Pytanie:
« Proszę, powiedz mi, czy masz gdzieś bardzo przybliżony szkic, który pokazałby, od czego zaczynasz? W sensie, który pokazałby, jak tworzysz swoją postać w oparciu o koła i trójkąty?
Naprawdę chcę wypracować własny styl, ale nie mogę obejść się bez kilku wskazówek od osoby, która wie, jak rysować takie słodziaki».
Pytanie: « Moje pytanie brzmi: kiedy rysuję tę samą postać kilka razy, denerwuje mnie to, że za każdym razem wygląda inaczej.
Na miłość boską, powiedz mi, jak to robisz, że wszystkie postacie wyglądają tak samo w każdej części komiksu?»
Odpowiedź: Pytania te są ze sobą w pewnym stopniu powiązane, dlatego postaram się udzielić na nie ogólnej odpowiedzi.
1. Struktura rysunku.
Bardzo krótki opis tego, gdzie zaczynam (i kończę) rysować.
Istotą całego procesu jest rozpoczęcie od prostych kształtów i zakończenie szczegółowym rysunkiem. Na pierwszym rysunku wykonywany jest szkic w postaci podstawowych kształtów i linii odniesienia.
Pozwól mi wyjaśnić. Rysunek przedstawia parę idiotów biegnących przez pole kukurydzy.
Zaczynam od przybliżonego, prostego szkicu kształtów i linii odniesienia. Na tym etapie interesuje mnie jedynie zewnętrzne podobieństwo postaci i udane przeniesienie dynamiki w ich pozach.
Najpierw pozbywam się niezrozumiałych gestów, nienaturalnych póz, absurdalnych proporcji i stopniowo „zaśmiecam” kompozycję, dopełniając rysunek.
Kiedy już jestem zadowolony z wstępnego rysunku, zaczynam rysować na nim, używając niektórych wczesnych linii jako wskazówek.
W tym momencie Twój rysunek prawdopodobnie zmieni się w coś okropnego. A wszystko dlatego, że jesteś brudnym, niechlujnym artystą.
Ale nie martw się. Tak powinno być.
Kiedy główny rysunek wstępny jest już gotowy, przystępuję do rysowania szczegółowego. Nie wymazuję jeszcze oryginalnego szkicu, ponieważ w szczegółowym rysunku pomogą kreski referencyjne przedstawiające kontury postaci i ich ruchy. Pomogą ci dowiedzieć się, gdzie narysować szwy na ubraniach, gdzie dodać fałdy, jak włosy i futro powinny leżeć na tej lub innej części postaci itp.
Na tym rysunku pozbyłem się już wszystkich linii odniesienia, miejscami je zamazałem, a miejscami uczyniłem je wyraźniejszymi. Na tym etapie wolę pracować ołówkiem, ale częstą praktyką jest też najpierw tuszowanie rysunku, a następnie wymazywanie całej pracy ołówkiem.
2. Monotonia charakteru.
Jak rysuję tę samą postać z różnych perspektyw.
Niezależnie od stanowiska głowy ustalone zasady pozostają niezmienione.
Te niebieskie linie na górnym zdjęciu, które sugerują kształt głowy i wskazują linie środkowe, wystarczą mi, aby wiedzieć, gdzie znajdują się inne kształty, jak te zakreślone na czerwono na obrazku poniżej.
I na koniec otrzymujemy postać, która wygląda tak samo z różnych punktów widzenia. A wszystko dlatego, że został stworzony na podstawie figur, według tej samej zasady.
Na koniec, zawsze pamiętaj, że chociaż te początkowe techniki mogą pomóc Ci szybko osiągnąć postęp, nic nie zastąpi praktyki. Nie poddawaj się, jeśli technika nie zadziała za pierwszym razem... lub za następnymi 98 razy. Rysuj dalej.
3. Jak narysować „słodkich facetów”.
Sama istota atrakcyjności postaci (która zwykle obejmuje pojęcie „uroczy”) to zupełnie odrębny temat - rozległy, a w dodatku ledwo podatny na fragmentaryzację. Nie sądzę, że będę w stanie o tym wystarczająco dużo tutaj mówić, jeśli w ogóle, ale przynajmniej dam ci kilka wskazówek do rozważenia, jeśli chcesz stworzyć fascynującą postać:
- Atrakcyjność. Nie jest tajemnicą, że pewne proporcje naturalnie mają atrakcyjność wizualną. Nie zapomnij o nich tworząc swoją postać. Często postacie okazują się urocze, jeśli są przedstawione zgodnie z proporcjami twarzy dziecka: wysokie czoło, pucołowate policzki, duże oczy i inne rysy twarzy położone blisko siebie.
(Disney z reguły przyjął tę praktykę. Zatem rysowanie klasycznych znanych postaci pomoże ci zrozumieć, jak uatrakcyjnić własne postacie i ogólnie zapoznać się ze strukturą rysunku. Spróbuj narysować myśliwego z kreskówek Looney Tunes i Tex Avory”, aby dowiedzieć się, jak tworzyć postacie, które będą sympatyczne i zabawne, a nie urocze i ckliwe).
- Czyszczenie.
Uważaj, aby twarz Twojej postaci nie wyglądała na ciemną lub brzydką z powodu zbyt wielu niepotrzebnych linii. Zrozum znaczenie oszczędzania linii. Uprość szkic tak bardzo, aby podkreślić jego najważniejsze, atrakcyjne cechy; takie, które oddają istotę postaci i pozwalają oddać jej nastrój. Ułatwia to nie tylko wielokrotne rysowanie postaci pod różnymi kątami, ale także ułatwia zrozumienie.
- Ekspresyjność. Kluczem do tego, aby postać wyglądała atrakcyjnie lub po prostu sympatycznie, jest osiągnięcie prostoty rysunku poprzez usunięcie niepotrzebnych linii, a także szczery i wyraźny wyraz twarzy, który w pełni oddaje myśli i uczucia postaci. Dwuznaczny, pusty lub nierozróżnialny wyraz twarzy nie ma tego samego uroku. Daj swojej postaci możliwość działania, reagowania i bycia naprawdę żywym.
Kopiowanie tego tłumaczenia jest dozwolone wyłącznie z łączem do tej strony.
- Rainbowspacemilk lubi to
Dziś w tym artykule odpowiemy na pytania:
Jak stworzyć trójwymiarowego bohatera? Co decyduje o „objętości” bohatera? Co czyni go żywym, wyjątkowym i wzbudzającym empatię czytelników?
Czym jest głębokość i jak ją wypracować?
Najpierw ustalmy, jaka jest głębokośćNIE Jest.
Głębokość NIE jest:
- Charakterystyka;
- osobliwości;
- dziwaczne i ekscentryczne cechy;
- nie jest dominującą cechą charakteru.
Czym zatem jest głębia?
Jasną postać wyróżnia nie jedna, ale wiele cech i cech, z których wiele może być ze sobą sprzecznych. Z tej sprzeczności cech charakteru rodzi się głębia.
Stawiamy tezę:
Głębokość– to sprzeczność.
To najprostsza, ale najważniejsza rzecz, o której należy pamiętać, gdy mówimy o głośności.
Sprzeczność może być:
- w ramach silnego charakteru (konflikt wewnętrzny, który wynika z dwóch sprzecznych cech; np. u Makbeta jest to konflikt ambicji i poczucia winy);
- pomiędzy charakterystyką a prawdziwym charakterem (odważny grubas, miły ogr, czarujący złodziej);
- między charakterem a zachowaniem (przypomnijmy sobie „Władcę Pierścieni” Tolkiena. Aragorn jest królem z powołania – pochodzi z rodziny władców, a tron z mocy prawa należy do niego. Jednak odrzuca swój los i stawia na masce tropiciela i wędrowca).
Sprzeczności muszą być spójne, logiczne i spójne. Jeśli przedstawisz bohatera jako postać pozytywną, wszelkie jego złe uczynki powinny być uzasadnione, zrozumiałe i zaakceptowane/wybaczone przez czytelników.
Najbardziej uderzającym przykładem wielowymiarowej postaci jestMała wioska.
Oto częściowa lista jego kontrowersji:
- religijny - bluźnierca;
- kochający i delikatny – bez serca i sadystyczny;
- odważny - tchórzliwy;
- spokojny i ostrożny – impulsywny i nierozważny;
- bezwzględny - współczujący;
- dumny - użala się nad sobą;
- dowcipny - smutny;
- zmęczony - energiczny;
- rozsądny - zdezorientowany;
- rozsądny - szalony;
- prostolinijny - wyrafinowany.
Główny bohater nie musi mieć tak ogromnej liczby sprzeczności. Ale powinno być ich co najmniej 3-4. Drobne postacie mają 2-3 sprzeczności. Pasażerowie mają nie więcej niż jeden.
Główny bohater powinien mieć największą liczbę sprzeczności ze wszystkich bohaterów występujących w Twojej pracy.
Nawet bardziej niż antagonista (lub w równym stopniu). Jeśli złoczyńca ma więcej sprzeczności niż bohater, automatycznie go zastąpi.
Dlaczego potrzebne są sprzeczności?
Dla czytelników bardzo interesujące jest obserwowanie niejednoznacznych, sprzecznych postaci. Wzbudzają zainteresowanie i przyciągają uwagę. Im ciekawsze sprzeczności, tym bardziej intrygujący będzie bohater.
Przykłady sprzeczności charakteru:
1. „Władca Pierścieni” Tolkiena. Frodo.
Mały hobbit jest odważny i bezinteresowny.
2. „Breaking Bad”. Walta.
Współczujący - okrutny.
3. „Jeeves, jesteś geniuszem!” Drewniany dom. Jeeves.
Służący jest mądry i dżentelmen.
4. „Frankenstein” Shelley. Frankensteina.
Straszny potwór - o wrażliwym sercu i pragnieniu miłości i zrozumienia.
5. Król „Zielonej mili”. Johna Coffeya.
Ogromny czarny niewolnik - miły i współczujący.
Wniosek:
Głębia postaci zależy od tego, jak mocne i uzasadnione są sprzeczności charakteru.
Umiejętność tworzenia sprzeczności nie tylko uczyni twoją postać bardziej interesującą i wieloaspektową, ale także bezpośrednio wpłynie na fabułę dzieła.
Zapraszamy na kolejny stream kursu „Postacie”:
👉 Cel– w 12 lekcjach stwórz postacie, które będą intrygować, zadziwiać i zaskakiwać. A najważniejsze jest, aby wpłynąć na czytelnika.
Jak wymyślić postać? To pytanie zadaje sobie niemal każdy Autor, który stara się, aby jego twórczość była jak najbardziej ciekawa, kolorowa i wiarygodna. W końcu, jeśli bohater nie wygląda realnie, całe dzieło jest postrzegane jako fantazja lub utopia.
Aby było to wygodniejsze, najpierw rozważymy stworzenie głównych bohaterów, a następnie drugorzędnych, których niektórzy Autorzy pozbawiają swojej uwagi.
Tworzenie głównego bohatera jest więc żmudnym procesem. Trzeba omówić wszystkie aspekty, wszystkie aspekty, bo główny bohater nie jest manekinem, o którym nikt by nie pisał. Jest to przede wszystkim osoba, choć wymyślona, ma myśli, uczucia, a także nawyki i zasady. I często Autorzy przedstawiają nam tylko niewielki wycinek tego wewnętrznego świata.
Po pierwsze, czytelnicy powinni mieć ogólne pojęcie o tym, jak wygląda dana postać. Przecież każdy Autor, podobnie jak artysta, rysuje obrazy słowami, a czytelnicy podświadomie wyobrażają sobie, co się dzieje. Dlatego konieczne jest wskazanie przynajmniej sylwetki - postaci wysokiej lub niskiej, szczupłej lub pulchnej, a może pochylonej. Nie trzeba opisywać każdego centymetra ciała, wystarczy opisać główne cechy zewnętrzne: kolor włosów i oczu, znowu wzrost i budowę ciała. Aby nadać bohaterowi indywidualność w wyglądzie (nawet jeśli postać jest niebieskooką blondynką o atletycznej budowie, za którą biegają wszystkie dziewczyny), może pomóc kilka charakterystycznych cech. Na przykład duży pieprzyk na szyi, którego nie można zignorować, tatuaż ze smokiem lub blizna na policzku. Tak zostanie zapamiętany bohater.
Po drugie, musisz opisać postać. Niewłaściwe jest w utworze, w którym narracja prowadzona jest w imieniu głównego bohatera, pisanie czegoś w stylu: „Jestem mądry, miły, czuły, odważny…”. Nawet jeśli postać nazywa siebie mądrą lub tchórzliwą, powinna zrobić to inaczej. Np:
"W końcu rozwiązałem to złożone równanie z potęgami, natychmiast podskoczyłem z siedzenia i pod pełnym podziwu spojrzeniami kolegów z klasy położyłem rozwiązanie na stole nauczyciela. Spojrzał na mnie ze zdziwieniem - nikt w naszej klasie nie mógł znaleźć pierwiastki równania. Byłem niesamowicie dumny, bo teraz wszyscy wiedzą, jaki jestem mądry!
Ale w tym przypadku nie powinniśmy zapominać, że opowiadając w ten sposób o umyśle bohatera, Autor ujawnia inne cechy: w moim przykładzie postać wygląda nieco chełpliwie, można sobie nawet wyobrazić, jak podchodzi do stołu nauczyciela, dumnie podnosząc jego głowa. Jeśli utwór jest napisany w trzeciej osobie lub bohater jest opisany przez inną postać, wówczas obowiązuje ta sama zasada: „Czyn jest oceną”. Takie drobne opisy powinny być obecne w całym tekście, nie tylko w myślach bohatera, ale także w jego zachowaniu i działaniu – wszak czytelnicy właśnie według tych kryteriów oceniają bohatera, klasyfikując go jako jedną z bardziej pozytywnych lub bardziej negatywnych postaci w Praca.
Warto w tym miejscu się zatrzymać – bohaterowie negatywni i pozytywni. O ile Autor nie pisze rzeczywiście dzieła utopijnego, to należy pamiętać, że nie ma ludzi, którzy są dobrzy lub źli we wszystkim. Na tym polega indywidualność – jedna osoba jest odważna, ale trochę głupia, więc wpada w różne kłopoty; drugi jest mądry i przebiegły, dlatego tchórzliwie unika niebezpieczeństw, dbając tylko o siebie; a trzeci jest mądry i odważny, ale jednocześnie wyjątkowo zły. Znowu wszystko jest wytworem wyobraźni Autora, jednak bardziej pozytywnie nastawieni bohaterowie powinni mieć przynajmniej jeden zły nawyk (obgryzanie paznokci z podniecenia) lub paskudną cechę (trzaskanie drzwiami i bycie niegrzecznym), mimo że tacy bohaterowie najprawdopodobniej dążą do doskonałości , a te bardziej negatywne mają na przykład sekretną pasję do kociąt, kiedy samolubny i arogancki nastolatek nagle zostaje poruszony i zaczyna opiekować się porzuconym kociakiem.
Biografia nie jest najważniejszą częścią opisu postaci w małych dziełach, ale jest niezbędną częścią w dużych dziełach. Przynajmniej wzmianka, ale musi tak być, ponieważ w dzieciństwie ustalane są podstawowe zasady i „scenariusze życia” (pewne plany rozwoju wydarzeń, wzorce przekazywane w drodze dziedziczenia), a także jakieś ważne wydarzenie - śmierć rodziców lub zdrada przyjaciela – może wyjaśnić pojawienie się w naturze takich cech, jak nieufność, rozczarowanie życiowe.
To samo tyczy się zachowania. Dzielny młodzieniec nie zatrzaśnie dziewczynie drzwi tuż przed nosem, a pijak nie dygnie przed znajomym. Znowu przykład jest naciągany i w większości przypadków Autor nawet nie zastanawia się, jak dokładnie mówią jego bohaterowie, ale nie powinno być żadnych rozbieżności.
Zatem było kilka głównych punktów tworzenia głównego bohatera:
1. Opis wyglądu. Przeciwko stereotypom - pewna „zapał”, która nadaje indywidualności.
2. Opis postaci. Przeciwko stereotypom – nawykowi lub cesze, która jest diametralnie sprzeczna z charakterem (gorsza lub lepsza).
3. Mowa i zachowanie postaci.
Być może każdy Autor doda do tej listy kolejną pozycję, która uczyni jego historię wyjątkową – moja lista służy jako rama, podstawa. Przechodzimy od głównego bohatera do postaci drugoplanowej.
Postacie drugoplanowe to ludzie otaczający głównego bohatera. Przechodzą koledzy z klasy, znajomi, czasem nawet rodzice. Postacie drugoplanowe pomagają nadać dziełu poczucie rzeczywistości, mimo że tak naprawdę nie wnoszą żadnego wkładu w główny wątek fabularny. Dlatego przy ich tworzeniu wszystko jest znacznie prostsze - czasami czytelnik nawet nie myśli o tym, jaki jest ten sam wujek Petya, o którym mowa w rozdziale piątym, w akapicie trzecim.
Po pierwsze, jeśli w całej historii nadal pojawia się drobna postać (na przykład ci sami rodzice), to możesz także opisać jej sylwetkę, stworzyć niejasny obraz, aby czytelnik nie zapomniał, kim jest ta osoba, a pełniej wyobraził sobie, co Sam autor chciał mu to przekazać. Można to zrobić za pomocą tego dyskretnego wyrażenia:
„Minąłem bardzo pulchną babcię siedzącą na ławce przy wejściu i przywitałem się z nią – spojrzała na mnie ponuro, ale nic nie powiedziała, tylko mruknęła coś pod nosem”..
Czytelnik przykuwa uwagę tej „bardzo pulchnej babci”, która ją pamięta.
Po drugie, możesz podkreślić jakąś cechę głównego bohatera, która pomoże ci zapamiętać tę postać dziesięć rozdziałów później, nawet jeśli zapomnisz jej imienia. Na przykład odważny wujek Wania, który w młodości pokonał niedźwiedzia; kapryśna ciocia Vika, zawsze niezadowolona z otaczających ją osób.
Po trzecie, mowa i zachowanie odgrywają dużą rolę nawet wśród postaci drugoplanowych. Z tych samych powodów, co w przypadku głównych bohaterów, ponieważ jeśli różnią się cechy społeczne i maniery, bohater staje się nierealny.
Najłatwiej jest skopiować drobne postacie od znanych Ci osób. Przynajmniej można je z nimi skojarzyć, aby sam Autor nie zapomniał, kto jest kim. Postacie drugoplanowe są opisywane przez głównych bohaterów lub z zewnątrz, co przypomina myśli o kimś, kogo znasz. Nie musisz uciekać się do tej metody, ale mimo to.
Dlatego istnieje kilka punktów tworzenia postaci drugorzędnych:
1. Tworzenie wizerunku zewnętrznego i wewnętrznego za pomocą frazy.
2. Mowa i zachowanie postaci.
Powtarzam, jest to o wiele łatwiejsze niż tworzenie głównego bohatera, który w miarę rozwoju historii będzie odsłaniał coraz więcej nowych aspektów swojego wewnętrznego świata.
Nawet najzwyklejszy bohater czy sztampowy bohater może przy pomocy Autora nabrać indywidualności. Stworzenie bohatera nie jest trudne, ale należy je potraktować tak poważnie, jak to tylko możliwe. Mam nadzieję, że mój artykuł Ci pomoże.
Każdy ma ulubioną postać z kreskówek, ale jak ona powstała? Wiele badań i miłości poświęca się tworzeniu powszechnie rozpoznawalnych symboli.
Dlatego dzisiaj podamy Ci dziesięć świetnych wskazówek na temat wszystkiego, co musisz wiedzieć o projektowaniu postaci, korzystając z niesamowitych przykładów z Envato Market.
1. Wybór tematu
Rozpoczęcie projektowania nowej postaci przypomina patrzenie na puste płótno. To ekscytujące, ale przerażające i może nawet sprawić, że uginają się kolana. Kluczem do zachowania spokoju w tej chwili jest najpierw wybranie tematu.
Widzisz, ta postać jest zdecydowanie o tematyce morskiej?
Co chcesz, aby ktoś natychmiast zobaczył, poczuł lub zrozumiał, patrząc na Twoje postacie? Niech to uczucie wpłynie na ogólny wygląd Twojego motywu.
Zacznij od uproszczenia tematu w formie jednowyrazowych odpowiedzi opisujących postać. Słowa takie jak western, retro i futurystyczny reprezentują różne okresy. Po przeciwnej stronie spektrum słowa: wszechwiedzący, zimny lub nikczemny mówią więcej o stylu i charakterze.
Po wybraniu tematu utwórz listę szczegółów, które pomogą go wzmocnić. Zaznacz wszystko, co idealnie pasuje do Twojego charakteru.
Jesień i zwierzę to dwa świetne słowa, które pomogą Ci w wyborze motywu .2. Rozwój tła
Zamknij oczy. Wyobraź sobie, że Twoja postać przechodzi przez każdy etap swojego życia. Od chwili narodzin w twoim świecie aż do ostatniej daty, jakiego rodzaju życia oczekujesz od swojej postaci?
Ten bałwan po prostu nie mógłby istnieć, gdyby nie żył w mroźnym zimowym krajobrazie.Tło zawiera wszystkie podstawowe informacje, które musisz znać. Aby go stworzyć, zanurz się w badaniach nad różnymi miejscami, kulturami, zawodami itp. Poznanie swojej postaci jest jak poznanie nowego najlepszego przyjaciela. Musisz wiedzieć o nich absolutnie wszystko, aby móc uwzględnić historię w ich projekcie.
Poniżej znajduje się podstawowa lista pytań, które mogą Ci w tym pomóc.
- Gdzie oni żyją?
- Kim są ich rodzice?
- Jaka jest ich praca?
- Kto jest ich najlepszym przyjacielem?
- Jakie jedzenie lubią?
- Jaki jest ich ulubiony kolor?
Wszyscy wiedzą, że SpongeBob Kanciastoporty mieszka w ananasie i pracuje jako kucharz w Krusty Krab. Czy widzisz, jakie wskazówki możesz wyciągnąć z tych odpowiedzi?
Jak wpłynęłoby to na twoich bohaterów, gdyby pochodzili z USA, a nie z Hiszpanii? A może żyli w różnych klimatach? Nieważne, jak głupio się czujesz, odpowiedz na wszystkie te pytania najlepiej jak potrafisz, a nawet dodaj więcej pytań do listy. Jeśli potrzebujesz dodatkowej pomocy, zacznij od miejsca, które znasz.
3. Nadaj swojej postaci imię i osobowość.
Cześć, mam na imię ___.
Twoja postać jest Twoim dzieckiem. Dosłownie zrodziłeś to w swoim twórczym umyśle zaledwie kilka minut temu, więc naturalne jest, że nadajesz mu odpowiednią nazwę.
Czy twoja postać wygląda jak Sally, Joe czy Spot? Imiona dla dzieci są obecnie niezwykle kreatywne, więc dlaczego nie być równie kreatywnym w przypadku imion swoich postaci? Sprawdź pochodzenie, znaczenie i poprawną wymowę, aby znaleźć nazwę, która naprawdę Ci odpowiada.
A kiedy w końcu zaczniesz je rysować, sprawdzaj, czy nadal jest to powiązane z tą nazwą. Twoja postać mogła zmienić się ze „Steve” na „Stefan”, więc jeśli to konieczne, upewnij się, że jest wystarczająco dużo miejsca, aby zmienić imię na coś odpowiedniego.
Ludzi przyciągają osobowości. Czy widzisz siebie lub kogoś znajomego w swoich bohaterach? Podobnie jak w przypadku fabuły, upewnij się, że rozumiesz osobowość swojej postaci – od tego, co lubi, po rodzaj dowcipów, jakie może opowiadać. W końcu im więcej wiesz, tym lepiej ostatecznie przełoży się to na naprawdę świetny projekt.
4. Wybierz widok. Człowiek, zwierzę czy coś innego?
Podjęcie decyzji, czy Twój projekt przedstawia człowieka, czy zwierzę, jest dość trudnym zadaniem. Może nie są ani jednym, ani drugim, ale zamiast tego różowym hipisowskim kwiatem lub
Nie każda postać musi być człowiekiem lub kimś z planety Ziemia. W zależności od Twojej historii dana osoba może nawet nie być w dobrej kondycji. W końcu ludzie są dość jednowymiarowi, więc zastanów się nad zmianami, które przychodzą Ci na myśl, wybierając nowy wygląd.
Wspaniałą rzeczą w zwierzętach jest to, że mogą być zarówno milutkie, jak i groźne.
Jeśli nadal nie jesteś pewien, jakie cechy powinna posiadać Twoja postać, po prostu stwórz własne! Aby uzyskać odpowiednią anatomię, możesz dla wygody nadać mu cechy zwierzęce lub ludzkie. Ostatecznie jednak wszystkie pozostałe szczegóły zależą od Ciebie, więc baw się dobrze, odkrywając, co możesz wymyślić.
5. Wysoki, niski, chudy czy wysoki?
Czy zauważyłeś, że pomocnicy są zwykle mniejsi od bohatera?
Choć może się to wydawać niesprawiedliwe, to celowe zestawienie pozwala widzowi postrzegać bohatera jako przywódcę bardziej pewnego siebie niż jego słabszy odpowiednik.
Niezwykłym sposobem na dodanie charakterystycznej osobowości swojej postaci jest badanie różnych typów budowy ciała. Ponieważ społeczeństwo przywiązało już pewne stereotypowe cechy osobowości do określonych kształtów i rozmiarów, automatycznie postrzegamy osobowość postaci na podstawie jej wyglądu.
Oto podpowiedź:
Narysuj głowę oddzielnie od ciała postaci. Następnie narysuj trzy różne typy ciała i dopasuj je do narysowanej głowy. Który wygląda najlepiej i dlaczego?
Ten przykład powinien od razu pokazać Ci siłę wyboru różnych opcji nadwozia. Nie wahaj się jednak przeciwstawić utartym wizerunkom, aby nie paść ofiarą stereotypów.
6. Wszystko o nastroju: kolory
Wszystkie kolory mają znaczenie. Wybieraj więc mądrze, aby nadać nastrój swoim projektom.
Zazwyczaj interpretujemy jasne kolory jako radosne i energetyczne, podczas gdy ciemniejsze kolory skrywają w sobie tajemnicę. Czerwień to właściwy wybór dla gniewu i namiętności. A zieleń ma ogromne powiązania z naturą i pieniędzmi.
Jeśli nie wiesz, jaki kolor wybrać dla swojej postaci, wypróbuj je wszystkie, aż wybierzesz ten, który działa. Eksperymentuj z kolorami, wybierając także te, których normalnie byś nie brał pod uwagę. Uczyń twardziela naprawdę różowym lub daj biznesmenowi niebieskie włosy.
Wyjście poza normę nie tylko pomoże poprawić ich wygląd, ale także sprawi, że będą bardziej zapadające w pamięć odbiorców.
7. Twórz dynamiczne pozy
Wiem, że chcesz, żeby wszystko było łatwe, ale bądź cierpliwy. Oprócz standardowych widoków z przodu i z tyłu, spróbuj stworzyć dynamiczne, z szerokim zakresem ruchu.
Możesz dowiedzieć się wszystkiego o tym, jak postać się czuje i co może zrobić, zwracając uwagę na jej mowę ciała. Wykorzystaj to, czego nauczyłeś się ze swojego otoczenia, aby tworzyć dynamiczne pozy.
Dobrym miejscem na rozpoczęcie jest zbadanie póz poprzez fotografię. Zdjęcia z częstych wyszukiwań ujawniają wiele na temat tego, co automatycznie przychodzi na myśl, gdy zostanie użyte określone słowo. Na przykład słowo „relaks” może przedstawiać osobę siedzącą ze skrzyżowanymi nogami, jak mysz w lewym górnym rogu w powyższym przykładzie.
Tworzenie dynamicznych póz jest szczególnie ważne podczas profesjonalnej prezentacji pracy. Pozwól swoim postaciom wyskoczyć z ekranu na kolana klienta z tą samą energią, którą emanują. Te pozy pokazują również, że jako artysta masz niesamowity zakres i zdolność adaptacji, więc używaj dynamicznych póz, aby pochwalić się swoim wspaniałym talentem!
8. Trochę stylu? Ubrania i akcesoria
Czy lubisz chodzić na zakupy? Zaoszczędź pieniądze i wnieś swoje unikalne wyczucie stylu do mody bohaterów!
Wiele można powiedzieć o postaciach po ich ubiorze. Każda postać, jaką kiedykolwiek stworzono, znana jest ze swojego „munduru”. Nie mylić ze zwykłymi ubraniami roboczymi, mundur twojej postaci to ogólny strój, który zobaczysz, gdy go założy.
Twórz każdy mundur z precyzją. Zwróć uwagę na drobne szczegóły, takie jak guziki, szwy i ogólny krój. Być może Twój bohater czuje się całkiem swobodnie w wygodnym ubraniu lub wręcz przeciwnie, woli ładny garnitur i krawat.
Na przykład ten uroczy, piernikowy ludzik wykorzystuje do swojego stroju proste linie kolorowego lukru.
Kiedy coś nie wychodzi, spróbuj uprościć sprawę. W końcu będziesz musiał ponownie pokolorować i narysować tę postać jeszcze wiele razy, więc warto wybrać strój, który łatwo będzie odtworzyć, niezależnie od kąta.
9. Wyrażaj emocje bohatera
Zrób głupią minę. Teraz to narysuj. Jak wyglądałaby Twoja postać z takim samym wyrazem twarzy?
Ekspresja to najlepsze narzędzie komunikacji w projektowaniu postaci. Jeśli złapiesz swoją postać w dowolnym momencie dnia, jaki wyraz będzie miała na twarzy?
Aby dowiedzieć się więcej o charakterystycznych emocjach, przejdź do starej szkoły i wypróbuj tradycyjną technikę, z której artyści korzystają od zarania dziejów. Usiądź przed lustrem i wykonaj kilkanaście różnych twarzy wyrażających szeroką gamę emocji. Oczy, brwi i usta dość łatwo okazują emocje, więc przestudiuj te obszary, aby określić różnicę między każdym wyrazem twarzy.
Opanowanie emocji przybliża Cię o krok do udoskonalenia projektu postaci. Zanim się zorientujesz, będziesz w stanie w mgnieniu oka stworzyć mnóstwo wyrażeń!
10. Przetestuj alternatywne wersje
Projektowanie jest eksperymentem. Być może Twoja postać wyglądałaby lepiej w kapeluszu lub zupełnie innym stroju. Użyj swojego oryginalnego projektu jako szablonu, aby móc przetestować alternatywne wersje.
Na tym etapie poproś kogoś o opinię na temat Twojego projektu. Czasami jesteśmy tak zajęci oglądaniem własnej pracy, że nie zauważamy, czego brakuje. Czy wszystkie kolory są w porządku? Twoja fryzura wymaga trochę pracy? Druga para oczu może zauważyć to, co przeoczyłeś.
Postać- fikcyjna animowana osoba o określonym charakterze i unikalnych danych zewnętrznych. W sztukach wizualnych postacie dzieli się na dwie główne kategorie: animowane i statyczne. Zasadniczą różnicą pomiędzy postacią animowaną a statyczną jest specjalna konstrukcja postaci, dzięki której praca animatorów z bohaterem będzie znacznie łatwiejsza.
ROZWÓJ CHARAKTERU
Znalezienie wizerunku postaci to najważniejszy i najciekawszy etap. Wybierając obraz, należy wziąć pod uwagę nie tylko cechy osobiste bohatera, ale także jego harmonijne połączenie z otaczającym go światem. Poza tym postać musi być wyrazista, nie oklepana i mieć pewną dozę uroku.
Najpierw trzeba przestudiować materiały wprowadzające (TOR, scenariusz, opis literacki i reżyserski bohaterów), porozumieć się z reżyserem, który postara się jak najdokładniej przekazać artyście swoje przemyślenia. Zapoznaj się z cechami stylistycznymi projektu, o których opowie scenograf lub reżyser, jeśli na etapie tworzenia postaci nie ma jeszcze scenografa w projekcie. Bazując na wynikach zapoznania się z projektem warto wykonać serię szkiców, zapisując sobie kilka najważniejszych punktów, które przydadzą się w dalszej pracy z postacią.
Przede wszystkim musisz przedstawić najbardziej uderzające epizody z przeczytanego scenariusza i spróbować naszkicować proste koncepcje najbardziej efektownych scen z udziałem głównego bohatera. Odbywa się to, aby wyczuć główne cechy przyszłej postaci - jego wagę, postawę, budowę ciała.
Kiedy już uda Ci się uchwycić odpowiadający Twoim zdaniem obraz, mający rozmyte, ale mniej lub bardziej wyraźne kontury, możesz przystąpić do doprecyzowywania stylu - szukania kształtu fryzury, ubrania, przedmiotów osobistych bez wchodzenia w szczegóły. Na tym etapie nie powinieneś trzymać się udanego obrazu. Zadaniem artysty jest narysowanie wielu różnych, niepowiązanych ze sobą opcji, spośród których zostanie następnie wybrany ten, który odniesie największy sukces.
Nie zapominajmy również, że postać powinna być łatwa do „odczytania” dla widza. Aby sprawdzić „czytelność” znaku, po prostu pomaluj go na czarno, po czym sylwetka postaci powinna być rozpoznawalna i wyglądać całkiem efektownie.
Kolejnym etapem jest „wbieganie” postaci.
Wybrana, ale wciąż prymitywna opcja rozgrywa się w akcji. Aby to zrobić, musisz narysować postać w charakterystycznych pozach. W miarę postępu prac niepotrzebne części są eliminowane i zastępowane nowymi, bardziej odpowiednimi dla bohatera i wygodniejszymi w użyciu.
Ostatni etap kreowania wizerunku postaci z reguły rozpoczyna się po zatwierdzeniu i dostosowaniu najodpowiedniejszej opcji wybranej przez reżysera (klienta). Teraz zadaniem artysty jest praca nad szczegółami i uzupełnienie obrazu.
Ostatnim akcentem jest malowanie postaci.
Ostatecznej wersji znaku w kolorze towarzyszą komentarze wskazujące wartości kolorów zastosowane dla każdego pojedynczego elementu obrazu w RGB lub CMYK (w zależności od oprogramowania użytego w projekcie). Zastosowanie nietradycyjnego stylu przy stosowaniu światła i cienia do postaci oznacza dodatkowy rozwój schematu światło-cień.
CHARAKTERYSTYCZNA POZA POSTACI
Charakterystyczne pozy postaci uzupełniają opis literackiego wizerunku bohatera. Pomagają wizualnie pokazać charakter bohatera, jego zwyczaje i zachowanie. Kluczowym zadaniem artysty jest jak najwierniejsze oddanie zamysłu reżysera, wyposażenie bohatera w charakterystyczne dla niego cechy (zgodnie ze scenariuszem).
Charakterystyczne pozy postaci to „Naturalne” (zrelaksowane), „Nawykowe” (odruchowe) i „Inscenizowane” (emocjonalne):
- "Naturalne pozy" - są to spokojne stany postaci w pozycji stojącej z podparciem na jednej nodze. Rzadziej podtrzymują obie nogi, z równomiernie rozłożonym środkiem ciężkości.
- "Zwyczajowe pozy" - charakterystyczne dla bohatera pozycje ciała, przyjmowane odruchowo zgodnie z nastrojem bohatera, np.: zamyślenie, podekscytowanie, zmęczenie.
- "Pozy" - celowo przesadne pozy przyjmowane przez bohatera w obecności osoby trzeciej, np.: flirt, zachwyt, zaskoczenie, wstyd.
Niezależnie od rodzaju poza powinna być dość jasna i wyrazista. Pożądany efekt osiąga się poprzez postawę*, ułożenie rąk i nóg, pozycję głowy, mimikę i gesty.
Śmieszny fakt:
Tworząc postacie, wielu artystów mimowolnie nadaje swoim bohaterom krzywą, z medycznego punktu widzenia, postawę. Jeśli weźmiemy pod uwagę różne typy pozycji według F. Staffela, wówczas skrzywienie kręgosłupa jest nieodłącznie związane z prawie wszystkimi typami:
- "Plano-wklęsły„Plecy są charakterystyczne dla kobiet. To wygięcie pleców dobrze podkreśla kobiece kształty w talii i biodrach;
- "Płaski tył„typowe dla wojska, gdy konieczne jest przesadne pokazanie postawy;
- "Zaokrąglone plecy”z reguły należy do chudego, niepewnego siebie młodego mężczyzny lub wysokiego, szczupłego starca;
- Potwory z potężnym tułowiem mają „wklęsły okrągły grzbiet”.
Kliknij na zdjęcie, aby obejrzeć je w pełnym rozmiarze i 100% jakości.
Pozycja głowy w połączeniu z mimiką i gestami bardziej wyraziście oddaje nastrój bohatera. Głowa ma pięć głównych pozycji: prosto, w dół, w górę, w górę, na boki i na bok.
Pozycja głowy bohatera jest bezpośrednio powiązana z jego nastrojem. Na przykład: podniesiona głowa podkreśli pewność siebie, arogancję lub marzycielstwo; pominięte - wściekłość i agresja, zmęczenie lub smutek; lekko opuszczony i przechylony na bok – zawstydzenie i flirt, a w pozycji wyprostowanej – zaskoczenie, strach lub irytacja. Mimo pewnego schematu istnieją techniki, które naruszają te zasady, ale można to już uznać za wyjątek od reguły.
W przeciwieństwie do doświadczonych artystów, którzy polegają na swoim doświadczeniu i intuicji, początkującym artystom dobrze byłoby zapoznać się ze specjalistyczną literaturą z zakresu psychologii mimiki i gestów, zwłaszcza że temat ten jest dość interesujący i pomaga artyście samodzielnie zidentyfikować pewne wzorce w ludzkich zachowaniach .
BUDOWANIE CHARAKTERU
Tworząc animowaną postać, artysta musi nie tylko wyobrazić sobie, jak postać będzie się poruszać, ale także jasno wyjaśnić to animatorowi, który później będzie z nią pracować. Aby to zrobić, postać jest rozkładana na tak zwane „półfabrykaty”, po czym rysowanie diagramu postaci.
Jak wiemy, każdy złożony obiekt składa się z prostych kształtów (koła, owale, trójkąty, prostokąty). Zadaniem artysty jest szczegółowe przeanalizowanie swojej postaci w prostych formach, pokazanie, jak łączą się one osiowo i doprecyzowanie proporcji. Schemat budowania postaci powinien być prosty, logiczny, wygodny i zrozumiały. Im lepiej przemyślany jest schemat konstrukcji, tym łatwiejsza będzie dalsza praca z postacią. Warto zaznaczyć, że technika tworzenia postaci jest indywidualna dla każdego artysty – niektórzy od razu budują postać podczas jej tworzenia, inni rysują postać bez budowania, skupiając się na swoim doświadczeniu i intuicji. Niemniej jednak, niezależnie od techniki tworzenia postaci, nadal będziesz musiał ją rozebrać na „blanki”, chyba że mówimy oczywiście o specjalnym stylu animacji, gdzie ważny jest tylko obraz, a konstrukcja postaci nie odgrywać dużą rolę.
Tak może wyglądać ta postać
Często zdarza się, że istnieje potrzeba adaptacji (dostosowania) statycznej postaci z ilustracji do projektu animacji. Aby to zrobić, wystarczy przebudować postać, rozbijając ją na „puste miejsca”, upraszczając jednocześnie drobne szczegóły.
Przykład statycznej postaci przystosowanej (dostosowanej) do animacji.
Kliknij na zdjęcie, aby obejrzeć je w pełnym rozmiarze i 100% jakości.
Praca ze zwierzętami przebiega według tego samego schematu, co z ludźmi.
EMOCJE CHARAKTERÓW
Każda postać powinna być w stanie wyrazić swoje emocje w związku z bieżącymi wydarzeniami. Im jaśniejszy i bardziej zróżnicowany wyraz twarzy postaci, tym ciekawiej można odegrać jego reakcję na określone wydarzenie. Styl postaci wyznacza ramy, w ramach których tworzą się emocje w przesadnej formie, których stopień zależy od „kreskówkowości” postaci.
W zależności od złożoności projektu mapa emocji może się znacznie różnić. Konkretne emocje i ich ilość wymaganą w konkretnym projekcie zazwyczaj określają specyfikacje techniczne.
WYJAŚNIENIE SZCZEGÓŁÓW
Dodatki, elementy ubioru i fryzura postaci odgrywają ważną rolę w tworzeniu niepowtarzalnego, zapadającego w pamięć wizerunku. W procesie opracowywania detali ważne jest nie tylko wizualne urzeczywistnienie idei rozmieszczenia dodatkowych elementów na wizerunku postaci, ale także wyjaśnienie, jak te detale „działają”. Artysta musi zrozumieć funkcjonalny cel wymyślonych przez siebie elementów, ich praktyczne zastosowanie, interakcję z postacią, sposób, w jaki będą się poruszać w animacji, aby przekazać to wizualnie w zestawie dokumentów dotyczących rozwoju postaci.
Tworzone są dodatkowe arkusze w celu wyjaśnienia szczegółów.
TABELA PORÓWNAWCZA
Tablica porównawcza postaci (linijka) - arkusz w linie, na którym ułożono wszystkich bohaterów filmu animowanego w taki sposób, aby za pomocą linii porównawczych lub siatki skali można było wyraźnie określić proporcjonalne stosunki między postaciami (przede wszystkim ich wzrost). zademonstrowano.
Postacie epizodyczne z reguły nie są uwzględniane w tabeli porównawczej. Tworzony jest dla nich osobny arkusz, powiązany z „linijką” za pomocą siatki skali. Lub dokonuje się porównania z bohaterem ze stołu (z którym wchodzi w interakcję postać epizodyczna).