IV wpne; razem z Briaxis, Leoharomi Timothy; fragmenty – w British Museum, Londyn; patrz ilustracja). Liczne dzieła S. znane są z rzymskich kopii („Potos”, „Młody Herkules”, „Meleagr”, „Maenad”, patrz ilustracja). Odrzucanie nieodłącznej sztuki V wieku. harmonijny spokój obrazu, S. zwrócił się do przekazania silnych przeżyć emocjonalnych, walki namiętności. Aby je wdrożyć, S. użył dynamiczna kompozycja oraz nowe techniki interpretacji szczegółów, zwłaszcza rysów twarzy: głęboko osadzonych oczu, zmarszczek na czole i rozchylonych ust. Dzieło S., nasycone dramatycznym patosem, wywarło wielki wpływ na rzeźbiarzy kultury hellenistycznej (patrz kultura hellenistyczna), w szczególności na dzieła mistrzów III i II wieku, którzy pracowali w mieście Pergamon.
LISIPP
Lizyp urodził się ok. 390 r. w Sycyonie na Peloponezie, a jego twórczość reprezentuje już późniejszą, helleńską część sztuki starożytnej Grecji.
Lizyp. Herkules z lwem. Druga połowa IV w. pne mi. Marmurowa rzymska kopia oryginału z brązu. Petersburg, Ermitaż.
LEOHAR
Leohar - starożytny grecki rzeźbiarz z IV wieku. pne e., który w latach 350-tych pracował ze Skopasem nad dekoracją rzeźbiarską Mauzoleum w Halikarnasie.
Leohar Artemis of Versailles (pan rzymska kopia 1-2 wieków z oryginału ok. 330 pne) Paryż, Luwr
Leohar. Apollo Belvedere To ja z nim w Watykanie. Wybaczcie swobodę, ale w ten sposób łatwiej nie załadować gipsowej kopii.
Cóż, wtedy był hellenizm. Znamy go dobrze z Wenus (po „greckiej” Afrodycie) z Milos i Nike z Samotraki, które są przechowywane w Luwrze.
Wenus z Milo. Około 120 pne Żaluzja.
Nike z Samotraki. OK. 190 pne mi. Żaluzja
Wśród różnorodnych arcydzieł dziedzictwo kulturowe Starożytna Grecja zajmuje szczególne miejsce. W greckie posągi wcielony i uwielbiony za pomocą środki wizualne ideał człowieka, piękno ludzkiego ciała. Jednak nie tylko wdzięk i gładkość linii wyróżniają starożytne greckie rzeźby – kunszt ich autorów jest tak wielki, że nawet w zimnym kamieniu udało im się przekazać całą gamę ludzkich emocji i nadać figurom szczególny, głęboki sens, jakby tchnął w nie życie i obdarzył każdego tą niezrozumiałą tajemnicą, która wciąż przyciąga i nie pozostawia kontemplującego obojętnym.
Podobnie jak inne kultury, doświadczyła tego starożytna Grecja różne okresy jej rozwoju, z których każda wprowadzała pewne zmiany w procesie powstawania wszystkich typów, do których również należy rzeźba. Dlatego możliwe jest prześledzenie etapów powstawania tego typu sztuki poprzez krótką charakterystykę cech starożytna rzeźba grecka Starożytna Grecja w różnych okresach jej rozwoju historycznego.
OKRES ARCHAICZNY (VIII-VI wiek pne).
Rzeźby z tego okresu charakteryzują się pewną prymitywnością samych postaci ze względu na to, że zawarte w nich obrazy były zbyt uogólnione i nie różniły się różnorodnością (postacie młodych mężczyzn nazywano kouros, a dziewczęta nazywano kors). bardzo słynna rzeźba z kilkudziesięciu, które dotrwały do naszych czasów, uważany jest za posąg Apolla z Cieni, wykonany z marmuru (sam Apollo pojawia się przed nami jako młodzieniec z opuszczonymi rękami, zaciśniętymi w pięści palcami i szeroko Otwórz oczy, a na jego twarzy malował się archaiczny uśmiech typowy dla ówczesnej rzeźby). Wizerunki dziewcząt i kobiet wyróżniały się długimi ubraniami, falującymi włosami, ale przede wszystkim przyciągała ich gładkość i elegancja linii - ucieleśnienie kobiecej gracji.
OKRES KLASYCZNY (V-IV wpne).
Jedną z wybitnych postaci wśród rzeźbiarzy tego okresu można nazwać Pitagorasem Regiusem (480-450). To on ożywił swoje dzieła i uczynił je bardziej realistycznymi, choć niektóre z jego prac uznano za nowatorskie i zbyt odważne (na przykład pomnik „Chłopiec wyjmujący drzazgę”). Niezwykły talent i bystrość umysłu pozwoliły mu studiować znaczenie harmonii za pomocą algebraicznych metod obliczeń, które przeprowadzał w oparciu o filozoficzne - szkoła matematyczna. Za pomocą takich metod Pitagoras badał harmonie o różnym charakterze: harmonię muzyczną, harmonię ludzkiego ciała czy strukturę architektoniczną. Szkoła pitagorejska istniała na zasadzie liczby, którą uważano za podstawę całego świata.
Oprócz Pitagorasa okres klasyczny dała światowej kulturze tak wybitnych mistrzów, jak Myron, Poliklet i Fidiasz, których twórczość łączyła jedna zasada: ukazanie harmonijnego połączenia idealnego ciała i zamkniętej w nim równie pięknej duszy. To właśnie ta zasada stanowiła podstawę tworzenia ówczesnych rzeźb.
Prace Myrona zostały wyrenderowane duży wpływ o sztuce edukacyjnej V wieku w Atenach (wystarczy wspomnieć o jego słynnym brązowym rzucie dyskiem).
W twórczości Polikleitosa, której umiejętnością była ucieleśniona umiejętność zrównoważenia postaci mężczyzny stojącego na jednej nodze z podniesioną ręką (przykładem jest posąg Doryforosa, młodzieńca dzierżącego włócznię). W swoich pracach Policlet starał się łączyć idealne dane fizyczne z pięknem i duchowością. To pragnienie zainspirowało go do napisania i wydania własnego traktatu Kanon, który niestety nie zachował się do dziś. Fidiasza można słusznie nazwać wielkim twórcą rzeźby V wieku, ponieważ udało mu się doskonale opanować sztukę odlewania z brązu. 13 rzeźbiarskich figur odlanych przez Fidiasza zdobiło świątynię Apolla w Delfach. Wśród jego dzieł znajduje się także dwudziestometrowy posąg Ateny Dziewicy w Partenonie, wykonany z czystego złota i kości słoniowej (ta technika wykonywania posągów nazywana jest chryzo-elefantyną). Prawdziwa sława przyniosła Fidiaszowi wykonanie posągu Zeusa dla świątyni w Olimpii (jego wysokość wynosiła 13 metrów).
OKRES HELLENIZMU. (IV-I wiek pne).
Rzeźba w tym okresie rozwoju starożytnego państwa greckiego nadal miała swój główny cel zdobienia obiektów architektonicznych, choć odzwierciedlała zmiany, jakie zaszły w publiczna administracja. Ponadto w rzeźbie, jako jednej z wiodących form sztuki, powstało wiele szkół i nurtów.
Skopas stał się wybitną postacią wśród rzeźbiarzy tego okresu. Jego umiejętności zostały ucieleśnione w hellenistycznym posągu Nike z Samotraki, nazwanym tak na pamiątkę zwycięstwa floty Rodos w 306 rpne i osadzonym na cokole, który swoim wyglądem przypominał dziób statku. Klasyczne obrazy stały się przykładami twórczości rzeźbiarzy tej epoki.
W rzeźbie hellenistycznej wyraźnie widać tak zwaną gigantomanię (chęć ucieleśnienia pożądanego obrazu w posągu o ogromnych rozmiarach): jaskrawym tego przykładem jest posąg boga Heliosa wykonany z pozłacanego brązu, który wzniósł się na 32 metry na wejście do portu Rodos. Przez dwanaście lat uczeń Lizypa, Chares, niestrudzenie pracował nad tą rzeźbą. To dzieło sztuki słusznie zajęło honorowe miejsce na liście cudów świata. Po zdobyciu starożytnej Grecji przez rzymskich zdobywców wywieziono z jej granic wiele dzieł sztuki (m.in. zostali schwytani. Tak w kulturze starożytny Rzym elementy kultury greckiej przeplatały się i miały znaczący wpływ na jej dalszy rozwój.
Różne okresy rozwoju starożytnej Grecji oczywiście dokonywały własnych korekt w procesie powstawania tego rodzaju sztuk pięknych,
W obliczu sztuki greckiej wiele wybitnych umysłów wyrażało szczery podziw. Jeden z najsłynniejszych badaczy sztuki, Johann Winckelmann (1717-1768) tak mówi o rzeźbie greckiej: „Koneserzy i naśladowcy dzieł greckich odnajdują w swoich mistrzowskich dziełach nie tylko najpiękniejszą naturę, ale i coś więcej niż naturę, mianowicie pewne idealne piękno, które powstaje z obrazów naszkicowanych przez umysł.
Każdy, kto pisze o sztuce greckiej, zauważa w niej niesamowite połączenie naiwnej bezpośredniości i głębi, rzeczywistości i fikcji. W nim, zwłaszcza w rzeźbie, ucieleśnia się ideał człowieka. Jaka jest natura ideału? Czym tak fascynował ludzi, że wiekowy Goethe płakał w Luwrze przed rzeźbą Afrodyty?
Grecy zawsze wierzyli, że tylko w pięknym ciele można żyć piękna dusza. Dlatego harmonia ciała, zewnętrzna doskonałość jest niezbędnym warunkiem i podstawą idealna osoba. Grecki ideał określa termin kalokagathia (gr. kalos – piękny + agathos dobry). Ponieważ kalokagatiya obejmuje doskonałość zarówno konstytucji cielesnej, jak i usposobienia duchowego i moralnego, to wraz z pięknem i siłą ideał niesie ze sobą sprawiedliwość, czystość, odwagę i rozsądek. To właśnie sprawia, że wyrzeźbione przez starożytnych rzeźbiarzy są wyjątkowo piękne.
Najlepsze pomniki starożytnej rzeźby greckiej powstały w V wieku. PNE. Ale przybyło do nas więcej wczesne prace. Posągi z VII - VI wieku PNE. symetryczne: jedna połowa ciała jest lustrzanym odbiciem drugiej. Skute kajdanki, wyciągnięte ramiona przyciśnięte do muskularnego ciała. Ani najmniejszego przechylenia głowy, ani odwrócenia głowy, ale usta rozchylone w uśmiechu. Uśmiech jakby z wnętrza rozświetla rzeźbę wyrazem radości życia.
Później, w okresie klasycyzmu, rzeźby nabierają większej różnorodności form. Były próby zrozumienia harmonii algebraicznie. Pierwszy Badania naukowe tego, czym jest harmonia, podjął Pitagoras. Szkoła, którą założył, zajmowała się zagadnieniami natury filozoficznej i matematycznej, stosując obliczenia matematyczne do wszystkich aspektów rzeczywistości. Ani harmonia muzyczna, ani harmonia ludzkiego ciała czy struktury architektonicznej nie były wyjątkiem.
Szkoła pitagorejska uważała liczbę za podstawę i początek świata. Co teoria liczb ma wspólnego ze sztuką grecką? Okazuje się, że jest to najbardziej bezpośrednie, ponieważ harmonia sfer Wszechświata i harmonia całego świata wyrażają się w tych samych stosunkach liczb, z których głównymi są stosunki 2/1, 3/2 i 4 /3 (w muzyce są to odpowiednio oktawa, kwinta i kwarta). Ponadto harmonia implikuje możliwość obliczenia dowolnej korelacji części każdego obiektu, w tym rzeźby, zgodnie z następującą proporcją: a / b \u003d b / c, gdzie a jest dowolną mniejszą częścią obiektu, b jest dowolną większość, s jest liczbą całkowitą.
Na tej podstawie wielki grecki rzeźbiarz Polikletos (V wpne) stworzył rzeźbę młodzieńca dzierżącego włócznię (V wpne), którą nazywa się „Dorifor” („Nosiciel włóczni”) lub „Kanon” – od imię i nazwisko rzeźbiarza, w którym, omawiając teorię sztuki, rozważa prawa obrazu idealnej osoby. Uważa się, że rozumowanie artysty można przypisać jego rzeźbie. Posągi Polikleta są pełne intensywnego życia. Polikleitos lubił przedstawiać sportowców w stanie spoczynku. Weź tego samego „Włócznika”. Ten potężnie zbudowany mężczyzna jest pełen poczucia własnej wartości. Stoi nieruchomo przed widzem. Ale to nie jest statyczne starożytne egipskie posągi. Jak człowiek umiejętnie i łatwo panujący nad swoim ciałem, włócznik lekko ugiął jedną nogę i przeniósł ciężar ciała na drugą. Wydaje się, że minie chwila, a on zrobi krok do przodu, odwróci głowę, dumny ze swojej urody i siły. Przed nami mężczyzna silny, przystojny, wolny od strachu, dumny, powściągliwy - ucieleśnienie greckich ideałów.
W przeciwieństwie do swoich współczesnych Polikleitosa, Myron lubił przedstawiać swoje posągi w ruchu. Oto na przykład posąg „Discobolus” (V wpne; Muzeum Term. Rzym). Jego autor wielki rzeźbiarz Miron, przedstawiał pięknego młodzieńca w chwili, gdy machał ciężkim dyskiem. Jego uchwycone w ruchu ciało jest zgięte i napięte, jak sprężyna, która ma się rozwinąć. Wytrenowane mięśnie wybrzuszyły się pod elastyczną skórą cofniętego ramienia. Palce, stanowiące niezawodną podporę, głęboko wciśnięte w piasek. Posągi Myrona i Polikleta zostały odlane z brązu, ale do naszych czasów zachowały się jedynie marmurowe kopie starożytnych greckich oryginałów wykonane przez Rzymian.
Grecy uważali Fidiasza za największego rzeźbiarza swoich czasów, który zdobił marmurowa rzeźba Partenon. Jego rzeźby odzwierciedlały postrzeganie bogów przez starożytnych Greków jako wyobrażenie osoby idealnej. Najlepiej zachowaną marmurową wstęgą płaskorzeźby jest fryz o długości 160 m. Przedstawia on procesję zmierzającą do świątyni bogini Ateny – Partenonu. Rzeźba Partenonu została poważnie uszkodzona. A posąg „Ateny Partenos” zmarł w starożytności. Stała w świątyni i była niewymownie piękna. Głowę bogini z niskim, gładkim czołem i zaokrąglonym podbródkiem, szyją i ramionami wykonano z kości słoniowej, a jej włosy, ubranie, tarczę i hełm wybito z arkuszy złota.
Na zdjęciu: Atena Partenos, rzeźbiarz Fidiasz. Kopiuj. Odrestaurowany zgodnie z opisami. Narodowe Muzeum Archeologiczne w Atenach.
Bogini w formie śliczna kobieta jest personifikacją Aten. Z tą rzeźbą wiąże się wiele historii. Stworzone arcydzieło było tak wielkie i sławne, że jego autor od razu miał wielu zazdrosnych ludzi. Próbowali w każdy możliwy sposób zirytować rzeźbiarza i szukali rózne powody o co można by go o coś oskarżyć. Mówi się, że Fidiasz został oskarżony o rzekome ukrycie części złota przekazanego jako materiał do dekoracji bogini. Na dowód swojej niewinności Fidiasz wyjął z rzeźby wszystkie złote przedmioty i zważył je. Waga dokładnie odpowiadała wadze złota podanego do rzeźby.
Następnie Fidiasz został oskarżony o ateizm. Powodem tego była tarcza Ateny. Przedstawiał on fabułę bitwy między Grekami a Amazonkami. Wśród Greków Fidiasz przedstawiał siebie i swojego ukochanego Peryklesa. Przyczyną konfliktu stał się wizerunek Fidiasza na tarczy. Pomimo wszystkich osiągnięć Fidiasza grecka opinia publiczna była w stanie zwrócić się przeciwko niemu. Życie wielkiego rzeźbiarza zakończyło się okrutną egzekucją.
Osiągnięcia Fidiasza w Partenonie nie były jedynymi w jego twórczości. Rzeźbiarz stworzył wiele innych dzieł, z których najlepszym była kolosalna spiżowa figura Ateny Promachos, wzniesiona na Akropolu około 460 roku p.n.e. i nie mniej ogromna figura Zeusa z kości słoniowej i złota dla świątyni w Olimpii.
Tak można opisać posąg Zeusa do świątyni w Olimpii: Na złotym tronie siedział ogromny 14-metrowy bóg i wydawało się, że stoi prosto szerokie ramiona- w obszernej sali zrobi mu się ciasno, a sufit będzie niski. Głowę Zeusa zdobił wieniec z gałązek oliwnych - znak spokoju budzącego grozę boga. Twarz, ramiona, ramiona, klatka piersiowa były z kości słoniowej, a płaszcz był przerzucony przez lewe ramię. Korona i broda Zeusa były z błyszczącego złota. Fidiasz obdarzył Zeusa ludzka szlachetność. Jego przystojna twarz, otoczona kędzierzawą brodą i kręconymi włosami, była nie tylko surowa, ale i życzliwa, postawa była poważna, majestatyczna i spokojna. Połączenie piękna cielesnego i dobroci duszy podkreślało jego boski ideał. Pomnik zrobił takie wrażenie, że wg starożytny autor przygnębieni smutkiem ludzie szukali pocieszenia w kontemplacji stworzenia Fidiasza. Plotka głosi, że posąg Zeusa jest jednym z „siedmiu cudów świata”.
Niestety, nie ma bardziej autentycznych dzieł i nie możemy zobaczyć na własne oczy wspaniałych dzieł sztuki starożytnej Grecji. Pozostały tylko ich opisy i kopie. Pod wieloma względami było to spowodowane fanatycznym niszczeniem posągów przez wierzących chrześcijan.
Prace wszystkich trzech rzeźbiarzy były podobne, ponieważ wszystkie przedstawiały harmonię piękne ciało i życzliwą duszę, która w nim jest. To był główny trend tamtych czasów. Oczywiście normy i postawy w sztuce greckiej zmieniały się na przestrzeni dziejów. Sztuka archaiczna była prostsza, brakowało jej kompletności głębokie znaczenie powściągliwość, która zachwyca ludzkość w okresie greckich klasyków.
W epoce hellenizmu, kiedy człowiek stracił poczucie stabilności świata, sztuka utraciła dawne ideały. Zaczęło odzwierciedlać poczucie niepewności co do przyszłości, jakie panowało w ówczesnych nurtach społecznych. Jedno łączyło wszystkie okresy rozwoju greckiego społeczeństwa i sztuki: jest to szczególna pasja do plastyki, do sztuk przestrzennych.
Takie upodobanie jest zrozumiałe: ogromne zapasy zróżnicowanego kolorystycznie, szlachetnego i idealnego materiału - marmuru - dawały szerokie możliwości jego realizacji. Chociaż większość rzeźby greckie Został wykonany w brązie, ponieważ marmur był kruchy, ale to faktura marmuru z jego kolorem i efektem dekoracyjnym pozwoliła odtworzyć piękno ludzkiego ciała z największą wyrazistością.