Rozwój malarstwa rosyjskiego. Rozwój malarstwa w XIII - XV wieku

09.03.2019

HISTORIA SZTUKI ROSYJSKIEJ
OBRAZ

Historia malarstwa rosyjskiego ostro dzieli się na dwa główne okresy. W pierwszym okresie, który trwał aż do XVIII wieku, malarstwo rosyjskie zawsze miało charakter ściśle religijny i skupiało się niemal wyłącznie na malarstwie ikon, które było wyjątkowo słabo rozwinięte artystycznie. W drugim okresie malarstwo rosyjskie traci swój wyłącznie religijny charakter, staje się świeckie, stopniowo posuwa się do przodu w swoim rozwoju i asymiluje niemal stopień doskonałości, jaki osiągnęło malarstwo zachodnioeuropejskie koniec XIX wieku wiek.
Historia starożytnego malarstwa rosyjskiego rozpoczyna się od epoki przyjęcia chrześcijaństwa przez Rosję, od końca X wieku, kiedy to z Bizancjum sprowadzono do nas pierwsze przykłady sztuki malarskiej. Sztuka na Rusi od XI do XV wieku miała głównie charakter bizantyjski. Malarzami ikon i muzealnikami byli początkowo imigranci z Grecji, Grecy i spokrewnieni ze Słowianami oraz kilku rosyjskich studentów. W XI wieku spotykamy nazwisko pierwszego rosyjskiego malarza ikon – św. Alimpiusa z Peczerska, który uczył się u mistrzów greckich. Jednak próbki przywiezione przez mistrzów z Bizancjum nie były ani liczne, ani o wysokich walorach artystycznych, ponieważ sama sztuka bizantyjska zaczęła zauważalnie podupadać od XI wieku. Próbki te, reprodukowane w Rusi, nadal ulegały uszkodzeniom i zniekształceniom. Niewielka populacja Rusi, rozproszona na rozległych przestrzeniach oddzielonych lasami i bagnami, powoli akceptująca początki oświecenia politycznego i religijnego, wyróżniała się skrajną biedą i powolnością rozwoju estetycznego. najlepsi ludzie byli zajęci ciężką pracą tworzenia życia państwowego wśród rozproszonych mas, nawracania ich na chrześcijaństwo i, naturalnie, niewiele czasu mogli poświęcić na wypoczynek umysłowy i sztukę, gdy życie wymagało pracy trudniejszej i ważniejszej.
W rezultacie przy przewadze zainteresowań religijnych mogła pojawiać się wyłącznie sztuka religijna, a sztuka kościelna przywieziona z Bizancjum mogła jedynie rozprzestrzeniać się geograficznie, nie ulepszając się i nie zawsze pozostając na poziomie doskonałości obrazów.
Okres rozkwitu sztuki bizantyjskiej na Rusi przypada na XI i XII wiek. Jego zabytkami są kijowskie freski i mozaiki. Potem ta sztuka upada, gdy stosunki z Bizancjum stają się trudne i rozpoczyna się era pogromów tatarskich.
Po ruinach Kijowa sztuka kościelna zadomowiła się we Włodzimierzu, Suzdalu, Rostowie, Pskowie i Nowogrodzie. Mniej dotknięty najazdami Nowogród staje się obecnie ośrodkiem artystycznym Rusi, w którym nie tylko zachowały się początki stylu bizantyjskiego, ale także podejmuje się próby kultywowania w pewnym stopniu samodzielnej sztuki kościelnej. Stosunki z Niemcami, ożywiające życie publiczne, dają tu początek ruchom na polu umysłowym, rzemieślniczym i artystycznym. Ale wpływy zachodnie, niewątpliwie odzwierciedlone w sztuce nowogrodzkiej, nie mogły zagłuszyć głównego wpływów bizantyjskich, ponieważ nie były systematyczne i stałe, a wyroby do Nowogrodu sprowadzali odwiedzający artyści z miejsc, które nie wyróżniały się rozwiniętym życiem artystycznym .
Centra sztuki w Kijowie, Rostowie, Suzdalu, Włodzimierzu, z ich krótkotrwałymi rolę historyczną, nie miał czasu na opracowanie czegoś niezależnego. Nowogród i Psków utraciły niepodległość w połowie XVI wieku, właśnie wtedy, gdy wydawało się możliwe, na podstawie legend bizantyjskich, rozpoczęcie rozwoju własnej, niezależnej sztuki. Moskwa aż do XVI wieku, zajęta pracą polityczną, nie miała na to ani czasu, ani środków rozwój artystyczny: najlepsze obrazy XV i XVI wieku wykonali malarze ikon z Pskowa i Nowogrodu. Dlatego Moskwa w XVI wieku musiała nie kontynuować, a wręcz rozpocząć działalność artystyczną na Rusi, a sztuka w XVI wieku w Moskwie w ogóle nie istniała. Lepsze niż to, które odnajdujemy na mozaikach i freskach Kijowa, Włodzimierza i Nowogrodu.
Jednak dopiero w XVI wieku w wyniku rosnących potrzeb znacznie wzrosła liczba mistrzów, a malarstwo ikonowe pochodzące od Greków i ich bezpośrednich uczniów, mnichów i duchowieństwa przeszło w ręce świeckich, mieszkańców wsi i mieszczan, i stał się rzemiosłem. Aby uchronić sztukę kościelną przed zniszczeniem, Stoglaw oddał malarstwo ikonowe pod bezpośrednią jurysdykcję i nadzór władz kościelnych, a ponieważ sztuka nie rozwijała się ani na Rusi, ani w Bizancjum, ani na Górze Athos, zalecał zamiast tego niezależna praca, kopiując najlepsze próbki starożytnej Grecji. Zatem w XVI w., kiedy ok Zachodnia Europa sztuka doszła do siebie, a w dziełach Rafaela, Albrechta Dürera, Holbeina, Michela Angelo i innych mistrzów, bazując na wnikliwych studiach nad starożytnością i naturą, osiągnęła wysoki stopień rozwoju - sztuka na Rusi została oderwana od natury przez nakaz kopiowania. Zakazując samodzielności i podporządkowując ją nadzorowi monastycznemu, sztuka została pozbawiona wolności i uzyskała charakter czysto kościelny, bez domieszki elementów świeckich.
Rosyjskie malarstwo ikonowe zyskało (religijnie) na nienaruszalnym zachowaniu tradycji chrześcijańskich, ale wiele straciło pod względem artystycznym. Artysta stał się kopistą-rzemieślnikiem. Im bardziej malowanie ikon stawało się częścią potrzeb narodu rosyjskiego, tym bardziej stawało się narodowe, im bardziej zmniejszano rozmiar ikon, tym bardziej zbliżały się one do miniatury. Kolosalne freski i mozaiki w majestatycznym stylu bizantyjskim zostały teraz zastąpione misternie malowanymi ikonami niewielkich rozmiarów z dziesiątkami i setkami małych postaci. To zmniejszenie rozmiarów było konieczną konsekwencją rozprzestrzeniania się chrześcijaństwa w odległych rejonach Rusi. Małe drewniane kościoły, małe górne izby i kaplice zamożnych domów, gdzie lubiano montować cały ikonostas kościelny na jednej małej ściance, potrzebowały małych ikon. A same próbki, z których kopiowali rosyjscy malarze ikon, nie mogły być duże, ponieważ zostały przeniesione najpierw z Grecji, a następnie z ośrodków starożytne życie Rosji na odległe obrzeża.
Wszystko to wymusiło zmniejszenie rozmiaru i przyzwyczajenie oka do pisma miniaturowego, które stało się dominujące w rosyjskim malarstwie ikonowym XVI i XVII wieku. Ten miniaturowy list, który ukrywał niedociągnięcia w projekcie, grupowaniu i wyrazie, był wygodny dla rosyjskiego malarstwa ikonowego, które było ograniczone pod względem środków artystycznych i bardzo nadawał się do wizualnego wyrażania idei religijnych i nauk teologicznych. Takie wieloaspektowe ikony, jak „Wierzę”, z twarzami wyjaśniającymi modlitwę, zastąpiły pisanie dla niepiśmiennych, uczyły jak książka i w pełni odpowiadały religijnemu kierunkowi potrzeb narodu rosyjskiego, który przy braku niemal jakiejkolwiek estetyki rozwój, w ikonie szukano nie przyjemności artystycznej, ale zbudowania religijnego, korzyści dla duszy.
Do XV wieku na Rusi istniała tylko jedna szkoła – grecka, czyli Korsun. Wspierali ją przyjezdni greccy mistrzowie, którzy malowali ikony, jednak technicznie tylko trochę lepsze od swoich rosyjskich uczniów. Miniatury rosyjskie z XV wieku niewiele różnią się od późniejszych miniatur greckich, ale czasami wykazują pewną znajomość stylu romańskiego, co wskazuje na wpływy zachodnie. Wpływ ten przedostał się przez Nowogród i Litwę i nasilił się od XV wieku. Od upadku Konstantynopola i rozpowszechnienia się na Rusi zachodnich druków z rycinami i wielotypami w XVI wieku, korsuńska szkoła malowania ikon zaczęła się zmieniać. W Nowogrodzie i Pskowie pod wpływem Zachodu powstaje szkoła nieco odmienna od konserwatywnej szkoły św. Sergiusza z Radoneża, z którego pochodził słynny malarz ikon Andriej Rublow. W XVI wieku z Ustyuga wywodzi się szkoła Stroganowa, w której rozkwitło malarstwo miniaturowe, wyróżniające się największym kunsztem.
Własnej szkole malowania ikon Moskwa mogła stworzyć dopiero w XVII wieku. Jako centrum ziemi rosyjskiej, rekrutowała do swojej szkoły królewskiej mistrzów z różnych miast i klasztorów. Wszystkie te szkoły, przy całkowitym powstrzymaniu się od osobistej dowolności, zostały zdeterminowane nie osobistym charakterem mistrzów, ale przypadkowymi okolicznościami - mniej więcej duży rozmiar ikony, ich mniej lub bardziej staranne wykończenie itp.
Ikona była przeznaczona do modlitwy i podobnie jak modlitwa nie powinna podlegać zmianom według osobistej dowolności. Dlatego rosyjskie szkoły malowania ikon różniły się nie kierunkiem, ale technikami rzemieślniczymi, znanymi wśród malarzy ikon jako „poszibow”. Różnorodne kroje nie zakłócają monotonii ogólnego stylu bizantyjskiego. Ograniczona Prologiem i kalendarzem wyobraźnia rosyjskiego malarza ikon, nieznającego ani opowiadań, ani powieści, ani dramatów duchowych – które tak silnie wpłynęły na twórczość zachodnich artystów – pozostawała przez wieki w pewnym kręgu monotonnie powtarzające się tematy ikonograficzne z Biblii i żywotów świętych. Nasi malarze ikon z pełną czcią obawą nie odważyli się zmieniać pozostawionych przez starożytność obrazów i ściśle trzymali się tego, co wskazują „oryginały”, gdzie zebrali, w starannie przemyślanym systemie, wszystkie informacje niezbędne malarzowi ikon, zarówno technicznych i teologicznych.
Dążąc wyłącznie do wyrażania idei religijnych, wyrzekając się rzeczywistości, rosyjski malarz ikon nie uważał za konieczne uciekania się do studiów nad naturą. Wychowany w kierunku ascetycznym, unika nagości, wszystkiego, co jest zbyt delikatne i relaksujące. Bez studiowania przyrody, bez znajomości świata starożytnego, rosyjski malarz ikon nie korzystał z pomocy rzeźby, która bardzo pomogła malarstwu zachodniemu, a której na starożytnej Rusi nie było. Oraz te elementy plastikowe, które według legendy znalazły się w naszym malarstwie ikonowym ze sztuki bizantyjskiej, takie jak np. umieszczanie postaci na jednobarwnym tle, jak płaskorzeźby, spiętrzanie obrazów różniących się w czasie na jednej płaszczyźnie , przyczyniły się, biorąc pod uwagę niedostateczny rozwój sztuki rosyjskiej, jedynie do zakorzenienia złego smaku i błędów. W rezultacie rosyjskie malarstwo ikonowe wyróżniało się nieregularnym rysunkiem, nieprawidłową perspektywą oraz brakiem koloru i światłocienia.
Ta niezagospodarowana, surowa artystycznie sztuka ma jednak swoją cenę i ogromne znaczenie na polu religijnym. W dziełach rosyjskiego malarstwa ikonowego widzimy, jak słaba sztuka, niedoświadczona w środkach technicznych, odważnie dąży do osiągnięcia wysokich celów, aby wyrazić bogactwo idei.
Mimo niezgrabności wielu postaci, z oczywistymi błędami w stosunku do natury, obrazy tchną prawdziwą szlachetnością charakteru, którą przekazał im malarz ikon, przepojony świadomością świętości przedstawianych przez siebie osób. Ci święci są ideałami artystycznymi, w których rosyjski backgammon wyraził swoje koncepcje godność człowieka i do których zwracał się w modlitwie, jako modele i przywódcy swego życia. Sylwetki mężczyzn są bardziej zróżnicowane i lepiej rozwinięte niż sylwetki kobiet, które są mniej powszechne i monotonne. Z postaci męskich najlepsze są twarze surowe, starcze lub dojrzałe, charaktery dobrze rozwinięte, twarze z brodą i ostrymi konturami. Mniej udane są postacie młodzieńcze i dziecinne.
Dzięki wielowiekowemu przywództwu kościelnemu rosyjskie malarstwo ikon w sposób święty zachowało starożytne tradycje chrześcijańskie, wierność typów ikonograficznych i chęć idealnego odwzorowania tematów, bez przyćmiewania ich poprzez wprowadzanie niepotrzebnych drobiazgów z rzeczywistości. Surowe twarze bezinteresownych ascetów, brak czułości i pokus kobiecego piękna są w pełni spójne i przyczyniają się do pełnego czci nastroju czciciela. Na tym polega oryginalność i oryginalność malarstwa rosyjskiego.
Ale wpisz wierność, przejrzystość tradycyjne historie a pobożny wyraz można w pełni osiągnąć tylko wtedy, gdy artysta dysponuje głównym środkiem wyrażenia tego - znajomością natury. Rosyjscy malarze ikon o tym nie wiedzieli i to była słaba strona rosyjskiego malowania ikon.
W połowie XVII wiek Samo rosyjskie malarstwo ikon rozpoznało jego słabą stronę i wykazało zdecydowaną chęć doskonalenia. Car Aleksiej Michajłowicz nie poprzestał na rosyjskich malarzach ikon, lecz do dekoracji swoich komnat pałacowych wezwał mistrzów z Zachodu, wyszkolonych w zupełnie innych kulturach. zasady artystyczne, który umiał malować pejzaże, perspektywy i portrety z życia w stylu malarskim zupełnie odmiennym od malowania ikon. Najlepszy przedstawiciel rosyjskiego malarstwa ikonowego XVII wieku, królewski malarz ikon Szymon Uszakow, starał się przenieść tę technikę i udoskonaloną na Zachodzie barwę życia do malarstwa ikonowego, aby połączyć ją z tradycją bizantyjską.
Ten nowy styl malowania ikon znany jest jako Fryazhsky. Przeniosły się do niego szkoły Stroganowa i Carskiej. Rosyjscy mistrzowie zachłannie rzucili się na zagraniczne ryciny, zaczęli je przerabiać na swój sposób i najwyraźniej zaczęli doskonalić technikę i smak: kolor stał się bogatszy, bardziej kolorowy, pędzel stał się odważniejszy. Ze szkoły Uszakowa, która oprócz ikon zajmowała się także tematyką mitologiczną, wyszli wykwalifikowani rytownicy, którzy w licznych egzemplarzach zaczęli szerzyć wśród Rosjan nowy, bardziej elegancki styl. Tym samym wraz z malarstwem duchowym – ikonicznym, pojawiło się malarstwo świeckie, które zaczęło wprowadzać bardziej elegancki smak przywieziony z Zachodu, wychowany przez studia nad naturą i starożytnością.
Od tego czasu, od końca XVII wieku, rozpoczyna się drugi okres w historii malarstwa rosyjskiego, którego zainteresowanie skupia się głównie na edukacji i stopniowym rozwoju malarstwa rosyjskiego życie towarzyskie. Pierwsze solidne początki zaszczepiania tego świeckiego malarstwa położył Piotr, który zdecydowanie postawił zadanie asymilacji sztuki zachodniej przez sam naród rosyjski poprzez podróże zagraniczne i swoją szkołę.
Ale ani utalentowani Rosjanie, którzy studiowali we Włoszech i Holandii, bracia Nikitin, Zacharow, Matwiejew, ani zagraniczni artyści, którzy zostali zamówieni, ani klasa rysunku i grawerowania otwarta w Akademii Nauk pod kierunkiem Katarzyny I, zgodnie z projektem Piotra , mogło przynieść dobre owoce, gdyż nie przygotowano gruntu dla rozwoju nowej, świeckiej sztuki. Społeczeństwo, które nie miało rozwoju estetycznego, nie rozumiało potrzeb artystycznych, było obce wszczepionym Sztuka europejska i ograniczył swoje zapotrzebowanie do bardziej znanych portretów i miniatur. Bardziej przydatni byli mistrzowie rytownicy, kształceni za skromne fundusze Akademii Nauk, którzy wykonywali liczne kopie z znane obrazy wprowadził społeczeństwo do dzieł o eleganckim guście, przyczyniając się do rozbudzenia zainteresowania sztuką świecką.
Za panowania Elżbiety w klasach wyższych rozwinęło się pragnienie luksusu i wygody, podsycane niezwykłym przepychem Dworu, co dało początek nowym potrzebom estetycznym.
Podążając za modą przywiezioną z Zachodu, szlachta zaczęła wraz z portretami zamawiać do dekoracji swoich komnat abażury i obrazy z mitologii klasycznej. Kompozycje w stylu francuskim stały się ulubionym i niezbędnym dodatkiem każdej uroczystości. Z braku Rosjan, a czasem także z powodu upodobania do wszystkiego, co obce, wszystko to zajmowali się zwolnieni cudzoziemcy. Spośród nich jedynie Giuseppe Valerani po 14 latach działalności pozostawił kilku utalentowanych rosyjskich studentów, którzy awansowali za panowania Katarzyny II. Reszta pozostała kolonią, sztucznie przyłączoną do dworu i arystokracji i niewiele zrobiła, aby zadomowić się zachodniej sztuki w Rosji.
Zdecydowany krok w kierunku umocnienia tej sztuki nastąpił w 1757 r., kiedy według projektu I. Szuwałowa utworzono odrębną niezależną Akademię Sztuk Pięknych „trzech najszlachetniejszych sztuk”, w której kształcili się znani artyści, niektórzy członkowie akademii paryskich, którzy tworzyli podstawą prawidłowego nauczania sztuki.
Akademia Katarzyny II, dobrze ugruntowana pod przewodnictwem Kokorinowa i Łosenki, otrzymała solidniejszą strukturę. Według projektu Betsky otworzyła zamkniętą szkołę edukacyjną, której celem było przygotowanie rozwiniętych artystycznie uczniów do Akademii od wczesnego dzieciństwa. W tym samym celu, jakim było zaszczepianie gustu artystom, Akademia przyjęła zwyczaj wysyłania najlepszych studentów za granicę w celu doskonalenia. Oczywiste jest, że ta Akademia, która miała starannie zaszczepiać i chronić sztukę w Rosji, stworzona według modelu francuskiego, powołana do życia nie z potrzeb społeczeństwa, ale z pragnienia władzy rządowej, żyła przez długi czas imitacją i nie miał podłoża narodowego. Artyści, których wyprodukowali, przez długi czas pracowali na zlecenie dworu i szlachty. Głównymi rodzajami malarstwa tej epoki było malarstwo historyczne i konwencjonalny pejzaż heroiczny w stylu Poussina i Claude'a Lorraina. Ale wśród bezbarwnych imitacji modeli francuskich już pod koniec XVIII i na początku XIX wieku można zauważyć pewne cechy w rosyjskiej szkole malarstwa.
W historycznych obrazach Kozłowa, Sokołowa, Akimowa i Ugryumowa dobrze zachował się poprawny rysunek odziedziczony od Łosenki. W pejzażach Siemiona Szczedrina, Aleksiejewa, Martynowa, Matwiejewa pojawiają się pierwsze słabe próby przeniesienia na obraz otaczającej nas rosyjskiej rzeczywistości, ale w kolorystyce utartych konwencji. Namacalne pragnienie prawdomówności można znaleźć u najlepszych portrecistów tego samego czasu - Lewickiego, Rokotowa, Antropowa, Borowikowskiego i Kiprenskiego.
Do połowy XIX w. główny nurt malarstwa rosyjskiego wywodził się jeszcze ze źródeł zachodnioeuropejskich. W dalszym ciągu próbowali naśladować Francuzów lub Włochów, a głównie Bolończyków. Tak pojawili się rosyjscy Poussins, Caracci, Raphaeli, Guido-Reni. Obrazy Jegorowa, Szebujewa, Andrieja Iwanowa, wyróżniające się klasycznie surowym designem, antycznymi formami, głębokim przemyśleniem, reprezentacyjną kompozycją i płynnym, mistrzowskim wykonaniem, pokazały, że artyści ci otrzymali dobre wykształcenie formalne i opanowali panujący styl. Ale te same zdjęcia pokazywały chłód, sztuczność, brak świeżej kreatywności i niezależności. Przyczyną tych ostatnich niedociągnięć jest zarówno panujący styl, jak i organizacja edukacji akademickiej, nastawiona na rozwój formalny i naśladownictwo. Do tego dochodziła szczególna pozycja sztuki w społeczeństwie rosyjskim.
Za Aleksandra I i na początku panowania Mikołaja I jedynie dwór i arystokracja zapewniały wsparcie i mecenat malarstwu rosyjskiemu. To wsparcie i mecenat zmusiły malarzy do dostosowania się do gustów swoich mecenasów. Zdobione portrety, zimne obrazy kościołów, obrazy historyczne, alegoryczne abażury, panegiryczne obrazy batalistyczne - tym zajmowali się rosyjscy artyści, ciężko pracując, tworząc swoje zimne, oficjalne i eklektyczne obrazy, które nie miały własnego wyglądu konwencjonalnym suchym rysunkiem. Pierwsze próby przełamania tej suchej sztuki, ożywienia rysunku poprzez kopiowanie żywej natury bez zapamiętanych technik - te pierwsze kroki w kierunku niezależności - podejmowali Varnek, Basin, Bruni.
Ale tylko utalentowany Karl Bryullov zdołał się przebić i tchnąć w to życie. Swoim kolosalnym, szeroko malowanym, spektakularnym obrazem „Ostatni dzień Pompejów” natychmiast przełamał monotonną, nudną monotonię, zimny spokój klasycyzmu, wprowadził wyczucie koloru i nawoływał do prób samodzielnej twórczości. Bryullov wniósł zainteresowanie sztuką do społeczeństwa, witalność i romantyzm do sztuki. Jego akwarele, a zwłaszcza portrety, były zwiastunami realizmu. Drogę do realizmu wytyczyli głęboki, poważny A. Iwanow, który większość swojego życia poświęcił tworzeniu „Pojawiania się Chrystusa ludziom”, aby ucieleśnić wydarzenie możliwą rzeczywistością, oraz Sylwester Szczedrin, który w swoich pejzażach porzucił konwencje Poussina i energicznego następcy Szczedrina – Lebiediewa.
W drugiej ćwierci XIX w. znacznie wzrosła liczba artystów, zauważalnie wzrosło zainteresowanie malarstwem i z wąskiej sfery, dworskiej i arystokratycznej, zaczęło się szerzej rozprzestrzeniać w społeczeństwie. Wystawy sztuki zaczęły przyciągać wszystkich większa liczba goście. W społeczeństwie zaczęli pojawiać się amatorzy, którzy chętnie kupowali obrazy rodzimych artystów, a nawet umieszczali je w galeriach. Zapotrzebowanie na edukację artystyczną rozwinęło się tak bardzo, że samo społeczeństwo zaczęło pomagać Akademii. Na prowincji powstało wiele prywatnych szkół rysunkowych i malarskich, w Moskwie utworzono klasę plastyczną, w Petersburgu powstało stowarzyszenie zachęcające artystów, które wiele zrobiło dla wspierania sztuki i szerzenia oświaty i sztuki. Krąg amatorów, który w 1833 roku założył klasę plastyczną, wkrótce przekształcił się w Towarzystwo Miłośników Sztuki, w ramach którego w 1843 roku klasa plastyczna przekształciła się w szkołę malarstwa i rzeźby (później architektury), która wydała wielu utalentowanych artystów. Cesarz Mikołaj I aktywnie wspierał i patronował malarstwu rosyjskiemu. W 1825 roku w Ermitażu, dostępnym dla publiczności, między innymi szkołami, powstał wydział malarstwa rosyjskiego, wprawdzie niezbyt bogaty w liczbę obrazów, ale Mikołaj I nabył do swojego pałacu wiele obrazów rosyjskich artystów. Wszystko to przyspieszyło pojawienie się rosyjskiej sztuki narodowej.
Już od dawna w ramach głównego oficjalnego nurtu sztuki przebija się, stopniowo rozszerzając, żywy nurt realizmu i nacjonalizmu. Wspinać się ducha narodowego, rozwój samoświadomości, który rozpoczął się od czasów Aleksandra I, dojrzałość sztuki, wyzwolenie się od naśladownictwa, w którym zawsze mija pierwszy okres istnienia każdej sztuki, objawił się w tym, że malarze zaczęli tworzyć próbuje zobrazować ich najbliższą rzeczywistość, zbliżyć się do ludzi. Głównym pionierem nacjonalizmu i realizmu, po Orłowskim, który jako pierwszy podjął śmiałe, ale płytkie próby w tym kierunku, nie był członek Akademii Weneckiej, który na początku XIX wieku odważnie zwrócił się w stronę malarstwa niskiego. w tamtym czasie - do gatunku, przedstawienia życia chłopskiego. Nie wdając się w głębokie przemyślenia, Venetsianov poszukiwał piękna w otaczającej rzeczywistości i zadowalał się po prostu oddaniem natury. To świadome przekazywanie natury było konieczne i miało ogromne znaczenie, gdyż sprzyjało umiejętności widzenia i rozumienia rzeczywistości takiej, jaka jest, bez upiększeń, a tym samym torowało drogę do kierunku narodowo-realnego.
Venetsianov miał wielu uczniów, ale niewielu poszło w jego ślady. Ci ostatni, nie wyróżniający się dużym talentem, nie byli w stanie posunąć do przodu malarstwa gatunkowego, zwłaszcza w czasach, gdy grzmiał K. Bryullov. Malarze historyczni okresu Bryulłowa - Basin, Shamshin, Nef, Moller, Flavitsky - zajmowali się zimnymi, spektakularnymi, melodramatycznymi, mistrzowsko malowanymi obrazami. Sauerweid, Kotzebue, Villewald malowali panegiryczne obrazy batalistyczne. Ale wraz z portretami zdobionymi na wystawach od końca lat trzydziestych XIX wieku zaczęły pojawiać się prawdziwe portrety Bryulłowa, Tyranowa, Zaryanki; wraz z widokami Konstantynopola i zdjęciami z życia Włochów - zdjęciami z życia Rosjan. Gatunki Sternberga, Czernyszewa, Sokołowa, opracowane w celu afiszowania się ze zwycięstwem nad trudnościami technicznymi, pokazały zrozumienie rosyjskiego życia. Po utalentowanych i pełnych humoru filmach gatunkowych Fiedotowa w latach 60. gatunek ten zyskał na popularności: Timm, Andr. Popow, Trutowski wymyślają obrazy z przemyślanej rzeczywistości rosyjskiej.Ten nowy kierunek dalszego rozwoju ominął Akademię, która trzymała się z daleka od tego ruchu. Mocno wyznawała pogląd, że związek sztuki z życiem jest bluźnierstwem, a jedynym zadaniem artysty jest rysunek, technologia i odwieczne uniwersalne ideały.
Wraz z wstąpieniem Aleksandra II na tron wyłaniający się trend realno-narodowy zyskał powszechny rozwój. Ułatwiło to podwyżka świadomość społeczna, całkowita wolność sztuki, nieograniczona obecnie przez kierownictwo rządu, zmiany w organizacji edukacji artystycznej na Akademii. Zamiast uczniów z zabijającej niepodległość szkoły Betskiego, Akademię wypełniła młodzież z różnych stron Rusi, bliższa życiu, przepojona samoświadomością narodową, bardziej świadoma i wykształcona artystycznie, bardziej niezależna.
Nie potrafili pogodzić się z konwencją programy klasyczne Akademia i wśród 13 z Kramskojem na czele opuściła Akademię w 1863 roku. W 1872 roku utworzyli „spółkę”. wystawy objazdowe”, który stał się głównym ośrodkiem rosyjskiej szkoły narodowej. Dołączyli do niego prawie wszyscy wybitni talenty lat 70. i 80.. Wystawy, podróżujące corocznie do najważniejszych miast Rosji, przyczyniły się do rozwoju edukacji artystycznej i zainteresowania wśród rosyjskiego społeczeństwa .
Wzrost i poszerzenie zrozumienia i potrzeb artystycznych znajduje odzwierciedlenie w powstaniu wielu stowarzyszeń artystycznych, szkół, szeregu prywatnych galerii (Galeria Trietiakowska) i muzeów nie tylko w stolicach, ale także na prowincji, we wprowadzeniu do rysunku szkolnego edukacji, w zbiorach kongresu artystycznego w Moskwie w 1894 roku.
Wszystko to w połączeniu z pojawieniem się wielu znakomitych dzieł rosyjskich artystów pokazuje, że sztuka zakorzeniła się na ziemi rosyjskiej i stała się narodowa. Nowa rosyjska sztuka narodowa różniła się znacznie tym, że wyraźnie i silnie odzwierciedlała główne nurty rosyjskie życie publiczne. Najwyraźniej widać to na polu gatunkowym. Po pierwszej galaktyce malarzy gatunkowych z lat 50., którzy przedstawiali wesołe sceny, w latach 60. pojawili się malarze gatunkowi o kierunku społecznie tendencyjnym.
Malarstwo, a zwłaszcza gatunek, uważał się za powołanych do działania edukacyjnego, do walki, do głoszenia, do potępiania. Największym przedstawicielem tego nurtu literackiego w malarstwie był Perow, za nim stanęli Pukirev, Korzukhin, Pryanishnikov, Savitsky, Zhuravlev, Myasoedov, Yaroshenko i częściowo M. Klodt. Galaktyka ta podążała za literaturą oskarżycielską, używając rysunków dobrze wyuczonych w starej szkole do wyrażania pomysłów. Kierunek literacki znalazł odzwierciedlenie w przewadze idei, treści i osłabieniu elementów czysto obrazowych - plastyczności i koloru.
Kiedy emocje opadły, a uczucia opadły, obraz zaczął tracić swój pouczający ton. Tendencyjny kierunek zaczął schodzić na dalszy plan, a jego miejsce zajęła nowa generacja artystów gatunkowych, w których malarskie plastyczne instynkty formy i koloru, chęć nie przekazania idei, ale przekazania nastroju, zaczęły bardzo przemawiać silnie. Są to Arkhipow, Baksheev, Bogdanov-Belsky, Kasatkin, Pasternak, Tvorozhnikov i inni. Zwolennicy tego nurtu czasami dążą do nastroju i koloru nawet ze szkodą dla pomysłu i projektu.
Na skrzyżowaniu jednego i drugiego pokolenia stoją najwybitniejsi malarze gatunkowi: subtelny, wszechstronny obserwator i żywy malarz Wołkow. Gatunkowy i tendencyjny charakter nabrało także malarstwo batalistyczne: V.V. Vereshchagin, przedstawiający w całej prawdzie nieludzkie okropności wojny , głosi pokój w swoich obrazach. Najnowsza generacja malarzy batalistycznych – Samokisz, Kiwszenko, Kowalewski – zajmuje się głównie codzienną stroną życia wojskowego, jego typami.
Malarstwo religijne podążało tą samą drogą prawdziwego gatunku i tendencji, później niż inne rodzaje malarstwa przyjęło kierunek narodowy. Skrajny wyraz nurtu literackiego w tej dziedzinie malarstwo religijne Był tam obraz Ge „Ostatnia wieczerza”.

W drugiej połowie XVIII wieku w sztuce rosyjskiej ukształtował się styl klasycyzmu, który charakteryzował się rygorem rysunku i konsekwencją kompozycji. pewne zasady, konwencja kolorystyczna, wykorzystanie scen z Biblii, Historia starożytna i mitologia. Oryginalność rosyjskiego klasycyzmu polegała na tym, że jego mistrzowie zwrócili się nie tylko ku starożytności, ale także do rodzima historiaże dążyli do prostoty, naturalności i człowieczeństwa. Klasycyzm jako kierunek w rosyjskiej kulturze artystycznej ugruntował się całkowicie pod koniec XVIII - na początku XIX wieku. Ten okres rozkwitu klasycyzmu w rosyjskiej historii malarstwa nazywany jest zwykle wysokim klasycyzmem. Cechą charakterystyczną malarzy tamtych czasów była romantyczna afirmacja piękna wyjątkowego, indywidualnego, niezwykłego, ale najwyższego osiągnięcia tej epoki Dzieła wizualne w Rosji można uznać nie malarstwo historyczne, ale portret (A. Argunov, A. Antropow, F. Rokotow, D. Levitsky, V. Borovikovsky, O. Kiprensky).

O.A. Kiprensky (1782-1836) odkrył nie tylko nowe cechy ludzkie, ale także nowe możliwości malarstwa. Każdy z jego portretów ma swoją szczególną strukturę obrazową. Niektóre zbudowane są na ostrym kontraście światła i cienia. W innych głównym środkiem obrazowym jest subtelna gradacja kolorów, które są blisko siebie. Malarstwo K. P. Bryulłowa (1799-1852) charakteryzuje się połączeniem akademickiego klasycyzmu z romantyzmem, nowatorstwem tematów, teatralną skutecznością plastyki i oświetlenia, złożonością kompozycji, błyskotliwą wirtuozerią pędzla. Powszechnie znany był obraz „Ostatni dzień Pompei” (1830-1833). Wzniosłe piękno człowieka i nieuchronność jego śmierci odbijają się na obrazie w tragicznej sprzeczności. Romantyczny charakter jest także nieodłącznym elementem większości portretów Bryullowa. Największym mistrzem malarstwa historycznego był A.A. Iwanow nadał swemu malarstwu charakter ofiarnej służby i udało mu się przezwyciężyć wiele szablonów charakterystycznych dla techniki akademickiej.

W swoich pracach antycypował wiele poszukiwań rosyjskiego malarstwa realistycznego następnych dziesięcioleci.

Świadomy zwrot nowego malarstwa rosyjskiego w stronę realizmu demokratycznego nastąpił pod koniec lat 50. wraz z rewolucyjnym oświeceniem Czernyszewskiego, Dobrolubowa, Saltykowa-Szczedrina. 9 listopada 1863 r. 14 absolwentów Akademii Sztuk Pięknych pod przewodnictwem I. Kramskoja odmówiło namalowania obrazu dyplomowego na zaproponowany temat „Uczta w Walhalli” i poprosiło o możliwość samodzielnego wyboru przedmiotów. Spotkali się z odmową i buntowniczo opuścili Akademię, tworząc niezależny Artel Artystów. Drugim wydarzeniem było utworzenie w 1870 r. „Stowarzyszenia Wystaw Objazdowych”, którego duszą był ten sam I. Kramskoy. Pieriewiżnicy zjednoczyli się w odrzuceniu „akademizmu” z jego mitologią, dekoracyjnymi pejzażami i pompatyczną teatralnością. Wiodące miejsce Ich twórczość przejęły sceny rodzajowe (codzienne). Chłopstwo cieszyło się szczególną sympatią Wędrowców. W tamtym czasie – w latach 60-70. XIX wiek - ideową stronę sztuki ceniono wyżej niż estetyczną. Być może największy hołd ideologii złożył V. G. Perow (1834–1882). Dowodami na to są jego obrazy, takie jak „Przybycie szefa śledztwa”, „Przyjęcie herbaciane w Mytishchi”, „Trojka”, „Starzy rodzice przy grobie syna”. Perow namalował wiele portretów swoich słynnych współczesnych (Turgieniew, Dostojewski). Portrety zajmowały główne miejsce w twórczości Kramskoya. Pisał Gonczarowa, Saltykowa-Szczedrina. Jest właścicielem jednego z najlepsze portrety Lew Tołstoj. Wzrok pisarza nie schodzi z widza, niezależnie od tego, z jakiego punktu patrzy na płótno.

Jeden z najbardziej mocne dzieła Kramskoy – obraz „Chrystus na pustyni”.

Nie można jednak powiedzieć, że Akademia Sztuk Pięknych nie promuje talentów. Najlepsze tradycje akademizmu rozwinęły się w imponujący sposób obrazy historyczne G. Semiradskiego, dzieła wcześnie zmarłego W. Smirnowa („Śmierć Nerona”), wspaniałe obrazy malarza morskiego, przedstawiciela romantyzmu Iwana Aiwazowskiego. Właściwie wielu pochodziło spod murów Akademii wybitni artyści. Są to Repin, Surikow, Polenow i Wasnetsow, a później - Serow i Vrubel.

Pieriedwiżnicy dokonali prawdziwych odkryć w malarstwie pejzażowym. A.K. Savrasovowi udało się pokazać piękno i subtelny liryzm prostego rosyjskiego krajobrazu. Jego obraz „Przybyły gawrony” (1871) skłonił wielu współczesnych do świeżego spojrzenia na rodzima przyroda. Piosenkarzem rosyjskiego lasu, epickiej szerokości rosyjskiej przyrody, został I. I. Szyszkin (1832–1898). A. I. Kuindzhi (1841-1910) urzekła malownicza gra światła i powietrza. Tajemnicze światło księżyca w rzadkich chmurach, czerwone odbicia świtu na białych ścianach ukraińskich chat, ukośne poranne promienie przedzierające się przez mgłę i bawiące się w kałużach na błotnistej drodze – te i wiele innych malowniczych odkryć uwiecznia na jego płótnach.

Rosyjski w szczytowym okresie pejzaż XIX wiek osiągnięty w twórczości ucznia Savrasowa

I. I. Lewitan (1860-1900). Lewitan to mistrz spokojnych, cichych krajobrazów.Człowiek nieśmiały i bezbronny, umiał odpoczywać jedynie w samotności, przesiąknięty nastrojem ulubionego krajobrazu.

Prowincjonalne miasto Plyos nad górną Wołgą mocno zakorzeniło się w twórczości Lewitana. W tych partiach stworzył swoje płótna: „Po deszczu”, „Ponury dzień”.

Malowano tam także spokojne, wieczorne pejzaże: „Wieczór nad Wołgą”, „Wieczór Złoty Róg”, „Wieczorne Dzwony”, „Cicha siedziba”.

W drugiej połowie XIX w. oznacza twórczy rozkwit I. E. Repina, V. I. Surikowa i V. A. Serowa.

I. E. Repin (1844-1930) był artystą niezwykle wszechstronnym. W jego pędzlu znajduje się wiele monumentalnych obrazów rodzajowych. Być może nie mniej imponujący niż „Woźnicy barek na Wołdze” jest obraz „Procesja religijna w Kurski obwód„Jasnoniebieskie niebo, przebite przez słońce chmury pyłu drogowego, złoty blask krzyży i szat, policja, zwykli ludzie i kaleki – wszystko mieści się na tym płótnie: wielkość i siła, i słabość, i ból Rosji. Wiele obrazów Repina poruszało tematykę rewolucyjną („Odmowa spowiedzi”, „Nie spodziewali się”, „Aresztowanie propagandysty”). Wiele płócien Repina powstało w tematy historyczne(„Iwan Groźny i jego syn Iwan”, „Kozacy piszący list do tureckiego sułtana” itp.). Repin stworzył całą galerię portretów. Malował portrety naukowców (Pirogowa i Sieczenowa), pisarzy Tołstoja, Turgieniewa i Garszyna, kompozytorów Glinki i Musorgskiego, artystów Kramskoja i Surikowa. Na początku XX wieku. otrzymał zamówienie na obraz „Uroczyste spotkanie Rada Państwa„. Artystce udało się nie tylko umieścić taką kompozycję na płótnie duża liczba obecnych, ale także nadanie wielu z nich cech psychologicznych.

V. I. Surikow (1848-1916) urodził się w Krasnojarsku, w Kozacka rodzina. Rozkwit jego twórczości przypadł na lata 80., kiedy stworzył trzy najsłynniejsze obrazy historyczne: „Poranek Streltsy wykonanie„, „Mienszykow w Berezowie” i „Boyarina Morozowa”. Surikow dobrze znał życie i zwyczaje minionych epok i wiedział, jak przekazywać żywe cechy psychologiczne. Ponadto był doskonałym kolorystą. Wystarczy przypomnieć sobie olśniewająco świeży, lśniący śnieg w filmie „Boyaryna Morozova”. Jeśli zbliżysz się do płótna, śnieg wydaje się „kruszyć” w niebieskie, jasnoniebieskie i różowe pociągnięcia. Ta technika malarska, w której dwa lub trzy różne pociągnięcia łączą się na odległość i dają pożądany kolor, była szeroko stosowana przez francuskich impresjonistów.

V. A. Serow (1865–1911), syn kompozytora, malował pejzaże, płótna o tematyce historycznej i pracował jako artysta teatralny. Ale to przede wszystkim portrety przyniosły mu sławę. W 1887 r. 22-letni Sierow spędzał wakacje w Abramcewie, daczy filantropa S.I. Mamontowa pod Moskwą. Pewnego dnia po obiedzie w jadalni przypadkowo zatrzymały się dwie osoby – Serow i 12-letnia Vera Mamontova. Usiedli przy stole, na którym stały brzoskwinie, a podczas rozmowy dziewczyna nie zauważyła, jak artystka zaczęła szkicować swój portret. Praca trwała miesiąc. Na początku września ukończono realizację „Dziewczyny z brzoskwiniami”. Obraz, mimo niewielkich rozmiarów, utrzymany w różowozłotej tonacji, sprawiał wrażenie bardzo „przestrzennego”. Było w nim dużo światła i powietrza. Dziewczyna, która przez chwilę siedziała przy stole i wpatrywała się w widza, była oczarowana swoją jasnością i duchowością.

A całe płótno pokryte było czysto dziecinnym postrzeganiem życia codziennego, kiedy szczęście nie rozpoznaje siebie, ale przed sobą - całe życie. Czas umieścił „Dziewczynę z brzoskwiniami” wśród najlepszych dzieł portretowych w malarstwie rosyjskim i światowym.

Zwrócenie się ku tematyce narodowej doprowadziło do niespotykanego dotąd rozkwitu malarstwa historycznego i batalistycznego. Prawdziwe arcydzieła w tych gatunkach stworzyli V. Surikov, I. Repin, N. Ge, V. Vasnetsov, V. Vereshchagin, F. Roubaud. W tych latach otwarto pierwsze krajowe galerie sztuki; prace rosyjskich artystów zaczynają regularnie pojawiać się na wystawach międzynarodowych i zagranicznych salony artystyczne. Wiele obrazów Repina, Surikowa, Lewitana, Sierowa i innych Pieredwiżników trafiło do kolekcji Tretiakowa. P. M. Tretiakow (1832-1898), przedstawiciel starej moskiewskiej rodziny kupieckiej, był osobą niezwykłą. Szczupły i wysoki, z gęsta broda i cichym głosem brzmiał bardziej jak święty niż kupiec. Kolekcjonerstwo obrazów artystów rosyjskich rozpoczął w 1856 roku. Jego hobby stało się głównym zajęciem jego życia. Na początku lat 90. zbiory osiągnęły poziom muzealny, pochłaniając niemal cały majątek kolekcjonera. Później stał się własnością Moskwy. Galeria Trietiakowska stała się znanym na całym świecie muzeum rosyjskiego malarstwa, grafiki i rzeźby. W 1898 r. Otwarto Muzeum Rosyjskie w Petersburgu, w Pałacu Michajłowskim (twórstwo K. Rossiego). Otrzymał prace rosyjskich artystów z Ermitażu, Akademii Sztuk i niektórych pałaców cesarskich. Otwarcie tych dwóch muzeów zdawało się być zwieńczeniem osiągnięć malarstwa rosyjskiego XIX wieku. Pod koniec lat 90. XIX wieku czołowi mistrzowie nadal pracowali owocnie krytyczny realizm- I. E. Repin,

V.I. Surikov, V.M. Vasnetsov, V.E. Makovsky, ale w tym czasie w sztuce pojawiła się inna tendencja. Wielu artystów starało się teraz znaleźć w życiu przede wszystkim jego poetyckie strony, a zatem nawet w obrazy rodzajowe obejmowały krajobraz. Często sięgali do historii starożytnej Rosji. Te trendy w sztuce można wyraźnie zobaczyć w twórczości takich artystów jak A.P. Ryabushkin i M.V. Nesterov.

Najważniejszy artysta tamtych czasów, B. M. Kustodiew (1878-1927), przedstawia jarmarki z wielobarwnymi łyżkami i stosami kolorowych towarów, rosyjską Maslenicę z jazdą w trójkach, sceny z życia kupieckiego.

We wczesnej twórczości M. V. Niestierowa najpełniej ujawniły się liryczne strony jego talentu. Pejzaż zawsze odgrywał dużą rolę w jego obrazach: artysta szukał radości w ciszy wiecznie pięknej przyrody. Uwielbiał przedstawiać brzozy o cienkich pniach, delikatne łodygi traw i kwiatów łąkowych. Jego bohaterami są chuda młodzież, mieszkańcy klasztorów lub życzliwi starcy, którzy odnajdują spokój i ciszę w naturze. Obrazy poświęcone losowi Rosjanki przepełnione są głębokim współczuciem („W górach”, 1896, „Wielka tonsura”, 1897–1898).

Symbolizm, neoklasycyzm i modernizm mają zauważalny wpływ na twórczość M.A. Vrubel, artyści ze „Świata sztuki” (A. Benois, K. A. Somov, L. S. Bakst, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lanceray, A. P. Ostroumova-Lebedeva.) i „Blue Rose” (S. Sudeikin, N. Krymov, V. Borisov -Musatow). Działalność tych grup była bardzo wszechstronna, artyści wydawali własne czasopismo „Świat Sztuki” oraz organizowali ciekawe wystawy plastyczne z udziałem wielu wybitnych artystów.

W latach 1910 Rosyjska awangarda rodzi się z chęci odbudowania podstaw sztuki, aż do zaprzeczenia samej sztuce. Cała linia artyści i stowarzyszenia twórcze tworzą nowe szkoły i nurty, które wywarły decydujący wpływ na rozwój światowej sztuki pięknej - suprematyzm (K. Malewicz), styl „improwizacyjny” i abstrakcjonizm (W. Kandinsky), Rayonizm (Larionov) itp. Wszystkie ruchy awangardy sztukę garde cechuje substytucja treści duchowych, pragmatyzm, emocjonalność – trzeźwa kalkulacja, obrazowość artystyczna – prosta harmonizacja, estetyka form, kompozycja – design, wielkie pomysły- utylitaryzm. Nowa sztuka urzeka nieskrępowaną swobodą, urzeka i urzeka, ale jednocześnie świadczy o degradacji, destrukcji integralności treści i formy. Atmosfera ironii, zabawy, karnawału i maskarady właściwa niektórym ruchom sztuki awangardowej nie tyle maskuje, ile odsłania głęboką wewnętrzną niezgodę w duszy artysty. Pojęcie „awangardy” tradycyjnie łączy w sobie różne ruchy artystyczne XX wieku. (konstruktywizm, kubizm, orfizm, op-art, pop-art, puryzm, surrealizm, fowizm). Głównymi przedstawicielami tego ruchu w Rosji są W. Malewicz, W. Kandinski, M. Łarionow, M. Matiuszyn, Jakułow, A. Ekster, B. Ender i inni.

W latach 1910 Odżyło także zainteresowanie malarstwem ikon. Artystyczne zasady malowania ikon twórczo stosowali poszczególni artyści rosyjscy (W. Wasniecow, M. Niestierow, K.S. Pietrow-Wodkin) i zagraniczni (A. Matisse), a także całe ruchy i szkoły awangardy.

Od końca lat 20. w Rosji ustanowiono zasadę realizmu socjalistycznego. Ideologia staje się główną siłą determinującą twórczość artystyczną. Pomimo silnego wpływu ideologii powstały prawdziwe dzieła sztuki na światowym poziomie. Twórczość malarzy krajobrazu S.V. Gerasimowa, V.N. Baksheeva, A.A. Plastow, twórczość P.D. Korina, A.N. Witty-Lebiediewa, I. Głazunow, K. Wasiljew, A. Sziłow, A. Isaczowa są tego przekonującym dowodem. Od lat 60. XX wieku Nadchodzi odrodzenie rosyjskiej awangardy. „Dozwolona”, ale nieoficjalna część sztuki radzieckiej lat 60. reprezentowane przez dzieła mistrzów „stylu surowego” (T. Salachow, S. Popkow). W latach 1970-1980. kreatywność zyskała uznanie artyści radzieccy- R. Bichunas, R. Tordia, D. Zhilinsky, A. Zverev, E. Steinberg, M. Romadin, M. Leis, V. Kalinin i inni, przedstawiciele nie tylko „sztuki oficjalnie dozwolonej”. Rosyjski postmodernizm lat 90. XX wieku jest przykładem twórczości grupy „SVOI” (Hyper-Pupper-Kuznetsov V., Veshchev P., Dudnik D., Kotlin M., Maksa-Maksyutina, Menus A., Nosova S., Podobed A., Tkaczow M.). Już sam fakt jednoczenia różnorodnych artystów w jeden żywy organizm, nieograniczony granicami pojęciowymi czy stylistycznymi, najściślej koresponduje z podstawową zasadą postmodernizmu dotyczącą paralelizmu i równoważności nurtów artystycznych.

malarstwo klasycystyczne

„Dar wnikliwości historycznej jest jednym z najrzadszych zjawisk na świecie, choć niemal wszyscy odczuwają naszą tajemniczą, mistyczną więź ze zmarłymi, z zaginionymi. Zagłębienie się w dawną przeszłość, pożycie choć na chwilę w interesie tych zmarłych to dla każdego ogromna przyjemność... Jednak wskrzeszenie przeszłości, ukazanie jej z całą ostrością i pewnością rzeczywistości to los nielicznych. Wymaga to więcej niż jednej wiedzy.”

1. Anton Losenko „Władimir i Rogneda”, 1770

Założyciel rosyjskiego malarstwa gatunkowego historycznego nazywany jest zwykle Antonem Losenko (1737–1773), artystą studiującym we Francji i Włoszech, pierwszym emerytem petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych. Płótno „Władimir i Rogneda” po raz pierwszy w sposób wyrazisty i zwięzły przedstawił rosyjską starożytność. Dzięki pracom Antona Losenki przedmioty z historii starożytnej Rosji zaczęto uważać w akademii za nie mniej uzasadnione niż przedmioty z historii starożytnej i biblijnej.

„Przedstawiłem Włodzimierza w ten sposób: kiedy po zwycięstwie i zdobyciu miasta Połocka wkroczył do Rognedy i zobaczył ją po raz pierwszy, dlatego fabułę obrazu można nazwać pierwszym spotkaniem Włodzimierza z Rognedą, w który Włodzimierz jest przedstawiany jako zwycięzca, a dumna Rogneda jako jeniec. Włodzimierz na Rognede ożenił się wbrew jej woli, ale poślubiając ją, musiał ją kochać. Dlatego przedstawiłem go jako kochanka, który widząc zhańbioną swoją narzeczoną i pozbawiony wszystkiego, musiał ją pieścić i przepraszać, a nie jak inni wnioskują, że sam ją zhańbił, a potem się z nią ożenił, co wydaje mi się bardzo nienaturalne, a jeśli tak było, to moje zdjęcie przedstawia tylko już pierwsza randka.

Anton Losenko

2. Grigorij Ugryumov „Wybór Michaiła Fiodorowicza Romanowa do królestwa 14 marca 1613 r.” Nie później niż w 1800 r.

Malarze historyczni często sięgali po wydarzenia z historii Rosji, które odegrały znaczącą rolę w rozwoju państwa. Należą do nich wybór Michaiła Fiodorowicza Romanowa na tron w Soborze Zemskim na Kremlu, co zapoczątkowało nową dynastię. Młody król ukazany jest jako anielski młodzieniec, który swój wybór postrzega jako wielkie brzemię, jakie nałożył na niego los. Gestem, od którego zdaje się próbować się odizolować Wola boska, na co duchowny, podnosząc rękę, wskazuje na niego. Młodzieniec nawet nie patrzy na klęczącego mężczyznę, który podaje mu berło i leżący na poduszce kapelusz Monomacha. Cała scena ma charakter teatralny. Główni bohaterowie są wyniesieni i jasno oświetleni. Ich gesty są przemyślanie wyraziste. Ludzie wypełniający katedrę i wyciągający ręce w modlitwie o przyjęcie wysokiej rangi i położenie kresu niepokojom w państwie wyglądają jak statyści podkreślający i podnoszący rangę głównych bohaterów.

3. Wasilij Sazonow „Dmitrij Donskoj na polu Kulikowo”, 1824

Program dla akademików, za który Wasilij Kondratiewicz Sazonow otrzymał małe srebrne i złote medale (1811), nosił tytuł „Car Jan Wasiljewicz oddaje wodę przyniesioną mu przez żołnierzy w hełmie prostemu, gasnącemu z pragnienia wojownikowi, którego sam daje pić.”

Nie mniej patriotycznie brzmiał program „Wierność Bogu i Władcy obywateli rosyjskich, którzy rozstrzelani w Moskwie w 1812 r., w duchu stanowczym i szlachetnym poszli na śmierć, nie godząc się na wykonanie rozkazu Napoleona”, za który W. Sazonow otrzymał odznaczenie dużą sumę w 1813 r. złoty medal i prawo do wyjazdu na emeryturę za granicę, przełożonego na 1818 r. ze względu na wydarzenia wojenne w Europie. Podróż V.K. Sazonova zakończyła się sukcesem: przywiózł z Włoch kopie obrazów Caravaggia i Tycjana. Za nich i swoje oryginalne dzieło „Dmitrij Donskoj na polu Kulikowo” malarz otrzymał tytuł akademika w 1830 roku.

4. Nikołaj Ge „Piotr I przesłuchuje carewicza Aleksieja w Peterhofie”, 1871

© Zdjęcie: ru.wikipedia.org "Wszędzie i we wszystkim czułem wpływ i ślad reformy Piotra. To uczucie było tak silne, że mimowolnie zainteresowałem się Piotrem i pod wpływem tej pasji powstał mój obraz "Piotr I i carewicza Aleksieja”” .

Nikołaj Ge „Teraz trudno wyobrazić sobie scenę przesłuchania inaczej niż na płótnie Ge”.… Każdy, kto widział te dwie proste, wcale nie spektakularnie inscenizowane postacie – pisał Saltykov-Szchedrin – „był świadkiem jednego z tych oszałamiających dramatów, które nigdy nie zostały wymazane z pamięci. Artysta ponownie wybiera na obraz moment, w którym w relacji ojca z synem wszystko zostało już przesądzone. Piotr, budując odnowione państwo, świadomie poświęca syna, aby rządy Aleksieja nie upadły jak „ciężki kłoda” pod stopami Rosji. Pewny swojej słuszności „Piotr uważnie przygląda się żałosnej, bezbronnej postaci swojego syna. Wyraz spuszczonych oczu Aleksieja zdradza upór i nadzieję na odwrócenie wszystkiego. Krwawoczerwony obrus z wyraźnym wzorem spada na podłogę, rozdzielając na zawsze ojca i syna. Osobisty dramat w malarstwie Ge jest także dramatem historycznym.

Władimir Sklyarenko, krytyk sztuki

5. Ilya Repin „Kozacy piszą list do tureckiego sułtana”, 1880-1891

© Foto: ru.wikipedia.org Według legendy list został napisany w 1676 roku przez atamana koszskiego Iwana Sirko „wraz z całym Zaporożem Koszem” w odpowiedzi na ultimatum sułtana Imperium Osmańskie Mehmed (Mahomet) IV. Oryginał listu nie zachował się, ale w latach 70. XIX w. etnograf-amator z Jekaterynosławia Jakow Nowicki odnalazł kopię wykonaną w XVIII w. Przekazał to znany historyk Dmitrij Jawornicki, który kiedyś przeczytał to jako ciekawostkę dla swoich gości, wśród których był zwłaszcza Ilja Repin. Artysta zainteresował się tematem i w 1880 roku rozpoczął pierwszą serię szkiców.

"Pracowałem nad ogólną harmonią obrazu. Cóż to za praca! Każde miejsce, kolor, linia muszą razem wyrażać ogólny nastrój fabuły oraz być spójne i charakteryzować każdy temat na zdjęciu. Musiałem poświęcić dużo i dużo się zmienia, zarówno jeśli chodzi o kolorystykę, jak i osobowość... Czasami po prostu pracuję, aż upadnę... Staję się bardzo zmęczony.

Ilia Repin

6. Wasilij Surikow „Poranek egzekucji Streltsy”, 1881

© Foto: ru.wikipedia.org "Dostojewski mówił, że nie ma nic bardziej fantastycznego niż rzeczywistość. Potwierdzają to szczególnie obrazy Surikowa. Jego egzekucja łuczników wśród pochmurnego Placu Czerwonego, ze złowrogą sylwetką tyłu św. Bazylego, z żałosne świece migoczące w porannej ciemności, z procesją kalekich ludzi, wlokącą się pod groźnym spojrzeniem cara Antychrysta, znakomicie oddaje całą nadprzyrodzoną grozę początku tragedii Piotra Wielkiego.

Aleksander Artysta Benoita, krytyk

7. Wasilij Perow „Nikita Pustosvyat. Spór o wiarę”, 1881

© Foto: ru.wikipedia.org Wasilij Perow wybrał temat religijny schizma XVII stulecia, który w rezultacie powstał reformy kościelne Patriarcha Nikona. Nikita Pustosvyat (prawdziwe nazwisko - Dobrynin Nikita Konstantinowicz; przydomek „Pustosvyat” nadali zwolennicy oficjalnego kościoła), ksiądz Suzdal, jeden z ideologów schizmy. Sobór Kościoła w latach 1666–1667 potępił go i zdetronizował. W 1682 r. schizmatycy wykorzystali powstanie Streltsy w Moskwie i zażądali powrotu Kościoła do „starej wiary”. Na Kremlu odbyła się „debata o wierze”, której głównym mówcą był Nikita Pustoswiat.

W centrum sam Nikita, obok niego mnich Sergiusz z petycją, na podłodze Atanazy, arcybiskup Kholmogory, na którego policzku Nikita „odcisnął krzyż”. W tle przywódca Streltsy, książę I. A. Chovansky. Księżniczka Zofia wstała z tronu w gniewie, zirytowana bezczelnością schizmatyków. Następnego dnia Nikita i jego zwolennicy zostali ścięci pod zarzutem oburzenia ludu.

„Artysta musi być poetą, marzycielem i co najważniejsze niestrudzonym pracownikiem… Kto chce być artystą, musi stać się kompletnym fanatykiem – osobą, która żyje i żywi się sztuką i tylko sztuką”.

Wasilij Perow

8. Konstantin Makovsky „Uczta weselna bojarska w XVII wieku”, 1883

© Zdjęcie: ru.wikipedia.org „Konstantin Makovsky pozostanie jednak, jeśli nie artystycznie, to przynajmniej historycznie całkiem ciekawy przykład. Odzwierciedla elitarną stronę rosyjskiego życia i wyrafinowane gusta lat 70. i 80.

Zamieszanie rosyjskiej opinii publicznej w kwestii oceny dzieła sztuki Najwyraźniej odzwierciedlało to fakt, że K. Makovsky przez długi czas był ulubieńcem wszystkich.

Szczególnie ciekawy jest szczery i hałaśliwy entuzjazm dla niego w naszej czołowej prasie, która ogłosiła „Ucztę bojara” i „Wybór panny młodej” jako pierwszorzędne przykłady współczesnego malarstwa”.

Alexandre Benois, artysta, krytyk

© Zdjęcie: ru.wikipedia.org „Pewnego wieczoru w Moskwie, w 1881 r., wysłuchałem nowego utworu Rimskiego-Korsakowa „Zemsta”. Wywarło to na mnie nieodparte wrażenie. Te dźwięki mnie urzekły i „Zastanawiałem się, czy dałoby się odzwierciedlić w malarstwie nastrój, jaki powstał we mnie pod wpływem tej muzyki. Przypomniałem sobie cara Iwana.”

"Pisałem salwami, cierpiałem, martwiłem się, raz po raz poprawiałem to, co już zostało napisane, ukrywałem to z bolesnym rozczarowaniem moimi umiejętnościami, ponownie to wydobywałem i znów przeszedłem do ataku. Przez kilka minut czułem strach. Odwróciłem się od tego zdjęcie, ukryłem. Rzuciło się na moich znajomych. „Wywarło to samo wrażenie. Ale coś mnie przyciągnęło do tego zdjęcia i znów nad nim pracowałem”.

Ilia Repin

10. Wasilij Surikow „Boyaryna Morozova”, 1887

© Zdjęcie: ru.wikipedia.org "Surikow stworzył teraz taki obraz, który moim zdaniem jest pierwszym ze wszystkich naszych obrazów na tematy z historii Rosji. Ponad tym obrazem jest nasza sztuka, która podejmuje się tego zadania przedstawiania historii dawnej Rosji jeszcze nie minął.”

Władimir Stasow, krytyk

„...Strona techniczna obrazów Surikowa jest nie tylko zadowalająca, ale wręcz piękna, gdyż w pełni oddaje intencje autora i że w istocie wszystkie... niedociągnięcia są raczej zaletami niż wadami. W tym znowu można czuje jego związek z brzydką techniką genialnego Dostojewskiego.Dzięki brakowi głębi perspektywicznej w Morozowej Surikow potrafił podkreślić typowe i w tym przypadku symboliczne zatłoczenie moskiewskich ulic, nieco prowincjonalny charakter całej sceny, która tak potwornie kontrastuje z entuzjastycznym okrzykiem główny bohater. Obraz ten został nazwany, chcąc go tym potępić, dywanem, ale w rzeczywistości dzieło to, zadziwiające harmonią różnorodnych i jasnych kolorów, zasługuje na miano pięknego dywanu już ze względu na jego ton, bardzo kolorową muzykę, która przenosi nas na starożytną, wciąż wyjątkowo piękną Ruś.” .

Alexandre Benois, artysta, krytyk

11. Wasilij Wierieszczagin „Napoleon na wzgórzach Borodino”, 1897

© Zdjęcie: ru.wikipedia.org „Przed Vereshchaginem wszystkie obrazy batalistyczne, które można było zobaczyć w naszych pałacach i na wystawach, w istocie przedstawiały eleganckie parady i manewry... Sama natura otaczająca te sceny została wyczesana i wygładzona, więc jak to w rzeczywistości nie mogło się zdarzyć nawet w najcichsze i najspokojniejsze dni, a jednocześnie wszystkie takie obrazy i obrazy były zawsze wykonane w ten słodki sposób, jaki przyniesiono nam za czasów Mikołaja Pierwszego...

Wszyscy byli tak przyzwyczajeni do obrazów wojny wyłącznie w postaci zabawnych, eleganckich i różowych wakacji, jakiejś zabawy z przygodami, że nikomu nie przyszło do głowy, że w rzeczywistości sprawy tak nie wyglądają. Tołstoj w „Sewastopolu” i „Wojnie i pokoju” zniszczył te złudzenia, a Wierieszczagin powtórzył w malarstwie to, czego Tołstoj dokonał w literaturze. Kiedy... rosyjska opinia publiczna zobaczyła zdjęcia Wierieszczagina, który nagle tak prosto, cynicznie zdemaskował wojnę i pokazał ją jako brudną, obrzydliwą, ponurą i kolosalną nikczemność, że opinia publiczna krzyczała na wszystkie możliwe sposoby i zaczęła nienawidzić i kochać taki śmiałek ze wszystkich sił.

© Zdjęcie: ru.wikipedia.org "Goście o północy pływają. Łagodnie opadający brzeg Zatoki Fińskiej rozciąga się jak jasny pasek. Woda wydaje się nasycona błękitem czystego wiosennego nieba, wiatr po niej marszczy , odpędzając matowofioletowe paski i kółka. Stado mew opadło na fale, beztrosko kołysały się i dopiero pod samym stępkiem przedniej łodzi błysnęły skrzydłami - coś nieznanego, niespotykanego dotąd zaalarmowało ich spokojne życie. Nowy strumień sprawia, że przedostając się przez stojącą wodę, wpadnie w odwieczne życie słowiańskie, przejdzie przez lasy i bagna, przetoczy się po szerokim polu, wychowa pokolenia słowiańskie - zobaczą rzadkich, nieznanych gości, zadziwią ich ściśle militarne , zgodnie z ich zamorskim zwyczajem. Gawrony ustawiają się w długim rzędzie! Jasna kolorystyka płonie w słońcu. Boki dziobu są efektownie podwinięte i zakończone wysokim, smukłym łukiem.

Mikołaj Roerich

14. Walentin Sierow „Piotr I”, 1907

„Piotr chodzi przerażająco, konwulsyjnie, jak automat... Wygląda jak Bóstwo Skały, prawie jak śmierć, wiatr szumi mu w skroniach i napiera na pierś, na oczy. Wypróbowane, zatwardziałe „pisklęta”, od których umył się i zmył, ledwo za nim nadąża.ostatni akcent pańskiego sybarytyzmu, którego zamienił w sanitariuszy i posłańców.Patrząc na to dzieło, ma się wrażenie, że...Cesarz Piotr I został opętany przez potężnego, strasznego boga , zbawiciel i karzący, geniusz o tak gigantycznej sile wewnętrznej, że cały świat musiał mu się podporządkować, a nawet żywioły.

Alexandre Benois, artysta, krytyk

15. Wasilij Efanow „ Niezapomniane spotkanie. Liderzy partii i rządu w Prezydium Ogólnozwiązkowej Konferencji Żon dyrektorów przedsiębiorstw oraz pracowników inżynieryjno-technicznych przemysłu ciężkiego na Kremlu”, 1936–1937

© Foto: www.school.edu.ru Pomysł na obraz podsunął Efanovowi komisarz ludowy przemysł ciężki – Grigorij Ordzhonikidze, przedstawiony na zdjęciu wśród innych przywódców. W dziele tym Efanow po raz pierwszy łączy elementy popularne w socrealizmie portret grupowy oraz obraz historyczny, składający się na kompozycję stanowiącą kulminację sceny teatralnej, z charakterystycznymi „inscenizacyjnymi” detalami – rytmem oklaskujących rąk, kwiatem spadającym na papiery prezesa, niestabilnie pochylonym krzesłem.

Malarstwo rosyjskie jako odzwierciedlenie światopoglądu narodu rosyjskiego i jego wielowiekowej historii

Świadome, twórcze istnienie narodu rosyjskiego na tej Ziemi, w tym Wszechświecie, w tym świecie trwa już ponad tysiąc lat. W tym czasie nasz naród stworzył wielkie państwo - jest wielkie nie tylko w swoich rozległych przestrzeniach, ale także w wielkości ducha narodu rosyjskiego i jego twórczych osiągnięć. W historii cywilizacji światowej istnieją takie pojęcia: wielka nauka rosyjska, wielka literatura rosyjska, wielkie malarstwo rosyjskie.

Malarstwo zajmuje szczególne miejsce w kreowaniu wizerunku człowieka. Ona jest widoczna. To jest jasne dla wszystkich. Jest bezpośrednio postrzegana przez duszę człowieka i staje się widoczną kontynuacją jego duszy, duszy całego narodu.

Nie każdy Rosjanin uważa, że to dzięki pracom wielkiego rosyjskiego naukowca I.P. Pawłowa ludzkość zbliżyła się do rozwiązania zagadki myślenia, że to rosyjski naukowiec V.I. Wernadski odkrył zasadę istnienia umysłu we Wszechświecie , a słynny D.I. Mendelejew nie tylko określił moc wódki, ale także wyjaśnił strukturę materii jako takiej. I nawet pamiętając nazwiska twórców literatury rosyjskiej, nie każdy czytał powieści F. M. Dostojewskiego i L. N. Tołstoja i będzie miał trudności z zapamiętaniem zapomnianego ze szkoły czterowierszu geniuszu wszechczasów A. S. Puszkina.

Ale chyba nie było w Rosji wsi, w której nie można było znaleźć reprodukcji „Trzech bohaterów” Wasnetsowa, czasami reprodukowanych niezbyt wprawną ręką. Lub „Poranki w Las sosnowy» Szyszkina. Albo jego „Sosny w zbożu”. Albo „Odpoczywający myśliwi” Perowa. Albo „Żona kupca” Kustodiewa.

Malarstwo rosyjskie – od miniatur kronikarskich i grafik popularnych po obrazy dramatyczne Repina i Surikowa – było zjawiskiem wszechogarniającym. „Dzieci uciekające przed burzą” Makowskiego, „Kozacy piszący list do tureckiego sułtana” Repina, „Bojaryna Morozowa” i „Przeprawa Suworowa przez Alpy” Surikowa, „ Złota jesień„Lewitan i krajobrazy Szyszkina, „Rosyjska piękność” Kustodiewa, „Jeździstka” Bryullowa, „Dziewiąta fala” Aiwazowskiego, chłopki z Wenecjanowa, „Tea Party w Mytiszczi” Perowa, baśniowi i epiccy bohaterowie Wasnetsowa , Bilibin, „Demon” Vrubela, „Święta Ruś” „Nesterowa”, „ Nierówne małżeństwo„Pukirew, „Kosiarki” Myasojedowa, „Major's Matchmaking” Fiedotowa, portrety A. S. Puszkina autorstwa Kiprensky'ego i Tropinina, portrety V. I. Dala i F. M. Dostojewskiego autorstwa Perowa, portrety rosyjskich carów i wizerunki koron artystki restauratorskiej Solntsevy – to wszystko nie są tylko obrazy. To dusza narodu rosyjskiego, twarz Rosji uchwycona pędzlem malarza.

Książka „Wielcy artyści Rosji” nie jest opracowaniem z zakresu historii sztuki, nie jest tylko albumem z reprodukcjami obrazów znanych artystów, nie jest zbiorem krótkich biografii rosyjskich malarzy z przykładami ich twórczości.

Książka ta odtwarza obraz Rosji w całej jej różnorodności. Ta książka powinna znaleźć się w każdej rodzinie, warto choć raz w roku zajrzeć do niej wspólnie z dziećmi, aby w widoczny sposób przypomnieć sobie: kim jesteśmy, czym jesteśmy i skąd pochodzimy. Jak trzeba ponownie przeczytać „Wojnę i pokój” Tołstoja, „Braci Karamazow” Dostojewskiego, „ Martwe dusze„Gogol, „Eugeniusz Oniegin” Puszkina. Trzeba to zrobić, aby zachować swoją esencję narodową, aby pozostać osobą rosyjskiego ducha, rosyjskiej kultury. Do tego celu przeznaczona jest książka „Wielcy artyści rosyjscy”. Tyle, że w odróżnieniu od powyższego, nie pisano go piórem i tuszem, lecz pędzlem i farbami. Ale zawiera nie mniej znaczenia, myśli i ducha.

W XXI wieku nasz kraj, nasza materialna i duchowa Ojczyzna, nie po raz pierwszy w swojej historii znalazła się na krawędzi zagłady. Długie jarzmo mongolsko-tatarskie pozostawiło szczególny ślad w naszej historii, ale nie mogło zatrzymać rozwoju Rosji. Zostało przezwyciężone i krótkie Czas kłopotów, co groziło krajowi utratą państwowości. Prawie siedemdziesięcioletnie jarzmo sowieckie wywarło najdotkliwszy i katastrofalny wpływ na duchowy, moralny i moralny charakter narodu rosyjskiego, który przetrwał epokę burzenia podstaw samoświadomości narodowej. Dwadzieścia lat poradzieckiej egzystencji jeszcze bardziej zbliżyło kraj na skraj materialnej i duchowej zagłady. Nikt nie wie, czy Rosja będzie w stanie przezwyciężyć tę duchową i moralną degenerację i rozkład i odrodzić się w swojej twórczej egzystencji, czy też zniknie z oblicza tej planety, z tego Wszechświata, tak jak kiedyś zniknęła Starożytna Grecja I Starożytny Rzym. Ale to, co zostało stworzone ręką i duchem człowieka, pozostaje. I bez względu na to, jak potoczą się przyszłe losy Rosji, jej historia i kultura pozostaną jednym z najważniejszych wyników ludzka egzystencja na tym świecie. Znaczące i widoczne, między innymi dzięki geniuszowi i dziełom rosyjskich artystów, wielkich malarzy i zwykłych twórców, którzy odtworzyli na swoich płótnach wielowiekową historię narodu rosyjskiego i jego twórcza dusza próbując zrozumieć tajemnicę istnienia człowieka w tym świecie, w tym wszechświecie, na tej Ziemi.

V. P. Butromeev

Z książki Bakczysaraj i pałace Krymu autor Gritsak Elena

Livadia dla królów i ludzi Zabytki Livadii zaczynają się od szczytu Mogabi (804 m n.p.m.), którego malownicze zbocza schodzą do doliny „wodospadu” rzeki Uchan-Su. Wąska krawędź wybrzeża od Jałty do przylądka Ai-Todor charakteryzuje się rzadkim skalistym krajobrazem i pięknymi

Z książki O sztuce [tom 2. Rosyjska sztuka radziecka] autor Łunaczarski Anatolij Wasiljewicz

Z książki Umieranie sztuki autor Weidle Władimir Wasiljewicz

Z książki Opakowania po cukierkach autor Genis Aleksander Aleksandrowicz

Rosyjska Trójca Wasnetsow Wiktor Wasniecow Bogatyrs.1881–1898 Olej na płótnie. 295,3 x 446 cm Państwowa Galeria Trietiakowska, Moskwa Gdybym był koniem, obraz „Trzej bohaterowie” byłby dla mnie ikoną. Konie Wasnetsowa odpadły lepiej niż ludzie. Te pierwsze zajmują więcej miejsca na płótnie niż te drugie, a

Z książki Wielkie tajemnice świata sztuki autor Korowina Elena Anatolijewna

Z książki Tom 5. Dzieła różnych lat autor Malewicz Kazimierz Siewierinowicz

„Przez wielowiekowe ścieżki sztuki…”* Horyzont to cyrkowy drut, po którym biegają artyści, żonglując przedmiotami. Horyzont - arena cyrkowa artyści. Okazało się, że poprzez wielowiekową ścieżkę Sztuki, która oznaczała coś wielkiego, objawienie nowych idei

Z książki Muzea Petersburga. Duży i mały autor Perwuszina Elena Władimirowna

Z książki Tretiakowa autor Anisow Lew Michajłowicz

Rozdział X PROWINCJA ROSYJSKA 1 marca 1881 roku na jednej z ulic Petersburga nastąpił wybuch. Nieznana osoba rzuciła bombę w przejeżdżający wagon z Aleksandrem II. W wyniku eksplozji bomby zginęło dwóch przechodniów, a oficer konwoju kozackiego został ranny. Cesarz pozostał

Z książki Skarby gór Riphean autor Lenkowska Elena

Wyższość rosyjskiej broni Trzeba powiedzieć, że regulacje państwowe, tak silne w epoce klasycyzmu, wpłynęły także na produkcję zdobionej broni. Broń w fabryce Zlatoust została wykonana na podstawie próbek przesłanych z Petersburga. Na szczęście stolica

Z książki Kto jest kim w świecie sztuki autor Sitnikow Witalij Pawłowicz

Rosyjska mozaika Podziwiając ogromne wazony w salach Ermitażu, błyszczące stoły i potężne kolumny w Pałacu Zimowym czy Katedrze św. Izaaka, nie należy się mylić – wszystkie te wyjątkowe przedmioty wykonane są z małych kawałków, a nie z litego kamienia Metoda, za pomocą której

Z książki O doświadczeniu. 1862-1917 Wspomnienia autor Niestierow Michaił Wasiljewicz

Z księgi Mistrza Malarstwa Historycznego autor Lachowa Krystyna Aleksandrowna

„Chrześcijanie” – „Dusza Ludu”. 1917 Nowy Rok 1917 świętowałem z rodziną w kościele Wielkiego Wniebowstąpienia na Nikitskiej. Ten piękny kościół powstał na miejscu starego z XVII wieku, z którego pozostała jedynie dzwonnica. Wielkie Wniebowstąpienie zostało stworzone myślą i środkami

Z książki Kryptografia sztuki [Zbiór artykułów] autor Pietrow Dmitry

Rosyjskie malarstwo historyczne Podobnie jak we Francji, malarstwo historyczne cieszyło się w Rosji niezwykłą popularnością, co było impulsem do powszechności gatunek historyczny nadała Akademia Sztuk Pięknych, założona w Petersburgu w XVIII wieku. Według akademika

Z książki Sztuka i życie przez Morrisa Williama

Dusza ludu (Ilya Barabasz) Artysta Michaił Wasiljewicz Niestierow uznał ten obraz za szczyt swojej twórczości, mówiąc: „Na początku życia - „Młodzież Bartłomiej”, pod koniec – „Dusza ludu” . I prawdą jest, że zamyka cykl refleksji zapoczątkowany „życiem” Sergiusza z Radoneża już w 1889 roku

Z książki Marca Chagalla autor Wilsona Jonathana

Z książki autora

Od redaktora wydania rosyjskiego W wydawnictwie „Tekst” w różne lata Ukazały się następujące książki związane z życiem i twórczością Marca Chagalla: Marc Chagall o sztuce i kulturze, wyd. Benjamin Harshav i Marc Chagall. Mój świat. Pierwsza autobiografia Chagalla, wyd. Benzoes

Za początek historii malarstwa rosyjskiego uważa się epokę przyjęcia chrześcijaństwa - koniec X wieku. Wraz z ideologią chrześcijańską na Rusi szerzyły się tradycje malarstwa bizantyjskiego, które dominowały aż do XV wieku. Obrazy Musiy (musiyny – wykonane na barwionym drewnie) powstają w pierwszej kolejności od wizytujących mistrzów z Grecji, u których uczą się utalentowani rosyjscy młodzi mężczyźni. Jednym z nich jest św. Alimpij z Peczerska, pierwszy rosyjski malarz ikon.

Ścisły nadzór władz kościelnych, które zezwalają jedynie na kopiowanie wzorów greckich i tłumią wszelkie próby odstępstwa od kanonu, na długi czas utrudnia rozwój sztuki malarskiej. Do XV wieku istniała tylko jedna szkoła malarstwa – Korsun (grecka). Jednak w XV wieku sytuacja uległa zmianie w związku z rozpowszechnieniem się europejskich zdobionych politypami i rycinami. Z tego okresu pochodzi twórczość Andrieja Rublowa, przedstawiciela szkoły bizantyjskiej, autora malarstwa moskiewskiego. Katedra Zwiastowania, katedry Trójcy Świętej-Ławry Sergiusza itp.

W XVII wieku opóźnienia rosyjskiej szkoły malowania ikon stały się oczywiste nawet dla władz kościelnych. Suweren Aleksiej Michajłowicz zaprasza zachodnich mistrzów, którzy potrafią malować z życia, do malowania komnat pałacowych - takiej umiejętności absolutnie nie było w szkole domowej. Szymon Uszakow, malarz ikon królewskich, próbuje połączyć techniki bizantyjskie i europejskie, tworząc nowy styl malowania ikon - Fryażski.
XVII wiek Początek rozwoju malarstwa świeckiego
Od XVII w. na Rusi zaczęło się rozwijać malarstwo świeckie, szczególnie za panowania Piotra Wielkiego. We Włoszech i Holandii Matwiejew, Zacharow i bracia Nikitin studiują zachodni styl pisania oraz otwierają zajęcia z grawerowania i rysunku w Akademii Nauk.

Moda i pragnienie luksusu stały się przyczyną dużego popytu na malarstwo w czasach Elżbiety Pietrowna. Ale dzieła zagranicznych artystów są poszukiwane - rosyjscy malarze pozostają znacznie w tyle pod względem umiejętności.

W 1757 r. utworzono Akademię Sztuk Pięknych w Petersburgu z 5 wydziałami: malarstwa, rzeźby i rzeźby, grawerowania, medalierstwa (wyrób monet i medali), architektury. Przyjmowano do niej ludzi wszystkich warstw społecznych, a nawet kobiety (za zgodą ojca lub męża) – takie było zapotrzebowanie na domowe talenty. Jednak francuskie kierownictwo nauczania przez długi czas określiło główne rodzaje malarstwa - historyczne i heroiczne malarstwo pejzażowe w stylu Poussina i Claude'a Lorraina, co stało się przyczyną monotonii i dużej konwencjonalności obrazów.

Ale rozwój, choć powolny, następuje. W portretach najlepsi artyści w czasach Lewickiego, Borowikowskiego, Rokotowa, Kiprenskiego prawdziwość natury stawała się coraz bardziej jasna. D. G. Levitsky staje się najmodniejszym portrecistą czasów Katarzyny II. Jego drzwi wejściowe są bardzo Piękna praca cieszą się dużym zainteresowaniem w środowisku arystokratycznym, charakterystycznym przykładem manier Lewickiego jest pełnometrażowy portret Katarzyny II. Orest Kiprensky zaliczany jest do najlepszych rosyjskich malarzy portretowych. Jego najlepsze dzieła to portret Thordvalsena, obrazy „Sybilla z Tiburtine”, „Dziewczyna z owocami” itp.

Przez bardzo długi czas, aż do pierwszej połowy XIX wieku, malarstwo rosyjskie miało charakter głównie odtwórczy. Malarze kopiowali techniki i tematykę mistrzów francuskich i włoskich (bolońskich). Powodem było wykształcenie akademickie i zapotrzebowanie świeckie, które podobnie jak władze kościelne zaszczepiały idee naśladownictwa.

Pierwszymi artystami, którzy zrobili krok w kierunku niezależności i wyrazistości obrazu, byli Basin, Warnek, Bruni. Jednak zasadniczego zerwania z tradycją klasycyzmu dokonuje Karl Bryullov, pisząc „Ostatni dzień Pompei”. Bryullovowi udało się wzbudzić zainteresowanie publiczności żywą sztuką, a jego romantyczny styl malarstwa stał się zwiastunem rosyjskiego realizmu.

XIX wiek. Powstawanie malarstwa narodowego
Druga połowa XIX wieku charakteryzuje się ciągłym wzrostem miłości i prostego zainteresowania sztuką. Organizowanych jest wiele wystaw. Pojawiają się bogaci koneserzy, skupujący obrazy i tworzący prywatne galerie. Powstają prywatne szkoły rysunku.

W 1825 r. w Ermitażu zorganizowano wydział malarstwa rosyjskiego, dostępny dla publiczności. Zerwanie z akademizmem odtwórczym wyraża się w odwołaniu do życia codziennego i chłopskiego, wątków prostej rzeczywistości. I choć obrazy Venetsianova bardziej opowiadają o poszukiwaniu piękna niż o pięknie, to jednak mają ogromne znaczenie dla kształtowania się rosyjskiej szkoły realistycznej.

W 1863 r. Grupa artystów pod przewodnictwem Kramskoja, potępiająca politykę Akademii Sztuk Pięknych, opuściła jej członkostwo, aw 1872 r. Utworzyli „stowarzyszenie wystaw objazdowych”, w przyszłości – centrum narodowej rosyjskiej szkoły malarstwa . Z biegiem czasu dołączają do nich najbardziej utalentowani i oryginalni artyści.

W tych latach Galeria Trietiakowska i wiele muzeów pojawiło się nie tylko w obu stolicach, ale także w miastach prowincjonalnych. Dominujący kierunek staje się społecznie tendencyjny, mający na celu ukazanie wywierania wpływu, walki, potępiania i głoszenia. Obrazy Perowa, Pukirewa, Pryanishnikova, Korzukhina, Savitsky'ego, Myasoedova, Klodta inspirowane są ideami literatury i myśli społecznej.

Czas nazmianę

Koniec XIX – początek XX wieku to czas rewolucyjnych zmian i oczekiwań odrodzenia Rosji. W tym okresie pojawiły się słynne „Bogatyry” Wasnetsowa i „Kozacy” Repina, „Przeprawa Suworowa przez Alpy” Surikowa. Obrazy wyrażają idee patriotyczne wielkość narodu i najskrytsza myśl o jego odrodzeniu.

Ale nie tylko zwracanie się do wielkich kart historii jest charakterystyczne dla czasu wielkich zmian. Młodsi wędrowcy - S. Korovin, S. Iwanow, N. Kasatkin i inni - zwrócili się w stronę życia głuchych, tworząc płótna o ostrym charakterze społecznym, rewolucyjnej w swojej prawdziwości.