Da tempo immemorabile, le persone hanno sempre ammirato la natura. Hanno espresso il loro amore raffigurandolo in tutti i tipi di mosaici, bassorilievi e dipinti. Molti grandi artisti hanno dedicato la loro creatività alla pittura di paesaggi. I dipinti raffiguranti foreste, mare, montagne, fiumi, campi sono davvero affascinanti. E dobbiamo rispettare i grandi maestri che in modo così dettagliato, colorato ed emotivo hanno trasmesso nelle loro opere tutta la bellezza e la potenza del mondo che ci circonda. Sono gli artisti del paesaggio e le loro biografie che saranno discussi in questo articolo. Oggi parleremo del lavoro di grandi pittori di tempi diversi.
Famosi paesaggisti del XVII secolo
Nel XVII secolo ne vivevano molti persone di talento che preferiva rappresentare la bellezza della natura. Alcuni dei più famosi sono Claude Lorrain e Jacob Isaac van Ruisdael. Inizieremo la nostra storia con loro.
Claudio Lorrain
L'artista francese è considerato il fondatore della pittura di paesaggio del periodo classico. Le sue tele si distinguono per l'incredibile armonia e la composizione ideale. Caratteristica distintiva La tecnica di K. Lorrain era la capacità di trasmettere in modo impeccabile luce del sole, i suoi raggi, il riflesso nell'acqua, ecc.
Nonostante il maestro sia nato in Francia, maggior parte Trascorse la sua vita in Italia, dove partì quando aveva solo 13 anni. Tornò in patria solo una volta, e poi per due anni.
Più opere famose I dipinti di K. Lorrain sono “Veduta del Foro Romano” e “Veduta del porto con il Campidoglio”. Oggi possono essere visti al Louvre.
Jacob Isaac van Ruisdael
Jacob van Ruisdael, rappresentante del realismo, è nato in Olanda. Durante i suoi viaggi nei Paesi Bassi e in Germania, l'artista ha dipinto molte opere straordinarie, caratterizzate da forti contrasti di toni, colori drammatici e freddezza. Uno degli esempi eclatanti di tali dipinti può essere considerato il “Cimitero europeo”.
Tuttavia, la creatività dell'artista non si è limitata alle tele cupe, ma ha anche raffigurato paesaggi rurali. Le opere più famose sono considerate "Veduta del villaggio di Egmond" e "Paesaggio con mulino ad acqua".
XVIII secolo
Per dipinto XVIII i secoli sono tipicamente molti caratteristiche interessanti, durante questo periodo fu posto l'inizio di nuove direzioni nella forma d'arte citata. I paesaggisti veneziani, ad esempio, hanno lavorato in direzioni come il paesaggio (un altro nome è in testa) e l'architettonico (o urbano). E il paesaggio principale, a sua volta, era diviso in accurato e fantastico. Un rappresentante brillante L'ospite fantastico è Francesco Guardi. Anche i paesaggisti moderni possono invidiare la sua immaginazione e tecnica.
Francesco Guardi
Senza eccezioni, tutte le sue opere si distinguono per una prospettiva impeccabilmente accurata e una meravigliosa resa dei colori. I paesaggi hanno un fascino magico: è semplicemente impossibile distogliere lo sguardo da essi.
Le sue opere più deliziose possono essere chiamate tele " Nave delle vacanze Doge "Bucintoro", "Gondola in Laguna", "Cortile Veneziano" e "Rio dei Mendicanti". Tutti i suoi dipinti raffigurano vedute di Venezia.
William Turner
Questo artista è un rappresentante del romanticismo.
Una caratteristica distintiva dei suoi dipinti è l'uso di molte sfumature di giallo. È stata la tavolozza gialla a diventare la principale nelle sue opere. Il maestro lo spiegò dal fatto che associava tali sfumature al sole e alla purezza che voleva vedere nei suoi dipinti.
L'opera più bella e affascinante di Turner è il "Giardino delle Esperidi" - un paesaggio fantastico.
Ivan Aivazovsky e Ivan Shishkin
Queste due persone sono davvero le più grandi e le più grandi artisti famosi-pittori paesaggisti della Russia. Il primo - Ivan Konstantinovich Aivazovsky - raffigurava il maestoso mare nei suoi dipinti. Un tripudio di elementi, onde che si alzano, schizzi di schiuma che si infrangono contro il lato di una nave inclinata o una superficie tranquilla e serena illuminata dal sole al tramonto: i paesaggi marini deliziano e stupiscono con la loro naturalezza e bellezza. A proposito, questi pittori di paesaggi sono chiamati pittori marini. Il secondo, Ivan Ivanovich Shishkin, amava rappresentare la foresta.
Sia Shishkin che Aivazovsky erano artisti paesaggisti del XIX secolo. Soffermiamoci sulla biografia di questi individui in modo più dettagliato.
Nel 1817 nacque uno dei pittori marini più famosi al mondo, Ivan Aivazovsky.
È nato in una famiglia benestante, suo padre era un uomo d'affari armeno. Non sorprende che il futuro maestro avesse un debole per l'elemento marino. Dopotutto, il luogo di nascita di questo artista era Feodosia, una bellissima città portuale.
Nel 1839, Ivan si laureò dove studiò per sei anni. Allo stile dell'artista grande influenza influenzato dall'opera dei pittori marini francesi C. Vernet e C. Lorrain, che dipinsero le loro tele secondo i canoni del classicismo barocco. Maggior parte opera famosa Il dipinto “La nona onda”, completato nel 1850, è considerato opera di I.K. Aivazovsky.
Tranne paesaggi marini, il grande artista ha lavorato sull'immagine scene di battaglia(un esempio lampante è il dipinto “La battaglia di Chesme”, 1848), e dedicò anche molte delle sue tele a temi della storia armena (“Visita di J. G. Byron al monastero mechitarista vicino a Venezia”, 1880).
Aivazovsky ha avuto la fortuna di raggiungere un'incredibile fama durante la sua vita. Molti paesaggisti divenuti famosi in futuro ammirarono il suo lavoro e presero spunto da lui. Il grande creatore morì nel 1990.
Shishkin Ivan Ivanovich è nato nel gennaio 1832 nella città di Elabug. La famiglia in cui è cresciuto Vanja non era molto ricca (suo padre era un povero commerciante). Nel 1852, Shishkin iniziò i suoi studi presso la Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca, dalla quale si diplomò quattro anni dopo, nel 1856. Anche il più primi lavori Ivan Ivanovich si distingue per la sua straordinaria bellezza e la sua tecnica insuperabile. Pertanto, non sorprende che nel 1865 I. I. Shishkin ricevette il titolo di accademico per la tela “Vista nelle vicinanze di Dusseldorf”. E dopo otto anni ha ricevuto il titolo di professore.
Come molti altri, ha attinto dal vero, disegnando per molto tempo nella natura, in luoghi dove nessuno poteva disturbarlo.
Maggior parte dipinti famosi grande pittore sono “Wilderness” e “Morning in pineta", scritto nel 1872, e un dipinto precedente "Mezzogiorno. Nelle vicinanze di Mosca" (1869)
Vita persona talentuosa interrotto nella primavera del 1898.
Molti artisti paesaggisti russi lo usano grande quantità dettagli e resa cromatica colorata. Lo stesso si può dire di questi due rappresentanti della pittura russa.
Aleksej Savrasov
Alexey Kondratievich Savrasov è un paesaggista di fama mondiale. È lui che è considerato il fondatore del paesaggio lirico russo.
Questo è nato uomo eccezionale a Mosca nel 1830. Nel 1844, Alexey iniziò i suoi studi presso la Scuola di pittura e scultura di Mosca. Già dalla giovinezza si distinse per il suo talento speciale e la capacità di rappresentare paesaggi. Tuttavia, nonostante ciò, a causa delle circostanze familiari il giovane fu costretto ad interrompere gli studi e a riprenderli solo quattro anni dopo.
L'opera più famosa e amata di Savrasov è, ovviamente, il dipinto "The Rooks Have Arrived". È stato presentato a Mostra itinerante nel 1971. Non meno interessanti sono i dipinti di I. K. Savrasov “Rye”, “Thaw”, “Winter”, “Country Road”, “Rainbow”, “ Isola Losiny" Tuttavia, secondo i critici, nessuna delle opere dell’artista è paragonabile al suo capolavoro “The Rooks Have Arrived”.
Nonostante Savrasov abbia dipinto molte tele bellissime e sia già conosciuto come autore di dipinti meravigliosi, viene presto dimenticato per molto tempo. E nel 1897 morì in povertà, spinto alla disperazione da problemi familiari, dalla morte di bambini e dalla dipendenza dall'alcol.
Ma i grandi paesaggisti non possono essere dimenticati. Vivono nei loro dipinti, la cui bellezza è mozzafiato e che possiamo ammirare ancora oggi.
Seconda metà del XIX secolo
Questo periodo è caratterizzato dalla prevalenza nella pittura russa di una direzione come il paesaggio quotidiano. Molti artisti paesaggisti russi hanno lavorato in questo senso, tra cui Vladimir Egorovich Makovsky. Non di meno maestri famosi di quei tempi sono Arseny Meshchersky, così come Aivazovsky e Shishkin precedentemente descritti, il cui lavoro avvenne a metà della seconda metà del XIX secolo.
Arsenij Meshcherskij
Questo famoso artista è nato nel 1834 nella provincia di Tver. Ha ricevuto la sua formazione presso l'Accademia Imperiale delle Arti, dove ha studiato per tre anni. I temi principali dei dipinti dell’autore erano le foreste e l’Artista amava rappresentare nei suoi dipinti le magnifiche vedute della Crimea e del Caucaso con le loro montagne maestose. Nel 1876 ricevette il titolo di professore dipinto di paesaggio.
I suoi dipinti più famosi e di maggior successo possono essere considerati i dipinti “Inverno. Rompighiaccio", "Veduta di Ginevra", "Tempesta nelle Alpi", "Al lago della foresta", "Paesaggio del sud", "Veduta in Crimea".
Inoltre, Meshchersky ha trasmesso anche la bellezza della Svizzera. In questo paese ha acquisito esperienza per qualche tempo dal maestro della pittura di paesaggio Kalam.
Il maestro amava anche il seppia e l'incisione. Ha anche creato molte opere meravigliose utilizzando queste tecniche.
Molti dipinti dell'artista in questione sono stati esposti in mostre sia in Russia che in altri paesi del mondo. Pertanto, molte persone sono riuscite ad apprezzarne il talento e l'originalità persona creativa. I dipinti di Arseny Meshchersky continuano a deliziare molte persone interessate all'arte fino ad oggi.
Makovsky Vladimir Egorovich
Makovsky V. E. è nato a Mosca nel 1846. Suo padre era un artista famoso. Vladimir ha deciso di seguire le orme di suo padre e ha ricevuto un'educazione artistica presso la Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca, dopo di che è partito per San Pietroburgo.
I suoi dipinti di maggior successo furono “Attesa. In prigione”, “Crollo bancario”, “Spiegazione”, “L'alloggio” e “Baccanali primaverili”. Le opere raffigurano principalmente persone normali e scene quotidiane.
Oltre ai paesaggi quotidiani, di cui era maestro, Makovsky dipinse anche ritratti e varie illustrazioni.
Argomento della lezione: "Paesaggio nella pittura russa".
Bersaglio: Ampliare la conoscenza degli studenti sul paesaggio come genere artistico che comporta una combinazione armoniosa dei sentimenti dell'artista e la loro espressione nell'attività creativa utilizzando un esempio
Compiti:
educativo:
– continuare a conoscere il paesaggio come genere di belle arti, usando l'esempio dell'opera di I. I. Levitan;
– essere in grado di effettuare una semplice analisi del contenuto delle opere d'arte, mark mezzi di espressione Immagini;
educativo:
– riuscire a vedere la bellezza del mondo che ci circonda,
– rispettare il lavoro e il talento grande artista,
– coltivare l’orgoglio per la propria Patria;
sviluppando:
– sviluppare l'osservazione, la memoria visiva, l'attenzione ai dettagli.
Attrezzatura: computer, lavagna interattiva, presentazione “Creatività di I.I. Levitan", album, tempera, pennelli.
Materiale: Los Angeles Nemenskaja. Belle arti “Arte nella vita umana”, 6a elementare, Mosca “Illuminazione”, 2014.
Preparazione per la lezione. Prima della lezione, ai bambini vengono assegnati compiti individuali: trovare informazioni sulla vita e il lavoro di I. I. Levitan, creare una presentazione.
Piano della lezione:
IO. Organizzare il tempo- 2 minuti.
II. Riflessione sul materiale dell'ultima lezione – 3 min.
III. Introduzione all'argomento:
Messaggi accompagnati da presentazioni del docente e degli studenti sull'argomento della lezione - 15 min.
IV. Lavoro pratico- 20 minuti.
V. Riassumendo - 3 min.
VI. Compiti a casa- 2 minuti.
"Non c'è bisogno di decorare la natura,
ma devi sentirne l'essenza
ed esente da incidenti."
( Levitan I.I. )
Insegnante - Oggi in classe continueremo a conoscere uno dei generi di belle arti: paesaggio, paesaggio nella pittura russaPer esempiocreatività dell'artista I.I. Levitan.
L'uomo ha iniziato a rappresentare la natura già nei tempi antichi. Ma quasi sempre queste immagini servivano solo come sfondo per un ritratto o qualche tipo di scena.
E solo nel XVII secolo apparveropaesaggi
– dipinti in cui la natura è diventata il loro contenuto principale.Questo genere è stato creato da pittori olandesi. Di solito dipingevano paesaggi su piccole tele e in seguito iniziarono a essere chiamati "piccoli olandesi".
La pittura di paesaggio è molto varia. Ci sono paesaggi che trasmettono con precisione alcuni angoli della natura, e ci sono anche quelli creati dalla fantasia dell’artista, ci sono paesaggi in cui gli artisti sono riusciti a trasmettere in modo molto sottile lo stato della natura.
Allora cos’è il “paesaggio”?
(Messaggio dello studente)
Paesaggio (paesaggio francese, da pays - paese, area), una visione reale di qualsiasi area; nelle belle arti - un genere o un'opera separata in cui il soggetto principale dell'immagine è naturale o, in un modo o nell'altro, la natura trasformata dall'uomo;
Insegnante - Che tipi di paesaggi conosci?
(Messaggio dello studente)
Urbano, rurale, forestale, lirico, architettonico, marino, industriale.
Insegnante - Il paesaggio non è una riproduzione meccanica che circonda una persona ambiente, questo immagine artistica natura o città, ad es. un’immagine esteticamente significativa, poeticizzata, come se fosse passata attraverso la percezione personale dell’artista.
Nell'alta fioritura della pittura russa del XIX secolo, il paesaggio ha svolto un ruolo eccezionale. Le immagini della natura create da artisti russi hanno arricchito la cultura russa e mondiale.
Ciò che è interessante nel lavoro dei paesaggisti non è il fatto in sé immagine realistica natura, ma piuttosto il riflesso di una visione soggettiva e individuale di essa. Il tuo condizione emotiva le persone spesso associano allo stato di natura. I paesaggi sono in grado di esprimere i sentimenti delle persone, poiché in essi gli artisti riproducono in modo creativo visioni della natura. Sembra loro colorato da emozioni, ad esempio "gioioso" o "triste", sebbene questi stati non siano affatto inerenti alla natura.
Lo sviluppo del paesaggio russo nel 19° secolo fu alimentato da una crescita, sempre maggiore amore cosciente Il popolo russo a terra natia.
Il paesaggio ha conquistato il suo posto come uno dei generi principali della pittura. Il suo linguaggio divenne, come la poesia, un modo di esprimersi sentimenti elevati artista, campo dell'arte in cui si esprimono verità profonde e serie sulla vita e sui destini dell'umanità, in esso il contemporaneo parla e si riconosce. Guardando le opere di pittura di paesaggio, ascoltando di cosa parla l'artista, raffigurando la natura, apprendiamo la conoscenza della vita, la comprensione e l'amore per il mondo e l'uomo.
È improbabile che qualcuno nel nostro Paese non abbia sentito il nome dell'artista
Isaac Ilyich Levitan, un brillante maestro del paesaggio. Per lunghe ore l'artista vagò per le foreste della regione di Mosca, della regione del Volga e della provincia di Tver, e poi sulle sue tele apparvero boschi cedui, sottili betulle che si trovano nell'acqua sorgiva sciolta, un ponte sul fiume, burroni sui pendii di cui la neve non si era ancora sciolta.
I paesaggi di Levitan, a volte tristi, a volte gioiosi, a volte allarmanti, ci parlano non solo della bellezza della natura, ma anche dei sentimenti e degli stati d'animo dell'artista. Levitan ha trasmesso la natura della zona della Russia centrale in modo così veritiero e vivido che ora spesso dicono, guardando una giovane foresta o un campo fiorito: "È proprio come nel dipinto di Levitan".
I.I. Levitan è un artista sottile e lirico per la natura del suo talento. Come molti maestri del movimento lirico, nel paesaggio Levitan preferisce non il mezzogiorno, ma il mattino e la sera, non l'estate e l'inverno, ma la primavera e l'autunno, cioè quei momenti più ricchi di cambiamenti e sfumature di stati d'animo, non querce, pini e abeti rossi, ma soprattutto betulle, pioppi tremuli e soprattutto le superfici d'acqua sono “reattive” ai cambiamenti naturali.
Le prime opere di I. I. Levitan sono come le prime timide melodie, che poi si fondono in complesse creazioni musicali.
Modesto paesaggio autunnale: un viale del parco che si estende in lontananza, su entrambi i lati alti vecchi pini e giovani aceri, che ricoprono il terreno di foglie autunnali.
Il vento spinge ciuffi di nuvole nel cielo autunnale, ondeggia le cime dei pini, spazza le foglie dagli aceri e avvolge la figura di una donna che cammina lungo il vicolo. L'immagine trasmette armonia e musicalità. Può essere catturato ritmo musicale, ricordava in qualche modo una canzone autunnale senza parole.
Sensazione creato da un dipinto, può essere definito in una parola: vacanza. Il lato positivo case, che riflette la luce del sole, pilastri arancioni del portico, ombre marrone scuro sulla porta, ombre blu sulla neve, riflessi viola chiaro sulle corone dei giovani alberi, profondità blu brillante del cielo: tale è il colore giubilante e pieno di vita dell'immagine.
C'è nell'autunno iniziale
Un periodo breve ma meraviglioso!
Tutta la foresta si erge come se fosse di cristallo,
E le sere sono radiose...
F.I.Tyutchev
CON 
Fin dall’inizio, il Volga divenne il motivo ricorrente dell’opera di Levitan. È infinito non solo in senso fisico, ma anche in senso figurato, come la Genesi. In Levitan, il Volga, come una volta la dea madre, esiste in diverse forme. È anche un simbolo di esuberante attività della vita e il miraggio dorato dei sogni di armonia esistenziale e del grembo della pace eterna che accoglie tutti.
I. Levitan raffigura il paesaggio del Volga con ampi spazi aperti sullo sfondo e una piccola città. La tavolozza chiara con una predominanza di toni grigio-argento ti fa sentire la ricchezza pittoresca e lirica del paesaggio.
Z 
gli alberi della vicina riva, la chiesa visibile, le case: questo è l'ambiente reale, quotidiano, dove trascorre la vita di una persona; qui i colori sono più freddi e le silhouette più nette. Sullo sfondo c'è una riva lontana avvolta nella foschia, un fiume dorato, come se un cielo dorato fosse stato gettato nell'acqua, come un sogno, come un mondo diverso, magico, favorevole al pensiero e ispiratore di speranza.
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Sentendo l'armonia dell'essere nella natura, la “grazia divina”, Levitan sembra essere triste per ciò di cui l'uomo è privato nella realtà. Nella foto è sera, la fine di una giornata già vissuta, e un peculiare squillo caratteristico del servizio serale. La fine di una giornata di vita e il tramonto non possono che evocare una certa tristezza.
Levitan ha elevato il genere del paesaggio a un profondo quadro simbolico-filosofico con riflessioni su vita umana, sull'eternità...
Questa è un'immagine dell'anima umana nelle immagini della natura
Lavoro pratico:
Oggi proverai a rappresentare il mondo naturale nella pittura.
Mostra la tua immaginazione e creatività. Rifletti i tuoi sentimenti e le immagini della tua natura nativa. Per lavoro avremo bisogno di: pennelli e tempera.
Riassumendo.
Insegnante - Oggi in classe hai imparato a conoscere il lavoro del grande artista I.I. Levitan, ha provato a lavorare nella pittura da solo.
Il lavoro degli studenti viene valutato ed esposto in una mostra a rotazione.
Riflessione. Compilando un syncwine sull'argomento “Creatività di I.I. Levitan."
Esempio di esecuzione:
Artista
Talento e commovente
Cercato, creato
Creato opere meravigliose
L'orgoglio della Russia.
Gli studenti leggono selettivamente i cinque versetti che ricevono.
Compiti a casa: scegli una delle opere paesaggistiche di artisti russi del XIX secolo e analizzala.
Letteratura:
Nemensky, B. M. Belle arti. Volgograd: insegnante, 2008.
Powell W. F. Lezioni di disegno e pittura. Diamo un'occhiata alla combinazione di colori. M. AST – Astrel, 2006.
Arte. 5-7 gradi. Imparare le nozioni di base belle arti: appunti delle lezioni/aut.-comp. O. V. Pavlova - Volgograd: Insegnante, 2009.-132 p.: ill.
Artisti del paesaggio. Enciclopedia della pittura per bambini. Città Bianca, Mosca, 2008
Capolavori della pittura russa. Enciclopedia dell'arte mondiale. Città Bianca, Mosca, 2006
Applicazione.
Sera. Zolotoy Plios
Dopo la pioggia. Plio
I primi paesaggi pittoreschi apparvero in Russia nella seconda metà del XVIII secolo - dopo che l'Accademia Imperiale delle Arti fu aperta a San Pietroburgo nel 1757, sul modello delle accademie europee, dove, tra le altre classi di genere, c'era una classe di pittura di paesaggio . C’è anche la richiesta di “prendere vedute” di luoghi memorabili e architettonicamente significativi. Il classicismo - e questo è il momento del suo dominio - sintonizza l'occhio per percepire solo ciò che evoca associazioni elevate: edifici maestosi, alberi possenti, panorami che ricordano antichi atti eroici. Sia la natura che i vedati urbani Il genere della veduta (dall'italiano veduta) era l'immagine di una città da un punto di vista particolarmente vantaggioso. devono essere presentati in una forma ideale, come dovrebbero essere.
Veduta del Palazzo Gatchina dall'isola di Dlinny. Dipinto di Semyon Shchedrin. 1796
Mulino e torre Pil a Pavlovsk. Dipinto di Semyon Shchedrin. 1792Museo d'arte regionale di Samara
Piazza Rossa a Mosca. Dipinto di Fëdor Alekseev. 1801Galleria statale Tretyakov
Veduta della Borsa e dell'Ammiragliato da Fortezza di Pietro e Paolo. Dipinto di Fëdor Alekseev. 1810Galleria statale Tretyakov
I paesaggi sono dipinti dal vero, ma sono certamente finalizzati in studio: lo spazio è diviso in tre piani distinti, la prospettiva è ravvivata da figure umane - le cosiddette staffage - e l'ordine compositivo è rafforzato dal colore convenzionale. Così, Semyon Shchedrin raffigura Gatchina e Pavlovsk, e Fyodor Alekseev raffigura le piazze di Mosca e gli argini di San Pietroburgo; Entrambi hanno completato la loro formazione artistica in Italia.
2. Perché gli artisti russi dipingono paesaggi italiani?
Ancora In misura maggiore La fase successiva nello sviluppo del paesaggio russo - romantica - sarà associata all'Italia. Andando lì come pensionati, cioè per uno stage dopo essersi diplomati con successo all'Accademia, gli artisti della prima metà del XIX secolo, di regola, non avevano fretta di tornare. Lo stesso clima meridionale sembra loro un segno di libertà assente nella loro terra d'origine, e l'attenzione al clima è anche il desiderio di rappresentarlo: la luce concreta e l'aria di una regione calda e libera, dove l'estate dura sempre. Ciò apre la possibilità di padroneggiare la pittura all'aria aperta: la capacità di costruire combinazione di colori a seconda dell'illuminazione e dell'atmosfera effettive. Il vecchio paesaggio classico richiedeva uno scenario eroico e si concentrava sul significativo, sull'eterno. Ora la natura diventa l'ambiente in cui vivono le persone. Naturalmente anche un paesaggio romantico (come qualsiasi altro) presuppone la selezione: entra nell'inquadratura solo ciò che sembra bello: solo che questa è un'altra cosa bella. Paesaggi che esistono indipendentemente dall'uomo, ma gli sono favorevoli: questa idea della natura “corretta” coincide con la realtà italiana.
Notte di luna a Napoli. Dipinto di Sylvester Shchedrin. 1828Galleria statale Tretyakov
Grotta Matromanio sull'isola di Capri. Dipinto di Sylvester Shchedrin. 1827Galleria statale Tretyakov
Cascate a Tivoli. Dipinto di Sylvester Shchedrin. Primi anni 1820Galleria statale Tretyakov
Veranda intrecciata con l'uva. Dipinto di Sylvester Shchedrin. 1828Galleria statale Tretyakov
Sylvester Shchedrin ha vissuto in Italia per 12 anni e durante questo periodo è riuscito a creare una sorta di dizionario tematico di motivi paesaggistici romantici: una notte di luna, il mare e una grotta da dove il mare si apre alla vista, cascate e terrazze. La sua natura unisce l'universale e l'intimo, lo spazio e la possibilità di nascondersi all'ombra di un pergolato d'uva. Questi pergolati o terrazze sono come recinti interni nell'infinito, dove i vagabondi Lazzaroni si abbandonano al beato ozio con vista sul Golfo di Napoli. Sembrano far parte del paesaggio stesso: figli liberi della natura selvaggia. Shchedrin, come previsto, ha finalizzato i suoi dipinti in studio, ma il suo stile pittorico dimostra emozione romantica: una pennellata aperta scolpisce le forme e le trame delle cose, come al ritmo della loro comprensione istantanea e risposta emotiva.
L'apparizione del Messia (L'apparizione di Cristo al popolo). Dipinto di Alexander Ivanov. 1837–1857Galleria statale Tretyakov
L'apparizione di Cristo al popolo. Schizzo iniziale. 1834
L'apparizione di Cristo al popolo. Schizzo scritto dopo un viaggio a Venezia. 1839Galleria statale Tretyakov
L'apparizione di Cristo al popolo. Schizzo "Stroganov". 1830Galleria statale Tretyakov
Ma Alexander Ivanov, il più giovane contemporaneo di Shchedrin, scopre una natura diversa, non correlata ai sentimenti umani. Per più di 20 anni lavorò al dipinto “L'apparizione del Messia” e i paesaggi, come tutto il resto, furono realizzati in connessione indiretta con esso: infatti, spesso venivano pensati dall'autore come schizzi, ma erano eseguito con cura artistica. Da un lato si tratta di panorami deserti delle pianure e delle paludi italiane (un mondo non ancora umanizzato dal cristianesimo), dall'altro - primi piani elementi della natura: un ramo, sassi in un ruscello e anche solo terra secca, data anche in maniera panoramica, un fregio orizzontale infinito Ad esempio, nel dipinto “Terreno vicino alle porte della Chiesa di San Paolo ad Albano”, dipinto negli anni Quaranta dell'Ottocento.. L'attenzione ai dettagli è carica di attenzione agli effetti plein air: al modo in cui il cielo si riflette nell'acqua, e il terreno grumoso cattura i riflessi del sole - ma tutta questa precisione si trasforma in qualcosa di fondamentale, un'immagine della natura eterna nei suoi fondamenti . Si presume che Ivanov abbia utilizzato una camera-lucida, un dispositivo che aiuta a frammentare il visibile. Probabilmente lo usò anche Shchedrin, ma con un risultato diverso.
3. Come è apparso il primo paesaggio russo
Per ora la natura è bella e quindi estranea: la sua bellezza è negata. Gli “italiani russi” non si ispirano alla fredda Russia: il suo clima è associato alla mancanza di libertà, al torpore della vita. Ma in altri ambienti tali associazioni non esistono. Nikifor Krylov, uno studente di Alexei Gavrilovich Venetsianov, che non aveva viaggiato fuori dal paese ed era lontano da una visione del mondo romantica, probabilmente non conosceva le parole di Karl Bryullov sull'impossibilità di scrivere neve e inverno ("il latte versato verrà fuori") . E nel 1827 creò il primo paesaggio nazionale, solo invernale.
Paesaggio invernale (inverno russo). Dipinto di Nikifor Krylov. 1827 Museo statale russo Alla scuola che ha aperto nel villaggio di Safonko-vo Adesso Venetsianovo., Venetsianov insegnò a “non rappresentare nulla di diverso da come appare in natura, e ad obbedirle solo” (all'Accademia, al contrario, insegnavano a concentrarsi sui modelli, sul testato e sull'ideale). Dall'alta sponda del Tosny la natura si apriva panoramicamente - in un'ampia prospettiva. Il panorama è ritmicamente vissuto e le figure delle persone non si perdono nello spazio, gli sono naturali. Molto più tardi, proprio questi tipi di “persone felici” - un uomo che conduce un cavallo, una contadina con un giogo - acquisiranno nella pittura un accento un po' souvenir, ma per ora questa è la loro prima apparizione e sono disegnati con la cura della visione da vicino. La luce uniforme della neve e del cielo, le ombre blu e gli alberi trasparenti presentano il mondo come un idillio, come un centro di pace e di giusto ordine. Questa percezione del mondo sarà incarnata ancora più acutamente nei paesaggi di un altro studente di Venetsianov, Grigory Soroka.
Servo artista (Venetsianov, amico del suo “proprietario”, non riuscì mai a ottenere la libertà per il suo amato allievo) Soroka è il rappresentante di maggior talento del cosiddetto Biedermeier russo (come è l'arte degli alunni della scuola di Venetsianov chiamato). Per tutta la vita dipinse gli interni e i dintorni della tenuta, e dopo la riforma del 1861 divenne un attivista contadino, per cui fu sottoposto a breve arresto e forse punizioni corporali, dopodiché si è impiccato. Altri dettagli della sua biografia sono sconosciuti; poche opere sono sopravvissute.
Pescatori. Vista a Spasskij. Dipinto di Gregory Soroka. Seconda metà degli anni Quaranta dell'Ottocento Museo statale russo I suoi “Pescatori” sembrano essere il dipinto più “tranquillo” dell’intero corpus della pittura russa. E il più “equilibrato”. Tutto si riflette in ogni cosa e fa rima con tutto: il lago, il cielo, gli edifici e gli alberi, le ombre e le luci, le persone in abiti bianchi tessuti in casa. Un remo calato in acqua non provoca schizzi e nemmeno un'increspatura sulla superficie dell'acqua. Le sfumature perlate nei bianchi tela e nei verdi scuri trasformano il colore in luce - forse prima serata, ma più trascendentale, paradisiaco: in uno splendore diffuso e calmo. Sembra che la pesca implichi azione, ma non ce n'è: le figure immobili non introducono nello spazio un elemento di genere. E queste stesse figure nei portage e nelle camicie contadine non sembrano contadini, ma personaggi racconto epico o canzoni. Si trasforma in un paesaggio specifico con un lago nel villaggio di Spasskoye immagine perfetta la natura, silenziosa e un po' onirica.
4. Come il paesaggio russo cattura la vita russa
Dipinti veneti in campo generale Arte russa occupava un posto modesto e non entrava nel mainstream. Fino all'inizio degli anni '70 dell'Ottocento il paesaggio si sviluppava lungo le linee tradizione romantica, aumentando effetti e splendore; era dominato da monumenti e rovine italiane, vedute del mare al tramonto e notti di luna(tali paesaggi possono essere trovati, ad esempio, in Aivazovsky e successivamente in Kuindzhi). E a cavallo tra il 1860 e il 1870 ci fu un brusco cambiamento. In primo luogo, è associato all'apparizione della natura russa sul palco e, in secondo luogo, al fatto che questa natura è dichiaratamente priva di ogni segno di bellezza romantica. Nel 1871 Fyodor Vasiliev scrisse “Il disgelo”, che Pavel Mikhailovich Tretyakov acquistò immediatamente per la collezione; nello stesso anno, Alexei Savrasov mostrò alla prima mostra itinerante i suoi successivamente famosi “Rooks” (a quel tempo il dipinto si chiamava “Here the Rooks Have Arrived”).
Scongelare. Dipinto di Fëdor Vasiliev. 1871 Galleria statale Tretyakov Sia in “The Thaw” che in “The Rooks” la stagione non è definita: non è più inverno, non ancora primavera. Il critico Stasov ammirava il modo in cui Savrasov “sentiva l'inverno”, mentre gli altri telespettatori “sentivano” la primavera. Lo stato di natura transitorio e fluttuante ha permesso di saturare la pittura con sottili riflessi atmosferici e renderla dinamica. Ma per il resto, questi paesaggi riguardano cose diverse.
I Rook sono arrivati. Dipinto di Alexey Savrasov. 1871 Galleria statale Tretyakov In Vasiliev, il disgelo è concettualizzato, proiettato nel moderno vita sociale: la stessa atemporalità, triste e senza speranza. Tutta la letteratura russa, dagli scritti democratico-rivoluzionari di Vasily Sleptsov ai romanzi antinachilisti di Nikolai Leskov (il titolo di uno di questi romanzi - “Nowhere” - potrebbe diventare il titolo di un dipinto), ha registrato l'impossibilità del cammino - l'impasse in cui un uomo e un ragazzo si ritrovano persi nel paesaggio. Ed è nel paesaggio? Lo spazio è privo di coordinate paesaggistiche, fatta eccezione per le miserabili capanne coperte di neve, i rifiuti legnosi bloccati nella fanghiglia e gli alberi sbilenchi all'orizzonte. È panoramico, ma schiacciato dal cielo grigio, non degno di luce e colore, uno spazio in cui non c'è ordine. Savrasov ha qualcos'altro. Sembra anche sottolineare la natura prosaica del motivo: la chiesa, che avrebbe potuto diventare oggetto di un “video dipinto”, ha lasciato il posto a betulle storte, neve fitta e pozzanghere di acqua disciolta. "Russo" significa "povero", sgradevole: "natura misera", come in Tyutchev. Ma lo stesso Tyutchev, glorificando "la terra natale del canto longanime", scrisse: "Non capirà e non noterà / Lo sguardo orgoglioso di uno straniero, / Che traspare e risplende segretamente / Nella tua umile nudità", - e in “Rooks” questa luce segreta è . Il cielo occupa metà della tela, e da qui un “raggio celeste” del tutto romantico arriva a terra, illuminando il muro del tempio, il recinto, l'acqua dello stagno - segna i primi passi della primavera e dona al paesaggio la sua colorazione emotiva e lirica. Tuttavia, il disgelo di Vasiliev promette anche la primavera, e questa sfumatura di significato può essere vista anche qui, se lo si desidera, o letta qui.
5. Come si è sviluppata la scuola russa del paesaggio
Strada di campagna. Dipinto di Alexey Savrasov. 1873Galleria statale Tretyakov
Sera. Migrazione degli uccelli. Dipinto di Alexey Savrasov. 1874Museo d'arte di Odessa
Savrasov è uno dei migliori coloristi russi e uno dei più “multilingue”: poteva ugualmente dipingere lo sterrato stradale (“Country Road”) con colori intensi e festosi o costruire la migliore armonia minimalista in un paesaggio costituito solo da terra e cielo ( “ Sera. Migrazione degli uccelli"). Insegnante alla Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca, ha influenzato molti; il suo stile pittorico virtuosistico e aperto continuerà con Polenov e Levitan, e i suoi motivi echeggeranno con Serov, Korovin e persino Shishkin (grandi querce). Ma è Shishkin che incarna una diversa ideologia del panorama russo. Questa è un'idea di eroismo (di tipo leggermente epico), di solenne grandezza, forza e gloria del "nazionale" e del "popolo". Una sorta di pathos patriottico: possenti pini, gli stessi in ogni periodo dell'anno (la variabilità dell'aria aperta era decisamente estranea a Shishkin, e preferiva dipingere alberi di conifere), si riuniscono in una foresta, ed erbe, dipinte con ogni cura, formano anche un insieme di erbe simili che non rappresentano la diversità botanica. È caratteristico che, ad esempio, nel dipinto “Rye”, gli alberi sullo sfondo, diminuendo di dimensioni secondo la prospettiva lineare, non perdano la nitidezza dei loro contorni, cosa che sarebbe inevitabile se si tenesse conto della prospettiva aerea, ma l'inviolabilità delle forme è importante per l'artista. Non sorprende che il suo primo tentativo di rappresentare un ambiente luminoso nel film “Morning in pineta"(scritto in collaborazione con Konstantin Savitsky - gli orsi del suo pennello) ha causato un epigramma di giornale: "Ivan Ivanovich, sei tu? Che nebbia hanno lasciato entrare, mia cara.
Segale. Dipinto di Ivan Shishkin. 1878Galleria statale Tretyakov
Mattina in una pineta. Dipinto di Ivan Shishkin e Konstantin Savitsky. 1889Galleria statale Tretyakov
Shishkin non aveva seguaci, e in generale i russi scuola di paesaggio sviluppato, relativamente parlando, lungo la linea Savrasov. Cioè, avere interesse per le dinamiche atmosferiche e coltivare una freschezza abbozzata e un modo di scrivere aperto. A ciò si sovrapponeva anche una passione per l'impressionismo, quasi universale negli anni Novanta dell'Ottocento, e in generale una sete di liberazione - almeno la liberazione del colore e della tecnica della pennellata. Ad esempio, in Polenov - e non solo in lui - non c'è quasi nessuna differenza tra uno schizzo e un dipinto. Gli studenti di Savrasov, e poi di Levitan, che sostituì Savrasov nella direzione della classe di paesaggio della Scuola di Mosca, reagirono in modo impressionistico agli stati momentanei della natura, alla luce casuale e a un improvviso cambiamento del tempo - e questa nitidezza e la velocità di reazione si esprimevano nella rivelazione delle tecniche, nel modo in cui attraverso il motivo e sopra il motivo diventava chiaro il processo stesso di creazione di un'immagine e la volontà dell'artista di scegliere determinati mezzi espressivi. Il paesaggio non è più completamente oggettivo, la personalità dell'autore rivendica la propria posizione indipendente, per ora in equilibrio con la specie data. Spettava a Levitan delineare compiutamente questa posizione.
6. Come si è concluso il secolo del paesaggio?
Isaac Levitan è considerato il creatore del “mood landscape”, cioè un artista che proietta in gran parte i propri sentimenti sulla natura. E in effetti, nelle opere di Levitan questo grado è elevato e la gamma delle emozioni è suonata su tutta la tastiera, dalla quieta tristezza alla gioia trionfante.
Chiudendo la storia del paesaggio russo del XIX secolo, Levitan sembra sintetizzare tutti i suoi movimenti, rivelandoli alla fine con tutta chiarezza. Nei suoi dipinti si possono trovare sia schizzi veloci scritti magistralmente che panorami epici. Era ugualmente abile sia nella tecnica impressionista di scolpire il volume con singoli tratti colorati (a volte superando la "norma" impressionista nel dettaglio delle trame) sia nel metodo post-impressionista dell'impasto di ampi strati di muratura colorata. Sapeva vedere angoli intimi, natura intima - ma scoprì anche l'amore per gli spazi aperti (forse così compensava il ricordo delle Zone di residenza - l'umiliante possibilità di essere sfrattato da Mosca come una spada di Damocle appesa sull’artista anche nel momento della fama, costringendolo per ben due volte ad una precipitosa fuga corporale dalla città).
Sulla pace eterna. Dipinto di Isaac Levitan. 1894Galleria statale TretyakovChiamata serale, campana serale. Dipinto di Isaac Levitan. 1892Galleria statale Tretyakov
Le “visioni lontane” potrebbero essere associate a un sentimento di libertà di colore patriottico (“ Brezza fresca. Volga"), e per esprimere una triste malinconia - come nel dipinto "Vladimirka", dove il drammatico ricordo del luogo (lungo questa strada dei detenuti i convogli venivano condotti in Siberia) viene letto senza ulteriori dintorni nell'immagine stessa della strada, sciolti dalle piogge o dalle processioni, sotto il cielo cupo. E, infine, una sorta di scoperta di Levitan - elegie paesaggistiche di natura filosofica, dove la natura diventa motivo per pensare al cerchio dell'esistenza e alla ricerca di un'armonia irraggiungibile: “ Dimora tranquilla", "Sopra la pace eterna", "Campane della sera".
Probabilmente il suo ultimo dipinto, “Lago. Rus'” potrebbe appartenere a questa serie. È stata concepita come un'immagine olistica Natura russa Levitan avrebbe voluto chiamarlo “Rus”, ma scelse un’opzione più neutrale; il doppio nome è rimasto più tardi., però, è rimasto incompiuto e forse anche per questo unisce posizioni contraddittorie: il paesaggio russo nella sua eterna esistenza e la tecnica impressionista, attenta alle “cose fugaci”.
Lago. Rus. Dipinto di Isaac Levitan. 1899-1900 Museo statale russo Non possiamo sapere se saremmo rimasti versione finale questa forza romantica del colore e della pennellata. Ma questo stato intermedio rivela una sintesi in un'unica immagine. Un panorama epico, una realtà naturale eterna e incrollabile, ma al suo interno tutto si muove: nuvole, vento, increspature, ombre e riflessi. I tratti ampi catturano ciò che non è diventato, ma ciò che sta diventando, cambiando, come se cercasse di tenere il passo. Da un lato la pienezza della fioritura estiva, la solenne tromba maggiore, dall'altro l'intensità della vita pronta al cambiamento. Estate 1900; arriva nuova era, in cui la pittura di paesaggio - e non solo la pittura di paesaggio - apparirà completamente diversa.
Fonti
- Bogemskaja K. Storia dei generi. Scenario.
- Fedorov-Davydov A. A. Paesaggio russo dal XVIII all'inizio del XX secolo.
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“Di', o natura russa,
Cosa ti rende così attraente?
E perché eccitano il cuore?
I tuoi prati, campi, fiori?
Modesto e davvero meraviglioso
Questa bellezza è viva.
Oh, mia Rus'! - Nella tua natura
La purezza è sempre preservata..."
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"Il sole splende generoso
Alla mia buona terra,
Anima mia... hai prurito -
Canto l'inno russo alla natura.
Colline, prati, boschi, pianure,
Laghi, fiumi, cielo
La gente ha composto poemi epici su di te,
Il tuo aspetto è stato preservato dal popolo”.
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“I boschetti russi hanno una giovane freschezza,
Più di una volta era come la casa di mio padre,
Qui ho imparato la mia amata tenerezza,
E l'ho conservato nel cuore.
Il ruscello della foresta chiama con frescura,
Chiama a nascondersi all'ombra delle betulle.
E il valzer dei fiori annebbia la mia vista,
È straordinario fino alle lacrime."
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“È inverno, autunno, brutto tempo,
Primavera o estate, anima russa,
Qualunque periodo dell'anno sta arrivando -
Sei bravo a modo tuo!..."
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“Sei bella, o natura russa!
Il tuo aspetto calmo e orgoglioso è bellissimo.
La tua lingua è meravigliosa: la lingua del popolo!
Tutti i pensieri riguardano te, il mio paese!”
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"Misteriosa anima russa...
Non c'è niente di più caro, di più caro al mondo,
Brilla come un faro nella nebbia.
Misteriosa anima russa!"
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Il paesaggio russo come genere si è formato in fine XVIII secolo. Ci sono voluti decenni e gli sforzi di molti maestri perché questo genere di pittura diventasse così significativo quadro storico o ritratto. I pionieri del genere paesaggistico erano artisti che hanno studiato in Europa: Semyon Shchedrin, Fyodor Matveev, Fyodor Alekseev.
Nell'arte romantica del primo tempo XIX secolo, il ruolo del paesaggio diventa più importante. I cosiddetti “italiani russi” sono pensionati Accademia Russa arti - Sylvester Shchedrin, Mikhail Lebedev, Alexander Ivanov hanno raccolto informazioni paneuropee principi artistici immagini della natura.
Nella seconda metà dell'Ottocento, nelle opere degli artisti itineranti, la rappresentazione della natura raggiunse la massima maestria. La pittura di paesaggio varia e ricca è diventata una riflessione amore profondo pittori nella loro terra natale. Allo stesso tempo, alcuni furono portati via motivi lirici, altri - epici, altri - la ricerca di un'immagine generalizzata, la vivacità e la decoratività del paesaggio. L'inverno nella pittura russa è così strettamente connesso con i “santi anni Sessanta” che gli anni '70 iniziati con “Rooks” di Savrasov sembrano una breve primavera, gli anni '80 impressionisti di Repin sembrano un'estate inaspettata e gli anni '90 d'addio, il simbolista Vrubel- La serie Levitan sembra un lungo paesaggio russo autunnale.
Negli anni '60 del diciannovesimo secolo iniziò in Russia il periodo di formazione della pittura di paesaggio realistica. La questione del contenuto dell'arte ha acquisito un ruolo dominante per gli artisti del paesaggio. Spinti da alti sentimenti patriottici, cercarono di mostrare la potente e fertile natura russa come fonte di possibile ricchezza e felicità. A quel tempo opere individuali i pittori di paesaggi potevano già tranquillamente stare in linea con i dipinti pittura di genere, che a quel tempo era l'arte più avanzata. Artisti famosi come Alexey Savrasov, Ivan Shishkin, Fyodor Vasiliev, Arkhip Kuindzhi, Vasily Polenov, Isaac Levitan hanno dato un serio contributo allo sviluppo del paesaggio russo.
Un passo importante nel panorama russo della seconda metà del XIX secolo fu la resurrezione degli ideali della pittura romantica nella corrente principale delle tendenze realistiche. Vasiliev e Kuindzhi, ciascuno a modo suo, si sono rivolti alla natura come ideale della pittura romantica, come un'opportunità per esprimere i propri sentimenti.
L'impressionismo ha svolto un ruolo importante nell'evoluzione del paesaggio russo, attraverso il quale sono passati quasi tutti i pittori seri degli ultimi anni Inizio XIX XX secoli.
IN vita artistica In Russia all'inizio del XX secolo, anche il gruppo artistico “Unione degli artisti russi” ha svolto un ruolo significativo. Comprendeva gli artisti Konstantin Korovin, Abram Arkhipov, Sergei Vinogradov, Konstantin Yuon e altri. Il genere principale nel lavoro di questi artisti era il paesaggio. Erano i successori della pittura di paesaggio della seconda metà del XIX secolo.
Nikolai Krymov e Viktor Borisov-Musatov hanno creato i loro paesaggi nello spirito dell'arte simbolista.
Negli anni '20 e '30 del XX secolo, le tendenze neo-accademiche iniziarono a svilupparsi nell'arte. Queste opinioni sono state condivise da Nikolai Dormidontov e Semyon Pavlov.
Alcuni artisti continuarono con insistenza a sviluppare le tradizioni stabilite nel XIX secolo. Tra questi ci sono Alexander Dreven, Morozov. Altri hanno offerto una nuova prospettiva patrimonio artistico l'ultimo secolo. Boris Kustodiev, sviluppato Kuzma Petrov-Vodkin propria visione natura nativa.
Il primo decennio del XX secolo trascorse all'insegna della più ardita ricerca di nuovi mezzi espressivi nella pittura. Kazimir Malevich e Natalya Goncharova hanno trovato nuove forme, nuovi colori, nuovi mezzi espressivi per trasmettere il paesaggio.
Il realismo sovietico ha continuato le tradizioni del paesaggio russo classico. Arkady Plastov, Vyacheslav Zagonek e i fratelli Tkachev guardavano con attenzione e ottimismo alla loro natura nativa.
Il paesaggio russo ha subito un'evoluzione nel corso della sua vita dal classicismo al simbolismo, compreso il paesaggio romantico ed espressivo. La mostra ha mostrato tutte le fasi principali dello sviluppo di questo genere.