Tivadar Kostka Chontvari maluje obraz starego rybaka. „Straż nocna” czy „Straż dzienna”? Naga Mona Lisa

06.02.2019

Nieznany nikomu za życia artysta Tivadar Kostka Chontvary, sto lat po śmierci, nagle zyskał sławę dzięki obrazowi „ Stary rybak" Sam mistrz był pewien swojego mesjańskiego przeznaczenia, choć jego współcześni nazywali to schizofrenią. Teraz w jego obrazach szukają ukryte postacie i zawoalowane wskazówki. Czy oni tam są? Jednym z takich dzieł, które przeszło wszechstronną analizę, jest obraz „Stary rybak”.

Nierozpoznany artysta

W 1853 roku w węgierskiej wiosce Kisseben urodził się przyszły malarz. Los Tivadara i jego pięciu braci był przesądzony od dzieciństwa. Byli gotowi kontynuować dzieło ojca. A rodzic był farmaceutą i miał praktykę lekarską. Ale zanim zajął się farmakologią, młody człowiek zdążył ukończyć szkołę średnią, pracować jako sprzedawca i studiować Wydział Prawa. I po tym wszystkim się zwróciłem biznes rodzinny. Po przybyciu do apteki Tivadar pracował tu przez czternaście długich lat.

Któregoś dnia, gdy miał 28 lat, w normalny dzień pracy chwycił formularz recepty i ołówek i naszkicował fabułę: przejeżdżający w tym momencie obok okna wóz z zaprzęgniętymi do niego bawołami. Wcześniej nie wykazywał skłonności do rysowania, ale później napisał w swojej autobiografii, że tego dnia miał wizję, która przepowiadała losy wielkiego malarza.

Wiosną 1881 roku Tivadar Kostka otworzył aptekę w północnych Węgrzech i zaoszczędził wystarczająco dużo pieniędzy, aby podróżować do Włoch. Jak wszyscy młodzi artyści marzył o zobaczeniu arcydzieł dawnych mistrzów. Szczególnie pociągały go obrazy Rafaela. Trzeba powiedzieć, że później rozczarował się swoim idolem, nie znajdując na swoich płótnach niezbędnej żywotności i szczerości w naturze. Po Rzymie Kostka udaje się do Paryża, a potem do ojczyzny.

Chontvari (artysta przyjął ten pseudonim w 1900 r.) zaczął poważnie zajmować się malarstwem w połowie lat 90. XIX wieku. Zostawia aptekę braciom i przyjeżdża do Monachium, aby studiować malarstwo. W wielu źródłach Kostka nazywana jest samoukiem, tymczasem uczył się w szkole artystycznej swojego słynnego rodaka, odnoszącego większe sukcesy na polu sztuki, Shimona Hollosy'ego. Nauczyciel był prawie dziesięć lat młodszy od swojego ucznia.

W Monachium Chontvari tworzy kilka portretów. Ślad smutku na twarzach modelek odróżnia je od pogodniejszych prac. Portrety naturalne malował dopiero w czasie studiów, później przestał się nimi interesować. Po opuszczeniu Monachium artysta udał się do Karlsruhe, gdzie kontynuował naukę, obecnie w Kallmorgen. Biografowie artysty podają, że żył on w tym czasie wygodnie, kupując do pracy najlepsze płótna Produkcja belgijska.

Ostatnie lata

Studia nie przyniosły Chontvariowi satysfakcji. Wydawało się, że rozumie prawa malarstwa tylko po to, żeby je łamać. W 1895 roku ponownie wyjechał do Włoch, aby pracować na świeżym powietrzu w swoim ulubionym gatunek pejzażowy. Artysta odwiedza nie tylko Włochy, ale także Francję, Grecję, Bliski Wschód i Liban.

W latach 1907-1910 odbyło się kilka jego wystaw osobistych w Paryżu, Budapeszcie i w kraju. Nie przynoszą mu szczególnej sławy, choć niektórzy krytycy wypowiadają się z dużą aprobatą. Na Węgrzech mówi się nawet o artyście, jakby był wariatem. Nie jest tajemnicą, że cierpiał na ataki schizofrenii, ale wciąż liczył na uznanie ze strony rodaków.

W 1910 roku choroba zaczęła się rozwijać. Ataki stawały się coraz dotkliwsze, praca była utrudniona. Chontvari już prawie nie pisze, robiąc jedynie małe szkice. Nigdy nie ukończył ani jednego dzieła, chociaż podejmował próby. W wieku sześćdziesięciu lat artysta zmarł w Budapeszcie, gdzie został pochowany.

Twórcze dziedzictwo

Tivadar Kostka Chontvari pozostawił po sobie ponad sto pięćdziesiąt obrazów i rysunków. Obraz „Stary rybak”, namalowany w 1902 roku, jest chyba najbardziej znanym ze wszystkich, „kultowym”. Większość prac powstała w r krótki okres między 1903 a 1909 rokiem. To było twórczy rozkwit artysta, przebłysk geniuszu. Swoją stylistyką nawiązują do ekspresjonizmu. Jego twórczości przypisuje się także cechy symboliki, postimpresjonizmu, a nawet surrealizmu.

Pośmiertne uznanie

Po śmierci Chontvari jego dzieła przetrwały jedynie cudem. Siostra zwróciła się do rzeczoznawców, aby dowiedzieć się, ile może dostać za obrazy. Zapewniali ją, że ich wartość artystyczna jest zerowa. Wtedy kobieta rozumowała, że skoro obrazy są złe, to płótna przynajmniej komuś się przydadzą. I wystawiaj je na sprzedaż hurtową. Całą pracę podjął się architekt Gedeon Gerlotsi, przebijając handlarza śmieciami. Później wystawiał obrazy w szkole budapeszteńskiej sztuki piękne, a w 1949 wystawiał je w Belgii i Francji.

Przed śmiercią architekt przekazał swoje zbiory Zoltanowi Fülepowi, przyszłemu dyrektorowi Muzeum Csontvari. To już był sukces. Ale artysta pozostałby w swojej ojczyźnie znany tylko wąskiemu kręgowi fanów, gdyby prawie sto lat po jego śmierci jeden z pracowników muzeum nie odkrył pewnej tajemnicy, którą wciąż skrywa obraz „Stary rybak”. Od tego czasu imię Chontvari, który przez całe życie nie sprzedał ani jednego obrazu, stało się znane na całym świecie.

„Stary rybak”: opis obrazu

Prawie całą przestrzeń płótna zajmuje postać starszego mężczyzny. Burzowy wiatr rozwiewa jego włosy i stare, zniszczone ubrania. Rybak ubrany jest w czarną bluzkę, szary beret i płaszcz. Opiera się na lasce i patrzy prosto na widza. Jego twarz ma szorstką skórę i jest pokryta częstą siecią zmarszczek. W tle artysta umieścił zatokę morską. Fale rozbijają się o brzeg, a z kominów domów na brzegu wydobywa się gęsty dym. Na horyzoncie widać góry, a raczej ich sylwetki, ukryte za mleczną mgłą. W stosunku do postaci rybaka krajobraz ma charakter wtórny i pełni rolę tła.

Obraz „Stary rybak” Chontvariego utrzymany jest w powściągliwej kolorystyce, w której dominują stonowane, delikatne kolory: gołębica, szarość, piasek, odcienie brązu.

Tajemnica obrazu „Stary rybak”

Jakiego odkrycia dokonał pracownik muzeum? Zdradźmy intrygę: odkrył, że jeśli zakryjesz połowę płótna, a pozostałą część odzwierciedlisz symetrycznie, otrzymasz całkowicie wykończony dzieło sztuki. Co więcej, działa to w obu przypadkach: zarówno z prawą, jak i lewą częścią obrazu. Oto tajemnica, którą obraz „Stary rybak” trzymał przez prawie sto lat. Zdjęcia zamontowanych połówek można teraz łatwo znaleźć w Internecie. Odbiciem prawej połowy jest przystojny starzec, rozjaśniony siwymi włosami, na tle tafli morza. Jeśli odbijemy lewą stronę, zobaczymy mężczyznę w spiczastym kapeluszu ze skośnymi oczami i szalejącymi falami za nim.

Interpretacja

Obraz „Stary rybak” zapoczątkował poszukiwania mistycznych wskazówek w twórczości Chontvariego. Oliwy do ognia dolał fakt, że artysta za życia często przybierał proroczy ton. Obraz ten jest zwykle interpretowany jako symbol dwoistości ludzka natura: w jednym człowieku współistnieją jasna i ciemna połowa, dobro i zło. Czasami nazywana jest także „Bogiem i diabłem”, co ponownie odzwierciedla jej dualizm.

Tak naprawdę historia sukcesu Tivadara Kostki Chontvariego jest przykładem serii szczęśliwych wypadków (lub wielkie przeznaczenie, który ukazał mu się w wizjach, kto wie?). Obraz „Stary rybak” – geniusz i szaleństwo – jak na ironię stał się jego kluczem do światowej sławy. Niestety, uznanie nie przyszło mu za życia. Ale dziś Chontvari jest uważany za jeden z najlepszych i najbardziej oryginalni artyści Węgry.

Do cedrów Libanu

Stało się to w przypadku skromnego węgierskiego farmaceuty o nazwisku Tivadar Kostka Csontvary, które trudno nam zapamiętać. Siedział w swojej aptece w małej karpackiej wiosce Iglo, porządkował nieczytelne przepisy, wydawał krople i pigułki oraz wysłuchiwał narzekań starszych kobiet, że proszki nie pomagają. Siedział długo, kilkanaście lat. I nagle ciepło letnia noc W 1881 roku miał sen...

Kostka nikomu o swoim śnie nie powiedział, ale dosłownie następnego dnia wynajął aptekę, zebrał całą gotówkę, kupił pędzle i farby i prosto do Libanu pojechał malować libańskie cedry.

Świeżo upieczony artysta nie pojawił się już w swojej aptece. Podróżował do Grecji, Włoch, północna Afryka podróżował i w tym czasie stworzył ponad sto obrazów.

Pisał o sobie tak: „Ja, Tivadar Kostka, w imię odnowy świata wyrzekłem się młodości. Kiedy przyjąłem inicjację od niewidzialnego ducha, byłem w bezpiecznej sytuacji, żyłem w dobrobycie i komforcie. Ale opuściłem ojczyznę, bo chciałem, żeby pod koniec mojego życia była bogata i chwalebna. Aby to osiągnąć, dużo podróżowałem po Europie, Azji i Afryce. Chciałem odnaleźć przepowiedzianą mi prawdę i zamienić ją w malarstwo.”

„Stary rybak”

Wartość jego dzieł była kwestionowana przez wielu krytyków. Wystawiano je w Europie (choć bez większego sukcesu), ale na rodzimych Węgrzech Csontvary raz na zawsze nazwano szalonym. Dopiero pod koniec życia przyjechał do Budapesztu i przywiózł tam swoje obrazy. Próbowałem przekazać je lokalnemu muzeum, ale nikomu nie były potrzebne. W 1919 roku Tivadar Kostka Chontvari naprawdę oszalał i zmarł biedny, samotny, wyśmiewany i nikomu nieprzydatny.

Po pochowaniu nieszczęśnika krewni zaczęli dzielić majątek. Ale jedyne, co było dobre, to zdjęcia. I tak po konsultacji z „ekspertami” postanowili zezłomować płótna jak zwykłe płótno, a pieniądze podzielić między siebie, żeby wszystko było sprawiedliwie.

W tym czasie zupełnie przypadkowo przechodził obok nas młody architekt Gedeon Gerlotsi. To on uratował dzieła artysty, płacąc za nie nieco więcej, niż oferował handlarz śmieciami.

Obecnie obrazy Tivadara Csontvariego przechowywane są w muzeum miasta Pecz (Węgry).

A niedawno jeden z pracowników muzeum, oglądając obraz Kostki „Stary rybak” z 1902 roku, wpadł na pomysł, aby umieścić na nim lustro. A potem zobaczył, że na płótnie nie było jednego obrazu, ale co najmniej dwa! Spróbuj sam podzielić płótno lustrem, a zobaczysz albo boga siedzącego w łodzi na tle spokojnego, można powiedzieć, niebiańskiego krajobrazu, albo samego diabła, za którym szaleją czarne fale. A może w innych obrazach Chontvariego kryje się jakieś ukryte znaczenie? Okazuje się jednak, że w przypadku byłego farmaceuty ze wsi Iglo nie było to takie proste.

W prawie każdym znacząca praca sztuka jest tajemnicą, „podwójnym dnem” lub tajna historia, które chcę ujawnić.

Muzyka na pośladkach

Hieronim Bosch, „Ogród” ziemskie przyjemności", 1500-1510.

Fragment części tryptyku

Spory o znaczenia i ukryte znaczenia Najsłynniejsze dzieło holenderskiego artysty nie ustąpiło od czasu jego pojawienia się. Prawe skrzydło tryptyku „Muzyczne Piekło” przedstawia grzeszników torturowanych w podziemiach za pomocą instrumenty muzyczne. Jeden z nich ma wytłoczone nuty na pośladkach. Studentka Oklahoma Christian University, Amelia Hamrick, która studiowała obraz, przetłumaczyła XVI-wieczny zapis na współczesny akcent i nagrała „500-letnią piekło z piekła rodem”.

Naga Mona Lisa

Słynna „La Gioconda” występuje w dwóch wersjach: naga wersja nosi tytuł „Monna Vanna”, została napisana przez mało znany artysta Salai, który był uczniem i wzorem wielkiego Leonarda da Vinci. Wielu historyków sztuki jest przekonanych, że to on był wzorem dla obrazów Leonarda „Jan Chrzciciel” i „Bachus”. Istnieją również wersje, w których Salai ubrana w kobiecy strój służyła jako wizerunek samej Mony Lisy.

Stary rybak

W 1902 roku węgierski artysta Tivadar Kostka Csontvary namalował obraz „Stary rybak”. Wydawać by się mogło, że w obrazie nie ma nic niezwykłego, jednak Tivadar umieścił w nim podtekst, który nigdy nie został ujawniony za życia artysty.

Niewiele osób myślało o umieszczeniu lustra na środku obrazu. W każdej osobie może być zarówno Bóg (zduplikowane jest prawe ramię Starego Człowieka), jak i Diabeł (zduplikowane jest lewe ramię Starego Człowieka).

Czy był wieloryb?

Hendrik van Antonissen, Scena na brzegu.

Wydawałoby się, że zwyczajny krajobraz. Łodzie, ludzie na brzegu i bezludne morze. I dopiero badanie rentgenowskie wykazało, że ludzie gromadzili się na brzegu nie bez powodu - w oryginale oglądali zwłoki wieloryba wyrzuconego na brzeg.

Artysta jednak zdecydował, że nikt nie będzie chciał patrzeć na martwego wieloryba, i przepisał obraz.

Dwa „Śniadania na trawie”

Edouard Manet, „Obiad na trawie”, 1863.

Claude Monet, „Obiad na trawie”, 1865.

Artyści Edouard Manet i Claude Monet są czasami zdezorientowani - w końcu obaj byli Francuzami, żyli w tym samym czasie i pracowali w stylu impresjonizmu. Monet zapożyczył nawet tytuł jednego z najsłynniejszych obrazów Maneta „Obiad na trawie” i napisał własny „Obiad na trawie”.

Podwaja się podczas Ostatniej Wieczerzy

Leonardo da Vinci, „Ostatnia wieczerza”, 1495-1498.

Pisząc Ostatnią Wieczerzę Leonardo da Vinci przywiązywał szczególną wagę do dwóch postaci: Chrystusa i Judasza. Bardzo długo szukał dla nich modeli. Wreszcie udało mu się znaleźć wzór obrazu Chrystusa wśród młodych śpiewaków. Leonardo przez trzy lata nie mógł znaleźć wzoru dla Judasza. Ale pewnego dnia natknął się na pijaka, który leżał w rynsztoku. Był to młody człowiek, który postarzał się wskutek intensywnego picia. Leonardo zaprosił go do tawerny, gdzie od razu zaczął malować z niego Judasza. Kiedy pijak opamiętał się, powiedział artyście, że już raz mu pozował. Było to kilka lat temu, gdy śpiewał w chórze kościelnym, Leonardo namalował z niego Chrystusa.

„Straż nocna” czy „Straż dzienna”?

Rembrandt, „Nocna straż”, 1642.

Jeden z najsłynniejszych obrazów Rembrandta „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenburga” wisiał w różnych pokojach przez około dwieście lat i został odkryty przez historyków sztuki dopiero w XIX wieku. Ponieważ cyfry wydawały się wystające ciemne tło nosił nazwę „Straż Nocna” i pod tą nazwą wszedł do skarbnicy sztuki światowej.

I dopiero podczas renowacji przeprowadzonej w 1947 roku odkryto, że w holu obraz zdążył pokryć się warstwą sadzy, co zniekształciło jego kolorystykę. Po oczyszczeniu oryginalne malowanie Ostatecznie wyszło na jaw, że scena przedstawiona przez Rembrandta faktycznie rozgrywa się w dzień. Położenie cienia z lewej ręki Kapitana Koka pokazuje, że czas akcji nie przekracza 14 godzin.

Przewrócona łódź

Henri Matisse, „Łódź”, 1937.

W Muzeum Nowego Jorku Sztuka współczesna w 1961 r. wystawiono obraz Henriego Matisse'a „Łódź”. Dopiero po 47 dniach ktoś zauważył, że obraz wisiał do góry nogami. Płótno przedstawia 10 fioletowych linii i dwa niebieskie żagle na białym tle. Artysta nie bez powodu namalował dwa żagle, drugi żagiel jest odbiciem pierwszego na powierzchni wody.
Aby nie popełnić błędu w sposobie zawieszenia obrazu, należy zwrócić uwagę na szczegóły. Większy żagiel powinien znajdować się na górze obrazu, a szczyt żagla obrazu powinien znajdować się w kierunku prawego górnego rogu.

Oszustwo w autoportrecie

Vincent van Gogh, „Autoportret z fajką”, 1889.

Istnieją legendy, że Van Gogh rzekomo odciął sobie ucho. Najbardziej wiarygodna wersja mówi, że van Gogh uszkodził sobie ucho podczas małej bójki z udziałem innego artysty, Paula Gauguina.

Autoportret jest o tyle ciekawy, że odzwierciedla rzeczywistość w zniekształconej formie: artysta ukazany jest z zabandażowanym prawym uchem, gdyż podczas pracy korzystał z lustra. W rzeczywistości dotknięte było lewe ucho.

Obce niedźwiedzie

Iwan Szyszkin, „Poranek Las sosnowy", 1889.

Słynny obraz należy nie tylko do Szyszkina. Wielu zaprzyjaźnionych artystów często korzystało z „pomocy przyjaciela”, a Iwan Iwanowicz, który przez całe życie malował pejzaże, obawiał się, że jego dotykające się niedźwiedzie nie wyjdą tak, jak chciał. Dlatego Szyszkin zwrócił się do swojego przyjaciela, artysty zwierząt Konstantina Savickiego.

Savitsky narysował prawdopodobnie najlepsze niedźwiedzie w historii Malarstwo rosyjskie, a Tretiakow nakazał zmyć swoje imię z płótna, ponieważ wszystko w obrazie „od koncepcji po wykonanie, wszystko mówi o sposobie malowania, o charakterystycznej dla Szyszkina metodzie twórczej”.

Niewinna historia „Gothica”

Granta Wooda”, amerykański gotyk", 1930.

Twórczość Granta Wooda uznawana jest za jedną z najdziwniejszych i najbardziej przygnębiających w historii. Malarstwo amerykańskie. Obraz z ponurym ojcem i córką jest wypełniony szczegółami, które wskazują na surowość, purytanizm i wsteczny charakter przedstawionych ludzi.
Tak naprawdę artysta nie miał zamiaru przedstawiać żadnych horrorów: podczas podróży do Iowa zauważył mały dom styl gotycki i postanowił sportretować te osoby, które jego zdaniem idealnie nadawałyby się na mieszkańców. Siostra Granta i jego dentysta zostają uwiecznieni jako bohaterowie, którymi mieszkańcy Iowa byli tak urażeni.

Zemsta Salvadora Dali

Obraz „Postać w oknie” został namalowany w 1925 roku, gdy Dali miał 21 lat. Gala nie była jeszcze wówczas obecna w życiu artysty, a jego muzą była jego siostra Ana Maria. Relacje między bratem i siostrą uległy pogorszeniu, gdy na jednym z obrazów napisał: „Czasami pluję na portret własnej matki i sprawia mi to przyjemność”. Ana Maria nie mogła wybaczyć tak szokującego zachowania.

W swojej książce Salvador Dali oczami siostry z 1949 roku pisze o swoim bracie bez żadnych pochwał. Książka rozwścieczyła Salvadora. Przez kolejne dziesięć lat wspominał ją ze złością przy każdej okazji. I tak w 1954 roku ukazał się obraz „Młoda dziewica oddając się grzechowi sodomii za pomocą rogów własnej czystości”. Postawa kobiety, jej loki, pejzaż za oknem i kolorystyka obrazu wyraźnie nawiązują do „Postać w oknie”. Istnieje wersja, w której Dali zemścił się na swojej siostrze za jej książkę.

Danae o dwóch twarzach

Rembrandt Harmens van Rijn, „Danae”, 1636 - 1647.

Wiele tajemnic jednego z najsłynniejszych obrazów Rembrandta wyszło na jaw dopiero w latach 60. XX wieku, kiedy płótno zostało oświetlone zdjęcia rentgenowskie. Na przykład filmowanie pokazało, że we wczesnej wersji pojawiła się twarz księżniczki romans u Zeusa była podobna do twarzy Saskii, żony malarza, zmarłej w 1642 roku. W ostatecznej wersji obrazu zaczął on przypominać twarz Gertje Dirks, kochanki Rembrandta, z którą artysta zamieszkał po śmierci żony.

Żółta sypialnia Van Gogha

Vincent Van Gogh, „Sypialnia w Arles”, 1888 - 1889.

W maju 1888 roku Van Gogh nabył małą pracownię w Arles na południu Francji, gdzie uciekł przed paryskimi artystami i krytykami, którzy go nie rozumieli. W jednym z czterech pokoi Vincent urządza sypialnię. W październiku wszystko jest już gotowe i postanawia namalować „Sypialnię Van Gogha w Arles”. Dla artysty bardzo ważny był kolor i wygoda pomieszczenia: wszystko musiało przywoływać na myśl o relaksie. Jednocześnie obraz jest utrzymany w niepokojących żółtych odcieniach.

Badacze twórczości Van Gogha tłumaczą to faktem, że artysta zażywał naparstnicę, lek na epilepsję, który powoduje poważne zmiany w postrzeganiu koloru przez pacjenta: cała otaczająca rzeczywistość jest pomalowana na odcienie zieleni i żółci.

Bezzębna doskonałość

Leonardo da Vinci, „Portret Lady Lisy del Giocondo”, 1503 - 1519.

Powszechnie panuje opinia, że Mona Lisa jest perfekcją, a jej uśmiech jest piękny w swojej tajemniczości. Jednak amerykański krytyk sztuki (i dentysta na pół etatu) Joseph Borkowski uważa, że sądząc po wyrazie twarzy, bohaterka straciła wiele zębów. Studiując powiększone fotografie arcydzieła Borkowski odkrył także blizny wokół ust. „Uśmiecha się” właśnie z powodu tego, co ją spotkało – uważa ekspert. „Wyraz jej twarzy jest typowy dla ludzi, którzy stracili przednie zęby”.

Specjalizacja w kontroli twarzy

Paweł Fedotow, „Swatanie majora”, 1848.

Publiczność, która po raz pierwszy zobaczyła obraz „Major's Matchmaking”, roześmiała się serdecznie: artysta Fiedotow wypełnił go ironicznymi szczegółami, które były zrozumiałe dla ówczesnej publiczności. Na przykład major wyraźnie nie zna zasad etykiety szlacheckiej: pojawił się bez wymaganych bukietów dla panny młodej i jej matki. A jej kupieccy rodzice sami ubrali pannę młodą w wieczorową suknię balową, chociaż był dzień (wszystkie lampy w pokoju były zgaszone). Dziewczyna najwyraźniej po raz pierwszy przymierzyła głęboko wyciętą sukienkę, jest zawstydzona i próbuje uciec do swojego pokoju.

Dlaczego Liberty jest naga?

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, „Wolność na barykadach”, 1830.

Zdaniem krytyka sztuki Etienne Julie Delacroix wzorował twarz kobiety na słynnej paryskiej rewolucjonistce – praczce Annie-Charlotte, która po śmierci brata z rąk królewskich żołnierzy poszła na barykady i zabiła dziewięciu gwardzistów. Artysta przedstawił ją z nagimi piersiami. Według jego planu jest to symbol nieustraszoności i bezinteresowności, a także triumfu demokracji: naga pierś pokazuje, że Liberty jako zwykły człowiek nie nosi gorsetu.

Kwadrat niekwadratowy

Kazimierz Malewicz, „Czarny plac suprematystyczny", 1915.

Tak naprawdę „Czarny kwadrat” wcale nie jest czarny i wcale nie jest kwadratowy: żaden z boków czworokąta nie jest równoległy do żadnego z pozostałych boków, ani do żadnego boku kwadratowej ramy otaczającej obraz. A ciemny kolor- to wynik zmieszania różne kolory, wśród których nie było czarnego. Uważa się, że nie było to zaniedbanie autora, ale pryncypialne stanowisko, chęć stworzenia dynamicznej, poruszającej formy.

Specjaliści Galeria Trietiakowska odkryto inskrypcję autora sławny obraz Malewicz. Napis głosi: „Bitwa Czarnych w ciemnej jaskini”. To zdanie nawiązuje do tytułu humorystycznego obrazu francuskiego dziennikarza, pisarza i artysty Alphonse’a Allaisa „Bitwa Murzynów w ciemnej jaskini”. późno w nocy", który był całkowicie czarnym prostokątem.

Melodramat austriackiej Mony Lisy

Gustav Klimt, „Portret Adele Bloch-Bauer”, 1907.

Jeden z najważniejszych obrazów Klimta przedstawia żonę austriackiego magnata cukrowniczego Ferdinada Blocha-Bauera. Cały Wiedeń dyskutował burzliwy romans Adele i sławny artysta. Ranny mąż chciał zemścić się na swoich kochankach, ale wybrał bardzo nietypowy sposób: postanowił zamówić u Klimta portret Adele i zmusić go do wykonania setek szkiców, aż artysta zaczął na nią wymiotować.

Bloch-Bauer chciał, aby praca trwała kilka lat, aby opiekunka mogła zobaczyć, jak słabną uczucia Klimta. Złożył artyście hojną ofertę, której nie mógł odmówić, i wszystko potoczyło się zgodnie ze scenariuszem oszukanego męża: praca została ukończona w ciągu 4 lat, kochankowie już dawno się ochłodzili. Adele Bloch-Bauer nigdy nie wiedziała, że jej mąż był świadomy jej związku z Klimtem.

Obraz, który przywrócił Gauguina do życia

Paul Gauguin, „Skąd przychodzimy? Kim jesteśmy? Dokąd zmierzamy?”, 1897-1898.

Najbardziej sławny obraz Gauguin ma jedną osobliwość: „czyta się” go nie od lewej do prawej, ale od prawej do lewej, jak teksty kabalistyczne, którymi interesował się artysta. W tej kolejności rozwija się alegoria życia duchowego i fizycznego człowieka: od narodzin duszy (śpiące dziecko w prawym dolnym rogu) do nieuchronności godziny śmierci (ptak z jaszczurką w szponach w lewy dolny róg).

Obraz został namalowany przez Gauguina na Tahiti, gdzie artysta kilkakrotnie uciekał przed cywilizacją. Ale tym razem życie na wyspie nie ułożyło się: totalna bieda doprowadziła go do depresji. Po ukończeniu płótna, które miało stać się jego duchowym testamentem, Gauguin wziął skrzynkę z arszenikiem i udał się w góry, aby umrzeć. Nie obliczył jednak dawki i samobójstwo się nie powiodło. Następnego ranka pojechał do swojej chaty i zasnął, a kiedy się obudził, poczuł zapomniane pragnienie życia. A w 1898 roku jego działalność zaczęła się poprawiać i rozpoczął się w jego pracy jaśniejszy okres.

112 przysłów na jednym obrazku

Pieter Bruegel Starszy, „Przysłowia holenderskie”, 1559

Pieter Bruegel Starszy przedstawił krainę zamieszkałą przez dosłowne obrazy holenderskich przysłów tamtych czasów. Obraz zawiera około 112 rozpoznawalnych idiomów. Niektóre z nich są stosowane do dziś, np.: „płynie pod prąd”, „walenie głową w mur”, „uzbrojenie po zęby” czy „uzbrojenie po zęby”. Duża ryba zjada małego.”

Inne przysłowia odzwierciedlają ludzką głupotę.

Subiektywność sztuki

Paul Gauguin, " Wieś bretońska pod śniegiem”, 1894

Obraz Gauguina „Bretońska wioska w śniegu” został sprzedany po śmierci autora za jedyne siedem franków i w dodatku pod tytułem „ wodospad Niagara" Mężczyzna prowadzący aukcję przez przypadek powiesił obraz do góry nogami, bo zobaczył na nim wodospad.

Ukryty obraz

Pablo Picasso, „Niebieski pokój”, 1901

W 2008 roku promieniowanie podczerwone ujawniło, że pod Błękitnym Pokojem ukryty był kolejny obraz – portret mężczyzny ubranego w garnitur z muszką i opierającego głowę na dłoni. „Tak szybko, jak Picasso nowy pomysł, wziął pędzel i ucieleśnił go. Ale nie miał możliwości zakupu nowe płótno za każdym razem, gdy odwiedzała go muza” – wyjaśnia możliwa przyczyna krytyk sztuki Patricia Favero.

Niedostępne Marokańczycy

Zinaida Serebryakova, „Nago”, 1928

Kiedyś Zinaida Serebryakova otrzymała kusząca oferta- iść do twórcza podróż przedstawiać nagie postacie orientalnych dziewcząt. Okazało się jednak, że w tych miejscach po prostu nie da się znaleźć modeli. Z pomocą przyszedł tłumacz Zinaidy – przyprowadził do niej swoje siostry i narzeczoną. Nikomu wcześniej ani później nie udało się uchwycić zamknięcia orientalne kobiety nagi.

Spontaniczny wgląd

Walentin Sierow, „Portret Mikołaja II w marynarce”, 1900

Przez długi czas Sierow nie mógł namalować portretu cara. Kiedy artysta całkowicie się poddał, przeprosił Nikołaja. Nikołaj był trochę zdenerwowany, usiadł przy stole i wyciągnął przed siebie ramiona... I wtedy dotarło do artysty - oto obraz! Prosty wojskowy w kurtce oficerskiej o jasnych i smutnych oczach. Ten portret jest brany pod uwagę najlepszy obraz ostatni cesarz.

Kolejny dwójka

© Fedor Reshetnikov

Słynny obraz „Deuce Again” to dopiero druga część artystycznej trylogii.

Pierwsza część to „Przyjechałem na wakacje”. Widać, że bogata rodzina ferie zimowe, radosny, doskonały uczeń.

Druga część to „Znowu dwójka”. Biedna rodzina z robotniczych przedmieść, szczyt roku szkolnego, przygnębiony idiota, który znów dostał złą ocenę. W lewym górnym rogu widać obraz „Przybył na wakacje”.

Trzecia część to „Ponowne badanie”. Dom na wsi, lato, wszyscy chodzą, jeden złośliwy ignorant, który nie zdał rocznego egzaminu, zostaje zmuszony do siedzenia cztery ściany i wkuwać. W lewym górnym rogu widać obraz „Deuce Again”.

Jak rodzą się arcydzieła

Joseph Turner, Deszcz, para i prędkość, 1844

W 1842 roku pani Simon podróżowała pociągiem po Anglii. Nagle zaczęła się silna ulewa. Starszy pan siedzący naprzeciw niej wstał, otworzył okno, wystawił głowę na zewnątrz i patrzył przez około dziesięć minut. Nie mogąc powstrzymać ciekawości, kobieta również otworzyła okno i zaczęła patrzeć przed siebie. Rok później na wystawie w Królewskiej Akademii Sztuk odkryła obraz „Deszcz, para i prędkość” i rozpoznała w nim ten sam epizod w pociągu.

Lekcja anatomii od Michała Anioła

Michał Anioł, „Stworzenie Adama”, 1511

Para amerykańskich ekspertów w dziedzinie neuroanatomii uważa, że Michał Anioł rzeczywiście pozostawił pewne ilustracje anatomiczne w jednym ze swoich najbardziej znanych dzieł znane prace. Wierzą, że prawa strona obrazu przedstawia ogromny mózg. Co zaskakujące, można znaleźć nawet złożone elementy, takie jak móżdżek, nerwy wzrokowe i przysadka mózgowa. A przyciągająca wzrok zielona wstążka idealnie komponuje się z położeniem tętnicy kręgowej.

„Ostatnia wieczerza” Van Gogha

Vincent van Gogh, " Nocny taras kawiarnia”, 1888

Badacz Jared Baxter uważa, że obraz Van Gogha „Taras kawiarni nocą” zawiera zaszyfrowaną dedykację dla „Ostatniej wieczerzy” Leonarda da Vinci. W centrum obrazu stoi kelner z długie włosy i w białej tunice przypominającej szaty Chrystusa, a wokół niego jest dokładnie 12 gości kawiarni. Baxter zwraca także uwagę na umieszczony bezpośrednio za kelnerem krzyż w kolorze białym.

Obraz pamięci Dali

Salvador Dali, „Trwałość pamięci”, 1931

Nie jest tajemnicą, że myśli, które nawiedziły Dali podczas tworzenia jego arcydzieł, zawsze miały formę bardzo realistycznych obrazów, które artysta następnie przeniósł na płótno. Zatem, według samego autora, obraz „Trwałość pamięci” powstał w wyniku skojarzeń, jakie narosły na widok sera topionego.

O czym Munch krzyczy?

Edvard Munch, „Krzyk”, 1893.

Munch opowiadał o tym, jak wpadł na pomysł jednego z najbardziej tajemnicze obrazy w malarstwie światowym: „Szedłem z dwójką przyjaciół ścieżką - zachodziło słońce - nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując zmęczenie, oparłem się o płot - spojrzałem na krew i płomienie nad niebieskawym- czarny fiord i miasto – moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałam, drżąc z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę.” Ale jaki zachód słońca mógł tak przestraszyć artystę?

Istnieje wersja, że pomysł na „Krzyk” narodził się u Muncha w 1883 roku, kiedy doszło do kilku potężnych erupcji wulkanu Krakatoa – tak potężnych, że zmieniły temperaturę ziemskiej atmosfery o jeden stopień. Po całym pomieszczeniu unosiły się ogromne ilości kurzu i popiołu na globus docierając nawet do Norwegii. Przez kilka wieczorów z rzędu zachody słońca wyglądały, jakby miała nadejść apokalipsa – jeden z nich stał się źródłem inspiracji dla artysty.

Pisarz wśród ludzi

Aleksander Iwanow, „Pojawienie się Chrystusa ludowi”, 1837-1857.

Dziesiątki modelek pozowało Aleksandrowi Iwanowowi do jego zdjęcia główne zdjęcie. Jeden z nich jest znany nie mniej niż sam artysta. W tle, wśród podróżników i jeźdźców rzymskich, którzy nie słyszeli jeszcze kazania Jana Chrzciciela, widać postać w tunice. Iwanow napisał to od Mikołaja Gogola. Pisarz utrzymywał ścisły kontakt z artystą we Włoszech, zwłaszcza w kwestiach religijnych i udzielał mu rad podczas procesu malowania. Gogol uważał, że Iwanow „już dawno umarł za cały świat, z wyjątkiem swojej pracy”.

Dna Michała Anioła

Rafaela Santi”, Szkoła ateńska", 1511.

Tworzenie słynny fresk„Szkoła ateńska” Rafael uwiecznił na obrazach swoich przyjaciół i znajomych starożytni filozofowie greccy. Jednym z nich był Michelangelo Buonarotti „w roli” Heraklita. Przez kilka stuleci fresk skrywał tajemnice życie osobiste Michał Anioł i współcześni badacze przyjęli założenie, że dziwnie kanciaste kolano artysty wskazuje na chorobę stawów.

Jest to całkiem prawdopodobne, biorąc pod uwagę specyfikę stylu życia i warunków pracy artystów renesansu oraz chroniczny pracoholizm Michała Anioła.

Lustro pary Arnolfinich

Jan van Eyck, „Portret pary Arnolfinich”, 1434

W lustrze za parą Arnolfinich widać odbicie dwóch kolejnych osób w pokoju. Najprawdopodobniej są to świadkowie obecni przy zawarciu umowy. Jednym z nich jest van Eyck, o czym świadczy łaciński napis umieszczony wbrew tradycji nad lustrem w centrum kompozycji: „Jan van Eyck był tutaj”. W ten sposób zazwyczaj zawierano umowy.

Jak wada zamieniła się w talent

Rembrandt Harmens van Rijn, Autoportret w wieku 63 lat, 1669.

Badaczka Margaret Livingston przestudiowała wszystkie autoportrety Rembrandta i odkryła, że artysta cierpiał na zez: na obrazach jego oczy patrzą w różnych kierunkach, czego nie obserwuje się na portretach innych osób autorstwa mistrza. Choroba sprawiła, że artysta potrafi lepiej postrzegać rzeczywistość w dwóch wymiarach niż osoby o prawidłowym wzroku. Zjawisko to nazywane jest „ślepotą stereo” – niemożnością zobaczenia świata w 3D. Ale ponieważ malarz musi pracować dwuwymiarowy obraz, to właśnie ta wada Rembrandta mogła być jednym z wyjaśnień jego fenomenalnego talentu.

Bezgrzeszna Wenus

Sandro Botticelli, „Narodziny Wenus”, 1482-1486.

Przed pojawieniem się Narodzin Wenus wizerunek nagiego kobiecego ciała w malarstwie symbolizował jedynie ideę grzechu pierworodnego. Sandro Botticelli był pierwszym z europejskich malarzy, który nie znalazł w nim nic grzesznego. Co więcej, historycy sztuki są tego pewni pogańska bogini symbolizuje miłość na fresku chrześcijański wizerunek: jej pojawienie się jest alegorią odrodzenia duszy, która przeszła rytuał chrztu.

Lutniarz czy lutnista?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, „Lutnista”, 1596.

Przez długi czas obraz był wystawiany w Ermitażu pod tytułem „Lutnista”. Dopiero na początku XX w. historycy sztuki zgodzili się, że obraz przedstawia młodego mężczyznę (pozował mu prawdopodobnie znajomy Caravaggia, artysta Mario Minniti): na notatkach przed muzykiem widać nagranie basu wers madrygału Jakuba Arkadelta „Wiesz, że cię kocham”. Kobieta nie mogłaby dokonać takiego wyboru - po prostu ciężko jest jej w gardle. Poza tym lutnia, podobnie jak skrzypce na samym brzegu obrazu, w czasach Caravaggia uważana była za instrument męski.

Do niedawna nazwisko węgierskiego artysty Tivadara Kostki Csontvary’ego znało nieliczne osoby zainteresowane malarstwem, zwłaszcza ekspresjonizmem i prymitywizmem. Ostatnio wiele osób mówi o malarzu, który prawie 100 lat temu zmarł w biedzie, a także był uważany za szaleńca (niektórzy badacze jego biografii uważają, że Tivadar był chory na schizofrenię).

Faktem jest, że jeden z pracowników muzeum miejskiego w Pecu, oglądając obraz „Stary rybak” Tivadara Chontvariego, odkrył, że jeśli podzielisz płótno na pół za pomocą lustra, otrzymasz dwa różne obrazy! Ten szczegół zainteresował nie tylko wielu krytyków sztuki, ale także zwykłych ludzi. Zaczęli rozmawiać o sekretnym mistyce dzieła, podejściu do niego dziedzictwo twórcze Węgierski samouk. W Rosji zainteresowanie tym faktem wzrosło po emisji programu „Co? Gdzie? Gdy?" z dnia 1 października 2011 r., podczas którego widz z pytaniem o obraz „Stary rybak” przebił ekspertów.

Nierozpoznany artysta

Tivadar Kostka Csontvari urodził się w 1853 roku w małej węgierskiej wiosce Kisseben. Jego ojciec był lekarzem i farmaceutą, interesował się nauką, był zagorzałym przeciwnikiem alkoholu i tytoniu, gorąco opowiadając się za ich zakazem. Tiwadar otrzymał tutaj podstawową edukację, ale po pożarze w 1866 roku przeniósł się do krewnych swojej matki w Użgorodzie. Po zakończeniu szkoły Liceum, pracował jako asystent handlowy w Preszowie.

Po ojcu Laszlo młody Tivadar Csontvary odziedziczył zainteresowanie farmakologią. Dzięki temu zdobył wykształcenie farmaceutyczne na Uniwersytecie w Budapeszcie, a później studiował prawo i pracował jako urzędnik zastępcy burmistrza stolicy. W czasie studiów cieszył się szacunkiem innych studentów, został wybrany na przewodniczącego organizacji studenckiej i brał udział w strajkach 1879 roku.

Tivadar rozpoczął swoją karierę artystyczną w 1880 roku. Pewnego jesiennego dnia, pracując w aptece, wyjrzał przez okno, machinalnie wziął ołówek i formularz recepty i zaczął rysować. Nie było to coś abstrakcyjnego – był to przejeżdżający wóz, który uwieczniono na papierze. Właściciel apteki, widząc obraz, pochwalił Chontvariego, mówiąc, że dopiero dzisiaj urodził się artysta. Później, pod koniec życia, sam Tivadar w swojej autobiografii, napisanej w charakterystyczny dla siebie mistyczny i proroczy sposób, opisując to, co się wydarzyło, powiedział, że miał wizję. To właśnie zasugerowało Tivadarowi jego przeznaczenie - zostać wielkim malarzem.

Od tego czasu Tivadar Kostka zaczął podróżować, aby zapoznać się z twórczością wielkich artystów. Podróżował do Watykanu i Paryża. Następnie wrócił na Węgry, otworzył własną aptekę i całkowicie poświęcił się pracy, aby uzyskać niezależność finansową i robić to, do czego jego zdaniem się urodził. Tivadar namalował swój pierwszy obraz w 1893 roku. Rok później wyjechał do Niemiec (Monachium, Karlsruhe, Dusseldorf) i Francji (Paryż) na studia rysunku. Jednak świeżo upieczonemu artyście szybko się to znudziło i w 1895 roku udał się w podróż do Włoch, Grecji, na Bliski Wschód i do Afryki, aby malować lokalne pejzaże. Z biegiem czasu zaczął podpisywać swoje obrazy nie nazwiskiem Kostka, ale pseudonimem Chontvari.

Tivadar Chontvari zajmował się malarstwem do 1909 roku. W tym czasie zaczęła postępować jego choroba (prawdopodobnie schizofrenia, której towarzyszyły urojenia wielkości), a rzadkie obrazy zaczęły odzwierciedlać surrealistyczne wizje. Artysta napisał także kilka alegorycznych traktatów filozoficznych. Przez całe życie Tivadar nigdy nie sprzedał żadnego ze swoich obrazów - wystawy w Paryżu nie cieszyły się szczególną popularnością, a w jego ojczyźnie prawie ich nie było. Malarz zmarł w 1919 roku, nie doczekawszy się uznania dla jego talentu.

Bóg i diabeł w filmie „Stary rybak”

Niedawno przedmiotem szczególnej uwagi krytyków sztuki był obraz Tivadara Kostki Chontvari „Stary rybak”, namalowany przez niego w 1902 roku. Odbijając na przemian lewą i prawą część obrazu, powstają dwa zupełnie różne obrazy - Bóg w łodzi na tle spokojnego jeziora lub Diabła na wulkanie i burzliwych wodach za sobą.

Po otwarciu ten fakt Inaczej podchodzono do rozpoznania autora obrazu. Ale co Tivadar Chontvari chciał powiedzieć swoją pracą? Wielu podejrzewało związek twórczości artysty z mistycyzmem i z wielką gorliwością zaczęło zgłębiać dziedzictwo węgierskiego malarza.

Najbardziej prawdopodobną wersją idei stojącej za obrazem jest idea dualistycznej natury natury ludzkiej, którą Tivadar chciał przekazać. Człowiek całe życie spędza w ciągłej walce między dwiema zasadami: męską i żeńską, dobrem i złem, intuicyjną i logiką. To są składniki istnienia. Podobnie jak Bóg i diabeł na obrazie Chontvariego, uzupełniają się, bez jednego nie ma drugiego.

„Stary rybak” jako ucieleśnienie życia i życia ludzka mądrość używając prosta sztuczka pokazuje, jak dobro i zło, dobro i zło, Bóg i diabeł harmonizują w każdym z nas. A ich zrównoważenie jest zadaniem każdego człowieka.

Wydaje mi się, że losy węgierskiego artysty Chontvariego (Tivadar Kostki) i gruzińskiego klasyka Niko Pirosmaniego () są pod wieloma względami podobne, z tym wyjątkiem, że Chontvari nie żywił wszechogarniającej miłości do Margarity. Za życia też nie został rozpoznany, uznano go za szaleńca i też umarł w biedzie... Jednak przede wszystkim.

Krajobraz o zachodzie słońca, 1899

Franciszek Liszt – Węgierska rapsodia(Hiszpański Denis Matsuev)

Tivadar Kostka Csontvari urodził się w 1853 roku w małej węgierskiej wiosce Kisseben. Jego ojciec Laszlo Kostka był lekarzem i farmaceutą. Tivadar i jego pięciu braci od dzieciństwa wiedzieli, że będą kontynuować dzieło ojca. Ale przed studiowaniem farmakologii Kostka ukończył szkołę średnią w mieście Ungvar (dzisiejszy Użgorod), przez pewien czas pracował jako sprzedawca, następnie uczęszczał na wykłady na Wydziale Prawa, dopiero potem został farmaceutą i pracował jako sprzedawca czternaście lat.

Dworzec Wschodni nocą, 1902 r

Tivadar rozpoczął swoją karierę artystyczną w 1880 roku. Pewnego jesiennego dnia, pracując w aptece, wyjrzał przez okno, machinalnie wziął ołówek i formularz recepty i zaczął rysować. Nie było to coś abstrakcyjnego – na papierze uchwycono przejeżdżający wózek. Właściciel apteki, widząc obraz, pochwalił Chontvariego, mówiąc, że dopiero dzisiaj urodził się artysta. Później, pod koniec życia, sam Tivadar w swojej autobiografii, napisanej w charakterystyczny dla siebie mistyczny i proroczy sposób, opisując to, co się wydarzyło, powiedział, że miał wizję. To właśnie zasugerowało Tivadarowi jego przeznaczenie - zostać wielkim malarzem.

Góra Oliwna w Jerozolimie, 1905 r

Na początek Tivadar odszedł biznes rodzinny ojca i otworzył własną aptekę w miejscowości Gac na północy Węgier. Przez dziesięć lat kontynuował pracę w aptece, aby osiągnąć niezależność finansową i zgromadzić kapitał niezbędny do kreatywności. W tym samym czasie zaczął szkicować pluszaki i rysować postacie ludzkie. Już wiosną 1881 roku Kostka zbierał pieniądze na wyjazd do Włoch i oglądanie obrazów Rafaela. W swoich notatkach po wizycie w Muzeum Watykańskim napisał: „Nie widziałem tam żywej przyrody, Rafael nie ma słońca, o które zabiegam…”

Kwiat migdałowca (pejzaż włoski), ok. 1901 r

Chontvari zaczął malować dopiero w połowie lat 90. XIX w., w 1894 r. pozostawił braciom aptekę i w marcu przybył do Monachium. W wielu źródłach artysta nazywany jest samoukiem, ale malarstwa uczył się i u dobrych nauczycieli. W Monachium Kostka studiuje prywatnie Szkoła Artystyczna jego rodak, słynny węgierski artysta Szymon Hollosy, który był o dziesięć lat młodszy od swojego ucznia. Połączyła ich idea wysunięta przez Hollosy’ego, że „sztuka węgierska może stać się prawdziwie narodowa tylko poprzez Ziemia ojczysta, pod węgierskim niebem, w komunikacji z odradzającym się ludem.”

Highland Street (domy), ok. 1895

W „okresie monachijskim” Kostka malował portrety, przy czym zauważa się, że wyrażają one „poczucie smutku, beznadziei, wymykają się z obrysu jego twórczości”. Mówią, że gdy artysta namalował portret słynnej monachijskiej modelki Wertmüllera, spojrzał na dzieło i wykrzyknął: „Pozuję już prawie siedemnaście lat, ale jeszcze nikomu nie udało się mnie tak narysować!” Nawiasem mówiąc, już podczas studiów artysta namalował kilka portretów, później przestał się interesować tym gatunkiem.

Kobieta siedząca przy oknie, lata 90. XIX w

Po Monachium Tivadar kontynuował naukę w Karlsruhe w pracowni artysty Friedricha Kallmorgena. Historycy zauważają, że w tym czasie artysta żył wygodnie, ponieważ do swoich obrazów kupował drogie belgijskie płótna. Jedyną „niedogodnością” było to, że artysta przywoził z podróży obrazy zwinięte w rulon, nałożona grubą warstwą farba często pękała, a Tivadar musiał okresowo odnawiać swoje prace. Odbył także podróże do Rzymu i Paryża.

Wędkarstwo w Castellammare, 1901

Studia nie przyniosły Tivadarowi satysfakcji. Artysta ignorował wszelkie zasady sztuki, swoimi obrazami przeciwstawiał się próbom uznania go za malarza naiwnego. W 1895 roku artysta odbył podróż po Dalmacji i Włoszech, gdzie malował pejzaże, w których musi być obecna woda, ogień i ziemia. Można to zobaczyć w jednym ze słynnych dzieł artysty zatytułowanym „Castellamare di Stabia”. Tak nazywa się miasto niedaleko Neapolu, które powstało na miejscu starożytnych Stabiae, zniszczonych 24 sierpnia 79 roku przez erupcję Wezuwiusza wraz z Pompejami i Herkulanum. Na miejscu starożytnej osady znajduje się włoskie miasto Castellammare di Stabia, co z włoskiego tłumaczy się jako „mała twierdza Stabian nad morzem”. Artysta przedstawił po prawej stronie obrazu słoneczną ulicę miasta, po której porusza się wóz zaprzężony w osła, natomiast po lewej wzburzone morze przed zbliżającą się burzą i dymiący Wezuwiusz w oddali.

Castellammare di Stabia, 1902

Oprócz Włoch i Francji artysta odwiedził Grecję, Afrykę Północną i Bliski Wschód. Na przykład w Grecji pisali duże obrazy„Ruiny Teatru Greckiego w Taorminie” (1904-1905) i „Świątynia Jowisza w ruinach Aten” (1904). W 1900 roku Tivadar zmienił nazwisko Kostka na pseudonim Chontvari.

Ruina Teatr grecki w Taorminie, 1904-1905

W sumie Chontvari namalował ponad sto obrazów i ponad dwadzieścia rysunków. Najważniejsze z nich nawiązują stylem do ekspresjonizmu i powstały w latach 1903-1908. Na przykład w 1906 roku namalowano ogromny obraz „Baalbek” o wymiarach 7 x 4 metry. To jedna z „programowych” prac artysty, w której próbował on przedstawić swoje „miasto słońca”. Krytycy sztuki piszą: „Tutaj łączy się przeszłość i teraźniejszość. Było życie, były ruiny, była pamięć. Życie istnieje i trwa: leniwe wielbłądy gdzieś chodzą i ludzie chodzą.

Baalbek, 1906

W 1907 roku obrazy Chontvariego zostały wystawione na wystawie Międzynarodowa wystawa w Paryżu, w 1908 r. – w Galerii Sztuki w Budapeszcie. W Paryżu jeden ze znanych amerykańskich krytyków sztuki napisał o obrazach Chontvariego – „pozostawili wszystko, co wcześniej istniało w malarstwie”. Ale ani taka ocena jego twórczości, ani późniejsza wystawa w ojczyźnie nie przyniosła artyście ani sławy, ani uznania.

Samotny cedr, 1907

W latach 1907–1908 Chontvari odwiedził Liban, gdzie namalowano symboliczne obrazy - „Samotny cedr”, „Pielgrzymka do cedrów Libanu” i „Studnia Najświętszej Marii Panny w Nazarecie”. Na ostatnim z wymienionych obrazów artysta przedstawił siebie w postaci mężczyzny nalewającego wodę z dzbana dla osła i kóz.

Studnia Maryi w Nazarecie, 1908 r

Płótna Chontvariego były wystawiane w innych krajach Europy w latach 1908 i 1910, ale też nie dodały mu sławy i uznania, na które artysta tak szczerze liczył. W dodatku (i to było najbardziej obraźliwe!) twórczość artysty nie została doceniona w jego ojczyźnie. Na Węgrzech Csontwáry miał opinię szaleńca ze względu na swoje dziwne zachowanie, ascetyczny tryb życia i tendencję do wpadania w proroczy ton podczas komunikacji.

Widok na miasto Bańska Szczawnica na horyzoncie, 1902 rok

Ostatnie zdjęcie„Przejażdżka konna brzegiem morza” artysty (często tłumaczona z języka węgierskiego jako „Spacer wzdłuż brzegu”) została namalowana w Neapolu w 1909 roku. W tym samym roku obraz został pokazany na pl Targi Światowe w Paryżu, a niemal pół wieku później, w 1958 roku, praca ta otrzymała Nagrodę Główną na wystawie „50 lat sztuki nowoczesnej” w Brukseli.

Jazda konna nad morzem, 1909

W 1910 roku Chontvari praktycznie przestał malować, ponieważ ataki choroby stawały się coraz dotkliwsze. Co prawda historycy zauważają, że próbowano namalować coś nowego, ale artysta nigdy nie ukończył ani jednego dzieła. Nigdy nie założył rodziny i tylko sporadycznie komunikował się z siostrą (nic nie wiadomo o losach jego braci). Chontvari zajmował się restauracją starych dzieł i wciąż marzył o dużej wystawie w swojej ojczyźnie, po której byłby naprawdę doceniony.

Wodospad Schaffhausen, 1903

Artysta miał zamiar otworzyć własną galerię, w której mógłby pokazywać obrazy, przygotował nawet projekt tej galerii. Prowadził ascetyczny tryb życia, jedząc wyłącznie warzywa i owoce. Do końca życia pozostał zwolennikiem monarchii i wielkim wielbicielem cesarza Austrii, a od 1848 roku króla Węgier Franciszka Józefa I. Csontvary namalował nawet portret cesarza, o czym mówi także legenda że gdy Franciszek Józef się przeziębił, artysta wysłał mu telegram, w którym przedstawił swoje apteczne zalecenia: co, kiedy i jak brać,.

Miasto nad morzem, ok. 1902 r

W ostatnie lata Chontvari również podjął życie działalność literacka napisał broszurę „Energia i sztuka, błędy człowieka cywilizowanego” oraz opracowanie „Geniusz. Kto może, a kto nie może być geniuszem.” Historycy podkreślają, że Chontvari był osobą egocentryczną, z którą trudno było się porozumieć i do końca życia był przekonany o swoim mesjańskim przeznaczeniu. Warto dodać, że artysta za życia nie sprzedał ani jednego swojego obrazu. Csontváry zmarł w 1919 roku w Budapeszcie w wieku sześćdziesięciu lat i został pochowany na cmentarzu Kerepesi.

Wiosna w Mostarze, 1903

Po śmierci Chontvariego zwróciła się do niego jego siostra, która chciała sprzedać obrazy pracownicy muzeów i zapewnili ją, że obrazy nie mają żadnej wartości. Ale moja siostra zdecydowała, że chociaż obrazy są „kiczowe”, płótna mogą być warte pieniędzy. Napisała więc ogłoszenie o sprzedaży wszystkich obrazów swojego brata. Wiele źródeł podaje, że obrazy Csontvary’ego zakupił hurtem nieznany kolekcjoner, później jednak znane stało się nazwisko osoby, dzięki której obrazy Csontvary’ego można dziś oglądać w węgierskich muzeach. To jest architekt Gedeon Gerlotsi. A historia niemal uratowania obrazów jest po prostu fantastyczna.

Wrak statku, 1903

Po ukończeniu Akademii Gerlotsi szukał miejsca do wynajęcia domu w Budapeszcie. Któregoś dnia szedł ulicą, gdzie mieścił się warsztat Chontvariego, i zobaczył ogłoszenie o sprzedaży obrazów, a jeden z nich opierał się o ścianę. Gerlotsi wspominał później, że kiedy przechodził obok domu, obraz spadł z podmuchu wiatru. To był słynny „Samotny cedr”. Następnego dnia Gerlotsi kupił wszystkie obrazy, ustalając cenę nieco wyższą niż obecny na wyprzedaży sąsiad, handlarz śmieciami. Przez wiele lat Gerlotsi trzymał obrazy zwinięte w skrzyni. Kiedy architekt zaczął uczyć w Szkole Sztuk Pięknych w Budapeszcie, przewiózł i umieścił tam największe płótna. W 1949 roku Gerlotsi zabrał obrazy Csontvariego na wystawy w Paryżu i Brukseli.

Kwiaty migdałów w Taorminie, ok. 1902 r

Na grobie Chontvariego znajduje się pomnik - artysta z brązu z pędzlem w lewej ręce. Jego historia również jest ciekawa. Zgodnie z węgierskim prawem, jeśli 50 lat po śmierci krewni nie zapłacą pracownikom cmentarza za dalszą opiekę nad grobem, wówczas szczątki zmarłego zostaną ponownie pochowane we wspólnym grobie. Nawet za życia krewni Chontvariego uważali go za ekscentryka „nie z tego świata”, który rysował nie wiadomo co. Spadkobiercy nie zajęli się grobem, historycy i muzealnicy również nie badali jego twórczości, dlatego w 1970 roku szczątki artysty trafiły do zbiorowej mogile. Ale zbiegiem okoliczności zainteresowanie dziedzictwem artysty zaczęło rosnąć już od początku lat 70. XX w., dlatego też w 1979 r., w 60. rocznicę śmierci artysty, na cmentarzu Kerepeshi postawiono ten pomnik z brązu, a jego kopię umieszczono w przed tą otwartą sześć lat wcześniej w Pecu przy muzeum artysty.

Pomnik na grobie Chontvari

Za powstanie muzeum powinniśmy podziękować jego dyrektorowi Zoltanowi Fülöpowi, który był fanem twórczości Csontvariego i kolekcjonował jego obrazy. Muzeum Chontvari mieści się w dwupiętrowej rezydencji zbudowanej w XIX wieku. Gerloci podarował Fülöpowi niemal całą swoją kolekcję obrazów Csontvariego, a dwa lata po otwarciu muzeum architekt zmarł. Historycy zauważają, że choć stworzył w stolicy Węgier wiele budowli, to zapisał się w historii sztuki węgierskiej jako człowiek, który ocalił dziedzictwo Csontvarów.

Przy wejściu do Ściany Płaczu w Jerozolimie, 1904 r

Główne prace artysty prezentowane są oczywiście w języku węgierskim Galeria Narodowa. Razem z tymi, którzy są w środku wystawa stała Muzeum artysty w mieście Pécs, jest ich prawie 130. Historycy odkryli w zbiorach prywatnych około 25 obrazów artysty. Wiele dzieł zaginęło podczas II wojny światowej, niektóre wręcz przeciwnie odnaleziono w nieoczekiwany sposób. Mówią, że osoba, która kupiła ponownie koniec XIX wiekowej aptece Chontvari, odnalazł kilka pozostawionych tam rysunków i obrazów i umieścił je wszystkie na strychu; w połowie XX wieku odkryto je w Berlinie.

Wodospad w jajku, 1903

Do niedawna nazwisko Tivadara Kostki (Chontvari) znali nieliczni ludzie zainteresowani malarstwem. Zaczęto mówić o malarzu, który zmarł w biedzie prawie 100 lat temu, a którego jeszcze niedawno uznawano za szaleńca. Faktem jest, że jeden z pracowników muzeum miejskiego w Peczu, oglądając obraz „Stary rybak” (1902), odkrył, że jeśli podzielisz płótno na pół za pomocą pionowego lustra, otrzymasz dwa różne obrazy! Okazuje się, że obraz przedstawia nie tylko starego rybaka, ale samego Pana w postaci białobrodego starca, za którym wznosi się góra i spokojne morze, a jednocześnie Szatana Diabła na tle burzliwe fale. Ten szczegół zainteresował nie tylko wielu krytyków sztuki, ale także zwykłych ludzi. Zaczęto rozmawiać o tajemniczym mistyce dzieła i zrewidowano stosunek do twórczego dziedzictwa węgierskiego artysty.

Stary rybak, 1902

Oto półtora wieku historii związanej z jednym z najoryginalniejszych malarzy węgierskich. Oczywiście można dyskutować na temat jego twórczości, można ją krytykować lub nie akceptować, ale wydaje mi się, że nawet prosty laik, patrząc na obrazy Chontvariego, powie: „Coś w nich jest!”

Most Rzymski w Mostarze, 1903