Stowarzyszenie Twórcze Artystów „Świat Sztuki. Encyklopedia szkolna Stowarzyszenie Twórcze World of Art, które jest tam zawarte

Stowarzyszenie Sztuki Rosyjskiej. Powstał pod koniec lat 90. XIX wieku. (oficjalnie w 1900 r.) na podstawie koła młodych artystów i miłośników sztuki, na czele którego stali A. N. Benois i S. P. Diagilew. Jako związek wystawowy pod auspicjami magazynu Mir ... ... Encyklopedia sztuki

Stowarzyszenie (1898 1924) artystów, utworzone w Petersburgu przez A.N. Benois i SP. Diagilew. Przedstawiciele Świata Sztuki odrzucali zarówno akademizm, jak i tendencyjność Wędrowców; opierając się na poetyce symbolizmu, często przenosili się w świat przeszłości... Współczesna encyklopedia

„Świat sztuki”- „WORLD OF ART”, stowarzyszenie artystów (1898 1924), utworzone w Petersburgu przez A.N. Benois i SP. Diagilew. Przedstawiciele „Świata Sztuki” odrzucali zarówno akademizm, jak i tendencyjność Wędrowców; opierając się na poetyce symbolizmu, często ... ... Ilustrowany słownik encyklopedyczny

EE Lansere. Statki z czasów Piotra I. tempera. 1911. Galeria Trietiakowska. Moskwa. „World of Art”, rosyjskie stowarzyszenie artystyczne. Powstał pod koniec lat 90. XIX wieku. (oficjalnie w 1900) na bazie koła młodych artystów i miłośników sztuki... Encyklopedia sztuki

- (1898–1904; 1910–1924), stowarzyszenie petersburskich artystów i postaci kultury (A. N. Benois, K. A. Somov, L. S. Bakst, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lansere, A. Ya. Golovin, I. Ya. Bilibin, Z. E. Serebryakova, B. M. Kustodiew, N. K. Roerich, ... ... Encyklopedia sztuki

- „Świat sztuki”, rosyjskie stowarzyszenie artystyczne. Powstał pod koniec lat 90. XIX wieku. (oficjalnie w 1900 r.) w Petersburgu na podstawie kręgu młodych artystów i miłośników sztuki, na czele którego stali A. N. Benois i S. P. Diagilew. Jako związek wystawowy pod ... ... Wielka radziecka encyklopedia

„Świat sztuki”- „Świat sztuki”, stowarzyszenie artystyczne. Powstał pod koniec lat 90. XIX wieku. (statut zatwierdzono w 1900 r.) na podstawie koła młodych artystów, historyków sztuki i miłośników sztuki („towarzystwo samokształceniowe”), na czele którego stał A. N. Benois i ... ... Encyklopedyczna książka informacyjna „St. Petersburg”

Stowarzyszenie artystów rosyjskich przeciwstawiających się tendencyjności, stronniczości i antyestetyzmowi współczesnych im „przywódców opinii publicznej”, dyktatom gustu akademizmu i wędrowaniu. Ukształtował się pod koniec lat 90. XIX wieku w Petersburgu na podstawie koła ... ... rosyjskiej historii

1) stowarzyszenie artystyczne. Powstał pod koniec lat 90. XIX wieku. (statut zatwierdzono w 1900 r.) na bazie koła młodych artystów, historyków sztuki i miłośników sztuki („towarzystwo samokształceniowe”), na czele którego stanęli A. N. Benois i S. P. Diagilew. Jak … Petersburg (encyklopedia)

„Świat sztuki”- ŚWIAT SZTUKI. w epoce srebrnej. Istniał od 1898 do 1927 z przerwami, przyjmując różne organizacje. formy: magazyn, wystawa, o artystach. I okres M.I. Rosyjski encyklopedyczny słownik humanitarny

Książki

• Świat sztuki. 1898-1927, G. B. Romanov, Niniejsza publikacja jest poświęcona 30-letniemu okresowi w historii stowarzyszenia „Świat sztuki”. Publikacja zawiera portrety, biografie i prace artystów. Przygotowując tę ​​encyklopedię dla… Kategoria: Historia sztuki rosyjskiej Wydawca: Global View, St. Petersburg Orchestra,
• Świat sztuki. Stowarzyszenie Artystyczne początku XX wieku, Wsiewołod Pietrow, „Świat Sztuki”, rosyjskie stowarzyszenie artystyczne. Powstał pod koniec lat 90. XIX wieku. (oficjalnie w 1900 r.) w Petersburgu na podstawie koła młodych artystów i miłośników sztuki, kierowanego przez A. N. ... Kategoria: Historia i teoria sztuki Wydawca:

Pod koniec XIX wieku życie artystyczne w Rosji było bardzo ożywione. Towarzystwo wykazywało wzmożone zainteresowanie licznymi wystawami i aukcjami sztuki, artykułami i czasopismami poświęconymi sztukom plastycznym. Nie tylko Moskwa i Sankt Petersburg, ale także wiele prowincjonalnych gazet i czasopism miało odpowiednie stałe nagłówki. Powstawały różnego rodzaju stowarzyszenia artystyczne, stawiające sobie różne zadania, ale głównie o charakterze edukacyjnym, na co wpływ miały tradycje Wędrowców.

W tych warunkach pomysł Diagilewa, by zebrać młode siły artystyczne Petersburga i Moskwy, których potrzeba była od dawna odczuwalna w sztuce rosyjskiej, spotkał się z pozytywnym przyjęciem.

W 1898 roku Diagilew po raz pierwszy osiągnął wspólny występ na Wystawie Artystów Rosyjskich i Fińskich. Uczestniczyli w nim Bakst, Benojs, A. Wasniecow, K. Korowin, Niestierow, Lansere, Lewitan, Maliutin, E. Polenowa, Riabuszkin, Serow, Somow i inni.

W tym samym 1898 r. Diagilewowi udało się przekonać znane postacie i miłośników sztuki S. I. Mamontowa i M. K. Tenishevę do sfinansowania miesięcznika o sztuce. Wkrótce w Petersburgu ukazał się podwójny numer magazynu „World of Art” pod redakcją Siergieja Pawłowicza Diagilewa.

Był to pierwszy magazyn o sztuce, którego charakter i kierunek wyznaczali sami artyści. Redakcja poinformowała czytelników, że w czasopiśmie rozpatrywane będą prace mistrzów rosyjskich i zagranicznych „ze wszystkich epok historii sztuki, w takim zakresie, w jakim wymienione prace są interesujące i ważne dla współczesnej świadomości artystycznej”.

W następnym roku, w 1899 roku, odbyła się I Międzynarodowa Wystawa pisma „Świat Sztuki”. Zawierał ponad 350 prac i zawierał czterdziestu dwóch europejskich artystów, w tym P. de Chavannes. D. Whistler, E. Degas, C. Monet, O. Renoir. Wystawa

umożliwiły rosyjskim artystom i widzom zapoznanie się z różnymi dziedzinami sztuki zachodniej.

Dzięki ukazaniu się pisma „Świat Sztuki” oraz wystawom z lat 1898-1899 wyłoniło się grono młodych artystów sympatyzujących z kierunkiem pisma.

W 1900 roku Diagilewowi udało się zjednoczyć wielu z nich w twórczej społeczności „World of Art”. Ten „genialny zespół” (wyrażenie A.P. Ostroumova-Lebedeva) składał się z wybitnych artystów, którzy przybyli do sztuki w latach 90. XIX wieku, a mianowicie: Bakst, Alexander Benois, Bilibin, Braz, Vrubel, Golovin, Grabar, Dobuzhinsky. K. Korovin, Lansere, Malyutin, Malyavin, Ostroumova, Purvit, Roerich, Ruschits, Serov, Somov, Trubetskoy, Zionglinsky, Yakunchikova i Yaremich.

Ponadto Repin, V. i E. Polenov, A. Vasnetsov, Levitan, Nesterov, Ryabushkin brali udział w niektórych ówczesnych wystawach World of Art.

Od 1900 do 1903 odbyły się trzy wystawy „Świata Sztuki”. Organizując te wystawy, Diagilew skupił się na młodych rosyjskich artystach. Byli to petersburczycy - Bakst, Benois. Somow, Lansere i Moskale - Wrubel, Serow, K. Korowin, Lewitan, Malyutin, Ryabushkin i inni. Z Moskalami Diagilew pokładał największe nadzieje. Napisał: „... cała nasza obecna sztuka i wszystko, po czym możemy spodziewać się przyszłości, znajduje się w Moskwie”. Dlatego starał się w każdy możliwy sposób przyciągnąć moskiewskich artystów na wystawy World of Art, co nie zawsze mu się udawało.

Wystawy World of Art dokładnie zapoznały społeczeństwo rosyjskie z dziełami znanych rosyjskich mistrzów i wschodzących artystów, którzy jeszcze nie zdobyli uznania, takich jak Bilibin, Ostroumova, Dobuzhinsky, Lansere, Kustodiew, Yuon, Sapunow, Larionow, P. Kuzniecow, Saryan.

Nie ma potrzeby szczegółowo opisywać tutaj działalności World of Art, skoro niedawno pojawiły się publikacje mu poświęcone. Należy powiedzieć o niektórych jego ogólnych cechach, które podkreślał sam Świat Sztuki i wielu współczesnych.

Skojarzenie „Świat sztuki” nie było w sztuce rosyjskiej zjawiskiem przypadkowym, lecz uwarunkowanym historycznie. Taka była na przykład opinia I. E. Grabara: „Gdyby nie Diagilew<...>, sztuka tego rzędu musiała się wyłonić”.

Odnosząc się do kwestii ciągłości kultury artystycznej, Diagilew powiedział w 1906 roku: „Cała teraźniejszość i przyszłość rosyjskiej sztuki plastycznej… wielkich mistrzów rosyjskich od czasów Piotra”.

JAKIŚ. Benois napisał, że wszystko, co zrobił World of Art, „wcale nie oznaczało”, że „zerwali z całą przeszłością”. Wręcz przeciwnie, argumentował Benois, sam rdzeń „World of Art” „stał za odnową wielu, zarówno technicznych, jak i ideologicznych tradycji sztuki rosyjskiej i międzynarodowej”. I dalej: „… uważaliśmy się w dużej mierze za przedstawicieli tych samych poszukiwań i tych samych metod twórczych, które ceniliśmy u portrecistów XVIII wieku, a także u Kiprenskiego, Wenecjanowa i Fiedotowa. jak u wybitnych mistrzów bezpośrednio poprzedzającego nas pokolenia - u Kramskoja, Repina, Surikowa.

Znany Wędrowiec V. E. Makovsky w rozmowie z dziennikarzem powiedział: „Wykonaliśmy swoją pracę<...>Ciągle jesteśmy cytowani jako przykład przez Związek Artystów Rosyjskich i Świat Sztuki, w którym podobno skupiają się wszystkie najlepsze siły rosyjskiego malarstwa. Ale kim oni są, te najlepsze siły, jeśli nie naszymi własnymi dziećmi?<...>Dlaczego nas zostawili? Tak, ponieważ czuli się skrępowani i postanowili założyć swoje nowe stowarzyszenie”.

W twórczości Świata Sztuki ta ciągłość najlepszych tradycji Wędrowców objawiła się w czasie rewolucji 1905 roku. Większość artystów „Świata Sztuki” przyłączyła się do walki z caratem, biorąc czynny udział w wydawaniu publikacji satyry politycznej.

„Świat Sztuki” odegrał znaczącą, a czasem wręcz decydującą rolę w twórczych losach wielu artystów. Na przykład I. E. Grabar dopiero po spotkaniu z członkami komitetu wystawy World of Art, Diagilewem, Benoisem i Serowem, „uwierzył w siebie i zaczął pracować”. Nawet o samym Sierowie, nie bez powodu, powiedzieli, że „aktywna sympatia kręgu„ Świata sztuki ”w cudowny sposób zainspirowała i wzmocniła jego pracę”

K. S. Petrov-Vodkin napisał w 1923 r. W swoich wspomnieniach o świecie sztuki: „Jaki jest urok Diagilewa, Benois, Somowa, Baksta, Dobuzhinsky'ego? Takie konstelacje grup ludzkich powstają na granicach historycznych punktów zwrotnych. Wiedzą dużo i niosą ze sobą te wartości z przeszłości. Wiedzą, jak wydobyć rzeczy z kurzu historii i ożywiając je, nadać im nowoczesny dźwięk… „Świat sztuki” znakomicie spełnił swoją rolę historyczną”. A w innym miejscu tych samych wspomnień: „Kiedy pamiętacie, jak dwadzieścia lat temu, pośród wyziewów dekadencji, wśród historycznego złego smaku, czerni i błota malarstwa, Siergiej Diagilew i jego towarzysze wyposażyli swój statek, jak wtedy my, młodzi mężczyźni, wzięli razem ze sobą skrzydła, dusząc się w otaczającym nas obskurantyzmie - pamiętajcie o tym wszystkim, powiedzcie: tak, brawo chłopaki, doprowadziliście nas do teraźniejszości na swoich barkach.

N. K. Roerich stwierdził, że to „Świat Sztuki” „podniósł sztandar nowych podbojów sztuki”.

Wspominając odległe lata 1900 na zboczu swojego życia, A.P. Ostroumova-Lebedeva napisała: „Studenci sztuki światowej wybrali i zaprosili młodych artystów do swojego społeczeństwa, gdy zauważyli w nich, oprócz talentu, szczere i poważne podejście do sztuki i ich praca<...>Świat Sztuki uparcie głosił zasadę „rzemiosła w sztuce”, to znaczy chciał, aby artyści wykonywali obrazy z pełną, szczegółową znajomością materiałów, z którymi pracują, i doprowadzili technikę do perfekcji<...>Ponadto wszyscy mówili o potrzebie podniesienia kultury i gustu wśród artystów i nigdy nie zaprzeczali tematom w obrazach, a tym samym nie pozbawiali sztuk plastycznych jej nieodłącznych właściwości agitacji i propagandy. Konkluzja Ostroumovej-Lebiediewy była bardzo zdecydowana: „Po prostu niemożliwe jest zniszczenie znaczenia społeczeństwa „Świat sztuki” i zanegowanie go, na przykład, jak robią to krytycy sztuki w naszym kraju ze względu na zasadę „sztuka dla sztuki ”.

K. F. Yuon zauważył: „Świat sztuki” wskazywał na nietkniętą dziewiczą krainę różnorodnych środków artystycznego wyrazu. Zachęcał wszystko, co ziemia i narodowość...”. W 1922 roku A. M. Gorky zdefiniował tę koncentrację niezwykłych talentów jako „cały nurt, który ożywił sztukę rosyjską”.

„Świat sztuki” przestał istnieć w 1903 roku, ale nadal zachowywał ogromną atrakcyjność dla współczesnych. W 1910 roku Towarzystwo World of Art ponownie pojawiło się w Petersburgu, ale Diagilew nie brał już udziału w jego pracach. Działalność artystyczna Diagilewa obrała inny kierunek.

W 1905 roku w pałacu Tauride w Petersburgu zorganizował wielką wystawę historyczno-artystyczną rosyjskich portretów. Nie ograniczając się do dzieł ze stołecznych pałaców i muzeów, Diagilew objechał prowincje, ujawniając łącznie około 4000 portretów. Na wystawie było wiele ciekawych i nieoczekiwanych znalezisk. Rosyjska sztuka portretowa okazała się niezwykle znacząca i bogata. V. E. Borysow-Musatow napisał w tamtych czasach do V. A. Serowa: „Za tę pracę [t. e. aranżacja wystawy] Diagilew jest geniuszem, a jego historyczne imię stałoby się nieśmiertelne. Jego znaczenie jest jakoś mało zrozumiałe i szczerze mu współczuję, że został w jakiś sposób pozostawiony sam sobie. Fotografie wykonane z inicjatywy Diagilewa z większości eksponatów (negatywy są przechowywane w TG) pozwalają obecnie zapoznać się z wieloma arcydziełami sztuki rosyjskiej, które zginęły lub zaginęły podczas burzliwych wydarzeń rewolucji 1905 r., wojen domowych i światowych (na przykład los osiemnastu prac D. G. Levitsky'ego, które między innymi były wystawiane na wystawie Tauride).

Wiosną 1905 r. Postaci kultury w Moskwie postanowiły uhonorować Diagilewa w podzięce za to, że redagował czasopismo „World of Art” i zorganizował wystawę historyczno-artystyczną. Odpowiadając na pozdrowienia, Diagilew oświadczył: „...to właśnie po tych chciwych tułaczkach [Diagilew znaczy podróże po Rosji, które podejmował, zbierając prace na Wystawę Historyczno-Artystyczną], nabrałem szczególnego przekonania, że ​​nadszedł czas na rezultaty. Zaobserwowałem to nie tylko w genialnych wizerunkach tak wyraźnie odległych od nas przodków, ale przede wszystkim w przeżywających swoje życie potomkach. Koniec życia jest tutaj<...>Jesteśmy świadkami największego historycznego momentu rezultatów i celów w imię nowej, nieznanej kultury, która powstanie dla nas, ale i nas zmiecie. I dlatego bez lęku i niedowierzania wznoszę kieliszek za zrujnowane mury pięknych pałaców, a także za nowe świadectwa nowej estetyki”

Rozdział 3. Artyści – organizatorzy i postacie „Świata Sztuki”

Głównymi członkami stowarzyszenia „World of Art”, którzy utworzyli koncepcję „World of Art”, byli: Alexander Nikolaevich Benois, Konstantin Andreevich Somov i Lev Samoilovich Bakst. To oni decydowali o ideologii i kierunku pracy stowarzyszenia. W przyszłości wielu różnych artystów uczestniczyło w wystawach World of Art.
Przejdźmy do twórczości mistrzów – głównych postaci „Świata Sztuki”.
Gusta artystyczne Aleksandra Benois kształtowały się pod wpływem twórczej atmosfery rodziny, która tworzyła krąg jego zainteresowań. Przed nami słynny portret Aleksandra Benois autorstwa Baksta

Benois ukazany jest jako artysta, historyk sztuki i znawca kultury XVIII wieku. Benois siedzi w fotelu z książką w dłoniach, tutaj w pokoju widzimy portret cesarzowej Elżbiety Pietrowna. Płótna zwrócone do ściany wskazują, że mamy przed sobą malarza.
Alexandre Benois urodził się 3 maja 1870 roku w znanej rodzinie artystów i architektów. Jego ojciec, Nikołaj Leontyevich Benois, był architektem, a jego dziadek ze strony matki, Albert Katarinovich Cavos, również był architektem. Odbudował Teatr Maryjski w Petersburgu po pożarze w 1853 roku. Pradziadek ze strony matki - wenecjanin Katarino Cavos był kompozytorem, autorem oper, baletów, wodewilów. Na początku XIX wieku wstąpił do służby w teatrach cesarskich w Petersburgu. Brat Aleksandra Nikołajewicza - Albert - był akwarelistą, drugi brat - Leonty - architektem, budowniczym cerkwi w Rosji, Polsce i Niemczech. „Dom Benois niedaleko Nikoli Morskiego”, w którym mieszkała rodzina Benois, był dobrze znany w Petersburgu. Przetrwał do dziś. Dom był wypełniony dziełami sztuki - obrazami, rycinami, antykami. Wręcz przeciwnie, wznosi się z niej Nikolsky Naval Cathedral, zbudowany w czasach cesarzowej Elżbiety Pietrowna przez architekta Savva Ivanovich Chevakinsky. Piękny wygląd katedry w stylu barokowym pozostał na zawsze w pamięci Aleksandra Benois i był odpowiedzią na jego miłość do sztuki XVIII wieku. Przyjaciele wspominali wielki dar pedagogiczny Aleksandra Benois. Dysponując znakomitym stylem literackim i głęboką znajomością historii sztuki, już w młodości zaczął publikować krytyczne artykuły dotyczące problematyki sztuki, a w 1893 roku brał udział w publikacji książki niemieckiego badacza Richarda Muthera „Historia malarstwa w XIX wieku”, dla którego napisał dużą sekcję o malarstwie rosyjskim. Po ukończeniu Wydziału Prawa Benois, podobnie jak Diagilew, później nie praktykował prawa, ale poświęcił się sztuce.
Ulubiony czas Aleksandra Benois - XVIII wiek, Wersal ostatnich lat życia Ludwika XIV. Artysta przedstawiał eleganckich dworzan i starego króla w parku wersalskim, gdzie król „chodził przy każdej pogodzie”, sceny intymne, jak kąpiące się markizy.

Artysta ukazał przechodzące do historii życie dworskie, niegdyś wspaniałe, tonące w przepychu i smutne w ostatnich latach życia króla.Kompozycja rozległych przestrzeni parku mówiła artyście nie tyle o wielkości króla, ale o twórczym geniuszu architekta, który stworzył ten splendor. W obrazie „The King's Walk” akcja rozgrywa się w parku wersalskim.

Ciągnące się w oddali pustynne alejki podkreślają samotność króla wśród towarzyszącego mu niewielkiego orszaku. Artysta oddał nieuchwytny nastrój smutku, atmosferę przemijającej epoki.Na innym obrazie o tej samej tematyce niespieszny pochód króla i dworzan obok fontann i posągów odbierany jest jako przedstawienie teatralne, a figury baraszkujących amorków z brązu w basenie wydają się bardziej żywe niż te smutne maski.

Obraz „Ogród wenecki” jest zbliżony do nastroju, gdzie zamaskowane postacie wydają się snem, cieniami, a posągi są ożywione i wydają się rozmawiać ze sobą. W takiej interpretacji konkluzji pojawia się pewna myśl: życie jest przemijające, sztuka jest wieczna.

Twórczość Benois odzwierciedlała także czasy Piotra Wielkiego, przed którym kłaniały się postacie „Świata Sztuki”. Przed nami - „Piotr I na spacerze w Ogrodzie Letnim”.

Król na alei ogrodowej przed fontanną, wśród pstrokatego eleganckiego tłumu dworzan, zwraca uwagę wysoką posturą i zadowoloną, pogodną twarzą.

Niezrównany erudyta w sprawach życia minionych stuleci, Benoit znał zwyczaje, stroje i wnętrza w najdrobniejszych szczegółach. Wybrane przez niego tematy nie dotyczyły wielkich zagadnień historycznych; artysta tworzył fantazje na prywatne chwile życia, starając się oddać ducha epoki. Pod tym względem interesujący jest jego obraz „Parada pod Pawłem I”.

Pochmurny zimowy dzień. Przez siatkę padającego śniegu widać różowy Zamek Michajłowski, którego prawe skrzydło nie zostało jeszcze ukończone. Żołnierze maszerują na placu apelowym przed zamkiem. Cesarz, zajęty swoim ulubionym zajęciem - musztrą żołnierzy - przedstawiony jest pośrodku na białym koniu. Za nim jego orszak i synowie. Oficer, podobny do Pawła I, składa raport carowi. W głębi widzimy dziwne sylwetki żołnierzy nieuczestniczących w marszu. Biegną za nimi i podnoszą przewrócone kapelusze. Rzeczywiście, za Pawła I istniał specjalny oddział, który miał dopilnować, aby upadłe przekrzywione kapelusze nie leżały na ziemi i je podnosić. Ogólne rozwiązanie obrazu, które przedstawia surowy krajobraz z zamkiem, z niekończącym się padającym śniegiem, z maszerującymi żołnierzami i carem - wszystko to tworzy wyrazisty obraz Petersburga za panowania Pawła I.

Benois był także wybitnym ilustratorem i dekoratorem teatralnym. Do tej pory jego ilustracje do Damy pikowej i Jeźdźca miedzianego A. S. Puszkina pozostają niezrównane. W jednej z ilustracji do Damy pikowej – „Hermann przy wejściu hrabiny” – artysta stworzył ekspresyjny obraz, oddający pełne napięcia oczekiwanie bohatera podczas odjeżdżania o zmierzchu karety Hrabiny. Rysunek „W kasynie” ukazuje ponurą atmosferę tej instytucji, w której za chwilę wybuchnie tragedia. Benoit zajął się ilustrowaniem Jeźdźca miedzianego już w 1905 roku i nie porzucił tej pracy, udoskonalając ją, aż do wydania książki w 1922 roku Artysta pokazał białe noce, idąc za wersami poety „Piszę, czytam bez lampy”, powódź i szczególnie imponujący moment – ​​wielką czarną sylwetkę Jeźdźca, wyłaniającą się zza rogu i biegnącą z go w obawie przed biednym Eugeniuszem - „za nim wszędzie Miedziany Jeździec, który galopował ciężkim tupotem”. Już w 1904 roku Benois wydał znakomitą książkę dla dzieci „ABC”. Gdyby w naszych czasach książka ta nie pozostała tylko wartością antyczną, ale była powszechnie znana, przyniosłaby wiele radości zarówno dzieciom, jak i dorosłym czytelnikom. Książka została wznowiona w 1990 roku. Rysunki pełne fantazji i wspomnień z dzieciństwa samego autora, wrażenia z zabawek wypełniających jego dom, z wizyt w teatrze, gdzie podczas spektaklu diabeł wyskakiwał z włazu na scenę i odgrywał rolę „czarnego” w jasnych barwach. ubrania - wszystko to zostało na zawsze zapamiętane i odzwierciedlone w „ABC.
Pełne pokrzepienia i szczególnego ciepła są rysunki przedstawiające „daczę” i „dziadka”, a krasnal, który pojawił się z tortu ku zachwytowi panów i pań w pudrowanych perukach i eleganckich sukniach, przenosi nas wprost do ukochanego przez Autor.

W historii sztuki teatralnej i sztuki zdobniczej niezapomnianym zjawiskiem pozostały projekty baletów Aleksandra Benoisa „Pawilon Armidy” N. N. Czerepnina na temat XVIII wieku oraz „Pietruszka” I. F. Strawińskiego na temat rosyjskiej farsy. Balet „Pawilon Armidy” przenosi widza w bajkę, w której bohaterowie ożywają na gobelinie. Balet ten przenosi widza w świat rycerzy, dżentelmenów i dam. Balet „Pietruszka” był wystawiany w Paryżu, w „Sezonach rosyjskich”, do czego wrócimy później.

Benois był osobą wszechstronnie utalentowaną. Pozostawił wiele dzieł jako krytyk sztuki i historyk sztuki rosyjskiej i zachodnioeuropejskiej, studiował mało zbadane zabytki i twórczość zapomnianych mistrzów. Wyżej wspomniał o swoim udziale w niemieckim wydaniu książki Richarda Muthera "Dzieje malarstwa w XIX wieku". Kilka lat później, w 1901 i 1902 roku, w rosyjskim wydaniu ukazały się dwa tomy badań Benoita nad sztuką rosyjską, które wywarły „oszałamiające wrażenie” na rosyjskiej opinii publicznej. Następnie Benois opublikował kilka książek o historii sztuki zachodnioeuropejskiej.Aleksander Benois był pierwszą postacią rosyjskiej kultury swoich czasów, która zwróciła uwagę współczesnych na piękno petersburskiej architektury. Po A. S. Puszkinie nikt nie pamiętał piękna Petersburga. Pod wpływem XIX-wiecznych pisarzy stolica była postrzegana jedynie jako miasto państwowe, zimne, wrogie małemu człowiekowi. Artyści „Świata Sztuki” uchwycili na swoich obrazach nieśmiertelne kreacje petersburskich architektów, odkryli piękno i harmonię zespołów ogrodowych i parkowych Carskiego Sioła, Peterhofu, Pawłowska, Oranienbauma. I w tej sprawie - przede wszystkim zasługa Benois Konstantin Andriejewicz Somow, wybitny artysta "Świata Sztuki", urodził się 18 listopada 1869 roku.

Przed nami jego autoportret. Artysta zaprezentował się w swobodnej pozie, na kanapie. Szeroką manierą pisarską i realistyczną interpretacją obrazów wyróżniała się twórczość Somowa, ucznia Repina.W ten sam sposób malowano portrety rodziców. Ojciec artysty, Andriej Iwanowicz Somow, był kustoszem Ermitażu. Znacząco wzbogacił zbiory muzeum o dzieła malarstwa niemieckiego.

Matka artysty, Nadieżda Konstantinowna, pięknie śpiewała. Somov był także osobą uzdolnioną muzycznie - utalentowanym pianistą i śpiewakiem. Jego siostra Anna Andreevna w małżeństwie Michajłowa zajmowała się haftem artystycznym. Somow miał innego brata, Aleksandra, który zmarł wcześnie. Somow był bardzo przywiązany do swoich rodziców, bardzo kochał swoją siostrę i brata, poświęcał wiele uwagi swoim osieroconym dzieciom.

Po ukończeniu Gimnazjum Karola Iwanowicza Maja, gdzie Somow uczył się u Aleksandra Benoisa i Dmitrija Fiłosofowa, przez pewien czas uczęszczał na zajęcia w Akademii Sztuk Pięknych.Wczesne prace Somowa to pejzaże i portrety bliskich mu osób. W pejzażach lat 90. XIX wieku z wielkim uczuciem przedstawiał puszyste krzaki z łopoczącym listowiem, promienie słońca przebijające się przez konary drzew, gęste zarośla traw. Takie są prace - „Droga do Sekerino”, „Ogród” i inne.

Somow stworzył nowy kierunek w sztuce rosyjskiej, nowe rozumienie malarstwa historycznego. Ta jakość przejawiała się już w obrazach z lat 90. XIX wieku. Najważniejsze w jego twórczości nie są znane wydarzenia, nie psychologia postaci, ale nastrój, przekazanie „ducha epoki”. Już we wczesnym okresie twórczości Somow potrafił przekazać szczególną historyczną atmosferę. Jego obrazy i rysunki ożywiły dawno minione czasy XVIII i początku XIX w. Somow długo i starannie pracował nad swoimi obrazami i rysunkami i zawsze był z siebie niezadowolony. Benoit wspominał: „Często siedzi godzinami (bez przesady) nad jedną linią”. Dobużyński, uczestnik wystaw World of Art, również wspominał tę cechę Somowa: „Pracował, podobnie jak Serow, bardzo ciężko i powoli, rozpoznając tylko najlepsze kolory /…/ Naprawdę kochałem jego sztukę, wydawało się, że mnie wtedy coś naprawdę cennego, a jego wpływ na mnie był nie mniejszy niż Benoit, ale zupełnie inny /.../ Fascynowała mnie swoboda i kunszt jego malarstwa, w którym nie było dzieła, które nie zostało wykonane z wyczuciem. A co najważniejsze, niezwykła intymność jego twórczości, tajemniczość jego obrazów, poczucie smutnego humoru i jego ówczesny „hoffmannowski” romans głęboko mnie zaniepokoiły i otworzyły jakiś dziwny świat bliski moim niejasnym nastrojom /…/ Był mały w wzrostu, całkiem wówczas pełny, ostrzyżony na „jeża” i nosił wąsy, ubrany z wielkim smakiem, ale skromnie, a we wszystkich swoich manierach, chodzie i wszystkim, co składa się na wygląd zewnętrzny człowieka, było niezwykłą łaskę. Miał szczególnie słodki sposób śmiechu i najszczerszy wesoły śmiech /.../ Niezwykle szybko i szczerze zeszliśmy się razem, a Kostya stał się jednym z moich najbliższych i najdroższych przyjaciół na całe życie.ogrody i boskiety - wszystko to były działki i postaci z dzieł Somowa. Jednym z motywów jego prac są młode kobiety śpiące w przytulnych wnętrzach, czego przykład widzicie.

Mistrzowsko namalowany bukiet bzów wnosi duszący aromat do eleganckiego pokoju damy i powoduje jaskrawy rumieniec na jej twarzy. Obrazy Somowa przesiąknięte są pogodnym swoistym liryzmem lub lekką kpiną, co widać na przykład w interpretacji z prac „Wyśmiewany pocałunek”, gdzie pan z krzaków zagląda za całującą się parę, czy „lodowisko”.

Zbudowana jest na zasadzie tryptyku, z którego każda scena ma swój zabawny epizod.Subtelne wnikanie w atmosferę codzienności początku XIX wieku wyróżnia akwarela „Spacer po deszczu”.

Panuje tu lekki, spokojny nastrój. Wprowadzają go radosne, dźwięczne, złocistozielone barwy drzew, traw i obmywane deszczem kwiaty. Na niebie jest tęcza, która po raz pierwszy pojawiła się w Somowie. Wydobywa czystość i świeżość natury po niedawnym deszczu. W parkowej alei, przed pomnikami, na wzorzystej ławce siedzi odwrócona do widza młoda kobieta z parasolką, w kolorowej sukience i kapeluszu ozdobionym kwiatami. Tutaj mała dziewczynka w złotych ubraniach bawi się na trawie. Dwóch młodych mężczyzn, którzy podeszli do niej, rozmawia z kobietą. Podobnie jak na innych rysunkach, Somov interpretuje naturę w łagodny, uogólniony sposób i przedstawia bardziej szczegółowo. Subtelnie i poetycko odtwarza ulubiony czas artysty - XVIII i początek XIX w. Somow był wybitnym portrecistą, którego twórczość badacze stawiali na równi z twórczością Lewickiego i Kramskoja. Stworzył nieliczną, ale znaczącą pod względem malowniczych zalet galerię portretów aktorów „Srebrnego Wieku”: artystów, poetów, dam z towarzystwa, krewnych i przyjaciół. Somow wniósł do portretów swoje zrozumienie obrazu . Wyjątkowy w tym sensie jest portret Anny Karlovnej Benois, żony przyjaciela Somowa, Aleksandra Benois.

Wyróżniała się pogodnym, wesołym charakterem, była żywą, energiczną, zalotną młodą kobietą. Na portrecie widzimy zamyśloną, nieco oderwaną od świata zewnętrznego, pogrążoną w sobie kobietę w stroju z końca XVIII wieku. Jest przedstawiona w parku, który jest rozwiązany jako odległe tło. Artysta wybrał technikę pastelową do tego portretu, mimo że portret jest dość duży, a pastele o tak dużym formacie nie znajdują się już w twórczym dziedzictwie Somowa. Tutaj ta technika ma znaczenie ideowe: pastel pozwala postrzegać przedmioty jakby przez lekką mgiełkę, co odpowiada zamyśleniu bohaterki i całej atmosferze obrazu.Somov stworzył głęboki, tragiczny obraz współczesnego w obraz „Dama w błękicie”.

Wiadomo, że jest tu reprezentowana jego koleżanka z Akademii, artystka Elizaweta Michajłowna Martynowa. Żyła krótko - zmarła na chorobę płuc. Jej nadzieje na szczęście, sukces i uznanie nie spełniły się. „Lady in Blue” stała się swoistym symbolem epoki. Artysta przedstawił na obrazie młodą kobietę w starej sukni, na tle zieleni parku, z książką w dłoni. Jej spojrzenie skierowane na widza jest pełne smutku i smutku. Głęboki niebieski kolor sukienki kontrastuje z białym koronkowym kołnierzykiem i podkreśla bladość pięknej twarzy. Artysta nadał symboliczne znaczenie osobistym doświadczeniom E. M. Martynowej, tworząc uogólniony obraz.
Kolejny „obraz epoki” Somow uchwycił na portrecie artystki Anny Petrovnej Ostroumovej - (od 1905 r. - Ostroumova-Lebiediewa).

Somow pracował nad portretem bardzo długo - zimą 1900-1901. Odbyły się siedemdziesiąt trzy sesje, z których każda trwała cztery godziny. Anna Petrovna wspominała, że ​​​​„rozmawiała, śmiała się, kręciła”, ale obraz okazał się „marzynką, smutną postacią”. Somov „nie pukał niczego z pierwotnego zadania”. Ujawnił duchową esencję modelki, jej powagę i zamyślenie, mimo że sama Anna Petrovna żartowała i śmiała się podczas sesji, bo miała wesoły charakter. Ale Somow stworzył uogólniony, uduchowiony obraz osobowości twórczej swoich czasów. Portret wykonany jest w ciemnych kolorach z wariacjami ciemnoniebieskich, różowych i fioletowych tonów.Pejzaże Somowa były często wystawiane na wystawach: są to domki letniskowe pod Petersburgiem, Martyszkino, gdzie latem mieszkała jego rodzina, drogi, pola uprawne , chłopskie podwórko itp. Głównym tematem jego twórczości pozostał, podobnie jak Benois, XVIII wiek. Kawalerowie i damy w perukach i krynolinach, maskarady z arlekinami i orlikami, miłosne randki, tajemnicze listy, sceny z włoskich komedii to charakterystyczne wątki obrazów Somowa.

Artystka pracowała również w porcelanie, tworząc podobne obrazy, jak np. „Pani zdejmująca maskę”. Jednocześnie praca Somowa zawiera przypomnienie szybko przemijających chwil życia, które symbolizuje często pojawiająca się na jego obrazach tęcza i fajerwerki. Somow kochał ten dawno miniony świat, któremu poświęcił swoje prace, a talent artysty wniósł do jego sztuki niepowtarzalny, przenikliwy urok. To właśnie te cechy wyróżniają obraz „Arlekin i dama” z 1921 roku.

Temat „arlekinad”, włoskich festynów, „arlekinów i dam” rozwijany był przez artystę w różnych latach, w różnych wersjach iw różnych technikach – gwaszu, akwareli, oleju na płótnie. Przed nami jedno z takich zdjęć. Na pierwszym planie, niczym na teatralnej scenie, tańczą twarzą do widza dama i dżentelmen przebrani za arlekina. Tańczą w ramie łuku z gałęzi, pomalowanej z biżuteryjną subtelnością. W głębi, między drzewami, wirują pary w kostiumach maskaradowych, aw ciemne niebo wzbijają się fajerwerki. Bujny bukiet róż, który zdobi scenę, wydaje się emanować silnym zapachem i mówi o wiecznym, nieprzemijającym pięknie. Artysta stworzył swój własny fantastyczny świat celebracji życia, zabawy i piękna. Ale w tym wszystkim jest nuta smutku - że ten świat powstał tylko w wyobraźni artysty. Trzecim co do wielkości przedstawicielem „World of Art” był Lev Samoilovich Bakst (Rosenberg).

Pochodził z zamożnej rodziny żydowskiej. Bakst urodził się 27 kwietnia 1866 roku w Grodnie, ale wkrótce rodzina przeniosła się do Petersburga, gdzie przyszły artysta zainteresował się teatrem i organizował w domu „gry teatralne” z siostrami i młodszym bratem. Ciekawe informacje o wrażeniach z dzieciństwa Baksta podaje jego biograf N.A. Borisovskaya, odnosząc się do historyka teatru Andrieja Levinsona, któremu Bakst opowiedział o sobie: „Pierwsze lata jego życia były pod wrażeniem spotkań z dziadkiem (w 1891 r. ). Starszy Bakst, „paryżanin drugiego cesarstwa”, epikurejczyk, człowiek świecki, przyjaciel księcia Morny (francuskiego dyplomaty i autora wodewilu, wyhodowanego przez Alphonse'a Daudeta w powieści „Nabob” pod imieniem hrabiego More), przeżył swoje życie w Petersburgu, pogrążony we wspomnieniach. Wyrafinowanie dawnych komnat, przepych wyposażenia jego domu były dla Baksta niemal jedynymi artystycznymi wrażeniami z wczesnego dzieciństwa, a sam dziadek – niesamowity starzec, pełen tajemnic i uroku – utrwalił się w jego pamięci jako ucieleśnienie dobrego smaku.

W gimnazjum przyszły artysta uzależnił się od rysunku. Rzeźbiarz Marek Matwiejewicz Antokolski poradził młodemu człowiekowi, aby wstąpił do Akademii Sztuk Pięknych. Za pierwszym razem nie wszedł, ale po prywatnych lekcjach na specjalnym programie próba zakończyła się sukcesem. W tamtych czasach artyści, nawet ci najbardziej znani, nie zawsze kończyli tę placówkę edukacyjną. Na przykład Viktor Vasnetsov, Vrubel, Benois, Serov i Somov opuścili mury Akademii z różnych powodów. Bakst również opuścił Akademię przed otrzymaniem dyplomu. Jego obraz „Opłakiwanie Chrystusa” został namalowany w nowym jak na tamte czasy gatunku realistycznym, co spotkało się z krytyką Rady Naukowej.

W tym czasie zmarł ojciec Baksta, a rodzina potrzebowała pomocy finansowej. Bakst intensywnie pracował nad ilustrowaniem różnych czasopism i książek dla dzieci, aby pomóc rodzinie. Wkrótce poznał braci Alberta i Alexandre Benois i zaczął uczęszczać do kręgu Benois, o którym była mowa powyżej. W 1893 roku Bakst wyjechał do Paryża, gdzie kontynuował studia w prywatnych pracowniach artystów francuskich, w szczególności Jeana-Louisa Gerome'a, autora prac salonowo-naukowych, oraz fińskiego artysty Alberta Edelfelta, słynnego mistrza efektownych portretów, pejzaże, malarstwo historyczne i rodzajowe.

Lew Bakst rozpoczął swoją karierę jako portrecista. Portrety wykonane przez niego w latach 90. XIX wieku i na początku XX wieku na stałe wpisały się w historię sztuki. Artyzm tkwiący w charakterze Baksta znalazł odzwierciedlenie w prezentowanym autoportrecie z 1893 roku. Tradycyjny aksamitny beret i luźna bluza artysty podkreślają jego twórczy wygląd, ale jednocześnie ujawnia się to, co najważniejsze - szybkość, wola, siła charakteru Rok przed śmiercią Lewitana Bakst namalował jego graficzny portret. Wyrazista twarz Lewitana robi silne wrażenie głębokim i smutnym spojrzeniem jego dużych oczu.

Bakst tworzył portrety artystów, poetów, muzyków - osobowości twórczych z jego bliskiego kręgu. Mówiliśmy już o słynnym portrecie S. P. Diagilewa. Nieco wcześniej – w 1902 roku – Bakst namalował portret nieznanej damy zatytułowany „Obiad. Dama z pomarańczami.

Uważa się, że pierwowzorem była żona Benoisa, Anna Karlovna. Ale przed nami nie jest konkretny portret, ale raczej uogólniony obraz damy w stylu Art Nouveau. W obrazie dominuje pełna wdzięku sylwetka damy w czarnej sukni, w czarnym kapeluszu przypominającym wielkiego motyla, na niemal bezbarwnym tle z zielonkawym odcieniem, kontrastującym z pomarańczowymi plamami pomarańczy. Ta kolorystyka nadaje obrazowi wyrafinowania i dekoracyjności. I nie tylko kolorystyka. Dobitnie linearne rozwiązanie sylwetki damy kontrastuje z bujnym trenem sukni i uogólnionymi, jakby niedbale zapisanymi fałdami obrusu. Dekoracyjność, kontrast, pewna tajemnica obrazu - wszystkie te cechy są nieodłącznym elementem stylu Art Nouveau.

Jest też spektakularny portret poety Zinaidy Gippius, żony pisarza Dmitrija Siergiejewicza Mereżkowskiego, który uczestniczył w czasopiśmie ze swoimi studiami literackimi. Jej postać wydawała się „żywym ucieleśnieniem artystycznego modernizmu wyznawanego przez magazyn”. Ostry język Zinaidy Gippius i poetyckie impromptu wniosły do ​​kolekcji figlarną nutę. Tak więc jeden z jej poetyckich żartów charakteryzuje rolę Diagilewa w sprawach stowarzyszenia:

Napoleon rządził ludem
A drżenie było przed nim wielkie,
Honor bohatera! Nie możemy łamać prawa!
A bez nadzoru - wszyscy jesteśmy nieszczęśliwi.

Kurnik - podany jest jeden kogut,
Rządzi, mnożąc swoich wasali.
A w stadzie jest Napoleon: baran.
A w świecie sztuki jest: Seryozha.

Później, w okresie słynnych „Rosyjskich sezonów” Diagilewa, Bakst zasłynął jako wybitny dekorator teatralny swojej epoki. Był już na najlepszej drodze do tego światowego sukcesu w Petersburgu. Wspomniano wyżej, że Bakst, będąc jeszcze członkiem kręgu Benois, został porwany przez starożytną Grecję i od tego czasu temat antyczny stał się wiodącym w jego sztuce. W 1902 roku zaprojektował Hipolita Eurypidesa, aw 1904 Edypa Sofoklesa w Kolonie do przedstawień Teatru Aleksandryjskiego w Petersburgu. „W Hipolicie akcja toczyła się w salach królewskich i przed świątynią. Główni bohaterowie – młoda królowa zakochana w swoim pasierbie i piękny młodzieniec – zainspirowali artystkę do stworzenia wspaniałych kolorowych strojów. Ale w „Edypie” bohaterami są Edyp, zaślepiony i skazany na dobrowolne wygnanie, wędrujący z przewodnikiem – córką Antygoną. Tworzenie łachmanów dla żebraków to trudne zadanie dla kochającego luksus Baksta. Wziął duszę w szaty dla starożytnego chóru. Wykwintne kostiumy w czerni i bieli ze srebrnymi elementami świetnie wyglądały na tle soczystej zieleni listowia.

W 1903 roku na scenie Teatru Ermitaż z wielkim powodzeniem wystawiono balet Wróżka lalek, kostiumy i scenografię do przedstawienia wykonano według szkiców Baksta. „Sukces Ermitażowej inscenizacji Lalki wróżki był tak wielki, że natychmiast przeniesiono ją na scenę Teatru Maryjskiego”, gdzie trwała dwadzieścia dwa lata. Bakst zaprojektował przedstawienie w stylu lat 50. XIX w. Bakst brał udział w projektowaniu magazynu World of Art, tworząc winiety i nakrycia głowy, w których dominował motyw antyczny. Szczególną sławę zyskał stempel stworzony przez Baksta – symbol „Świata Sztuki” – w postaci silnego, ale samotnego, dumnie siedzącego na szczycie orła. Duże plamy światła i cienia tworzą kontrast i przyczyniają się do monumentalności wizerunku orła, korespondując ze znaczeniem „Świata Sztuki" w życiu artystycznym. Największym, monumentalnym dziełem Baksta w tych latach był „Elizjum" - kurtyna dla Teatru Dramatycznego Vera Fedorovna Komissarzhevskaya, wykonany w 1906 roku.

Raj jest przedstawiony na kurtynie. „Tam, niewidzialni dla śmiertelników, żyją wiecznie błogosławieni bohaterowie, którzy otrzymali nieśmiertelność od bogów”. Kurtyna jest naprawdę ogromna - ma ponad dziesięć metrów wysokości i około siedmiu szerokości. Całą przestrzeń płótna zajmują wiecznie zielone drzewa, na tle których błyszczą jasne kwiaty w luksusowych wazonach i kolumny z białego marmuru. Wśród tej wspaniałości z trudem można dostrzec małe figurki ludzi, którzy wpadli do tych rajów „dzięki szczególnej łasce bogów”. Jednak ten „raj” robi ponure wrażenie: zieleń gigantycznych drzew jest zbyt ciemna, postacie zagubionych tam ludzi są zbyt małe, w których pozach wyczuwa się niepokój. Najwyraźniej artysta pamiętał fatalizm starożytnych Greków, niestałość ich bogów.

W 1907 r. Bakst wraz z V. A. Serowem odbył podróż do Grecji; o swoich wrażeniach opowiedział w książce Sierow i ja w Grecji, wydanej w 1923 roku. Krajobrazy Grecji widziane przez artystów wywierały silne i nieoczekiwane wrażenie swoją kolorystyką, a następnie służyły zarówno Bakstowi, jak i Sierowowi do prac o tematyce antycznej. Bakst napisał: „... Co za nieoczekiwana Grecja! Rzędy piaszczysto-czerwonych klifów poprzecinane są ciemnożółtymi poziomymi liniami fortec, po których - z daleka zabawka - maszerują w kolumnach maleńki żołnierze. Powyżej rozrzucone stada popielatoszarych gajów oliwnych; jeszcze wyżej – znowu nagie klify – dzikie, klasyczne, nakrapiane, jak skóra lamparta, z nieregularnymi ciemnobrązowymi plamami. Następnie w scenerii i kostiumach do baletów z lat 1911-1912 na antyczne tematy do rosyjskich sezonów Diagilewa oraz dekoracyjny panel na temat opowiadania Longa „Daphnis i Chloe”, pisarz z II-III wieku i inne dzieła ( zostaną one omówione poniżej) Bakst stworzył atmosferę mitycznej Grecji. Wpływ na twórczość Sierowa miał też wyjazd do Grecji. W obrazach „Odyseusz i Navzikaya” oraz „Gwałt Europy” połączył impresje greckich pejzaży i rysunki na starożytnych wazach, nadając obrazom kanciastość i ogólność charakterystyczną dla stylu Art Nouveau. Fascynacja Baksta starożytną Grecją ożywiła symboliczne dzieło „Terror antiquus” („Antyczny horror”).

Bakst zaczął ten obraz jeszcze przed wyjazdem do Grecji, ale wyjazd wzbogacił go o nowe wrażenia. Ukończył pracę w 1908 roku. Obraz przedstawia śmierć mitycznej Atlantydy, co może kojarzyć się z ideą śmierci świata, zbliżającej się katastrofy społecznej, którą wielu przedstawicieli twórczej inteligencji przewidziało na początku XX wieku. Duży, prawie kwadratowy obraz Baksta przedstawia „panoramę skalistego archipelagu pochłoniętego przez głębokie morze, małe postacie ludzkie pędzą w przerażeniu, a budowle i posągi z różnych stuleci dumnie wznoszą się nad nimi, pośrodku, jako symbol wiecznie niezniszczalnego piękna, to archaiczna Afrodyta z tajemniczym uśmiechem na twarzy, kamiennymi ustami i niebieskim gołębiem w dłoni. Płótno, inspirowane historią śmierci Atlantydy, a także innymi na poły naukowymi, na poły fantastycznymi hipotezami, które aktywnie wtargnęły do ​​literatury i sztuki początku XX wieku, pośrednio odzwierciedlało postrzeganie przez artystę wielkich wstrząsów społecznych, który potwierdził trwałe znaczenie wartości kulturowych przekazywanych przyszłym pokoleniom. Do powyższego tekstu badacza można tylko dodać, że idea śmierci świata (lub śmierci Atlantydy) nie stoi w sprzeczności z interpretacją artysty nie tylko „niezniszczalnego piękna”, ale, co wydaje się nam szczególnie znacząca, o sile wszechzwycięskiej miłości, ucieleśnionej – nieprzypadkowo – na obrazie bogini miłości Afrodyty.W przyszłości cała twórczość Baksta związana była z Pory roku rosyjskim Diagilewa, dla których stworzył m.in. słynne szkice kostiumów i scenografii, które na zawsze zapisały się w historii baletu. Ta praca zostanie omówiona poniżej.Benois, Somov i Bakst to główni i najbardziej typowi przedstawiciele „World of Art”, których twórczość szczególnie żywo ucieleśniała artystyczną i ideologiczną orientację stowarzyszenia. Wkrótce, w 1900 r., dołączyli do nich Evgeny Evgenievich Lansere i Anna Petrovna Ostroumova (od 1905 r. - Ostroumova-Lebedeva); w 1902 r. - Mścisław Walerianowicz Dobużyński. Lansere – siostrzeniec Benoit – był zaledwie pięć lat młodszy od swojego wuja. Syn słynnego rzeźbiarza Jewgienija Aleksandrowicza Lansere i starsza siostra Aleksandra Benois, Jekaterina Nikołajewna, dorastał w środowisku twórczym i nie bez wpływu świata sztuki uczynił wiek XVIII swoim głównym tematem. Ale jednocześnie, jak wspominał Dobuzhinsky, „rzadko bywał u Diagilewa, wydawał się jakoś nie w„ tonie ”całej atmosfery - /... / Lubiłem go i życzliwość, podobną do Benois, szczególną skromność i jednocześnie „otwartość” i trochę szlachetności. A z wyglądu był taki: smukły, o pięknej pociągłej twarzy, o ostrym profilu i jasnych oczach. Fakt, że malował odważną i mocną ręką - swoją mocną, jakby żelazną linią - zrobił na mnie ogromne wrażenie.

Obrazy Lansere poświęcone epoce Piotra Wielkiego i widokom starego Petersburga - „Petersburg na początku XVIII wieku. Budynek Dwunastu Kolegiów”, „Łódź Piotra I”, „Spacer po molo”, „Stary Rynek Nikolski w Petersburgu”, „Okręty Piotra Wielkiego” doskonale oddają atmosferę budowanego Petersburga, swoich mieszkańców, a nawet pogodę z silnymi wiatrami i pochmurnymi dniami. Wizerunek Petersburga z pierwszej ćwierci XVIII wieku, stworzony przez artystę na rysunku do pocztówki Wspólnoty św. Eugenii - „Stary Pałac Zimowy w połowie XVIII wieku” jest szczególną penetracją w erę Piotrową: most przez Kanał Zimowy otwiera widok na stary Pałac Zimowy Piotra. Lansere z wielkim wyczuciem, autentycznie, przenosi widza w realny świat minionej epoki. Na obrazie „Cesarzowa Elżbieta Pietrowna w Carskim Siole” Lansere stworzył majestatyczny obraz cesarzowej wychodzącej z pałacu do parku ze swoją liczną świtą.

Talent Lansere przekonuje nas o niepodważalnej realności tego, co się dzieje, jakby artysta widział tę scenę na własne oczy. Malarz i rysownik, pracował jako ilustrator, artysta teatralny, projektant wnętrz. Ozdobił też magazyn World of Art winietami, nakryciami głowy i zakończeniami oraz stworzył własny symbol World of Art - wizerunek skrzydlatego konia Pegaza lecącego nad bezkresami ziemi. Umiejętności graficzne Lansere rozwijały się wraz z osiągnięciami Świata Sztuki. Kunszt wszystkich artystów „Świata Sztuki” przejawiał się także w projekcie książki. Chęć zrównania rysunku ze stroną książki, podporządkowania go płaszczyźnie kartki – to było nowe rozumienie praw ilustracji. Jeśli Benois i Dobuzhinsky umieścili motywy z XVIII lub początku XIX wieku w swoich winietach i wygaszaczach ekranu, Somov - ozdoby kwiatowe, a Bakst odszedł od starożytnych motywów, to Lansere zwrócił się także do fantastycznych obrazów - smoków, bajecznych węży.W latach 1911-1914 Lansere zainteresował się ilustrowaniem opowiadania Lwa Tołstoja „Hadji Murad” Historia została opublikowana po śmierci pisarza. Lansere udał się na Kaukaz, aby zobaczyć miejsca, w których rozegrały się wydarzenia opisane w opowieści i wiernie zobrazować akcję. „Dlatego pierwszy etap prac nad ilustracjami miał charakter niemal naukowy, eksploracyjny” – pisze badaczka. „Lanceray zbierał materiał ikonograficzny, studiował /…/ wspomnienia”. Akcja opowieści toczy się nie tylko na Kaukazie, ale także w Petersburgu, co zdeterminowało stylistę rysunków. Ilustracje na temat Kaukazu rozwiązane są w sposób obrazowy, emocjonalny, jak na przykład na rysunku „Hadji Murad schodzi z gór”, a artysta przedstawił widok Petersburga – Plac Pałacowy – w wyrazisty sposób sposób graficzny, nawiązujący do architektury obramowującej plac. W przyszłości Lansere pracował głównie jako ilustrator i artysta teatralny, a Mścisław Walerianowicz Dobużyński stał się także najwybitniejszym przedstawicielem świata sztuki, mimo że dołączył do stowarzyszenia nieco później.

Dobużyński urodził się w Nowogrodzie, w rodzinie generała. Jego dzieciństwo minęło w Petersburgu. Studiował na uniwersytecie na Wydziale Prawa, następnie przez kilka lat w prywatnej szkole artystycznej w Monachium. Po powrocie do Petersburga Dobużyński wstąpił do Ministerstwa Kolei, co nie przeszkadzało w jego malarstwie. Jego dawny znajomy ze studiów w Monachium, Igor Emmanuilovich Grabar, przedstawił go Diagilewowi i Benoisowi. „Moja osobista znajomość z kręgiem World of Art miała miejsce, gdy magazyn był już w pełnym rozkwicie, w trzecim roku swojego istnienia” – wspomina Dobuzhinsky. - /.../ Tego samego dnia Grabar przywiózł mnie zarówno do Diagilewa, jak i do Benois. Benois w tym czasie był zajęty redagowaniem pisma Artistic Treasures of Russia i chociaż był „duszą” Świata Sztuki, stosunkowo rzadko odwiedzał Diagilewa, a ja spotykałem go w redakcji jego pisma. Mieszkanie Diagilewa, w którym mieściła się redakcja, było typowym petersburskim mieszkaniem „pana”, z dużymi oknami wychodzącymi na Fontankę. We wtorki miał zebrania personelu. Zacząłem chodzić na te spotkania co tydzień. Było tłoczno i ​​bardzo żywiołowo. W jadalni, przy stoliku do herbaty z suszarkami, przy samowaru, opiekowała się niania Dunia, ... (uwieczniona przez Baksta na tym samym portrecie z Diagilewem), która nadawała jadalni bardzo słodki i nieoczekiwany komfort . Wszyscy uścisnęli jej dłonie. Te spotkania były po prostu przyjacielskie, aw te wtorki najmniej mówiono o samym czasopiśmie. Zrobiono to gdzieś „za kulisami” i jakby w domu: sam Diagilew i Fiłosofow wykonali całą pracę, przez długi czas nie było sekretarza (wtedy pojawił się tylko skromny uczeń Griszkowski). Bakst właśnie tam, u Diagilewa, na zapleczu też zajmował się „brudną robotą” - retuszował zdjęcia do klisz, nawet robił swoje wzorzyste napisy do magazynu itp. W małym pokoiku od frontu mieścił się magazyn czasopism spraw, z którymi majstrował lokaj Diagilewa – czarniawy Wasilij Zuykow, latający po Petersburgu z najróżniejszymi redakcyjnymi zleceniami. Widzimy, że wspomnienia Dobużyńskiego o atmosferze panującej w redakcji są kontynuowane przez cytowaną powyżej historię innego uczestnika spotkań i spotkań w mieszkaniu Diagilewa, pisarza P. P. Piercowa. I ta atmosfera, nasycona kreatywnością i energią, zgromadziła tak różnych ludzi i przyczyniła się do narodzin wyjątkowego magazynu i rozwoju kreatywności wszystkich liderów stowarzyszenia. O swojej znajomości z Benoitem Dobuzhinsky mówi: „Na tym samym pamiętnego listopadowego dnia 1902 roku Grabar, zanim przywiózł mnie do Diagilewa, przedstawił mnie Aleksandrowi / N / Nikołajewiczowi / Benoisowi. To pierwsze spotkanie odbyło się w redakcji czasopisma Artistic Treasures of Russia, które wówczas redagował Benois /.../ W Benois myślałem, że spotkam aroganckiego, ironicznego człowieka, takiego jak go sobie wyobrażałem z jego jadowitego i inteligentnego krytycznych artykułów, czy ważnego „konesera sztuki”, który natychmiast zmiażdży mnie swoją nauką. Zamiast tego ujrzałam w Benois najsłodszą i najradośniejszą życzliwość i uwagę, które zarówno mnie zdumiały, jak i urzekły, i wszystkie moje zmartwienia natychmiast zniknęły. Benoit miał wtedy trzydzieści kilka lat, ale wyglądał raczej staroświecko, miał okrągłe ramiona, nawet trochę „bawił się jak dziadek”, miał dość łysą głowę, brodę, pince-nez ze sznurkiem i był raczej workowaty (jak Sierow). Wszystko to było dla mnie nieoczekiwane, naiwnie chciałem, znając go z jego obrazów, aby w jego wyglądzie była korespondencja z eleganckim wiekiem, który lubił przedstawiać! Ale to śmieszne „rozczarowanie” trwało tylko przez pierwszą chwilę. Benois wiedział o mnie bardzo mało, tylko to, co Grabar mógł mu powiedzieć, i widział tylko kilka moich prac. Ale rozmawiał ze mną jak równy z równym w naszych wspólnych gustach, a jego pewność siebie sprawiała, że ​​wydawałem się dla niego „jego własny”, a przede wszystkim od razu mnie do niego zbliżył. Od razu dał mi pierwsze zlecenie - zrobić jedną winietę w czasopiśmie i narysować kilka napisów. Bardzo szybko zacząłem odwiedzać Benois w jego małym mieszkanku przy ul. , najmądrzejszy i najbardziej czarujący rozmówca, był moim prawdziwym „uniwersytetem artystycznym” /…/ Benois naprawdę wprowadził mnie w XVIII wiek, który kiedyś bardzo silnie działał na moją wyobraźnię”. Talent Dobużyńskiego przejawiał się, podobnie jak innych artystów „Świata Sztuki”, w różnych formach: znany jest jako ilustrator, malarz i dekorator teatralny. M. V. Dobuzhinsky, podobnie jak A. N. Benois i A. P. Ostroumova-Lebedeva, uchwycił architekturę Petersburga, podczas gdy jego główne zainteresowanie leżało nie w obszarze frontu, ale współczesnego biednego Petersburga z jego niskimi domami, dziedzińcami, przedmieściami.

Dobużyński posiada dzieło o tematyce retrospektywnej, przesycone subtelną ironią i pełne szczególnego uroku - „Prowincja lat 30. XIX wieku”.

Obraz przenosi nas w czasy Puszkina i Gogola. Przede wszystkim Dobuzhinsky pracował jako ilustrator i artysta teatralny. Dobużyński ilustrował prace M. Yu Lermontowa, F. M. Dostojewskiego, G. Kh. Andersena i wielu innych. Był także mistrzem portretów graficznych ołówkiem, tuszem lub akwarelą, szkiców i karykatur. Wśród jego dzieł tego gatunku szczególnie znany jest portret pisarza i krytyka sztuki Konstantina Aleksandrowicza Syunnerberga, zwanego przez Grabara „Człowiekiem w okularach”.

Syunnerberg był przyjacielem Dobużyńskiego, a ponieważ niewiele osób wie o tej osobie w naszych czasach, podajemy informacje o nim z książki „Wspomnienia” samego artysty. „Był człowiekiem niezwykle wykształconym i prawdziwym „Europejczykiem” (z krwi Szwed). Pociągała go jakaś wewnętrzna elegancja i arystokracja, ale z wyglądu mógł sprawiać wrażenie „ciasteczka” i „człowieka w walizce”. Był szczupły, prawie chudy, nosił starannie przystrzyżoną brodę, był czysty aż do obrzydzenia i miał zdumiewająco piękne dłonie. Był cały „zapięty”, jakby, nawet jego okulary z niebieskawymi soczewkami były jak jego „osłona”, a kiedy je zdjął, wydawał się zupełnie innym człowiekiem /... / Zawsze ciekawie się rozmawiało z nim oboje interesowaliśmy się współczesną poezją (on sam pisał poezję), a nasze rozmowy w jego domu były szczególnie fascynujące /.../ Konstanty Aleksandrowicz był żonaty z bardzo słodką, piękną, pełną ognia Warwarą Michajłowną, której moja żona wkrótce się poznała i zbliżyła do siebie. Ich mieszkanie było niedaleko od naszego i często do siebie chodziliśmy /…/ Zawsze pociągał mnie szeroki widok z okna tego mieszkania na ogródki warzywne z zielonymi kalenicami, na czarne stosy drewna opałowego, jakieś podwórka i niekończących się płotów i do ścian odległych kolorowych domów z kominami fabrycznymi. I ten widok malowałem wiele razy i na tym tle kilka lat później zrobiłem jego duży portret pokoleniowy. Portret powstał w latach 1905-1906, w najbardziej niepokojącym okresie, kiedy artysta odpowiedział swoim udziałem na łamach rewolucyjnych pism na rozstrzelanie demonstracji robotniczej w styczniu 1905 roku. Na portrecie wyczuwalny jest niepokój, odzwierciedlający nastrój samego artysty.Stała uczestniczka wystaw World of Art, Anna Petrovna Ostroumova-Lebedeva, urodziła się w Petersburgu, w rodzinie towarzysza głównego prokuratora, St. . Synod.

Przypomnijmy, że umieszczamy jej portret autorstwa Serowa. Anna Petrovna studiowała w Akademii Sztuk Pięknych pod kierunkiem I. E. Repina i grawera V. V. Mate. „Było w niej bardzo dziwne połączenie pełnej wdzięku kruchości, która wpływała na jej nieco boleśnie brzydką głowę przechyloną na bok, a jednocześnie jakąś wewnętrzną twardość. Zostało to wyrażone w tym portrecie Somowa. Siła tkwiła też w tym, co robiła: nie bez powodu oddała się tak niekobiecemu zajęciu, drzeworytowi, którego sama technika nie dopuszcza żadnego przybliżenia ani bezkształtu. Jednocześnie ta jej sztuka była daleka od jakiejkolwiek suchości. Podjęła przede mną tematy petersburskie” – pisał Dobużyński – „i potrafiła przekazać jego pejzaże ze szczególną intymnością”. Ostroumova-Lebedeva stała się znanym rytownikiem. Przez kilka lat mieszkała za granicą, w Paryżu komunikowała się z Somowem i Benoisem, została członkiem World of Art. Sławę przyniosły jej prace poświęcone słynnym zespołom pałacowo-parkowym Pawłowska i Carskiego Sioła oraz oczywiście Petersburga. Uchwyciła łuk "Nowej Holandii" - tajemniczy stary zakątek Petersburga i jedno z najpiękniejszych miejsc w stolicy - kolumny Exchange z widokiem na twierdzę i wiele więcej.

Działalność „Świata Sztuki” przyciągała wielu, zwłaszcza młodych twórców. Należą do nich Walentin Aleksandrowicz Serow. Syn słynnego kompozytora Aleksandra Nikołajewicza Serowa, urodził się w Petersburgu. W latach osiemdziesiątych XIX wieku studiował u P. P. Czistyakowa w Akademii Sztuk Pięknych, której nie uważał za konieczne kończyć. Sierow był członkiem Rady Akademii Sztuk Pięknych i Galerii Trietiakowskiej. Już pod koniec lat 90. XIX wieku zbliżył się do artystów „Świata Sztuki” i być może nie bez ich wpływu zwrócił się w stronę teatru i malarstwa historycznego o tematyce XVIII wieku. Dobużyński wspominał Serowa: „Na spotkaniach zawsze siadał z boku, słuchał i nie wypuszczając papierosów rysował coś w albumie. Robił też złe, bardzo podobne karykatury obecnych, zwłaszcza Baksta, z którym był szczególnie zaprzyjaźniony. Obok niego wydawał się ubrany swobodnie, był krępy, o niezwykle ostrym spojrzeniu spod brwi. Przeważnie w tym hałaśliwym towarzystwie milczał, ale jedna jego uwaga, zawsze ostra, albo wszystkich bawiła, albo budziła poważne zainteresowanie. Wszyscy bardzo cenili opinię Sierowa i uważali go za niekwestionowany autorytet, oceniał wszystko spokojnie i był prawdziwym powszechnym „ośrodkiem powstrzymującym”. Benois nazwał go kiedyś „sumieniem świata sztuki”. Stopniowo „przyzwyczaiłem się” do niego i zrozumiałem miłość, jaką wszyscy żywili do niego, jak również do jego sztuki. Serowowi udało się odegrać kluczową rolę w losach czasopisma. W 1900 roku namalował portret cesarza Mikołaja II.

„Sesje trwały bardzo długo, ponieważ Sierow robił szkic, wymazywał go do czysta i następnym razem pisał od nowa - aż praca go satysfakcjonowała. Tak więc portret Mikołaja II powstał po raz ostatni, jak się wydaje, na mniej więcej trzydziestej piątej sesji. Mimowolnie artysta i jego model zaczęli ze sobą rozmawiać. Nawiasem mówiąc, pamiętam fragment tych rozmów, opowiedzianych przez Serowa w redakcji - pisze pisarz P.P. Pertsov - rozmawiali o finansach. „Nic nie rozumiem w finansach” – powiedział Sierow. – Ja też – wyznał jego rozmówca. Podczas długich godzin tych sesji Sierow miał czas porozmawiać o czasopiśmie, jego zadaniach i krytycznej sytuacji. Rezultatem było wyznaczenie dotacji ze środków „własnych” w wysokości 30 000 rubli rocznie. Umożliwiło to wydanie magazynu równie znakomicie, jak zostało opublikowane.

W 1902 roku do stowarzyszenia dołączył także młody artysta Nikołaj Konstantynowicz Roerich. Główne zainteresowania Roericha leżały w dziedzinie pogańskiej i chrześcijańskiej Rusi oraz kultury starożytnych Indii, której studiowaniu poświęcił wiele lat. Roerich po raz pierwszy wziął udział w moskiewskiej wystawie „Świat sztuki” w 1902 roku, a następnie brał udział w innych wystawach, a także zaprojektował kilka przedstawień w przedsięwzięciu Diagilewa. Po opuszczeniu Rosji w 1918 r. Roerich mieszkał i pracował w Ameryce, gdzie założył kilka placówek oświatowych, a od końca lat 20., po zakończonych słynnych wyprawach do Indii, Mongolii i Tybetu, na zawsze pozostał w Indiach. Roerich był związany z działalnością edukacyjną „World of Art”. „Magazyn„ World of Art ”stał się nowym etapem w historii krytyki artystycznej oraz w badaniach historii sztuki w Rosji” - zauważają badacze. – Rzeczywiście, zakres poruszanych przez niego problemów jest tak rozległy, jego krótkotrwała działalność tak energiczna, że ​​każdy badacz kultury nie tylko przełomu wieków, ale i czasów późniejszych, zwracając się do historii malarstwa, krytyka muzyczna czy artystyczna, nie uniknie takiego zjawiska jak „Sztuka świata”.

Pismo przybliżało publiczności twórczość współczesnych artystów, a tym samym przyczyniało się do upowszechniania wiedzy o współczesnym życiu artystycznym. Osobne numery poświęcono Wiktorowi Michajłowiczowi Wasniecowowi (1899, nr 1), Ilji Efimowiczowi Repinowi (1899, nr 10), Elenie Dmitriewnej Polenowej (1899, nr 18), Konstantinowi Aleksiejewiczowi Korowinowi (1899, nr 21–22) , Valentin Aleksandrovich Serow (1900, nr 1–2), Michaił Wasiljewicz Niestierow (1900, nr 3–4), Izaak Iljicz Lewitan (1901, nr 1), Michaił Aleksandrowicz Wrubel (1903, nr 10–11) . W maju 1899 r. Publiczność szeroko obchodziła 100. rocznicę urodzin A. S. Puszkina. W tym czasie wiersz „Rusłan i Ludmiła” z akwarelami A. N. Benois oraz trzytomowe wydanie dzieł A. S. Puszkina, zilustrowane przez V. A. Serova, M. A. Vrubela, V. M. Vasnetsova i członków „World of Art” - K. A. Somov i AN Benois. A. S. Puszkinowi poświęcono specjalny numer czasopisma „Świat sztuki” z artykułami Diagilewa o rysunkach do dzieł poety. Na łamach czasopisma zamieszczono fotografie zabytków architektury starożytnej Rosji, naczynia drewniane i przedmioty sztuki użytkowej wykonane Elena Dmitrievna Polenova i Wiktor Michajłowicz Wasniecow w starym rosyjskim stylu. Szczególne znaczenie miały reprodukcje obrazów artystów XVIII wieku, których Stasow uważał jedynie za naśladowców zachodnioeuropejskich mistrzów. W istocie Świat Sztuki otworzył przed publicznością całe stulecie historii kultury rosyjskiej, prawie zapomnianej pod koniec XIX wieku. Pismo wprowadzało czytelników w zachodnioeuropejską sztukę średniowiecza i czasów nowożytnych. Wiele numerów zawierało także artykuły nie tylko o życiu artystycznym, ale i muzycznym, notatki z wystaw zagranicznych.W celu przedyskutowania składu kolejnego numeru pisma przyjaciele zebrali się w mieszkaniu Diagilewa przy Nabrzeżu Fontanki 11, gdzie mieszkał od zimy z lat 1900-1901. Diagilew był centralną postacią „świata sztuki”. Alexandre Benois wspominał: „Był jedynym z artystów, który nie tworzył niczego artystycznego, a nawet porzucił komponowanie i śpiewanie; ale my, artyści, nie przestaliśmy uważać go za swojego, bo jak malowaliśmy obrazy i dekoracje, komponowaliśmy balety i opery, pisaliśmy artykuły i książki, tak on, z tym samym natchnieniem, z tym samym spalaniem, wymyślał magazyn, aranżował wystawy, organizował spektakle "o światowym znaczeniu". Pracom wydawniczym towarzyszyła organizacja wystaw. Wszystkie prace na wystawę wybrał sam Diagilew. Czasami zdarzało się, że artysta nie chciał niczego wystawiać, uznając to za nieudane, ale Diagilew nalegał i artysta rezygnował. A potem okazało się, że to „odrzucony” obraz odniósł sukces i wszedł do każdej dużej kolekcji. A czasem bywało na odwrót – Diagilew nigdy nie zgodził się wywieźć obrazu na wystawę, wbrew woli artysty. Ostroumova-Lebedeva: wspominał: „Siergiej Pawłowicz był niewyczerpany energią, niesamowitą wytrwałością i wytrwałością, a co najważniejsze, potrafił zmusić ludzi do pracy z entuzjazmem, z entuzjazmem, ponieważ sam dał przykład pełnego oddania sobie, aby osiągnąć zamierzony cel. Kiedyś na wystawie był wielki pośpiech, Diagilew pędzi przez nią jak wicher, wszędzie dotrzymując kroku. W nocy nie kładzie się, ale zdjąwszy marynarkę, nosi z robotnikami zdjęcia, odkorkuje pudła, wiesza, rozwiesza – w pocie czoła, ale wesoło, zarażając entuzjazmem wszystkich dookoła. Pracownicy Artelu byli mu bezwzględnie posłuszni, a kiedy zwracał się do nich żartobliwym słowem, uśmiechali się szeroko, a czasem wybuchali głośnym śmiechem. I wszystko było na czas. Siergiej Pawłowicz wyszedł rano z domu, wykąpał się i elegancko ubrany jak dandys jako pierwszy otworzył wystawę. Praca nocna nie miała na niego wpływu. Jego ciemne, gładkie włosy były bardzo starannie rozczesane. Przed jej czołem sterczał biały kosmyk włosów. Pełna rumiana twarz z dużymi brązowymi oczami promieniowała inteligencją, samozadowoleniem, energią. Był wytrwały i czarujący, kiedy chciał coś od kogoś dostać i prawie zawsze mu się to udawało. 28 stycznia 1900 r. w Muzeum Szkoły Barona A. L. Stieglitza odbyła się II wystawa „Świat sztuki”. Na tej wystawie prezentowani byli wyłącznie rosyjscy artyści: członkowie World of Art i uczestnicy poprzednich wystaw - Benois, Vrubel, Serov, Somov, Levitan. Pokazano także prace artystów XVIII i początku XIX wieku: Borowikowskiego, Bryulłowa i Kiprenskiego. Tym samym organizatorzy wystawy podkreślili nieprzemijające znaczenie sztuki tych malarzy dla historii kultury rosyjskiej.

W listopadzie tego samego roku, na prośbę Sierowa, członkowie World of Art zorganizowali kolejną wystawę o tej samej nazwie w salach Akademii Sztuk Pięknych. Działała charytatywnie na rzecz potrzebujących uczniów. Wystawy World of Art zawsze były znaczącym wydarzeniem w życiu Petersburga. Były wyczekiwane z niecierpliwością, przygotowywane z entuzjazmem i gorąco dyskutowane. Sam wystrój tych wystaw nie przypominał dobrze znanych „Mobilnych”, „Wiosennych” i innych, gdzie na ścianach monotonnie wisiały obrazy, a prace rzeźbiarskie jako dodatek stały w rogach sali. Przy urządzaniu wystaw Diagilew wykazywał się wielkim smakiem i pomysłowością. Obrazy ustawiono na specjalnych stojakach, sale starannie udekorowano kwiatami. Dla każdego artysty wybrano specjalne tło, specjalne kadry.

5 stycznia 1901 roku w Sali Tycjana Akademii Sztuk Pięknych otwarto III Wystawę Świata Sztuki. Diagilew zaprojektował go w nietypowy sposób - podzielił salę na szereg przytulnych białych pokoi, w których sufity pokryte były białym muślinem, a przed obrazami stały kwiaty. Odbyła się także pośmiertna wystawa prac I. I. Lewitana, zmarłego w lipcu 1900 roku w wieku trzydziestu dziewięciu lat. Na wystawie zaprezentowano 65 jego prac. W IV tomie czasopisma „Świat Sztuki” z 1900 r. Diagilew umieścił artykuł poświęcony pamięci tak wcześnie zmarłego artysty. Diagilew wspominał: „Postać Lewitana unosi się ze szczególnym majestatem i wzruszającym / .... / nikt przed nim w całym malarstwie rosyjskim nie potrafił wyrazić na płótnie całego nieskończonego uroku tych różnych doznań, których każdy z nas doświadczył takiej błogości w chłodny poranek lub w promieniach ciepłego wieczoru w nędznej wiosce na północy Rosji. Dalej Diagilew pisze o „zrozumieniu przez Puszkina rosyjskiej przyrody w całej swojej twórczości”, że „wszyscy moskiewscy pejzażyści ulegli urokowi jego talentu”. Zjawiska życia artystycznego Rosji „. W grudniu 1901 r. Malarze petersburscy i moskiewscy, wśród których byli uczestnicy World of Art, otworzyli wystawę „36”. Inicjatorami tego stowarzyszenia wystawienniczego byli moskwianie - Apollinary Michajłowicz Wasniecow, Wasilij Wasiliewicz Perepletczikow i inni, głównie pejzażyści, absolwenci Moskiewskiej Szkoły Malarstwa, Rzeźby i Architektury. Postanowili przeciwstawić się zarówno Wędrowcom, jak i Światowi Sztuki, gdyż wielu nie podobała się „dyktatura” Diagilewa, a nierówne położenie młodzieży miało miejsce w Stowarzyszeniu Wędrowców. Ale to stowarzyszenie nie trwało długo - tylko dwa lata. Po zorganizowaniu drugiej wystawy w grudniu następnego roku, 1902, przestała istnieć. W pierwszej wystawie uczestniczyli Benois, Somov i Lansere. Ale nie brali udziału w drugiej wystawie. Po zamknięciu drugiej wystawy „36” w lutym 1903 roku Moskale połączyły się ze światem sztuki w nowym stowarzyszeniu – „Związku Artystów Rosyjskich”. Organizacja ta składała się z moskiewskich malarzy i członków „World of Art”. Wystawy Sojuza odbywały się w wielu miastach Rosji i za granicą. W skrócie historia „Związku” przedstawia się następująco: wspólne wystawy ze „Światem Sztuki” trwały do ​​1908 roku. Potem petersburczycy oddzielili się od Moskwy na skutek wzajemnej krytyki, a od 1910 r. ich historia potoczyła się innymi torami.

Tymczasem trwały wystawy World of Art, które nadal organizował Diagilew. 9 marca 1902 r. w salach Pasażu odbyła się IV wystawa. Następnie Siergiej Pawłowicz postanowił przenieść ją do Moskwy, aw listopadzie tego samego roku wystawa została otwarta w Moskwie, w salach Szkoły Stroganowa. Na moskiewskiej wystawie World of Art pokazano nowe prace Serowa, Somowa, Vrubela. Po raz pierwszy wziął udział w wystawie „Świat sztuki”, jak już wspomniano, Roerich, którego dzieło „Miasto w budowie” (z życia starożytnych Słowian) zostało nabyte przez Galerię Trietiakowską. W tej samej wystawie wzięli udział malarze moskiewscy z „36” - Aleksander Jakowlewicz Gołowin, Leonid Osipowicz Pasternak, Igor Emmanuilowicz Grabar. Ogromnym sukcesem okazała się wystawa Świat Sztuki w Moskwie.Pytania do rozdziału III: Artyści - organizatorzy i postacie Świata Sztuki.

1. Wymień artystów – organizatorów i główne postacie stowarzyszenia „Świat Sztuki”.
2. Z czego słynie rodzina Benois?
3. Jaka była pierwsza książka opublikowana przez A. N. Benois?
4. Jaką epokę historyczną lubił przedstawiać A. N. Benois?
5. Wymień obrazy A. N. Benois z życia Ludwika XIV.
6. Opowiedz nam o obrazach A. N. Benois poświęconych Piotrowi I.
7. Jak nazywał się obraz autorstwa A. N. Benois przedstawiający Pawła I?
8. Jakie prace A. S. Puszkina zilustrował A. N. Benois?
9. Co pamiętasz z książki A. N. Benois „ABC”?
10. Jakie przedstawienia projektował A. N. Benois?
11. Kto jako pierwszy zwrócił uwagę na piękno architektury Petersburga i jego przedmieść i jak się to objawiało?
12. W jakiej rodzinie urodził się K. A. Somov? Kim był jego ojciec?
13. Jaki talent wyróżniał K. A. Somowa i jego matkę?
14. Jakie było nowe rozumienie malarstwa historycznego w twórczości K. A. Somowa? Opisz najbardziej charakterystyczne z jego obrazów.
15. Jakie są cechy portretów K. A. Somowa? Wymień najsłynniejsze portrety.
16. Gdzie studiował L. S. Bakst po opuszczeniu Akademii Sztuk Pięknych?
17. Wymień najsłynniejsze dzieła L. S. Baksta.
18. Jakie są niezwykłe portrety A. N. Benois i S. P. Diagilewa autorstwa L. S. Baksta?
19. Opowiedz nam o cechach charakterystycznych dla secesji na obrazie L. S. Baksta „Kolacja. Dama z pomarańczami.
20. Jak podróż do Grecji wpłynęła na twórczość L. S. Baksta?
21. Opisz obraz L. S. Baksta „Terror antiquus”.
22. Wymień obrazy E. E. Lansere charakterystyczne dla „Świata Sztuki”.
23. W jakich rodzajach sztuki pracował M. V. Dobuzhinsky?
24. Co nowego wprowadzili do projektu książki artyści World of Art?
25. Opowiedz nam o twórczości A.P. Ostroumova-Lebiediewa. Jakiej techniki użyła?
26. Jak nazywały się wspólne wystawy Świata Sztuki z Moskalami? Jak długo trwały?

PRACA KURSU

w dyscyplinie „Kulturologia”

na temat: „Stowarzyszenie„ Świat sztuki ””

Wstęp

1. Dzieje pisma i rola Diagilewa w jego powstaniu

2. Zasady wydawania czasopisma i jego koncepcja

3. Rola i znaczenie pisma w życiu kulturalnym Rosji

Wniosek

W życiu kulturalnym Rosji przełom XIX i XX wieku upłynął pod znakiem powstania czasopisma „Świat sztuki”. Jako pierwsi nabrali pewności siebie, aby wyrwać się z ram sztuki prywatnej do ogółu społeczeństwa, nie krytycy i poeci, ale artyści, muzycy i ludzie zakochani w operze, teatrze i balecie. To oni jako pierwsi założyli stowarzyszenie, a następnie pierwszy rosyjski magazyn modernistyczny. Postawili sobie za zadanie „pielęgnację malarstwa rosyjskiego, oczyszczenie go i, co najważniejsze, sprowadzenie na Zachód, gloryfikację go na Zachodzie”.

Celem zajęć jest szczegółowe poznanie działalności modernistycznego pisma „World of Art”. Aby osiągnąć cel, wyznaczono następujące zadania: szczegółowe rozważenie utworzenia stowarzyszenia artystów „World of Art” i magazynu „World of Art”; zapoznać się z koncepcją czasopisma i zasadami jego wydawania; analiza roli i znaczenia pisma „Świat sztuki” w życiu kulturalnym Rosji.

Pod koniec XIX wieku życie artystyczne w Rosji było bardzo ożywione. Towarzystwo wykazywało wzmożone zainteresowanie licznymi wystawami i aukcjami sztuki, artykułami i czasopismami poświęconymi sztukom plastycznym. Nie tylko Moskwa i Sankt Petersburg, ale także wiele prowincjonalnych gazet i czasopism miało odpowiednie stałe nagłówki. Powstawały różnego rodzaju stowarzyszenia artystyczne, stawiające sobie różne zadania, ale głównie o charakterze edukacyjnym, na co wpływ miały tradycje Wędrowców. Jednym z tych stowarzyszeń był „Świat Sztuki” (1898–1904), który w różnych okresach obejmował prawie wszystkich czołowych rosyjskich artystów: L. Baksta, A. Benois, M. Vrubel, A. Golovin, M. Dobuzhinsky , K. Korowina, E. Lansere, I. Lewitana, M. Niestierowa, W. Sierowa, K. Somowa i innych. Wszystkich, bardzo różnych, połączył protest przeciwko oficjalnej sztuce lansowanej przez Akademię i naturalizmowi Wędrowców .

Powstanie stowarzyszenia „Świat Sztuki” poprzedziło małe domowe „koło samokształcenia” w mieszkaniu A. Benois, gdzie zgromadzili się jego przyjaciele z prywatnego gimnazjum K. Maya: D. Fiłosofow, V. Nouvel, a następnie L. Baksta, S. Diagilewa, E. Lansere, A. Nuroka, K. Somowa. Hasłem koła była „sztuka dla sztuki” w tym sensie, że twórczość artystyczna sama w sobie niesie ze sobą najwyższą wartość i nie potrzebuje ideologicznych recept z zewnątrz. Jednocześnie stowarzyszenie to nie reprezentowało żadnego ruchu, kierunku ani szkoły artystycznej. Składał się z błyskotliwych indywidualności, z których każdy szedł w swoją stronę.

Sztuka „Świata Sztuki” powstała „na skraju cienkich piór grafików i poetów”. Atmosfera nowego romantyzmu, która przeniknęła do Rosji z Europy, zaowocowała kaprysami winiet modnych wówczas pism moskiewskich symbolistów „Łuski”, „Złote runo”. Projekt wzorzystych ogrodzeń Petersburga wiązał się z dążeniami artystów z kręgu Abramcewa I. Bilibina, M. Wrubela, W. Wasniecowa, S. Malutina do stworzenia „rosyjskiego stylu narodowego”.

Z punktu widzenia metody artystycznej, jeśli mówimy o najważniejszej rzeczy w pracy „typowych” artystów World of Art, to są oni bardziej syntetykami niż analitykami, grafikami niż malarzami. W grafice World of Art rysunek często podąża za z góry skomponowanym wzorem, a plama barwna jest obrysowana, aby maksymalnie podkreślić jej „syntetyczny”, dekoracyjny charakter. Stąd racjonalność, ironia, zabawa, dekoratywizm. Rysunek, malarstwo, a nawet rzeźba podlegały zasadzie dekoracyjno-graficznej. Tym też tłumaczy się pociąg do syntezy różnych rodzajów i gatunków sztuki: łączenia w jednej kompozycji pejzażu, martwej natury, portretu czy „studium historycznego”; włączenie malarstwa, rzeźby, reliefu do architektury, chęć zastosowania nowych materiałów, „wyjście” na grafikę książkową i teatr muzyczny. Jednak charakterystyczne na ogół dla epoki nowożytnej dążenie do „artystycznej syntezy”, które zdawałoby się powinno doprowadzić do powstania „wielkiego stylu”, w najbardziej paradoksalny sposób stało się przyczyną ograniczonej twórczości Świat sztuki. Artyści ci „zredukowali pojęcie malarstwa, interpretując je jako dekoracyjne wrażenie rzeczywistości… oto sprzeczność, która doprowadziła do głębokiego kryzysu, szybkiego rozpadu tak jasnego i energicznego kierunku… Od intensywnej działalności genialna epoka, pozostało wiele pięknych dzieł… Ale zupełnie nie było dzieł o całkowicie znaczącym… ”

Zastanowimy się nad biografią Benois, jako jednego z organizatorów i inspiratorów stowarzyszenia, a później bardziej szczegółowo w magazynie „World of Art”.

Malarz i grafik sztalugowy, ilustrator i projektant książek, mistrz scenografii teatralnej, reżyser, autor librett baletowych, Benois był jednocześnie wybitnym historykiem sztuki rosyjskiej i zachodnioeuropejskiej, teoretykiem i bystrym publicystą, wnikliwym krytykiem, wybitna postać muzealna, niezrównany znawca teatru, muzyki i choreografii. Główną cechę jego postaci należy nazwać wszechogarniającą miłością do sztuki; wszechstronność wiedzy służyła jedynie jako wyraz tej miłości. We wszystkich swoich działaniach, w nauce, krytyce sztuki, w każdym ruchu myśli, Benois zawsze pozostawał artystą. Współcześni widzieli w nim żywe ucieleśnienie ducha artyzmu.

Aleksander Nikołajewicz Benois - syn Nikołaja Leontyewicza Benoisa, akademika i architekta oraz muzyka Kamilla Albertovna (z domu Kavos) - urodził się 3 maja 1870 r. Z urodzenia i wychowania Benois należał do petersburskiej inteligencji artystycznej. Od pokoleń sztuka była w jego rodzinie dziedzicznym zawodem. Pradziadek Benois ze strony matki, KA Cavos, był kompozytorem i dyrygentem, jego dziadek był architektem, który dużo budował w Petersburgu i Moskwie; ojciec artysty był również wybitnym architektem, starszy brat zasłynął jako malarz akwareli. Świadomość młodego Benois rozwijała się w atmosferze artystycznych wrażeń i zainteresowań artystycznych.

Gusta i poglądy artystyczne młodego Benois ukształtowały się w opozycji do jego rodziny wyznającej konserwatywne poglądy „akademickie”. Decyzja o zostaniu artystą dojrzewała w nim bardzo wcześnie; ale po krótkim pobycie w Akademii Sztuk Pięknych, które przyniosło tylko rozczarowanie, Benois wolał ukończyć studia prawnicze na Uniwersytecie w Petersburgu i samodzielnie przejść profesjonalną edukację artystyczną, według własnego programu.

Codzienna ciężka praca, ciągłe szkolenie w rysowaniu z natury, ćwiczenie fantazji w pracy nad kompozycjami w połączeniu z dogłębną nauką historii sztuki dały artyście pewną umiejętność, która nie ustępuje umiejętnościom jego rówieśników, którzy studiowali w Akademia. Z taką samą wytrwałością Benois przygotowywał się do pracy historyka sztuki, studiując Ermitaż, studiując literaturę specjalną, podróżując do historycznych miast i muzeów w Niemczech, Włoszech i Francji.

Samokształcenie w malarstwie (głównie akwareli) nie poszło na marne, aw 1893 roku Benois po raz pierwszy pojawił się jako pejzażysta na wystawie rosyjskiego „Towarzystwa Akwareli”.

Rok później zadebiutował jako historyk sztuki, publikując w języku niemieckim esej o sztuce rosyjskiej w wydanej w Monachium książce Muther Historia malarstwa w XIX wieku. (Rosyjskie przekłady eseju Benoisa ukazały się w tym samym roku w czasopismach „Artysta” i „Rosyjskie Archiwum Sztuki”). Od razu zaczęto mówić o nim jako o utalentowanym krytyku sztuki, który wywrócił do góry nogami utarte wyobrażenia o rozwoju rosyjskiej sztuki.

Od razu deklarując się jako praktyk i jednocześnie teoretyk sztuki, Benois utrzymywał tę dwoistą jedność w kolejnych latach, jego talentu i energii starczyło na wszystko.

W latach 1895–1899 Alexander Benois był kuratorem kolekcji współczesnego europejskiego i rosyjskiego malarstwa i rysunków księżnej MK Tenishevy; w 1896 zorganizował mały oddział rosyjski na wystawę Secesji w Monachium; w tym samym roku odbył pierwszą podróż do Paryża; malowane widoki Wersalu, zapoczątkowując jego cykl o tak ukochanej przez całe życie tematyce wersalskiej.

Cykl akwareli „Ostatnie spacery Ludwika XIV” (1897–1898, Muzeum Rosyjskie i inne kolekcje), stworzony na podstawie wrażeń z podróży do Francji, był jego pierwszym poważnym dziełem malarskim, w którym dał się poznać jako oryginalny artysta. Ta seria przez długi czas zatwierdziła dla niego chwałę „piosenkarki Wersalu i Ludwika”.

Motywując powstanie The World of Art, Benois napisał: „Kierowały nas nie tyle względy „ideologicznego” porządku, ile względy praktycznej konieczności. Wielu młodych artystów nie miało gdzie się podziać. Albo w ogóle nie przyjmowano ich na duże wystawy - akademickie, podróżnicze i akwarelowe, albo przyjmowano je tylko z odrzuceniem wszystkiego, w czym sami artyści widzieli najjaśniejszy wyraz swoich poszukiwań... I dlatego Vrubel znalazł się obok do Baksta, a następnie Somowa z Malyavinem. Do „nierozpoznanych” dołączali ci „uznani”, którzy czuli się niekomfortowo w grupach zatwierdzonych. Podeszli do nas głównie Lewitan, Korowin i ku naszej największej radości Serow. Znów ideowo iw całej swojej kulturze należeli do innego kręgu, byli ostatnim potomkiem realizmu, nie bez „wędrownego kolorytu”. Ale łączyła ich z nami nienawiść do wszystkiego, co stęchłe, ustalone, martwe”.

Podczas swojej długiej drogi jako artysta, krytyk i historyk sztuki, Benois pozostał wierny wysokiemu zrozumieniu tradycji klasycznej i kryteriom estetycznym w sztuce, bronił nieodłącznej wartości twórczości artystycznej i kultury szlachetnej opartej na silnych tradycjach. Nie bez znaczenia jest też fakt, że wszystkie wielopłaszczyznowe działania Benois były w istocie poświęcone jednemu celowi: gloryfikacji sztuki rosyjskiej.

Stowarzyszenie Artystyczne „Świat Sztuki”

World of Art (1898-1924) stowarzyszenie artystyczne utworzone w Rosji pod koniec lat 90. XIX wieku. Pod tym samym tytułem ukazywało się czasopismo wydawane od 1898 r. przez członków grupy. Założycielami „World of Art” byli petersburski artysta A. N. Benois i postać teatralna S. P. Diagilew. Głośno zadeklarowała się, organizując w 1898 r. „Wystawę Artystów Rosyjskich i Fińskich” w Muzeum Centralnej Szkoły Rysunku Technicznego barona A. L. Stieglitza. Klasyczny okres w życiu stowarzyszenia przypadł na lata 1900-1904. w tym czasie grupę charakteryzowała szczególna jedność zasad estetycznych i ideowych. Artyści organizowali wystawy pod patronatem magazynu World of Art. Po 1904 r. stowarzyszenie rozszerzyło się i utraciło jedność ideową. W 19041910 r. większość członków „World of Art” należała do Związku Artystów Rosyjskich. Po rewolucji wielu jej przywódców zostało zmuszonych do emigracji. Stowarzyszenie faktycznie przestało istnieć w 1924 roku. Artyści „Świata Sztuki” uznali zasadę estetyki w sztuce za priorytet i dążyli do nowoczesności i symbolizmu, sprzeciwiając się ideom Wędrowców. Sztuka, ich zdaniem, powinna wyrażać osobowość artysty.

Artyści należący do stowarzyszenia:

Bakst, Lew Samojłowicz

Roerich, Mikołaj Konstantinowicz

Dobużyński, Mścisław Walerianowicz

Lansere, Jewgienij Jewgiejewicz

Mitrochin, Dmitrij Izydorowicz

Ostroumova-Lebiediewa, Anna Pietrowna

Chambers, Władimir Jakowlewicz

Jakowlew, Aleksander Jewgiejewicz

Somow, Konstanty Andriejewicz

Zionglinsky, Jan Frantsevich

Purwit, Wilhelm

Syunnerberg, Konstantin Aleksandrowicz, krytyk

„Portret grupowy członków stowarzyszenia „Świat Sztuki””. 19161920.B. M. Kustodiew.

portret - Diagilew Siergiej Pietrowicz (1872 1925)

Siergiej Diagilew urodził się 19 (31) marca 1872 r. W Selishchi w guberni nowogrodzkiej, w rodzinie wojskowego, dziedzicznego szlachcica Pawła Pawłowicza Diagilewa. Jego matka zmarła kilka miesięcy po urodzeniu Siergieja, a wychowywała go macocha Elena, córka VA Panaeva. Jako dziecko Siergiej mieszkał w Petersburgu, a następnie w Permie, gdzie służył jego ojciec. Brat ojca, Iwan Pawłowicz Diagilew, był filantropem i założycielem koła muzycznego. W Permie, na rogu ulic Sibirskiej i Puszkina (dawniej Bolszaja Jamska), zachował się dom rodowy Siergieja Diagilewa, w którym obecnie znajduje się nazwane jego imieniem gimnazjum. Dwór w stylu późnego klasycyzmu rosyjskiego został zbudowany w latach 50. XIX wieku według projektu architekta R. O. Karwowskiego. Przez trzy dekady dom należał do licznej i przyjaznej rodziny Diagilewów. W domu, zwanym przez współczesnych „Perm Ateny”, inteligencja miejska zbierała się w czwartki. Tutaj grali muzykę, śpiewali, grali domowe występy. Po ukończeniu gimnazjum w Permie w 1890 roku wrócił do Petersburga i wstąpił na wydział prawa uniwersytetu, jednocześnie studiując muzykę u NA Rimskiego-Korsakowa w konserwatorium petersburskim. W 1896 roku Diagilew ukończył uniwersytet, ale zamiast praktykować prawo, rozpoczął karierę artystyczną. Kilka lat po uzyskaniu dyplomu założył wraz z A. N. Benois stowarzyszenie World of Art, redagował czasopismo o tej samej nazwie (od 1898 do 1904) i sam pisał artykuły krytyki artystycznej. Zorganizował wystawy, które wywołały szeroki odzew: w 1897 r. Wystawa akwareli angielskich i niemieckich, przedstawiająca rosyjskiej publiczności wielu głównych mistrzów tych krajów i nowoczesne trendy w sztukach plastycznych, następnie Wystawa artystów skandynawskich w salach Towarzystwa Zachęty Sztuki, Wystawa artystów rosyjskich i fińskich w Muzeum Stieglitza (1898) Świat Sztuki sam uważał za swój pierwszy występ (Dyagilevowi udało się przyciągnąć do udziału w wystawie, oprócz głównej grupy początkowy przyjazny krąg, z którego wyrosło stowarzyszenie World of Art, inni główni przedstawiciele młodej sztuki Vrubel, Serow, Lewitan itp.), Wystawa historyczno-artystyczna rosyjskich portretów w Petersburgu (1905); Wystawa sztuki rosyjskiej w Salon d'Automne w Paryżu z pracami Benois, Grabara, Kuzniecowa, Malyavina, Repina, Serowa, Jawlskiego (1906) i innych.

Benois Aleksander Nikołajewicz (1870 1960)

Alexander Nikolaevich Benois (21 kwietnia (3 maja 1870), 9 lutego 1960) rosyjski artysta, historyk sztuki, krytyk sztuki, założyciel i główny ideolog stowarzyszenia World of Art. Urodzony 21 kwietnia (3 maja) 1870 r. W Petersburgu, w rodzinie rosyjskiego architekta Nikołaja Leontiewicza Benois i Camilli Albertovny Benois (córka architekta A.K. Kavos). Ukończył prestiżowe II Gimnazjum Petersburskie. Przez pewien czas studiował w Akademii Sztuk Pięknych, studiował także sztuki piękne samodzielnie i pod kierunkiem starszego brata Alberta. W 1894 rozpoczął karierę teoretyka i historyka sztuki, pisząc rozdział o artystach rosyjskich do niemieckiej kolekcji Historia malarstwa XIX wieku. W latach 1896-1898 i 1905-1907 pracował we Francji. Został jednym z organizatorów i ideologów stowarzyszenia artystycznego „World of Art”, założył magazyn o tej samej nazwie. W latach 1916-1918 artysta stworzył ilustracje do wiersza A. S. Puszkina „Jeździec miedziany”. W 1918 roku Benois kierował Galerią Sztuki Ermitażu i opublikował jej nowy katalog. Kontynuował pracę jako artysta książkowy i teatralny, w szczególności pracował nad projektowaniem spektakli BDT. W 1925 brał udział w Międzynarodowej Wystawie Nowoczesnej Sztuki Dekoracyjnej i Przemysłowej w Paryżu. W 1926 roku Benois opuścił ZSRR bez powrotu z zagranicznej podróży służbowej. Mieszkał w Paryżu, pracował głównie nad szkicami scenografii teatralnej i kostiumów. Alexander Benois odegrał znaczącą rolę w produkcjach przedsiębiorstwa baletowego S. Diagilewa „Ballets Rosyjskie”, jako artysta i autor-reżyser spektakli. Benois zmarł 9 lutego 1960 roku w Paryżu.

Portret Benois

„Autoportret”, 1896

- Druga seria wersalska (1906), w tym:

Najwcześniejsze prace retrospektywne Benoit są związane z jego pracą w Wersalu. W latach 1897-1898 powstała seria małych obrazów wykonanych akwarelą i gwaszem, które łączy wspólny temat - „Ostatnie spacery Ludwika XIV”. Druga seria wersalska Benois, stworzona w latach 1905-1906, jest znacznie bardziej rozbudowana niż „Ostatnie spacery Ludwika XIV” i bardziej zróżnicowana pod względem treści i techniki. Obejmuje szkice z natury malowane w wersalskim parku, retrospektywne obrazy historyczne i rodzajowe, oryginalne „fantazje” o tematyce architektonicznej i krajobrazowej, obrazy z dworskich przedstawień teatralnych w Wersalu. Cykl obejmuje prace olejne, temperowe, gwaszowe i akwarelowe, rysunki w sangwinie i sepii. Dzieła te można nazwać „seriami” tylko warunkowo, ponieważ łączy je ze sobą jedynie pewna jedność nastroju, jaka panowała w czasach, gdy Benoit, jak to ujął, był „pijany Wersalem” i „całkowicie przeniesiony w przeszłości”, starając się zapomnieć o tragicznej rosyjskiej rzeczywistości w 1905 roku. Artysta stara się tutaj przekazać widzowi jak najwięcej rzeczowych informacji o epoce, formach architektury, strojach, zaniedbując nieco zadanie figuratywnego i poetyckiego odtwarzania przeszłości. Jednak ta sama seria obejmuje prace, które należą do najbardziej udanych dzieł Benois, zasłużenie ciesząc się dużą popularnością: „Parada pod Pawłem I” (1907, Państwowe Muzeum Rosyjskie); Galeria Sztuki Armenii, Erewan), „Ulica Petersburga pod Piotrem I. " (1910, kolekcja prywatna w Moskwie) i "Piotr I na spacerze w ogrodzie letnim" (1910, Państwowe Muzeum Rosyjskie). W pracach tych można zauważyć pewną zmianę w samej zasadzie historycznego myślenia artysty. Wreszcie nie zabytki sztuki antycznej, nie przedmioty i stroje, ale ludzie znajdują się w centrum jego zainteresowań. Wielopostaciowe sceny historyczne i codzienne namalowane przez Benois odtwarzają wygląd dawnego życia, widzianego jakby oczami współczesnego.

- "Królewski spacer" (TG)

48x62

Papier na płótnie, akwarela, gwasz, farba brązowa, farba srebrna, ołówek grafitowy, długopis, pędzel.

Państwowa Galeria Trietiakowska. Moskwa.

Na obrazie Walk of the King Alexandre Benois przenosi widza do wspaniałego parku wersalskiego z czasów Ludwika XIV. Opisując spacery króla, autor nie pominął niczego: ani widoków parkowych z architekturą ogrodową (były one namalowane z życia), ani bardzo modnych w starożytności przedstawień teatralnych, ani scen z życia codziennego narysowanych po wnikliwym przestudiowaniu materiału historycznego. King's Walk to bardzo efektowna praca. Widz spotyka się z Ludwikiem XIV, spacerując wokół swojego pomysłu. W Wersalu jest jesień: drzewa i krzewy zrzuciły liście, ich nagie gałęzie wyglądają samotnie na szarym niebie. Woda jest spokojna. Wydaje się, że nic nie jest w stanie zakłócić spokojnego stawu, w zwierciadle którego odbija się zarówno grupa rzeźbiarska fontanny, jak i dostojny pochód monarchy i jego świty. Na tle jesiennego pejzażu artysta przedstawia uroczystą procesję monarchy z dworzanami. Samolotowe modelowanie maszerujących postaci zdaje się zmieniać je w duchy minionej epoki. Wśród orszaku dworskiego trudno znaleźć samego Ludwika XIV. Król Słońce nie jest ważny dla artysty. Benoisowi znacznie bardziej zależy na atmosferze epoki, oddechu wersalskiego parku z czasów jego koronowanego właściciela. Dzieło to wchodzi w skład drugiego cyklu obrazów, wskrzeszających sceny z życia Wersalu z epoki „Króla Słońce”. „Wersal” Benois to rodzaj pejzażowej elegii, pięknego świata, przedstawionego oku współczesnego człowieka w postaci pustynnej sceny ze zrujnowaną scenerią długo granego spektaklu. Ten świat, niegdyś wspaniały, pełen dźwięków i kolorów, teraz wydaje się nieco upiorny, spowity cmentarną ciszą. To nie przypadek, że Benois przedstawia wersalski park jesienią i w godzinie jasnego wieczornego zmierzchu w The King's Walk, kiedy bezlistna „architektura” zwykłego ogrodu francuskiego na tle jasnego nieba zamienia się w przezroczysty, efemeryczny budynek. Stary król, rozmawiając z damą dworu, w towarzystwie dworzan maszerujących w ściśle określonych odstępach za nimi i przed nimi, jak cyferki starego zegara w rytm lekkiego dzwonka zapomnianego menueta, ślizgają się po krawędzi zbiornika. Teatralny charakter tej retrospektywnej fantazji subtelnie ujawnia sam artysta: ożywia zamieszkujące fontannę figurki rozbrykanych amorków, które w komiczny sposób przedstawiają hałaśliwą publiczność, swobodnie ustawioną u stóp sceny, wpatrującą się w odgrywany przez ludzi spektakl kukiełkowy .

- "Kąpiel Markizy"

1906

Rosyjski malowniczy historyczny krajobraz

51x47,5

karton, gwasz

Obraz „Łaźnia Markizy” przedstawia zaciszny zakątek wersalskiego parku, ukryty wśród gęstej zieleni. Promienie słońca, przenikając przez to zacienione schronienie, oświetlają taflę wody i markizę kąpielową. Niemal symetryczny w kompozycji, zbudowany zgodnie z perspektywą frontalną obraz sprawia wrażenie nienagannej urody rysunku i koloru. Bryły wyraźnych geometrycznych kształtów są starannie opracowane (jasne poziomy - podłoże, skarpy do wody i piony - oświetlone ściany boskietów, kolumny altany). Elegancki pawilon z białego marmuru oświetlony słońcem, który widzimy w szczelinie między drzewami, przedstawiony jest w górnej części obrazu, bezpośrednio nad głową markizy. Dekoracyjne maski, z których do wanny wlewają się lekkie strumienie wody, przełamują poziomą białą ścianę basenu. I nawet lekkie ubranie markizy, rzucone na ławę (niemal pokrywające się z punktem zaniku linii przechodzących w głębię) jest niezbędnym elementem kompozycyjnym w tym starannie przemyślanym rysunku. Centrum kompozycyjnym nie jest oczywiście ławka z ubraniami, choć znajduje się ona w geometrycznym środku, ale cały złożony kompleks „czworoboku” z centralną osią pionową, na który spogląda nasłoneczniona altana nad głową markizy jak cenna ozdoba, jak korona. Czoło markizy organicznie uzupełnia ten złożony symetryczny wzór poziomów, pionów i przekątnych. W ściśle przemyślanym i zaplanowanym parku nawet jego mieszkańcy tylko swoją obecnością dopełniają jego doskonałość. Są tylko elementem kompozycji, podkreślającym jej piękno i wspaniałość.

Miriskussnikom często zarzuca się brak „malarstwa” w swoich obrazach. Można na to odpowiedzieć, że Kąpielisko Markizy to triumf zieleni z różnorodnością jej odcieni. Artysta po prostu zachwyca się pięknem i bujnością świeżej zieleni. Pierwszy plan obrazu jest napisany w sposób uogólniony. Miękkie światło, przedzierające się przez listowie, oświetlało zejścia do łaźni wodnych, ciemna woda, rozpisana niebiesko-szarymi i bogatymi niebiesko-zielonymi kolorami. Odległy plan jest opracowany bardziej szczegółowo: liście drzew są starannie i po mistrzowsku napisane, liść do liścia, mora liści na boskietach składa się z najmniejszych kropek, kolorowych kresek. W cieniu widzimy zarówno stonowane, jak i jasne zimne zielenie o różnych odcieniach. Luksusowe, nasłonecznione liście pośrodku są napisane małymi, zimnymi niebieskawymi i ciepłymi zielonymi pociągnięciami. Artysta zdaje się kąpać zieleń w promieniach światła, eksplorując naturę zielonego koloru. Głębokie niebieskie cienie, szaro-fioletowa ziemia, fioletowa sukienka w niebieski wzór, żółty szalik, kapelusz z niebieskimi kwiatami wokół wstążki, białe kropki kwiatów na zielonym zboczu i krople czerwieni na fryzurze markizy, na głowie czarnoskórej kobiety nie pozwalają, by dzieło stało się monochromatyczną zielenią. Kąpiel markizowa" - pejzaż historyczny.

- Ilustracje do wiersza A.S. Puszkin „Jeździec miedziany” (1904-22.), w tym:

W pierwszych dziesięcioleciach XX wieku powstały rysunki Aleksandra Nikołajewicza Benoisa (1870-1960) do Jeźdźca miedzianego - najlepszego, jaki powstał w całej historii ilustracji Puszkina. Benoist rozpoczął pracę nad Jeźdźcem miedzianym w 1903 roku. W ciągu następnych 20 lat stworzył cykl rysunków, wstępów i zakończeń, a także ogromną liczbę opcji i szkiców. Pierwsze wydanie tych ilustracji, które przygotowano do wydania kieszonkowego, powstało w 1903 roku w Rzymie i Petersburgu. Diagilew wydrukował je w innym formacie w pierwszym numerze pisma „Świat Sztuki” z 1904 roku. Pierwszy cykl ilustracji składał się z 32 rysunków wykonanych tuszem i akwarelą. W 1905 roku AN Benois podczas pobytu w Wersalu przerobił sześć swoich poprzednich ilustracji i ukończył okładkę Jeźdźca miedzianego. W nowych rysunkach Jeźdźca miedzianego temat prześladowania małego człowieczka przez Jeźdźca staje się głównym tematem: czarny jeździec nad uciekinierem jest nie tyle arcydziełem Falcone, co uosobieniem okrutnej siły, władzy. A Petersburg to nie ten, który urzeka artystyczną perfekcją i rozmachem pomysłów budowlanych, ale ponure miasto - skupisko ponurych domów, pasaży handlowych, płotów. Niepokój i niepokój, które ogarnęły artystę w tym okresie, zamieniają się tutaj w prawdziwy płacz o losy człowieka w Rosji. W latach 1916, 1921-1922 cykl został po raz trzeci zrewidowany i uzupełniony o nowe rysunki.

- Scena pościgu (fronton)

Szkic strony tytułowej do wiersza A. S. Puszkina „Jeździec miedziany”, 1905

grafika książkowa

23,7 x 17,6

papier, akwarela

Ogólnorosyjskie Muzeum A.S. Puszkin, Petersburg

W 1905 roku AN Benois podczas pobytu w Wersalu przerobił sześć swoich poprzednich ilustracji i ukończył stronę tytułową (strona tytułowa z obrazem, który tworzy rozkładówkę z pierwszą stroną strony tytułowej i samym obrazem). Jeździec miedziany . W nowych rysunkach Jeźdźca miedzianego temat prześladowania małego człowieczka przez Jeźdźca staje się głównym tematem: czarny jeździec nad uciekinierem jest nie tyle arcydziełem Falcone, co uosobieniem okrutnej siły, władzy. A Petersburg to nie ten, który urzeka artystyczną perfekcją i rozmachem pomysłów budowlanych, ale ponure miasto - skupisko ponurych domów, pasaży handlowych, płotów. Niepokój i niepokój, które ogarnęły artystę w tym okresie, zamieniają się tutaj w prawdziwy płacz o losy człowieka w Rosji. Po lewej stronie na pierwszym planie postać biegnącego Jewgienija, po prawej ścigający go jeździec. W tle krajobraz miasta. Księżyc jest widoczny przez chmury po prawej stronie. Ogromny cień z postaci jeźdźca pada na chodnik. Pracując nad Jeźdźcem miedzianym, wyznaczyła najwyższy wzrost twórczości Benois w tych latach.

Somow Konstantin Andriejewicz (1869 1939)

Konstantin Andreevich Somov (30 listopada 1869, Petersburg, 6 maja 1939, Paryż) rosyjski malarz i grafik, mistrz portretu i pejzażu, ilustrator, jeden z założycieli stowarzyszenia World of Art i czasopisma o tej samej nazwie . Konstanty Somow urodził się w rodzinie Andrieja Iwanowicza Somowa, znanego muzealnika i kustosza Ermitażu. Nawet w gimnazjum Somow spotkał A. Benoisa, V. Nouvela, D. Fiłosofowa, z którym później brał udział w tworzeniu stowarzyszenia World of Art. Somov brał czynny udział w projektowaniu magazynu „World of Art”, a także periodyku „Art Treasures of Russia” (1901–1907), wydawanego pod redakcją A. Benois, tworzył ilustracje do „Hrabiego Nulin” A. Puszkin (1899), powieści N. Gogola „Nos” i „Newski Prospekt” (1901), namalował okładki zbiorów poezji K. Balmonta „Ognisty ptak. Flet słowiański”, V. Ivanov „Cor Ardens”, strona tytułowa książki A. Bloka „Teatr” itp. Pierwsza indywidualna wystawa obrazów, szkiców i rysunków (162 prace) odbyła się w Petersburgu w 1903 r.; W tym samym roku w Hamburgu i Berlinie pokazano 95 prac. Oprócz malarstwa pejzażowego i portretowego oraz grafiki Somow zajmował się drobnymi plastykami, tworząc wykwintne kompozycje porcelanowe „Hrabia Nulin” (1899), „Kochankowie” (1905) itp. W styczniu 1914 r. otrzymał status pełnego członek Akademii Sztuk Pięknych. W 1918 roku wydawnictwo Golike i Vilborg (St. Petersburg) opublikowało najsłynniejsze i najpełniejsze wydanie z erotycznymi rysunkami i ilustracjami Somowa: „Księga Markizy”, w której artysta stworzył nie tylko wszystkie elementy projektu książki, ale także wybrane teksty w języku francuskim. W 1918 został profesorem Piotrogrodzkich Państwowych Warsztatów Edukacyjnych Wolnej Sztuki; pracował w szkole E. N. Zvantseva. W 1919 roku w Galerii Trietiakowskiej odbyła się jego rocznicowa wystawa indywidualna. W 1923 r. Somow wyjechał z Rosji do Ameryki jako przedstawiciel „Wystawy Rosyjskiej”; w styczniu 1924 r. na wystawie w Nowym Jorku Somowowi zaprezentowano 38 prac. Nie wrócił do Rosji. Od 1925 mieszkał we Francji; Zmarł nagle 6 maja 1939 roku w Paryżu.

Portret Somowa

„Autoportret”, 1895

„Autoportret”, 1898

46x32,6

Akwarela, ołówek, pastel, papier na tekturze

„Autoportret”, 1909

45,5 x 31

Akwarela, gwasz, papier

Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie

- Pani w niebieskim. Portret artystki Elizaveta Martynova (1897-1900, Państwowa Galeria Trietiakowska)

Artysta od dawna przyjaźni się z Elizavetą Michajłowną Martynową, studiował z nią w Akademii Sztuk Pięknych. W 1897 r. K. Somow rozpoczął pracę nad portretem E.M. Martynova, ze szczegółowym planem. Artysta miał przed sobą bardzo ciekawy model i martwił go pomysł portretu-obrazu, w którym mógłby uchwycić głęboko poetycki obraz. Młoda kobieta w bufiastej, mocno rozkloszowanej sukience, z tomikiem poezji w opuszczonej dłoni, ukazana jest na tle zielonej ściany zarośniętych krzewami. JEŚĆ. Artystka przenosi Martynovą w świat przeszłości, ubiera ją w starą suknię, modelkę umieszcza na tle warunkowo ozdobnego parku. Wieczorne niebo z jasnoróżowymi chmurami, drzewa starego parku, ciemna przestrzeń stawu - wszystko to jest wspaniałe w kolorze, ale jak prawdziwy „Świat sztuki”, K. Somov stylizuje krajobraz. Patrząc na tę samotną, tęskniącą kobietę, widz nie postrzega jej jako osoby z innego świata, minionego i odległego. To kobieta z końca XIX wieku. Wszystko w niej jest charakterystyczne: zarówno bolesna kruchość, jak i uczucie bolesnej melancholii, smutek w jej dużych oczach i gęsta linia żałośnie zaciśniętych ust. Na tle oddychającego podnieceniem nieba krucha postać E.M. Martynova jest pełna szczególnego wdzięku i kobiecości, pomimo szczupłej szyi, szczupłych opadających ramion, ukrytego smutku i bólu. Tymczasem w życiu E.M. Wszyscy znali Martynova jako wesołą, wesołą młodą kobietę. JEŚĆ. Martynova marzyła o wielkiej przyszłości, chciała realizować się w prawdziwej sztuce i gardziła marnością życia. I tak się złożyło, że w wieku 30 lat zmarła na gruźlicę płuc, nie mając czasu na zrealizowanie tego, co sobie zaplanowała. Pomimo świetności portretu brzmi w nim ukryta uduchowiona nuta. I sprawia, że ​​​​widz czuje nastrój bohaterki, przepojony tą sympatią do niej, której sam artysta był pełen. „Dama w błękicie” pojawiła się na wystawie „Świat sztuki” w 1900 roku (ze względu na wyjazd artysty do Paryża i chorobę modelki obraz ten był malowany przez trzy lata) pod nazwą „Portret”, a trzy po latach została przejęta przez Galerię Trietiakowską.

- „Wieczór” (1902, Państwowa Galeria Trietiakowska)

142,3 x 205,3

Płótno, olej

Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie

Poeta Walerij Bryusow nazwał Somowa „autorem znakomitych opowiadań". W końcu opowiadania Somowa są na wskroś teatralne. W „Wieczorze" odżywa wymyślona przez Somowa scena z XVIII-wiecznego życia ogrodowego. pozujące panie „Rzeczywistość” Somowa jawi się jako kompletna stylistycznie w obrazie „Wieczór” (1902). Wszystko tu odpowiada jednemu harmonijnemu i ceremonialnemu rytmowi: powtórzenia arkad, naprzemienność odchodzących w dal płaszczyzn boskietów, powolne, rytualne ruchy kobiet. Nawet przyroda jest tutaj dziełem sztuki, noszącym znamiona stylu inspirowanego XVIII w. Ale przede wszystkim jest to świat „Somowskiego”, zaczarowany, dziwnie statyczny świat złotego nieba i złoconych rzeźb, gdzie człowiek, natura i sztuka są w harmonijnej jedności liście, odbijają refleksy na ubraniach i twarzach ludzi, zmiękczając dźwięczne szmaragdowe i szkarłatne kolory ubrań. Z przyjemnością patrzy się na delikatne detale toalet, pierścionki, wstążki, buty z czerwonymi obcasami. W obrazie „Wieczór” nie ma prawdziwej monumentalności. Świat Somowskiego niesie ze sobą efemeryczny charakter scenerii, więc duży rozmiar płótna wydaje się być przypadkowy. Jest to powiększona miniatura. Komnata Somowa, intymny talent zawsze skłania się ku miniaturyzmowi. Współcześni postrzegali „Wieczór” jako opozycję do rzeczywistości: „Epoka, która wydaje się nam naiwna, ze słabymi mięśniami, bez parowozów powolna, pełzająca (w porównaniu z naszą), ale jak ona może opanowywać naturę, uwodzić naturę, czyniąc z niej niemal kontynuacja jej kostiumu”. Retrospektywy Somowa często mają konotację fantastycznie fikcyjną; fantazje prawie zawsze mają konotację retrospektywną.

- „Arlekin i dama” (1912, Państwowa Galeria Trietiakowska)

1912 1921

62,2 x 47,5

Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie

Koncepcja artystyczna Somowa nabiera tu szczególnej kompletności. Cała konstrukcja obrazu jest wprost przyrównana do sceny teatralnej. Dwoje głównych bohaterów znajduje się na pierwszym planie, w centrum obrazu, zwróceni twarzą do widza, podobnie jak aktorzy komedii Marivaux, prowadzący dialog. Liczby w głębi są jak postacie drugoplanowe. Drzewa, oświetlone fałszywym światłem fajerwerków niczym teatralne reflektory, z basenem, którego część widoczna jest na pierwszym planie, przywodzą na myśl orkiestrę. Nawet punkt widzenia bohaterów od dołu do góry wydaje się być widokiem widza z sali teatralnej. Artysta podziwia tę pstrokatą maskaradę, w której krągły arlekin w swoim stroju w czerwone, żółte i niebieskie łaty nieśmiało przytula damę w robronie, która zdjęła maskę, gdzie jasno płoną czerwone róże, a na niebie rozbłyskują odświętne fajerwerki. Dla Somowa ten zwodniczy świat zjaw z ich ulotną egzystencją jest bardziej żywy niż sama rzeczywistość.

Cykl portretów graficznych, m.in. ¶

- „Portret A. Bloka” (1907, Państwowa Galeria Trietiakowska).

„Portret Aleksandra Aleksandrowicza Bloka”, 1907

38x30

Papier, kredki grafitowe i kolorowe, gwasz

Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie

W 1907 Somov tworzy obrazy LA Blok. Widać w nich ślady najbliższego studium francuskiego portretu ołówkowego (z użyciem sangwinika) z końca XVI, a zwłaszcza z XVII wieku, choć portrety Somowa nie są bynajmniej bezpośrednią imitacją. Tradycje francuskiego portretu ołówkowego są tłumaczone przez Somowa nie do poznania. Charakter obrazu jest zupełnie inny. W portretach Bloka i Lansere (obaj w Państwowej Galerii Trietiakowskiej) Somow dąży do jak największej zwięzłości. Na portrecie Bloka jest teraz obraz do ramion. Wszystkie nieistotne szczegóły są odrzucane. Somow oszczędnie zarysowuje jedynie sylwetkę ramion i te detale kostiumu, które są nierozerwalnie związane z wyglądem przedstawionych wywiniętych kołnierzyków, które Blok zawsze nosił. W przeciwieństwie do lakonizmu w przedstawieniu postaci i kostiumu, twarz portretowanej osoby jest starannie dopracowana, a artysta wprowadza do jej przedstawienia kilka akcentów kolorystycznych, które w portrecie Bloka brzmią szczególnie wyraziście. Artysta oddaje za pomocą kolorowych ołówków zimny, „zimowy” wygląd szaroniebieskich oczu Bloka, różowość na wpół otwartych ust, z bieleniem - pionową fałdą przecinającą gładkie czoło. Twarz Bloka, otoczona czepkiem gęstych kręconych włosów, przypomina zamarzniętą maskę. Portret uderzył współczesnych swoim podobieństwem. Wielu z nich zauważyło również w życiu „woskowy bezruch cech” nieodłącznie związany z Blokiem. Somow w swoim portrecie wyniósł tę martwotę rysów do absolutu i tym samym pozbawił wizerunek Bloka tej wszechstronności, duchowego bogactwa, które stanowiło istotę jego osobowości. Sam Blok przyznał, że chociaż portret mu się podobał, to go „obciążał”.

Bakst Lew Samojłowicz (Leib-Khaim Izrailevich Rosenberg, 1866 1924)

Aby wstąpić na Akademię Sztuk Pięknych jako wolontariusz, L. S. Bakst musiał pokonać opór ojca, drobnego przedsiębiorcy. Studiował przez cztery lata (1883-87), ale rozczarował się przygotowaniem akademickim i opuścił szkołę. Zaczął samodzielnie malować, studiował technikę akwareli, zarabiając na życie ilustrując książki i czasopisma dla dzieci. W 1889 roku artysta po raz pierwszy wystawił swoje prace, przyjmując pseudonim - skrócone imię swojej babki ze strony matki (Baxter). 1893-99 przebywał w Paryżu, często odwiedzając Petersburg i ciężko pracował w poszukiwaniu własnego stylu. Zbliżając się do A. N. Benois, K. A. Somowa i S. P. Diagilewa, Bakst stał się jednym z inicjatorów powstania stowarzyszenia „World of Art” (1898). Sławę Bakstowi przyniosły prace graficzne dla magazynu „World of Art”. Nadal zajmował się sztuką sztalugową - wykonywał doskonałe portrety graficzne I. I. Levitana, F. A. Malyavina (1899), A. Bely (1905) i Z. N. Gippiusa (1906) oraz malownicze portrety V. V. Rozanowa ( 1901), S. P. Diagilewa z nianią (1906). Jego obraz „Obiad” (1902), który stał się swoistym manifestem secesji w sztuce rosyjskiej, wywołał ostre spory wśród krytyków. Później duże wrażenie na publiczności wywarł jego obraz „Ancient Horror” (1906-08), który ucieleśnia symboliczną ideę nieuchronności losu. Pod koniec XX wieku. ograniczył się do pracy w teatrze, czasami robiąc wyjątki dla graficznych portretów bliskich mu osób, i przeszedł do historii właśnie jako wybitny twórca teatru epoki nowożytnej. Zadebiutował w teatrze w 1902 roku, projektując pantomimę „Serce markizy”. Następnie wystawiono balet "Lalka Wróżka" (1903), który odniósł sukces głównie dzięki scenografii. Zaprojektował jeszcze kilka przedstawień, wykonał osobne kostiumy dla artystów, w szczególności dla A.P. Pavlova w słynnym „Łabędziu” M. M. Fokina (1907). Ale prawdziwy talent Baksta rozwinął się w przedstawieniach baletowych Sezonów Rosyjskich, a następnie Baletu Rosyjskiego S. P. Diagilewa. „Kleopatra” (1909), „Szeherezada” i „Karnawał” (1910), „Wizja róży” i „Narcyz” (1911), „Błękitny Bóg”, „Daphnis i Chloe” oraz „Popołudnie fauna” ( 1912), „Gry” (1913) zadziwiły zblazowaną zachodnią publiczność dekoracyjną fantazją, bogactwem i siłą koloru, a techniki projektowe opracowane przez Baksta zapoczątkowały nową erę w scenografii baletowej. Nazwisko Baksta, czołowego artysty „Rosyjskich sezonów”, grzmiało wraz z nazwiskami najlepszych wykonawców i znanych choreografów. Padały na niego również ciekawe zamówienia z innych teatrów. Przez te wszystkie lata Bakst mieszkał w Europie, tylko od czasu do czasu wracając do swojej ojczyzny. Kontynuował współpracę z trupą Diagilewa, ale stopniowo narastały sprzeczności między nim a SP Diagilewem, aw 1918 roku Bakst opuścił trupę. Pracował niestrudzenie, ale nie udało mu się już stworzyć niczego zasadniczo nowego. Śmierć z powodu obrzęku płuc wyprzedziła Baksta w czasach jego sławy, choć zaczynała zanikać, ale wciąż była genialna.

Portret artysty

„Autoportret”, 1893

34x21

Olej na kartonie

Państwowe Muzeum Rosyjskie, Sankt Petersburg, Rosja

- „Elizjum” (1906, Państwowa Galeria Trietiakowska)

Panel dekoracyjny, 1906.

158x40

Akwarela, gwasz, papier na tekturze

Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie

- „Starożytny (antyczny) horror” (1908, Muzeum Rosyjskie)

250x270 olej na płótnie

Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu

„Ancient Horror” obraz Leona Baksta przedstawiający śmierć starożytnej cywilizacji (prawdopodobnie Atlantydy) w wyniku klęski żywiołowej. W światopoglądzie pogańskim „starożytny horror” to horror życia w świecie pod rządami ponurego i nieludzkiego Losu, horror niemocy człowieka przez niego zniewolonego i beznadziejnie uległego (Fatum); a także grozę chaosu jako otchłani niebytu, w której zanurzenie jest zgubne. Przez starożytny horror miał na myśli horror losu. Chciał pokazać, że nie tylko wszystko, co ludzkie, ale i to, co czczone jest przez boskość, postrzegane było przez starożytnych jako względne i przemijające. Duże płótno o niemal kwadratowym formacie zajmuje panorama krajobrazu, napisana z wysokiego punktu widzenia. Krajobraz rozświetla błyskawica. Główną przestrzeń płótna zajmuje szalejące morze, które niszczy statki i uderza w mury twierdz. Na pierwszym planie postać archaicznego posągu w przekroju pokoleniowym. Kontrast spokojnej uśmiechniętej twarzy posągu jest szczególnie uderzający w porównaniu z przemocą żywiołów za jej plecami. Artysta przenosi widza na niewidzialną wysokość, z której tylko możliwa jest ta panorama, rozwijająca się gdzieś w głębi pod naszymi stopami. Najbliżej widza znajduje się wzgórze z kolosalnym posągiem archaicznej cypryjskiej Afrodyty; ale wzgórze, stopa i same stopy bożka są poza płótnem: jakby wolna od losu ziemi, bogini powstaje blisko nas, tuż nad ciemnością głębokiego morza. Przedstawiona kobieca rzeźba to rodzaj archaicznego kore, uśmiechająca się enigmatycznym archaicznym uśmiechem i trzymająca w dłoniach niebieskiego ptaka (lub gołębicę, symbol Afrodyty). Tradycyjnie posąg przedstawiony przez Baksta nazywa się Afrodytą, chociaż nie ustalono jeszcze, które boginie zostały przedstawione przez korę. Prototypem posągu był posąg znaleziony podczas wykopalisk na Akropolu. Żona Baksta pozowała do niezabezpieczonej ręki. Krajobraz wyspy rozciągający się za plecami bogini to widok z ateńskiego Akropolu. U podnóża gór po prawej stronie obrazu na pierwszym planie znajdują się zabudowania według Prużańskiej Bramy Lwa Mykeńskiego oraz pozostałości pałacu w Tiryns. Są to budowle należące do wczesnego, kreteńsko-mykeńskiego okresu historii Grecji. Po lewej grupa ludzi uciekających w popłochu wśród typowych dla klasycznej Grecji budowli to najprawdopodobniej Akropol z jego propylami i ogromnymi posągami. Za Akropolem jest dolina oświetlona błyskawicami, porośnięta srebrzystymi oliwkami.

Dekoracja baletów m.in. ¶

"Szkic kostiumu Kleopatry dla Idy Rubinstein do baletu "Kleopatra" do muzyki A.S. Arensky'ego"

1909

28x21

Ołówek, akwarela

„Szeherezada” (1910, muzyka Rimskiego-Korsakowa)

„Projekt scenografii do baletu Szeherezada do muzyki N.A. Rimskiego-Korsakowa”, 1910

110x130

Płótno, olej

Kolekcja Nikity i Niny Lobanov-Rostovsky, Londyn

"Projekt kostiumów dla Błękitnej Sułtanki do baletu "Szeherezada""

1910

29,5x23

Akwarela, ołówek

Kolekcja Nikity i Niny Lobanov-Rostovsky, Londyn

Dobużyński Mścisław Walerianowicz (1875 1957)

M. V. Dobuzhinsky był synem oficera artylerii. Po pierwszym roku wydziału prawa Uniwersytetu Petersburskiego Dobużyński próbował wstąpić do Petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych, ale został przyjęty i studiował w prywatnych pracowniach dopiero w 1899 roku. Po powrocie do Petersburga w 1901 roku zbliżył się do stowarzyszenie World of Art i stał się jednym z najwybitniejszych jego przedstawicieli. Dobużyński debiutował w grafice - rysunkach w czasopismach i książkach, pejzażach miejskich, w których udało mu się imponująco przekazać swoje postrzeganie Petersburga jako miasta. Temat miasta od razu stał się jednym z głównych w jego twórczości. Dobużyński zajmował się zarówno grafiką sztalugową, jak i malarstwem, z powodzeniem nauczał - w różnych instytucjach edukacyjnych. Wkrótce Moskiewski Teatr Artystyczny zaprosił go do wystawienia sztuki I. S. Turgieniewa „Miesiąc na wsi” (1909). Wielki sukces wystawianej przez niego scenografii zapoczątkował ścisłą współpracę artysty ze słynnym teatrem. Szczytem tej współpracy była dekoracja do sztuki „Nikołaj Stawrogin” (1913) na podstawie powieści „Demony” F. M. Dostojewskiego. Ostra ekspresja i rzadki lakonizm sprawiły, że to nowatorskie dzieło stało się zjawiskiem antycypującym przyszłe odkrycia rodzimej scenografii. Zdrowe postrzeganie wydarzeń w porewolucyjnej Rosji zmusiło Dobużyńskiego do przyjęcia w 1925 r. obywatelstwa litewskiego i przeniesienia się do Kowna. W 1939 roku Dobużyński wyjechał do USA, aby pracować z aktorem i reżyserem M. A. Czechowem nad sztuką „Demony”, ale z powodu wybuchu II wojny światowej nigdy nie wrócił na Litwę. Najtrudniejsze okazały się dla niego ostatnie lata życia – nie mógł i nie chciał przystosować się do obcego mu amerykańskiego stylu życia i obyczajów amerykańskiego rynku sztuki. Często przeżywał trudności finansowe, żył samotnie, komunikując się jedynie z wąskim kręgiem rosyjskich emigrantów i starał się wykorzystywać każdą okazję, by choć na chwilę wydostać się do Europy.

Portret artysty

Autoportret. 1901

55x42

Płótno, olej

Państwowe Muzeum Rosyjskie

Praca, wykonana w monachijskiej szkole Sandora Hollossy'ego, jest ściśle związana z symbolistycznymi kompozycjami Eugène'a Carrière'a, który lubił zanurzać swoich bohaterów w gęstym, emocjonalnie aktywnym środowisku. Tajemnicza mgła otaczająca modelkę, wibrujące „kolorowe” światło padające na twarz i figurę zdaje się wzmacniać ostro energetyczny i enigmatyczny wyraz zacienionych oczu. To nadaje obrazowi wewnętrznie niezależnego i zimnego młodzieńca cechy pewnego rodzaju demonizmu.

- „Prowincja lat 30. XIX wieku” (1907-1909, Muzeum Rosyjskie)

60x83,5

Karton, ołówek, akwarela, wybielanie

Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu

„Prowincja lat 30. XIX wieku” przykuwa wzrok artysty, poruszonego nurtem codziennego życia rosyjskiego miasta sprzed ponad pół wieku. „Wyrwanie” obrazu z celowym umieszczeniem filaru niemal w centrum kompozycji sprzyja postrzeganiu tego, co się dzieje, jako przypadkowo obejrzanej klatki filmu. Nieobecność bohatera i brak fabuły obrazu to swoista gra artysty z próżnymi oczekiwaniami widza. Krzywe domy, kopuły antycznych cerkwi i policjant śpiący na swoim posterunku – taki widok roztacza się na główny plac miasta. Próżność pań, najwyraźniej spieszących się do modniarki po nowe ubrania, Dobużyński spisuje niemal karykaturalnie. Praca przesiąknięta jest nastrojem niewinnej życzliwości artysty. Jasna kolorystyka pracy sprawia, że ​​wygląda jak pocztówka, tak popularna na przełomie wieków. Do 1907 r. Datowany jest obraz „Prowincja rosyjska lat 30. XIX wieku” (akwarela, ołówek graficzny, Państwowe Muzeum Rosyjskie). Przedstawia senny skwer prowincjonalnego miasteczka z pasażem handlowym, drzemiącego wspartego na siekierze stróża, brązową świnię ocierającą się o latarnię, kilku przechodniów i nieuniknioną kałużę pośrodku. Wspomnienia Gogola są niezaprzeczalne. Ale obraz Dobużyńskiego pozbawiony jest jakiegokolwiek sarkazmu, eleganckie grafiki artysty uszlachetniają tu wszystko, czego się dotknie. Pod ołówkiem i pędzlem Dobużyńskiego piękno proporcji empirowego Gostinego Dworu, stylowy garnitur z lat 30. przedni. Subtelny stylizm Dobużyńskiego triumfuje nad kolejnym zwycięstwem.

- „Dom w Petersburgu” (1905, Państwowa Galeria Trietiakowska)

37x49

Pastel, gwasz, papier na tekturze

Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie

- „Mężczyzna w okularach” (Portret pisarza Konstantina Syunnerberga, 1905-1906, Państwowa Galeria Trietiakowska)

Portret krytyka sztuki i poety Konstantina Sunnerberga

1905

63,3 x 99,6

Węgiel drzewny, akwarela, papier na tekturze

Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie

Nie będąc malarzem portretowym, Dobużyński stworzył jeden z najbardziej pojemnych obrazów-symboli, uosabiających całe pokolenie miejskich intelektualistów. Obraz „Człowiek w okularach” (1905–1906) przedstawia poetę i krytyka sztuki K. A. Syunnerberga, który występował pod pseudonimem Konst. Erberga. Mężczyzna jest szczelnie zamknięty w sztywnej skorupie porządnego stroju, jego oczy osłonięte od świata okularami są prawie niewidoczne. Cała postać, jakby pozbawiona trzeciego wymiaru, jest spłaszczona, ściśnięta w niewyobrażalnie ciasnej przestrzeni. Osoba jest niejako wyeksponowana, umieszczona między dwiema szklankami – rodzaj dziwacznej fauny fantastycznego miasta – Sankt Petersburga, widoczna za oknem, odsłaniająca przed widzem inne swoje oblicze – mieszaninę wielopiętrowych , wielokominowa urbanistyka i prowincjonalne podwórka.

Lanceray Jewgienij Jewgiejewicz (1875 1946)

Artysta rosyjski i radziecki. Absolwent I Gimnazjum w Petersburgu. Od 1892 studiował w Szkole Rysunkowej Towarzystwa Zachęty Sztuk Pięknych w Petersburgu, gdzie uczęszczał na zajęcia u Ya.F. Zionglinsky'ego, NS Samokisha, EK Lipgarta. W latach 1895-1898 Lansere dużo podróżował po Europie i doskonalił swoje umiejętności we francuskich akademiach F. Calarossiego i R. Juliena. Od 1899 jest członkiem stowarzyszenia World of Art. W 1905 wyjechał na Daleki Wschód. W latach 1907-1908 został jednym z założycieli „Teatru starożytnego” - krótkotrwałego, ale interesującego i zauważalnego zjawiska w życiu kulturalnym Rosji początku wieku. Lansere kontynuował współpracę z teatrem w latach 1913-1914. 1912-1915 dyrektor artystyczny fabryki porcelany i pracowni grawerskich na szkle w Petersburgu i Jekaterynburgu. 1914-1915 korespondent wojskowy na froncie kaukaskim podczas I wojny światowej. Spędził 1917-1919 w Dagestanie. W 1919 współpracował jako artysta w Biurze Informacji i Propagandy Armii Ochotniczej A. I. Denikina (OSVAG). W 1920 przeniósł się do Rostowa nad Donem, następnie do Nachiczewanu nad Donem i Tyflisu. Od 1920 r. był rysownikiem w Muzeum Etnograficznym, odbywał wyprawy etnograficzne z Kaukaskim Instytutem Archeologicznym. Od 1922 - profesor Gruzińskiej Akademii Sztuk Pięknych w Moskiewskim Instytucie Architektonicznym. W 1927 został wysłany na sześć miesięcy do Paryża z Akademii Sztuk Pięknych w Georgii. W 1934 przeniósł się na stałe z Tyflisu do Moskwy. Od 1934 do 1938 wykładał w Wszechrosyjskiej Akademii Sztuk Pięknych w Leningradzie. JEJ. Lansere zmarł 13 września 1946 roku.

Portret artysty

- „Cesarzowa Elżbieta Pietrowna w Carskim Siole” (1905, Państwowa Galeria Trietiakowska)

43,5 x 62

Gwasz, papier na tekturze

Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie

Evgeny Evgenyevich Lansere jest wszechstronnym artystą. Autor monumentalnych obrazów i paneli zdobiących stacje moskiewskiego metra, dworzec Kazański, hotel Moskwa, pejzaże, obrazy na temat rosyjskiej historii XVIII wieku, był także wspaniałym ilustratorem klasycznych dzieł literatury rosyjskiej („ Dubrovsky” i „Shot” A S. Puszkin, „Hadji Murad” L. N. Tołstoja), twórca ostrych kreskówek politycznych w czasopismach satyrycznych w 1905 r., Artysta teatralny i dekoracyjny. Przedstawiony tu obraz jest jedną z najciekawszych i najbardziej znaczących prac sztalugowych artysty, świadczy o samym rozumieniu malarstwa historycznego w sztuce początku XX wieku. Tak więc klimat epoki ujawnia się tutaj poprzez obrazy sztuki ucieleśnione w zespołach architektonicznych i parkowych, strojach i fryzurach ludzi, poprzez pejzaż, ukazujący życie dworskie, obrzędy. Temat królewskich procesji stał się szczególnie popularny. Lansere przedstawia uroczyste wyjście z dworu Elżbiety Pietrowna w jej wiejskiej rezydencji. Jak na scenie teatru przed widzem przechodzi procesja. Tęga cesarzowa pływa po królewsku majestatycznie, ubrana w tkane szaty o niesamowitej urodzie. Za nimi podążają panie i panowie we wspaniałych sukniach i pudrowanych perukach. W ich twarzach, pozach i gestach artysta ujawnia różne charaktery i typy. Widzimy teraz upokorzonych i bojaźliwych, potem wyniosłych i sztywnych dworzan. W pokazie Elżbiety i jej dworu nie sposób nie dostrzec ironii artystki, a nawet groteski. Lansere kontrastuje przedstawionych przez siebie ludzi ze szlachetną surowością posągu z białego marmuru i prawdziwą wielkością ucieleśnioną we wspaniałej architekturze pałacu Rastrelli i pięknie regularnego parku.

Ostroumova-Lebiediewa Anna Pietrowna (1871 1955)

AP Ostroumova-Lebedeva była córką wybitnego urzędnika PI Ostroumova. Jeszcze jako uczennica liceum zaczęła uczęszczać do szkoły podstawowej przy CUTR. Następnie studiowała w samej szkole, gdzie zainteresowała się techniką grawerowania, oraz w Akademii Sztuk Pięknych, gdzie studiowała malarstwo w pracowni I. E. Repina. W latach 1898-99. pracował w Paryżu, doskonaląc się w malarstwie (u J. Whistlera) i rytowniku. Przełomem w jej losach okazał się rok 1900, artystka zadebiutowała rycinami na wystawie World of Art (z którą później mocno związała swoją twórczość), następnie otrzymała II nagrodę za ryciny w OPH konkursu i ukończył Akademię Sztuk Pięknych z tytułem artysty, prezentując 14 rycin. Ostroumova-Lebedeva odegrała główną rolę w odrodzeniu drzeworytu sztalugowego w Rosji jako niezależnej formy twórczości - po długim istnieniu jako techniki reprodukcji; zasługa artysty w odrodzeniu kolorowego grawerowania jest szczególnie wielka. Opracowane przez nią oryginalne metody uogólniania formy i koloru zostały przyjęte i stosowane przez wielu innych artystów. Głównym tematem jej rycin był Petersburg, któremu poświęciła kilkadziesiąt lat niestrudzonej pracy. Jej kolorowe i czarno-białe ryciny - zarówno sztalugowe, połączone w cykle ("Petersburg", 1908-10; "Pawłowsk", 1922-23 itd.), Oraz wykonane dla książek V. Ya Kurbatova "Petersburg " (1912); Wielokrotnie iz różnych powodów reprodukowane, już dawno stały się podręcznikami i cieszą się wyjątkową popularnością. Na swój sposób ciekawe i wybitne były prace tworzone przez artystę na podstawie wrażeń z częstych podróży - zarówno zagranicznych (Włochy, Francja, Hiszpania, Holandia), jak i po kraju (Baku, Krym). Niektóre z nich zostały wykonane w rycinie, a niektóre w akwareli. Utalentowana i dobrze wyszkolona malarka Ostroumova-Lebedeva nie mogła pracować z farbami olejnymi, ponieważ ich zapach wywoływał u niej ataki astmy. Ale doskonale opanowała trudną i kapryśną technikę malowania akwarelami i zajmowała się nią przez całe życie, tworząc doskonałe pejzaże i portrety („Portret artysty I.V. Ershov”, 1923; „Portret Andrei Bely”, 1924; „Portret Artysty E. S. Kruglikova", 1925 itd.). Wojnę Ostroumov-Lebiediewa spędziła w oblężonym Leningradzie, nie porzucając swojej ulubionej pracy i kończąc prace nad trzecim tomem Notatek autobiograficznych. Ostatnie lata życia artystki przyćmiła grożąca ślepota, ale dopóki było to możliwe, pracowała dalej.

Cykl rycin i rysunków „Widoki Petersburga i jego przedmieść”, w tym ¶

Przez całe dojrzałe życie twórcze A.P. Ostroumovej-Lebiediewej dominowała tematyka petersburska, poczynając od widoków Pawłowska w latach 1900-tych, aż do połowy lat 40-tych, kiedy już ciężko chora ukończyła cykl swoich obrazów św. do twierdzy nocą. W sumie, według własnych obliczeń, stworzyła 85 prac poświęconych wielkiemu miastu. Obraz Petersburga w Ostroumovie-Lebiediewie kształtował się przez prawie pół wieku. Jednak jego główne cechy artysta odnajdywał w najradośniejszych i najspokojniejszych latach pierwszej dekady XX wieku. Powstało wówczas w jej twórczości połączenie ostrego, wypolerowanego, wręcz szorstkiego liryzmu z potężną stabilnością i monumentalnością, geometryczną, zweryfikowaną perspektywą i cierpkością wolności emocjonalnej,

- „Neva przez kolumny giełdy” (1908)

Jak nogi olbrzymów, narożne kolumny Giełdy stoją na Mierzei Wyspy Wasilewskiej, a perspektywa drugiego brzegu Newy, skrzydła Admiralicji i wspaniałej paraboli Gmachu Sztabu Generalnego na Placu Pałacowym sięgają daleko w odległość. Nie mniej uderzająca jest perspektywa ciemnej i potężnej zieleni parku, stającego się krawędzią przestrzeni architektonicznej, zbiegającej się w oddali do ledwo dostrzegalnego Pałacu Jelagina. Niewyobrażalnie piękny jest fragment siatki Ogrodu Letniego, schodzący do granitowej szaty Moiki, która wpływa do Newy. Tutaj każda linia nie jest przypadkowa, jednocześnie kameralna i monumentalna, tutaj geniusz architekta łączy się z wyrafinowaną wizją artysty dbającego o piękno. Nad ciemnym kanałem Kryukova wypala się niebo o zachodzie słońca, a sylwetka dzwonnicy Katedry Marynarki Wojennej św. Mikołaja, słynącej ze wspaniałej harmonii, unosi się z wody.