All'inizio del XIX secolo, nell'era dell'Impero, la naturalezza e la semplicità erano di moda. Anche le signore cercavano di ottenere un effetto cosmetico in modo naturale: se era richiesto il pallore bevevano aceto, se arrossivano mangiavano fragole. Per un po' anche i gioielli passano di moda. Si ritiene che più bella è una donna, meno ha bisogno di gioielli ...

Il candore e la tenerezza delle mani durante l'Impero erano così apprezzati che di notte indossavano persino i guanti.

Negli abiti si nota l'imitazione di abiti antichi. Poiché questi abiti erano realizzati principalmente con una sottile mussola traslucida, le fashioniste rischiavano di prendere un raffreddore in giornate particolarmente fredde.

Madame Recamier - la famosa bellezza parigina, l'amante più famosa del salotto letterario della storia

"Ritratto di Madame Recamier" è un dipinto dell'artista francese Jacques Louis David, scritto nel 1800.

Per creare drappeggi spettacolari che raffigurano magnificamente dati naturali, le signore hanno utilizzato una semplice tecnica di antichi scultori: hanno inumidito i vestiti, non è un caso che il tasso di mortalità per polmonite fosse molto alto in quegli anni.

Il Journal de Maud francese nel 1802 consigliò persino ai suoi lettori di visitare il cimitero di Montmartre per vedere quante ragazze caddero vittime della moda del "nudo".

Teresa Cabarrus

I giornali parigini erano pieni di cronache di lutto: "Madame de Noel è morta dopo il ballo, a diciannove anni, Mademoiselle de Juigner - a diciotto, Mademoiselle Chaptal - a sedici!" Sono morte più donne in pochi anni di questa stravagante moda che nei precedenti 40 anni.

Teresa Tallien era considerata "più bella della Venere Capitolina" - aveva una figura così perfetta. Ha introdotto la moda "nuda". L'abito più leggero pesava 200 grammi!

Fu solo grazie alla campagna d'Egitto di Napoleone che entrarono di moda gli scialli di cashmere, ampiamente resi popolari dalla moglie dell'imperatore, Giuseppina.

Negli anni '20 dell'Ottocento la figura di una donna ricorda una clessidra: maniche arrotondate “gonfie”, vita di vespa, gonna ampia. Il corsetto è entrato di moda. La vita dovrebbe avere un volume innaturale - circa 55 cm.

Vladimir Ivanovic Gau. Ritratto di Natalia Nikolaevna Goncharova-Pushkina.

Il desiderio di una vita "ideale" ha spesso portato a tragiche conseguenze. Così, nel 1859, una fashionista di 23 anni morì dopo un ballo a causa del fatto che tre costole compresse da un corsetto le si conficcarono nel fegato.

W.Gau. Natalia Nikolaevna Goncharova. 1842-1843

Per amore della bellezza, le signore erano pronte a sopportare vari inconvenienti: l'ampia tesa dei cappelli da donna che pendevano sugli occhi, e dovevano muoversi quasi al tatto, orli lunghi e pesanti dei vestiti.

P. Delaroche. Ritratto della cantante Henriette Sontag, 1831.

Nell'autorevole rivista britannica The Lancet negli anni '20 dell'Ottocento si esprimeva l'opinione che le donne dovessero incolpare il peso dei loro vestiti, che era di circa 20 chilogrammi, per debolezza muscolare, malattie del sistema nervoso e altri disturbi. Spesso le donne erano confuse nelle loro stesse gonne. La regina Vittoria si è in qualche modo slogata la caviglia calpestandole l'orlo.

Nella seconda metà dell'Ottocento si ravviva il desiderio di artificialità. Un rossore e un'abbronzatura sani, un corpo forte e forte sono diventati segni di origine bassa. Vita di vespa, volti pallidi, delicatezza e raffinatezza erano considerati l'ideale della bellezza.

Le risate e le lacrime di una bellezza secolare dovrebbero essere belle e aggraziate. Le risate non dovrebbero essere rumorose, ma friabili. Quando piangi, non puoi far cadere più di tre o quattro lacrime e guardare per non rovinare la carnagione.

Camillo Claudel

La femminilità dolorosa è di moda. Stiamo parlando sia di malattie mentali, in cui lo squilibrio rasenta la follia, Camille Claudel, musa e allieva dello scultore Auguste Rodin, può fungere da simbolo di tale bellezza, sia di malattie del corpo, come Marguerite Gauthier, una cortigiana malato mortalmente di tubercolosi - l'eroina del romanzo "La signora delle camelie » Alexandre Dumas.

Per dare al viso un pallore opaco, le signore prendevano il gesso tritato tre volte al giorno (il gesso ben pulito si poteva ottenere nei negozi di farmacia; era impossibile usare i pastelli destinati ai giochi di carte) e bevevano aceto e succo di limone, e cerchi sotto gli occhi sono stati raggiunti a causa di una speciale mancanza di sonno.

Il ritratto è un genere eccezionale dell'arte russa. E, naturalmente, i ritratti femminili occupavano un posto molto significativo in questo genere di belle arti. I ritratti femminili di artisti russi del XVIII-XIX sono un vero inno alla bellezza, alla grazia, alla moralità del custode del focolare. L'intero aspetto di una donna parla della sua raffinatezza, sublimità, una donna è l'incarnazione stessa dell'amore e dell'armonia. Pertanto, l'esposizione di ritratti femminili, anche in riproduzione, ci consente di giudicare molti aspetti della vita dei nostri grandi antenati: si tratta della moda, dei criteri di bellezza, dell'aspetto e dell'umore, che riflettono i cambiamenti nelle relazioni sociali e il ruolo delle donne nella società .

D'altra parte, il periodo di tempo indicato è un'intera epoca della pittura russa, un fenomeno che occupa un posto importante nella storia dell'arte. Molti ritrattisti russi, a partire dal primo terzo del XVIII secolo, realizzarono ritratti di donne, considerati tra i capolavori della pittura russa. Questi includono, prima di tutto, ritrattisti di fama mondiale come Ivan Nikitich Nikitin (1680-dopo il 1742), Andrei Matveevich Matveev (tra il 1701 e il 1739), Ivan Yakovlevich Vishnyakov (1699-1761), Alexei Petrovich Antropov (1716-1795 ), Ivan Petrovich Argunov (1729-inizio 1802), Fedor Stepanovich Rokotov (1735-1808), Dmitry Grigorievich Levitsky (1735-1822), Vladimir Lukich Borovikovsky (1757-1825), Vasily Andreevich Tropinin (1776-1857), Orest Adamovich Kiprensky (1782-1836), Ivan Nikolaevich Kramskoy (1837-1887), Konstantin Yegorovich Makovsky (1839-1915), Valentin Alexandrovich Serov (1865-1911).

Le opere di questi artisti, le cui riproduzioni costituivano questa esposizione, sono nelle collezioni della Galleria Statale Tretyakov, del Museo Statale Russo, dell'Ermitage Statale e di altri famosi musei. Sono riprodotte in numerosi album d'arte pubblicati negli ultimi anni. Tuttavia, qui vengono presentate anche opere di artisti poco conosciuti, che hanno anche capolavori: ritratti femminili.

La storia della ritrattistica russa ha origine da fenomeni nelle arti visive come l'icona e la parsuna, i diretti predecessori della ritrattistica russa. Una nuova arte del ritratto apparve al tempo di Pietro il Grande. Pietro I invitava entrambi maestri stranieri e contribuiva alla formazione di quelli domestici. Inizia a prendere forma una scuola nazionale di pittura (Ivan Nikitin, Andrey Matveev, Ivan Vishnyakov, Alexei Antropov, Ivan Argunov). Le loro opere si distinguono per abilità e accuratezza nel trasferimento dell'aspetto, "somiglianza" con il modello, sebbene non abbiano ancora raggiunto la piena perfezione. Nei primi ritratti rimane una certa rigidità della posa, ei colori degli oggetti sono talvolta così saturi che si possono definire simbolici, tipici dell'arte arcaica del Medioevo. Sete, velluti, pizzi sembrano creare una cornice preziosa per i volti. Caratteristiche dei ritratti dell'epoca elisabettiana: un senso di festa, il trionfo della natura. Questo ideale si manifesta nella corpulenza arrotondata dei volti fortemente imbellettati.

Entro il 1750, nel ritratto russo, l'intimità nell'interpretazione dell'immagine era notevolmente migliorata. Nei ritratti, la decoratività diminuisce, aumenta il ruolo del gesto e nasce una trama.

Entro la fine del XVIII secolo, il ritratto russo, nel suo alto livello di qualità, raggiunse i modelli del mondo contemporaneo. I suoi rappresentanti sono Fedor Rokotov, Dmitry Levitsky, Vladimir Borovikovsky,

Levitsky e Rokotov si fanno strada dal ritratto frontale e semifrontale a quello da camera. Entro la fine del secolo, la scuola di ritratto russa era caratterizzata da delicatezza, premurosità enfatizzata, sobria attenzione, una certa integrità e buone maniere senza perdere l'eleganza.

L'inizio del XIX secolo fu segnato dall'avvento dell'era del romanticismo, che penetra anche nel ritratto russo. Il ritratto romantico russo ha ricevuto un'espressione vivida e completa nell'opera del miglior ritrattista del primo quarto del XIX secolo, Orest Kiprensky. Altri famosi maestri di questo periodo sono Tropinin, K. Bryullov, Alexander Varnek.

Esempi del genere del ritratto in linea con il realismo sono creati dagli Erranti della seconda metà del XIX secolo: Vasily Perov e Ivan Kramskoy, Nikolai Ge, Nikolai Yaroshenko e soprattutto Ilya Repin. Entro la fine del XIX secolo, uno dei migliori ritrattisti è Valentin Serov, i cui clienti sono sia rappresentanti degli strati avanzati che aristocratici. Ma questa è già una nuova era dell'arte russa.

La mostra mostra molto chiaramente lo sviluppo del ritratto dai primi passi in questo genere fino alle vette dell'arte realistica russa. Insieme alla crescita della maestria pittorica, gli artisti padroneggiano sempre più le tecniche del realismo e gradualmente iniziano a risolvere problemi artistici più profondi e complessi. C'è una complicazione di tipi di composizione, formato, ecc. Nel tentativo di creare un'immagine ritratto completa, gli artisti vanno gradualmente oltre alla ricerca di mezzi per trasmettere il suo contenuto psicologico interno. Il ritratto ufficiale cerimoniale è sostituito da immagini femminili più rilassate e vivaci. La galleria di immagini femminili è così ampia che tutti, speriamo, vi troveranno opere che attireranno la loro attenzione.

Dillo agli amici:

Nel dipartimento artistico c'è una mostra: "Come un angelo di bellezza, che appare dal cielo". Un ritratto di donne russe del XVIII secolo è un documento della vita umana".
Le donne del XVIII secolo erano chiamate fragili farfalle. liberato dalle torri per volere di Pietro il Grande, che sfonda energicamente la finestra sull'Europa. Se ha agito bene o male, i suoi discendenti discutono e discuteranno. Li trattiamo con te. Il Settecento "pazzamente e saggiamente" appare come una sorta di interno dorato, popolato da parrucche incipriate, immense crinoline, tacchi rossi e un soave minuetto. In una parola, è pieno di teatralità. Tuttavia, era proprio allora che si svolgeva un proprio lavoro spirituale, molto energico e vivace. Una bellezza dell'alta società: Venere e Minerva riunite insieme. Il XVIII secolo sembra muoversi a passi da gigante: dalle timide ninfe delle assemblee di Pietro alle donne "Smolyanka" molto indipendenti e coraggiose di una nuova razza creata da Caterina II.
Nei ritratti dell'amato Ivan Nikitin di Peter, Tsarevna Natalya Alekseevna, Tsarevna Praskovya Ivanovna, Tsesarevna Anna Petrovna, la sorella, la nipote e la figlia del convertitore - leggermente incatenata, intelligente, che assorbe le scienze straniere, scrive opere teatrali, entra nel palcoscenico dei propri palcoscenici , assetato del trono paterno. Si potrebbe scrivere un libro su ciascuno.
Dopo circa mezzo secolo, sono apparsi sul palco dei veri enciclopedisti. Smolyanki sulle tele di Dmitry Levitsky dimostra sfrenatamente i propri talenti. Katya Molchanova, allieva dell'Institute for Noble Maidens, è una vera immagine della sua età. Raddrizzandosi con orgoglio, si siede al tavolo con un magnifico abito di raso. Un viso con tempie nettamente disegnate: fiducioso e lo stesso sorriso. Piena emancipazione interna. Di fronte alla ragazza c'è un miracolo della scienza, una macchina elettrica, un libro in mano, impegnato con un dito. Un ardente interesse per le scienze, le arti, la lettura avidamente, le traduzioni dalle lingue straniere: tutto occupa la ragazza.
Ekaterina Orlova, la moglie dell'amatissima Ekaterina II. Ritratto di giovane dama di stato solennemente sfilata. Acconciatura molto montata. Fusciacca scarlatta ardente, che va sopra la sua spalla. C'è un sorriso trionfante sulle sue labbra, ma c'è qualcosa di condannato in esso. La moglie di Grigory Orlov è morta in gioventù per consumo.
Le imperatrici danno il tono generale per l'età brillante. Pesante, con cattivo gusto e cuore segreto Anna Ioannovna. Superficialmente allegra, spericolata, ma intelligente e che nasconde la sua mente pratica sotto una maschera furba, Elizaveta Petrovna. Non per niente nell'incisione di Evgraf Chemesov, il maestro delle caratteristiche mentali, nel suo viso piacevole c'è così poco della tradizionale allegria spensierata di una bellezza paffuta che danza eternamente. Qualcosa la turba, come se il sovrano non trovasse pace. Elisabetta cambiava continuamente palazzi e letti in essi, e anche in chiesa non riusciva a stare ferma a lungo. La figlia di Petrova era spiritualmente sola, sebbene si amasse disinteressatamente e fosse devotamente amata?
Caterina la Grande - legislatore nel ritratto di D. Levitsky. Fin dall'inizio del regno, le idee su di lei erano ambigue. Era idolatrata e odiata. Qual è il motivo? È nella famosa ipocrisia dell'imperatrice, nella capacità di affascinare e ingannare? Serve un tribunale imparziale. Soprattutto quest'anno è il 400° anniversario dei Romanov. Caterina "ha scritto l'ordine, ha bruciato le flotte", faceva nuove leggi ogni giorno. Nel 1768 decise di vaccinarsi contro il vaiolo. Per comprendere il significato di questo atto, bisogna sapere che tipo di malattia era, che ha falciato migliaia di persone e sfigurato i volti di coloro che hanno avuto la fortuna di sopravvivere. Il clero si ribellò alle vaccinazioni, e gli stessi medici, per non parlare della gente comune. Ma Catherine è entrata nella lotta contro la morte stessa, a cominciare da se stessa, suo figlio Pavel e l'amato Orlov, per introdurre la vaccinazione contro il vaiolo nel paese. La migliore idea di Caterina fu l'Hermitage, nato nel 1764 come collezione privata. Circondata da dipinti di Rembrandt, Rubens, Raffaello, statue antiche e cammei, la regina riunì una ristretta cerchia di amici.
Sbircia i volti, cerca di penetrare profondamente nel mondo spirituale delle donne del brillante XVIII secolo, quelle a cui artisti famosi hanno concesso il diritto a una vita alta e imperitura.

Nikitin I. Tsarevna Praskovya Ivanovna

Nikitin I. Tsesarevna Anna Petrovna

Luigi Caravacc. Imperatrice Anna Ioannovna

1.Cleopatra

Potresti pensare di non sapere nulla di lei. Bene, facciamo finta che tu sia caduto dalla luna e racconta. Visse nel I secolo a.C. e. Sovrano d'Egitto. Padrona di Cesare e Marco Antonio. Famosa per la sua bellezza, è un'amante dei bagni al latte e degli unguenti a base di perle sciolte. È morta a causa di problemi tecnici con il serpente. A proposito, le immagini sulle monete sono gli unici ritratti della regina provati al 100%. E sembrano tutti così.

2.Lina Cavalieri

Cantante di opera. Ha vissuto a cavallo tra il XIX e il XX secolo. Considerata una delle donne più belle dell'epoca. Le cartoline con le sue immagini venivano vendute a milioni e qualsiasi soap riteneva doveroso decorare le proprie pubblicità con la famosa figura a “clessidra” di una formosa cantante, famosa per la sua capacità di stringere il corsetto in modo che la sua vita non superasse 30 centimetri.

3.Frine

L'etera ateniese, vissuta nel IV secolo a.C., è un modello preferito di molti scultori e artisti, tra cui Prassitele. È diventata famosa per la sua bellezza e per i suoi enormi soldi: li ha richiesti a quei signori che non le piacevano.

4.Cleo de Merode

Una ballerina francese nata alla fine del XIX secolo che divenne una delle donne più famose al mondo per la sua bellezza. Ha ricevuto il titolo di "Regina della bellezza" dalla rivista francese "Illustration", che ha compilato la prima classifica mondiale delle bellezze mondiali nel 1896.

5.Ninon de Lanclos

Cortigiana e scrittrice francese del XVII secolo, una delle donne più libere della sua epoca. Abbiamo scritto - XVII secolo? È necessario aggiungere: solo il XVII secolo. Ed è riuscita anche a cogliere l'orlo del diciottesimo, diventando la campionessa assoluta tra i veterani del movimento cortigiano.

6.Praskovya Zhemchugova

In realtà, rare Cenerentole riescono a suonare i principi, ma c'è almeno un caso nella storia in cui un conte, milionario e il più illustre dei nobili del suo tempo, sposò il proprio schiavo. Alla fine del XVIII secolo, Parasha Zhemchugova, l'attrice serva del conte Sheremetev, divenne la moglie del suo padrone, scandalizzando la società russa.

7.Diana di Poitiers

Il favorito di Enrico II, vissuto nel XVI secolo, per amore del quale il re di fatto rovinò i suoi sudditi. Il re era molto più giovane della sua amata, si innamorò infatti di Diana durante l'infanzia e le rimase fedele per tutta la vita, se non fisicamente, almeno mentalmente. Come scrissero i contemporanei, "nonostante tutto l'odio del popolo per Diana, questo odio è ancora inferiore all'amore del re per lei".

8.Anna Bolein

Regina inglese a breve termine del XVI secolo, la seconda moglie di Enrico VIII, a causa della quale gli inglesi divennero protestanti. Madre Elisabetta la Grande era nota per la sua bellezza e frivolezza e finì la sua vita sul patibolo, accusata dal marito di numerosi tradimenti nei suoi confronti e in Inghilterra.

9.Messalina

Visse all'inizio del I secolo d.C. e, era la moglie dell'imperatore Claudio e godeva della reputazione di donna più lussuriosa di Roma, secondo la testimonianza di Tacito, Svetonio e Giovenale.

10.Imperatrice Teodora

Nel VI secolo d.C. e. Teodora divenne la moglie dell'erede al trono imperiale, e poi l'imperatore di Bisanzio, Giustiniano. Ma prima di diventare una pia e venerabile regina, Teodora ha praticato per molti anni la pantomima e le acrobazie nel circo, vendendosi allo stesso tempo un po 'a conoscitori particolarmente ammirati dell'arte circense.

11.Barbara Radziwill

Una giovane vedova lituana, che nel XVI secolo divenne la moglie segreta del futuro re di Lituania e Polonia, Sigismondo II Augusto. Era considerata la donna più bella del regno.

12.Simonetta Vespucci

Se hai visto il dipinto "La nascita di Venere" di Botticelli, allora conosci bene questo famoso modello fiorentino del XV secolo. È più facile elencare quale degli artisti di quell'epoca non dipinse Simonetta dai capelli rossi. E i duchi Medici (con alcuni di loro la modella aveva un rapporto di fiducia) erano ufficialmente obbligati ad indicarla nei documenti come “Incomparabile Simonetta Vespucci”.

13.Agnese Sorel

La mademoiselle francese del XV secolo, favorita a lungo termine di Carlo VII, che diede alla luce figlie al re, beneficamente, secondo i contemporanei, influenzò la sua politica, e nel tempo libero da questi studi pose per artisti - ad esempio , Fouquet, quando dipinse Madonne per chiese e clienti privati.

14.Nefertiti

La moglie principale del faraone Ekhanaten, che regnò in Egitto nel XIV secolo a.C. e. Sono stati conservati numerosi busti e statue della bellissima Nefertiti. Ma la mummia della regina non è stata ancora ritrovata, quindi non si sa quanto fosse simile ai suoi ritratti molto attraenti, che hanno letteralmente fatto impazzire molti poeti e scrittori dell'inizio del XX secolo che hanno visto queste opere nei musei europei.

15.Marchesa di Maintenon

La giovane vedova del poeta Scarron fu invitata alla corte di Luigi XIV dalla favorita del re, Madame de Montespan, affinché il povero Scarron fosse impegnato nell'educazione dei bastardi reali. Il re era così felice dei suoi metodi di insegnamento che desiderava sperimentarli di persona. Con grande indignazione dell'intera corte, non solo fece di una nuova amante la marchesa di Maintenon, ma poi la sposò anche segretamente.

16.marchesa di Montespan

L'amante di Luigi XIV, che visse nel XVII secolo, proveniva lei stessa da una nobile famiglia ducale, tanto che la corte francese tollerava volentieri un'amante di così alto rango vicino al re. Inoltre, la marchesa era carina (almeno per gli standard dell'epoca) e abbastanza intelligente da non lasciarsi coinvolgere troppo dagli affari pubblici.

17.Zinaida Yusupova

La donna più ricca e più bella dell'Impero russo del XIX secolo. Inoltre, essendo l'unica erede dell'intera famiglia dei principi Yusupov, per ordine speciale dello zar, oltre a una dote multimilionaria, portò a suo marito il titolo di principe Yusupov. Quanti fan pensi che avesse? Il vincitore di questa faticosa gara fu il conte Sumarokov-Elston, un generale, un uomo coraggioso e con grandi baffi.

18.Wallis Simpson

Ognuno di noi a volte si chiede quanto vale in questa vita. L'americana Wallis Simpson, due volte divorziata, aveva la risposta a questa domanda. Vale poco più dell'impero britannico. Almeno, questo fu deciso dal re d'Inghilterra, Edoardo VIII, che abdicò al trono nel 1936 per sposare Wallis: mentre occupava il trono, non aveva il diritto di sposare una donna divorziata.

19.Madame Récamier

Il banchiere cinquantenne Jean Recamier, che nel 1793 sposò la sedicenne Julie, sapeva il fatto suo. Non è andato alla sua bellezza con il sesso volgare, ma ha invitato a lei i migliori insegnanti che si potevano trovare solo nella Francia rivoluzionaria. Un paio d'anni dopo, finanziò generosamente la sua casa, i suoi abiti e la sua vita mondana, incoraggiando la giovane moglie ad attirare folle di amici e ammiratori dell'allora élite. Grazie al famoso salotto politico, letterario e scientifico di Madame Recamier, il banchiere divenne una delle persone più influenti d'Europa.

20.yang Guifei

La preziosa moglie dell'imperatore cinese Ming-huang, meglio conosciuto con il nome postumo Xuanzong (governato nell'VIII secolo). Una mendicante di una famiglia di contadini, Yang, fece impazzire così tanto l'imperatore che in realtà diede tutto il potere dello stato nelle mani dei suoi numerosi parenti, e lui stesso si divertì con Yang-guifei mangiando arance fuse e altra raffinatezza cinese . Il risultato logico fu un colpo di stato e la guerra civile.

21.Veronica Franco

C'erano molti turisti a Venezia nel XVI secolo. Non erano tanto i canali veneziani ad attrarre in questa città gentiluomini da terre lontane, quanto piuttosto “pie cortigiane” - questo era il nome ufficiale delle donne corrotte più chic della città, raffinate, colte, libere nella comunicazione e rovinarono i loro signori nel modo più nobile. Una delle pie cortigiane più famose era Veronica Franco.

22.aspasia

Etera ateniese, che divenne la moglie del sovrano di Atene, Pericle (V secolo a.C.). Hetera nelle mogli del sovrano era di per sé una curiosità, ma un'altra caratteristica di Aspasia era che numerosi autori non dicono una parola sul fatto che fosse bella o sexy. No, tutti lodano la sua mente eccezionale all'unisono. È noto, ad esempio, che lo stesso Socrate amava molto visitare Aspasia e ascoltare i suoi ragionamenti filosofici.

23.Isadora Duncan

Star dell'inizio del XX secolo, una ballerina americana che ha introdotto la tradizione della danza "naturale" nonostante i balletti ufficiali sulle punte e altri orrori classici. La naturalezza richiedeva anche un abbigliamento naturale, quindi Isadora di solito ballava a piedi nudi, avvolta con disinvoltura in una varietà di lenzuola svolazzanti che non impedivano al pubblico di seguire i movimenti del suo corpo. Era la moglie del poeta russo Sergei Yesenin.

24.Kitty Pescatore

La cortigiana più costosa della Gran Bretagna del XVIII secolo: una notte con lei costava almeno cento ghinee (per questa cifra si potevano comprare dieci cavalli purosangue). Allo stesso tempo, Kitty prendeva dieci volte tanto dagli uomini che non le piacevano. Il suo grande amore per il denaro è stato accompagnato da un terribile spreco. Il simbolo di Kitty era l'immagine di un gattino che catturava un pesce rosso da un acquario: il suo nome, cognome e personaggio venivano riprodotti contemporaneamente in esso.

25.Harriett Wilson

Nella prima metà del XIX secolo, la vita scandalosa di Londra esisteva principalmente grazie alle sei sorelle Wilson, impegnate nella prostituzione dell'alta società. Il maggior successo di loro fu Sophia, che riuscì a sposare Lord Berwick, e il più famoso fu Harriett. È difficile trovare un famoso politico di quell'epoca che sia riuscito a evitare di trovarsi nel letto di Harriett. Il futuro re Giorgio IV, il Lord Cancelliere, il Primo Ministro, il Duca di Wellington: avevano tutti uno stretto rapporto con Harriett. Ufficialmente era considerata una scrittrice: pubblicava a proprie spese romanzi gotici mostruosamente impopolari e noiosi.

26.Mata Hari

La giovane donna olandese Margarita Gertrud Zelle ha preso lo pseudonimo di Mata Hari dopo che lei, avendo vissuto un matrimonio fallito con il suo primo marito in Indonesia, è scappata dal marito e ha iniziato a fare uno spogliarello. Ufficialmente, lo spogliarello eseguito da Mata era definito "una mistica danza orientale gradita a Shiva". Durante la prima guerra mondiale era una spia, un doppio agente per Francia e Germania, dopodiché fu fucilata frettolosamente dai francesi nel 1917. Fino ad ora prevale la versione che in questo modo uno degli alti funzionari francesi abbia cercato di nascondere il suo legame con Mata e i suoi stessi crimini di guerra.

27.Tullia d'Aragona

Una cortigiana italiana del XVI secolo, che a sua volta scosse Roma, Firenze e Venezia. Oltre alle vittorie effettivamente sessuali sui talenti e le menti più eccezionali del Rinascimento italiano, Tullia era famosa come poetessa, scrittrice e filosofa. Ad esempio, i suoi "Dialoghi sull'infinito dell'amore" sono stati una delle opere più apprezzate del secolo.

28.Carolina Otero

Ballerina e cantante francese della fine del XIX secolo, che si atteggiava a zingara, sebbene in realtà fosse una spagnola di razza (ma allora non era di moda). Ha avuto un grande successo con le persone incoronate. Almeno sette re e imperatori erano i suoi amanti segreti. In particolare, è noto che l'imperatore russo Nicola II era estremamente parziale nei confronti della Carolina.

29.Liane de Pugy

Una ballerina e scrittrice francese a cavallo tra il XIX e il XX secolo, che barattava anche se stessa per un compenso estremamente elevato (a Liana stessa piacevano di più le ragazze, quindi aveva storie d'amore soprattutto con le sue bellissime colleghe). Marcel Proust ha cancellato una delle sue eroine, Odette de Crecy, da Liana. Mademoiselle de Pougy era amica di quasi tutti gli intellettuali della sua epoca. Dopo aver sposato un aristocratico rumeno, divenne una principessa e si ritirò.

30.Contessa di Castiglione

Nata nel 1837, l'italiana Virginia Oldoini è diventata la prima top fashion model al mondo. Sono sopravvissuti più di 400 dei suoi dagherrotipi. Essendo una nobildonna di antica famiglia, sposò il conte Castiglione all'età di 16 anni, ma alla tranquilla vita familiare preferì il destino di cortigiana e politica dell'alta società. Era l'amante di Napoleone III.

31.Ono no Komachi

Poetessa giapponese e dama di corte del IX secolo, inclusa nell'elenco dei "36 più grandi poeti del Giappone". I geroglifici che denotano il suo nome sono diventati sinonimo della frase "bella donna". Allo stesso tempo, Ono no Komachi era un simbolo di freddezza e durezza di cuore. È noto, ad esempio, che ha costretto la sua amata a stare davanti alla sua porta in inverno tutta la notte in abiti leggeri, dopodiché ha composto tristi poesie sulla loro morte prematura per il raffreddore.

32.Imperatrice Xi Shi

Nel VI secolo a.C. e. il sovrano del regno cinese Wu, Fuchai, ricevette un dono dai malvagi dei regni vicini: l'incredibile bellezza Xi Shi, accompagnata da un seguito di bellissime cameriere. Alla vista di Xi Shi, la mente di Fuchai andò oltre la ragione. Ordinò di creare un parco con un palazzo per lei e rimase in questo palazzo tutto il giorno. Certo, presto il suo regno fu conquistato da mascalzoni che escogitarono questo piano astuto. Ritratto di una donna alla fine del XIX secolo in Russia. - parte 1.

... Respirando spiriti e nebbie, si siede vicino alla finestra ...

Alexander Blok "Lo straniero" (1906)

Makarov Ivan Kuzmich, Ritratto di uno sconosciuto, 1885.

La storia della ritrattistica russa è un fenomeno unico nella storia della cultura mondiale nel suo insieme, perché affonda le sue radici nella pittura di icone ortodosse e si nutre del terreno fertile di una spiritualità profondamente religiosa. Se nell'Europa occidentale l'arte del ritratto risale agli antichi modelli greco-romani, cioè in epoca precristiana, allora in Russia furono i principi della pittura di icone che inizialmente servirono da modello per la creazione di ritratti.Qui si potrebbe, ovviamente, sostenere che i ritrattisti russi conoscevano bene la cultura antica, copiavano numerosi "oggetti d'antiquariato" - studiavano disegno, raffiguravano ritratti scultorei greci e romani e statue di antiche divinità. Ma, affinando la loro padronanza dei metodi tecnici della pittura secondo il modello occidentale, nel contenuto interno, gli artisti sono rimasti tutti i fili associati alla spiritualità ortodossa, e la corporeità delle immagini, così caratteristica dei capolavori della pittura europea, è svanita nel sfondo. I primi ritratti nella storia della pittura russa sono apparsi relativamente (in una prospettiva storica) di recente, nel XVII secolo. Hanno preso il nome - "parsuna" (vedi post successivo). Uno dei primi "parsuns" - "Ritratto dello zar Fyodor Ioannovich" dell'inizio del XVII secolo, dalla collezione del Museo storico statale di Mosca. Come puoi immaginare, il nome "parsuna" - dalla parola "persona". Quindi è stata un'innovazione senza precedenti: sono state raffigurate persone reali e non immagini e scene bibliche iconiche.

V.L.Borovikovsky.Ritratto di E.V.Rodzianko. 1821

In passato, ritrarre i contemporanei era considerato un egoismo inaccettabile. Tuttavia, non è un caso che tra gli artisti ci sia un'opinione secondo cui qualsiasi dipinto è un autoritratto. Per quanto l'artista voglia essere obiettivo, rinunciare al proprio "io" in nome della purezza delle immagini, tuttavia, in ogni opera si esprime, spiritualizza tutto con la propria energia spirituale. Nell'arte della ritrattistica russa, il principio dell'autore si intreccia con la penetrazione dell'artista nelle profondità del mondo interiore e con il desiderio di esprimere quella scintilla di Dio che è originariamente insita in ogni persona. Lo si nota già in quei “parsuns” simili alle icone tradizionali, i cui nomi degli autori, purtroppo, sono caduti nell'oblio. E nei secoli successivi, quando i principi accademici dell'Europa occidentale iniziarono a prevalere nell'arte russa, e poi le tendenze del romanticismo e del realismo, la ritrattistica russa non perse la sua base ortodossa nel profondo del contenuto interiore delle immagini. Ciò si è manifestato soprattutto nel desiderio di vedere la "luce di Dio" nell'oscurità dell'anima umana, in cui il terreno, il corpo e il mondano sono certamente illuminati dalla spiritualità vivente. Le idee di ricerca della "scintilla di Dio" nel mondo terreno sono sempre state vicine alla cultura ortodossa, ma hanno raggiunto il loro culmine nella seconda metà del XIX secolo, quando sono diventate un aspetto chiave nella ricerca dell'intellighenzia creativa - ricordiamo le opere eccezionali di F.M. Dostoevskij e L.N. Tolstoj.

Luminose, originali, a volte sorprendenti per la loro forza interiore, a volte toccanti per la loro vulnerabilità, a volte sorprendenti per la stravaganza, ci appaiono davanti le immagini di donne create da artisti della fine del XIX secolo. Forse, con tutta la varietà di caratteri, temperamenti, qualità esterne raffigurate nei ritratti di donne, la proprietà principale che le unisce può essere chiamata la parola "Mari", cioè in ogni donna l'artista (consapevolmente o meno) esprime qualcosa che la mette in relazione con la Maria biblica ... Ma con quale - la Vergine Maria o Maria Maddalena, il lettore attento chiederà e avrà assolutamente ragione. Ma non c'è una risposta univoca a questo - dopotutto, nella natura femminile, le essenze di entrambi sono intrecciate. Sì, e poiché l'arte della fine del XIX secolo gravita verso il realismo, allora la proprietà di "Maria" è un riflesso di entrambi i principi, sia misteriosa purezza, castità e peccaminosità, debolezza mondana, che viene riscattata dal potere del perdono divino e misericordia. Il dilemma tra le immagini della Vergine Maria e Maria Maddalena è latente anche nelle immagini femminili create dai maestri della parola, ad esempio il libro di testo Sonechka Marmeladova. Ricorda quanto peccato terreno c'è nella sua vita e quanto potere di sacrificio di sé! O Nastasya Filippovna - a volte una donna demoniaca, a volte l'incarnazione della compassione, della misericordia e della sensibilità. Nell'arte del ritratto, specialmente nelle immagini femminili create alla fine del XIX secolo, i principi realistici non si limitano a copiare la natura e mostrare qualità psicologiche, sono strettamente correlati alla complessità delle ricerche filosofiche, religiose e intellettuali che regnavano allora tra i creativi intellighenzia.

L'immagine di un misterioso sconosciuto, cantata da Alexander Blok nel 1906, sembrava anticipare con la sua foto IN. Kramsky nel suo dipinto del 1883. Non è lei - "lentamente, passando tra gli ubriachi, sempre senza compagni, sola, respirando spiriti e nebbie, si siede alla finestra". Come un deja vu, i versi della poesia di A. Blok vengono ricordati guardando il famoso dipinto di I.N. Kramsky.La donna del ritratto guarda lo spettatore con un po' di arroganza, dall'alto del suo portamento. Chi è lei e dove sta andando? Possiamo solo indovinare, costruire le nostre conclusioni e supposizioni. Forse è una signora del demi-monde, che si affretta al ballo, forse è la sposa o la moglie di qualche funzionario o commerciante. In un modo o nell'altro, la sua posizione sociale non dovrebbe, secondo l'artista, interessare lo spettatore. Se nel XVIII secolo l'esibizione dello status sociale in qualsiasi ritratto era considerata assolutamente necessaria, allora alla fine del XIX secolo la personalità era in primo piano, con tutta la complessità della vita spirituale interiore e con l'unicità dei tratti individuali di aspetto. E I.N. Kramskoy, all'inizio della sua carriera, ha cercato di trasmettere la posizione sociale, ma tuttavia, anche nei suoi primi ritratti femminili, ha prevalso la riflessione spirituale sull'individualità e l'unicità della bellezza femminile.Ogni volta il modello sembrava dettare un nuovo approccio all'artista, e il maestro doveva cercare un linguaggio artistico adatto per l'incarnazione veritiera dell'immagine del ritratto e raggiungere una profondità di penetrazione nel mondo spirituale del modello.

Quindi, nel ritratto di E.A. Vasilchikova (1867), l'artista trasmette il fascino della femminilità, la purezza della giovinezza, l'energia ispiratrice della bellezza e l'armonia spirituale interiore.

IN. Kramsky. Ritratto di E.A. Vasilchikova. 1867.

I toni tenui dello sfondo bordeaux e brunastro evocano le opere degli antichi maestri, ma la spontaneità e naturalezza della sua figura, la graziosa negligenza del suo gesto, l'intuizione espressiva del suo sguardo - tutto ciò parla delle tendenze realistiche dell'arte che erano nuovi per quel tempo.Nel ritratto di "The Stranger", i principi realistici sono in qualche modo dissolti e ispirati da echi di tendenze neoromantiche e mistero poetico. Impegno per I.N. La tendenza realistica di Kramskoy nella pittura (ed era un rappresentante di spicco della famosa Associazione delle mostre d'arte itineranti) si manifesta qui nell'assoluta accuratezza della composizione, in cui tutto è subordinato alla creazione di un'immagine sublimemente chiusa. La linea morbida della sagoma dello sconosciuto, l'ovale corretto del suo viso concentrano l'attenzione dello spettatore, e lo spazio chiaramente definito, chiuso dal retro della carrozza, è inseparabile dalla modellazione plastico-volumetrica.

Konstantin Makovsky Ritratto di una donna. 1890- e

Sebbene abbiamo davanti a noi un'immagine generalizzata di uno "sconosciuto", ma quanto sono sorprendentemente individuali i lineamenti del suo viso. Ai suoi occhi, o il disprezzo, o la compassione, o la tristezza, o la freddezza sono un mistero. La colorazione dell'immagine è abilmente risolta, aiutandoci - no, non a risolvere questo enigma, ma ad ammirare all'infinito l'impossibilità di risolverlo. Il velluto e la seta blu scuro dei suoi vestiti - come accenno al vicinato nella sua immagine di tenerezza vellutata e freddezza della seta - sottolineano il nobile pallore della pelle e la bellezza naturale del rossore. Il dorso dorato della carrozza scoperta aggiunge calore al colore del quadro, ma i bagliori e i riflessi sembrano attutire le tonalità calde, sottolineando sia la freddezza del tempo che la strana freddezza interiore della modella, causata dagli influssi superficiali di moda secolare o qualche tipo di esperienza profondamente personale. La figura di una donna si staglia sullo sfondo di una città innevata, e solo le piume bianche sul suo cappello la collegano visivamente con lo spazio circostante. Nella sua immagine traspare il desiderio di solitudine, lei è un ideale a cui il mondo mortale è estraneo e, allo stesso tempo, è solo un'immagine sbirciata del contemporaneo dell'artista con la coda dell'occhio. In questo lavoro, I. N. Kramskoy ci trasmette la sua tristezza, l'eterno desiderio dell'artista per l'ideale e la perfezione - come se ispirazione, perfezione, sottile, fugace. Un altro momento, e l'invisibile cocchiere guiderà i cavalli, e la carrozza che trasporta lo straniero nell'ignoto si scioglierà e scomparirà in un sudario di neve ... Sì, la bellezza scomparirà, ma il sogno rimarrà, catturato per secoli da il pennello sensibile del maestro.

Tuttavia, non si dovrebbe pensare che nella seconda metà dell'Ottocento gli artisti si ispirassero solo all'immagine degli estranei, al mistero dell'anima femminile e al mistero interiore. Anche la tendenza opposta si è manifestata molto attivamente durante questo periodo: l'immagine di donne socialmente attive, attive, forti, persino coraggiose e in qualche modo maleducate. Dopo l'abolizione della servitù e una serie di riforme, il ruolo delle donne nella vita pubblica iniziò a crescere rapidamente. E gli artisti di questo periodo ci trasmettono magistralmente le immagini delle donne, piene di un senso di dignità, significato, orgoglio, forza e indipendenza.

Quindi, nella foto di K.E. Makovsky nel 1879, vediamo il proprietario dell'antica tenuta di Kachanovka, situata al confine tra le province di Poltava e Chernihiv. Sofya Vasilievna Tarnovskaya è la moglie di un influente filantropo e collezionista ucraino Vasily Tarnovsky, appassionato amante dell'arte, appassionato di musica (possedeva persino la sua orchestra e il suo teatro) e letteratura e, naturalmente, pittura. Ha invitato l'artista a rimanere nella sua tenuta e allo stesso tempo a dipingere per lui una serie di dipinti, tra cui un ritratto della sua amata moglie, che ha sostenuto attivamente le attività del marito e ne ha condiviso gli interessi. L'artista rivela al pubblico i tratti caratteriali nascosti del modello.

K.E. Makovsky. Ritratto di S.V. Tarnovskaya. 1879 G.

Nel ritratto - una donna maestosa, non più giovane, ma volitiva. Nel suo sguardo, una certa arroganza si unisce alla morbidezza spirituale caratteristica delle donne di provincia, non indurite dal trambusto secolare evirato delle capitali. Il tessuto bordeaux scuro che funge da sfondo ricorda un backstage teatrale: è del tutto possibile che S.V. Tarnovskaya ha posato per l'artista nel teatro della tenuta. E l'artista, a sua volta, ricorda al pubblico quanto la nostra vita quotidiana sia simile a uno spettacolo teatrale. Il colore verde scuro del tessuto dell'abbigliamento in alcuni punti l'artista porta a un colore nero intenso, sottolineando così la nitidezza dell'ombra che cade e ravvivando la modellazione complessiva di luci e ombre delle soluzioni volumetriche. In questo approccio si può sentire l'ispirazione del maestro dai capolavori di Rembrandt. E nel suo sensibile psicologismo, K.E. Makovsky è vicino al famoso pittore olandese. Nella calma dei gesti e nella postura maestosa si sente la fiducia interiore e una speciale nobiltà d'animo naturale e non finta. Un naso leggermente all'insù indica una manifestazione di capricciosità, ma semplicità e tranquillità si leggono nella morbidezza generale dei tratti del viso.

Ilya Repin. Al pianoforte. Ritratto di S. V. Tarnovskaya. 1880.

Un vivido esempio di un ritratto femminile realistico del periodo in esame è il "Ritratto di Olga Sergeevna Alexandrova-Gaines", creato da I.E. Repino nel 1890. L'artista è chiaramente interessato all'immagine di questa donna, come se incarnasse le nuove realtà sociali di quel tempo: abbiamo davanti a noi una donna attiva, volitiva, forte, anche in una certa misura dura, consapevole della sua importanza e senza dubbio fiero di esso. CIOÈ. Repin, un rappresentante della progressiva Associazione delle mostre d'arte itineranti, gravitava verso il genere a partire dalle sue opere. Nei ritratti da lui creati, non c'è praticamente uno sfondo neutro: raffigura la modella in un ambiente tipico per lei, per rivelare più profondamente il suo mondo interiore, per mostrare allo spettatore l'atmosfera, l'ambiente con cui la modella è inestricabilmente collegato. Qui lo sfondo è stato disegnato da I.E. Repin nel modo più dettagliato possibile.

E .E. Repin. Ritratto di O.S. Alexandrova-Gaines. 1890 G.

La cornice dorata dell'immagine, tovaglie e tappeti ricamati con filo d'oro, rilegature di libri dorati sul tavolo: tutto ciò crea un'atmosfera di lusso, chic orientale, così vicina al gusto della figlia del mercante di Kazan S.E. Alexandrova. La bellezza della vita agiata del mercante è mostrata con grande attenzione dall'artista. Il suo sguardo curioso non perde di vista le cose portate da paesi lontani. La nostra attenzione è attratta, ad esempio, da una gigantesca conchiglia decorativa di madreperla sul muro, probabilmente proveniente dal sud-est asiatico, o da un bellissimo tappeto iraniano, che ricorda la raffinatezza del colore delle miniature persiane. Essendo sposato con un ingegnere militare, il governatore generale di Kazan A.K. Gaines, Olga Sergeevna è stata attivamente coinvolta in opere di beneficenza e nella raccolta di dipinti e incisioni di artisti russi e stranieri. Le opere di I.E. Repin si distingue, come si può facilmente vedere dall'esempio qui considerato, per la capacità di vedere una persona in tutta la complessità del suo mondo interiore e l'originalità del suo aspetto esteriore.

Nella soluzione coloristica di questo ritratto, siamo particolarmente colpiti dall'abbondanza di varie tonalità dorate, a volte "urlanti", come se lampeggiassero alla luce, a volte silenziosamente luccicanti, a volte ovattate e appena distinguibili, che si trasformano dolcemente in altri toni. Il velluto nero dell'abito non solo nasconde abilmente la pienezza della figura della donna, ma rende anche chiaramente leggibile la sua silhouette nel contesto dello spazio artistico intricato dello sfondo. La dinamica della calligrafia pittorica appare chiaramente nel trasferimento di ornamenti - I.E. Repin non li trasmette con precisione, non assomiglia agli autori delle antiche miniature persiane, ma delinea le curve delle linee ornamentali con tratti ampi, trasmettendo allo spettatore non la natura grafica della loro immagine, ma una speciale mobilità ed espressività, musicalità e poesia , che è simile al ritmo squisito della poesia orientale.Le linee ornate di ornamenti sulla tovaglia, sul tappeto, sulle rilegature dei libri creano un ritmo misurato in movimento, e la linea della silhouette sembra soggiogare questo ritmo, concentrando l'attenzione dello spettatore. Il costume dell'eroina sembra inappropriatamente severo su uno sfondo così luminoso e accuratamente progettato, affascinando i nostri occhi con una varietà di motivi e un lusso spettacolare. Tuttavia, la complessità dei motivi traforati del collo e delle maniche sembra riecheggiare le linee di ornamenti di cui è così ricco lo sfondo. Vale la pena prestare attenzione all'impostazione della figura. La posa esprime fermezza interiore di carattere, fiducia in se stessi, calma e compiacenza. Davanti a noi c'è una natura volitiva, indipendente, un po 'maleducata, ma creativa. Sembra che fosse mancina - dopotutto, tiene un ventaglio nella mano sinistra. E questo è anche un segno di originalità, indipendenza e creatività. Con la mano destra, Olga Sergeevna sostiene la testa, come se fosse gravata da molti pensieri, e la mano sinistra, la mano di una persona abituata a dare istruzioni, tiene abbassato un ventaglio piegato. Olga Sergeevna sembrò pensare per qualche minuto, si sedette per riposare, ma un altro momento - e agitava il ventaglio, ma non per girarsi intorno al viso con un gesto civettuolo con i modi di una signorina da salone, ma per dare ordini nei suoi possedimenti, usandolo come indicatore e sottolineando il significato e l'espressività emotiva delle loro parole.

I lineamenti del viso a prima vista possono sembrare maleducati. Tuttavia, a un esame più attento, noteremo non solo un forte intelletto, prudenza mercantile, forza di volontà, ma anche una leggera tristezza e stanchezza nei suoi occhi. L'orgoglio, l'arroganza e un po' di freddezza non oscurano la femminilità naturale, ma le danno un gusto speciale. Questa femminilità è nella pulizia dell'acconciatura, nello scintillio degli occhi, nelle curve leggermente sollevate delle sopracciglia, nel gonfiore delle labbra e nel sottile rossore delle guance. Dietro la fredda e prudente padrona I.E. Repin ha potuto vedere un'anima femminile sensibile, in fondo, ovviamente, morbida e vulnerabile, ma abilmente mascherata da severità, inflessibilità ed efficienza deliberata. Il ritratto di Olga Sergeevna, creato da un eccezionale pittore russo, si distingue per umanità, profondità espressiva poetica e allo stesso tempo realistica, abilità insuperabile e incredibile potere di talento.

Il mondo lirico e misterioso dei sentimenti e delle esperienze di una donna è mostrato nel suo lavoro da V.A. Serov, che ha aperto audacemente nuove possibilità di espressività pittorica dei colori, combinando in molte delle sue opere la freschezza impressionistica e la facilità dei tratti rapidi con un alto grado di generalizzazione realistica e chiarezza nel trasferimento della natura, con la veridicità della vita convincente di le immagini create L'ambiente di luce e aria nei suoi ritratti crea uno spazio emotivamente saturo, in armonia con il mondo interiore del modello. Nei ritratti che stiamo qui considerando, possiamo facilmente notare la luce penetrante, chiara e argentea, ammorbidendo la forma plastica e arricchendo la tavolozza con una varietà di sfumature. Come gli impressionisti francesi, V.A. Serov satura ogni tratto del suo pennello con un potere luminoso. Nel ritratto di Z.V. Moritz, scritto nel 1892, V.A. Serov sembra "scaldare" con la luce, in generale, un colore freddo. Il colore viola nella gamma è considerato il più freddo, al contrario del rosso, il colore "più caldo", persino "caldo". Ma il freddo sfondo viola è saturo di tanti riflessi, i cosiddetti "riflessi", che portano note maggiori al minore malinconico generale, intriso di sottile tristezza lirica, suono cromatico. I colori sono visti dall'artista nella loro variabilità, illusione impressionistica. La sensazione di inquietante mobilità è intensificata dalle piume dello scialle scritte impetuosamente, come se svolazzassero al vento freddo.

IN .UN. Serov. Ritratto di Z.V. Moritz. 1892.

Emotività nell'immagine di Z.V. Moritz offre sia una soluzione di luci e ombre, sia una messa in scena speciale della figura, un leggero giro della testa, un mento leggermente rialzato. Appoggiandosi allo schienale della sedia, affronta lo spettatore. Questo momento di comunicazione con lo spettatore in generale è una caratteristica di molti ritratti di V.A. Serov. Il ritratto colpisce per l'accuratezza dell'immagine, la nitidezza dell'occhio dell'artista, la leggerezza improvvisativa combinata con successo con l'elevata professionalità e la virtuosa premura del colore e delle soluzioni compositive. Il gioco di luci sulla collana mette in lieve risalto il candore aristocratico della pelle. I tratti del viso semplici e tipici vengono trasformati dall'artista: li spiritualizza con concentrazione interiore, poesia, in armonia con lo stato d'animo generale prevalente nell'immagine.

VA Serov, in ciascuna delle sue opere, utilizza i principi della pittura plein air, sottolineando così la naturalezza e la speciale leggerezza aggraziata delle immagini, nonché la stretta connessione del modello con lo spazio circostante. Con il suo lavoro, afferma la propria comprensione dell'immagine di una donna e dei mezzi della sua incarnazione pittorica. La ragazza, spontanea e che respira la bellezza della giovinezza, appare nel dipinto "La ragazza illuminata dal sole".

VA Serov. La ragazza illuminata dal sole. 1888 G.

La modella non sembra in posa, ma come se vivesse in questo spazio pittoresco. La colorazione dell'immagine è costruita su un'armoniosa giustapposizione di stretti toni verde-dorato, brunastri nella natura estiva, toni rosati sul viso e giallastro pallido, così come il blu nei vestiti. Il colore bianco della camicetta della ragazza viene trasformato dal gioco dei riflessi di luce, tutte le sfumature del bagliore del sole che irrompono attraverso il fogliame di un albero possente, come se vi si riversassero come un arcobaleno. Il ritratto è espressivo anche in silhouette. Il viso è delineato da una linea liscia plasticamente espressiva, fluida, che si trasforma nella linea generale della silhouette della figura. Qui troviamo il temperamento della lettera, la sonorità della gamma colorata, la sensualità poetica.

Il ritratto è stato dipinto dal maestro come d'un fiato, anche se l'artista ci ha lavorato per un'intera estate, costringendo il paziente cugino a posare quasi ogni giorno. La leggerezza e la naturalezza artistiche visibili sono state raggiunte dall'artista con sensibilità e abilità, osservazione e capacità di vedere, sentire e incarnare sia le impressioni visive del mondo circostante sia il mondo spirituale interiore del modello raffigurato.

Uno studio attento e una riflessione ponderata nell'opera di molti artisti e scrittori dell'epoca della vita delle persone, della vita e dei costumi, hanno proposto il genere sociale in uno dei primi posti nell'ambiente artistico di quel tempo. Una tendenza notevole nella pittura di un ritratto femminile del periodo in esame è stata l'interesse degli artisti per le immagini di donne del popolo, e non solo per le "socialites", clienti ricchi o bellissimi sconosciuti. In effetti, queste immagini possono anche essere definite una sorta di "estranei": gli artisti non hanno lasciato i loro nomi alla storia, hanno cercato di creare un'immagine generalizzata dei loro contemporanei, rappresentanti di vari strati sociali. Tali "ritratti" non sono solo "ritratti" in senso classico. Si tratta di “ritratti - dipinti”, vicini al genere quotidiano, che a quel tempo aveva raggiunto l'apice della sua popolarità. Creando tali opere, gli artisti sembrano bilanciarsi sulla linea sottile tra generi diversi: ritrattistica e vita quotidiana.

L'enfatizzata spontaneità e la grande energia vitale permeavano l'immagine di una commessa di fiori, catturata dal pennello di N.K. Pimonenko.

H .A. Pimonenko. Venditore di fiori. Fine del XIX secolo.

La combinazione di un tono blu brillante di vestiti con foglie verde smeraldo di gigli e i loro fiori bianchi come la neve, l'effetto anche della luce solare sono mezzi che aiutano a rivelare l'immagine umana. Lo sfondo qui è il trambusto della strada inondata di luce solare, lo spazio artistico si dispiega diagonalmente in profondità, sottolineato dalla linea del marciapiede e da una serie di case in fila, esaltando la sensazione di movimento di figure che si affrettano per i loro affari o passeggiatori oziosi . Il volto rubicondo e segnato dalle intemperie di una giovane ragazza attira l'attenzione dello spettatore con la sua apertura e semplicità, il sorriso scintillante e naturale e l'espressività del suo sguardo. Vende elegantemente gigli bianchi, come a simboleggiare in questo contesto la fioritura e la purezza della giovinezza. L'impressione di freschezza, l'immediatezza della nascita dell'immagine incanta i nostri occhi e rimane per sempre nella nostra memoria visiva e mentale.

In tali opere si manifestano ideali umanistici, il vivo interesse dell'intellighenzia creativa per il destino delle persone del loro paese natale. Vicina alla pittura di icone, e allo stesso tempo profondamente realistica e moderna, l'immagine femminile è incarnata da N.A. Yaroshenko nel ritratto di una sorella di misericordia. Una figura rigorosamente definita su uno sfondo scuro, tratti ascetici del viso della ragazza, una certa piattezza e isolamento interno dell'immagine: tutto ciò evoca immagini di icone ortodosse. I colori sono uniti in una calma armoniosa consonanza. Con una colorazione raffinata, una gamma quasi monocromatica di toni grigio-brunastri e dorati pallidi, l'artista sottolinea la "pittura di icone" dell'immagine creata.

SUL. Yaroshenko. Sorella della Misericordia. 1886

L'aspetto di una sorella di misericordia porta i tratti di un'immagine collettiva e tipica. Lo spazio buio è illuminato come da un improvviso raggio di luce. Qui la luce funge da metafora espressiva e di facile lettura: come la luce del sole, le azioni di questa giovane ragazza fragile illuminano la vita di molte persone che aiuta. Nella gamma squisitamente sbiadita del ritratto, il tono ovattato marrone e grigiastro degli abiti, la croce rossa brillante e il giallo dei riflessi di luce sono giustapposti pensosamente. Le mani dell'artista sono splendidamente dipinte: laboriose e fragili, sono l'incarnazione della femminilità, del calore, della cura, della tenerezza ... È come una santa su un'icona miracolosa - dopotutto, un miracolo, questo non è solo qualcosa di mistico , può essere fatto da qualsiasi persona dotata di gentilezza d'animo e desiderio di fare il bene. Ogni giorno della sua vita compie un miracolo: riscalda il mondo con il suo aiuto, la gentilezza della sua anima e il valore del suo lavoro.

Alla fine del XIX secolo, alla svolta allarmante dei secoli burrascosi e drammatici per la storia russa, nel 1900, le tendenze simboliche si intensificano nel ritratto femminile e il realismo passa in secondo piano, l'era cambia e nuove priorità compaiono in pittura, il desiderio di rivelare altre possibilità del linguaggio artistico. Questo è naturale: dopotutto, il percorso della ricerca creativa è inesauribile, mobile e infinito. Il desiderio di espressività decorativa e simbolica del colore, di abilità artistica, di giocare con l'immaginazione dello spettatore sta diventando sempre più intenso. L'espressività figurativa non mira a trasmettere sensazioni e osservazioni viventi, ma è focalizzata sul raggiungimento di un sottile piacere emotivo e intellettuale, poesia e allegoria, una certa convenzionalità e ritmo poetico, che rende la pittura legata alla musica e alle parole.

Un'immagine raffinata e misteriosa di una bella signora, romantica e piena di armonia poetica, è stata creata da K.A. Somov nella sua famosa opera "Lady in a Blue Dress". Questo non è più lo sconosciuto Kramskoy che ci è sembrato così naturale e vivo, come se apparisse davanti a noi per pochi istanti dall'ombra dei secoli. Straniero al K.A. Somova è piuttosto il ritratto di un'attrice che interpreta un ruolo, che indossa una maschera e riflette su una poesia letta di recente. In realtà, questo è un ritratto dell'artista E.M. Martynova.

A .UN. Somov. Signora in un vestito blu. 1897 - 1900

Il miglior gioco di mezzitoni crea uno stato d'animo lirico. La sottigliezza del gusto coloristico si manifesta nella trama pittoresca: un colore opaco e sbiadito, una pennellata fluida che riecheggia la linea di contorno liscia. L'accuratezza del disegno e la flessibilità del tratto conferiscono una certa aridità e decoratività, sottolineando l'abilità artistica della dama raffigurata. Come sfondo, viene abilmente riprodotto un paesaggio stilizzato condizionale, evocando ancora una volta associazioni non tanto con il paesaggio reale quanto con scene teatrali. Questo tipo di desiderio di ricreare un mondo immaginario - un allontanamento da una realtà spiritualmente impoverita e un'immersione completa nel mondo della creatività corrisponde pienamente alle nuove esigenze estetiche dell'epoca. Tale paradigma si manifesta in molte opere dei maestri dell'associazione creativa "World of Art", a cui K.A. Somov.

Forse il più incline alla teatralizzazione delle immagini, della fantasmagoria e del misticismo era M.A. Vrubel - la sua pittura sembra essere una misteriosa rivelazione esoterica nei colori. Ha cercato di incarnare la bellezza e vederne il segreto interiore, per sollevare il velo del mistero dell'essenza stessa della bellezza. L'idea di una tale ricerca è vicina alle nuove tendenze dell'epoca e riecheggia chiaramente ciò che possiamo osservare nella poesia di quel tempo, nella musica e nel teatro. Basti ricordare le righe di Ivan Bunin, scritte nel 1901:

Cerco combinazioni in questo mondo,

Bella e segreta, come un sogno...

MA Vrubel sceglie uno stile di scrittura molto originale e unico. Non scrive con forme, non con volumi, ma con piccoli piani che si frammentano, come un mosaico che luccica nell'oscurità...

Ha spesso creato ritratti di sua moglie N.I. Zabela-Vrubel, che recita in produzioni teatrali, nelle immagini di vari personaggi - appare nell'immagine di Gretel, poi nell'immagine della Principessa del cigno dall'opera di N.A. Rimsky-Korsakov basato sul racconto dello zar Saltan.

Il dipinto-ritratto della Principessa del cigno è stato realizzato proprio all'inizio del secolo, in quei tempi difficili che prefiguravano una serie di cambiamenti drammatici.

M .UN. Vrubel. La principessa del cigno. 1900.

La sensazione di movimento tremante è perfettamente espressa dalla combinazione di colori. I riflessi lilla e freddi blu scuro sembrano entrare in un drammatico confronto con grandi lampi rosati e giallastri di riflessi di luce, intensificando la profondità della dissonanza sonora, in colori che raccontano la contraddizione tra sogno e realtà, celeste e terreno, spirituale e mondano, sublime e mondano. La figura, emozionante per il suo mistero, è raffigurata in un movimento violento, come se stesse sbattendo con tutte le sue forze le sue ali candide, cercando con tutte le sue forze di spiccare il volo proprio davanti agli spettatori sorpresi. Grandi gocce di lacrime sembravano congelarsi in enormi occhi spalancati, brillando all'unisono con il bagliore delle fiamme del tramonto, unendo i colori dell'immagine in un'unità coloristica così complessa. Che cos'è: un simbolo irrisolto o un ruolo magistralmente interpretato, o forse un riflesso dei sottili movimenti interiori dell'anima dell'artista, pieni di esaltata poesia? Forse ogni spettatore dovrebbe trovare la risposta da solo, o meglio, semplicemente non pensarci, ma godersi la scintillante bellezza che tocca le corde nascoste dell'animo umano, risvegliando una fiaba nel profondo del cuore.

Gli artisti di tutti i tempi sono stati ispirati dalle immagini delle donne: forti e volitive o fragili e vulnerabili, semplici e modeste o stravaganti e audaci, mature e piene del peso delle preoccupazioni mondane o giovani e ingenue, naturali e terrene o sofisticate e educato ... In una serie di ritratti femminili creati dai più dotati maestri domestici alla fine del XIX secolo, rifletteva una nuova comprensione delle donne per quei tempi, più liberate, libere da pregiudizi secolari e, sembrerebbe , tradizioni a volte sfidanti, ma allo stesso tempo strettamente connesse con la spiritualità ortodossa e la ricerca intellettuale filosofica dell'intellighenzia creativa di quel tempo. Dopo aver considerato solo alcuni esempi in questo articolo, abbiamo potuto vedere quanto sono attenti i maestri del pennello alle caratteristiche individuali delle modelle, con quanta sensibilità comprendono la natura dell'anima femminile e con quanta sincerità ammirano la bellezza femminile!

L'arte ci aiuta sempre a capire noi stessi più a fondo, a dare uno sguardo nuovo alla nostra vita e al mondo che ci circonda. E forse, guardando le bellissime creazioni degli artisti, le donne moderne, immerse in una serie di storie quotidiane, ricorderanno che in esse vive un bellissimo misterioso sconosciuto...

Lukashevskaya Yana Naumovna, critico d'arte, critico d'arte indipendente, curatore di mostre, 2011, wm-painting.ru.