Każdy okres historii ludzkości pozostawił po sobie coś własnego – wyjątkowego, niepodobnego do innych. Pod tym względem Europa miała więcej szczęścia – doświadczyła licznych zmian w ludzkiej świadomości, kulturze i sztuce. Upadek okresu starożytnego oznaczał nadejście tak zwanych „ciemnych wieków” - średniowiecza. Przyznajemy, że był to trudny czas – Kościół podporządkował sobie wszystkie aspekty życia obywateli Europy, kultura i sztuka przeżywały głęboki upadek.
Każdy sprzeciw sprzeczny z Pismem Świętym był surowo karany przez Inkwizycję – specjalnie utworzony sąd, który prześladował heretyków. Jednak wszelkie kłopoty prędzej czy później ustąpią - stało się to w średniowieczu. Ciemność zastąpiła światło – renesans, czyli renesans. Renesans był okresem europejskiego „odrodzenia” kulturalnego, artystycznego, politycznego i gospodarczego po średniowieczu. Przyczynił się do ponownego odkrycia filozofii klasycznej, literatury i sztuki.
Niektórzy z największych myślicieli, autorów, mężów stanu, naukowców i artystów w historii ludzkości stworzyli tę epokę. Dokonywano odkryć w naukach ścisłych i geografii, zwiedzano świat. Ten błogosławiony okres dla naukowców trwał prawie trzy stulecia, od XIV do XVII wieku. Porozmawiajmy o tym bardziej szczegółowo.
renesans
Renesans (z francuskiego Re – znowu, znowu, naissance – narodziny) zapoczątkował zupełnie nową rundę w historii Europy. Poprzedziły go okresy średniowiecza, kiedy edukacja kulturalna Europejczyków była w powijakach. Wraz z upadkiem Cesarstwa Rzymskiego w 476 roku i jego podziałem na dwie części – zachodnią (z centrum Rzymu) i wschodnią (Bizancjum), starożytne wartości również popadły w ruinę. Z historycznego punktu widzenia wszystko jest logiczne - rok 476 uważany jest za datę końcową okresu starożytnego. Jednak z punktu widzenia kultury takie dziedzictwo nie powinno tak po prostu zniknąć. Bizancjum podążało własną drogą rozwoju - stolica Konstantynopol wkrótce stała się jednym z najpiękniejszych miast świata, w którym powstawały unikalne arcydzieła architektury, pojawiali się artyści, poeci, pisarze, powstawały ogromne biblioteki. Ogólnie rzecz biorąc, Bizancjum ceniło swoje starożytne dziedzictwo.
Zachodnia część dawnego imperium poddała się młodemu Kościołowi katolickiemu, który w obawie przed utratą wpływów na tak dużym terytorium szybko zakazał zarówno historii, jak i kultury starożytnej, nie pozwalając na rozwój nowej. Okres ten zaczęto nazywać średniowieczem lub średniowieczem. Chociaż uczciwie zauważamy, że nie wszystko było takie złe - w tym czasie na mapie świata pojawiły się nowe państwa, rozkwitły miasta, pojawiły się związki zawodowe (związki zawodowe), a granice Europy rozszerzyły się. A co najważniejsze, następuje gwałtowny rozwój technologii. W okresie średniowiecza wynaleziono więcej przedmiotów niż w poprzednim tysiącleciu. Ale to oczywiście nie wystarczyło.
Sam renesans dzieli się zwykle na cztery okresy - protorenesans (2 połowa XIII wieku - XV wiek), wczesny renesans (cały XV wiek), wysoki renesans (koniec XV wieku - pierwsza ćwierć XVI w.) i późnego renesansu (poł. XVI w. – koniec XVI w.). Oczywiście daty te są bardzo arbitralne - wszak dla każdego państwa europejskiego renesans miał swój własny, według własnego kalendarza i czasu.
Wygląd i rozwój
W tym miejscu należy zwrócić uwagę na następujący ciekawy fakt - w powstaniu i rozwoju (w większym stopniu w rozwoju) renesansu swoją rolę odegrał fatalny upadek w 1453 roku. Ci, którym udało się uniknąć najazdu Turków, uciekli do Europy, ale nie z pustymi rękami – ludzie zabrali ze sobą mnóstwo książek, dzieł sztuki, starożytnych źródeł i rękopisów, nieznanych dotąd Europie. Włochy są oficjalnie uważane za kolebkę renesansu, ale inne kraje również znalazły się pod wpływem renesansu.
Okres ten wyróżnia się pojawieniem się nowych nurtów w filozofii i kulturze - na przykład humanizmu. W XIV wieku kulturowy ruch humanizmu zaczął nabierać rozpędu we Włoszech. Wśród wielu swoich zasad humanizm propagował ideę, że człowiek jest centrum własnego wszechświata i że umysł posiada niesamowitą moc, która może wywrócić świat do góry nogami. Humanizm przyczynił się do wzrostu zainteresowania literaturą starożytną.
Filozofia, literatura, architektura, malarstwo
Wśród filozofów pojawiały się takie nazwiska jak Mikołaj z Kuzy, Nicolo Machiavelli, Tomaso Campanella, Michel Montaigne, Erazm z Rotterdamu, Marcin Luter i wielu innych. Renesans dał im możliwość tworzenia dzieł, zgodnie z nowym trendem tamtych czasów. Zjawiska przyrodnicze badano głębiej, pojawiały się próby ich wyjaśnienia. A w centrum tego wszystkiego znajdował się oczywiście człowiek - główne dzieło natury.
Zmianom ulega także literatura – autorzy tworzą dzieła wychwalające ideały humanistyczne, ukazujące bogaty świat wewnętrzny człowieka, jego emocje. Przodkiem renesansu literackiego był legendarny florencki Dante Alighieri, który stworzył swoje najsłynniejsze dzieło – Komedia (później zwaną Boską Komedią). W dość luźny sposób opisał piekło i niebo, co wcale Kościołowi nie przypadło do gustu – tylko ona musiała to wiedzieć, żeby oddziaływać na umysły ludzi. Dante wysiadł lekko - został jedynie wydalony z Florencji, zabroniono mu powrotu. Albo mogą go spalić jak heretyk.
Inni autorzy renesansu to Giovanni Boccaccio (Dekameron), Francesco Petrarca (jego liryczne sonety stały się symbolem wczesnego renesansu), William Shakespeare (nie trzeba przedstawiać), Lope de Vega (hiszpański dramaturg, jego najsłynniejszym dziełem jest Pies w siano”), Cervantesa („Don Kichot”). Charakterystyczną cechą literatury tego okresu były dzieła w językach narodowych – przed renesansem wszystko pisano po łacinie.
I oczywiście nie można nie wspomnieć o rewolucyjnej rzeczy technicznej - prasie drukarskiej. W 1450 roku w warsztacie drukarza Jana Gutenberga powstała pierwsza prasa drukarska, która umożliwiła wydawanie książek w większym nakładzie i udostępnianie ich szerokiej publiczności, zwiększając w ten sposób ich umiejętność czytania i pisania. Co okazało się dla nich samych trudne – w miarę jak coraz więcej ludzi nauczyło się czytać, pisać i interpretować idee, zaczęli analizować i krytykować znaną im religię.
Malarstwo renesansowe znane jest na całym świecie. By wymienić tylko kilka nazwisk, które wszyscy znają – Pietro della Francesco, Sandro Botticelli, Domenico Ghirlandaio, Rafael Santi, Michelandelo Bounarotti, Tycjan, Peter Brueghel, Albrecht Dürer. Charakterystyczną cechą malarstwa tego czasu jest pojawienie się w tle pejzażu, nadającego ciału realizmu, mięśni (dotyczy zarówno mężczyzn, jak i kobiet). Panie są przedstawione „w ciele” (przypomnijmy słynne wyrażenie „dziewczyna Tycjana” - pulchna dziewczyna w samym soku, symbolizująca samo życie).
Zmienia się także styl architektoniczny – styl gotycki zastępuje powrót do rzymskiego, antycznego typu budownictwa. Pojawia się symetria, ponownie wznoszą się łuki, kolumny, kopuły. Ogólnie rzecz biorąc, architektura tego okresu rodzi klasycyzm i barok. Wśród legendarnych nazwisk są Filippo Brunelleschi, Michelangelo Bounarotti, Andrea Palladio.
Renesans zakończył się pod koniec XVI wieku, ustępując miejsca nowemu Czasowi i jego towarzyszowi, Oświeceniu. Przez wszystkie trzy stulecia Kościół walczył z nauką najlepiej, jak mógł, wykorzystując wszystko, co było możliwe, ale nie do końca wyszło - kultura nadal kwitła, pojawiały się nowe umysły, które rzucały wyzwanie potędze duchownych. A renesans nadal uważany jest za koronę europejskiej kultury średniowiecznej, pozostawiając po sobie pomniki-świadki tych odległych wydarzeń.
Renesans lub renesans (włoski: Rinascimento, francuski: renesans) to przywrócenie starożytnej edukacji, odrodzenie klasycznej literatury, sztuki, filozofii, ideałów starożytnego świata, zniekształconych lub zapomnianych w „ciemnym” i „zacofanym” okresie średniowiecza dla Europy Zachodniej. W takiej formie od połowy XIV do początków XVI wieku przybierał ruch kulturowy znany pod nazwą humanizmu (zobacz skrót i artykuły na jego temat). Należy odróżnić humanizm od renesansu, co jest jedynie najbardziej charakterystyczną cechą humanizmu, który oparcia dla swojego światopoglądu szukał w starożytności klasycznej. Kolebką renesansu są Włochy, gdzie starożytna tradycja klasyczna (grecko-rzymska), która dla Włochów miała charakter narodowy, nigdy nie zanikła. We Włoszech ucisk średniowiecza nigdy nie był szczególnie odczuwalny. Włosi nazywali siebie „Latynosami” i uważali się za potomków starożytnych Rzymian. Pomimo tego, że początkowy impuls do renesansu pochodził po części z Bizancjum, udział w nim Greków bizantyjskich był znikomy.
Renesans. film wideo
We Francji i Niemczech styl antyczny przemieszał się z elementami narodowymi, które w pierwszym okresie renesansu, wczesnym renesansie, były bardziej wyraźne niż w epokach kolejnych. Późny renesans rozwinął antyczne projekty w bardziej luksusowe i potężne formy, z których stopniowo rozwinął się barok. Podczas gdy we Włoszech duch renesansu przeniknął niemal jednolicie do wszystkich sztuk, w innych krajach antyczne wzorce miały wpływ jedynie na architekturę i rzeźbę. Renesans przeszedł także rewizję narodową w Holandii, Anglii i Hiszpanii. Po przekształceniu się renesansu w rokoko, nadeszła reakcja, wyrażająca się w najściślejszym trzymaniu się sztuki starożytnej, wzorców greckich i rzymskich w całej ich prymitywnej czystości. Ale to naśladownictwo (szczególnie w Niemczech) doprowadziło w końcu do nadmiernej suchości, która na początku lat 60. XIX wieku. próbował przezwyciężyć powrót do renesansu. Jednak ta nowa dominacja renesansu w architekturze i sztuce trwała tylko do 1880 roku. Od tego czasu barok i rokoko zaczęły obok niego ponownie kwitnąć.
Przebudzenie dzieli się na 4 etapy:
Protorenesans (2. połowa XIII – XIV w.)
Wczesny renesans (początek XV - koniec XV wieku)
Wysoki renesans (koniec XV - pierwsze 20 lat XVI wieku)
Późny renesans (poł. XVI - lata 90. XVI w.)
Protorenesans
Protorenesans jest ściśle związany ze średniowieczem, z romański, gotyk tradycji, okres ten był przygotowaniem renesansu. Okres ten dzieli się na dwa podokresy: przed śmiercią Giotta di Bondone i po (1337). Najważniejsze odkrycia, najzdolniejsi mistrzowie żyli i pracowali w pierwszym okresie. Drugi segment związany jest z epidemią dżumy, która nawiedziła Włochy. Wszystkie odkrycia dokonywane były na poziomie intuicyjnym. Najwcześniejsza sztuka prarenesansu przejawiała się w rzeźbie (Niccolò i Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio, Andrzej Pisano). Malarstwo reprezentują dwie szkoły artystyczne: Florencja ( Cimabue, Giotto) i Siena ( Duccio, Simone Martini).
Wczesny renesans
Okres tzw. „wczesnego renesansu” we Włoszech obejmuje okres od 1420 do 00 roku"1500 HIPERLINK „lata%221500%A0lat”roku. Przez te osiemdziesiąt lat sztuka nie wyrzekła się jeszcze całkowicie tradycji niedawnej przeszłości, ale stara się wmieszać w nie elementy zapożyczone z klasycznej starożytności. Dopiero później i dopiero stopniowo, pod wpływem coraz bardziej zmieniających się warunków życia i kultury, artyści całkowicie porzucają średniowieczne założenia i odważnie sięgają po przykłady sztuki antycznej, zarówno w ogólnej koncepcji swoich dzieł, jak i w ich szczegółach.
O ile sztuka we Włoszech już zdecydowanie podążała drogą naśladowania klasycznej starożytności, o tyle w innych krajach długo trzymała się tradycji stylu gotyckiego. północ Alpy, a także w Hiszpania Renesans przypada dopiero na koniec XV wieku, a jego wczesny okres trwa mniej więcej do połowy następnego stulecia.
Wysoki renesans
Trzeci okres renesansu – czas najwspanialszego rozwoju jego stylu – nazywany jest potocznie „wysokim renesansem”. Rozciąga się na terenie Włoch przez ok 1500 Przez %% 20 lat”1527 HIPERLINK „20y%221527%20yy”rok. W tym czasie, dzięki wstąpieniu na urząd papieski, ośrodek wpływów sztuki włoskiej z Florencji przeniósł się do Rzymu Julia II- człowiek ambitny, odważny i przedsiębiorczy, który przyciągał na swój dwór najlepszych artystów Włoch, zajmował ich licznymi i ważnymi dziełami oraz dawał innym przykład miłości do sztuki. Dzięki temu Papieżowi i jego najbliższym następcom Rzym staje się niejako nowy Ateny czasy Perykles: buduje się w nim wiele monumentalnych budowli, powstają wspaniałe dzieła rzeźbiarskie, maluje się freski i obrazy, które do dziś uważane są za perły malarstwa; jednocześnie wszystkie trzy gałęzie sztuki harmonijnie idą w parze, pomagając sobie nawzajem i wzajemnie na siebie oddziałując. Starożytność jest obecnie badana dokładniej, odtwarzana z większą rygorystycznością i konsekwencją; spokój i godność zastępują figlarne piękno, które było aspiracją poprzedniego okresu; reminiscencje średniowiecza całkowicie zanikają, a na wszystkich dziełach sztuki pojawia się całkowicie klasyczny ślad. Jednak naśladowanie starożytnych nie dławi artystów, którzy z wielką pomysłowością i żywotnością wyobraźni swobodnie przetwarzają i stosują w swojej twórczości to, co uznają za stosowne zapożyczyć dla siebie ze starożytnej sztuki grecko-rzymskiej.
Dzieło trzech wielkich włoskich mistrzów stanowi szczyt renesansu, to: Leonardo da Vinci (1452 - 1519), Michał Anioł Buonarotti(1475 - 1564) i Rafał Santi (1483 - 1520).
Późny renesans
Późny renesans we Włoszech obejmuje okres od lat trzydziestych XVI wieku do lat dziewięćdziesiątych XVI wieku i dwudziestych XVII wieku. Niektórzy badacze zaliczają lata trzydzieste XVII wieku do późnego renesansu, jednak stanowisko to budzi kontrowersje wśród krytyków i historyków sztuki. Sztuka i kultura tego czasu są tak różnorodne w swoich przejawach, że jedynie przy dużej dozie umowności można je sprowadzić do jednego mianownika. Na przykład, encyklopedia brytyjska piszeże „Renesans jako integralny okres historyczny zakończył się% upadek Rzymu w 1527 r.” zwyciężył w południowej Europie kontrreformacja, który z ostrożnością patrzył na jakąkolwiek wolną myśl, w tym na śpiewanie ludzkiego ciała i wskrzeszenie ideałów starożytności jako kamieni węgielnych ideologii renesansu. Sprzeczności światopoglądowe i ogólne poczucie kryzysu zaowocowały we Florencji „nerwową” sztuką o naciąganych kolorach i przerywanych liniach - manieryzm. W Parma gdzie pracował Correggio, Manieryzm pojawił się dopiero po śmierci artysty w 1534 roku. W tradycjach artystycznych Wenecja miał własną logikę rozwoju; do końca lat 70. XVI w. pracował tam tycjanowski I Palladio, którego twórczość niewiele miała wspólnego z kryzysem w sztuce Florencji i Rzymu.
Renesans północny
Włoski renesans nie miał praktycznie żadnego wpływu na inne kraje aż do 1450 g. Po 1500 styl rozprzestrzenił się na całym kontynencie, ale wiele wpływów późnogotyckich przetrwało jeszcze przed nadejściem epoki barokowy.
Okres renesansu w Holandii, Niemczech i Francji jest zwykle wyróżniany jako odrębny kierunek stylistyczny, który różni się pewnymi różnicami od renesansu we Włoszech i nazywany jest „Północny renesans”. Najbardziej zauważalne różnice stylistyczne w malarstwie: w przeciwieństwie do Włoch tradycje i umiejętności w malarstwie zachowały się przez długi czas 00108000 gotyk w sztuce mniej uwagi poświęcano badaniu dziedzictwa starożytnego i znajomości anatomii człowieka.
Wybitni przedstawiciele -% Albrechta Dürera, Hansa Holbeina Młodszego, Lucas Cranach Starszy, Pietera Brueghela Starszego. W ducha przedrenesansowego przeniknięte są także niektóre dzieła mistrzów późnego gotyku, jak np Jana van Eycka I Hansa Memlinga.
Przebudzenie dzieli się na 4 etapy:
Protorenesans (2. połowa XIII – XIV w.)
Wczesny renesans (początek XV - koniec XV wieku)
Wysoki renesans (koniec XV - pierwsze 20 lat XVI wieku)
Późny renesans (poł. XVI - lata 90. XVI w.)
Protorenesans
Protorenesans jest ściśle związany ze średniowieczem, z tradycjami romańskimi, gotyckimi, okres ten był przygotowaniem do renesansu. Okres ten dzieli się na dwa podokresy: przed śmiercią Giotta di Bondone i po (1337). Najważniejsze odkrycia, najzdolniejsi mistrzowie żyli i pracowali w pierwszym okresie. Drugi segment związany jest z epidemią dżumy, która nawiedziła Włochy. Wszystkie odkrycia dokonywane były na poziomie intuicyjnym. Pod koniec XIII wieku we Florencji wzniesiono główny budynek świątynny, katedrę Santa Maria del Fiore, autorem był Arnolfo di Cambio, następnie prace kontynuował Giotto, który zaprojektował dzwonnicę katedry florenckiej.
Benozzo Gozzoli przedstawił Pokłon Trzech Króli jako uroczystą procesję dworzan Medyceuszy
Wcześniej sztuka prarenesansu przejawiała się w rzeźbie (Niccolò i Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio, Andrea Pisano). Malarstwo reprezentują dwie szkoły artystyczne: Florencja (Cimabue, Giotto) i Siena (Duccio, Simone Martini). Centralną postacią malarstwa był Giotto. Artyści renesansu uważali go za reformatora malarstwa. Giotto nakreślił drogę jej rozwoju: wypełnienie form religijnych treściami świeckimi, stopniowe przejście od obrazów płaskich do obrazów trójwymiarowych i reliefowych, wzrost realizmu, wprowadzenie do malarstwa plastycznego wolumenu figur, ukazanie w malarstwie wnętrza .
Wczesny renesans
Okres tak zwanego „wczesnego renesansu” we Włoszech obejmuje lata 1420–1500. Przez te osiemdziesiąt lat sztuka nie wyrzekła się jeszcze całkowicie tradycji niedawnej przeszłości, ale stara się wmieszać w nie elementy zapożyczone z klasycznej starożytności. Dopiero później i dopiero stopniowo, pod wpływem coraz bardziej zmieniających się warunków życia i kultury, artyści całkowicie porzucają średniowieczne założenia i odważnie sięgają po przykłady sztuki antycznej, zarówno w ogólnej koncepcji swoich dzieł, jak i w ich szczegółach.
O ile sztuka we Włoszech już zdecydowanie podążała drogą naśladowania klasycznej starożytności, o tyle w innych krajach długo trzymała się tradycji stylu gotyckiego. Na północ od Alp, podobnie jak w Hiszpanii, renesans przypada dopiero pod koniec XV wieku, a jego wczesny okres trwa mniej więcej do połowy następnego stulecia.
Wysoki renesans
„Wysoki renesans” przekierowuje tutaj. Ten temat wymaga osobnego artykułu.
„Pieta watykańska” Michała Anioła (1499): w tradycyjnej fabule religijnej na pierwszy plan wysuwają się proste ludzkie uczucia - matczyna miłość i smutek
Trzeci okres renesansu – czas najwspanialszego rozwoju jego stylu – nazywany jest potocznie „wysokim renesansem”. Rozciąga się na teren Włoch od około 1500 do 1527 roku. W tym czasie ośrodek wpływów sztuki włoskiej z Florencji przeniósł się do Rzymu, dzięki wstąpieniu na tron papieski Juliusza II – człowieka ambitnego, odważnego i przedsiębiorczego, który przyciągał na swój dwór najlepszych artystów Włoch, zajmował ich licznymi i ważnymi dziełami oraz dał innym przykład miłości do sztuki. . Za tego papieża i za jego bezpośrednich następców Rzym staje się niejako nowymi Atenami czasów Peryklesa: wznosi się w nim wiele monumentalnych budowli, powstają wspaniałe dzieła rzeźbiarskie, maluje się freski i obrazy, które do dziś uważane są za perły malarskie; jednocześnie wszystkie trzy gałęzie sztuki harmonijnie idą w parze, pomagając sobie nawzajem i wzajemnie na siebie oddziałując. Antyk jest obecnie badany dokładniej, odtwarzany z większą rygorystycznością i konsekwencją; spokój i godność zastępują figlarne piękno, które było aspiracją poprzedniego okresu; reminiscencje średniowiecza całkowicie zanikają, a na wszystkich dziełach sztuki pojawia się całkowicie klasyczny ślad. Jednak naśladowanie starożytnych nie dławi artystów, którzy z wielką pomysłowością i żywotnością wyobraźni swobodnie przetwarzają i stosują w swojej twórczości to, co uznają za stosowne zapożyczyć dla siebie ze starożytnej sztuki grecko-rzymskiej.
Późny renesans
Kryzys renesansu: weneckie Tintoretto z 1594 roku przedstawiało Ostatnią Wieczerzę jako podziemne zgromadzenie w niepokojących refleksjach zmierzchu
Późny renesans we Włoszech obejmuje okres od lat trzydziestych XVI wieku do lat dziewięćdziesiątych XVI wieku i dwudziestych XVII wieku. Niektórzy badacze zaliczają lata trzydzieste XVII wieku do późnego renesansu, jednak stanowisko to budzi kontrowersje wśród krytyków i historyków sztuki. Sztuka i kultura tego czasu są tak różnorodne w swoich przejawach, że jedynie przy dużej dozie umowności można je sprowadzić do jednego mianownika. Na przykład Encyclopædia Britannica pisze, że „renesans jako integralny okres historyczny zakończył się wraz z upadkiem Rzymu w roku 1527”. W Europie Południowej zatriumfowała Kontrreformacja, która z ostrożnością traktowała wszelką wolną myśl, w tym śpiew ludzkiego ciała i wskrzeszenie ideałów starożytności, jako kamienie węgielne ideologii renesansu. Sprzeczności światopoglądowe i ogólne poczucie kryzysu zaowocowały we Florencji „nerwową” sztuką naciąganych kolorów i przerywanych linii - manieryzmem. W Parmie, gdzie pracował Correggio, manieryzm osiągnął dopiero po śmierci artysty w 1534 roku. Tradycje artystyczne Wenecji miały własną logikę rozwoju; do końca lat 70. XVI w. Pracowali tam Tycjan i Palladio, których twórczość niewiele miała wspólnego z kryzysowymi zjawiskami w sztuce Florencji i Rzymu.
Renesans północny
Główny artykuł: renesans północny
Włoski renesans miał niewielki wpływ na inne kraje aż do 1450 roku. Po 1500 roku styl ten rozprzestrzenił się na cały kontynent, ale wiele wpływów późnego gotyku przetrwało nawet do epoki baroku.
Okres renesansu w Holandii, Niemczech i Francji jest zwykle wyróżniany jako odrębny kierunek stylistyczny, który różni się pewnymi różnicami od renesansu we Włoszech i nazywany jest „renesansem północnym”.
„Walka miłosna we śnie” (1499) – jedno z najwyższych osiągnięć drukarstwa renesansowego
Najbardziej zauważalne różnice stylistyczne w malarstwie: w przeciwieństwie do Włoch tradycje i umiejętności sztuki gotyckiej zostały zachowane w malarstwie przez długi czas, mniej uwagi poświęcono badaniu starożytnego dziedzictwa i znajomości anatomii człowieka.
Wybitni przedstawiciele - Albrecht Dürer, Hans Holbein Młodszy, Lucas Cranach Starszy, Pieter Brueghel Starszy. Duchem przedrenesansowym przepojone są także niektóre dzieła mistrzów późnego gotyku, jak Jan van Eyck i Hans Memling.
Świt Literatury
Intensywny rozkwit literatury tego okresu wiąże się w dużej mierze ze szczególnym podejściem do dziedzictwa starożytnego. Stąd sama nazwa epoki, która stawia sobie za zadanie odtworzenie, „ożywienie” ideałów i wartości kulturowych rzekomo utraconych w średniowieczu. W rzeczywistości rozwój kultury zachodnioeuropejskiej w ogóle nie powstaje na tle poprzedniego upadku. Ale w życiu kultury późnego średniowiecza zmienia się tak wiele, że ma się wrażenie, że należy do innego czasu i odczuwa się niezadowolenie z dawnego stanu sztuki i literatury. Przeszłość jawi się człowiekowi renesansu jako zapomnienie niezwykłych osiągnięć starożytności i podejmuje się ich przywrócenia. Wyraża się to zarówno w twórczości pisarzy tej epoki, jak i w samym ich sposobie życia: niektórzy ludzie tamtych czasów zasłynęli nie z tworzenia jakichkolwiek malarskich, literackich arcydzieł, ale z tego, że potrafili „żyć po antyku” , naśladując w domu starożytnych Greków czy Rzymian. Starożytne dziedzictwo jest obecnie nie tylko badane, ale „odnawiane”, dlatego postacie renesansu przywiązują dużą wagę do odkrywania, gromadzenia, konserwacji i publikacji starożytnych rękopisów.. Dla miłośników starożytnej literatury
Zabytkom renesansu zawdzięczamy to, że dziś mamy okazję przeczytać listy Cycerona czy poemat Lukrecjusza „O naturze rzeczy”, komedie Plauta czy powieść Longa „Daphnis i Chloe”. Uczeni renesansu dążą nie tylko do wiedzy, ale do doskonalenia znajomości łaciny, a następnie greki. Zakładają biblioteki, tworzą muzea, zakładają szkoły studiowania starożytności klasycznej, odbywają specjalne podróże.
Co stanowiło podstawę zmian kulturowych, które nastąpiły w Europie Zachodniej w drugiej połowie XV-XVI wieku? (a we Włoszech - kolebce renesansu - sto lat wcześniej, w XIV wieku)? Historycy słusznie wiążą te zmiany z ogólną ewolucją życia gospodarczego i politycznego Europy Zachodniej, która wkroczyła na drogę rozwoju burżuazyjnego. Renesans – czas wielkich odkryć geograficznych – przede wszystkim Ameryki, czas rozwoju żeglugi, handlu, powstania wielkiego przemysłu. Jest to okres, w którym na bazie wyłaniających się narodów europejskich powstają państwa narodowe, pozbawione już średniowiecznej izolacji. W tej chwili istnieje chęć nie tylko wzmocnienia władzy monarchy w każdym z państw, ale także rozwijania stosunków między państwami, tworzenia sojuszy politycznych i negocjacji. Tak powstaje dyplomacja – rodzaj politycznej działalności międzypaństwowej, bez której nie sposób sobie wyobrazić współczesnego życia międzynarodowego.
Renesans to czas intensywnego rozwoju nauki, a światopogląd świecki zaczyna w pewnym stopniu wypierać światopogląd religijny lub znacząco go zmieniać, przygotowuje reformację Kościoła. Ale najważniejszy jest ten okres, kiedy człowiek zaczyna odczuwać siebie i otaczający go świat w nowy sposób, często w zupełnie inny sposób, aby odpowiedzieć na pytania, które zawsze go niepokoiły, lub postawić przed sobą inne złożone pytania. Człowiek renesansu dzięki swoim „złotym darom”, jak pisze jeden z włoskich humanistów XV wieku, czuje się, że żyje w czasie szczególnym, bliskim koncepcji złotego wieku. Człowiek widzi siebie jako centrum wszechświata, dążącego nie w górę, ku nieziemskiemu, boskiemu (jak w średniowieczu), ale szeroko otwartej różnorodności ziemskiej egzystencji. Ludzie nowej ery z zachłanną ciekawością spoglądają na otaczającą ich rzeczywistość nie jako blade cienie i znaki niebiańskiego świata, ale jako pełnokrwistą i barwną manifestację bytu, która ma swoją wartość i godność. W nowej atmosferze duchowej nie ma miejsca dla średniowiecznej ascezy, cieszącej się wolnością i władzą człowieka jako istoty ziemskiej, naturalnej. Z optymistycznego przekonania o sile człowieka, jego możliwościach doskonalenia się, rodzi się pragnienie, a nawet potrzeba powiązania zachowania jednostki, jej własnego zachowania z pewnego rodzaju modelem „osobowości idealnej”, pragnieniem rodzi się samodoskonalenie. W ten sposób w zachodnioeuropejskiej kulturze renesansu kształtuje się bardzo ważny, centralny nurt tej kultury, który nazwano „humanizmem”.
Nie należy sądzić, że znaczenie tego pojęcia pokrywa się z powszechnie używanymi dziś słowami „humanizm”, „ludzki” (oznaczających „filantropię”, „miłosierdzie” itp.), choć nie ulega wątpliwości, że ostatecznie ich współczesne znaczenie sięga czasów renesansu. . Humanizm w okresie renesansu był szczególnym zbiorem idei moralnych i filozoficznych. Był on bezpośrednio związany z wychowaniem, edukacją człowieka, opierając się przede wszystkim nie na wiedzy scholastycznej, czy religijnej, „boskiej”, ale na naukach humanitarnych: filologii, historii, moralności. Szczególnie ważne jest, że humanistykę w tamtym czasie zaczęto cenić jako najbardziej uniwersalną, że w procesie kształtowania duchowego obrazu jednostki główną wagę przywiązywano do „literatury”, a nie do żadnej innej, może bardziej „praktyczna” dziedzina wiedzy. Jak napisał wielki włoski poeta renesansu Francesco Petrarka, „dzięki słowu twarz ludzka staje się piękna”. Prestiż wiedzy humanistycznej był w okresie renesansu niezwykle wysoki.
W Europie Zachodniej tego czasu pojawia się inteligencja humanistyczna - krąg ludzi, których komunikacja między sobą opiera się nie na wspólności pochodzenia, statusie majątkowym czy zainteresowaniach zawodowych, ale na bliskości poszukiwań duchowych i moralnych. Czasami takie stowarzyszenia humanistów o podobnych poglądach otrzymywały nazwę „Akademie” – w duchu starożytnej tradycji. Czasami przyjacielska komunikacja humanistów odbywała się za pomocą listów, co jest bardzo ważną częścią dziedzictwa literackiego renesansu. Język łaciński, który w swojej zaktualizowanej formie stał się uniwersalnym językiem kultury różnych krajów Europy Zachodniej, przyczynił się do tego, że pomimo pewnych różnic historycznych, politycznych, religijnych i innych postacie renesansu we Włoszech i Francji, Niemczech i Holandia czuła się zaangażowana w jeden świat duchowy. Poczucie jedności kulturalnej wzmocnił także fakt, że w tym okresie rozpoczął się intensywny rozwój z jednej strony szkolnictwa humanistycznego, a z drugiej drukarstwa: dzięki wynalazkowi niemieckiego Gutenberga z połowy XIX w. XV wiek. Drukarnie rozprzestrzeniają się po całej Europie Zachodniej, a możliwość przyłączenia się do książek zyskuje większa niż dotychczas liczba osób.
W renesansie zmienia się sam sposób myślenia człowieka. Nie średniowieczny spór scholastyczny, ale dialog humanistyczny, obejmujący różne punkty widzenia, ukazujący jedność i przeciwieństwo, złożoną różnorodność prawd o świecie i człowieku, staje się dla ludzi tego czasu sposobem myślenia i formą komunikacji. To nie przypadek, że dialog jest jednym z popularnych gatunków literackich renesansu. Rozkwit tego gatunku, podobnie jak rozkwit tragedii i komedii, jest jednym z przejawów zainteresowania literatury renesansu klasyczną tradycją gatunkową. Ale renesans zna także nowe formacje gatunkowe: sonet - w poezji, opowiadanie, esej - w prozie. Pisarze tej epoki nie powtarzają autorów starożytnych, ale na podstawie swojego doświadczenia artystycznego tworzą w istocie inny, nowy świat literackich obrazów, wątków i problemów.
Sztuka renesansu
renesans- to okres rozkwitu wszystkich sztuk, w tym teatru, literatury i muzyki, ale niewątpliwie najważniejszą z nich, która najpełniej wyrażała ducha swoich czasów, były sztuki piękne.
To nie przypadek, że istnieje teoria, że renesans rozpoczął się od tego, że artyści nie zadowalali się już ramami dominującego stylu „bizantyjskiego” i w poszukiwaniu wzorców dla swojej twórczości jako pierwsi zwrócili się ku do starożytności. Termin „renesans” (renesans) wprowadził myśliciel i artysta samej epoki, Giorgio Vasari („Biografia znanych malarzy, rzeźbiarzy i architektów”). Nazwał więc czas od 1250 do 1550 roku. Z jego punktu widzenia był to czas odrodzenia starożytności. Dla Vasariego antyk jawi się w sposób idealny.
W przyszłości treść tego terminu ewoluowała. Odrodzenie zaczęło oznaczać emancypację nauki i sztuki od teologii, ochłodzenie w kierunku etyki chrześcijańskiej, narodziny literatur narodowych, pragnienie człowieka wyzwolenia z ograniczeń Kościoła katolickiego. Oznacza to, że renesans w istocie zaczął oznaczać humanizm.
ODNOŚNIE, RENESANS(francuski renesans - odrodzenie) - jedna z najwspanialszych epok, punkt zwrotny w rozwoju sztuki światowej od średniowiecza do czasów nowych. Renesans obejmuje wiek XIV-XVI. we Włoszech, XV-XVI w. w innych krajach Europy. Ten okres w rozwoju kultury otrzymał swoją nazwę - renesans (lub renesans) w związku z ożywieniem zainteresowania sztuką starożytną. Jednak ówcześni artyści nie tylko kopiowali stare wzorce, ale także wnosili w nie jakościowo nową treść. Renesansu nie należy uważać za styl ani kierunek artystyczny, ponieważ w tej epoce istniały różne style, trendy, nurty artystyczne. Estetyczny ideał renesansu powstał w oparciu o nowy postępowy światopogląd - humanizm. Za najwyższą wartość uznano świat realny i człowieka: Człowiek jest miarą wszystkich rzeczy. Szczególnie wzrosła rola osoby twórczej.
Humanistyczny patos epoki najlepiej oddawała sztuka, która podobnie jak w poprzednich stuleciach miała na celu oddanie obrazu wszechświata. Nowością było to, że próbowano zjednoczyć to, co materialne i duchowe w jedną całość. Trudno było znaleźć osobę obojętną na sztukę, ale preferowano sztuki piękne i architekturę.
Malarstwo włoskie z XV wieku głównie monumentalne (freski). Wśród dziedzin sztuk plastycznych czołowe miejsce zajmuje malarstwo. Najpełniej odpowiada renesansowej zasadzie „naśladowania natury”. Na podstawie badań natury powstaje nowy system wizualny. Artysta Masaccio wniósł godny wkład w rozwój rozumienia objętości, jej transmisji za pomocą światłocienia. Odkrycie i naukowe uzasadnienie praw perspektywy liniowej i powietrznej znacząco wpłynęło na dalsze losy malarstwa europejskiego. Tworzy się nowy, plastyczny język rzeźby, którego twórcą był Donatello. Ożywił wolnostojący okrągły posąg. Jego najlepszym dziełem jest rzeźba Dawida (Florencja).
W architekturze wskrzeszają się zasady dawnego porządku porządku, podnosi się znaczenie proporcji, powstają nowe typy budynków (pałac miejski, willa wiejska itp.), teoria architektury i koncepcja miasta idealnego w trakcie opracowywania. Architekt Brunelleschi wzniósł budowle, w których połączył starożytne rozumienie architektury z tradycjami późnego gotyku, osiągając nową figuratywną duchowość architektury, nieznaną starożytnym. W okresie wysokiego renesansu nowy światopogląd najlepiej ucieleśniał twórczość artystów, których słusznie nazywa się geniuszami: Leonarda da Vinci, Rafaela, Michała Anioła, Giorgione i Tycjana. Ostatnie dwie trzecie XVI wieku zwany późnym renesansem. W tym momencie kryzys obejmuje art. Staje się uregulowana, dworska, traci ciepło i naturalność. Jednak w tym okresie indywidualni wielcy artyści - Tycjan, Tintoretto nadal tworzyli arcydzieła.
Włoski renesans wywarł ogromny wpływ na sztukę Francji, Hiszpanii, Niemiec, Anglii i Rosji.
Wzrost rozwoju sztuki Holandii, Francji i Niemiec (XV-XVI w.) nazywany jest renesansem północnym. Twórczość malarzy Jana van Eycka, P. Brueghela Starszego jest szczytem tego okresu w rozwoju sztuki. W Niemczech największym artystą niemieckiego renesansu był A. Dürer.
Odkrycia dokonane w okresie renesansu w dziedzinie kultury i sztuki duchowej miały ogromne znaczenie historyczne dla rozwoju sztuki europejskiej w kolejnych stuleciach. Zainteresowanie nimi trwa do dziś.
Renesans we Włoszech przeszedł kilka etapów: wczesny renesans, wysoki renesans, późny renesans. Florencja stała się kolebką renesansu. Podwaliny nowej sztuki stworzyli malarz Masaccio, rzeźbiarz Donatello i architekt F. Brunelleschi.
Pierwszym, który zamiast ikon stworzył obrazy, był największy mistrz protorenesansu Giotto. Jako pierwszy starał się przekazać chrześcijańskie idee etyczne poprzez przedstawienie realnych ludzkich uczuć i przeżyć, zastępując symbolikę przedstawieniem realnej przestrzeni i konkretnych obiektów. Na słynnych freskach Giotta w Kaplica Arena w Padwie obok świętych można spotkać dość niezwykłe postacie: pasterzy czy prządkę. Każda indywidualna osoba u Giotta wyraża dość określone doświadczenia, określony charakter. 
W epoce wczesnego renesansu w sztuce następuje rozwój dawnego dziedzictwa artystycznego, kształtują się nowe ideały etyczne, artyści zwracają się do osiągnięć nauki (matematyki, geometrii, optyki, anatomii). Wiodącą rolę w kształtowaniu zasad ideologicznych i stylistycznych sztuki wczesnego renesansu odgrywają Florencja. W obrazach takich mistrzów jak Donatello, Verrocchio, konny posąg kondotiera Gattamelaty Davida autorstwa Donatello dominuje w zasadach heroiczno-patriotycznych („Św. Jerzy” i „Dawid” Donatello i „Dawid” Verrocchio). 
Masaccio był twórcą malarstwa renesansowego.(murale w Kaplicy Brancaccich, „Trójca”), Masaccio potrafił oddać głębię przestrzeni, połączył postać i pejzaż w jedną ideę kompozycyjną, nadając indywidualnym portretom wyrazistość.
Ale powstanie i ewolucja portretu malarskiego, który odzwierciedlał zainteresowanie kulturą renesansu człowiekiem, wiąże się z nazwiskami artystów szkoły Umrbi: Piero della Francesca, Pinturicchio.
Twórczość artysty wyróżnia się we wczesnym renesansie Sandro Botticellego. Tworzone przez niego obrazy są uduchowione i poetyckie. Badacze zwracają uwagę na abstrakcję i wyrafinowany intelektualizm w twórczości artysty, jego chęć tworzenia mitologicznych kompozycji o skomplikowanej i zaszyfrowanej treści („Wiosna”, „Narodziny Wenus”).Jeden z biografów Botticellego stwierdził, że jego Madonny i Wenus sprawiają wrażenie strata, wywołując w nas uczucie niezatartego smutku... Niektórzy z nich stracili niebo, inni - ziemię. 
„Wiosna” „Narodziny Wenus”
Kulminacją w rozwoju zasad ideologicznych i artystycznych włoskiego renesansu jest Wysoki renesans. Założycielem sztuki wysokiego renesansu jest Leonardo da Vinci, wielki artysta i naukowiec.
Stworzył szereg arcydzieł: „Mona Lisa” („La Gioconda”) Ściśle mówiąc, sama twarz Giocondy wyróżnia się powściągliwością i spokojem, uśmiechem, który zapewnił jej światową sławę, a który później stał się nieodzowną częścią dzieł szkoły Leonarda jest w nim ledwo zauważalny. Ale w delikatnie topniejącej mgle spowijającej twarz i sylwetkę Leonardo zdołał odczuć nieograniczoną zmienność ludzkiej mimiki. Choć oczy Giocondy patrzą na widza uważnie i spokojnie, to ze względu na zacienienie oczodołów można odnieść wrażenie, że lekko marszczą brwi; jej usta są zaciśnięte, ale w ich kącikach zarysowane są ledwo zauważalne cienie, które sprawiają, że wierzysz, że co minutę będą się otwierać, uśmiechać, mówić. Sam kontrast między jej spojrzeniem a półuśmiechem na ustach daje wyobrażenie o sprzecznym charakterze jej doświadczeń. Nie na próżno Leonardo torturował swojego modela długimi sesjami. Jak nikt inny udało mu się przekazać na tym obrazie cienie, odcienie i półtony, które dają poczucie drżącego życia. Nic dziwnego, że Vasari pomyślał, że na szyi Mony Lisy widać, jak pulsuje żyła.
Na portrecie Giocondy Leonardo nie tylko doskonale oddał ciało i otaczające je środowisko powietrzne. Włożył w to także zrozumienie tego, czego potrzebuje oko, aby obraz wywoływał harmonijne wrażenie, dlatego wszystko wygląda tak, jakby formy naturalnie rodziły się jedna z drugiej, jak to bywa w muzyce, gdy rozwiązuje się napięty dysonans. harmonijnym akordem. Gioconda jest doskonale wpisana w ściśle proporcjonalny prostokąt, jej półpostać tworzy pewną całość, złożone ręce nadają jej obrazowi pełnię. Oczywiście nie mogło być mowy o dziwacznych lokach wczesnego Zwiastowania. Jednak niezależnie od tego, jak złagodzone są wszystkie kontury, falujący kosmyk włosów Giocondy współgra z przezroczystym welonem, a wiszący materiał przerzucony przez ramię odnajduje echo w gładkich zakrętach odległej drogi. W tym wszystkim Leonardo pokazuje swoją umiejętność tworzenia zgodnie z prawami rytmu i harmonii. „Jeśli chodzi o technikę, Mona Lisa zawsze była uważana za coś niewytłumaczalnego. Myślę, że teraz potrafię odpowiedzieć na tę zagadkę” – mówi Frank. Według niego Leonardo zastosował opracowaną przez siebie technikę „sfumato” (włoskie „sfumato”, dosłownie – „zniknęło jak dym”). Sztuka polega na tym, że obiekty na obrazach nie powinny mieć wyraźnych granic, wszystko powinno płynnie przechodzić od jednego do drugiego, kontury obiektów łagodzi się za pomocą otaczającej je mgły świetlnego powietrza. Główna trudność tej techniki polega na najmniejszych pociągnięciach (około ćwierć milimetra), których nie można rozpoznać ani pod mikroskopem, ani za pomocą promieni rentgenowskich. Dlatego namalowanie obrazu da Vinci zajęło kilkaset sesji. Obraz Mony Lisy składa się z około 30 warstw płynnej, niemal przezroczystej farby olejnej. Do takiej pracy jubilerskiej artysta najwyraźniej musiał użyć szkła powiększającego. Być może zastosowanie tak pracochłonnej techniki tłumaczy długi czas pracy nad portretem – prawie 4 lata. 
, "Ostatnia Wieczerza" robi trwałe wrażenie. Na ścianie, jakby ją pokonując i przenosząc widza w świat harmonii i majestatycznych wizji, rozgrywa się starożytny ewangeliczny dramat oszukanego zaufania. A dramat ten znajduje swoje rozwiązanie w ogólnym impulsie skierowanym w stronę głównego bohatera – męża o żałobnej twarzy, który akceptuje to, co się dzieje, jako nieuniknione. Chrystus właśnie powiedział swoim uczniom: „Jeden z was mnie zdradzi”. Zdrajca siedzi z innymi; dawni mistrzowie przedstawiali Judasza siedzącego osobno, ale Leonardo znacznie przekonująco uwydatnił jego ponurą izolację, przesłaniając cień. Chrystus jest posłuszny swemu losowi, pełen świadomości poświęcenia swego wyczynu. Jego przechylona głowa z opuszczonymi oczami, gest rąk są nieskończenie piękne i majestatyczne. Za oknem za jego postacią otwiera się urokliwy krajobraz. Centrum całej kompozycji, centrum całego wiru namiętności, który szaleje wokół, stanowi Chrystus. Jego smutek i spokój są jakby wieczne, naturalne - i taki jest głęboki sens ukazanego dramatu. Szukał źródeł doskonałych form sztuki w przyrodzie, ale N. Bierdiajew uważa go za odpowiedzialnego za nadchodzący proces mechanizacji i mechanizacji życia ludzkiego, która oderwała człowieka od natury.
Malarstwo osiąga klasyczną harmonię w twórczości Rafał. Jego sztuka ewoluuje od wczesnych, chłodnych umbryjskich wizerunków Madonn (Madonna Conestabile) do świata „szczęśliwego chrześcijaństwa” dzieł florenckich i rzymskich. „Madonna ze szczygłem” i „Madonna w fotelu” są miękkie, ludzkie, a nawet zwyczajne w swoim człowieczeństwie. 
Ale obraz „Madonny Sykstyńskiej” jest majestatyczny, symbolicznie łącząc świat niebiański i ziemski. Rafael znany jest przede wszystkim jako twórca delikatnych wizerunków Madonn. Ale w malarstwie ucieleśniał zarówno ideał renesansowego człowieka uniwersalnego (portret Castiglione), jak i dramat wydarzeń historycznych. Madonna Sykstyńska (ok. 1513, Drezno, Galeria Sztuki) to jedno z najbardziej inspirujących dzieł artysty. Napisany jako ołtarz dla kościoła klasztoru św. Sykstusa w Piacenzie obraz ten pod względem projektu, kompozycji i interpretacji obrazu znacznie różni się od Madonn z okresu florenckiego. Zamiast intymnego i ziemskiego obrazu pięknej młodej dziewczyny protekcjonalnie podążającej za zabawami dwójki dzieci, mamy tu cudowną wizję, która nagle pojawiła się na niebie za sprawą odsuniętej przez kogoś kurtyny. Otoczona złotym blaskiem, uroczysta i majestatyczna, Maryja idzie przez chmury, trzymając przed sobą Dzieciątko Jezus. Lewica i prawica klękają przed Jej św. Sykstus i św. Barbary. Symetryczna, ściśle wyważona kompozycja, klarowność sylwetki i monumentalne uogólnienie form nadają Madonnie Sykstyńskiej szczególnej wielkości.
W tym obrazie Rafaelowi, być może w większym stopniu niż gdziekolwiek indziej, udało się połączyć życiową prawdziwość obrazu z cechami idealnej doskonałości. Wizerunek Madonny jest złożony. Wzruszająca czystość i naiwność bardzo młodej kobiety łączą się w nim z silną determinacją i heroiczną gotowością do poświęceń. To bohaterstwo sprawia, że wizerunek Madonny nawiązuje do najlepszych tradycji włoskiego humanizmu. Połączenie ideału z rzeczywistością na tym obrazie przywodzi na myśl znane słowa Rafaela z listu do przyjaciela B. Castiglione. „I powiem Ci” – napisał Rafael – „że żeby napisać piękno, trzeba zobaczyć wiele piękności… ale z powodu braku… pięknych kobiet, kieruję się pewnym pomysłem, który przychodzi mi do głowy . Czy jest w tym jakaś doskonałość, nie wiem, ale bardzo się staram, żeby to osiągnąć. Te słowa rzucają światło na metodę twórczą artysty. Opierając się na rzeczywistości i opierając się na niej, stara się jednocześnie wynieść obraz ponad wszystko, co przypadkowe i przemijające.
Michał Anioł(1475-1564) – niewątpliwie jeden z najbardziej inspirujących artystów w historii sztuki i obok Leonarda da Vinci najpotężniejsza postać włoskiego renesansu. Jako rzeźbiarz, architekt, malarz i poeta Michał Anioł wywarł ogromny wpływ na swoich współczesnych i w ogóle na późniejszą sztukę zachodnią.
Uważał się za Florentyńczyka – choć urodził się 6 marca 1475 roku w małej wiosce Caprese niedaleko miasta Arezzo. Michał Anioł głęboko kochał swoje miasto, jego sztukę, kulturę i tę miłość niósł do końca swoich dni. Większość swoich dojrzałych lat spędził w Rzymie, pracując dla papieży; pozostawił jednak testament, zgodnie z którym jego ciało zostało pochowane we Florencji, w pięknym grobowcu w kościele Santa Croce.
Michał Anioł ukończył marmurową rzeźbę Pieta(Opłakiwanie Chrystusa) (1498-1500), który do dziś znajduje się na swoim pierwotnym miejscu – w katedrze św. Piotra. To jedno z najsłynniejszych dzieł w historii sztuki światowej. Pieta została prawdopodobnie ukończona przez Michała Anioła przed ukończeniem 25 lat. To jedyna praca, którą podpisał. Młoda Maria ukazana jest z martwym Chrystusem na kolanach, co jest wizerunkiem zapożyczonym ze sztuki północnoeuropejskiej. Spojrzenie Maryi jest nie tyle smutne, co uroczyste. To najwyższy punkt kreatywności młodego Michała Anioła. 
Nie mniej znaczącym dziełem młodego Michała Anioła był gigantyczny (4,34 m) marmurowy obraz Dawid(Akademia we Florencji), wykonany w latach 1501-1504, po powrocie do Florencji. Bohater Starego Testamentu Michał Anioł przedstawia go w postaci przystojnego, muskularnego, nagiego młodzieńca, który z niepokojem spogląda w dal, jakby oceniając swojego wroga – Goliata, z którym musi walczyć. Żywy, napięty wyraz twarzy Dawida jest charakterystyczny dla wielu dzieł Michała Anioła – jest to przejaw jego indywidualnej maniery rzeźbiarskiej. Dawid, najsłynniejsza rzeźba Michała Anioła, stał się symbolem Florencji i pierwotnie został umieszczony na Piazza della Signoria przed Palazzo Vecchio, florenckim ratuszem. Tą statuą Michał Anioł udowodnił swoim współczesnym, że przewyższył nie tylko wszystkich współczesnych artystów, ale także mistrzów starożytności.
Malowidło na sklepieniu Kaplicy Sykstyńskiej W 1505 roku Michał Anioł został wezwany do Rzymu przez papieża Juliusza II, aby spełnić dwa rozkazy. Najważniejszym był fresk na sklepieniu Kaplicy Sykstyńskiej. Pracując na wysokim rusztowaniu tuż pod sufitem, Michał Anioł stworzył w latach 1508–1512 najpiękniejsze ilustracje do niektórych historii biblijnych. Na sklepieniu kaplicy papieskiej przedstawił dziewięć scen z Księgi Rodzaju, poczynając od oddzielenia światła od ciemności, a kończąc na stworzeniu Adama, stworzeniu Ewy, kuszeniu i upadku Adama i Ewy oraz potopie . Wokół głównych malowideł na przemian wizerunki proroków i Sybilli na marmurowych tronach, innych postaci Starego Testamentu oraz przodków Chrystusa.
Aby przygotować się do tego wielkiego dzieła, Michał Anioł wykonał ogromną liczbę szkiców i kartonów, na których przedstawił postacie opiekunów w różnych pozach. Te królewskie, pełne mocy obrazy świadczą o mistrzowskim zrozumieniu przez artystę anatomii i ruchu człowieka, co dało impuls nowemu kierunkowi w sztuce Europy Zachodniej. 
Dwie inne doskonałe statuetki, Związany więzień i śmierć niewolnika(oba ok. 1510-13) znajdują się w Luwrze w Paryżu. Pokazują podejście Michała Anioła do rzeźby. Jego zdaniem postacie są po prostu zamknięte w bloku marmuru, a zadaniem artysty jest ich uwolnienie poprzez usunięcie nadmiaru kamienia. Często Michał Anioł pozostawiał rzeźby niedokończone, albo dlatego, że nie były już potrzebne, albo po prostu dlatego, że straciły zainteresowanie artystą. 
Biblioteka San Lorenzo Projekt grobowca Juliusza II wymagał studiów architektonicznych, ale poważna praca Michała Anioła w dziedzinie architektury rozpoczęła się dopiero w 1519 r., kiedy nakazano mu fasadę Biblioteki św. Wawrzyńca we Florencji, gdzie artysta powrócił ponownie ( projekt ten nigdy nie został zrealizowany). W latach dwudziestych XVI w. zaprojektował także elegancki hol wejściowy Biblioteki przylegającej do kościoła San Lorenzo. Struktury te ukończono dopiero kilkadziesiąt lat po śmierci autora.
Michał Anioł, zwolennik frakcji republikańskiej, brał udział w latach 1527-29 w wojnie z Medyceuszami. Do jego obowiązków należała budowa i przebudowa fortyfikacji Florencji. 
Kaplice Medyceuszy. Po dość długim pobycie we Florencji, Michał Anioł wykonał w latach 1519-1534 zlecenie rodziny Medyceuszy na budowę dwóch grobowców w nowej zakrystii kościoła San Lorenzo. W sali z wysokim sklepieniem kopułowym artysta wzniósł pod ścianami dwa wspaniałe grobowce, przeznaczone dla księcia Urbino Lorenza De Medici i księcia Nemours Giuliano De Medici. Dwa złożone groby pomyślano jako przedstawienia przeciwstawnych typów: Lorenzo – osoba zamknięta w sobie, osoba zamyślona, wycofana; Przeciwnie, Giuliano jest aktywny, otwarty. Nad grobem Wawrzyńca rzeźbiarz umieścił alegoryczne rzeźby Poranka i Wieczoru, a nad grobem Giuliana - alegorie Dnia i Nocy. Prace nad grobowcami Medyceuszy były kontynuowane po powrocie Michała Anioła do Rzymu w 1534 roku. Nigdy więcej nie odwiedził swojego ukochanego miasta.
Sąd Ostateczny
W latach 1536–1541 Michał Anioł pracował w Rzymie przy malowaniu ściany ołtarza Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie. Największy fresk renesansu przedstawia dzień Sądu Ostatecznego.Chrystus z ognistą błyskawicą w dłoni nieubłaganie dzieli wszystkich mieszkańców ziemi na zbawionych sprawiedliwych, przedstawionych po lewej stronie kompozycji, i grzeszników schodzących do Piekło Dantego (lewa strona fresku). Ściśle trzymając się własnej tradycji, Michał Anioł pierwotnie namalował wszystkie postacie nago, ale dziesięć lat później pewien purytański artysta „ubrał” je, gdy klimat kulturowy stał się bardziej konserwatywny. Michał Anioł pozostawił na fresku własny autoportret - jego twarz łatwo odgadnąć na skórze zdartej ze Świętego Męczennika Apostoła Bartłomieja.
Choć w tym okresie Michał Anioł miał inne zlecenia malarskie, jak na przykład namalowanie kaplicy św. Pawła Apostoła (1940), to przede wszystkim starał się poświęcić wszystkie swoje siły architekturze.
Kopuła katedry św. Piotra. W 1546 r. Michał Anioł został mianowany głównym architektem będącej w budowie katedry św. Piotra w Watykanie. Budynek został zbudowany według planu Donato Bramante, ale ostatecznie Michał Anioł stał się odpowiedzialny za budowę absydy ołtarza oraz za opracowanie rozwiązania inżynieryjnego i artystycznego kopuły katedry. Zakończenie budowy katedry św. Piotra było najwyższym osiągnięciem florenckiego mistrza w dziedzinie architektury. Podczas swojego długiego życia Michał Anioł był bliskim przyjacielem książąt i papieży, od Lorenza de Medici po Leona X, Klemensa VIII i Piusa III, a także wielu kardynałów, malarzy i poetów. Charakter artysty, jego pozycja życiowa są trudne do jednoznacznego zrozumienia poprzez jego prace – są tak różnorodne. Chyba, że w poezji, w swoich wierszach Michał Anioł coraz częściej i głębiej powracał do kwestii twórczości i swojego miejsca w sztuce. Duże miejsce w jego wierszach zajmują problemy i trudności, z jakimi musiał się zmierzyć w swojej twórczości, a także osobiste relacje z najwybitniejszymi przedstawicielami tamtej epoki.Jeden z najsłynniejszych poetów renesansu, Lodovico Ariosto, napisał epitafium dla ten słynny artysta: „Michele jest kimś więcej niż śmiertelniczką. Jest boskim aniołem”. 