„Gracze w karty”

Autor

Paweł Cezanne

Kraj Francja
Lata życia 1839–1906
Styl postimpresjonizm

Artysta urodził się na południu Francji w małym miasteczku Aix-en-Provence, ale zaczął malować w Paryżu. Prawdziwy sukces przyniósł mu indywidualna wystawa zorganizowana przez kolekcjonera Ambroise'a Vollarda. W 1886 roku, na 20 lat przed wyjazdem, przeniósł się na peryferie rodzinnego miasta. Młodzi artyści nazywali wyjazdy do niego „pielgrzymką do Aix”.

130x97 cm
1895
cena
250 milionów dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji prywatnej

Twórczość Cezanne'a jest łatwa do zrozumienia. Jedyną zasadą artysty było bezpośrednie przeniesienie tematu lub fabuły na płótno, dzięki czemu jego obrazy nie powodują oszołomienia widza. Cezanne łączył w swojej sztuce dwie główne tradycje francuskie: klasycyzm i romantyzm. Za pomocą kolorowej faktury nadawał formom przedmiotów niezwykłą plastyczność.

Cykl pięciu obrazów „Gracze w karty” powstał w latach 1890-1895. Ich fabuła jest taka sama – kilka osób entuzjastycznie gra w pokera. Prace różnią się jedynie liczbą graczy i wielkością płótna.

Cztery obrazy znajdują się w muzeach Europy i Ameryki (Musée d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation i Courtauld Institute of Art), a piąty do niedawna był ozdobą prywatnej kolekcji Grecki miliarder armator George Embirikos. Tuż przed śmiercią, zimą 2011 roku, postanowił wystawić go na sprzedaż. Potencjalnymi nabywcami „darmowej” pracy Cezanne'a byli marszand William Aquavella i światowej sławy właściciel galerii Larry Gagosian, który zaoferował za nią około 220 milionów dolarów. W rezultacie obraz trafił do rodziny królewskiej arabskiego państwa Kataru za 250 mln. Największa transakcja na sztukę w historii malarstwa została zamknięta w lutym 2012 roku. Zostało to zgłoszone Vanity Fair przez dziennikarkę Alexandrę Pierce. Poznała koszt obrazu i nazwisko nowego właściciela, a następnie informacja przedostała się do mediów na całym świecie.

W 2010 roku w Katarze otwarto Arabskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej i Muzeum Narodowe Kataru. Teraz ich kolekcje się powiększają. Być może w tym celu szejk nabył piątą wersję The Card Players.

Najbardziejdrogie zdjęciena świecie

Właściciel
Szejk Hamad
bin Khalifa al-Thani

Dynastia al-Thani rządzi Katarem od ponad 130 lat. Około pół wieku temu odkryto tu ogromne złoża ropy i gazu, które z miejsca uczyniły Katar jednym z najbogatszych regionów świata. Dzięki eksportowi węglowodorów ten niewielki kraj odnotował największy PKB per capita. Szejk Hamad bin Khalifa al-Thani przejął władzę w 1995 roku, kiedy jego ojciec przebywał w Szwajcarii, przy wsparciu członków rodziny. Zasługą obecnego władcy, zdaniem ekspertów, jest jasna strategia rozwoju kraju, kreowanie udanego wizerunku państwa. Katar ma już konstytucję i premiera, a kobiety uzyskały prawo głosu w wyborach parlamentarnych. Nawiasem mówiąc, to emir Kataru założył kanał informacyjny Al Jazeera. Władze państwa arabskiego przykładają dużą wagę do kultury.

2

"Numer 5"

Autor

Jacksona Pollocka

Kraj USA
Lata życia 1912–1956
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

Jack the Sprinkler - taki przydomek Pollock został nadany przez amerykańską publiczność za jego specjalną technikę malarską. Artysta porzucił pędzel i sztalugę, a farbę wylewał na powierzchnię płótna lub płyty pilśniowej podczas ciągłego ruchu wokół nich i wewnątrz nich. Od najmłodszych lat lubił filozofię Jiddu Krishnamurtiego, której głównym przesłaniem jest to, że prawda objawia się podczas swobodnego „wylania”.

122x244 cm
1948
cena
140 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Sotheby’s

Wartość pracy Pollocka nie leży w wyniku, ale w procesie. Autor nieprzypadkowo nazwał swoją sztukę „action painting”. Z jego lekką ręką stał się głównym atutem Ameryki. Jackson Pollock mieszał farbę z piaskiem, potłuczonym szkłem i pisał kawałkiem kartonu, szpachelką, nożem, łopatą. Artysta był tak popularny, że w latach 50. w ZSRR byli nawet naśladowcy. Obraz „Numer 5” jest uznawany za jeden z najdziwniejszych i najdroższych na świecie. Jeden z założycieli DreamWorks, David Geffen, kupił go do prywatnej kolekcji, aw 2006 roku sprzedał w Sotheby's za 140 milionów dolarów meksykańskiemu kolekcjonerowi Davidowi Martinezowi. Jednak kancelaria wkrótce wydała komunikat prasowy w imieniu swojego klienta, w którym stwierdziła, że ​​David Martinez nie jest właścicielem obrazu. Jedno jest pewne: meksykański finansista rzeczywiście niedawno kolekcjonował dzieła sztuki współczesnej. Jest mało prawdopodobne, aby przegapił tak „grubą rybę”, jak „Numer 5” Pollocka.

3

„Kobieta III”

Autor

Willema de Kooninga

Kraj USA
Lata życia 1904–1997
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

Pochodzący z Holandii, w 1926 wyemigrował do Stanów Zjednoczonych. W 1948 roku odbyła się indywidualna wystawa artysty. Krytycy sztuki docenili złożone, nerwowe, czarno-białe kompozycje, rozpoznając w ich autorze wielkiego artystę modernistycznego. Przez większość życia cierpiał na alkoholizm, ale radość z tworzenia nowej sztuki czuć w każdym dziele. De Kooning wyróżnia się impulsywnością malowania, szerokimi pociągnięciami, dlatego czasem obraz nie mieści się w granicach płótna.

121x171 cm
1953
cena
137 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji prywatnej

W latach pięćdziesiątych na obrazach de Kooninga pojawiają się kobiety z pustymi oczami, masywnymi piersiami i brzydkimi rysami. „Kobieta III” była ostatnią pracą z tego cyklu biorącą udział w aukcji.

Od lat 70. obraz znajduje się w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Teheranie, ale po wprowadzeniu w kraju surowych zasad moralnych starano się go pozbyć. W 1994 roku dzieło zostało wywiezione z Iranu, a 12 lat później jego właściciel David Geffen (ten sam producent, który sprzedał „Numer 5” Jacksona Pollocka) sprzedał obraz milionerowi Stephenowi Cohenowi za 137,5 miliona dolarów. Co ciekawe, w ciągu jednego roku Geffen zaczął sprzedawać swoją kolekcję obrazów. Zrodziło to wiele plotek: na przykład, że producent postanowił kupić Los Angeles Times.

Na jednym z forów artystycznych wyrażono opinię o podobieństwie „Kobiety III” do obrazu Leonarda da Vinci „Dama z gronostajem”. Za zębatym uśmiechem i bezkształtną sylwetką bohaterki koneser malarstwa dostrzegł wdzięk osoby królewskiej krwi. Świadczy o tym również słabo wytyczona korona wieńcząca głowę kobiety.

4

„Portret AdeleBloch-Bauer I"

Autor

Gustawa Klimta

Kraj Austria
Lata życia 1862–1918
Styl nowoczesny

Gustav Klimt urodził się w rodzinie rytownika i był drugim z siedmiorga dzieci. Trzech synów Ernesta Klimta zostało artystami, a tylko Gustav zasłynął na całym świecie. Większość dzieciństwa spędził w biedzie. Po śmierci ojca był odpowiedzialny za całą rodzinę. W tym czasie Klimt rozwinął swój styl. Przed jego obrazami każdy widz zamarza: pod cienkimi pociągnięciami złota wyraźnie widać szczery erotyzm.

138x136 cm
1907
cena
135 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Sotheby’s

Losy obrazu, który nosi miano „austriackiej Mony Lisy”, z łatwością mogłyby stać się kanwą bestsellera. Dzieło artysty stało się przyczyną konfliktu całego państwa i jednej starszej pani.

Tak więc „Portret Adele Bloch-Bauer I” przedstawia arystokratkę, żonę Ferdynanda Blocha. Jej ostatnią wolą było przeniesienie obrazu do Austriackiej Galerii Państwowej. Jednak Bloch w testamencie anulował darowiznę, a naziści wywłaszczyli obraz. Później galeria ledwie wykupiła Złotą Adele, ale wtedy pojawiła się spadkobierczyni – Maria Altman, siostrzenica Ferdynanda Blocha.

W 2005 roku rozpoczął się głośny proces „Maria Altman przeciwko Republice Austrii”, w wyniku którego obraz „wyjechał” z nią do Los Angeles. Austria podjęła bezprecedensowe środki: wynegocjowano pożyczki, ludność przekazała pieniądze na zakup portretu. Dobro nigdy nie pokonało zła: Altman podniósł cenę do 300 milionów dolarów. W chwili procesu miała 79 lat, a do historii przeszła jako osoba, która zmieniła wolę Blocha-Bauera na rzecz dobra osobistego. Obraz zakupił Ronald Lauder, właściciel New Gallery w Nowym Jorku, gdzie znajduje się do dziś. Nie dla Austrii, dla niego Altman obniżył cenę do 135 milionów dolarów.

5

"Krzyk"

Autor

Edvard Munch

Kraj Norwegia
Lata życia 1863–1944
Styl ekspresjonizm

Pierwszy obraz Muncha, który stał się sławny na całym świecie, „Chora dziewczyna” (występuje w pięciu egzemplarzach) poświęcony jest siostrze artysty, która zmarła na gruźlicę w wieku 15 lat. Muncha zawsze interesował temat śmierci i samotności. W Niemczech jego ciężkie, maniakalne malarstwo wywołało nawet skandal. Jednak pomimo przygnębiających wątków, jego obrazy mają szczególny magnetyzm. Weź przynajmniej „Krzyk”.

73,5x91 cm
1895
cena
119,992 mln dolarów
sprzedane w 2012
na aukcji Sotheby’s

Pełna nazwa obrazu to Der Schrei der Natur (przetłumaczona z niemieckiego jako „krzyk natury”). Twarz człowieka lub kosmity wyraża rozpacz i panikę - widz doświadcza tych samych emocji, patrząc na zdjęcie. Jedno z kluczowych dzieł ekspresjonizmu ostrzega przed tematami, które stały się ostre w sztuce XX wieku. Według jednej wersji artysta stworzył ją pod wpływem zaburzenia psychicznego, na które cierpiał przez całe życie.

Obraz został dwukrotnie skradziony z różnych muzeów, ale został zwrócony. Nieznacznie uszkodzony po kradzieży Krzyk został odrestaurowany i był gotowy do ponownego pokazania w Muzeum Muncha w 2008 roku. Dla przedstawicieli popkultury dzieło stało się źródłem inspiracji: Andy Warhol stworzył serię swoich odbitek-kopii, a maska ​​​​z filmu „Krzyk” została wykonana na obraz i podobieństwo bohatera obrazu.

Dla jednej fabuły Munch napisał cztery wersje dzieła: ta w prywatnej kolekcji jest wykonana w pastelach. Norweski miliarder Petter Olsen wystawił go na aukcję 2 maja 2012 roku. Nabywcą został Leon Black, który na „Krzyk” nie szczędził rekordowej kwoty. Założyciel Apollo Advisors, L.P. i Lion Advisors, L.P. znany z zamiłowania do sztuki. Black jest patronem Dartmouth College, Museum of Modern Art, Lincoln Art Center i Metropolitan Museum of Art. Posiada największą kolekcję obrazów współczesnych artystów i klasycznych mistrzów minionych wieków.

6

"Akt na tle popiersia i zielonych liści"

Autor

Pablo Picasso

Kraj Hiszpania, Francja
Lata życia 1881–1973
Styl kubizm

Z pochodzenia jest Hiszpanem, ale duchem i miejscem zamieszkania to prawdziwy Francuz. Picasso otworzył własne studio artystyczne w Barcelonie, gdy miał zaledwie 16 lat. Następnie wyjechał do Paryża i spędził tam większość swojego życia. Dlatego w jego nazwisku jest podwójny akcent. Styl wymyślony przez Picassa opiera się na zaprzeczeniu opinii, że przedmiot przedstawiony na płótnie można oglądać tylko pod jednym kątem.

130x162 cm
1932
cena
106,482 mln dolarów
sprzedany w 2010
na aukcji Christie's

Podczas pracy w Rzymie artysta poznał tancerkę Olgę Khokhlovą, która wkrótce została jego żoną. Położył kres włóczęgostwu, przeprowadził się z nią do luksusowego mieszkania. Do tego czasu uznanie znalazło bohatera, ale małżeństwo zostało zniszczone. Jeden z najdroższych obrazów świata powstał niemal przez przypadek – z wielkiej miłości, która, jak zawsze u Picassa, trwała krótko. W 1927 roku zainteresował się młodą Marie-Therese Walter (ona miała 17 lat, on 45). W tajemnicy przed żoną wyjechał z kochanką do miasteczka pod Paryżem, gdzie namalował portret przedstawiający Marię Teresę na obrazie Dafne. Obraz został zakupiony przez nowojorskiego dealera Paula Rosenberga i sprzedany w 1951 roku Sidneyowi F. Brody'emu. Państwo Brody pokazali obraz światu tylko raz i tylko dlatego, że artysta miał 80 lat. Po śmierci męża pani Brody wystawiła dzieło na aukcję w Christie's w marcu 2010 roku. W ciągu sześciu dekad cena wzrosła ponad 5000 razy! Nieznany kolekcjoner kupił go za 106,5 miliona dolarów. W 2011 roku w Wielkiej Brytanii odbyła się „wystawa jednego obrazu”, gdzie ujrzał on światło dzienne po raz drugi, ale nazwisko właściciela wciąż nie jest znane.

7

„Osiem Elvisów”

Autor

Andy'ego Warhole'a

Kraj USA
Lata życia 1928-1987
Styl
pop Art

„Seks i imprezy to jedyne miejsca, w których musisz pojawić się osobiście” – powiedział kultowy artysta pop, reżyser i jeden z założycieli magazynu Interview, projektant Andy Warhol. Współpracował z Vogue i Harper's Bazaar, projektował okładki płyt i projektował buty dla I.Millera. W latach 60. pojawiły się obrazy przedstawiające symbole Ameryki: zupę Campbella i Coca-Colę, Presleya i Monroe - co uczyniło go legendą.

358x208 cm
1963
cena
100 milionów dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji prywatnej

Lata 60. Warhola - tak zwana era pop-artu w Ameryce. W 1962 roku pracował na Manhattanie w Factory Studio, gdzie zebrała się cała bohema Nowego Jorku. Jego najjaśniejsi przedstawiciele: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote i inne znane osobistości na świecie. W tym samym czasie Warhol wypróbował technikę sitodruku - wielokrotne powtórzenia jednego obrazu. Metodę tę zastosował również przy tworzeniu „Osiem Elvisów”: widz zdaje się widzieć kadry z filmu, w którym gwiazda ożywa. Jest tu wszystko, co artysta tak bardzo kochał: wizerunek publiczny, w którym wszyscy wygrywają, srebrny kolor i przeczucie śmierci jako główny przekaz.

Dziś na światowym rynku jest dwóch marszandów promujących dzieła Warhola: Larry Gagosian i Alberto Mugrabi. Pierwszy w 2008 roku wydał 200 milionów dolarów na zakup ponad 15 dzieł Warhola. Drugi kupuje i sprzedaje swoje obrazy jak kartki świąteczne, tylko drożej. Ale to nie oni, ale skromny francuski konsultant sztuki Philippe Segalo pomógł rzymskiemu koneserowi sztuki Annibale Berlinghieri sprzedać Osiem Elvisów nieznanemu nabywcy za rekordowe 100 milionów dolarów Warhola.

8

"Pomarańczowy,Czerwony żółty"

Autor

Marek Rothko

Kraj USA
Lata życia 1903–1970
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

Jeden z twórców kolorowego malarstwa polowego urodził się w Dźwińsku w Rosji (obecnie Daugavpils na Łotwie), w wielodzietnej rodzinie żydowskiego aptekarza. W 1911 wyemigrowali do USA. Rothko studiował na wydziale sztuki Uniwersytetu Yale, uzyskał stypendium, ale nastroje antysemickie zmusiły go do porzucenia studiów. Mimo wszystko krytycy sztuki ubóstwiali artystę, a muzea ścigały go przez całe życie.

206x236 cm
1961
cena
86,882 mln dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji Christie's

Pierwsze eksperymenty artystyczne Rothko miały orientację surrealistyczną, z czasem jednak uprościł fabułę do barwnych plam, pozbawiając je jakiejkolwiek obiektywności. Początkowo miały jasne barwy, w latach 60. wypełniły się brązem, purpurą, gęstniejącą do czerni do czasu śmierci artysty. Mark Rothko przestrzegał przed doszukiwaniem się sensu w swoich obrazach. Autor chciał powiedzieć dokładnie to, co powiedział: tylko kolor, który rozpuszcza się w powietrzu i nic więcej. Zalecał oglądanie prac z odległości 45 cm, tak aby widz został „wciągnięty” w kolor jak do lejka. Uwaga: oglądanie zgodnie ze wszystkimi zasadami może doprowadzić do efektu medytacji, czyli stopniowo przychodzi świadomość nieskończoności, całkowite zanurzenie w sobie, odprężenie, oczyszczenie. Kolor na jego obrazach żyje, oddycha i silnie oddziałuje emocjonalnie (czasami mówi się, że leczy). Artysta mówił: „Widz powinien płakać, patrząc na nie” – i rzeczywiście zdarzały się takie przypadki. Zgodnie z teorią Rothko, w tym momencie ludzie przeżywają to samo doświadczenie duchowe, które miał on podczas pracy nad obrazem. Jeśli udało ci się to zrozumieć na tak subtelnym poziomie, nie dziw się, że te dzieła abstrakcjonizmu są często porównywane przez krytyków z ikonami.

Praca „Pomarańczowy, czerwony, żółty” wyraża istotę malarstwa Marka Rothko. Jego początkowy koszt na aukcji Christie's w Nowym Jorku to 35-45 milionów dolarów. Nieznany nabywca zaoferował cenę dwa razy wyższą od szacunkowej. Nazwiska szczęśliwego posiadacza obrazu, jak to często bywa, nie ujawniono.

9

"Tryptyk"

Autor

Franciszka Bacona

Kraj
Wielka Brytania
Lata życia 1909–1992
Styl ekspresjonizm

Przygody Francisa Bacona, pełnego imiennika, a ponadto dalekiego potomka wielkiego filozofa, zaczęły się, gdy jego ojciec wyparł się go, nie mogąc zaakceptować homoseksualnych skłonności syna. Bacon udał się najpierw do Berlina, potem do Paryża, a potem jego ślady są zagmatwane w całej Europie. Jeszcze za jego życia jego prace były wystawiane w czołowych ośrodkach kultury świata, w tym w Muzeum Guggenheima i Galerii Trietiakowskiej.

147,5x198 cm (każdy)
1976
cena
86,2 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby’s

Prestiżowe muzea zabiegały o posiadanie obrazów Bacona, ale prymitywna angielska publiczność nie spieszyła się z wydawaniem takich dzieł. Legendarna brytyjska premier Margaret Thatcher powiedziała o nim: „Człowiek, który maluje te przerażające obrazy”.

Za początkowy okres w swojej twórczości artysta sam uważał okres powojenny. Wracając ze służby, ponownie zajął się malarstwem i stworzył główne arcydzieła. Przed udziałem w aukcji „Tryptyku, 1976” najdroższym dziełem Bacona było „Studium do portretu papieża Innocentego X” (52,7 mln dolarów). W "Tryptyku, 1976" artysta przedstawił mityczną fabułę prześladowania Orestesa przez furie. Oczywiście Orestes to sam Bacon, a furie to jego męki. Przez ponad 30 lat obraz znajdował się w zbiorach prywatnych i nie brał udziału w wystawach. Fakt ten nadaje mu szczególną wartość i odpowiednio zwiększa koszt. Ale co to jest kilka milionów dla konesera sztuki, a nawet hojny po rosyjsku? Roman Abramowicz zaczął tworzyć swoją kolekcję w latach 90., na co znaczący wpływ miała jego dziewczyna Dasha Zhukova, która stała się właścicielką modnej galerii we współczesnej Rosji. Według nieoficjalnych danych biznesmen jest w posiadaniu dzieł Alberto Giacomettiego i Pabla Picassa, kupionych za kwoty przekraczające 100 mln dolarów. W 2008 roku został właścicielem Tryptyku. Nawiasem mówiąc, w 2011 roku zakupiono kolejną cenną pracę Bacona - „Trzy szkice do portretu Luciana Freuda”. Ukryte źródła podają, że kupującym ponownie został Roman Arkadievich.

10

„Staw z liliami wodnymi”

Autor

Claude Monet

Kraj Francja
Lata życia 1840–1926
Styl impresjonizm

Artysta uznawany jest za twórcę impresjonizmu, który „opatentował” tę metodę w swoich płótnach. Pierwszym znaczącym dziełem był obraz „Śniadanie na trawie” (oryginalna wersja dzieła Edouarda Maneta). W młodości rysował karykatury, a prawdziwym malarstwem zajął się podczas podróży wzdłuż wybrzeża iw plenerze. W Paryżu prowadził cygański tryb życia i nie opuszczał go nawet po odbyciu służby wojskowej.

210x100 cm
1919
cena
80,5 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Christie's

Oprócz tego, że Monet był wielkim artystą, był także entuzjastycznie zaangażowany w ogrodnictwo, uwielbiał dziką przyrodę i kwiaty. W jego pejzażach stan natury jest chwilowy, przedmioty wydają się rozmyte przez ruch powietrza. Wrażenie potęgują duże pociągnięcia, które z pewnej odległości stają się niewidoczne i łączą się w teksturowany, trójwymiarowy obraz. W obrazie zmarłego Moneta szczególne miejsce zajmuje temat wody i życia w niej. W miasteczku Giverny artysta miał własny staw, w którym hodował lilie wodne z nasion specjalnie przywiezionych przez niego z Japonii. Kiedy ich kwiaty zakwitły, zaczął malować. Cykl Lilie wodne to 60 prac, które artysta malował przez prawie 30 lat, aż do śmierci. Jego wzrok pogarszał się z wiekiem, ale nie przestawał. W zależności od wiatru, pory roku i pogody widok stawu ciągle się zmieniał, a Monet chciał uchwycić te zmiany. Dzięki starannej pracy przyszło mu zrozumienie istoty natury. Część obrazów z tej serii znajduje się w czołowych galeriach świata: National Museum of Western Art (Tokio), Orangerie (Paryż). Wersja kolejnego „Stawu z liliami wodnymi” trafiła w ręce nieznanego nabywcy za rekordową kwotę.

11

Fałszywa Gwiazda T

Autor

Jaspera Johnsa

Kraj USA
Rok urodzenia 1930
Styl pop Art

W 1949 roku Jones wstąpił do szkoły projektowania w Nowym Jorku. Wraz z Jacksonem Pollockiem, Willemem de Kooningiem i innymi jest uznawany za jednego z głównych artystów XX wieku. W 2012 roku otrzymał Prezydencki Medal Wolności, najwyższe odznaczenie cywilne w Stanach Zjednoczonych.

137,2 x 170,8 cm
1959
cena
80 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji prywatnej

Podobnie jak Marcel Duchamp, Jones pracował z prawdziwymi przedmiotami, przedstawiając je na płótnie iw rzeźbie w pełnej zgodności z oryginałem. Do swoich prac wykorzystywał przedmioty proste i zrozumiałe dla każdego: butelkę piwa, flagę czy mapy. Na obrazie False Start nie ma wyraźnej kompozycji. Artysta zdaje się bawić z widzem, często „błędnie” podpisując kolory na obrazie, wywracając samo pojęcie koloru do góry nogami: „Chciałem znaleźć sposób na zobrazowanie koloru, aby mógł być określony przez jakiś metoda." Jego najbardziej wybuchowy i „niepewny”, zdaniem krytyków, obraz nabył nieznany nabywca.

12

„Siedzącnagina kanapie"

Autor

Amedeo Modiglianiego

Kraj Włochy, Francja
Lata życia 1884–1920
Styl ekspresjonizm

Modigliani często chorował od dzieciństwa, podczas gorączkowego delirium rozpoznał swoje przeznaczenie jako artysty. Studiował rysunek w Livorno, Florencji, Wenecji, aw 1906 wyjechał do Paryża, gdzie jego sztuka kwitła.

65x100 cm
1917
cena
68,962 mln dolarów
sprzedany w 2010
na aukcji Sotheby’s

W 1917 roku Modigliani poznał 19-letnią Jeanne Hebuterne, która została jego modelką, a później żoną. W 2004 roku jeden z jej portretów został sprzedany za 31,3 miliona dolarów, co było ostatnią płytą przed sprzedażą Siedzącego nago na sofie w 2010 roku. Obraz został zakupiony przez nieznanego nabywcę za maksymalną w tej chwili cenę za Modiglianiego. Aktywna sprzedaż prac rozpoczęła się dopiero po śmierci artysty. Zmarł w nędzy, chorując na gruźlicę, a następnego dnia samobójstwo popełniła także Jeanne Hebuterne, która była w dziewiątym miesiącu ciąży.

13

„Orzeł na sośnie”

Autor

Qi Baishi

Kraj Chiny
Lata życia 1864–1957
Styl Guohua

Zainteresowanie kaligrafią skłoniło Qi Baishi do malowania. W wieku 28 lat został uczniem artysty Hu Qingyuan. Ministerstwo Kultury Chin nadało mu tytuł „Wielkiego Artysty Narodu Chińskiego”, w 1956 otrzymał Międzynarodową Nagrodę Pokojową.

10x26 cm
1946
cena
65,4 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Chiński strażnik

Qi Baishi interesował się tymi przejawami otaczającego świata, do których wielu nie przywiązuje wagi, i to jest jego wielkość. Człowiek bez wykształcenia został profesorem i wybitnym twórcą w historii. Pablo Picasso powiedział o nim: „Boję się jechać do twojego kraju, bo w Chinach jest Qi Baishi”. Kompozycja „Orzeł na sośnie” jest uznawana za największe dzieło artysty. Oprócz płótna zawiera dwa zwoje hieroglifów. Dla Chin kwota, za którą kupiono produkt, jest rekordowa - 425,5 miliona juanów. Tylko zwój starożytnego kaligrafa Huang Tingjiana został sprzedany za 436,8 miliona dolarów.

14

„1949-A-# 1”

Autor

Clifforda Stilla

Kraj USA
Lata życia 1904–1980
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

W wieku 20 lat odwiedził Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku i był rozczarowany. Później zapisał się na kurs studenckiej ligi artystycznej, ale wyszedł po 45 minutach od rozpoczęcia zajęć – okazało się, że to „nie jego”. Pierwsza indywidualna wystawa wywołała rezonans, w którym artysta się odnalazł, a wraz z nim uznanie

79x93 cm
1949
cena
61,7 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby’s

Wszystkie jego prace, czyli ponad 800 płócien i 1600 prac na papierze, wciąż zapisał amerykańskiemu miastu, gdzie zostanie otwarte muzeum jego imienia. Denver stało się takim miastem, ale tylko budowa była kosztowna dla władz, a cztery prace wystawiono na aukcję, aby je ukończyć. Prace Stilla prawdopodobnie nigdy więcej nie trafią na aukcję, co z góry podniosło ich cenę. Obraz „1949-A-No.1” sprzedał się za rekordową dla artysty kwotę, choć eksperci przewidywali sprzedaż maksymalnie na 25-35 milionów dolarów.

15

„Kompozycja suprematystyczna”

Autor

Kazimierz Malewicz

Kraj Rosja
Lata życia 1878–1935
Styl suprematyzm

Malewicz studiował malarstwo w Kijowskiej Szkole Artystycznej, a następnie w Moskiewskiej Akademii Sztuk Pięknych. W 1913 roku zaczął malować abstrakcyjne obrazy geometryczne w stylu, który nazwał suprematyzmem (z łac. „dominacja”).

71x88,5 cm
1916
cena
60 milionów dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby’s

Obraz był przechowywany w muzeum miejskim w Amsterdamie przez około 50 lat, ale po 17-letnim sporze z krewnymi Malewicza muzeum go oddało. Artysta namalował to dzieło w tym samym roku, co Manifest suprematyzmu, więc Sotheby's jeszcze przed aukcją ogłosił, że nie trafi do prywatnej kolekcji za mniej niż 60 milionów dolarów. I tak się stało. Lepiej spojrzeć na to z góry: postacie na płótnie przypominają widok ziemi z lotu ptaka. Nawiasem mówiąc, kilka lat wcześniej ci sami krewni wywłaszczyli kolejną „kompozycję suprematystyczną” z Muzeum MoMA, aby sprzedać ją w Phillips za 17 milionów dolarów.

16

„kąpiący się”

Autor

Paul Gauguin

Kraj Francja
Lata życia 1848–1903
Styl postimpresjonizm

Do siódmego roku życia artysta mieszkał w Peru, potem wrócił z rodziną do Francji, ale wspomnienia z dzieciństwa nieustannie popychały go do podróży. We Francji zaczął malować, przyjaźnił się z Van Goghiem. Spędził z nim nawet kilka miesięcy w Arles, dopóki Van Gogh nie odciął mu ucha podczas kłótni.

93,4x60,4 cm
1902
cena
55 milionów dolarów
sprzedany w 2005
na aukcji Sotheby’s

W 1891 roku Gauguin zorganizował sprzedaż swoich obrazów, aby wykorzystać dochody na wyprawę w głąb wyspy Tahiti. Tam tworzył prace, w których wyczuwa się subtelny związek między naturą a człowiekiem. Gauguin mieszkał w chacie krytej strzechą, a na jego płótnach kwitł tropikalny raj. Jego żoną była 13-letnia Tahitian Tehura, co nie przeszkodziło artyście w angażowaniu się w rozwiązłość. Zarażony syfilisem wyjechał do Francji. Jednak Gauguinowi było tam ciasno i wrócił na Tahiti. Ten okres nazywany jest „drugim Tahitianem” - wtedy namalowano obraz „Kąpiący się”, jeden z najbardziej luksusowych w jego twórczości.

17

„Żonkile i obrus w kolorze niebieskim i różowym”

Autor

Henryk Matisse

Kraj Francja
Lata życia 1869–1954
Styl fowizm

W 1889 roku Henri Matisse miał atak zapalenia wyrostka robaczkowego. Kiedy doszedł do siebie po operacji, mama kupiła mu farby. Najpierw z nudów Matisse kopiował kolorowe pocztówki, potem dzieła wielkich malarzy, których widział w Luwrze, a na początku XX wieku wymyślił styl - fowizm.

65,2x81 cm
1911
cena
46,4 miliona dolarów
sprzedany w 2009
na aukcji Christie's

Obraz „Żonkile i obrus w kolorze niebieskim i różowym” przez długi czas należał do Yves Saint Laurent. Po śmierci projektanta cała jego kolekcja sztuki przeszła w ręce jego przyjaciela i kochanka Pierre'a Bergera, który postanowił wystawić ją na aukcję w Christie's. Perłą sprzedanej kolekcji był obraz „Żonkile i obrus w kolorze niebieskim i różowym”, namalowany na zwykłym obrusie zamiast płótna. Jako przykład fowizmu jest wypełniony energią koloru, kolory wydają się eksplodować i krzyczeć. Ze znanej serii obrazów na obrusach, dziś ta praca jako jedyna znajduje się w zbiorach prywatnych.

18

„Śpiąca dziewczyna”

Autor

RoyaZawietrzny

chtenstein

Kraj USA
Lata życia 1923–1997
Styl pop Art

Artysta urodził się w Nowym Jorku, a po ukończeniu szkoły wyjechał do Ohio, gdzie uczęszczał na kursy plastyczne. W 1949 Liechtenstein otrzymał tytuł magistra sztuk pięknych. Zainteresowanie komiksem i umiejętność ironizowania uczyniły z niego kultowego artystę ubiegłego wieku.

91x91 cm
1964
cena
44,882 miliona dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji Sotheby’s

Kiedyś guma do żucia wpadła w ręce Liechtensteinu. Przerysował obraz z wkładki na płótnie i stał się sławny. Ta fabuła z jego biografii zawiera całe przesłanie pop-artu: konsumpcja jest nowym bogiem, aw opakowaniu po gumie jest nie mniej piękna niż w Monie Lisie. Jego obrazy przypominają komiksy i kreskówki: Lichtenstein po prostu powiększył gotowy obraz, narysował rastry, zastosował sitodruk i sitodruk. Obraz „Śpiąca dziewczyna” przez prawie 50 lat należał do kolekcjonerów Beatrice i Philipa Gershów, których spadkobiercy sprzedali go na aukcji.

19

"Zwycięstwo. Boogie Woogie"

Autor

Pieta Mondriana

Kraj Holandia
Lata życia 1872–1944
Styl neoplastycyzm

Jego prawdziwe imię – Cornelis – artysta zmienił na Mondrian, kiedy przeprowadził się do Paryża w 1912 roku. Wraz z artystą Theo van Doesburgiem założył ruch neoplastyczny. Język programowania Piet został nazwany na cześć Mondriana.

27x127 cm
1944
cena
40 milionów dolarów
sprzedany w 1998
na aukcji Sotheby’s

Najbardziej „muzykalny” z artystów XX wieku utrzymywał się z akwarelowych martwych natur, choć zasłynął jako artysta neoplastyczny. W latach 40. przeniósł się do USA i tam spędził resztę życia. Jazz i Nowy Jork – to go inspirowało najbardziej! Obraz „Zwycięstwo. Boogie Woogie jest tego najlepszym przykładem. „Markowe” zgrabne kwadraty uzyskano dzięki zastosowaniu taśmy samoprzylepnej – ulubionego materiału Mondriana. W Ameryce nazywano go „najsłynniejszym imigrantem”. W latach sześćdziesiątych Yves Saint Laurent wyprodukował słynne na całym świecie sukienki „Mondrian” z dużym kolorowym nadrukiem w kratę.

20

„Kompozycja nr 5”

Autor

BazyliaKandyński

Kraj Rosja
Lata życia 1866–1944
Styl awangarda

Artysta urodził się w Moskwie, a jego ojciec pochodził z Syberii. Po rewolucji próbował współpracować z władzami sowieckimi, ale szybko zorientował się, że prawa proletariatu nie zostały stworzone dla niego i nie bez trudności wyemigrował do Niemiec.

275x190 cm
1911
cena
40 milionów dolarów
sprzedany w 2007
na aukcji Sotheby’s

Kandinsky jako jeden z pierwszych całkowicie porzucił malarstwo przedmiotowe, za co otrzymał tytuł geniusza. Podczas nazizmu w Niemczech jego obrazy zostały sklasyfikowane jako „sztuka zdegenerowana” i nigdzie nie były wystawiane. W 1939 roku Kandinsky przyjął obywatelstwo francuskie, w Paryżu swobodnie uczestniczył w procesie artystycznym. Jego obrazy „brzmią” jak fugi, dlatego wiele z nich nazywa się „kompozycjami” (pierwsze powstało w 1910 r., ostatnie w 1939 r.). „Kompozycja nr 5” to jedno z kluczowych dzieł tego gatunku: „Słowo „kompozycja” brzmiało dla mnie jak modlitwa” – powiedział artysta. W przeciwieństwie do wielu wyznawców zaplanował, co przedstawi na wielkim płótnie, jakby pisał notatki.

21

„Studium kobiety w błękicie”

Autor

Fernanda Legera

Kraj Francja
Lata życia 1881–1955
Styl kubizm-postimpresjonizm

Leger otrzymał wykształcenie architektoniczne, a następnie był studentem Szkoły Sztuk Pięknych w Paryżu. Artysta uważał się za następcę Cezanne'a, był apologetą kubizmu, aw XX wieku odnosił sukcesy także jako rzeźbiarz.

96,5x129,5 cm
1912–1913
cena
39,2 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby’s

David Normann, prezes Sotheby's International Impressionism and Modernism, uważa, że ​​ogromna suma zapłacona za The Lady in Blue jest całkowicie uzasadniona. Obraz należy do słynnej kolekcji Legera (artysta namalował trzy obrazy na jednej działce, ostatni z nich znajduje się dziś w rękach prywatnych - red.), a powierzchnia płótna zachowała się w pierwotnej postaci. Sam autor przekazał tę pracę do galerii Der Sturm, potem trafiła do kolekcji Hermanna Langa, niemieckiego kolekcjonera modernizmu, a obecnie należy do nieznanego nabywcy.

22

„Scena uliczna. Berlin"

Autor

Ernsta LudwikaKirchnera

Kraj Niemcy
Lata życia 1880–1938
Styl ekspresjonizm

Dla niemieckiego ekspresjonizmu Kirchner stał się postacią przełomową. Lokalne władze oskarżyły go jednak o przywiązanie do „sztuki zdegenerowanej”, co tragicznie wpłynęło na losy jego obrazów i życie artysty, który w 1938 roku popełnił samobójstwo.

95x121 cm
1913
cena
38,096 mln USD
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Christie's

Po przeprowadzce do Berlina Kirchner stworzył 11 szkiców scen ulicznych. Inspirował go zgiełk i nerwowość wielkiego miasta. Na obrazie, sprzedanym w 2006 roku w Nowym Jorku, niepokój artysty jest szczególnie dotkliwy: ludzie na berlińskiej ulicy przypominają ptaki - pełne wdzięku i niebezpieczne. Była ostatnią pracą ze słynnej serii, sprzedaną na aukcji, reszta jest przechowywana w muzeach. W 1937 r. naziści brutalnie potraktowali Kirchnera: 639 jego prac zostało skonfiskowanych z niemieckich galerii, zniszczonych lub sprzedanych za granicę. Artysta nie mógł tego przeżyć.

23

"Spoczynkowytancerz"

Autor

Edgara Degasa

Kraj Francja
Lata życia 1834–1917
Styl impresjonizm

Historia Degasa jako artysty rozpoczęła się od tego, że pracował jako kopista w Luwrze. Marzył o zostaniu „sławnym i nieznanym” iw końcu mu się to udało. Pod koniec życia, głuchoniewidomy, 80-letni Degas nadal uczęszczał na wystawy i aukcje.

64x59 cm
1879
cena
37,043 mln USD
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby’s

„Baleriny zawsze były dla mnie tylko pretekstem do przedstawiania tkanin i uchwycenia ruchu” – powiedział Degas. Sceny z życia tancerek wydają się być podglądane: dziewczyny nie pozują dla artysty, ale po prostu stają się częścią atmosfery uchwyconej spojrzeniem Degasa. Resting Dancer sprzedano za 28 milionów dolarów w 1999 roku, a niespełna 10 lat później zostało kupione za 37 milionów dolarów - dziś jest to najdroższe dzieło artysty, jakie kiedykolwiek zostało wystawione na aukcję. Degas przywiązywał dużą wagę do oprawek, sam je projektował i zabraniał ich zmieniać. Zastanawiam się jaka rama jest zamontowana na sprzedawanym obrazie?

24

"Obraz"

Autor

Juana Miro

Kraj Hiszpania
Lata życia 1893–1983
Styl Sztuka abstrakcyjna

Podczas hiszpańskiej wojny domowej artysta opowiadał się po stronie republikanów. W 1937 r. uciekł przed władzą faszystowską do Paryża, gdzie wraz z rodziną żył w biedzie. W tym okresie Miro maluje obraz „Pomóż Hiszpanii!”, zwracając uwagę całego świata na dominację faszyzmu.

89x115 cm
1927
cena
36,824 mln dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji Sotheby’s

Drugie imię obrazu to „Niebieska gwiazda”. Artysta napisał ją w tym samym roku, kiedy ogłosił: „Chcę zabić malarstwo” i bezlitośnie kpił z płócien, rysując farbę paznokciami, przyklejając pióra do płótna, zasypując dzieło śmieciami. Jego celem było obalenie mitów na temat tajemnicy malarstwa, ale poradziwszy sobie z tym, Miro stworzył własny mit - surrealistyczną abstrakcję. Jego „Malarstwo” nawiązuje do cyklu „obrazów-snów”. Na aukcji walczyło o niego czterech kupców, ale jeden telefon incognito rozstrzygnął spór, a „Obraz” stał się najdroższym obrazem artysty.

25

"Niebieska róża"

Autor

Yves Kleina

Kraj Francja
Lata życia 1928–1962
Styl malarstwo monochromatyczne

Artysta urodził się w rodzinie malarzy, ale studiował języki orientalne, nawigację, rzemiosło złocenia ram, buddyzm zen i wiele więcej. Jego osobowość i bezczelne wybryki były wielokrotnie ciekawsze niż monochromatyczne obrazy.

153x199x16 cm
1960
cena
36,779 mln dolarów
sprzedany w 2012 roku
na aukcji Christie's

Pierwsza wystawa jednolicie żółtych, pomarańczowych, różowych prac nie wzbudziła zainteresowania opinii publicznej. Klein obraził się i następnym razem zaprezentował 11 identycznych płócien, pomalowanych ultramaryną zmieszaną ze specjalną żywicą syntetyczną. Opatentował nawet tę metodę. Kolor przeszedł do historii jako „International Klein Blue”. Artysta sprzedawał też pustkę, tworzył obrazy wystawiając papier na deszcz, podpalając tekturę, wykonując odbitki ludzkiego ciała na płótnie. Jednym słowem eksperymentowałem najlepiej jak mogłem. Do stworzenia "Błękitnej róży" użyłam suchych pigmentów, żywic, kamyków i naturalnej gąbki.

26

„Szukam Mojżesza”

Autor

Sir Lawrence Alma-Tadema

Kraj Wielka Brytania
Lata życia 1836–1912
Styl neoklasycyzm

Sam Sir Lawrence dodał przedrostek „alma” do swojego nazwiska, aby pojawiać się jako pierwszy w katalogach dzieł sztuki. W wiktoriańskiej Anglii jego obrazy były tak poszukiwane, że artysta otrzymał tytuł szlachecki.

213,4 x 136,7 cm
1902
cena
35,922 mln dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby’s

Głównym tematem prac Alma-Tadema była starożytność. Na obrazach starał się w najdrobniejszych szczegółach przedstawić epokę Cesarstwa Rzymskiego, w tym celu zaangażował się nawet w wykopaliska archeologiczne na Półwyspie Apenińskim, aw swoim londyńskim domu odtworzył historyczne wnętrze tamtych lat. Kolejnym źródłem inspiracji stały się dla niego opowieści mitologiczne. Artysta był bardzo poszukiwany za życia, ale po śmierci szybko został zapomniany. Teraz zainteresowanie odżywa, o czym świadczy koszt obrazu „W poszukiwaniu Mojżesza”, siedmiokrotnie wyższy niż szacowany przedsprzedaż.

27

„Portret śpiącego nagiego urzędnika”

Autor

Lucjan Freud

Kraj Niemcy,
Wielka Brytania
Lata życia 1922–2011
Styl malarstwo figuratywne

Artysta jest wnukiem Zygmunta Freuda, ojca psychoanalizy. Po ustanowieniu faszyzmu w Niemczech jego rodzina wyemigrowała do Wielkiej Brytanii. Prace Freuda znajdują się w Wallace Collection w Londynie, gdzie żaden współczesny artysta nie wystawiał wcześniej.

219,1 x 151,4 cm
1995
cena
33,6 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Christie's

Podczas gdy modni artyści XX wieku tworzyli pozytywne „kolorowe plamy na ścianie” i sprzedawali je za miliony, Freud malował niezwykle naturalistyczne obrazy i sprzedawał je jeszcze drożej. „Uchwytuję krzyki duszy i cierpienie więdnącego ciała” – powiedział. Krytycy uważają, że wszystko to jest „dziedzictwem” Zygmunta Freuda. Obrazy były tak aktywnie wystawiane iz powodzeniem sprzedawane, że eksperci mieli wątpliwości: czy mają właściwości hipnotyczne? Sprzedany na aukcji „Portret śpiącego nagiego urzędnika”, według The Sun, został nabyty przez konesera piękna i miliardera Romana Abramowicza.

28

„Skrzypce i gitara”

Autor

Xjeden gris

Kraj Hiszpania
Lata życia 1887–1927
Styl kubizm

Urodzony w Madrycie, gdzie ukończył School of Arts and Crafts. W 1906 przeniósł się do Paryża i wszedł w krąg najbardziej wpływowych artystów epoki: Picassa, Modiglianiego, Braque'a, Matisse'a, Legera, współpracował także z Siergiejem Diagilewem i jego trupą.

5x100 cm
1913
cena
28,642 miliona dolarów
sprzedany w 2010
na aukcji Christie's

Gris, jak sam mówi, zajmował się „planarną, kolorową architekturą”. Jego obrazy są dokładnie przemyślane: nie pozostawił ani jednej przypadkowej kreski, co sprawia, że ​​twórczość związana jest z geometrią. Artysta stworzył własną wersję kubizmu, choć darzył wielkim szacunkiem Pabla Picassa, ojca założyciela tego ruchu. Następca zadedykował mu nawet swoje pierwsze kubistyczne dzieło, Tribute to Picasso. Obraz „Skrzypce i gitara” jest uznawany za wybitny w twórczości artysty. Za życia Gris był znany, faworyzowany przez krytyków i krytyków sztuki. Jego prace wystawiane są w największych muzeach świata oraz znajdują się w kolekcjach prywatnych.

29

"PortretPola Eluarda »

Autor

Salvador Dali

Kraj Hiszpania
Lata życia 1904–1989
Styl surrealizm

„Surrealizm to ja”, powiedział Dali, kiedy został wyrzucony z grupy surrealistów. Z czasem stał się najsłynniejszym surrealistą. Prace Dali są wszędzie, nie tylko w galeriach. Na przykład to on wymyślił opakowanie dla Chupa-Chups.

25x33 cm
1929
cena
20,6 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby’s

W 1929 roku poeta Paul Eluard i jego rosyjska żona Gala przyjechali odwiedzić wielkiego prowokatora i awanturnika Dali. Spotkanie było początkiem historii miłosnej, która trwała ponad pół wieku. Obraz „Portret Paula Eluarda” został namalowany właśnie podczas tej historycznej wizyty. „Czułem, że powierzono mi obowiązek uchwycenia twarzy poety, z którego Olimpu ukradłem jedną z muz” – powiedział artysta. Przed spotkaniem z Galą był dziewicą i był zniesmaczony na myśl o seksie z kobietą. Trójkąt miłosny istniał aż do śmierci Eluarda, po czym stał się duetem Dali-Gala.

30

"Rocznica"

Autor

Marca Chagalla

Kraj Rosja, Francja
Lata życia 1887–1985
Styl awangarda

Mojsze Segal urodził się w Witebsku, ale w 1910 roku wyemigrował do Paryża, zmienił nazwisko i zbliżył się do czołowych artystów awangardowych tamtej epoki. W latach 30., gdy władzę przejęli naziści, z pomocą konsula amerykańskiego wyjechał do Stanów Zjednoczonych. Do Francji wrócił dopiero w 1948 roku.

80x103 cm
1923
cena
14,85 miliona dolarów
sprzedany w 1990 roku
na aukcji Sotheby's

Obraz „Jubileusz” jest uznawany za jedno z najlepszych dzieł artysty. Ma wszystkie cechy jego dzieła: prawa fizyczne świata są wymazane, klimat bajki zachowany w scenerii drobnomieszczańskiego życia, a miłość jest w centrum fabuły. Chagall nie rysował ludzi z natury, a jedynie z pamięci lub fantazji. Obraz „Jubileusz” przedstawia samego artystę z żoną Belą. Obraz został sprzedany w 1990 roku i od tego czasu nie był licytowany. Co ciekawe, nowojorskie Museum of Modern Art MoMA przechowuje dokładnie to samo, tylko pod nazwą „Birthday”. Nawiasem mówiąc, napisano to wcześniej - w 1915 r.

projekt przygotowany
Tatiana Pałasowa
ocena skompilowana
zgodnie z listą www.art-spb.ru
magazyn tmn №13 (maj-czerwiec 2013)

Oryginał zaczerpnięty z vanatik05 w MALARSTWIE AMERYKAŃSKIM - 5 (Tradycje realistyczne w XX wieku)

W 1913 roku Stowarzyszenie Amerykańskich Malarzy i Rzeźbiarzy zorganizowało pierwszą dużą Międzynarodową Wystawę Sztuki Nowoczesnej, Armory Show, w zbrojowni Gwardii Narodowej przy Lexington Avenue. Stało się ważnym wydarzeniem w historii sztuki amerykańskiej, wywołało różne emocje: zdziwienie, podziw, oburzenie, uwielbienie i całkowite odrzucenie przez amerykańską publiczność, przyzwyczajoną do realizmu, w pewnym stopniu do impresjonizmu, ale nie do awangardowej sztuki europejskiej które widziała na tej wystawie. 1300 obrazów, rzeźb i dzieł zdobniczych autorstwa ponad 300 współczesnych artystów europejskich i amerykańskich odwiedziło nie tylko Nowy Jork, ale także Chicago i Waszyngton.

W recenzjach wystawy padały oskarżenia o niemoralność, nieprofesjonalizm, szaleństwo, szarlatanizm, wiele prac nazywano karykaturami i parodiami malarstwa, a Theodore Roosevelt powiedział: „To wcale nie jest sztuka!”

Władze cywilne jednak nie interweniowały i nie próbowały zamknąć wystawy, a afery wokół niej tylko przyczyniły się do udanej sprzedaży wielu dzieł, które można dziś oglądać w muzeach amerykańskich, a MoMA (The Museum of Modern Art) można ogólnie uznać za spadkobiercę i następcę tych pierwszych wystaw sztuki współczesnej.

Pośrednio wpłynęło to na artystów kierunku realistycznego, a tradycje realistyczne w Ameryce nigdy nie umarły, nie tylko przyczyniło się do zmian w technice rysunkowej, w tematyce fabularnej, ale nawet dało początek takim nowym nurtom w malarstwie jak „realizm magiczny” *

I jego odgałęzienie – „precyzjonizm”**, charakterystyczny dla artystów amerykańskich,

I urodzony w Ameryce ruch artystyczny „regionalizm” *** (lub regionalizm).

Tutaj porozmawiamy o artystach, przedstawicielach różnych dziedzin sztuki realistycznej w Ameryce XX wieku.

Charlesa Burchfielda(1893-1967), jeden z najwybitniejszych akwarelistów w Ameryce, malujący swoje obrazy przy sztalugach techniką „suchego pędzla”, wcześnie (do 1915 roku) wypracował własny styl neorealistyczny, łączący tendencje modernistyczne, tradycyjne malarstwo chińskie i elementy z fowizmu.

Przez całe swoje twórcze życie zmieniał kierunki i techniki, malował pejzaże i obrazy o tematyce historycznej, sceny obserwowane z okna swojego domu oraz kwiaty „halucynacyjne”, w duchu realizmu magicznego, widoki natury i jej boskiej mocy.

Na jego cześć w 1966 roku powstało Buffalo Nature and Arts Centre, zwane Birchfield Penny Art Center, które obejmuje również największą na świecie kolekcję dzieł artysty.

Reginalda Marsha(1898-1954), urodzony w Paryżu, w zamożnej rodzinie artystów, był uczniem D. Sloana, znanego przede wszystkim jako malarz i ilustrator scen miejskich, życia ulicznego, nowojorskich plaż.

Jego obrazy odznaczają się dokumentalną dokładnością, przepojoną ironiczną miłością do postaci, dużo malował do burleski i wodewilu, uważając je za „teatr zwykłego człowieka, wyrażający humor i fantazje biednych, starych i brzydkich”.

Pracował olejem i tuszem, akwarelą, temperą jajeczną, a swoje twórcze życie rozpoczął od litografii. Jego styl można określić jako „socrealizm”, szczególnie wyraźny w latach Wielkiego Kryzysu, a oddanie starym mistrzom, których twórczość wielbił, doprowadziło do powstania dzieł zawierających religijne metafory.

Na krótko przed śmiercią na atak serca Marsh otrzymał Złoty Medal Grafiki Amerykańskiej Akademii Sztuk.

Fairfielda Portera(1907-1975) urodził się w rodzinie architekta i poetki, studiował na Harvardzie i w Lidze Studentów Amerykańskich, przez całe życie trzymał się realizmu, malował głównie pejzaże i portrety rodziny i przyjaciół, starając się wydobyć niezwykłe w zwykłym życiu, aby było piękniejsze.

W jego twórczości wyczuwalny jest wpływ jego ojca, architekta, twórczość Velasqueza, a później artystów Bonnarda i Vuillarda, uważał, że „impresjonizm jest w stanie malarskie odtworzyć obecność rzeczywistości”.

Być może brak dobrych nauczycieli malarstwa olejnego, ostrożny stosunek do zmysłowości i naturalizmu, charakterystyczny dla wielu Amerykanów tamtych lat, pomaga wyjaśnić nieco prymitywny charakter twórczości Portera, niezręczność, sztywność jego postaci, ich statyczny charakter.

I dopiero w późniejszych pracach zaczyna przekraczać granicę między impresjonizmem a fowizmem, jego rysunek staje się bardziej swobodny, kolory są jaśniejsze, w pracach jest więcej światła.

Edwarda Hoppera(1882-1967) urodził się w Nyack, w centrum budowy jachtów na rzece Hudson, w zamożnej rodzinie pochodzenia holenderskiego. Hopper już w wieku 5 lat ujawnił swój talent artystyczny, rodzice zaszczepili w nim miłość do sztuki francuskiej i rosyjskiej, rozbudzali w nim pasję do malarstwa i różnorodne zainteresowania.

Hopper pracował piórem i atramentem, węglem drzewnym, akwarelą, olejem i litografią, malując portrety i pejzaże morskie, karykatury polityczne i rysunki z życia. W twórczości Hoppera można się domyślić wpływu Roberta Henry'ego, jednego z jego nauczycieli, oraz Maneta z Degasem,

William Chase i Rembrandt, zwłaszcza jego „Straż nocna”, a mieszkając w Paryżu, rysując sceny na ulicach, w kawiarniach i teatrach, pozostał w tradycjach sztuki realistycznej, choć niektórzy badacze przypisują jego twórczość precyzji ze względu na wyraźny geometryczny kształty, mechaniczność, sterylność i pustkę przestrzeni.

Powiedział, że jego „ulubioną rzeczą w malarstwie jest światło słoneczne na ścianie domu”. Podczas Wielkiego Kryzysu Hopper miał więcej szczęścia niż wielu innych artystów - nadal co roku wystawiał i dobrze się sprzedawał przez całe swoje późniejsze życie.

Jego twórczość wywarła ogromny wpływ nie tylko na sztuki wizualne, ale także na kino dzięki jego filmowym kompozycjom i dramatycznemu wykorzystaniu światła i ciemności.

Paweł Kadmos(1904-1999), przedstawiciel nurtu „realizmu magicznego”, łączył w swojej twórczości elementy erotyki i krytyki społecznej,

zyskał rozgłos dzięki wyraźnie homoseksualnym motywom w swoich obrazach i przedstawieniach nagich postaci męskich.

Urodził się w biednej rodzinie artysty, jego ojciec zachęcał chłopca do rysowania, w wieku 14 lat zapisał się na kursy w National Academy of Design, a następnie w Akademii. Dużo podróżował z przyjaciółmi, malował wielkie płótna odzwierciedlające jego wrażenia z Europy, malował wielopostaciowe obrazy z życia rybaków, marynarzy, sceny z życia miejskiego,

A po spotkaniu z impresario i baletnicą Kirsten, Cadmus dostał wiele prac o tematyce baletowej, głównie przedstawiających tancerzy.

Paul Cadmus żył długo i zmarł w wieku 95 lat w ramionach swojego przyjaciela i stałego wzoru, który towarzyszył mu przez ostatnie 35 lat życia. Cadmus lubił powtarzać słowa Ingresa: „Ludzie mówią, że moje obrazy nie nadają się na ten czas. Może się mylą i tylko ja nadążam za duchem czasu.

Iwan (Iwan) Albright(1897-1983), jeden z najsłynniejszych przedstawicieli realizmu magicznego, urodził się wraz z bratem bliźniakiem w rodzinie artysty.

Bracia byli nierozłączni przez większość życia, obaj studiowali w Instytucie Sztuki w Chicago, brat Malvin został rzeźbiarzem, a Ivan został artystą, ale zaczynał jako architekt, a w czasie I wojny światowej wykonywał rysunki medyczne dla szpitala w Nantes. Zawsze był bardzo wymagający w stosunku do swojej pracy, starannie rozpisując wszystkie szczegóły i poświęcając wiele swoich prac tak złożonym tematom, jak życie i śmierć, materialność i duch, wpływ czasu na wygląd i wewnętrzny świat człowieka.

Taka praca wymagała dużo czasu, dlatego sprzedaże były rzadkie, wiele obrazów pozostało w jego posiadaniu. Albright tworzył własne farby i węgiel drzewny, miał obsesję na punkcie oświetlenia do tego stopnia, że ​​nosił czarne ubrania i malował swoje studio na czarno, aby zapobiec odblaskom.

Malował realistycznie, ale z przesadną szczegółowością, uwielbiał obserwować upływ czasu i tylko w ciągu ostatnich 3 lat swojego życia namalował ponad 20 autoportretów odzwierciedlających zmiany zachodzące w człowieku.

George'a Clare'a Tookera Jr. (1920-2011), którego twórczość reprezentuje nurty socrealizmu i realizmu magicznego, urodził się w rodzinie o korzeniach anglo-francusko-hiszpańsko-kubańskich i amerykańskich, studiował literaturę angielską na Harvardzie za namową rodziców, ale większość czasu poświęcał malarstwu.

Po służbie w Korpusie Piechoty Morskiej, skąd został zwolniony ze względu na zły stan zdrowia, uczęszczał na kursy Ligi Studentów Plastyki, dużo pracował w technice tempery jajecznej, podziwiał sztukę włoskiego renesansu.

Obrazy Tookera przedstawiają sceny z codziennego życia Amerykanów, postacie ludzkie na nich są często nieokreślone rasowo i seksualnie, wyrażające samotność, izolację i anonimowość.

Przywiązywał dużą wagę do zachowania proporcji geometrycznych i symetrii, dlatego malował bardzo wolno - nie więcej niż dwa obrazy rocznie. Od swojej pierwszej dużej wystawy w 1951 roku Tooker konsekwentnie wystawiał z powodzeniem i ma swoje prace w największych muzeach w Ameryce.

Piotr Bluma(Peter Blum) - (1906-1992), malarz i rzeźbiarz, w twórczości którego obecne są elementy precyzji, puryzmu, kubizmu, surrealizmu i sztuki ludowej. Urodził się w Rosji w rodzinie żydowskiej, która wyemigrowała do Ameryki w 1912 roku i osiedliła się na Brooklynie.

Po studiach artystycznych w różnych instytucjach edukacyjnych otworzył własną pracownię pod patronatem rodziny Rockefellerów. Podobnie jak wielu współczesnych mu realistów, był miłośnikiem renesansu, podróżował po Włoszech, jego pierwszym obrazem, który zyskał uznanie w 1934 roku - „Wieczne miasto”, odgaduje obraz Mussoliniego, jak diabeł z pudełka, opuszczenie Koloseum.

Jego prace, często przedstawiające zniszczenia, można jednak interpretować jako symbole odbudowy i odnowy po II wojnie światowej, takie jak kamienie, nowe belki, postacie robotników.

Styl artystyczny Blume'a był interesującą hybrydą amerykańskich i europejskich stylów artystycznych, nazywany jest „artystą opowiadania baśni”.

Andrew Newella Wyetha(1917-2009), przedstawiciel nurtu realizmu z przewagą regionalizmu, urodził się w rodzinie ilustratora, który dbał o rozwój talentów pięciorga dzieci, przyzwyczajał je do dobrej literatury, muzyki i studiów przyrodniczych . Sam ojciec uczył swoje dzieci w domu i wszystkie były utalentowane: artyści, muzycy, kompozytorzy, wynalazcy.

Ich dom był kreatywnym środowiskiem, często odwiedzanym przez gwiazdy, takie jak Scott Fitzgerald i Mary Pickford. Sam Wyeth, o dziwo, uważał się za abstrakcjonistę, przywiązywał wielką wagę do zrozumienia głębokiego znaczenia prostych przedmiotów, ulubionym tematem jego obrazów była ziemia i ludzie wokół niego.

Jego najsłynniejszy obraz, Świat Christiny, przedstawia dziewczynę z sąsiedniej farmy, niepełnosprawną przez polio, czołgającą się samotnie w kierunku odległego domu.

Jednej kobiecie, Heldze Testorff, zadedykowano 247 obrazów i rysunków, a on studiował ją w różnych sceneriach i stanach emocjonalnych, co jest wyjątkowym doświadczeniem w sztuce amerykańskiej.

Chociaż Wyeth ma wiele doskonałych technicznie dzieł i miał wielu zwolenników, jego sztuka jest uważana za kontrowersyjną, a historyk sztuki Rosenblum opisał go jako „najbardziej przereklamowanego i niedocenianego” artystę.

Granta Wooda(1891-1942), jeden z najsłynniejszych przedstawicieli regionalizmu, urodził się w Iowa, wcześnie stracił ojca, pracował w sklepie metalowym, studiował w szkole artystycznej, a następnie w Chicago Art Institute.

Młody Grant podróżował do Europy 4 razy, aby studiować style malarskie, zwracając szczególną uwagę na impresjonizm i postimpresjonizm, ale podziwiał twórczość Van Eycka i marzył o połączeniu nowoczesnych metod z jasnością, klarownością, głębią sztuki średniowiecznej w swojej twórczości.

Nic dziwnego, że jego najsłynniejszy obraz nosi tytuł „Amerykański gotyk”, odzwierciedla tradycyjny XIX-wieczny pogląd na role kobiet i mężczyzn w Ameryce, obraz był odbierany niejednoznacznie, niektórzy uznawali go za karykaturę, a gazety parodiowały go na różne sposoby sposoby.

Później, ucząc malarstwa na University of Iowa, Wood stał się kluczową postacią w kulturalnym społeczeństwie uniwersytetu, ale z powodu plotek o jego homoseksualnym romansie z osobistym sekretarzem Wood został zwolniony i wkrótce zmarł na raka trzustki.

Thomasa Harta (Harta) Bentona(1889-1975) urodził się w rodzinie polityków, jego ojciec, pułkownik, prawnik i filantrop, był czterokrotnie wybierany do Kongresu. Ojciec chciał, aby jego syn poszedł w jego ślady, ale chłopiec interesował się sztuką, matka poparła jego wybór i wstąpił do Art Institute of Chicago, a następnie wyjechał do Paryża, aby kontynuować studia w Akademii Juliana.

Po powrocie do Ameryki, kontynuując malowanie, służył w czasie I wojny światowej w marynarce wojennej Stanów Zjednoczonych, pracując nad tworzeniem obrazów kamuflażu statków i stoczni, co wymagało realistycznego, dokumentalnego obrazu, a później wpłynęło na jego styl. Na początku lat 20. Benton ogłosił się „wrogiem modernizmu”, stał się jednym z czołowych przedstawicieli regionalizmu i wyznawał poglądy „lewicowe”.

Zainteresował się El Greco, wpływ jego twórczości widać w pracy nad ogromnymi freskami, odzwierciedlającymi różne etapy i wydarzenia z życia kraju.

Benton wykładał w Art Students League w Nowym Jorku, wielu jego uczniów stało się znanymi artystami (Hopper, Pollack, Marsh), ale został zwolniony za potępienie nadmiernego wpływu homoseksualistów na świat sztuki. Po drugiej wojnie światowej regionalizm jako kierunek stracił na znaczeniu, Benton nadal malował freski,

działał aktywnie przez około 30 lat, ale nie miał swojej dawnej popularności.

Johna Stuarta Curry'ego(1897-1946) urodził się na farmie w Kansas, opiekował się zwierzętami, lubił lekkoatletykę, od dzieciństwa otaczały go reprodukcje obrazów Rubensa i Doré, co miało wpływ na jego późniejszy wybór stylu artystycznego.

John studiował w Instytucie Sztuki w Chicago, pracował jako ilustrator czasopism, spędził rok w Paryżu studiując prace Courbeta, Daumiera, Tycjana i Rubensa. Po powrocie do USA pracował przez chwilę w swoim warsztacie, podróżował z cyrkiem, został mianowany pierwszym artystą na Uniwersytecie Wisconsin-Madison, podróżował po kraju promując rozwój sztuki w społecznościach rolniczych.

Malował dla Departamentu Sprawiedliwości w Waszyngtonie i dla Kapitolu w Kansas. Carrey był jednym z trzech (Bentona i Wooda) filarów amerykańskiego regionalizmu, co było szczególnie istotne podczas Wielkiego Kryzysu.

Przedstawiał sceny pracy, rodziny i ziemi oraz zarządzania katastrofami, aby pokazać światu wytrwałość, ciężką pracę i wiarę ludzi, które Carrey uważał za esencję amerykańskiego życia.

Szczerze mówiąc mało inspiruję się realistami w ogóle, interesują mnie prace tylko poszczególnych przedstawicieli realizmu magicznego (Cadmus, Bloome, Hopper), ale generalnie ten okres w sztuce amerykańskiej nie jest mi bliski , co mogę zrobić.
Następna i ostatnia część poświęcona będzie współczesnej sztuce amerykańskiej. Kończy się być...
Jak zwykle pokaz slajdów z większą ilością zdjęć i dobrą muzyką:

* magiczny realizm- Jako ruch artystyczny, realizm magiczny rozwinął się na amerykańskiej ziemi, stając się odpowiednikiem europejskiego surrealizmu. Pod wieloma względami odpowiadające gustom i potrzebom amerykańskiej publiczności, dzieła mistrzów realizmu magicznego były szokujące, szokujące w swojej szczerości, a łącząc ją z anegdotą sytuacji i karykaturą postaci, rzeczywistość bardziej przypominała niespokojny sen lub halucynacyjne delirium.
**Precyzja, czyli prezygizm (angielska precyzja – dokładność, wyrazistość) – kierunek charakterystyczny dla malarstwa amerykańskiego lat 30., rodzaj realizmu magicznego. Głównym tematem dla precyzistów jest obraz miasta, głównym tematem jest mechanistyczna estetyka, przestrzeń obrazów jest sterylna, wydaje się, że zostało z nich wypompowane powietrze, nie ma w niej człowieka.
***Regionalizm lub regionalizm (z ang. regional – lokalny) – kierunek artystyczny w sztuce Stanów Zjednoczonych lat 1920-1940, który opierał się na chęci stworzenia sztuki prawdziwie amerykańskiej w przeciwieństwie do ruchów awangardowych pochodzących z Europy. Zainspirowani ideami tożsamości narodowej artyści regionaliści skupili się na portretowaniu „autentycznej” Ameryki. Tematyką ich prac są amerykańskie pejzaże, sceny z życia farmerów, życie małych miasteczek, epizody z historii, lokalne legendy i podania ludowe.

„Książki dają mi ogromne poczucie osobistej i twórczej satysfakcji. Kiedy pracuję nad książką, chciałbym, żeby telefon nigdy nie dzwonił. Moja satysfakcja pochodzi z prawdziwych śladów na papierze”.

Amerykański ilustrator książek dla dzieci, Pinkney Jerry, urodził się 22 grudnia 1939 roku w Germantown. W szkole średniej jego miłość i talent do rysowania zauważył rysownik John Liney, który zachęcił go do kontynuowania kariery artysty. Po ukończeniu Dobbins Vocational School Pinkney otrzymał pełne stypendium na studia w Philadelphia Museum College of Art. Później przeniósł się do Bostonu, gdzie pracował przy projektowaniu i ilustrowaniu, ostatecznie otwierając własne studio, Jerry Pinkney Studio, a później przeniósł się do Nowego Jorku. Pinkney Jerry nadal mieszka i pracuje w Nowym Jorku, przez lata swojej twórczej kariery prowadził seminaria na uniwersytecie, w szkołach artystycznych w całym kraju.

„Chciałem pokazać, co afroamerykański artysta może zrobić w tym kraju w sztukach wizualnych. Chcę być silnym wzorem do naśladowania dla mojej rodziny i innych Afroamerykanów”.

Jeśli myślisz, że wszyscy wielcy artyści należą do przeszłości, to nie masz pojęcia, jak bardzo się mylisz. W tym artykule dowiesz się o najbardziej znanych i utalentowanych artystach naszych czasów. I uwierz mi, ich dzieła zapadną w Twojej pamięci nie mniej głęboko niż dzieła mistrza z minionych epok.

Wojciecha Babskiego

Wojciech Babski to współczesny polski artysta. Ukończył Politechnikę Śląską, ale związał się z. Ostatnio maluje głównie kobiety. Skupia się na manifestacji emocji, dąży do uzyskania jak największego efektu prostymi środkami.

Uwielbia kolor, ale często sięga po odcienie czerni i szarości, aby uzyskać jak najlepsze wrażenie. Nie boi się eksperymentować z nowymi technikami. Ostatnio coraz większą popularność zdobywa za granicą, głównie w Wielkiej Brytanii, gdzie z powodzeniem sprzedaje swoje prace, które można już znaleźć w wielu prywatnych kolekcjach. Oprócz sztuki interesuje się kosmologią i filozofią. Słucha jazzu. Obecnie mieszka i pracuje w Katowicach.

Warrena Changa

Warren Chang jest współczesnym amerykańskim artystą. Urodzony w 1957 roku i wychowany w Monterey w Kalifornii, w 1981 roku ukończył z wyróżnieniem Art Center College of Design w Pasadenie, uzyskując tytuł Bachelor of Fine Arts w dziedzinie sztuk pięknych. Przez następne dwie dekady pracował jako ilustrator dla różnych firm w Kalifornii i Nowym Jorku, zanim rozpoczął karierę jako profesjonalny artysta w 2009 roku.

Jego realistyczne obrazy można podzielić na dwie główne kategorie: biograficzne obrazy wnętrz oraz obrazy przedstawiające ludzi pracy. Jego zainteresowanie tym stylem malarstwa wywodzi się z twórczości XVI-wiecznego malarza Jana Vermeera i rozciąga się na przedmioty, autoportrety, portrety członków rodziny, przyjaciół, uczniów, pracownie, sale lekcyjne i wnętrza domów. Jego celem jest stworzenie nastroju i emocji w jego realistycznych obrazach poprzez manipulację światłem i użycie stonowanych kolorów.

Chang zasłynął po przejściu na tradycyjne sztuki wizualne. W ciągu ostatnich 12 lat zdobył wiele nagród i wyróżnień, z których najbardziej prestiżowym jest Master Signature od Oil Painters Association of America, największej społeczności malarstwa olejnego w Stanach Zjednoczonych. Tylko jedna osoba na 50 ma szansę otrzymać tę nagrodę. Obecnie Warren mieszka w Monterey i pracuje w swojej pracowni, uczy też (znany jako utalentowany nauczyciel) w San Francisco Academy of the Arts.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni jest włoskim artystą. Urodzony 15 października 1955 w Blair. Ukończyła scenografię w Instytucie Sztuki w Spoleto. Jako artysta jest samoukiem, samodzielnie bowiem „zbudował dom wiedzy” na fundamencie położonym jeszcze w szkole. Zaczął malować olejami w wieku 19 lat. Obecnie mieszka i pracuje w Umbrii.

Wczesne malarstwo Bruniego jest zakorzenione w surrealizmie, ale z czasem zaczyna skupiać się na bliskości lirycznego romantyzmu i symbolizmu, wzmacniając to połączenie znakomitym wyrafinowaniem i czystością swoich postaci. Przedmioty ożywione i nieożywione nabierają równej godności i wyglądają niemal hiperrealistycznie, ale jednocześnie nie chowają się za zasłoną, ale pozwalają zobaczyć esencję swojej duszy. Wszechstronność i wyrafinowanie, zmysłowość i samotność, zamyślenie i płodność to duch Aurelio Bruni, karmiony blaskiem sztuki i harmonią muzyki.

Aleksander Balos

Alkasandr Balos to współczesny polski artysta specjalizujący się w malarstwie olejnym. Urodził się w 1970 roku w Gliwicach, ale od 1989 roku mieszka i pracuje w USA, w mieście Shasta w Kalifornii.

Jako dziecko studiował sztukę pod kierunkiem ojca Jana, artysty-samouka i rzeźbiarza, więc od najmłodszych lat działalność artystyczna miała pełne wsparcie ze strony obojga rodziców. W 1989 roku, w wieku osiemnastu lat, Balos wyjechał z Polski do Stanów Zjednoczonych, gdzie jego nauczycielka i artystka pracująca w niepełnym wymiarze godzin, Cathy Gaggliardi, zachęciła Alcasandera do zapisania się do szkoły artystycznej. Następnie Balos otrzymał pełne stypendium na Uniwersytecie Milwaukee Wisconsin, gdzie studiował malarstwo u profesora filozofii Harry'ego Rosina.

Po ukończeniu studiów w 1995 roku z tytułem licencjata, Balos przeniósł się do Chicago, aby studiować w Szkole Sztuk Pięknych, której metody opierają się na pracach Jacquesa-Louisa Davida. Realizm figuratywny i portrety stanowiły większość prac Balosa w latach 90. i na początku XXI wieku. Dziś Balos posługuje się ludzką postacią, aby podkreślić cechy i wady ludzkiej egzystencji, nie proponując żadnych rozwiązań.

Kompozycje fabularne jego obrazów mają na celu samodzielną interpretację widza, dopiero wtedy płótna nabiorą prawdziwego znaczenia czasowego i podmiotowego. W 2005 roku artysta przeniósł się do Północnej Kalifornii, od tego czasu zakres jego twórczości znacznie się rozszerzył i obecnie obejmuje swobodniejsze metody malowania, w tym abstrakcję i różne style multimedialne, które pomagają wyrazić idee i ideały bycia poprzez malarstwo.

Alicja Monks

Alyssa Monks to współczesna amerykańska artystka. Urodziła się w 1977 roku w Ridgewood w stanie New Jersey. Już jako dziecko zainteresowała się malarstwem. Uczęszczała do The New School w Nowym Jorku i Montclair State University, aw 1999 roku ukończyła Boston College z tytułem licencjata. W tym samym czasie studiowała malarstwo w Akademii Lorenzo Medici we Florencji.

Następnie kontynuowała studia w ramach programu studiów magisterskich w New York Academy of Art, na Wydziale Sztuki Figuratywnej, którą ukończyła w 2001 roku. Ukończyła Fullerton College w 2006 roku. Przez krótki czas wykładała na uniwersytetach i instytucjach edukacyjnych w całym kraju oraz uczyła malarstwa w nowojorskiej Akademii Sztuki, a także na Montclair State University i Lyme Academy College of Art.

„Korzystając z filtrów takich jak szkło, winyl, woda i para, zniekształcam ludzkie ciało. Filtry te umożliwiają tworzenie dużych obszarów abstrakcyjnego projektu, z prześwitującymi wyspami koloru — częściami ludzkiego ciała.

Moje obrazy zmieniają współczesne spojrzenie na utrwalone już, tradycyjne pozy i gesty kąpiących się kobiet. Uważnemu widzowi mogłyby powiedzieć wiele o tak pozornie oczywistych rzeczach, jak korzyści płynące z pływania, tańca itp. Moje postacie są przyciśnięte do szyby kabiny prysznicowej, zniekształcając własne ciało, zdając sobie sprawę, że w ten sposób wpływają na osławione męskie spojrzenie na nagą kobietę. Grube warstwy farby są mieszane ze sobą, aby z daleka naśladować szkło, parę wodną i mięso. Jednak z bliska ujawniają się niesamowite właściwości fizyczne farby olejnej. Eksperymentując z warstwami farby i koloru, znajduję moment, w którym abstrakcyjne pociągnięcia stają się czymś innym.

Kiedy po raz pierwszy zacząłem malować ludzkie ciało, od razu mnie to zafascynowało, a nawet miało na jego punkcie obsesję i poczułem, że muszę sprawić, by moje obrazy były jak najbardziej realistyczne. „Wyznawałem” realizm, dopóki ten nie zaczął się rozpadać i dekonstruować. Teraz badam możliwości i potencjał stylu malarstwa, w którym spotykają się malarstwo przedstawiające i abstrakcja – jeśli oba style mogą współistnieć w tym samym momencie, zrobię to”.

Antoni Finelli

włoski artysta - obserwator czasu” – Antonio Finelli urodził się 23 lutego 1985 roku. Obecnie mieszka i pracuje we Włoszech między Rzymem a Campobasso. Jego prace były wystawiane w kilku galeriach we Włoszech i za granicą: w Rzymie, Florencji, Novarze, Genui, Palermo, Stambule, Ankarze, Nowym Jorku, znajdują się także w kolekcjach prywatnych i publicznych.

Rysunki ołówkiem" Obserwator czasu Antonio Finelli wysyła nas w wieczną podróż po wewnętrznym świecie ludzkiej czasowości i rygorystycznej analizie tego świata z nim związanego, której głównym elementem jest upływ czasu i ślady jakie pozostawia na skórze.

Finelli maluje portrety ludzi w każdym wieku, płci i narodowości, których mimika twarzy wskazuje na upływ czasu, artysta ma też nadzieję na odnalezienie na ciałach swoich bohaterów dowodów na bezwzględność czasu. Antonio określa swoje prace jednym ogólnym tytułem: „Autoportret”, ponieważ w swoich rysunkach ołówkiem nie tylko przedstawia osobę, ale pozwala widzowi kontemplować prawdziwe skutki upływu czasu w człowieku.

Flaminia Carloni

Flaminia Carloni to 37-letnia włoska artystka, córka dyplomaty. Ma troje dzieci. Dwanaście lat mieszkała w Rzymie, trzy lata w Anglii i Francji. Ukończył historię sztuki w BD School of Art. Następnie otrzymała dyplom w specjalności konserwator dzieł sztuki. Zanim znalazła swoje powołanie i całkowicie poświęciła się malarstwu, pracowała jako dziennikarka, kolorystka, projektantka i aktorka.

Pasja Flaminii do malarstwa narodziła się w dzieciństwie. Jej głównym medium jest olej, ponieważ uwielbia „coiffer la pate”, a także bawi się materiałem. Podobną technikę poznała w pracach artysty Pascala Torua. Flaminia inspiruje się wielkimi mistrzami malarstwa, takimi jak Balthus, Hopper i François Legrand, a także różnymi nurtami artystycznymi: street artem, chińskim realizmem, surrealizmem i renesansowym realizmem. Jej ulubionym artystą jest Caravaggio. Jej marzeniem jest odkrycie terapeutycznej mocy sztuki.

Denis Czernow

Denis Chernov to utalentowany ukraiński artysta, urodzony w 1978 roku w Samborze w obwodzie lwowskim na Ukrainie. Po ukończeniu Charkowskiej Akademii Sztuk Pięknych w 1998 roku zamieszkał w Charkowie, gdzie obecnie mieszka i pracuje. Studiował również na Wydziale Grafiki Państwowej Akademii Projektowania i Sztuki w Charkowie, którą ukończył w 2004 roku.

Regularnie bierze udział w wystawach sztuki, w tej chwili było ich ponad sześćdziesiąt, zarówno na Ukrainie, jak i za granicą. Większość prac Denisa Czernowa znajduje się w zbiorach prywatnych na Ukrainie, w Rosji, Włoszech, Anglii, Hiszpanii, Grecji, Francji, USA, Kanadzie i Japonii. Niektóre prace zostały sprzedane w Christie's.

Denis pracuje w szerokim zakresie technik graficznych i malarskich. Rysowanie ołówkiem to jedna z jego ulubionych technik malarskich, tematyka jego rysunków ołówkiem jest również bardzo różnorodna, maluje pejzaże, portrety, akty, kompozycje rodzajowe, ilustracje książkowe, rekonstrukcje literackie i historyczne oraz fantazje.