Emanuele Dascanio to jeden z najlepszych współczesnych artystów hiperrealistycznych na świecie, urodził się w małym miasteczku Garbanate Milanese we Włoszech w 1983 roku. Studiował najpierw w szkole artystycznej Lucio Fontana, następnie w Akademii Brera, a swoje umiejętności doskonalił w pracowni Gianluca Corona. Jego technika jest po prostu czymś niesamowitym, od pierwszego spojrzenia na jego prace widz rozumie, że ma niewątpliwy talent.
Czegokolwiek ten genialny artysta używa w swojej twórczości – ołówka, węgla czy farby olejnej – powstałe w ten sposób rysunki i obrazy trudno odróżnić od fotografii.
W swoich obrazach utrzymanych w stylu hiperrealistycznym artysta skupia się na szczegółach i przedmiotach mało znaczących w życiu codziennym. Jego obrazy nie są wierną kopią fotografii czy ilustracji przedstawiającej jakąś scenę czy postać. Artysta do każdego ze swoich obrazów dodaje odrobinę swojej wyobraźni, dodatkowo wykorzystuje subtelne elementy wizualne, tworząc coś, czego tak naprawdę nie ma, lub coś, czego nie widać gołym okiem – iluzję rzeczywistości.
Emanuel Dascanio wielokrotnie brał udział w różnorodnych konkursach i wystawach, zarówno w kraju, jak i za granicą, zdobywając nagrody i otrzymując wyróżnienia. Jak większość artystów, Emanuel Dascanio jest perfekcjonistą, który spędza dużo czasu na studiowaniu technik artystycznych i znalezieniu sposobów na ciągłe doskonalenie swoich umiejętności, zanim zdecyduje się na publiczną wystawę swoich prac.
Artyści ci zadziwiają talentem i sposobem tworzenia hiperrealistycznych obrazów. Trudno w to uwierzyć, ale to nie są zdjęcia, a prawdziwe obrazy narysowane ołówkiem, farbami, a nawet długopisami. Nie rozumiemy jak oni to robią?! Po prostu ciesz się ich kreatywnością.
Omara Oritza- artysta hiperrealistyczny z Meksyku, licencjat z projektowania graficznego. Głównym tematem jego obrazów są postacie ludzkie, głównie nagie kobiety. Na obrazie artysta akcentuje trzy elementy: postać ludzką, drapowane tkaniny i biel. Osobliwością twórczości Omara jest minimalistyczny styl, lakonizm w przekazywaniu subtelnych krzywizn i linii ciała oraz praca olejna.
Paula Caddena to światowej klasy współczesny artysta ze Szkocji. Do swoich prac Paul używa wyłącznie białej kredy i grafitu, za pomocą których jest w stanie odtworzyć niemal każdą fotografię, zwracając uwagę na niedostrzegalne drobne szczegóły. Jak sam artysta przyznaje, nie wymyśla nowych detali, a jedynie je podkreśla, tworząc w ten sposób iluzję nowej rzeczywistości, która często nie jest widoczna na oryginalnych fotografiach.
Kamalky Laureano- artysta urodzony na Dominikanie w 1983 roku, obecnie mieszka i pracuje w Mexico City. Kamalki jest absolwentką Szkoły Projektowania i Sztuki i specjalizuje się w tworzeniu hiperrealistycznych portretów. Tematy trudno odróżnić od prawdziwych fotografii, choć malowane są farbami akrylowymi na płótnie. Dla autora jego twórczość to nie tylko imitacja fotografii, ale całe życie ucieleśnione na płótnie.
Grzegorza Thielkera- Urodzony w New Jersey w 1979 roku, studiował historię sztuki i malarstwo na Uniwersytecie Waszyngtońskim. Przeprowadzka do Bostonu stała się punktem wyjścia dla jego pracy nad hiperrealistycznymi pejzażami miejskimi, dzięki którym stał się sławny na całym świecie. Obrazy Tilkera są jak podróż samochodem w zimny, deszczowy dzień. Inspirując się twórczością artystów lat 70., autor tworzy swoje realistyczne obrazy przy użyciu akwareli i farb olejnych.
Lee Cena to artystka z Nowego Jorku, absolwentka uniwersytetu z dyplomem z malarstwa, specjalizująca się w malarstwie figuratywnym. Głównym tematem prac Lee jest złożony związek kobiet z jedzeniem. To tak, jakby widz obserwował z zewnątrz kobiety, które w tajemnicy jedzą coś smacznego, ale szkodliwego. Sama artystka twierdzi, że w swoich pracach stara się ukazać fakt, że kobiety nadają jedzeniu cechy, które mu nie przypisane, a pocieszenia szukają w niewłaściwym źródle. Obrazy oddają absurdalność sytuacji, próbę ucieczki od rzeczywistości, złagodzenia nieprzyjemnych wrażeń.
Bena Weinera ur. 10 listopada 1980 w Burlington w stanie Vermont, absolwentka Uniwersytetu Artystycznego, maluje olejami na płótnie. Osobliwością twórczości artysty jest niezwykła fabuła. Ben maluje! Najpierw artysta nakłada farby na powierzchnię roboczą, fotografuje je, a następnie z gotowego zdjęcia maluje na płótnie obraz.
Urodzony w 1950 roku w Północnej Kalifornii, znany jest z realistycznych obrazów akrylowych na płótnie. Jako dziecko autor łączył swoją miłość do rysowania z sukcesami sportowymi, jednak kontuzja pleców zdeterminowała główne zajęcie Raya. Jak przyznał artysta, rysowanie odrywało go od ciągłych bólów pleców. Już w młodości mistrz zyskał szerokie uznanie i wiele nagród na konkursach plastycznych.
Alyssa Monks mieszka i tworzy swoje obrazy na Brooklynie, stała się powszechnie znana dzięki realistycznym „mokrym” obrazom. Do tworzenia abstrakcyjnych projektów artysta wykorzystuje filtry takie jak woda, szkło czy para. W swojej pracy Alyssa często wykorzystuje zdjęcia z osobistych archiwów rodziny i przyjaciół. Twarze i postacie kobiet na obrazach są do siebie podobne – artystka często maluje autoportrety, twierdząc, że „łatwiej” jej jest stworzyć niezbędną fabułę.
Pedro Camposa- hiperrealista z Madrytu, malarstwo olejne zaczął dopiero w wieku 30 lat. Artysta tworzy realistyczne martwe natury przy użyciu farby olejnej. Campos pracował jako projektant wnętrz, ilustrator i konserwator dzieł sztuki mebli, rzeźb i obrazów. Artysta uważa, że to właśnie praca konserwatora pozwoliła mu doskonalić swoje umiejętności.
Dirka Dzimirskiego- artystka z Niemiec, urodzona w 1969 roku, posiada wykształcenie plastyczne, pracuje w technice ołówka. Artystka czerpie obrazy ze zdjęć, nie wdając się w najmniejsze szczegóły, dużo improwizuje. Dirk mówi, że pracując nad obrazem, wyobraża sobie żywą modelkę, dlatego wykorzystuje zdjęcia jedynie po to, aby dokładnie oddać określone z góry proporcje. Autor za swoje główne zadanie uważa wywołanie wrażenia obecności podmiotu na obrazie.
Tomasz Arvid to amerykański artysta hiperrealistyczny z Nowego Orleanu, urodzony i wychowany w Detroit, nie posiadający formalnego wykształcenia, będący mistrzem tzw. „oversized” martwej natury. Jego cykl realistycznych obrazów „Piwnica na wino” to korki, butelki, kieliszki z napojami musującymi lub głęboko czerwonymi. Renomowani krytycy i publikacje odnotowały ponad 70 dzieł artysty. Obrazy mistrza zdobią nie tylko ściany winiarni i prestiżowych salonów winiarskich, ale także prywatne kolekcje i galerie.
Robina Eleya urodził się w Wielkiej Brytanii, wychował i nadal mieszka i pracuje w Australii, posiada tytuł licencjata sztuk pięknych i został uhonorowany nagrodą Doug Moran National Portrait Award. Swoje hiperrealistyczne obrazy tworzy w technice olejnej, a za swojego głównego „konia” uważa temat „ludzie i celofan”. Mistrz pracuje nad jednym obrazem około 5 tygodni, 90 godzin tygodniowo, prawie każdy obraz przedstawia ludzi owiniętych w celofan.
Samuela Silvy to portugalska artystka-amatorka bez specjalnego wykształcenia, która własnym przykładem udowadnia, że ze wszystkiego można stworzyć arcydzieło. Artystka tworząc obrazy wykorzystuje paletę ośmiu kolorów długopisów firmy Bic. Silva z zawodu jest prawnikiem, a swoją pasję do rysowania traktuje jedynie jako hobby. Dziś światowej sławy artysta samouk opanowuje nowe techniki malarskie przy użyciu farb, kredy, kredek, pasteli itp.
Gottfrieda Helnweina- austriacki artysta, autor hiperrealistycznych obrazów o tematyce społecznej, politycznej i historycznej, „mistrz nieoczekiwanego uznania”, jak nazwał go pisarz W. Burroughs. Autorka ukończyła wiedeńską Akademię Sztuk Pięknych i jest artystą na wysokim poziomie zawodowym. Jego sławę w pewnym stopniu przyniosły kontrowersyjne tematy i surrealistyczne kompozycje. Mistrz często przedstawiał na swoich obrazach postacie z komiksów i przyznaje, że „od Kaczora Donalda nauczył się więcej niż we wszystkich szkołach, do których uczęszczał”.
Franco Cluna to włoski artysta samouk, który od wszystkich innych technik artystycznych woli rysunek grafitowy. Jego czarno-białe realistyczne obrazy są efektem niezależnych studiów Franco nad różną literaturą dotyczącą technik malarskich.
Kelvina Okafora- artysta hiperrealistyczny, urodzony w 1985 roku, mieszka i pracuje w Londynie. Kelvin uzyskał dyplom ze sztuk pięknych na Uniwersytecie Middlesex. Autor tworzy swoje obrazy za pomocą prostego ołówka, motywem przewodnim jego twórczości są portrety gwiazd.
Amy Robins to brytyjska artystka, która w swoich hiperrealistycznych pracach wykorzystuje kolorowe kredki i papier konstrukcyjny. Artystka ma wykształcenie artystyczne i projektowe oraz tytuł licencjata ze sztuk pięknych. Mieszka i pracuje w Bristolu. O młodej autorce niewiele wiadomo, ale jej prace zyskały już sławę na całym świecie, zachwycając realizmem i techniką wykonania.
Roberta Longo- amerykański artysta i rzeźbiarz, urodzony na Brooklynie w 1953 roku, uhonorowany legendarną nagrodą Goslar Kaiser Ring. Artysta swoje trójwymiarowe obrazy eksplozji nuklearnych, tornad, huraganów i rekinów rysuje węglem drzewnym na papierze. Longo nazywany jest często „malarzem śmierci”. Słynny obraz Bez tytułu (Wyspa Czaszek) przedstawiający falę został sprzedany na aukcji Christie’s w Londynie za 392 tys. dolarów.
Diego Fazio- artysta samouk, urodzony w 1989 roku we Włoszech, nie ma żadnego wykształcenia artystycznego, zaczynał od opracowywania szkiców do tatuaży, by z czasem wypracować własną technikę rysunkową. Młody artysta brał udział w wielu międzynarodowych konkursach, gdzie zdobywał nagrody i był reprezentowany na wystawach na całym świecie. Artysta działa pod pseudonimem DiegoKoi.
Bryana Drury’ego urodzony w 1980 roku w Salt Lake City, posiada dyplom New York Academy of Arts, tworzy obrazy z gatunku realizmu. Artysta maluje swoje obrazy farbami olejnymi. Jak przyznaje autor, w swoich pracach stara się skupić na organicznych walorach skóry i jej wadach.
Steve'a Millsa to amerykański artysta, który sprzedał swój pierwszy obraz w wieku 11 lat. Artysta tworzy swoje obrazy farbami olejnymi, skupiając się na najdrobniejszych szczegółach życia codziennego, których często w wiecznym pośpiechu nie dostrzegamy. Artysta zauważa, że przedstawia przedmioty takimi, jakie są w rzeczywistości, nie zmieniając i nie wyolbrzymiając ich pierwotnej formy.
Paweł Lung urodzony w Hongkongu, rysuje ołówkiem automatycznym na kartkach formatu A2. Osobliwością techniki tworzenia obrazów jest zasadnicza odmowa użycia gumki, wszystkie prace są rysowane w całości. Głównymi „muzami” artysty są koty, chociaż maluje także ludzi i inne zwierzęta. Każda praca zajmuje autorowi co najmniej 40 godzin.
Roberta Bernardiego urodzony we Włoszech, hiperrealizmem zainteresował się w wieku 19 lat, pracował jako konserwator w kościele San Francesco. Do tworzenia obrazów wykorzystuje farby olejne. Seria prac przedstawiających przedmioty charakterystyczne dla społeczeństwa konsumpcyjnego przyniosła artyście światową sławę. Obrazy ze słodyczami, automaty, półki z lodówek to wizytówka artysty, chociaż w jego arsenale znajdują się pejzaże, martwe natury i wiele innych.
Juana Francisco Casasa to hiszpański artysta tworzący swoje obrazy za pomocą zwykłego długopisu Bic. Casas był artystą tradycyjnym, który postanowił udowodnić innym, że w pracy nie liczy się materiał, ale sposób i technika malowania. Pierwsza wystawa twórczego Hiszpana przyniosła mu światową sławę. Większość obrazów Casasa przedstawia jego przyjaciół.
Teresę Elliott to amerykańska artystka, która przed stworzeniem realistycznych obrazów olejnych przez 26 lat z sukcesem pracowała jako ilustratorka. Teresa posiada tytuł licencjata sztuk pięknych, wróciła do sztuki klasycznej i zasłynęła na całym świecie dzięki swoim portretom wiernym w najdrobniejszym szczególe.
Z pewnością każdy choć raz widział w swoim aktualnościach zdjęcia bardzo podobne do fotografii. Na pierwszy rzut oka dość trudno zrozumieć, czy taka praca została wykonana przy użyciu nowoczesnej technologii cyfrowej, czy też została stworzona pędzlem i farbami. Z reguły są to rysunki artystów, którzy wybrali styl hiperrealizmu. Obrazy bardzo przypominają fotografie, ale jednocześnie często przekazują coś więcej.
Co to jest hiperrealizm
Styl ten pojawił się stosunkowo niedawno, a już zdobył wielu fanów i spotkał się z nienawiścią tych, którzy nie rozumieją sensu kopiowania rzeczywistości. Niewiele stylów artystycznych w malarstwie jest tak kontrowersyjnych jak hiperrealizm.
Pierwsze tego typu dzieła świat ujrzał już w latach 70. XX wieku. Niesamowicie dokładne kopiowanie rzeczywistości zadziwiło umysły na tyle, że styl ten szybko stał się bardzo popularny. Obecnie niekończące się spory między fanami i przeciwnikami jeszcze bardziej przyciągają na niego uwagę.
Przedmiotem zderzenia opinii z reguły staje się jedno pytanie: po co rysować coś, co można sfotografować. Istotą hiperrealizmu jest to, że zwraca uwagę widza na rzeczy najzwyklejsze. Dzieje się tak dzięki wielokrotnemu zwiększaniu skali, rezygnacji ze skomplikowanych teł i niesamowitej przejrzystości obrazu. Artysta, który wybrał styl hiperrealizmu, nie narzuca widzowi swojego zdania – wszystkie jego prace są proste i zaskakująco realistyczne.
Co malują hiperrealiści?
Przedmiotem twórczości artysty tworzącego w stylu hiperrealizmu może być niemal każdy przedmiot, który wpadnie mu w oko. Owoce, plastikowe torby, szkło, metal, woda - wszystko może zostać ucieleśnione na następnym zdjęciu. Z reguły hiperrealiści pokazują widzowi wybrany obiekt jak pod mikroskopem, kilkakrotnie zwiększając jego rozmiar i pozwalając widzowi zanurzyć się w zupełnie inny świat.
Często artysta stara się zwrócić uwagę widza na jakiś szczegół, dodając mu kontrastu i płynnie roztapiając wszystko inne. Na pierwszy rzut oka możesz nawet nie zrozumieć, że uwaga skupiona jest właśnie na tej części obrazu tylko dlatego, że tak chciał artysta. To subtelna psychologia hiperrealistów, która pozwala im manipulować emocjami. Jednak nie wszyscy artyści stosują tę technikę – niektórzy wolą tworzyć dzieła całkowicie kopiujące rzeczywistość.
Hiperrealistyczne portrety
Ale wśród wielu dzieł miłośnicy stylu zwracają szczególną uwagę na portrety. Narysowanie cytryny wpadającej do szklanki z wodą jest trudne, ale oddanie emocji, nastroju i charakteru danej osoby jest jeszcze trudniejsze. Wielu współczesnych artystów komplikuje swoją pracę, polewając model farbą, wodą lub olejem, aby uczynić obraz bardziej oryginalnym.
Ale ogólnie rzecz biorąc, hiperrealiści nie ograniczają się w wyborze tematu malarstwa. Podobnie jak wiele innych stylów artystycznych w malarstwie, ten rodzaj sztuki może przedstawić widzowi niemal wszystko.
Czym rysują?
Materiały, z którymi pracują hiperrealiści, mogą być zupełnie inne. Dużą popularnością cieszą się prace wykonane w oleju lub akrylu. Bogactwo kolorów pozwala artyście tworzyć kontrastowe, jasne i naprawdę atrakcyjne obrazy.
Ale są też inne materiały, z których korzystają prawdziwe talenty, tworząc dzieła w stylu hiperrealizmu. Na przykład portrety są najczęściej używane ołówkiem. Pozwala wyraźnie narysować zmarszczki na twarzy, najmniejsze elementy włosów i tak dalej. Artyści hiperrealistyczni tworzą niezwykle słoneczne i jasne portrety.
Akwarela bardziej nadaje się do malowania pejzaży w stylu hiperrealizmu. Obrazy okazują się lekkie i przewiewne - półprzezroczysta farba pozwala lepiej przekazać przestrzeń. Pomimo tego, że artyści często malują lasy, jeziora i dzikie rzeki, rzadko wychodzą z domu, aby tworzyć. Prawie wszystkie obrazy są kopiowane przez hiperrealistów z fotografii, które często sami wykonują.
Znany artysta
Wielu widziało obrazy artystów malujących w tym stylu, ale niewielu słyszało ich nazwiska. Jednym z najbardziej znanych hiperrealistów jest Will Cotton. Jego „słodkie” obrazy nie mogą nie przykuwać uwagi. Z reguły przedstawiają dziewczyny na chmurkach przypominających różne desery - ciasta, ciasteczka itp.
Nie sposób nie zwrócić uwagi na pejzaże Rafaelli Spence, wykonane w stylu hiperrealizmu. Obrazy tego artysty zadziwiają żywotnością, przez co są niemal nie do odróżnienia od fotografii.
Stworzył wiele dzieł w stylu sztuki abstrakcyjnej i jest jednym z najsłynniejszych hiperrealistów. Ludzie i przedmioty na jego obrazach wydają się nieco rozmyte, jakby światło przechodziło bezpośrednio przez nie. Dzięki temu niezwykłemu efektowi obrazy Richtera można łatwo rozpoznać wśród wielu innych.
Warto oddać hołd artystom malującym w stylu hiperrealizmu. Obrazy, które stworzyli, są przykładem najwyższego kunsztu.
) w swoich wyrazistych, rozległych pracach potrafiła zachować przezroczystość mgły, lekkość żagla i płynne kołysanie statku na falach.
Jej obrazy zadziwiają głębią, objętością, bogactwem, a fakturą jest taka, że nie sposób oderwać od nich wzroku.
Ciepła prostota Walentina Gubariewa
Artysta prymitywista z Mińska Walentin Gubariew nie goni za sławą i po prostu robi to, co kocha. Jego twórczość jest niezwykle popularna za granicą, ale jego rodakom jest prawie nieznana. W połowie lat 90. Francuzi zakochali się w jego codziennych szkicach i podpisali z artystą kontrakt na 16 lat. Obrazy, które, wydawałoby się, powinny być zrozumiałe tylko dla nas, nosicieli „skromnego uroku nierozwiniętego socjalizmu”, spodobały się europejskiej publiczności, a wystawy rozpoczęły się w Szwajcarii, Niemczech, Wielkiej Brytanii i innych krajach.
Zmysłowy realizm Siergieja Marshennikowa
Siergiej Marshennikow ma 41 lat. Mieszka w Petersburgu i tworzy w najlepszych tradycjach klasycznej rosyjskiej szkoły portretu realistycznego. Bohaterkami jego płócien są kobiety delikatne i bezbronne w swojej półnagości. Wiele z najsłynniejszych obrazów przedstawia muzę i żonę artysty, Natalię.
Krótkowzroczny świat Philipa Barlowa
We współczesnej dobie obrazów o wysokiej rozdzielczości i wzrostu hiperrealizmu twórczość Philipa Barlowa od razu przyciąga uwagę. Wymaga to jednak od widza pewnego wysiłku, aby zmusić się do spojrzenia na rozmyte sylwetki i jasne plamy na płótnach autora. Prawdopodobnie tak właśnie osoby cierpiące na krótkowzroczność postrzegają świat bez okularów i soczewek kontaktowych.
Słoneczne króliczki autorstwa Laurenta Parseliera
Malarstwo Laurenta Parceliera to niesamowity świat, w którym nie ma ani smutku, ani przygnębienia. Nie znajdziesz u niego ponurych i deszczowych zdjęć. W jego płótnach jest dużo światła, powietrza i jasnych kolorów, które artysta stosuje charakterystyczną, rozpoznawalną kreską. Stwarza to wrażenie, że obrazy są utkane z tysiąca promieni słońca.
Dynamika miejska w twórczości Jeremy’ego Manna
Amerykański artysta Jeremy Mann maluje dynamiczne portrety nowoczesnej metropolii w oleju na drewnianych panelach. „Abstrakcyjne kształty, linie, kontrast jasnych i ciemnych plam – wszystko to tworzy obraz, który przywołuje wrażenie, jakiego doświadcza się w tłumie i zgiełku miasta, ale może także wyrazić spokój, jaki można odnaleźć w kontemplacji cichego piękna.” mówi artysta.
Iluzoryczny świat Neila Simona
W obrazach brytyjskiego artysty Neila Simone nic nie jest takie, jakim się wydaje na pierwszy rzut oka. „Dla mnie otaczający mnie świat to seria kruchych i ciągle zmieniających się kształtów, cieni i granic” – mówi Simon. A w jego obrazach wszystko jest naprawdę iluzoryczne i ze sobą powiązane. Granice się zacierają, a historie przenikają się.
Dramat miłosny Josepha Lorasso
Współczesny amerykański artysta Joseph Lorusso, Włoch z urodzenia, przenosi na płótno tematy, które obserwował w codziennym życiu zwykłych ludzi. Uściski i pocałunki, namiętne wybuchy, chwile czułości i pożądania wypełniają jego emocjonalne obrazy.
Życie na wsi Dmitrija Levina
Dmitry Levin to uznany mistrz rosyjskiego krajobrazu, który dał się poznać jako utalentowany przedstawiciel rosyjskiej szkoły realistycznej. Najważniejszym źródłem jego twórczości jest przywiązanie do natury, którą kocha czule i namiętnie i której czuje się częścią.
Jasny Wschód – Walery Błochin
Na Wschodzie wszystko jest inne: inne kolory, inne powietrze, inne wartości życiowe, a rzeczywistość jest bardziej bajeczna niż fikcja - w to wierzy współczesny artysta
Luigiego Benedicentiego
Luigi Benedicenti to artysta z Włoch. Urodził się w 1948 roku i od końca lat 60. całkowicie poświęcił się ruchowi „realizmowi”. Do swojej pracy wybrał temat jedzenia i patrząc w przyszłość, chciałbym zauważyć, że odniósł w tym duży sukces.
Patrząc na prace artystki po prostu nie mogę uwierzyć, że są one rzeczywiście narysowane, a nie sfotografowane, chcę je po prostu spróbować.
Po ukończeniu w latach siedemdziesiątych Luigi Benedicenti Szkoły Artystycznej w Turynie po raz pierwszy pokazał swoje prace. Wszyscy byli podziwiani jego sztuką, mimo to nadal rysował, starając się nie być przed wszystkimi. Dopiero na początku lat 90. Benedicenti zaczął brać udział w wystawach prezentujących jego prace.
Luigi Benedicenti, artysta:„Staram się przekazać w swoich pracach wszystkie emocje i uczucia, których doświadczam każdego dnia, mieszkając w małym miasteczku we Włoszech, wśród rodziny i przyjaciół”.
Obecnie Luigi Benedicenti dzięki swoim pracom stał się powszechnie znany na całym świecie, a jego wystawom zawsze towarzyszy ogromna popularność.
Tym, którzy nie widzieli dzieł Luigiego Benedicentiego, proponujemy przyjrzeć się niektórym z nich, najpierw zjeść 😉
Superrealistyczne obrazy Luigiego Benedicentiego – 1 
Superrealistyczne obrazy Luigiego Benedicentiego – 2 
Superrealistyczne obrazy Luigiego Benedicentiego – 3 
Superrealistyczne obrazy Luigiego Benedicentiego – 4 
Superrealistyczne obrazy Luigiego Benedicentiego – 5 
Superrealistyczne obrazy Luigiego Benedicentiego – 6 
Superrealistyczne obrazy Luigiego Benedicentiego – 7 
Superrealistyczne obrazy Luigiego Benedicentiego – 8 
Superrealistyczne obrazy Luigiego Benedicentiego – 9 
Superrealistyczne obrazy Luigiego Benedicentiego – 10 
Superrealistyczne obrazy Luigiego Benedicentiego – 11 
Superrealistyczne obrazy Luigiego Benedicentiego – 12 
Superrealistyczne obrazy Luigiego Benedicentiego – 13 
Superrealistyczne obrazy Luigiego Benedicentiego – 14