>

Wszystko o reżyserii. Reżyseria spektakli masowych. Wykorzystanie otrzymanych informacji

Media, rozrywka w postaci filmów, spektakli, spektakli teatralnych itp. na stałe zadomowiły się w naszym życiu. Teraz nawet nie możemy sobie wyobrazić, jak byśmy żyli i bawili się, gdyby nie było telewizji i teatru. Ale przecież ktoś wymyśla te wszystkie produkcje i filmy, opracowuje scenariusz, ucieleśnia to, co zostało pomyślane w grze aktorów. O tym właśnie porozmawiamy w tym artykule.

W każdym filmie, programie i produkcji pojawia się zawód „Reżyser”. Pod tajemniczą nazwą kryje się pewien Opis pracy. Chociaż osoba, która jest daleko od branży filmowej, rozumie listę działań reżysera dość mgliście. A może w ogóle go nie reprezentuje. Jakim więc zawodem jest reżyser?

Tak naprawdę to reżyser jest najważniejszą osobą na scenie.Gra aktorska, obecność i rodzaj scenografii, jakość filmu, właściwy dobór rzucać, skład scenarzystów, aktorstwo głosowe, efekty specjalne i tak dalej. Zawód „Dyrektor” wiąże się z ciągłą komunikacją z wieloma osobami i zarządzaniem nimi. Bez niego panowałby chaos i kompletne nieporozumienie między ludźmi na stronie.

Zawód „Reżyser”: opis

Zawód ten jest bardzo złożony, pojemny, ale też fascynujący. Reżysera można porównać do dyrygenta orkiestry. To on kieruje poczynaniami wszystkich specjalistów znajdujących się na planie. Jego zadaniem jest osiąganie produktywności w interakcjach międzyludzkich, koordynowanie kolejności i potrzeby działania różne zadania, przekazać do kreatywny personel co i od kogo dokładnie jest wymagane, a co najważniejsze - w jakim czasie iw jakiej formie. Zawód „Reżyser” - najważniejszy w dziedzinie produkcji filmowych i teatralnych. To dzięki tym ludziom przedstawiane są nam naprawdę ekscytujące i fascynujące arcydzieła i produkcje światowego kina.

Historia zawodu

Historia zawodu „Reżyser” nie jest tak długa, jak mogłoby się wydawać. Pojawił się dopiero w drugiej połowie XIX wieku. Wcześniej takiego stanowiska nie było. Wydawałoby się, jak wtedy funkcjonowały teatry? W tamtych czasach przedstawienia wystawiali albo sami autorzy dzieł, albo trupa aktorska Razem. Zapotrzebowanie na reżyserów pojawiło się wraz ze wzrostem liczby kin, a także wraz z pojawieniem się przemysłu filmowego.

Zapotrzebowanie na zawód

Zawód „Reżyser filmowy” jest obecnie jednym z najbardziej prestiżowych. Przebicie się na szerokie ekrany, praca nad filmami, które później obejrzą miliony ludzi, jest ukochanym marzeniem wielu ludzi, którzy związali swoje życie z reżyserią. Jednak nie każdy może naprawdę osiągnąć takie wyżyny. W tej chwili reżyser może zajmować się nie tylko montażem filmowym, ale także towarzyszyć wakacjach i koncertach różnej wielkości, wystawiać spektakle w teatrach, pracować z grupą animatorów i tak dalej. Można więc powiedzieć, że popyt jest średni. W dużym kinie prawie go nie ma, ale w bardzo skromnych kręgach wystarczy, ale chętnych do pracy od czasu do czasu i to nawet za niewielką opłatą jest za mało.

Cechy ludzkie

Aby przebić się na dobrą pozycję w tym zawodzie, należy mieć komplet pewnych cechy ludzkie. Zawód „Dyrektor montażu filmowego i teatralnego” jest wyłącznie twórczy. Kandydat na dyrektora musi mieć wyjątkowe poczucie piękna. Doprowadzić grę aktorską do perfekcyjnego poziomu, wyczuć czasowe elementy spektaklu, zobaczyć, jakie dodatkowe i główne efekty są potrzebne, oświetlenie, sekwencję akcji i tak dalej. Reżyser musi widzieć obraz jako całość i jednocześnie w częściach, aby nie stracić z oczu żadnego ważnego szczegółu. Ponadto umiejętności komunikacyjne powinny być dobrze rozwinięte. Mimo to musisz stale pracować ogromna ilość bardzo różni ludzie, wyjaśnić im ich zadania, znaleźć podejście do każdego.

Umiejętności i zdolności reżysera

Zawodu reżysera można się nauczyć w kolegiach, akademiach, uniwersytetach, instytutach kultury i kinematografii. Przynajmniej jeden w każdym mieście daje możliwość nauczenia się tego rzemiosła. Zawód „Reżysera Teatralnego i Filmowego” wymaga doskonałej znajomości zarówno języków obcych, jak i krajowych, zarówno współczesnych, jak i historycznych. Reżyser musi rozumieć gatunki, umieć poprawnie wyrażać swoje myśli, zarówno ustnie, jak i pisemnie. Co ważne rozwinięte kaplica i piśmienna mowa. Żaden dyrektor nie może osiągnąć niczego w tym biznesie bez danych przywódczych. Wyobraźnia, szerokie spojrzenie, osobisty artyzm, umiejętność szybkiego podejmowania najbardziej nieoczekiwanych decyzji - to wszystko musi posiadać reżyser. Specyfika zawodu wymaga ciągłego doskonalenia tych danych.

Obowiązki dyrektora

Osoba ta jest odpowiedzialna za wybór scenariusza, przeczytanie go i poprawienie. Do jego zadań należy współpraca ze scenarzystami i producentami w celu znalezienia funduszy na adaptację filmową. reżyser” i „reżyser filmowy” oznacza bezpośredni udział w produkcji i organizacji adaptacji filmowej lub spektaklu teatralnego. Osoby te wybierają odpowiednich kandydatów do określonej roli, prowadzą z nimi prace przygotowawcze, wyjaśniają istotę przyszłej roli, niuanse grę, ustawić czas na filmowanie i próby Ostatni etap do obowiązków reżysera należy sprawdzanie właściwego poziomu na wszystkich etapach pracy. Musi zadbać o jakość dźwięku, oświetlenie, muzykę, scenerię, stylistów i tak dalej. Reżyser jest najważniejszym współpracownikiem wszystkich przedstawicieli na planie. Ponadto jest organizatorem, managerem i managerem w jednym. Do jego zadań należy również promocja potomstwa, reklama, sprzedaż do kin czy teatrów. Bez jego aktywnego udziału nikt nigdy nie usłyszy o nowym arcydziele.

Najbardziej znane uniwersytety

Prawie wszyscy rosyjscy reżyserzy są absolwentami dwóch znanych moskiewskich uniwersytetów. To jest Wszechrosyjski instytut państwowy Kinematografia nazwana na cześć S.A. Gierasimowa (VGIK) i Te dwa uniwersytety wydały wiele kreatywnych i utalentowanych osób. Dość trudno się tam dostać. I najprawdopodobniej będziesz musiał studiować za opłatą. Jest tylko 5-8 budżetowych miejsc. Ale perspektywy, jakie te instytucje edukacyjne dają swoim studentom, są warte pieniędzy, które trzeba zapłacić za edukację. Edukacja i sława miejsca, w którym się ją otrzymuje jest bardzo ważny punkt w karierze publicznej.

Plusy i minusy bycia reżyserem

Praca reżysera jest dość pracochłonna, wymaga od człowieka pełnego poświęcenia. Aby przebić się na mniej lub bardziej godną pozazdroszczenia pozycję, będziesz musiał bardzo ciężko pracować. Czasem nawet przez cały dzień. Szukaj okazji, znajduj i nawiązuj przydatne kontakty, utrzymuj kontakt z wieloma właściwymi osobami jednocześnie. Ponadto będziesz musiał zainwestować wiele emocji i własnych uczuć w proces twórczy i proces przekazywania swojego punktu widzenia ludziom wokół ciebie. Będziesz musiał pracować dużo, długo, ciężko i nie zawsze za dobrą zapłatę. Ewentualnie, żeby dostać dobry projekt, będziesz musiał przejść kilka konkursów za darmo. Ale jeśli plan jest już urzeczywistniony, szacunek, pozycja w społeczeństwie i materialna strona sprawy nie zawiodą.

Oczekiwania płacowe

Możesz rozpocząć karierę z W zależności od całkowitego kosztu projektu, wynagrodzenie asystentów waha się od dwudziestu do czterdziestu tysięcy. Reżyserzy i producenci różnych dużych konferencji i wystaw, dla których przeznaczone są różne prezentacje duża liczba uczestnicy mogą otrzymać wynagrodzenie w wysokości od siedemdziesięciu do dwustu tysięcy rubli za projekt.

Oszacowanie średnich wynagrodzeń w tym zawodzie jest dość trudne. Odnoszący sukcesy reżyserzy mogą zarabiać miliony na swoich filmach, podczas gdy niskobudżetowi filmowcy i produkcje mogą pracować za grosze. W teatrze reżyser może otrzymać zarówno procent od wpływów z całego przedstawienia, jak i jasno określoną pensję. Wynagrodzenie zwykle w takich przypadkach wynosi od trzydziestu pięciu do pięćdziesięciu tysięcy rubli miesięcznie. Oprocentowanie może być bardziej opłacalne, ale nie obiecuje stabilności.

Wyślij swoją dobrą pracę w bazie wiedzy jest prosta. Skorzystaj z poniższego formularza

Dobra robota do serwisu">

Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy korzystają z bazy wiedzy w swoich studiach i pracy, będą Wam bardzo wdzięczni.

Wysłany dnia http://www.allbest.ru/

REGIONALNA SZKOŁA KULTURY WORONEŻA

Raport

Temat: Podstawy kierowania KDP

na temat: Reżyseria, koncepcja i istota.

Ukończony przez studenta I roku

MSKD Sacharowa I.S.

Sprawdzone: Bukharova O.V.

Bobrow 2017

Wstęp

Podstawy reżyserii

systemu Stanisławskiego

Wniosek

Wstęp

W sensie dosłownym słowo „dyrektor” (od francuskiego czasownika „zarządzać”) to kierownik. W połowie ubiegłego wieku pojęcie „reżysera” nie oznaczało więcej. Spektakl był przygotowywany i odgrywany przez aktorów, a reżyser dbał o to, aby kostiumy, rekwizyty, charakteryzatorzy i iluminatorzy dobrze i na czas służyli aktorom. Słownik wyjaśniający VI. Dahl mówi: „Reżyser jest kierownikiem aktorów, wyznacza, co ma dać, a co położyć, przydziela role”. Reżyser – z łac. „kieruję”, zawód reżysera to zawód XX wieku. Wcześniej żadna epoka nie znała takiej specjalności. Chociaż teatr od niepamiętnych czasów, od czasów starożytnych, był kontrolowany: zawsze ktoś stał na jego czele, ktoś zawsze kierował jego życiem. W słowniku Brockhausa i Efrona (1699) znajduje się następująca definicja pojęcia „reżyser”: „Reżyser to osoba, która kieruje aktorami, gra przedstawienia, ustala repertuar, rozdziela role, zarządza kostiumami, scenografią”.

Na scenie rosyjskiej era reżysera rozpoczęła się na dobre w 1898 roku, kiedy aktor-amator Stanisławski i pisarz Niemirowicz-Danczenko postanowili stworzyć artystyczny teatr publiczny. O spotkaniu tych dwojga ludzi na „Słowiańskim Bazarze” wie teraz cały świat. Ale historia rosyjskiego teatru zaczyna się znacznie wcześniej. W XIX wieku Gogol i Ostrowski położyli podwaliny pod sztukę reżyserską na scenie (rosyjskiej), którą kontynuowali K.S. Stanisławski i V.I. Niemirowicz-Danczenko.

Zadaniem dramatopisarza jest pisanie dobra gra zadaniem aktora jest dobrze zagrać w tej sztuce, a zadaniem reżysera jest dobrze ją wystawić. W końcu zawód reżysera to odważna, profesjonalna produkcja sztuki pod każdym względem. Z talentem artystycznym, z talentem organizacyjnym, wszechogarniającym umysłem daje reżyserowi prawo do zajmowania pierwszego miejsca na czele teatru.

Podstawy reżyserii

Reżyseria w sensie nowożytnym – jako twór osobisty, zaczęła się intensywnie kształtować w teatrze europejskim dopiero w XV-XVI wieku. Ważną rolę w tym zakresie odegrało pojawienie się loży scenicznej – przeniesienie przedstawień teatralnych z estrady ulicznej, skwerowej, targowej do zamkniętych pomieszczeń pałacu, a następnie do specjalnie wzniesionych budowli. Widoczne tło przedstawień zaczęto starannie opracowywać, co powołało do życia znaczące teatr europejski 17-19 wieków postać artysty-dekoratora, który w taki czy inny sposób pełnił funkcję reżysera.

Jeszcze w latach 90. XIX wieku słownik Efrona i Brockhausa tak definiował zawód reżysera: „...W naszych czasach autor, choć obecny na próbach, nie ma już takiej potrzeby, dba o szczegółów przedstawienia; to troska reżysera, od której wymaga się nie tylko gruntownej znajomości sceny, literatury i archeologii, ale także dużego taktu i umiejętności dogadania się z artystami. Najważniejsze w tym artykule jest wybór reżyserii jako odrębnego zawodu i zainteresowanie tym zawodem.

Wszystko to przygotowało teatr do gigantycznego skoku, jaki dokonał w drugiej połowie XIX wieku, naznaczonego działalnością R. Wagnera i L. Kronega w Meiningen Theater i zakończonego swego rodzaju rewolucją w sztukach widowiskowych na przełomu XIX i XX wieku, kiedy dyrektorami kreatywnymi zespołów teatralnych zostali wszędzie reżyserzy. Zjawisko to zostało naznaczone pojawieniem się całej galaktyki „wielkich”, którzy na długie lata zdeterminowali oblicze zawodu reżysera: w Rosji – K. Stanisławski, Vs. Meyerhold, A. Tairow, E. Wachtangow; we Francji - A. Antoine, J. Capo; w Niemczech - M. Reinhardt; W Anglii - G. Craig. Reżyseria pojawiła się jako niezależna forma działalności twórczej.

Istnieje wiele sformułowań określających znaczenie zawodu Dyrektora. Od „reżyserii to sposób na życie” do „reżyser to człowiek myślący przestrzennie”. Ale jednocześnie niejako powstaje wiele różnych zawodów reżyserskich: reżyser teatralny, reżyser operowy, choreograf, dyrektor teatru muzycznego i dramatycznego, reżyser pantomimy, dyrektor cyrku, reżyser kina (fabularnego, dokumentalnego, popularnego nauka, animacja), reżyser telewizyjny, reżyser-reżyser itp. i tak dalej. Jednak po namyśle dźwiękowym dochodzi się bardzo szybko do wniosku, że zawód reżysera jest tylko jeden - Reżyser, a wszystkie powyższe absurdy wiążą się tylko z różnicą technologii w różnych sztukach czasoprzestrzennych. Można bardzo z grubsza powiedzieć, że reżyser, specjalista, który realizuje swój zamysł twórczy za pomocą określonych środków swojej profesji, realizuje go w czasie i przestrzeni, tworząc dzieła sztuki czasoprzestrzennej. Tak więc praca reżysera składa się niejako z dwóch głównych etapów: koncepcji i realizacji (inscenizacji).

Pomysł jest wstępnym pomysłem reżysera na jego przyszłe dzieło, jego mniej lub bardziej świadomym pierwowzorem, od którego rozpoczyna się proces twórczy.

Plan, wniosek, szkic, wyjaśnienie – to najczęstsze formy utrwalania pomysłu. Niektórzy reżyserzy bardzo szczegółowo malują swój pomysł na papierze, starając się go jak najdokładniej skonkretyzować (francuski reżyser Rene Clair jest właścicielem frazy: „Mój film jest już gotowy - pozostaje tylko go nakręcić”). Inni reżyserzy, jak Michelangello Antonionni, starają się nie precyzować pomysłu przed przystąpieniem do pracy na planie.

W realizacji zamysłu reżysera dominuje wizualizacja, tj. reprodukcja poprzez kierowanie zewnętrznym zmysłowo konkretnym obrazem rzeczywistości.

Jednak pomimo całego znaczenia prac przygotowawczych, pomysłu, głównego momentu pracy reżysera przypada na pracę na planie (okres prób w teatrze, okres zdjęć w kinie iw telewizji). I niezależnie od tego, jak reżyser przygotowuje się do pracy, na tym etapie jego praca zawsze ma charakter improwizacyjny.

Improwizacja to twórczy, chwilowy akt tworzenia grafika, fantazja na zadany temat. To właśnie w procesie improwizacji najdobitniej manifestują się cechy indywidualności twórczej reżysera.

Dyrektor jest potrzebny twórcza indywidualność, niepowtarzalną oryginalność osobowości, nadając niepowtarzalny charakter efektom swojej pracy. Zakres i godność tego, co reżyser tworzy lub co jest w stanie stworzyć, zależy od tego, kim jest jako jednostka. Reżyseria jest ze swej natury działalnością twórczą, autorską, „dramatyczną”. Tylko indywidualność twórcza w sztuce ma intuicję - zdolność bezpośredniego dostrzegania ukrytego holistycznego znaczenia w zjawiskach rzeczywistości, ową "nieświadomą, instynktowno-figuratywną zasadę i bodziec do twórczości" (Bergson). Tylko indywidualność w sztuce jest w stanie stworzyć własną koncepcję artystyczną - figuratywną interpretację życia. Koncepcja obejmuje zarówno całokształt twórczości reżysera, jak i poszczególne jego dzieła, zawiera w sobie pewną semantyczną dominantę.

Reżyser do realizacji swojego zamysłu wykorzystuje cały wachlarz środków plastycznych i wyrazowych, czyli system historycznie ustalonych materialnych środków i metod tworzenia obrazów artystycznych. W swojej specyficznej całości i wzajemnym powiązaniu środki wizualne i ekspresyjne tworzą artystyczną formę dzieła sztuki, ucieleśniając jego treść. Jako elementy formy artystycznej środki figuratywne i ekspresyjne mają znaczenie techniczno-konstrukcyjne, kompozycyjno-strukturalne, a jednocześnie są nośnikami znaczenia figuratywnego.

Bogactwo i figuratywność środków plastycznych i wyrazowych jest wyznacznikiem kunsztu dzieła sztuki. Z reguły im bardziej skomplikowana koncepcja dzieła, tym bardziej wyrafinowane środki plastyczne i wyrazowe stosuje reżyser. Szczyty złożoności osiągają w tak zwanej sztuce intelektualnej, elitarnej.

Intelektualizm w sztuce reżyserskiej jest specjalny typ, sposób, forma, pojęciowy i filozoficzny magazyn myślenia artystycznego, w którym świat jawi się jako dramat idei, których bohaterowie uosabiają i poprzez swoje działania przekazują (gra twarzami) myśli autora, wyrażają różne aspekty jego koncepcja artystyczna. Intelektualizm w sztuce kojarzy się zazwyczaj z posługiwaniem się tzw. myślą paraboliczną, włączeniem do utworu przypowieści lub innych wstawianych elementów, które wydają się być dalekie od omawianej w nim problematyki. Jednak odejście od tych problemów nie następuje w linii prostej, ale wzdłuż paraboli, która niejako zwraca myśl, która odeszła na bok do problemu. Filozofia staje się więc nie tylko treścią, ale i strukturą dzieła sztuki, zmieniając sam jego typ: koncepcja-performansu, koncepcja-baletu, koncepcja-filmu. Praca staje się nośnikiem informacji artystycznej.

Informacje artystyczne ujawniają specyfikę przekaz artystyczny, który polega na tym, że oddziałuje emocjonalnie, nie jest przekazywany standardowymi znormalizowanymi językami, ale jest systemem zindywidualizowanych obrazów artystycznych. Często łącząc różne informacje artystyczne w jedną całość, reżyser posługuje się metodą kolażu, czyli włączania do dzieła różnych przedmiotów lub tematów za pomocą montażu, aby wzmocnić całościowy efekt ideowy i estetyczny. Metodę tę stosowali Bertolt Brecht i Jewgienij Wachtangow, Jurij Ljubimow i Erwin Piscator, Federico Fellini i Andriej Tarkowski.

Kolaż to organizacja środków figuratywnych i ekspresyjnych według zasady parabolicznej, będąca strukturalną podstawą intelektualizmu w reżyserii, dostarczająca licznych semantycznych paraleli i kontrastów. Posługuje się najrozmaitszymi przybliżeniami, analogiami, wariacjami, powtórzeniami, niekiedy pełniąc rolę motywów przewodnich. Montując odcinki, kadry, mise-en-scènes, repliki, reżyser tworzy widoczny intelektualny kolaż, który niesie ze sobą informacje artystyczne i figuratywne. Montaż, porządkowanie materiału, to dzieło reżysera, jego sposób bycia w sztuce.

Reżyser, jako twórca ról, realizuje swoją wolę twórczą nie za pomocą stworzonych przez siebie środków materialnych i wizualnych, ale poprzez twórczość aktora, łącząc jego inicjatywę artystyczną z jego wolą, urzeczywistniając jego zamiar w swoich działaniach słownych i fizycznych . Reżyser działa jak katalizator sztuki aktorskiej, uzurpując sobie prawa aktora, aby wykorzystać je w interesie integralności spektaklu.

Tak więc głównym tworzywem twórczości reżysera jest Aktor, który poprzez swój aparat psychofizyczny wyraża intencję reżysera. Aktor znajduje się w samym centrum wydarzeń scenicznych. Jest żywym łącznikiem między tekstem autora, sceniczną decyzją reżysera a percepcją widza. Wykorzystując różnorodne materiały, w tym heterogeniczne elementy spektaklu, reżyser tworzy ów „labirynt powiązań”, w którym zdaniem Lwa Tołstoja zawarta jest istota sztuki. Trójwymiarowe konstrukcje sceniczne, dźwięk, a przede wszystkim ruchy i postawy aktora, splecione wolą reżysera, dają początek całkowicie nowej zjawisko artystyczne. Tworząc i operując mise-en-scenes, reżyseria uzyskuje specyficzny dla siebie przedmiot estetyczny, który wykracza poza kompetencje innych form sztuki. Są to odciśnięte wizualnie fragmenty przestrzeni z ich ciągłymi zmianami w czasie.

Cały kompleks środków plastycznych i wyrazowych pozwala reżyserowi zrealizować w przedstawieniu swoje fantazje, swoją artystyczną fikcję. Fikcja artystyczna to rodzaj akcji, w której pojawiają się postacie i zdarzenia istniejące początkowo tylko w wyobraźni twórców spektaklu, a następnie w wyobraźni widza. Akcja związana z fabułą to akcja „frywolna”, która nie nakłada żadnych zobowiązań na autorów spektaklu (reżysera i dramatopisarza). Inscenizacja jest fikcją artystyczną zrealizowaną w czasie i przestrzeni, gdyż w całości zrodziła się z wyobraźni autorów. W nim fikcja jest realizowana przez co najmniej dwóch „udawaczy”: reżysera i aktorów.

Praca z aktorem to jeden z kluczowych problemów reżyserii. Istnieją trzy rodzaje relacji między aktorem a reżyserem. Pierwszy to ten idealny, co zdarza się dość rzadko: zupełny twórczy przypadek, wspólna twórczość i poszukiwanie prawdy. Drugi - reżyser i aktor zbliżają się do siebie niczym górnicy kopiący tunel z dwóch stron. A trzecia, najbardziej rozczarowująca, to zupełna rozbieżność poglądów i pragnień, kiedy reżyser po prostu narzuca stawiającemu opór aktorowi rysunek roli.

W sztuce reżyserskiej problem relacji między jednostką a typowym jest jednym z najbardziej złożonych i zagmatwanych. Jednostka w sztuce (z łac. individuum – niepodzielny) to reprodukcja istotnych aspektów rzeczywistości w ich unikalnych, indywidualnie wyróżniających się „formach samego życia”. (Czernyszewski). To, co typowe w sztuce, wyraża się poprzez jednostkę. W ramach artystycznego uogólnienia jednostka nie sprowadza się do bezkrytycznego utrwalania wszystkich cech, cech charakteru, cech przedstawionych przedmiotów. Polega na rygorystycznej selekcji. To dzięki jednostce postacie nabierają cechy, której stopień i imponująca siła zależą od zdolności reżysera do wydedukowania postaci z okoliczności, które ją determinują, sytuacji historycznej, otoczenia. Charakterystyczny (od greckiego znaku - cecha wyróżniająca, cecha) – ogólna, istotna w charakterze postaci, zdarzenia, krajobrazu, wnętrza, przeżycia. Typowy (od greckich typów - próbka, odcisk, forma) to wzmocnione, hiperboliczne ucieleśnienie właściwości poznawalnej artystycznie rzeczywistości w osobach, wydarzeniach, faktach przedstawionych w dziele sztuki. W typowym cecha osiąga maksimum zgodności między jednostką a ogółem, staje się kompletna i absolutna. Umocnienie roli typowego w teatrze doprowadziło do powstania ról – rodzaju roli aktora, odpowiadającej jego wiekowi, wyglądowi i stylowi gry (rola soubrettes, bohater-kochanka, ingenue itp. ).

Widz chce zobaczyć w dziele sztuki nie tylko odbicie rzeczywistości, ale pewnego rodzaju wyidealizowaną rzeczywistość, w której zarówno pozytywne, jak i negatywne wartości są maksymalnie zaakcentowane w zmysłowo-figuratywnej formie. Przede wszystkim Postać przechodzi ten proces idealizacji. Postać (od łacińskiego persona - maska, twarz) - obraz artystyczny osoba, która działa w określonej sytuacji. Postać, oprócz emocji (których jest nosicielem), obdarzona jest określonym wyglądem i cechami zachowania. Będąc sposobem artystycznego rozwoju cechy osoby, charakter ma ogromne znaczenie nie tylko w dramatyczne widoki sztuki, ale także w innych formach figuratywnych. Cechy charakteru mają różne stopnie pewności: niektóre z nich są bezpośrednio ucieleśnione w obrazie wizualnym, inne są obecne w dziele sztuki pośrednio, jako odwołanie do wyobraźni odbiorcy, wchodząc do świadomości percepcyjnej w postaci dowolnych obrazów . W dziele sztuki Postacie są ze sobą skorelowane, tworząc swoisty system, będący centrum konstrukcji artystycznej, najważniejszym obiektem kompozycji. Główne wymagania jakie pojawiają się podczas wcielenia postaci, modelowania jej postaci to dokładność i szczegółowość. Reżyser kreuje swoich bohaterów pośrednio, poprzez aktora. Aktor jest nosicielem znaków, ośrodkiem informacji o opowiadanej historii, o tym, co psychologiczne i charakterystyka plastyczna charakteru, o związku z przestrzenią sceniczną czy przebiegiem spektaklu. Nawet jeśli jego rola w przedstawieniu wydaje się względna i wymienna (przedmiot, scenografia, dźwięk, środki techniczne), pozostaje celem i sensem każdej praktyki dramatycznej. Tu rodzi się specyfika relacji zaufania między reżyserem a aktorem.

Ludzka percepcja obrazów przestrzennych odbywa się zawsze w czasie, zawsze jest dyskretna (nieciągła). Reżyser ułatwia tę percepcję, wyznaczając w swoim spektaklu ramy czasowe, według których nasza percepcja rozkłada się na odrębne takty rytmiczne. W twórczości reżysera czas jest nie tylko przedmiotem reprezentacji, ale także środkiem wyrazu.

Tak wygląda struktura czasu w sztukach czasoprzestrzennych: - czas empiryczny - czas w rzeczywistości, która służy jako materiał do pracy; - czas opowieści- organizacja fabuły w czasie; - czas widza - uwzględnia czas trwania percepcji.

Kolejnym istotnym elementem pracy reżysera jest rozwiązywanie problemów przestrzennych. Struktura przestrzeni w sztukach performatywnych dzieli się na trzy komponenty: 1) Przestrzeń, w której znajdują się obiekty; 2) Przestrzeń, w której znajduje się publiczność; 3) Płaszczyzna sceny (ekranu) odzwierciedlająca pierwszą i sugerująca drugi.

Zasada struktury przestrzeni jest tożsama z zasadą realizowaną w strukturze czasu, gdyż obie kategorie – przestrzeń i czas – są ze sobą ściśle powiązane. Istnieją jednak między nimi również istotne różnice strukturalne i funkcjonalne. Ponadto istnieją znaczne różnice w artystycznej ekspresji przestrzeni w reżyserii wolumetrycznej ( Teatr Dramatu, balet, opera, scena, cyrk) i planarne (kino, telewizja, teatr lalkowy). Artystyczna ekspresja przestrzeń sztuka wolumetryczna jest osadzony w stopieniu przestrzeni sceny, przestrzeń sceniczna I audytorium, z niezbędną swobodą w wyborze kąta widzenia widza.

Artystyczna wyrazistość przestrzeni sztuk płaskich wynika z jedności filmowanej, przedstawianej i postrzeganej przestrzeni, którą charakteryzuje geometria postrzegania przez widza płaskiego ekranu.

W obu przypadkach jednostkom tym podporządkowane są układy dynamiczne prawa ogólne. Przejście z Ogólny plan na dużą, zmiana mise-en-scène na frontalną jest już modyfikacją tej jedności: przestrzeń z głębi z reguły przekształca się w płaską. W związku z tym niejako zmienia się pozycja przestrzenna widza: punkt widzenia „z boku” zostaje zastąpiony punktem widzenia „od wewnątrz” przedstawianej przestrzeni.

Struktura przestrzeni (a także czasu) jest w pewnym stopniu zdeterminowana rodzajem, gatunkiem czy kierunkiem stylistycznym dzieła.

Banały, banalne prawdy, mity sztuki – ich znajomość lub niewiedza często decyduje o wyborze zawodu. Rozwiewanie mitów i poznanie wspólnej płaszczyzny pozwala podjąć decyzję początkującemu reżyserowi. Być może ta wiedza doprowadzi kogoś do stwierdzenia: „To nie dla mnie. Nie jestem zainteresowany”. I, dzięki Bogu, będzie o jednego amatora mniej.

Jeśli zainteresowanie zawodem nie zniknęło, to przed rozpoczęciem nauki podstawy technologiczne, należy zwrócić uwagę tylko na najczęstsze podstawy teoretyczne sztuki dramatycznej, aby zrozumieć, dlaczego ludzie to robią od tysięcy lat, dlaczego mówimy o aktorstwie, dlaczego słowo „zabawa” jest tak często używane w odniesieniu do tego rodzaju działalności.

Podstawowe zasady współczesnej reżyserii

Reżyseria artystyczna polega na twórczym zorganizowaniu wszystkich elementów przedstawienia w celu stworzenia jednego, harmonijnie integralnego dzieła sztuki. Reżyser realizuje ten cel w oparciu o swoje kreatywny pomysł oraz nadzorowanie działań twórczych wszystkich osób zaangażowanych w zbiorową pracę nad scenicznym wykonaniem spektaklu. Dzięki reżyserii spektakl jako całość nabiera stylistycznej jedności i ogólnej celowości ideowej (co Stanisławski nazwał superzadaniem spektaklu). Dlatego też wraz ze wzrostem wymagań ideowych i estetycznych wobec spektaklu samo pojęcie sztuki reżyserskiej rozszerzało się i pogłębiało, a jej rola w złożonym kompleksie różnych elementów składowych teatru stale rosła.

Na skład intencji reżysera składają się: 1. ideowa interpretacja sztuki (jej twórcza interpretacja); 2. charakterystyka poszczególnych postaci; 3. określenie cech stylistycznych i gatunkowych gry aktorskiej w tym przedstawieniu; 4. rozstrzygnięcie wykonania w czasie (w rytmach i tempach); 5. rozwiązania performansu w przestrzeni (w postaci inscenizacji i layoutów); 6. istota i zasady projektowania dekoracyjnego i muzyczno-szumowego.

Mówiąc o decyzji reżysera spektaklu, nie można nie wspomnieć o głębokich i owocnych naukach Vl. I. Niemirowicz-Danczenko o „trzech prawdach”: prawdzie życia, prawdzie społecznej i prawdzie teatru. Te trzy prawdy są ze sobą ściśle powiązane iw ich jedności, zgodnie z nauką, nazywane są interakcją i przenikaniem się. Nie da się odsłonić prawdy społecznej przedstawionej rzeczywistości, pomijając jej żywotną prawdę – w tym przypadku prawda społeczna zabrzmi jak czysta abstrakcja, jak schemat i okaże się nieprzekonująca. Z prawdy życiowej, wyjętej poza prawdę społeczną, zrodzi się małostkowa, powierzchowna, prymitywna sztuka naturalistyczna. Ale obie prawdy - zarówno żywotna, jak i społeczna - nie będą mogły się ujawnić, jeśli w swojej jedności nie odnajdą dla siebie jasnej prawdy. forma teatralna i nie zamieni się w teatralną prawdę. Zdarza się, że reżyser, któremu nie można zarzucić obojętnego stosunku do życia, aktywnie i sumiennie szuka w spektaklu podstaw do pasji twórczej i wciąż ich nie znajduje.

Uznaje artystyczne i ideowe walory spektaklu i jest gotów zgodzić się, że jest on potrzebny i pożyteczny oraz że powinien być wystawiany. Ale jednocześnie dodaje: niech to ktoś inny położy! Oznacza to, że akt twórczego zapłodnienia nie miał miejsca. A bez tego organiczne narodziny twórczego pomysłu są niemożliwe. Dlatego reżyser nie może odrywać się od życia, musi żyć jego zainteresowaniami, zacieśniać więzi z ludźmi, wchłaniać w siebie żywe wrażenia, jakie rzeczywistość dostarcza w każdej godzinie, w każdej sekundzie. Czytać i zastanawiać się, być może głębiej, nad każdą sztuką, która stara się odzwierciedlić tę rzeczywistość, ale nie podejmować się pracy, która tak naprawdę go nie urzeka.

Niezależnie od gatunku spektaklu – prostego czy złożonego – reżyser jest zobowiązany do zrealizowania w przedstawieniu wszystkich jego elementów cechy gatunkowe. I w tym celu sam musi głęboko i szczerze doświadczyć wszystkich związków, wszystkich uczuć autora do tematu obrazu: jego miłości i nienawiści, jego bólu i pogardy, jego zachwytu i czułości, jego złości i oburzenia, jego kpiny i smutek.

Tylko głęboko i namiętnie przeżywany przez reżysera stosunek do przedstawianych jest w stanie zapewnić ostrość, jasność i wyrazistość formy. Obojętny stosunek do życia rodzi albo bladą, żałosną naturalistyczną formę zewnętrznego naśladowania życia, albo formalistyczne wybryki i wszelkiego rodzaju zwroty akcji.

systemu Stanisławskiego

reżyser kreatywność obrazkowa Stanisławski

System Stanisławskiego - nauki K.S. Stanisławskiego o pracy reżysera i aktora nad sztuką i rolą. Stanisławski za niezbędne momenty pracy próbnej uważał określenie akcji przejściowej spektaklu i jej nadrzędnego zadania.

W systemie Stanisławskiego: rozwiązany jest problem świadomego panowania nad podświadomymi procesami twórczymi; eksplorowana jest ścieżka organicznej przemiany aktora w postać. System K.S. Stanisławskiego jest jedną, nierozerwalnie połączoną całością. Każda jej sekcja, każda część, każda pozycja i każda zasada jest organicznie połączona ze wszystkimi innymi zasadami, częściami i sekcjami. Dlatego jakikolwiek jej podział (na działy, tematy itp.) ma charakter teoretyczny, warunkowy. Jednak, aby studiować system K.S. Stanisławskiego, jak każda nauka, jest możliwa tylko częściowo. Sam Stanisławski zwrócił na to uwagę. łączność oddzielne sekcje systemów między sobą znajduje również odzwierciedlenie w proponowanym „Indeksie”. Jego zadaniem jest pomoc w specjalnym badaniu głównych, najważniejszych zagadnień systemu. Badanie systemu wymaga własnej znajomości źródła, czyli lektury przede wszystkim samego Stanisławskiego - jego opublikowanych pism i dokumentalnych zapisów jego studiów i rozmów.

K. S. Stanisławski nie pozostawił specjalnej książki poświęconej reżyserowaniu sztuki. Tymczasem był nie tylko genialnym reżyserem – stworzył cały nurt w sztuce reżyserskiej. Przeprowadzona przez Stanisławskiego reforma sztuki reżyserskiej opiera się na nowym zrozumieniu istoty tego zawodu, zrozumieniu wynikającym z „systemu”, a więc organicznie z nim związanym.

W swojej praktyce reżyserskiej K.S. Stanisławski szeroko wykorzystywał wszystkie środki wyrazu, którymi dysponował reżyser, niezmiennie podporządkowując je jednemu celowi – ucieleśnieniu idei spektaklu. Ale ze wszystkich tych licznych środków uważał sztukę aktorską „szkoły doświadczeń” za główną, decydującą.

Umiejętność prawidłowego zrozumienia zabawy, czyli umiejętność jej odkrycia treści ideologiczne w jedności z rozwijającym się w nim konfliktem, z fabułą; umiejętność odtworzenia na scenie zmagań wynikających z dramatyczny konflikt odgrywanie ról i zmuszanie aktorów do „prawdziwego, produktywnego i celowego działania zgodnie z przebiegiem każdej roli, umiejętność jednoczenia zespołu wokół twórczych zadań i umiejętność jego właściwego wychowania” – to wszystko leży u podstaw umiejętności kierowania w zrozumieniu z K.S. Stanisławski.

Praktyka K.S. Stanisławskiego i dokumentalne zapisy procesu jego pracy reżyserskiej dostarczają bogatego materiału do badania warsztatu reżyserskiego K.S. Stanisławskiego - jego umiejętność znajdowania decyzji reżyserskich sztuk, scen, obrazów, które uderzają głębią i dokładnością oraz umiejętność wcielania tych decyzji w sztukę aktorską.

Umiejętności reżyserskie K.S. Stanisławski jest zapisany z największą kompletnością w książkach: „Plan reżysera dla Othello”; Gorczakow. lekcje reżyserii; Toporkow. Stanisławski na próbie.

Przy uważnej lekturze książki te mogą dać jasny obraz nie tylko różnorodności jego technik, ale także cech jednolitej metody twórczej reżysera Stanisławskiego.

„Konieczne jest, aby z jednego przejazdu na drugi wydajność rosła na wszystkich jej liniach. Przede wszystkim wzdłuż linii kształtowania się idei w niej zawartej przez autora i coraz większego rozwoju w niej akcji przekrojowej – walki sił, czyli aktorzy za i przeciw idei. Dlatego reżyser, prowadząc te próby „pod ołówkiem”, powinien zwrócić uwagę na główne wady w tworzeniu spektaklu wzdłuż wskazanych linii, a nie na pojedyncze drobiazgi.

Wniosek

Sztuka reżyserii to sztuka tworzenia jednego, harmonijnie integralnego dzieła artystycznego sztuki teatralnej za pomocą twórczej organizacji wszystkich elementów spektaklu.

Reżyseria to najmłodsza ze sztuk teatralnych. Aktorstwo istnieje odkąd istnieje teatr, a sztuka dramaturgiczna istnieje prawie tak samo długo. Z historii teatru wiadomo, że przez wiele wieków produkcją spektaklu kierowali bądź to dramatopisarze, bądź czołowi aktorzy trupy, bądź po prostu przedsiębiorcy. I dopiero od końca XIX wieku, kiedy zgodnie z trafnym określeniem Yu.K. Gierasimowa, „powstał instytut reżyserii, który zrealizował się w integralnej i suwerennej formie”, proces rozwoju sztuki teatralnej zaczął być kierowany przez reżyserię. Tak to się zaczęło Nowa scena w historii teatru: jeśli wcześniej wystawiano przedstawienia, to teraz zaczęto je tworzyć. Reżyser tworzy, czyli „komponuje” dzieło sztuki teatralnej, co pozwala mu nazywać się jego autorem.

Reżyser występuje nie jako organizator procesu twórczego, nie jako nauczyciel, nie jako interpretator treści spektaklu, ale jako twórca, autor, „pisarz”, suwerenny przedstawiciel sztuki reżyserskiej. Reżyseria jest zatem sztuką plastycznej kompozycji spektaklu.

Spis wykorzystanej literatury

1. D. Wiertow, Artykuły, pamiętniki, plany, M., 1966

2. Karp Wiaczesław Iljicz, Podstawy reżyserii, M, 2003

3. Kuleshov L.V., Sztuka kina, M., 1929

4. Kuleshov L.V., Podstawy reżyserii filmowej, M., 1941

5. Kuleshov L.V., Rama i montaż, Moskwa, 1961; Pudovkin VI, Wybrane artykuły, M., 1955.

6. Popov A.D., Integralność artystyczna przedstawienia, M., 1959, s. 207.

7. Reisz K., Technika montażu filmowego, - przeł. z angielskiego, [M., 1960].

8. Felonov L., Montaż jako forma sztuki, M., 1966

9. Chejfity. I. O kinie. Sztuka, M., 1966

10. Eisenstein S.M., Artykuły wybrane, Moskwa 1956.

11. Eisenstein SM, Wybrane prace, t. 2, M., 1964

Hostowane na Allbest.ru

Podobne dokumenty

    Reżyseria jako najmłodsza ze sztuk teatralnych. Intelektualizm w sztuce reżyserskiej. Aktor jest głównym tworzywem twórczości reżysera. Podstawowe zasady współczesnej reżyserii. Nauki K. Stanisławskiego o pracy reżysera i aktora nad sztuką i rolą.

    streszczenie, dodano 07.08.2010

    Główny materiał w sztuce reżysera. Twórczość artysty zaangażowanego w powstanie spektaklu. Wyrażenie aspiracji ideowych i twórczych aktora. kreatywna organizacja akcja sceniczna. Zachowanie aktora na scenie. Techniki reżyserskie.

    test, dodano 24.08.2013

    Droga życia aktora, reżysera, nauczyciela, twórcy systemu sztuki aktorskiej Stanisławskiego. Inscenizacja wraz z Niemirowiczem-Danczenką najważniejszych przedstawień Teatru Artystycznego. Działalność reżyserska Stanisławskiego po 1920 roku.

    prezentacja, dodano 14.11.2012

    System K. Stanisławskiego jako podstawa kształcenia aktora i reżysera. Uogólnienie doświadczenia twórczego i pedagogicznego Stanisławskiego, jego teatralnych poprzedników i współczesnych. Praca aktora nad rolą i reżysera nad spektaklem, podstawy etyki teatralnej.

    praca kontrolna, dodano 13.05.2010

    Charakterystyka funkcji reżysera w teatrze, etyka teatralna. Analiza własna podczas pracy nad opracowaniem. Akcja jako podstawa sztuki teatralnej, umiejętność wykorzystania akcji jako pojedynczego procesu. Specyficzne funkcje sztuka teatralna.

    test, dodano 18.08.2011

    Historia powstania reżyserskiego talentu Romana Viktyuka i otrzymanych przez niego nagród. Cechy produkcji reżyserskich. Spektakl "Salome" jako znak rozpoznawczy teatru i opinia krytyków sztuki na jego temat. Niejednoznaczność w ocenie pracy Viktyuka.

    test, dodano 23.10.2015

    Przegląd głównych kierunków rozwoju sztuki reżyserskiej w Rosji. Szkoła reżyserska V.I. Niemirowicz-Danczenko. Kierowanie przeszukaniami K.S. Stanisławski. „Głęboka forma z jasną treścią” w teatrze E.B. Wachtangow. Cechy kierowania A.Ya. Tairow.

    praca dyplomowa, dodano 30.05.2015

    krótki życiorys Maria Iosifovna Knebel. "Metoda działania fizyczne„w systemie Stanisławskiego. Rozkwit teatrzyk dla dzieci pod kierunkiem M.I. Knebel. Aktorka teatralna: zgodność między wyglądem a istotą osoby. Technika pracy reżyserskiej i „towarzyszącej”.

    streszczenie, dodano 24.01.2011

    Reżyseria jako sztuka plastycznej kompozycji performansu. Gatunek sztuki i koncepcja konwencja artystyczna. Wybór funduszy podczas tworzenia kompozycji plastycznej. Organizacja scenografii spektaklu w oparciu o koncepcję twórczą reżysera i kompozytora.

    praca semestralna, dodano 27.10.2014

    Rola dekoracja performance polegający na ujawnieniu wizerunków postaci w określonych proponowanych okolicznościach. Struktura i okresy procesu przygotowania nowa produkcja. Główne etapy pracy reżysera nad stworzeniem dzieła dramatycznego.

Zadanie dyrektora

Nie da się rozmawiać z aktorami suchym, naukowym językiem, a ja sam nie jestem człowiekiem nauki i dlatego nie mogłem podjąć innej pracy niż własna. Moim zadaniem jest rozmawiać z aktorem jego językiem: nie filozofować o sztuce, ale odkrywać w prostej formie metody psychotechniki, które są mu praktycznie potrzebne, głównie w wewnętrznej sferze doświadczenia artystycznego i reinkarnacji.

K. S. Stanisławski

Dla każdego reżysera głównym materiałem w jego pracy jest praca aktora. Żaden problem współczesnej reżyserii nie nabierze prawdziwej wartości artystycznej, jeśli nie zostanie ujawniony w aktorze. To znaczy, jeśli aktorzy nie tworzą, nie myślą i nie czują, jeśli są bierni i bierni twórczo, reżyser nie ma nic do roboty, nie ma z czego tworzyć spektaklu, po prostu nie ma niezbędnego materiału w jego rękach. Dlatego problematyka pracy reżysera z aktorem w procesie tworzenia spektaklu jest najpilniejsza w praktyce twórczej każdego teatru. Konieczne jest wywołanie w aktorze procesu twórczego, przebudzenie jego organicznej natury do stałej, pełnej, niezależnej twórczości. Reżyser musi umieć „zinterpretować” rolę, umieć pokazać „jak grać”, ujawnić aktorowi wszystko, co robi na scenie. I to jest jego główny obowiązek. Kiedy ten proces nastąpi, narodzi się też drugi obowiązek reżysera – nieustanne wspieranie tego procesu, nie dopuszczenie do jego zaniku i ukierunkowanie go na konkretny cel, zgodny z ogólną koncepcją ideową i artystyczną spektaklu. Reżyser musi wyczuwać indywidualność aktora, w procesie pracy stale monitorować, jak aktor odzwierciedla intencje autora i reżysera, a jednocześnie widzieć, dokąd wzywa aktorska fantazja i pragnienia, i na ile można nalegać na to lub inne zadanie. Podążać za wolą aktora i jednocześnie nią kierować, korygować, nie poddając się naciskom.

Reżyser nie pracuje z jednym aktorem, ale z całym zespołem, więc kolejnym najważniejszym zadaniem jest nieustanne koordynowanie między sobą wyników pracy wszystkich aktorów i to w taki sposób, aby w końcu harmonijnie całościowo ideowo i uzyskuje się dzieło artystyczne sztuki teatralnej. Reżyser rozwiązuje wszystkie te trudne zadania w trakcie wykonywania swojej głównej funkcji - twórczej organizacji akcji scenicznej.

W sercu każdej akcji jest zawsze taki lub inny konflikt, który powoduje kolizję, walkę, interakcję między postaciami sztuki. Aby zidentyfikować konflikty poprzez interakcję aktorów na scenie, wzywa się reżysera. Rodzi to kolejną cechę reżysera – organizatora całego przedstawienia. Ale przekonujące pełnienie tej funkcji – tak, aby aktorzy na scenie pracowali zgodnie z prawdą, organicznie, a widz wierzył w autentyczność ich działań – jest niemożliwe metodą rozkazywania, rozkazywania, nacisku. Reżyser musi urzekać aktora swoimi zadaniami, inspirować go do ich realizacji, pobudzać wyobraźnię, rozbudzać fantazję artystyczną, dyskretnie „zwabiać” go na właściwą drogę prawdziwej twórczości.

Głównym zadaniem każdej prawdziwej twórczości w sztuce realistycznej jest ujawnienie istoty przedstawionych zjawisk życia, odkrycie ukrytych źródeł tych zjawisk, ich wewnętrznych praw. Dlatego głęboka wiedza o życiu jest podstawą wszelkiej twórczości artystycznej. Nie da się tworzyć bez wiedzy o życiu. Dotyczy to zarówno reżysera, jak i aktora. Jeśli założymy, że reżyser ma pewien zasób wiedzy, obserwacji życia, przemyśleń i sądów na temat życia, które ma być przedstawione na scenie, a aktor nie ma w tym zakresie żadnego bagażu, to aktor będzie zmuszony mechanicznie podporządkować się woli reżysera, wpływ reżysera na aktora będzie jednostronny, twórcza interakcja nie będzie miała miejsca.

Wyobraź sobie odwrotny obraz: aktor dobrze zna życie, a reżyser jest młody i niedoświadczony. Co się dzieje w tym przypadku? Aktor ma możliwość kreowania i wpływania swoją twórczością na reżysera, niestety nie dochodzi do interakcji, a reżyser traci swoją wiodącą rolę i jest zmuszony bezradnie podążać w tyle kreatywna praca zespół aktorski. Tak więc obie opcje – zarówno ta, w której reżyser samowolnie tłumi osobowość twórczą aktora, jak i ta, w której z powodu nieznajomości życia traci on główną rolę – mają równie negatywny wpływ na całokształt pracy – na spektakl .

Zupełnie inną sprawą jest to, czy zarówno reżyser, jak i aktor znają i rozumieją te zjawiska życia, które autor sztuki uczynił przedmiotem twórczej refleksji. Wtedy tworzą się między nimi odpowiednie relacje twórcze, zachodzi interakcja lub współtworzenie.

Reżyser daje aktorowi jakąś wskazówkę co do tego czy innego momentu roli - jakiś gest, frazę, intonację. Aktor, zaakceptowawszy wskazanie, pojmuje je, trawi wewnętrznie na podstawie własnej wiedzy o życiu. W rezultacie instrukcje reżysera i wiedza własna aktora wchodzą ze sobą w interakcję i tworzą niejako rodzaj „stopu” lub syntezy. Aktor nie będzie mechanicznie i bezmyślnie odtwarzał tego, czego zażądał od niego reżyser, ale twórczo. Pełniąc reżyserskie zadanie, pokaże jednocześnie siebie, własną osobowość twórczą. Reżyser, po zastanowieniu, otrzyma ją z powrotem w postaci scenicznej „farby”, czyli pewnego ruchu, gestu, intonacji, otrzyma ją wzbogaconą i jasną. Dlatego reżyser musi wszelkimi dostępnymi środkami obudzić twórczą wolę i inicjatywę aktora, zaszczepić w aktorze pragnienie wiedzy, obserwacji, pragnienie twórczej niezależności.

„Wpłyń i przekonaj innych swoim przykładem – wtedy będziesz miał w ręku wielką kartę atutową, a oni nie powiedzą Ci: „Do lekarza! Ulecz się!” lub „Ucz innych, spójrz na siebie!”. Twój własny przykład to najlepszy sposób na zdobycie autorytetu.

K. S. Stanisławski

Prawdziwy reżyser jest dla aktora nie tylko nauczycielem teatru, ale także nauczycielem życia.

Właściwe samopoczucie aktora na scenie

Najważniejszym obowiązkiem reżysera jest rozbudzenie i ukierunkowanie twórczej inicjatywy aktora we właściwym kierunku. Niezbędny kierunek wyznacza koncepcja ideowa całego przedstawienia. Idea ta powinna podlegać ideologicznej interpretacji każdej indywidualnej roli. Konieczne jest, aby aktor swobodnie podążał drogą wskazaną przez reżysera, nie odczuwając wobec niego przemocy. Reżyser nie tylko nie może zniewalać aktora, ale wręcz przeciwnie, musi strzec jego wolności twórczej, bo wolność jest warunek konieczny i najważniejszą oznaką prawidłowego samopoczucia twórczego aktora, a co za tym idzie samej twórczości.

Załóżmy, że reżyser wskazał aktorowi pewną mise-en-scène, a aktor ma obowiązek ją wykonać. co więcej, jest on zobowiązany do jej spełnienia za każdym razem, na każdej próbie, a następnie na każdym występie. Musi ją spełnić, bo ta scena mise en nie jest przypadkowa, jest przemyślana przez reżysera, wyczuta i ma w sobie pewien sens. Ujawnia ten fragment sztuki i zachowanie bohaterów w taki, a nie inny sposób. A to oznacza, że ​​tę, a nie inną inscenizację musi wykonać aktor. Istota sprawy polega na tym, że aktor musi wykonać tę jedyną możliwą mise-en-scene w taki sposób, aby proces grania był jego organiczną potrzebą. A stanie się to dopiero wtedy, gdy aktor zrozumie, poczuje, że przypisane mu zachowanie jest bezwzględnie konieczne i obligatoryjne dla danego obrazu w danych okolicznościach. To jest ta mise-en-scène, ten gest, ta intonacja. Wtedy nie będzie miał potrzeby przeprowadzania kolejnej mise-en-scene. I to poczucie wewnętrznej potrzeby zrobienia tego, a nie innego, spowoduje poczucie wolności.

Spełnienie tego wymogu nie jest łatwe. Tylko wtedy, gdy to, co konieczne, jest zrobione z poczuciem wolności, kiedy konieczność i wolność łączą się, aktor otrzymuje możliwość tworzenia. Dopóki aktor używa swojej wolności nie jako świadomej konieczności, ale jako swojej osobistej, subiektywnej arbitralności, nie tworzy. Kreatywność zawsze wiąże się ze swobodnym podporządkowaniem się określonym wymogom, pewnym ograniczeniom i normom. A jeśli aktor mechanicznie spełnia stawiane mu wymagania, to też nie tworzy. W obu przypadkach nie ma pełnej kreatywności. Zarówno subiektywna dowolność aktora, jak i racjonalna gra, gdy aktor siłą zmusza się do spełnienia określonych wymagań, nie jest jeszcze twórczością. Element przymusu w akcie twórczym musi być całkowicie nieobecny. Akt ten musi być maksymalnie wolny, a jednocześnie podporządkowany konieczności.

Jak można to osiągnąć? Przede wszystkim należy zachować powściągliwość i cierpliwość, nie zadowalać się, dopóki wykonanie zadania nie stanie się organiczną potrzebą aktora. Aby to zrobić, reżyser musi zniewolić aktora tym zadaniem. Musi wyjaśniać i urzekać, oddziałując jednocześnie na umysł, uczucia i wyobraźnię aktora, aż sam akt twórczy powstanie, czyli efekt pracy reżysera zostanie wyrażony w postaci całkowicie swobodna, jakby zupełnie niezamierzona, mimowolna reakcja aktora. Chodzi o wewnętrzny rysunek psychologiczny, dokładny dobór środków wyrazu aktorskiego. Przede wszystkim zmienia się sposób myślenia. Te dwie osoby – aktor i reżyser – myślą inaczej. Nie inny, ale inny. A ponieważ chcesz wniknąć w tajemnicę ich myśli i ciągle próbujesz to zrozumieć, otrzymujesz estetyczną radość.

Nie możesz dać widzowi możliwości odgadnięcia, co aktor zrobi dalej. Jeśli wyprzedza aktora, to jest w niewoli archaicznego sposobu grania. Artysta musi prowadzić widza, panując nad jego emocjami.

Twórczy dobrostan aktora wyraża się zatem w tym, że będąc na scenie, każdy znany wcześniej wpływ postrzega jako nieoczekiwany i reaguje na niego swobodnie, a jednocześnie poprawnie. To właśnie dobre samopoczucie reżyser powinien starać się wywołać w aktorze, a następnie pilnie je podtrzymywać.

Język kierowania zadaniami – akcjami

Najbardziej „szkodliwym” sposobem pracy reżyserskiej jest wymaganie od aktora natychmiastowego „wystawienia” pewne uczucie w określonej formie, to jest żądanie natychmiastowego rezultatu. Aktor, z całym swoim pragnieniem, nie może tego zrobić bez naruszenia swojej naturalnej natury. Pomoc aktorowi w przeprowadzeniu tego przygotowania jest prawdziwym zadaniem reżysera. A to przygotowanie polega na zasugerowaniu aktorowi nie uczucia i nie formy jego wyrażenia, ale działania, które doprowadzi aktora do pożądanego uczucia i wywoła pożądaną reakcję. Z pewnego punktu widzenia najważniejszym „wrogiem” w aktorstwie jest oznaczanie uczuć zamiast ich rzeczywistej obecności. Stwierdzenie Stanisławskiego, że nie można grać uczucia, przez wielu jest rozumiane jako brak, zniszczenie emocjonalności w ogóle.

Jeśli mówimy o metodologii, to reżyser i aktor muszą osiągnąć na scenie „wysoką temperaturę” intensywności emocjonalnej, po której mogą zająć się wyrazistością środków. Reżyser musi umieć zasugerować aktorowi nie uczucie, ale właściwą akcję na każdy moment jego scenicznego życia. Zatem język kierowania zadaniami powinien być językiem działania, a nie językiem uczuć.

Formularz przydziału reżyserskiego

Dowolne wskazanie reżyserskie może mieć formę zarówno ustnego wyjaśnienia, jak i przedstawienia reżyserskiego. Wyjaśnienie werbalne jest słusznie uważane za główną formę kierowania instrukcjami, ale nie da się obejść bez samych słów. Spektakl jest oczywiście konieczny, choć wiąże się z bardzo poważnym niebezpieczeństwem twórczej depersonalizacji aktorów. To oczywiste dobry reżyser w swoich przedstawieniach będzie opierał się nie na własnym materiale aktorskim, ale na materiale aktora, z którym pracuje.

Bardzo ważnym etapem pracy reżysera z aktorami jest tzw. stolikowy okres pracy nad spektaklem. Stanowi to podstawę przyszłych wyników. To, jak przebiegnie ten okres, zależy w dużej mierze ostateczny wynik. Reżyser musi przekazać pomysł aktorowi, aby on – pomysł – stał się ideą twórczą całego zespołu.

Praca reżysera nad mise-en-scene.

Mise-en-scene nazywa się zwykle rozmieszczeniem aktorów na scenie w określonych relacjach fizycznych między sobą i otaczającym ich środowiskiem materialnym. Celem mise-en-scene jest wyrażenie ich wewnętrznych relacji psychologicznych i działań poprzez zewnętrzne, fizyczne relacje między aktorami. Wstępne opracowanie inscenizacji w postaci szczegółowej partytury jest dla początkującego czy niedoświadczonego reżysera równie naturalne, jak improwizacja dla dojrzałego mistrza. Praca reżysera nad mise-en-scene polega na mobilizacji wyobraźni reżysera, która pozwala reżyserowi, po pierwsze, zobaczyć scenę i poruszających się po niej aktorów w określonych kombinacjach ze sobą, a po drugie, wewnętrznie grać, żyć każda mise-en-scene dla każdego z wykonawców. . Efekt końcowy powinien być zgodny z aktorami i ich wzajemnymi interakcjami.

Usuwanie barier twórczych

Jedną z poważnych przeszkód w osiągnięciu zamierzonego efektu w grze aktorskiej jest brak dbałości o partnera i otoczenie sceniczne otaczające aktora.Taką przeszkodę pokonuje się np. w następujący sposób: po kolejnym powtórzeniu odpowiedzialnego fragmentu roli, reżyser zatrzymuje aktora w najbardziej żałosnym miejscu i zaprasza go do bliższego przyjrzenia się partnerowi. Weźmy na przykład guzik od marynarki partnera (jaki to kolor, z czego jest zrobiony, ile ma dziurek), potem fryzura, potem oczy, a kiedy reżyser widzi, że aktor skupił się na przedmiot mu przekazany, możesz kontynuować tekst.

Równie poważnym problemem jest napięcie mięśniowe. Tutaj czasem wystarczy powiedzieć aktorowi, żeby puścił np. prawa ręka, czy twarz, czoło, szyję, aby aktor pozbył się twórczego zacisku. W rzeczywistości istnieje bardzo wiele różnych przeszkód, ale reżyser musi wiedzieć, że nigdy nie należy iść dalej bez osiągnięcia nienagannego wykonania tego fragmentu z punktu widzenia prawdy artystycznej.

Można sobie wyobrazić, jaką znajomość materiału aktorskiego, jakie bystre oko, jaką wrażliwość i przenikliwość musi mieć reżyser, by realizować swoje pomysły! Na szczęście wszystkie te cechy rozwijają się, jeśli reżyser docenia i kocha aktora, jeśli nie toleruje na scenie niczego mechanicznego, jeśli nie jest usatysfakcjonowany, dopóki gra aktora nie stanie się organiczna, wewnętrznie zagrana i artystycznie prawdziwa.

Dyrektor- jest to osoba, która zajmuje się inscenizacją filmu, kieruje procesem filmowania lub próbami, jeśli mówimy o teatrze. Mówiąc dokładniej, reżyserzy na planie Niektóre: zawołał główny dyrektor dyrektor produkcji, jego najbliżsi pomocnicy są sprawiedliwi dyrektorzy. W obu przypadkach podstawą jego pracy jest.

Dziś wielu marzy o zostaniu reżyserami, ponieważ zawód ten staje się coraz bardziej prestiżowy. Znani mistrzowie swojego rzemiosła otrzymują nagrody i wyróżnienia, wychodzą na czerwony dywan, udzielają wywiadów, komunikują się najlepsi aktorzy i aktorek. Jednak praca reżysera nie zawsze tak wyglądała. Na początku, na etapie narodzin zawodu, reżyser był zaangażowany w tworzenie scenariusza, pracował z aktorami, nadzorował proces filmowania. Ale czasy się zmieniły i narzuciły coraz więcej nowych obowiązków, które czynią ten zawód jednocześnie ciekawym i trudnym.

Co robi reżyser

Teraz, aby odnieść sukces w swoim biznesie, reżyser musi mieć talent do wysokiej jakości pomysłów, niesamowitych scenariuszy, czasu emisji obrazu, potrzeb publiczności. Poszukuje funduszy, interesuje inwestorów i producentów, dobiera aktorów i Ekipa filmowa, zarządza procesem tworzenia i montażu filmu. Stopniowo bowiem barier i ograniczeń jest coraz mniej, w miarę poszerzania się zakresu obowiązków dyrektora.

Specjaliści krajowi pod wieloma względami różnią się od zachodnich, ponieważ reżyserzy z Hollywood nie uznają tych, którzy stawiają się ponad resztą. Dlatego wykonują maksymalną pracę, dokładają wszelkich starań, aby obraz był wysokiej jakości i udany.

Krajowi dyrektorzy często po pierwszym sukcesie stają się aroganccy, odmawiają wykonywania pewnych obowiązków, w wyniku czego szybko tracą popularność. Tylko wybrani pracoholicy i prawdziwe talenty nadal są interesujące dla widzów.

Prawa pracownicze i obowiązki dyrektora

To na reżyserze spoczywa odpowiedzialność za koordynację całego procesu powstawania filmu, dlatego to on zdobywa nagrody lub ponosi kompletną zapaść, jeśli jego obraz się nie powiedzie. Praca reżysera wiąże się z całkowitym poświęceniem, gdyż specjalista nie tylko starannie dobiera scenariusz, dostosowuje go do swojej wizji i postawy, czyli tworzy, dobiera optymalną obsadę, która stanie się idealnym ucieleśnieniem pewnych obrazów, znajduje podejście do każdego z nich.

Po zakończeniu procesu filmowania praca reżysera nie kończy się, ponieważ jest on zobowiązany do kontroli montażu, udźwiękowienia i efektów specjalnych. Te ostatnie często odgrywają decydującą rolę w jakości i popularności obrazu. Dopiero po zakończeniu wszystkich prac i premierze filmu reżyser może uznać swoją pracę za wykonaną i czekać na pochwały lub krytykę ze strony ekspertów i zwykłych widzów.

Typowy opis stanowiska dyrektora zawiera prawa i obowiązki, zazwyczaj zawiera również klauzulę o odpowiedzialności stron umowy. DO obowiązki służbowe reżysera teatralnego, obejmują na przykład opracowywanie repertuaru, produkcję spektakli, organizację pracy wychowawczej. Sporządzanie budżetu wydatków i planu dochodów Pieniądze również często powierzane reżyserowi.

Ogólnie rzecz biorąc, funkcje dyrektora są zbiorem obowiązków dobrego menedżera, a kierowanie jako zawód wymaga odpowiedniego myślenia i doskonałych umiejętności organizacyjnych.

Koncepcja i realizacja

Koncepcja i realizacja to dwa filary, na których opiera się współczesna reżyseria. Wielu reżyserów bardzo szczegółowo opisuje swoje pomysły, niektórzy wręcz przeciwnie, uważają, że improwizacja jest karta atutowa praktyczne kierowanie. Oczywiście głupotą jest nie doceniać znaczenia etapu przygotowawczego, ale historia reżyserii mówi, że najważniejsze momenty pracy wciąż mają miejsce na planie. Może to być scena teatralna lub plan filmowy. Niewątpliwie bez aktorów nie byłoby możliwe zrealizowanie całego bogactwa wyobraźni reżysera.

Do głównych zadań reżysera należy praca z aktorami. Oczywiście, w idealnym przypadku, twórcze rozumienie reżysera i aktorów powinno być dokładnie takie samo. Jednak w praktyce częściej można zaobserwować sytuację, w której albo dążą do siebie, albo tego, co robi reżyser, nie można nazwać inaczej niż aktywnym podsadzaniem jedynego słusznego punktu widzenia.

Czasami nawet wybitni mistrzowie nie uznają za konieczne wysłuchania opinii wykonawcy ich „błogosławionego” testamentu. Ale to, co robi reżyser, to także tworzenie postaci. Nie da się tego przeprowadzić z pominięciem duszy i potencjału twórczego aktora.

Zgodnie z klasyczne zasady reżyserii wyróżniamy następujące składowe idei (podstawy reżyserii):

  • kreatywna interpretacja scenariusza;
  • opis postaci;
  • określenie cech gry aktorskiej;
  • rytmy i tempa w aspekcie temporalnym utworu;
  • rozwiązanie przestrzenne (tzw. przestrzeń kierująca);
  • projekt dekoracyjny i dźwiękowy.

Podsumowując, należy zauważyć, że terminowe i rzetelne wykonywanie obowiązków reżysera uczyni z sumiennego początkującego prawdziwego mistrza.

Imiona i nazwiska czołowych reżyserów świata i kraju są na ustach wszystkich. Jednak niewiele osób wie, jak zdobyć ten zawód, gdzie studiować i jak zdobyć pracę. Dowiedz się, czytając naszą szczegółową recenzję.

Popyt

Płatność

Konkurs

bariera wejścia

horyzont

Reżyser to osoba, która kieruje wszystkimi procesami twórczymi w teatrze, kinie czy telewizji. Ma dość szeroki zakres obowiązków, których kompetentna realizacja pozwoli ci stworzyć prawdziwe arcydzieło. W tym samym czasie pojawili się pierwsi reżyserzy spektakle teatralne. Po raz pierwszy wymienieni są w słowniku Dahla jako ludzie kontrolujący grę aktorów i tworzenie spektaklu. Ale samo pojęcie reżyserii narodziło się dopiero pod koniec XIX wieku. Wykorzystywany był jako zespół lub podporządkowanie wszystkich procesów zachodzących w teatrze jednej koncepcji. Ten pomysł powstały równocześnie w Paryżu i Berlinie. W XX wieku reżyseria zaczęła się szybko rozwijać w kinie. Trzeba jednak pamiętać, że korzenie tej sztuki tkwią w teatrze, skąd przeniesiono doświadczenie reżyserskie.

Opis

Reżyseria przeżywa obecnie ogromny rozwój. Teraz to nie jest jedna osoba, ale cały szereg specjalistów, którzy podporządkowują się dyrektorowi. W zależności od rodzaju pracy określa się istotę zawodu. Istnieją takie kierunki kierowania:

Istotą zawodu reżysera jest zarządzanie procesami filmowymi. Widzi duży obraz i wyraźnie rozumie, jaka powinna być każda postać. Reżyser jest interpretatorem scenariusza, który przekazuje aktorom pomysł autora i czuwa nad jego realizacją.

Jakie specjalności studiować

Aby mieć szansę na pracę na stanowisku reżysera, należy wybrać jedną z następujących specjalności:

  • Reżyseria teatralna.
  • Reżyseria filmowa.
  • Reżyseria filmów non-fiction.
  • Reżyseria filmów animowanych.
  • Reżyseria filmowa.
  • Reżyseria filmów non-fiction i filmów telewizyjnych.
  • Reżyseria spektakli teatralnych i świąt.
  • Reżyseria pokazowa.
  • Reżyseria sceniczna.
  • reżyseria cyrku.
  • Kierowniczy.

Wszystkie powyższe specjalizacje pozwolą Ci pracować jako reżyser. Powinieneś wybrać w oparciu o dziedzinę, w której chciałbyś pokazać swój talent: kino, teatr, telewizja, cyrk, scena itp.

Gdzie studiować

wyższy instytucje edukacyjne, w których reżyserii uczy się nie tyle w naszym kraju, co najbardziej prestiżowych to:

  • Rosyjski Uniwersytet Sztuk Teatralnych (GITIS).
  • Wszechrosyjski Uniwersytet stanowy Kinematografia nazwana na cześć S.A. Gierasimow (WGIK).
  • Moskiewski Państwowy Uniwersytet Kultury i Sztuki (MGUKI).
  • Humanitarny Uniwersytet Związków Zawodowych w Petersburgu.
  • Instytut Teatralny. B. Szczukin.

Uczelnie te nie są jedyne, ale uznawane są za najbardziej prestiżowe. Jeśli udało Ci się zapisać do jednego z nich i pomyślnie ukończyć studia, na pewno nie zostaniesz bez pracy.

Co trzeba robić w pracy i specjalizacji

Każdy dyrektor wykonuje szereg obowiązków zarządczych:

Reżyser w całym zakresie swoich obowiązków jest łącznikiem pomiędzy wszystkimi elementami procesu filmowego. Dobra reżyseria to gwarancja sukcesu każdego filmu czy spektaklu.

Kto nadaje się do tego zawodu

Ten zawód jest odpowiedni dla ludzi silnych i o silnej woli. Dyrektor musi być urodzonym liderem i umieć jednocześnie zarządzać ogromną liczbą pracowników. Musi być profesjonalistą w swojej dziedzinie i mieć ogromnego kreatywność. Reżyser jest bezstronny i nie wybiera faworytów - to jest ważne kreatywna drużyna. Ten specjalista powinien być oczytany, artystyczny i rozwinięty intelektualnie. Szerokie spojrzenie jest najlepszym asystentem reżysera.

Popyt

Ten zawód nie jest bardzo poszukiwany. Mało kto odważa się inwestować w młodych, nieznanych reżyserów.

Ile zarabiają osoby pracujące w tym zawodzie?

Opłaty dyrektora zależą od tego, gdzie jest zajęty. Jeśli są to mało dochodowe małe teatrzyki lub cyrk, to pensja to około 15-30 tysięcy miesięcznie. Występy na dużą skalę w dużych, znanych teatrach i filmowanie to zupełnie inne liczby. Kwoty nie zostały ujawnione.

Czy łatwo jest znaleźć pracę

Jeśli ty słynny reżyser, wtedy projekty same Cię znajdą. To trudne dla nowicjuszy. Inwestorzy poszukują zwykle wybitnych fachowców, a nie absolwentów uczelni wyższych. Kierowanie jest dostępne dla tych, którzy mają koneksje i solidnych sponsorów. To one decydują i pomagają dotrzeć do ludzi.

Jak zazwyczaj buduje się karierę?

Początkiem kariery jest stanowisko asystenta reżysera. Wykonasz małe zadania i zdobędziesz to co najważniejsze - praktykę i doświadczenie. W końcu obserwując pracę profesjonalisty bardzo szybko przejmiesz jego wieloletnie doświadczenie.

Dyrektor to kolejny etap rozwoju. Jeśli nie pracujesz nad projektem, który jest zbyt duży, jest to szczyt. W imprezach na dużą skalę jesteś asystentem reżysera. Kontrolujesz procesy drugiego planu i masz możliwość pokazania swoich cech reżyserskich. Twoja praca jest sprawdzana i poprawiana przez reżysera. To on koryguje niedociągnięcia i uczy najważniejszych subtelności tej pracy.

Reżyser to szczyt kariery. Dostajesz całą moc i asystentów, którzy zajmą się procesami wtórnymi. Teraz jesteś odpowiedzialny kreatywne kierunki praca. Stanowisko to przysługuje tylko najbardziej doświadczonym i ugruntowanym reżyserom.

Perspektywy zawodu

Główną perspektywą zawodu jest udział w znanych projektach filmowych. W rezultacie będziesz mógł zyskać popularność i miłość opinii publicznej i inwestorów. Zapewnią ci dalszą pracę i solidne wynagrodzenie. Wysokiej jakości zdjęcia i zachwycający filmy krytyków - przepustka do świata kina zagranicznego. To zupełnie inny poziom i możliwość zarobienia solidnych kwot.