W Galerii Trietiakowskiej na Krymskim Valu prezentowany jest specjalny projekt rzeźbiarza i jednego z liderów Sots Art, Leonida Pietrowicza Sokowa (ur. 1941). Prace mistrza rozproszone są po wystawie stałej „Sztuka XX wieku” – od sal wczesnej awangardy po socrealizm lat 40. i 50. XX wieku, wprowadzając w te przestrzenie ironię postmodernizmu.
Sokow pełni zatem rolę przewodnika, komentatora i interpretatora zbiorów Galerii Trietiakowskiej, wskazując bliskich mu artystów, podkreślając najważniejsze dzieła, kierunki i okresy. Specjalny projekt jest efektem refleksji autora nad artystycznymi poszukiwaniami mistrzów sztuki rosyjskiej ubiegłego wieku i jednocześnie autorefleksją, próbą zrozumienia własnego doświadczenia plastycznego, jego genezy, specyfiki i wzorców.
Podczas lat nauki w Moskiewskiej Liceum Artystycznego i Moskiewskiej Wyższej Szkole Artystyczno-Przemysłowej (dawniej Stroganow) Sokow dużo malował w moskiewskim zoo, doskonaląc swoje umiejętności, umiejętność „uchwycenia” charakterystycznych cech żywej przyrody i uogólniać to, co widział, odrzucając niepotrzebne, aby osiągnąć jak największą wyrazistość. Podobnie jak wielu radzieckich rzeźbiarzy, Sokow pozostawał pod wpływem Aleksandra Matwiejewa, nauczyciela swoich nauczycieli. Po ukończeniu studiów Sokow został członkiem Moskiewskiego Związku Artystów, a następnie członkiem biura sekcji rzeźby. Ale w granicach ustalonych dla radzieckiego artysty było mu zbyt ciasno. Szybko ewoluował – początkujący malarz zwierząt interesował się nowoczesną zachodnią sztuką plastyczną i brał udział w nieoficjalnych wystawach. Cechą charakterystyczną jego twórczości była ironiczna gra cytatów, symboli i alegorii. W 1979 roku rzeźbiarz wyemigrował z ZSRR.
Obecnie w Galerii Trietiakowskiej znajduje się około 30 dzieł Sokowa. Po pierwsze, w 1993 r. muzeum otrzymało prezent od autora dzieła „Stalin z nogą niedźwiedzia” (1993), w 1996 r. - „Tukan” i „Serval” (oba 1971) od Ministerstwa Kultury Rosji Federacja. Na początku XXI w. wpłynęły „Portret biurokraty” (1984) i „Okulary (okulary dla każdego człowieka radzieckiego)” (2000, autorskie powtórzenie pracy z 1976 r.), przy czym te ostatnie były dziełami ze zbiorów sowieckiego podziemia Leonida Tałoczkina, przeniesiona do muzeum w 2014 roku. Oprócz dzieł z kolekcji Galerii, w ramach specjalnego projektu znalazły się także ważne dla odsłonięcia tematu prace z prywatnych kolekcji Dmitrija Wołkowa, Shalvy Breusów, Ekateriny i Władimira Semenikhinów, Władimira Antoniczuka, Simony i Wiaczesława Sochranskich.
W ramach specjalnego projektu na dziedzińcu Galerii Trietiakowskiej na Krymskim Valu umieszczono jeden z najbardziej paradoksalnych obiektów Sokowa - reprodukcję naturalnej wielkości ciężarówki z suprematystyczną trumną Malewicza z tyłu i „Czarnym kwadratem” na masce . Wykonana z drewna ciężarówka przypomina gigantyczną zabawkę dla dzieci, stworzoną w tradycji rosyjskiego rzemiosła rzeźbiarskiego. Połączenie zainteresowań tradycją awangardową i ludową, archaiką i prymitywnością to najważniejsza cecha metody twórczej Sokowa.
Jeden z głównych bohaterów Sots Art, uczestnik Biennale w Wenecji i innych wystaw międzynarodowych, rzeźbiarz Leonid Sokow(ur. 1941) w specjalnym projekcie dla Państwowej Galerii Trietiakowskiej „ Niezapomniane spotkania” odkrywa przed publicznością swoich ulubionych artystów, pokazując, jak w dialogu z nimi powstawały jego własne prace – od wczesnego malarstwa zwierzęcego i aktów kobiecych po ironiczne instalacje z przywódcami sowieckimi. Specjalnie na potrzeby tego projektu muzeum prezentuje ze swoich magazynów dzieła takich mistrzów jak Wasilij Watagin,Aleksander Matwiejew,Dmitrij Tsaplin. A na dziedzińcu budynku na Krymskiej Walii od lata stoi jeden z obiektów Sokowa - samochód z trumną suprematystyczną Malewicz.
W 2012 roku miałaś retrospektywę w Moskiewskim Muzeum Sztuki Nowoczesnej. Co teraz, jaki jest pomysł na Twoją wystawę w Galerii Trietiakowskiej?
Kiedy mieszkasz poza Rosją – a ja robię to od 36 lat, dosłownie połowę swojego życia spędziłem w Ameryce – widzisz, jak obca kultura cię nie akceptuje. Ludzie nie rozumieją, co robisz. I w końcu osoba, która tam mieszkała, skupia się na kulturze rosyjskiej. Ale od samego początku doszłam do wniosku, że wszędzie będę interesująca tylko wtedy, gdy będę pokazywać to, co jest dla mnie wyjątkowe poprzez moją kulturę. Wystawę zaprojektowałem w formie dialogów z różnymi warstwami kultury wizualnej. I to nie jest inwazja, nie interwencja – nie mogę tego znieść. Nie chcę z nikim walczyć. Wręcz przeciwnie, chcę mieć kontakt z ludźmi, którzy wywarli na mnie wpływ. I okazało się bardzo szczęśliwie, że Galeria Trietiakowska ma wiele moich prac, a teraz dodano kolejne z kolekcji Leonid Tałoczkina(kolekcja niedawno przeniesiona do Państwowej Galerii Trietiakowskiej z Centrum Muzealnego Rosyjskiego Państwowego Uniwersytetu Humanistycznego. - TANRO).
Ile Twoich prac znajduje się w Galerii Trietiakowskiej?
Około 30. Pewnego razu kupili „ Portret biurokraty”- Ten Andropow z ruchomymi uszami - i « Okulary dla każdego sowieckiego człowieka”. I wtedy Andriej Jerofiejew(na początku XXI wieku kierownik działu nowych trendów w Państwowej Galerii Trietiakowskiej. - TANRO) w przyjacielski sposób wywabił mnie z dużej liczby prac prosząc o podarowanie ich.
Przecież początkowo zajmowałeś się rzeźbą zwierząt.
Tak, zarabiałem na tym, byłem w Moskiewskim Związku Artystów. Kiedy w 1979 r. opuściłem ZSRR, zostałem wyrzucony, oczywiście, po prostu wyrzucony. A potem, w dzisiejszych czasach, przyjaciele, którzy zajęli wysokie stanowiska w Moskiewskim Związku Artystów, zaprosili mnie ponownie do przyłączenia się. Odzyskałem bilet, to wszystko. A w czasach sowieckich byłem członkiem biura sekcji rzeźby.
Członek Biura? Czy to było ważne?
Ważny. Ważne było, aby zintegrować się z tym społeczeństwem i zarabiać pieniądze, po prostu nie pracując jako stróż. I ja cały czas, nawet z Moskiewskiej Szkoły Artystycznej (Moskiewska Liceum Artystyczne, obecnie Moskiewskie Akademickie Liceum Artystyczne Rosyjskiej Akademii Sztuk. - TANRO), był malarzem zwierząt, a sam Wasilij Watagin wychwalał mnie, jak tylko mógł, swoją buddyjską filozofią.
Wtedy lubiłam koty. Byłem dobrym rysownikiem i cały czas rysowałem w zoo, gdy studiowałem w Moskiewskiej Szkole Artystycznej. Od 1956 do 1961 r. Wspiąłem się na mur, bo bilet był drogi. W tym czasie byłem pod wielkim wpływem rzeźby francuskiej. Już wtedy wiedziałam, kim on jest Pompon(François Pompon, 1855-1933. - TANRO). Swoją drogą, jest tu mało znany.
Pompon? Również nie wiem.
We Francji go kochają. Powszechne były tam drobne odlewy, przeznaczone do salonów, w modnym stylu napoleońskim. Powiedzmy Bari(Antoine-Louis Bari, 1795-1875. - TANRO) - pamiętacie, pantery, krokodyle? Rodina uważał go za mojego nauczyciela, a potem on Matisse’a skopiowane. Wydaje mi się, że pod wpływem Pomponu, Arpa. Pompom był najpierw formatorem gipsu dla Rodina, a następnie został malarzem zwierząt, wykonując małe rzeźby: bażanta, kaczkę i – najsłynniejszego – niedźwiedzia polarnego. Są nawet sprzedawane jako pamiątki w Muzeum Orsay.
A czy jednak Twój najsłynniejszy „bohater” – rosyjski niedźwiedź – jest na wystawie? A w szczególności Wasze telefony komórkowe z misiami, bazujące na idei ludowej zabawki?
Tych telefonów komórkowych nie będzie na wystawie. Wpadłam na pomysł zrobienia z nich pamiątek, będzie limitowana edycja tych zabawek.
Wszystkie gałęzie przemysłu umarły. Ale istnieje świadomość powszechna, istnieje ona także w innych formach, np. w dittach, najczęściej w nieprzyzwoitych dittach. Mam dużo nieprzyzwoitości. Z trzech słynnych liter zrobiłem pomnik o wysokości 2,3 m. Oczywiście nie możesz go wystawiać w Galerii Trietiakowskiej, masz prawo. Nawet się nie kłóciłem. Można uchwalić wiele przepisów, ale nie można zabronić komukolwiek mówienia w jego języku.
Czy Galeria Trietiakowska udostępnia na Państwa wystawę eksponaty ze swojej kolekcji? Prace innych artystów?
Tak. Połączę swoje prace z Vataginem, będę miał salę i z Tsaplinem. Ponieważ podziwiałem tych ludzi, trochę ich znałem. Dmitrij Tsaplin (1890-1967. - TANRO) niewiele wiadomo, chociaż jest to bardzo ciekawy rzeźbiarz. Rosjanie wiedzą, jak to zrobić: przegapią bardzo ciekawe postacie, a potem gorączkowo próbują ratować dzieła, które gdzieś już zniknęły. To cała historia. Kiedy kończyłem Stroganowkę, dominowała tam szkoła Matwiejewa. Czy znasz szkołę Matwiejewa? (Aleksander Matwiejew, 1878–1960. - TANRO). Udało mi się to i bardzo dobrze ukończyłem studia. Ale potem oczywiście pojawiło się pytanie o zwolnienie ze szkoły. I zacząłem robić małe figurki woskowe, mam je do dziś.
Czy rzeczy, których używałeś do zarabiania pieniędzy, przetrwały?
Nie wiem. Potem były dwa zakłady, moskiewski i regionalny. Przyszedłeś, ustawiłeś model: chcę to wyrzeźbić. Powiedzieli: cóż, genialne! Kiedyś - i wyrzeźbiłeś 2 metry, jakąś kozę. Na place zabaw dla dzieci lub umieszczone gdzieś w parkach.
Zostało też sporo jeleni. Ciekawie byłoby dowiedzieć się, kto jest ich autorem.
Jelenie zostały wykonane przez wielkiego rzeźbiarza Popandopulo(George Popandopulo, 1916-1992. - TANRO). Jeśli jedziesz Złotym Pierścieniem, stoją tam – dumni, jak na paradzie, tylko bez medali. W moim zakładzie nie zgodzili się na kolejną kozę i powiedzieli: „Niech zdecyduje Popandopulo”. Nie wiedziałem wtedy kto to był. Zaprosił mnie do swojego warsztatu. Przyszedłem. Warsztat jest całkowicie pusty, tylko jedna ściana jest wypełniona rogami różnych zwierząt. Cała ściana. To taki poważny mężczyzna, wyglądający na Greka, łysy. I pierwszą rzeczą, którą zrobił, nie było pytanie o moje poglądy estetyczne, zapytał: „Kto to jest?” Mówię: „To jest teke”.
A kto to jest Teke?
Teke to rodzaj antylopy. Następnie: „Kto to jest?” - „To jest wycieczka po Kaukazie”. - "A kto to jest?" Przeprowadziłem egzamin na rogach. I odpowiedziałem mu na wszystko bez wahania. Znałem to wszystko wtedy na pamięć. Cóż, był całkowicie oszołomiony: „Chodźmy”. Przyjechał i natychmiast przyjął moją rzeźbę. Zdałem sobie sprawę, że wpadłem na siebie. Potem, kiedy ukończyłem studia, zacząłem rzeźbić te kozy. Tutaj byłem ekspertem. Był też zoolog Martz(Andrey Marts, 1924-2002. - TANRO). Przyjmował ode mnie wszystko, podobał mu się sposób, w jaki to robiłem. Po prostu miał marzenie... Wszyscy myśleli, że będę wielkim następcą sztuki zwierzęcej. Ale tego tam nie było!
Tak, twoja trajektoria jest nieco stroma.
Dyrektor Galerii Trietiakowskiej Zelfira Tregulova zaakceptował pomysł połączenia moich prac ze szkicami Matwiejewa i Królowa. Borys Daniłowicz. Uczył także „żywej rzeźby” w Vkhutemas. Zaczynał jako kubista. Na przykład postawiłem pomnik Bakunina. Zrobiłem to dzieło z drewna i był rok 1924, zima - następnego dnia wszystko zabrano na opał.
Dzięki Bogu odnalazły się moje rzeźby z różnych okresów. Kiedyś kupiłem około 50 kolejnych figurek kobiecych Nortona Dodge’a. Kupił go ode mnie jak odkurzacz, kiedy przyjechałem do Ameryki.
Kto był Twoim głównym kolekcjonerem?
W takim razie tak. Te małe rzeźby zrobiłem sam z wirydarza. Garth to taki topliwy materiał. Wyrzeźbiłem go z wosku, roztopiłem w rondlu, a formę gipsową wysuszyłem na kaloryferze. Leży tam dwa tygodnie, potem bierzesz ten wiktor (topi się w 100 stopniach), zalewasz i gotowe - masz rzeźbę w materiale.
Masz kilka pokoi poświęconych różnym ważnym kamieniom milowym, prawda?
Wszystko zaczyna się od stałej sali wystawowej, w której Michaił Larionow I Natalia Gonczarowa, z awangardy. Następnie Korolev, Vatagin, Tsaplin zmieszali się z moimi dziełami. I wreszcie, jako że jestem artystą społecznym, pozwolono mi wystawić „ Lenina i Giacometti„w sali socrealistycznej, gdzie Stalina i… te wszystkie „niezapomniane spotkania” (duże płótna z lat 50. XX w. przedstawiające spotkania Stalina z narodem sowieckim. - TANRO).
Czy czujesz się dobrze w tym pokoju?
Nie jestem osobą przeciwną. Z jakiegoś powodu powszechnie przyjmuje się, że Sots Art to ruch przeciwstawiający się sowieckiej rzeczywistości. W istocie, jak każdy ruch postmodernistyczny, był on niejako dekonstrukcją socrealizmu, ironiczną i absurdalną. Nazywa się to „heroiczną sztuką społeczną”. Wtedy wydawało się, że przeciwnicy to Sots Art. Ale w rzeczywistości nie. Jak każdy ruch postmodernistyczny, Sots Art dobrze wpisuje się w trendy, które istniały wówczas w Europie. Powiedzmy, transawangarda, która także odwoływała się do przeszłości sztuki, włoskiej arte povera, Niemiecki neoekspresjonizm. Podobnie artyści Sots, spojrzeli w swoją przeszłość, która jest naprawdę bardzo interesująca. Zwykliśmy mówić: spójrz, wysłał Stalina. NIE! Fakt jest taki, że Stalin był bohaterem socrealizmu i ja go używam jako bohatera, jako najbardziej mitologicznej postaci epoki Związku Radzieckiego. Na wystawie pojawi się instalacja, w której Stalin przemawia przed modernistyczną rzeźbą. Z magazynów wydawana jest statua Stalina. Już w 1992 roku zrobiłem tę instalację, gdzie są małe modernistyczne rzeźby, takie zaczepki, a przed nimi przemawia Stalin.
W zeszłym roku odbyło się kilka wystaw dość odrażających artystów radzieckich, takich jak Aleksander Gierasimow. I nie czuć już ironii – wszyscy mają poważną twarz. To przeraża wiele osób. Czy sądzi Pan, że w tamtej epoce, w stylu socrealizmu, było coś naprawdę wartościowego dla sztuki?
Wierzę, że socrealizm, czymkolwiek był – wkładem w sztukę czy nie – nadal istniał. W końcu trwało to prawie sto lat. Jako dziecko traktowałem całkiem poważnie fakt, że Stalin i Woroszyłow- wspaniali ludzie i wielcy bohaterowie. I uważam się za osobę o kulturze radziecko-rosyjskiej. Co w tym złego? Czego się wstydzić? Realizm socjalistyczny może być nie mniej interesujący niż, powiedzmy, idee tzw Giacometti rozwinięty. Był to przecież porządek społeczny, porządek czasu jest zjawiskiem bardzo ciekawym. To nie jest coś, co człowiek robi pod presją. Majakowski Władimir Władimirowicz na przykład przez sześć miesięcy mieszkał za granicą, potem przyjechał i napisał wiersz „ Lenina": "Dwa w pokoju. Ja i Lenin – fotografia na białej ścianie.” Czy to więc zły wiersz?
Widzieliście nową wystawę najnowszych trendów w Galerii Trietiakowskiej. Jako naoczny świadek i uczestnik wielu historii, może czegoś Ci w tym brakuje?
Cieszę się, że niektórym osobom jest więcej miejsca. Na przykład podkreślone Michaił Roginski. Bo nie był imprezowiczem, jak się teraz mówi, człowiekiem. Już w latach 60. wiedziałem, że to wielki artysta. Jedyny, który w ogóle na mnie wpłynął. Jako artysta. Powiedzmy, że gdzieś daleko, za granicą, są dobrzy artyści, a to jest osoba, która mieszka obok ciebie i robi wspaniałe rzeczy. To było inspirujące. Jak on pracował! Popełniał nawet błędy, a mimo to wszystko było świadome i poważne.
Obecnie wiele osób porównuje nasz obecny czas w Rosji z erą stagnacji. Wielu artystów nie rozumie, co robić. Pewne uczucie zamieszania. Czy mógłbyś dać radę młodszemu pokoleniu?
Gdybym był młodym mężczyzną, wątpię, czy bym odszedł. Rosyjski, z rosyjską kulturą. Nadal ma swój własny język. Język jest bardzo ważny. Trzeba tylko zagłębić się w siebie, w tę... A jeśli odpowiednio zareagujesz na tę sytuację, wszyscy to zobaczą. Czas wybiera tych, którzy myślą prawidłowo. Najważniejsze to złapać ten zapach epoki.
— Czy często odwiedzasz Moskwę?
— Jeśli jest coś do zrobienia, to raz lub dwa razy w roku. Ale nie miałem osobistej wystawy w Rosji, nawet w galeriach. A to jest retrospektywa. Mam 70 lat, w tym wieku istnieje już potrzeba wewnętrznego raportowania do kultury, z której pochodzę – do kultury rosyjsko-sowieckiej.
— Większość Twoich wątków ma związek z ideologią i mitologią. Oto Twoja ulubiona postać - niedźwiedź. Jak Wam się podoba w nowoczesnej formie?
— Twoja partia u władzy również ma w swoim logo niedźwiedzia – stylizowanego, dobrze narysowanego, ale mimo to jest totem. Za każdym razem potrzebny jest nowy miś.
„Czy to nie wstyd, że przeszedł na stronę zła?”
– No cóż, to ocena estetyczna, ale dla mnie ważna jest ta mitologiczna. To tak, jakby magazyn Time wybrał kiedyś bin Ladena na Człowieka Roku – naprawdę najpopularniejszą osobę tego roku. Mitem może być wszystko – złe, dobre. Ale zło i dobro to pojęcia estetyczne. Kiedy żyli pod rządami Stalina, większość wierzyła, że Stalin był wielkim dobrem. Sama idea mitu wykracza poza kategorie estetyczne.
— Czy mieszkając w Ameryce, odczuwasz brak mitów?
„To kwestia tego, jak patrzysz na świat”. Nie chodzi o to, że epoka Gogola była mityczna, ale on, podobnie jak rosyjski Homer, stworzył postacie takie jak Nozdryow czy Koroboczka. Myślał mitologicznie. Mieszkam w Ameryce, ale nie jestem ograniczony terytorialnie – nie obchodzi mnie, czy to Ziemia Ognista. Ponieważ miałem już ugruntowaną kulturę: odszedłem w wieku 36 lat. I ciągle musiałem myśleć o pytaniu: kim jest rosyjski artysta żyjący poza rosyjską kulturą? Jeśli na to spojrzeć, jaki procent naszej kultury powstał tutaj, a ile za granicą? „Pojawienie się Chrystusa ludziom” było znane tam, gdzie zostało nakręcone, znane są także „Martwe dusze”, Tołstoj napisał „Zmartwychwstanie” w Niemczech, nie mówię nawet o wszystkich powieściach Turgieniewa. Wychodząc bałam się jakiejkolwiek nostalgii. Był taki pisarz Zajcew, napisał artykuł o tym, jak za ojca Piotra Wielkiego 16 nieletnich wysłano za granicę na studia, aby wszyscy wrócili później. Żaden z nich nie wrócił. I to Zajcew mówi, że od tego momentu zaczęła się rosyjska inteligencja – ciekawe pytanie, jeśli poważnie się nad tym zastanowić.
– Tutaj więcej o mitologii – nasz nowy Minister Kultury znany jest z napisania serii książek, w których obala niepochlebne mity na temat narodu rosyjskiego.
— Czyli chce obalić wszystkie negatywne mity? No cóż, kolejna głupota. Kultura rosyjska jest bardzo interesująca, ale jest tu wiele brzydkich przejawów - na przykład niegrzeczność jest niezwykle powszechna. Rosjanie to naród pełen pasji, ale to nie znaczy, że nie mają braków. Ogólnie rzecz biorąc, nie ma dokładnej definicji mitu, nie jest jasne, co to jest i jak powstaje. Można do niego dojść poprzez jego zniszczenie, poprzez ironię. Jeśli ironizujesz mit o Stalinie, możesz dowiedzieć się o nim więcej lub odwrotnie, możesz mit obronić. Nie sądzę, żeby Stalin świadomie stworzył największy mit w 1/6 świata. Marilyn Monroe również robiła wszystko nieświadomie, ale okazało się, że to mit. To nie jest bardzo piękna kobieta, całkiem zwyczajna.
— A co się stanie, gdy te dwa mity się spotkają, tak jak w Twojej twórczości?
- Cóż, taki jest pogląd rosyjskiego artysty. To ciekawy efekt, kiedy zderzają się dwa odmienne mity. Wyobraź sobie, że za 100 lat nikt nie będzie nawet wiedział, że Stalin i Marilyn nigdy nie spotkali się w prawdziwym życiu, tylko na zdjęciu.
— Czy kiedy przyjechałeś do Ameryki, porównałeś się z klasykiem pop-artu Oldenburgiem?
— Kiedy jeszcze mieszkałem w ZSRR, oczywiście bardzo interesowałem się tymi wszystkimi artystami popowymi, znałem ich z magazynów. Ale wtedy nie byłem już głupcem i nie naśladowałem ślepo. Zrozumiałem, że mieszkając w Moskwie, trzeba mieć inną kulturę i inną formę. Pop-art wywarł wpływ na całe moje pokolenie artystów – ale każdy rozumiał go na swój sposób. Nie da się zrobić takich dzieł jak Oldenburg w Rosji, chociaż jest to kuszące. Jeszcze niedawno wszyscy krytycy i historycy sztuki byli zafascynowani nowymi francuskimi filozofami – a każdy artykuł zaczynał się od cytatu Derridy lub Lacana. Potem przeszło, dzięki Bogu. Ale potem pojawili się tacy artyści - patrzysz i nie jest jasne, czy to Rosjanin, czy Austriak. Wyglądają dokładnie tak samo. Globalizacja przyjmuje to z zadowoleniem, ale moim zdaniem jest złe.
„Nie jest jasne, dlaczego konceptualizm wlecze się u nas przez wiele lat jak smarki, na Zachodzie nikt się nim nie interesuje”.
— Jasne jest, że ty i Oldenburg macie podobne metody, ale zupełnie inną kulturę i plastyczność. Jak się czułeś, kiedy przeniosłeś się do świata Oldenburga?
„Zrozumiałam, że nie mogę zmienić mojej kultury, np. ubrań – niezależnie od tego, czy były dobre, czy złe, podobały mi się. Zrozumiałem, że nie mogę być ani Oldenburgiem, ani Jasperem Johnsem, ani Warholem – ale mogłem na własne oczy spojrzeć na amerykańskie rzeczy i swoim akcentem mogłem zainteresować Amerykanów. Kilku artystów-emigrantów, którzy upierali się przy swojej rosyjsko-sowieckiej kulturze, stworzyło Sots Art – które, jak sądzę, wywodzi się z Ameryki. Bohaterska sztuka socjalistyczna nie jest krytyką idei socjalistycznych, jak wielu uważa, ale zniszczeniem socrealizmu. I zbiegło się to z innymi ruchami postmodernistycznymi – z Arte Povera, z niemieckim neoekspresjonizmem i innymi – one także skupiały się na swojej przeszłości. Niemcy mieli ekspresjonizm, Włosi futuryzm, a Rosjanie socrealizm. Cokolwiek lubisz, od stu lat w Rosji istnieją dwa oryginalne ruchy - suprematyzm i sztuka Sotsa. Wszystko inne jest dodane.
— Czyli nie zgadza się Pan z popularnym poglądem, że sztuka Sotsa jest częścią konceptualizmu?
- Tak, to wynalazek krytyków sztuki, Groysów i innych. To jest naciągane. Spójrz trzeźwymi oczami: konceptualiści są zwolennikami zachodnich ruchów. Sam wiem, dlaczego konceptualizm był interesujący i rozkwitł w latach 70. Ale teraz? Przychodzi człowiek, patrzy na pracę, nic nie rozumie i boi się to powiedzieć. I na tym opiera się opinia, że artysta jest dobry - każdy po prostu boi się powiedzieć, co mu się nie podoba.
— Zatem sądzisz, że na przykład „działania zbiorowe” nie mogą zadowolić ludzi?
- Cóż, nie wiem. To po prostu niezrozumiałe, dlaczego konceptualizm u nas, Rosjan, ciągnie się latami jak smarki, na Zachodzie nikt się nim nie interesuje.
— Chciałem zapytać o Lenina i Giacomettiego. Kiedy dowiedziałem się, że jest to dzieło z połowy lat 80., byłem bardzo zaskoczony – wydawało mi się, że było to wcześniej. Ale tak naprawdę dla ciebie, Lenin i Giacometti, spotkali się dużo wcześniej?
- Wiesz, mam mnóstwo takich zajęć. Ogólnie rzecz biorąc, jest to bardzo interesujące: gdy w określonym czasie pojawia się wiele pomysłów, niektóre są wdrażane, inne nie. A jeśli dobrze się zgra – czas, reakcja widza i wystawienie go w odpowiednim czasie na właściwej wystawie – powstaje dobra rzeźba. „Lenin i Giacometti” miał dużo szczęścia – powstał w okresie pierestrojki. I to jest wieloaspektowa rzeźba, którą warto zrozumieć. Pierwsze to spotkanie modernizmu i realizmu socjalistycznego, drugie to spotkanie silnego burżuazyjnego Lenina i pewnego rodzaju bardzo chudego, głodującego regionu Wołgi – wędrowca Giacomettiego.
— Ile istnieje egzemplarzy tego dzieła?
- Dużo, wiesz. Pierwszą zrobiłem w 1987 roku, potem sam zrobiłem Lenina. Po drugie, w 1989 r. znalazłem już takiego gotowego Lenina o wzroście 50 cm. Ten Lenin był jak odlew z epoki - znalazłem go na rynku. Oczywiście umiem rzeźbić, ale nie potrafiłbym rzeźbić z taką miłością. Później na prośbę kolekcjonerów musiałem zrobić dużego Lenina - sześćdziesiąt metrów. A tego lata na prośbę pracowników wykonałem również sześć egzemplarzy, jak to jest w zwyczaju we Włoszech, o wysokości dwóch metrów i dwudziestu pięciu centymetrów.
-Czy są coraz większe?
- Takie są wymagania społeczeństwa - no cóż, około dwóch dwudziestu pięciu osób prosi, żeby to dobrze wyglądało w ogrodzie.
- Czy to cię nie denerwuje?
— Co masz na myśli mówiąc „irytujące”? Czy wiesz, ile istnieje „Kisses” Rodina?
— No tak, jak wiadomo, autentyczność modernizmu to mit.
- Tak, tak, mit. Kopia obrazu wymaga ręki - Tycjan namalował sześć Magdalenek, a ostatnia moim zdaniem jest najlepsza. Ale w rzeźbie jest po prostu forma, z której powstają odlewy.
— Może najlepsi Lenin i Giacometti są jeszcze przed nami?
- Tak. Zawsze zostawiam Lenina takim, jaki jest, ale Giacomettiego zawsze trzeba przerobić – to bardzo subtelny rzeźbiarz. Oprócz praw rzeźby etruskiej czy celtyckiej, którą studiował w Luwrze, na jego pracach widać także osobisty ślad – nie lubił kończyć, taki był. Niekompletność to dobra technika, ale bardzo trudno ją powtórzyć, bo nie potrafię w pełni wejść w rolę Giacomettiego. Dlatego nawet w egzemplarzach muszę to poprawiać w odlewni - a i tak nie wychodzi jak Giacometti.
Jutro w Państwowej Galerii Trietiakowskiej na Krymskim Valu zostanie otwarty specjalny projekt Leonida Pietrowicza Sokowa (1941), w ramach którego 94 jego prace zostaną pokazane obok prac z wystawy stałej Państwowej Galerii Trietiakowskiej
Państwowa Galeria Trietiakowska
13 października 2016 r. - 29 stycznia 2017 r
Moskwa, Krymski Wał, 10
hale 2, 6, 12, 24, 26, 27, 28, 35
Na wystawie Tretiakowa – od sal wczesnej awangardy po socrealizm lat 40. i 50. XX wieku – zaprezentowane zostaną rzeźby, obiekty, instalacje i obrazy jednego z głównych przedstawicieli ruchu sztuki społecznej Leonida Sokowa. To wprowadzi ironię postmodernizmu do przestrzeni galerii – uważają kuratorzy projektu F. Balakhovskaya i N. Sidorova we współpracy z N. Alexandrovą, L. Martsem, I. Proniną.
Dzięki tej wystawie Sokov odbywa swego rodzaju zwiedzanie kolekcji Galerii Trietiakowskiej, wskazuje bliskich mu artystów i podkreśla najważniejsze dla niego dzieła, kierunki i okresy. Jest to zarówno wynik refleksji artysty nad twórczymi poszukiwaniami sztuki rosyjskiej w XX wieku, jak i autorefleksja, próba zrozumienia genezy, specyfiki i wzorców własnego doświadczenia plastycznego.
To nie pierwszy raz, kiedy Państwowa Galeria Trietiakowska sięga po tak eksperymentalną formę ekspozycji. W 2015 roku w salach sztuki powojennej odbyła się wystawa konceptualistów I. Makarewicza i E. Elaginy. Takie projekty ożywiają zwykły wyświetlacz, czynią go istotnym, zmuszając do świeżego spojrzenia na zwykły wyświetlacz. Ponadto tego typu wystawy poruszają problematykę muzealizacji sztuki współczesnej.
Leonid Sokow podczas lat studiów w Moskiewskiej Liceum Artystycznego i Moskiewskiej Wyższej Szkole Artystyczno-Przemysłowej (dawniej Stroganov) dużo malował w moskiewskim zoo, doskonaląc umiejętność „chwytania” i uogólniania charakterystycznych cech żywej przyrody , odrzucając niepotrzebne, aby osiągnąć większą wyrazistość. On, podobnie jak wielu radzieckich rzeźbiarzy, pozostawał pod wielkim wpływem szkoły Aleksandra Matwiejewa. Po ukończeniu studiów Sokow został członkiem Moskiewskiego Związku Artystów, a następnie członkiem biura sekcji rzeźby. Ale w granicach ustalonych dla radzieckiego artysty było mu zbyt ciasno. Początkujący malarz zwierząt szybko ewoluował pod wpływem współczesnej zachodniej sztuki plastycznej i brał udział w nieoficjalnych wystawach. Cechą charakterystyczną jego twórczości była ironiczna gra alegorii, cytatów i symboli. W 1979 roku rzeźbiarz opuścił ZSRR na zawsze.
Kolekcja Galerii Trietiakowskiej obejmuje obecnie około 30 dzieł Sokołowa. W 1993 roku galeria otrzymała prezent od autora pracy „Stalin z nogą niedźwiedzia” (1993), a w 1996 roku Ministerstwo Kultury podarowało Galerii Trietiakowskiej prace Sokowa „Tukan” i „Serval” (oba 1971) . Na początku XXI wieku ukazały się „Portret biurokraty” (1984) i „Okulary (okulary dla każdej osoby radzieckiej)” (2000, powtórzenie dzieła autora z 1976 r.). I wreszcie w 2014 roku kolekcja radzieckiej nieoficjalnej sztuki Leonida Tałoczkina, w tym dzieła Leonida Sokowa, została przekazana Państwowej Galerii Trietiakowskiej.
Oprócz dzieł pochodzących z kolekcji Galerii Trietiakowskiej oraz udostępnionych przez autora, w ramach specjalnego projektu znalazły się prace ze zbiorów Ekateriny i Władimira Semenikhinów (Fundacja Ekaterina), Dmitrija Wołkowa, Shalvy Breusa, Władimira Antoniczuka, Simony i Wiaczesława Sochranskich.
Zdaniem Leonida Sokowa projekt specjalny „Niezapomniane spotkania” nie pretenduje do aktywnej „wtargnięcia” czy „interwencji” jego prac na wystawę galerii. Jest to raczej próba „wtopienia się” rzeźbiarza w tych, którzy na niego wywarli wpływ i których kocha. Są to przywódcy rosyjskiej awangardy - Michaił Larionow, Władimir Tatlin, Kazimierz Malewicz i nauczyciel jego nauczycieli - Aleksander Matwiejew. Specjalnie na potrzeby projektu kuratorzy wyciągnęli z muzealnych magazynów i uzupełnili wystawę stałą o rzadko pokazywane dzieła Wasilija Watagina, Aleksandra Matwiejewa, Dmitrija Tsaplina – rzeźbiarzy szczególnie znaczących dla Sokowa.
Sokov pokazuje, jak w dialogu ze swoimi ulubionymi artystami, naśladując ich lub w opozycji do nich, rodziły się jego prace, od obrazów zwierząt i aktów kobiecych z lat 60. po ironiczne obiekty artystyczne i instalacje z lat 90. – 2010. Na przykład w sali z wielkoformatowymi dziełami socrealizmu (obraz Wasilija Efanowa „Niezapomniane spotkanie”, obraz Aleksandra Gierasimowa „I.V. Stalin i K.E. Woroszyłow na Kremlu” itp.) Praca Sokowa „Spotkanie dwie rzeźby. Lenin i Giacometti” (1994) to jedno z ikonicznych dzieł sztuki społecznej. Prezentowana jest tu także instalacja: Stalin „występuje” przed modernistyczną rzeźbą – miniaturowymi replikami najsłynniejszych dzieł zachodnich mistrzów XX wieku. Porównując diametralnie przeciwstawne systemy semantyczne i plastyczne, Sokov dokonuje ironicznej i absurdalnej dekonstrukcji znanych znaków, symboli i klisz.
Na dziedzińcu Galerii Trietiakowskiej na Krymskiej Walii w ramach specjalnego projektu znajduje się jeden z najbardziej paradoksalnych obiektów Sokowa - ciężarówka z odtworzoną na żywo trumną suprematyzmu Malewicza z tyłu i „Czarnym kwadratem” na masce rozmiar. Wykonana z drewna ciężarówka przypomina ogromną zabawkę dla dzieci w tradycji rosyjskiego rzemiosła rzeźbiarskiego. To połączenie tradycji awangardowej i ludowej, archaizmu i prymitywności jest najważniejszą cechą autorskiej wizji Sokołowa.
Próbując zrozumieć ludowy charakter i humor, Sokow zwraca się do artystów rosyjskiej awangardy, którzy także czerpieli energię i idee plastyczne z „oddolnej” tradycji kulturalnej jarmarku. To nie przypadek, że pierwsze obiekty Sokowa w ramach specjalnego projektu zostały zainstalowane w salach Michaiła Larionowa, jednego z głównych innowatorów rodzimej sceny artystycznej na początku ubiegłego wieku. Obraz upadku utopijnych idei i planów pierwszej rosyjskiej awangardy oddają ironiczne obiekty hybrydowe Sokowa: wieżyczka czołgu przymocowana do imbryka suprematystycznego Malewicza, wrona w Letatlinie, stołek ustawiony nad architektem.
Godłem projektu był „Niedźwiedź Witruwiański”: Sokov umieścił tę najważniejszą postać i symbol swojej twórczości w miejscu idealnej postaci ludzkiej na słynnym obrazie Leonarda da Vinci.
Specjalnie na wystawę wypuszczono limitowaną serię pamiątek: karuzelki z misiami, wykonane w tradycji zabawek ludowych.
Źródło: informacja prasowa Państwowej Galerii Trietiakowskiej
- 28.06.2019 Media cytują wypowiedź dyrektora Muzeum Sztuk Pięknych Irbit Walerego Karpowa: „Badania w Ermitażu potwierdziły niepodważalną autentyczność obrazu”.
- 28.06.2019 Kolejna stacja nowej różowej linii Niekrasowska stanie się jedną z najjaśniejszych w moskiewskim metrze. Główny architekt miasta powiedział, że przy opracowywaniu projektu autorzy inspirowali się malarstwem Malewicza, Lisickiego i Suetina
- 27.06.2019 Rybolovlev złożył przeciwko domowi aukcyjnemu pozew o kwotę 380 000 000 dolarów tytułem odszkodowania za szkody otrzymane w transakcjach z udziałem jego konsultanta Bouviera. Tak się złożyło, że Sotheby’s towarzyszył ponad jednej trzeciej jego niefortunnych transakcji związanych ze dziełami sztuki
- 27.06.2019 Jutro we Francji miała odbyć się aukcja Labarbe, na której cudownie zdobyte płótno „Judyta i Holofernes” miało zostać sprzedane za wywoławczą cenę prawie 40 milionów dolarów
- 25.06.2019 To wspólny projekt banku i Muzeum Puszkina, w którym prezentowana jest wystawa „Szczukin. Biografia kolekcji”
- 25.06.2019 Tradycyjne dwadzieścia przedmiotów aukcji AI to osiem obrazów, sześć arkuszy oryginalnej i dwie drukowane grafiki, trzy prace mieszane i jedna rzeźba w drewnie
- 21.06.2019 50% sprzedane. Kupili od Moskwy, Siergijewa Posada, miasta Engelsa w obwodzie saratowskim itp.
- 21.06.2019 W ubiegłą sobotę dom aukcyjny Litfond sprzedał obrazy, rysunki, porcelanę, książki, mapy, autografy, fotografie itp. za 57,9 mln rubli. Na szczycie znalazł się obraz Walentina Sierowa – 18,75 mln rubli.
- 20.06.2019 W sobotę 22 czerwca w domu Russian Enamel w ramach comiesięcznej aukcji kupującym zaoferowanych zostanie 516 partii obrazów, rysunków, ikon, srebra, porcelany, szkła, biżuterii itp.
- 19.06.2019 Tradycyjne dwadzieścia przedmiotów Aukcji AI to dziesięć obrazów, pięć arkuszy oryginalnej i dwie drukowane grafiki, praca z elementami kolażu, album fotograficzny oraz porcelanowy talerz z obrazem autora
- 06.06.2019 Zapowiedź nie zawiodła. Kupujący byli w dobrych humorach, a aukcja przebiegła pomyślnie. Już pierwszego dnia „tygodnia rosyjskiego” zaktualizowano listę 10 najlepszych aukcji sztuki rosyjskiej. Za Petrov-Vodkina zapłacono prawie 12 milionów dolarów
- 23.05.2019 Będziesz zaskoczony, ale tym razem mam dobre przeczucia. Myślę, że aktywność zakupowa będzie większa niż ostatnim razem. A ceny najprawdopodobniej Cię zaskoczą. Dlaczego? Na koniec będzie o tym kilka słów.
- 13.05.2019 Wielu uważa, że tak duża koncentracja bardzo zamożnych ludzi nieuchronnie tworzy odpowiedni popyt na krajowym rynku sztuki. Niestety, skala zakupów obrazów w Rosji nie jest wprost proporcjonalna do wielkości majątku osobistego
- 24.04.2019 Co zaskakujące, wiele z wcześniej przewidywanych przełomów informatycznych nie spełniło się. Może na lepsze. Istnieje opinia, że zamiast pomagać, światowi giganci Internetu wciągają nas w pułapkę. I tylko niewielka część najbogatszej populacji z czasem zorientowała się, co jest czym
- 29.03.2019 Spotkani w kostnicy studenci Stroganówki mieli zostać wynalazcami sztuki Sotsa, inicjatorami „wystawy buldożerów”, handlarzami amerykańskich dusz i najbardziej rozpoznawalnymi na świecie przedstawicielami niezależnej sztuki radzieckiej Od 19 czerwca do 15 września w Gmachu Głównym Muzeum Puszkina przy ulicy Wołhonka 12 ustawiać się będą kolejki na wystawę około 150 dzieł z kolekcji Siergieja Szczukina – obrazów Moneta, Picassa, Gauguina, Deraina, Matisse’a i inne ze zbiorów Muzeum Puszkina. Puszkina, Ermitaż, Muzeum Orientu itp.
- 11.06.2019 Na wystawę do Londynu przywieziono około 170 dzieł Goncharowej z muzeów i kolekcji z całego świata, w tym z Rosji.
- 07.06.2019 Do końca czerwca w Galerii Tsereteli na Prechistence gości duża osobista wystawa Konstantina Aleksandrowicza Batynkowa, który w tym roku obchodzi swoje 60. urodziny.
Kolejny odcinek serialu dokumentalnego „Artysta mówi” (po pierwszym, w którym odbył się dialog z Erikiem Bułatowem) poświęcony jest Leonidowi Sokovowi (1941-2018).
Sokov to jedna z najpopularniejszych postaci świata sztuki społecznej. Jego prace znajdują się w wielu muzeach publicznych i prywatnych w Europie i Ameryce. Jego osobiste wystawy odbywały się w Moskiewskim Muzeum Sztuki Nowoczesnej (2012) i w Nowej Galerii Trietiakowskiej (2016).
Pochodzi z małej wioski w obwodzie twerskim, dziesięć lat później Sokow i jego rodzina przenieśli się do Moskwy. Leonid Pietrowicz zdobył wykształcenie artystyczne w Moskiewskiej Szkole Artystycznej (nawiasem mówiąc, podobnie jak Erik Bułatow). Następnie studiował w szkole Stroganowa, którą ukończył w 1969 r. W 1979 roku podejmuje decyzję o wyjeździe z kraju. Od tego momentu Nowy Jork stał się jego domem.
Przechadzając się po salach Galerii Trietiakowskiej na Krymskim Valu, podczas wystawy „Niezapomniane spotkania” artysta zastanawia się nad wizerunkami w swoich rzeźbach, nad emigracją, nad swoją działalnością kuratorską (zorganizował wystawę mieszkalną, na której oprócz jego dzieła, dzieła Julikowa, Szelkowskiego, Czuikowa). W trosce o ponowne przemyślenie przez widza swojej sztuki i twórczości innych XX-wiecznych mistrzów (m.in. Tatlina, Malewicza itp.) artysta zdecydował się wcisnąć swoje prace w sale ekspozycji stałej.
Pierwszą rzeczą, która zainteresowała Leonida Sokowa, było to, skąd pochodzi rosyjska rzeźba. Odpowiedzi na to pytanie zaczął szukać w rzeźbie północnej Syberii. Szaman zrobił deski do ognia, włócznie i łyżki. Był szamanem, uzdrowicielem, prognostą pogody i przywódcą plemiennym. Leonid chciał być kimś więcej niż tylko rzeźbiarzem, chciał być jak ci szamani – docelowo nie być tylko rzeźbiarzem, który wyraża swoje idee poprzez sztukę plastyczną. Zdając sobie sprawę, że nie jest w stanie przywrócić kontekstu szamanizmu, chciał na własnej skórze przekonać się, w jaki sposób dzieła szamana wywołały taki efekt.
Dla artysty kwestia kultury jest bardzo ważna. Wiele prac artysty, urodzonego po opuszczeniu ZSRR w 1979 roku i mieszkającego w Ameryce, stało się jego odpowiedzią na dręczące wiele pokoleń pytanie o oryginalność sztuki rosyjskiej i radzieckiej oraz jej miejsce w kulturze światowej.
Artysta szczególnie ciepło wypowiada się o szkole artystycznej, która dała mu podwaliny. Po Moskiewskiej Szkole Artystycznej sam próbował zdemontować dzieła sztuki, które go zadziwiły. A w 1969 r. (kiedy kończył studia w Stroganowie) Sokow, jego zdaniem, przeżył chwilę wyzwolenia od akademizmu.
W swojej twórczości pozostawał pod wpływem Giacomettiego i Matisse’a (ostatnich rzeźbiarzy posługujących się klasycznymi koncepcjami przestrzeni i formy). Rozpoczynając pracę, nie ma pojęcia, jak ona będzie wyglądać ostatecznie. Jest to „rozmowa z określoną sytuacją”.
Być niezrealizowanym dla artysty to patrzeć, jak umierasz, nic nie zrobiwszy. Artysta sam rozwiązuje ten problem. I tak okazuje się, że albo wyjeżdżasz, albo następuje taka sytuacja
1) Nie było możliwości wystawienia rzeczy, które produkujesz;
2) Nie da się ich produkować i sprzedawać.
Mógł zostać i pracować jako artysta zajmujący się zwierzętami, ale postanowił nie dręczyć się i opuścił kraj.
„Lenin – Giacometti (Spotkanie dwóch rzeźb).” 2005, autorskie powtórzenie dzieła z 1989 roku. Brąz, 160,5 × 122,5 × 68 cm
Korzystając z odlewu z 1942 roku wyrzeźbił z niego postać Lenina. W zamyśle rzeźbiarza dochodzi do spotkania realizmu socjalistycznego (Lenin) i modernizmu (Giacometti) – dwóch niemal równoległych, choć jakże przeciwstawnych nurtów. Jedną z interpretacji jest spotkanie dobrze odżywionego burżuazyjnego Lenina z głodującym rejonem Wołgi. W rezultacie istnieje wiele warstw percepcji - każda osoba wnosi swój własny mit i własne zrozumienie.
Kolejnym niezwykle popularnym dziełem Leonida Sokowa jest „Stalin i Monroe”. Dla artysty kluczową ideą było połączenie dwóch postaci mitologicznych XX wieku. Stalin jako najbardziej mitologiczna postać w ZSRR i Merlinie – w Ameryce. Dla Sokowa dwie osobowości, których spotkanie nigdy nie było możliwe, stanowią samodzielny konstrukt sukcesu. Stworzył je tak, aby każdy widz interpretował ich obrazy tak, jak chce.