Oczywiście w surrealizmie ważny jest patos zerwania, innego świata; słowa o duchowości nie były kłamstwem, nawet jeśli czasami były przeprowadzane w bardzo dziwny sposób… Ci ludzie rozumieli, że społeczeństwo, jego moralność, sposób życia, zwyczaje, kultura, całe to życie, przesiąknięte egoizmem i kłamstwami , cała ta kipiąca wulgarność tłumu jest drogą do duchowej śmierci.

Dlatego ich mottem stało się: zero kontaktu, nic wspólnego! – iw każdym poważnym nurcie sztuki XX wieku wije się właśnie ta idea oderwania, inności artysty; o tym, że od laika oddziela go szklana ściana i nie ma z nim nic wspólnego – ta idea stała się kluczowa dla wszystkich. Nie będziecie mogli wejść do tej kapsuły, droga do Chrystusa, Kim On jest, na waszych oczach jest tak naprawdę długa i tragiczna. I to jest droga samotności i zagubienia.

Całość kompozycji utrzymana jest w tonacji złoto-ochry, gra tu kolor ważna rola: Czy to moment zachodu słońca? - nie do końca... okazuje się, że nie ma źródła światła, nie widać słońca. Pochodzi od Ducha Świętego – postaci, która się unosi, wszystko jest przeniknięte Duchem Świętym, ten kryształ, podobny do sterówki samolotu, magiczny kryształ Eucharystii…

Jest tu czysto surrealistyczna idea prędkości i przemieszczenia: jakby cała grupa została porwana w tym aparacie poza czas i przestrzeń – w stronę światła…

Chrystus jest Duchem, jest przezroczysty, jest tu i jednocześnie go tu nie ma, a same Jego gesty są bardzo ważne: to nie są gesty dyrygenta czy kaznodziei, zdaje się rysować fantastyczny obraz, całkowicie pogrążony w tym innym świecie, który On widzi, ale apostołowie nie. Dlatego ich twarze są zasłonięte, a modlitwa jest jak ciężki sen.

Ukrzyżowanie jest obecne na obrazie - górna postać ma rozłożone ramiona, ale to ukrzyżowanie jest raczej odlotem, tutaj Dali ma nieco wywrotową myśl o znikomości - lub nieistnieniu? - ciało Chrystusa jest nieistotne, np. to ciało podlega metamorfozom, a zatem nie może być samo w sobie uważane za coś znaczącego i ważnego. Wznosi się, rozpuszcza w przestrzeni, szybko wznosi się...

Ma wektor pionowy, patrzy w górę - apostołowie na ziemię. Nie rozumieją znaczenia wypowiadanych wielkich słów. Eucharystia jest drogą, jest drogą przemienienia: tak jak Chrystus stał się chlebem i winem — drogą do życia wiecznego — tak każdy z nas, wykonując najprostsze czynności, jak jedzenie czy picie, myśli o Nim, uczestniczy w Nim, wchodzi w Niego. Akceptuje wszystkich.

Jednak duch grawitacji, o którym tak żywo pisali nowi poeci, straszliwy duch grawitacji zawładnął ludźmi i nie mogą się ruszyć, nie mówiąc już o wzniesieniu się w inny świat; okazuje się, że trzeba za dużo wiary i chęci latania, woli światła, aby wypełnić Jego niesamowity testament...

Tak, tutaj wyraźnie widać przepaść, rozbieżność między krajobrazem a akcją, niezgodność Jego dziwnych i niesamowitych słów z całym tym znajomym światem, Jeziorem Genezaret, w którym rozgrywała się główna akcja tego dramatu. Teraz przecież akcja toczy się w innym miejscu… Jednak pędzą z kosmosu, przechodząc w inny – duchowy – wymiar.

Surrealizm to luka, odsłonięcie niezgodności tego, co znane i wewnętrzne, powierzchni i istoty, wezwanie do myślenia, refleksji, działania, kreatywności, przełomu w inny świat; a plastikowa postać Zbawiciela, obramowana cienkim złotem, jest zarówno wezwaniem, jak i drogą, łodzią, która jest przez Niego widoczna - łodzią, która płynie do życia wiecznego ...

Jest tu jakiś bardzo głęboki moment - główny patos prawdziwego chrześcijaństwa, i to w ruchu, przyciąganiu, maksymalnej intencji zbliżenia się do Boga, nie w rytuale, ale w impulsie, nie w dogmacie, ale w kreatywności. I dlatego ta postać, rozpływająca się na naszych oczach, jest symbolem wiecznie nieuchwytnego celu, wiecznego powołania i tak odległej wysokości!

S. Dali. Ostatnia Wieczerza

Ponieważ tylko przez Niego iw Nim możliwy jest ten ruch i spełnienie; Kościół - apostołowie - są tylko cieniami przy tym stole Ducha, a w tej głębi impulsu i przyciągania bezpośrednio do Boga wydaje się być wielki powiew chrześcijańskiej prawdy, niewyrażalnej w zwykłych słowach kazanie kościelne. To nie jest komentowane - po prostu robisz krok i startujesz. To niewytłumaczalne - ale to prawda!

Góry Galilei, woda, cały świat gaśnie na pojawienie się tego złotego nieziemskiego światła, a my wciąż próbujemy złapać jego promienie, wciąż próbujemy zrozumieć te słowa i tę magiczną przemianę; jednak w obrazie Dali jest cudowna dwuznaczność: kapsuła może mieć inne znaczenie.

To pryzmat współczesnej świadomości, świadomości człowieka XX wieku, wieku lotów, wieku Kosmosu, ale… ale przyspieszenie nie oznacza najszybszego dotarcia do celu: przyzwyczailiśmy się do prędkość, ale straciliśmy głębię intuicji i uczuć, wysokość myśli, straciliśmy wiarę. Duch grawitacji nie może zostać pokonany przez technologię. Tylko w Nim jest miłość, uniesienie i nadzieja: tylko On jest drogą.

Z oświetlenia kadrów wyraźnie widać, że kapsuła pędzi w głąb obrazu: cała grupa wydaje się być porwana, wznosząc się nad powierzchnię wody, z niewiarygodnym przyspieszeniem, przyciskając głowy do stołu… i ta kapsuła jest zaskakująco udana, rodzaj technologicznej opozycji do myślenia bezdusznego technokraty.

Chrystus w kompozycji jest centrum, punktem równowagi, jak ta róża, która wisi na innym obrazie w samym centrum, między niebem a ziemią, ukazując nam tę błogość medytacji, rozpustę w myśli o wyższym... W Jego figura - lekka plastyczność, bezpośredniość i powaga nabytej harmonii, surowość pozy łączy się z wyrafinowaną grą gestów, odznaczającą się uroczystym i skrytym apelem...

Oczywiście obrazu nie można rozpatrywać w oderwaniu od jego ogólnej ideologii, stosunku do kościoła, dogmatu itp. Wtedy mogą pojawić się zupełnie inne konotacje – np. o odrębności i odrębności tej sceny, taka jest metafizyka Objawienia, świat Apokalipsy, który nie jest transmitowany i nikogo w nic nie wpuszcza... Myślę, że każdy widz dokładnie to czuje.

Zauważcie, że apostołowie nie mają ani wina, ani chleba: Nauczyciel połamał chleb i położył na stole, odtąd człowiek żywi się chlebem duchowym i winem wieczności, i jakby nadeszła chwila strasznego ciężaru od przyspieszenia - wszyscy tak mocno zakryli twarze – uświadomienie sobie, że nagle zszokowało ich własna ślepota i względność, znikomość wobec wielkich, której nie są w stanie znieść…

Daje im inny chleb, inne Przymierze: nie przestrzegać pewnych zasad, ale żyć w Nim w każdej minucie, wznosząc się całą duszą i dążąc do światła. Tu rozgrywa się wielkie wydarzenie w historii świata. Nadchodzący Nowa era, era twórczości. A tu już nie ma tłumu, nie ma kościoła – tu każdy sam musi podnieść głowę i skosztować wina wieczności, otworzyć oczy i spojrzeć prosto w oczy Boga.

Salvador Dali - Ostatnia Wieczerza.

Rok powstania: 1955

Płótno, olej.

Rozmiar oryginału: 167 × 268 cm

Narodowa Galeria Sztuki w Waszyngtonie

„Ostatnia wieczerza” – obraz Hiszpański artysta Salvador Dali, namalowany w 1955 roku. Znajduje się w National Gallery of Art w Waszyngtonie.

Dali pracował nad tym obrazem około trzech miesięcy, do czego wykorzystał między innymi materiał fotograficzny. Podstawą jest tutaj to, co zdefiniował jako „arytmetyczną i filozoficzną kosmogonię opartą na majestacie liczby dwanaście […]. Pięciokąt zawiera mikrokosmicznego człowieka - Chrystusa. (Podziękowania dla Garcii Lorki, który powiedział mi kiedyś, że apostołowie są symetryczni, jak skrzydła motyla).

Podobnie jak inne religijne obrazy Dalego, Ostatnia wieczerza wywołuje skrajnie różne reakcje odbiorców: część krytyków uznała obraz za trik i banał, inni zaś uważali, że artystce udało się nowa podstawa odtworzyć tradycyjny obraz modlitwy. Kontrowersje potęgował fakt, że opinia publiczna znała Dali jako osobę bardziej skłonną do zabawy pojęciami i emocjami niż do szczerego wyrażania swoich przekonań. Jezus i jego dwunastu uczniów są umieszczeni w modernistycznym wnętrzu ze szklanymi ścianami. Apostołowie, pochylając głowy, klękają wokół dużego kamiennego stołu; ich namacalne postacie kontrastują z przezroczystością ciała Chrystusa. Dwie połówki chleba i pół kieliszka wina reprezentują święty posiłek. Dali namalował ten obraz zasady matematyczne, oparty na studiach nad sztuką renesansu, a wpływy Leonarda da Vinci (autora najsłynniejszej Ostatniej Wieczerzy) są tu szczególnie odczuwalne. Jezus gestem zaczerpniętym z fresku Leonarda wskazuje niebo i postać (być może Ducha Świętego), której rozpostarte ramiona zdają się obejmować wszystkich obecnych.

Salvador Dali (Salvador Domenec Felip Jacint Dali i Domenech, Marques de Dali de Pubol, 11 maja 1904 - 23 stycznia 1989) - hiszpański malarz, grafik, rzeźbiarz, reżyser, pisarz. Jeden z najbardziej znani przedstawiciele surrealizm.

Opis obrazu Salvadora Dali „Ostatnia wieczerza”

Złożony, ale nie mniej ekscytujący obraz Ostatniej wieczerzy został namalowany w 1955 roku. Znalazła się w jednej z waszyngtońskich galerii. Każdego dnia obraz nie przestaje zadziwiać odwiedzających galerię. Napisana, jak zawsze, z wyczuciem stylu i oddaniem niezmiennemu futurystycznemu światopoglądowi.

Pojawia się przed nami obraz, na którym pośrodku widzimy obraz wielkiego stołu, na czele którego siedzi Jezus Chrystus, a obok niego otaczają go jego wyznawcy. Ten obrazek bardzo różni się od arcydzieła o tym samym tytule autorstwa innego artysty Leonarda da Vinci. Tu jest zupełnie inna sytuacja, bohaterowie. Obraz jest wykonany z minimalistycznymi detalami.

Głównym obiektem, który przyciąga główną uwagę, jest stół. Swoją wspaniałość i wyrafinowanie zawdzięcza białemu obrusowi z charakterystycznymi krzywiznami. Wszystkie postacie na obrazie są ubrane na biało. Opuścili głowy, oddając cześć słowom Pana i słuchając Jego kazania.

Taki obraz śmiało można nazwać spotkaniem, ale nie kolacją. Ponieważ zgodzisz się, trudno nazwać kolację stołem, na którym leżą tylko dwie kromki chleba i kieliszek wina. Nie jest też bardzo jasne, o czym dokładnie Pan mówi. W jednej chwili wydaje się, że opowiada swoim słuchaczom o wielkich czynach, by w następnej besztać ich za grzechy. Istnieje teoria, że ​​w ten sposób Dali chciał nadać obrazowi bardziej nowoczesny wygląd.

Na obrazie nie ma przeładowanych detali, niesie ze sobą płynne światło, lekkość, piękno i przejrzystość. Masywne góry, jasne niebo i brzoskwiniowe chmury pomagają osiągnąć to wrażenie. Po dokładnym przyjrzeniu się obrazowi rozumiesz, że akcja rozgrywa się na jakimś wzgórzu, co wyraźnie pokazuje wielkość całej akcji.

Salvador Dali „Ostatnia wieczerza” (1955).
Płótno, olej. 167x268 cm
Narodowa Galeria Sztuki w Waszyngtonie

Dali pracował nad tym obrazem około trzech miesięcy, do czego wykorzystał między innymi materiał fotograficzny. Podstawą jest tutaj to, co zdefiniował jako „arytmetyczną i filozoficzną kosmogonię opartą na wielkości liczby dwanaście. Pięciokąt zawiera mikrokosmicznego człowieka - Chrystusa.

Podobnie jak inne religijne obrazy Dali, Ostatnia wieczerza wywołuje niezwykle zróżnicowane reakcje widzów: część krytyków odrzucała obraz jako trik i banał, inni uważali, że artyście udało się odtworzyć tradycyjny obraz modlitewny na nowej podstawie. Kontrowersje potęgował fakt, że opinia publiczna znała Dali jako osobę bardziej skłonną do zabawy pojęciami i emocjami niż do szczerego wyrażania swoich przekonań. Jezus i jego dwunastu uczniów są umieszczeni w modernistycznym wnętrzu ze szklanymi ścianami. Apostołowie, pochylając głowy, klękają wokół dużego kamiennego stołu; ich namacalne postacie kontrastują z przezroczystością ciała Chrystusa. Dwie połówki chleba i pół kieliszka wina reprezentują święty posiłek. Dali stworzył ten obraz zgodnie z matematycznymi zasadami opartymi na studiach nad sztuką renesansu, a wpływ Leonarda da Vinci (autora najsłynniejszej Ostatniej Wieczerzy) jest tu szczególnie odczuwalny. Jezus gestem zaczerpniętym z fresku Leonarda wskazuje niebo i postać (być może Ducha Świętego), której rozpostarte ramiona zdają się obejmować wszystkich obecnych.

Pierwsze obrazy Ostatniej Wieczerzy przypisuje się zwykle epoce rzymskich katakumb, choć wielu badaczy skłania się ku uznaniu słynnej sceny posiłku w katakumbach św. Sebastiana (III w.) za dzieło pogańskie. Niekwestionowany wzór wczesna tradycja- Bizantyjska mozaika kościelna Sant Apollinare Nuovo w Rawennie(VI wiek), w którym widzimy bardzo niestandardowe podejście do wydarzenia.

Duża figura Chrystusa i siedzących za nim apostołów tworzą gęste półkole przy stole, na którym leży… pięć bochenków chleba i dwie ryby, tj. „atrybuty” cudu rozmnożenia chleba, który postrzegany jest jako „prolog” Eucharystii. Takie zestawienie ikonograficzne pozwala wyczuć związek między słowami Jezusa podczas Wieczerzy: „To czyńcie na moją pamiątkę” (Łk 22,19) a wezwaniem skierowanym do uczniów w czasie rozmnożenia chleba: „Wy dajcie im jeść” (Mk 6,37).

W sztuka średniowieczna przy przedstawianiu Ostatniej Wieczerzy aspekt eucharystyczny okazał się oczywiście na pierwszym miejscu. Według kanonu bizantyjskiego w części ołtarzowej świątyni (absydzie) w najbardziej eksponowanym miejscu umieszczono monumentalna kompozycja„Komunia Apostołów”.

Nie przedstawiła historycznego opisu konkretnego wydarzenia ewangelicznego, ale symboliczną interpretację Sakramentu, co wyjaśnia szereg konwencji fabularnych. Przede wszystkim nieobecność Judasza i obowiązkowa obecność Apostoła Pawła, co z historycznego punktu widzenia punkty widzenia niepoprawne i prawie absurdalne. W wielu świątyniach pochodzenia bizantyjskiego można znaleźć w kompozycji nie jedną, a dwie figury Chrystusa, które miały stać się symbolem Jego Bosko-człowieczeństwa. To właśnie widzimy w mozaice z Zofii (XI w.) i klasztor św. Michała o Złotych Kopułach (XII w.) w Kijowie.

Wielu malarzy, przedstawiając Eucharystię, dążyło do głębszego zrozumienia mistycznej tajemnicy wydarzenia. Czasami prowadziło to do paradoksalnych skutków. Tak na zdjęciu Tintoretta„Ostatnia Wieczerza” dla weneckiego kościoła San Giorgio Maggiore (1592-1594) wokół sceny komunii apostołów stworzyła niesamowitą lekką atmosferę.

Ciemną przestrzeń, w której toczy się akcja, przecina poświata wokół głowy Jezusa, aureole nad głowami apostołów oraz światło lampy na suficie, wokół której widoczne są postacie latających aniołów. Te potężne, a jednocześnie delikatnie rozgrzewające błyski światła nadają obrazowi szczególnego drżenia i pomagają głębiej odczuć duchową tajemnicę tego, co się dzieje.

Ale tajemnica światła na obrazie łączy się z paradoksem codziennych szczegółów, które nie mają nic wspólnego z tekstem Ewangelii. Obok stołu, przy którym siedzą Jezus i apostołowie, jest drugi stół zastawiony półmiskami z jedzeniem i owocami, wokół tego stołu krzątają się ludzie, a nawet za plecami apostołów pojawiają się nagle kobiety z talerzami – wydaje się, że W gospodzie odbywa się akcja eucharystyczna.

Codzienną stronę obrazu dopełniają barwnie pies obgryzający kość i kot próbujący wdrapać się do kosza. Po co to wszystko? A jaki jest związek między, wydawałoby się, taką niepoprawną codzienną krzątaniną a Najświętszym Sakramentem? Nie mamy dokładnych odpowiedzi na te pytania, z wyjątkiem dyżurnej wersji historii sztuki, którą Tintoretto, będąc weneckim malarzem, myślał głęboko w świecki sposób, jak wszyscy mieszkańcy jego rodzinnego miasta.

Wenecja oczywiście nie jest klasztorem kontemplacyjnym, ale swoją duchową głębią Tintoretto różni się od innych mistrzów swojej szkoły. Prawdopodobnie potrzebował początku codzienności, aby dać nam głębszy sens Eucharystii jako rzeczywistości dnia dzisiejszego.

Obecność „outsiderów” z ich pozornie niestosowną codzienną krzątaniną przypomina nam, że ten Sakrament nie jest ezoterycznym rytuałem dla wybranych, ale poruszeniem Serca Jezusowego, skierowanym do wszystkich i wszystkich. To zdumiewająco trafny obraz liturgii, w której idąc za apostołami, do Komunii przystąpimy – ludzie, którzy uważają się za zwyczajnych, tak podobnych do „sług” z obrazu wielkiego Wenecjanina.

W sztuce XX wieku jednym z najbardziej wyrazistych obrazów Eucharystii był obraz „Ostatnia wieczerza” Salvador Dali(1955, Galeria Narodowa, Waszyngton).

Na pierwszy rzut oka oburzającego surrealistę i temat, który wybrał, nie powinno mieć nic wspólnego. I wielu wciąż jest wstrząśniętych na samą myśl, że autor „Williama Tella” czy „Płonącej żyrafy” okresowo „wkraczał” w sferę sacrum. Ale - bez względu na to, jak bardzo chciałbym kogoś zdenerwować - nie można sobie teraz wyobrazić bez obrazów tego artysty kultura chrześcijańska ostatni wiek.

A ich głębokość jest kolejnym dowodem na to, że „Duch tchnie tam, gdzie chce” (J 3,8). Akcja obrazu rozgrywa się w surowym wnętrzu z ogromnym pięciokątnym oknem, za którym widać charakterystyczny dla Dalego krajobraz z morzem i zarysami gór w tle.

Apostołowie klęczący wokół stołu z pochylonymi głowami pogrążeni są w głębokiej modlitwie. Na stole są dwa kawałki chleba i kieliszek wina. Jezus wskazuje ręką w górę, gdzie w otworze okiennym widać nagi tors mężczyzny z rękami rozłożonymi na boki - w pozie tak bardzo przypominającej Ukrzyżowanie. Jest to wizja wskazująca na budujące słowa Zbawiciela: „To jest ciało moje” (Ew. Mateusza 26:26).

Tak prosta, na pierwszy rzut oka decyzja, w rzeczywistości opiera się na fundamentalnych podstawach liturgicznych. W liturgii katolickiej w momencie udzielania Sakramentu kapłan podnosi wysoko Hostię – chleb, który stał się Ciałem Chrystusa – a ludzie w milczeniu patrzą na Nią przez kilka sekund.

W momencie Komunii kapłan ponownie pokazuje komunikującemu się przez kilka sekund Ciało Chrystusa, dając mu dosłownie spotkać oczy Zbawiciela. I właśnie moment wizualnej kontemplacji Ciała Pańskiego stał się podstawą kompozycji Dalego.

Równolegle z duchową i symboliczną ikonografią Ostatniej Wieczerzy rozwija się w sztuce tzw. „historyczna” tradycja przedstawiania, oparta na dążeniu do jak najdokładniejszego zilustrowania tekstów ewangelicznych.

„Historów” interesowały przede wszystkim dwa wydarzenia: umycie nóg (które bardzo szybko stało się odrębną sceną) oraz przesłanie Jezusa o zdradzie Judasza.

I nawet jeśli w centrum obrazu nadal znajdowała się Eucharystia, to w wersji „historycznej” często towarzyszyły jej codzienne detale narracyjne, które miały uczynić wydarzenie bardziej zrozumiałym i artystycznym dla współczesnych mistrzowi.

Więc na płaskorzeźbie za barierę ołtarza (lettner) Katedra w Naumburgu(Niemcy, XIII wiek) jeden z apostołów (najprawdopodobniej Piotr) brutalnie oblizuje palce. I jakkolwiek taki „szczegół” może się wydawać nie na miejscu w tej sytuacji, pozwala on głębiej doświadczyć znaczenia Sakramentu sprawowanego przez Zbawiciela nie dla świętych, ale dla zwykli ludzie, czasem nawet nie do końca rozumiejąc, co dzieje się na ich oczach.

I w żywym i wyrazistym obrazie Hiszpański malarz 16 wiek Juana de Juanesa z Muzeum Prado w Madrycie, wręcz przeciwnie, podjęto próbę przedstawienia wydarzenia w jak najbardziej uroczysty sposób.

Dlatego Chrystus zachowuje się jak kapłan przy ołtarzu, przed Nim stawia się kielich, podobny do kielicha kościelnego, a w Jego ręku nie jest sam chleb, ale Hostia – okrągły przaśny chleb, którego używa się właśnie w liturgii obrządku łacińskiego. francuski malarz Mikołaja Poussina w jego słynna kompozycja z cyklu Siedem Sakramentów (1647, National Gallery, Edynburg) starał się ukazać wydarzenie z maksymalną dokładnością historyczną.

Jezus i apostołowie nie siedzą, lecz półleżą przy stole, jak to było w starożytności, a wnętrze górnej izby przypomina triclinium, frontową jadalnię starożytnego rzymskiego budynku mieszkalnego.

Od czasów renesansu w ramach tradycji historycznej wzrosło zainteresowanie psychologiczną treścią wydarzeń, przede wszystkim przeżyciami apostołów, którzy usłyszeli słowa Chrystusa: „Zaprawdę, zaprawdę, powiadam wam: jeden z was mnie zdradzi” (Mt 26,21).

w składzie Andrea del Castagno dla refektarza klasztoru Santa Apollonia we Florencji (1447) na twarzach apostołów widoczny jest głęboki smutek, Jan wzruszająco całuje rękę Nauczyciela, a po przeciwnej stronie stołu ciemna postać Judasza , w połączeniu z wyrazistą kolorystyką całego obrazu tworzy ostre napięcie emocjonalne.

Większość malarzy zintensyfikowała stres emocjonalny, starając się wszelkimi dostępnymi środkami odizolować Judasza. Skończył albo po drugiej stronie stołu w „dumnej samotności”, albo przycupnął bliżej wyjścia lub opuścił Wieczerzę.

Na obrazie El Greco(1696, National Pinacoteca, Bolonia) Judasz znajduje się w bliskiej odległości od widza (co można wyraźnie uznać za wskazówkę znana treść) i swoim czarnym strojem ostro wyróżnia się na tle ogólnej czerwono-ochry zabarwienie(podobnie figurę Judasza można umieścić na rosyjskich ikonach XVII wieku).

W Malarstwo afrykańskie W połowie ubiegłego stulecia (tj. u szczytu upadku systemu kolonialnego) Judasz często okazywał się jedynym białym spośród ciemnoskórych uczestników akcji (w której znalazł się Zbawiciel). Kulminacyjnym dziełem w tym kierunku jest oczywiście malarstwo Leonardo da Vinci w refektarzu mediolańskiego klasztoru Santa Maria dela Grazia (1494-1497).

Jego apostołowie, podzieleni na cztery grupy, aktywnie gestykulują, dyskutując między sobą słowa Jezusa. I nawet Jan, który według własnej ewangelii musiał położyć głowę na piersi Jezusa, bierze udział w ogólnej „dyskusji” – odsunął się nieco od Nauczyciela i słucha, jak pochyla się ku niemu Piotr.

Być może odnosi się to do momentu, w którym Piotr „zapytał, o kim mówi” (Jan 13:24). Dynamika zachowania apostołów ostro kontrastuje z absolutnym spokojem Jezusa. Jego postać w centrum kompozycji jest ściśle symetryczna, gdyż w okolicy nasady nosa znajduje się punkt zbiegu perspektywa liniowa przestrzenie komory.

Leonardo zdaje się „budować” swoją postać, tak jak architekt buduje linie na rysunku swojego przyszłego budynku. Poprzez to podkreśla w osobowości Jezusa inną, boską naturę, wprowadzając Go w inny wymiar, niedostępny dla siedzących obok niego apostołów. A w Jego obliczu wyczytuje się jednocześnie smutek i najgłębszy spokój, pokorne przyjęcie Jego losu.

Kontrast między statyczną i kompozycyjną równowagą postaci Jezusa a dynamiką zachowania apostołów potęguje psychologiczną powagę sytuacji. Prawdopodobnie Leonardo oparł się na opisie Ewangelii Łukasza, który mówi, że apostołowie „zaczęli wypytywać się nawzajem, który z nich byłby tym, który to uczyni” (Łk 22, 23). Podczas gdy inni prognostycy twierdzą, że zaczęli zapytaj o tego Jezusa). W rezultacie byli tak pogrążeni w komunikacji ze sobą, że nawet teraz, będąc wciąż blisko ukochanego Nauczyciela, psychicznie zostawili Go w spokoju. Inne, nie mniej ciekawy punkt- w tym miejscu znajduje się postać Judasza, wbrew wszelkim tradycjom, według których miał być odizolowany od wszystkich.

Judasz jest umieszczony między Piotrem a Janem, tj. bardzo blisko Jezusa, poza tym w jego szacie jest kolor niebieski - kolor szaty Jezusa, wskazujący na Jego boskie synostwo. Być może ten układ jest subtelną aluzją do późniejszego zaparcia się Piotra. Ale możliwe, że jeszcze ważniejsze było pokazanie Judasza jako takiego samego apostoła jak pozostali, podkreślenie, że on także otrzymał wyjątkowe powołanie do bycia uczniem Chrystusa, powołanie, które w ten moment zabija się.

Kolejną kulminację psychologicznego rozwiązania tematu Ostatniej Wieczerzy można uznać za obraz NN Ge(1863, Muzeum Rosyjskie. Sankt Petersburg), który pierwotnie nosił tytuł „Odejście Judasza”.

Burzliwy spór wokół interpretacji tematu Ewangelii w tym dziele został pięknie opisany w literatura naukowa. Powszechnie znany jest również negatywny komentarz F.M. Dostojewskiego, który twierdził, że autor płótna sprowadził wielkie wydarzenie do „zwykłej kłótni zwykłych ludzi”.

Oczywiście Nikolai Ge jest mistrzem innej epoki i osobą o zupełnie innej mentalności religijnej. I nie maluje ikony ani fresku do klasztornego refektarza, ale obraz przeznaczony do świeckich warunków wystawienniczych i nie czuje się zobowiązany do przestrzegania standardów ikonograficznych. I jego- człowiek XIX wiek, aspekt psychologiczny sytuacje są bardziej interesujące niż świętość.

Odejście Judasza od tragicznego, ale wciąż „peryferyjnego” faktu staje się więc wydarzeniem centralnym, które przykuwa do siebie wszystkich uczestników akcji. Według rosyjskiego badacza Sztuka XIX wieku S. S. Stepanova malarz odchodzi od tekstu Ewangelii, pokazując Judasza już odsłoniętego i zidentyfikowanego przez wszystkich, a tym samym zmieniając go z drobnego zdrajcy w znaczącą osobowość - pryncypialnego przeciwnika Chrystusa.

Trudno określić stopień osobistego znaczenia Judasza na obrazie: jego postać jest tak pogrążona w cieniu, że nawet rysy twarzy są prawie nie do odróżnienia. Jednak to on, a nie Chrystus, wbrew wszelkim tradycjom, staje się kompozycyjnym punktem przyciągania, mimowolnie przykuwając do siebie nie tylko zszokowanych apostołów, ale i widza.

A jeśli wszyscy apostołowie jednogłośnie patrzą na odchodzącego Judasza, ukazując na ich twarzach całą gamę silnych emocji – od zdziwienia po oburzenie – to oczy Chrystusa są spuszczone, a cały wygląd jest pełen powściągliwego, ale bardzo głębokiego smutku. Odejście Judasza stało się dla Niego źródłem najostrzejszego ból serca i przez pewien czas zajmował całe Jego siły wewnętrzne ponieważ Judasz odchodził na spotkanie własnej zagłady.

I właśnie to cierpienie stanowi, naszym zdaniem, psychologiczny rdzeń dzieła. Tu nie chodzi o Judasza, cokolwiek ważne miejsce nie zajmował. Jeszcze mniej - o konflikcie zdrajcy z grupą byłych podobnie myślących ludzi - "towarzyszy walki", jak próbowali to interpretować krytycy. połowa dziewiętnastego wieku, blisko ruchu rewolucyjno-demokratycznego. Obraz przedstawia żal Chrystusa za każdym grzesznikiem, który trwa w swoim grzechu i dlatego nieuchronnie dochodzi do duchowej śmierci.

Ludmiła BELYAKOVA,
nauczyciel języka rosyjskiego, literatury i MHK,
szkoła nr 35,
Rybinsk, obwód jarosławski

Tajemnica Ostatniej Wieczerzy

Leonarda da Vinci i Salvadora Dali

Lekcja światowej kultury artystycznej w klasie 11

Spróbuj zrozumieć symboliczny świat dwóch geniuszy, cechy obrazu jednej z centralnych scen biblijnych.

przestrzeń sztuki lekcja:

Reprodukcja fresku autorstwa Leonarda da Vinci (1) Ostatnia wieczerza (1495–1497; Santa Maria delle Grazie, Mediolan) (2) ;

Reprodukcja obrazu Salvadora Dali (3) Ostatnia wieczerza (1955; Waszyngton Galeria Narodowa) (4) .

Forma lekcji:

Dialog lekcji.

Artysta ma dwa cele: osobę
i przejawy jego duszy.
Pierwsza jest łatwa, druga trudna
i tajemnicza, zdaje się mówić:
"Słuchaj - a usłyszysz mnie!"

Leonardo da Vinci

Figuratywny świat Dali jest podobny
labirynt, do którego nie każdy ma odwagę zajrzeć.

A. Rożyn

I. ZANURZ SIĘ W LEKCJI

Nauczyciel. Chyba nie znajdziesz w świecie sztuki tak ikonicznych, majestatycznych i paradoksalnych postaci jak Leonardo da Vinci czy Salvador Dali. Dzieli ich na pierwszy rzut oka ogromna odległość: żyło się i pracowało się w epoce Wysoki renesans, a drugi – przedstawiciel XX wieku. Ale obaj to tytani malarstwa, co już pozwala porównywać ich światy. Historycy sztuki różnie oceniali spuściznę Leonarda da Vinci i Salvadora Dali, ale wszyscy byli zgodni co do jednego: ich twórczość jest wyjątkowa.

Proponuję porównać dwie prace na ten sam temat – „Ostatnia wieczerza”. Wykorzystując wszystkie możliwe techniki: od standardowej do absurdalnej, od racjonalnej do irracjonalnej, odpowiedz na pytanie: jaką tajemnicę odkrywają artyści dzieła o tym samym tytule? (To pytanie staje się głównym zadaniem edukacyjnym lekcji).

Oferujemy Państwu wiadomości-portrety o artystach. Poproszę, słuchając moich kolegów z klasy, o ustalenie głównych przepisów, które mówią o niektórych W ogólnych warunkach w życiu i twórczości artystów.

II. STROK DO PORTRETÓW ARTYSTÓW
(wiadomości od przeszkolonych uczniów)

Pierwszy uczeń.

SŁOWO O LEONARDZIE DA VINCI

Tajemnica tego artysty zaczyna się wraz z jego narodzinami. Był synem kobiety, o której prawie nic nie wiemy: bez imienia, bez wieku, bez wyglądu; znamy tylko jej imię - Katerina. Niewiele wiemy o młodości Leonarda da Vinci. Pomimo faktu, że ponad siedem tysięcy stron rękopisów i rysunków artysty, notatki dot własne życie nie odszedł.

Jego wykształcenie było takie samo jak każdego chłopca mieszkającego w małym miasteczku: czytanie, pisanie, podstawowa matematyka, łacina. W wieku 14 lat został uczniem Andrei del Verrocchio, jednego z najbardziej znanych znany artysta Włochy. Początkowo zajmował się wycieraniem farb i innymi pracami służebnymi, stopniowo zaczęto mu powierzać zlecenia. Relacje z mistrzem rozwijały się więcej niż życzliwie, o czym świadczy fakt, że nawet po przyjęciu do cechu św. Łukasza w 1472 roku dwudziestoletni Leonardo nadal mieszkał z Verrocchio.

Wśród ludzi, którzy mieli Leonarda duży wpływ byli naukowiec i architekt Leon Batiste Alberti, mechanik i inżynier Benedetto del Abbaco, matematyk, astronom i lekarz Paolo del Pozzo Toscanelli.

W 1482 roku Leonardo wyjeżdża do Mediolanu i rozpoczyna nowe życie. Okres ten trwał prawie 20 lat iw tym czasie zyskał uznanie – dokładnie to, czego został pozbawiony w domu.

Leonardo da Vinci wkroczył do kultury światowej jako najwspanialszy malarz, ale należy pamiętać, że zakres jego wiedzy był nieograniczony. Stworzył kilka instrumentów muzycznych, skomponował muzykę, opracował plany mostów, dobrze śpiewał, napisał ballady, studiował budowę anatomiczną Ludzkie ciało, studiował rośliny, opracował projekt kopuły katedry w Mediolanie, wynalazł helikopter (helikopter) i dał pierwszą wersję współczesnego śmigła. Bez wątpienia tak było człowiek renesansu, wielki naukowiec, ale przede wszystkim był wspaniałym malarzem.

Pierwszy obraz wczesny okres - „Zwiastowanie” ( Galeria Uffizi, Florencja). W latach 1473–1474 - „Portret Ginevry Benci”, a następnie następuje okres życia, w którym jest całkowicie pochłonięty tematem „Madonna z Dzieciątkiem”. Czysta przestrzeń, elegancja i proporcje, swoboda i lekkość pióra, piękno pejzaży wyróżniają jego obrazy.

Jednym ze szczytowych dzieł Leonarda jest Pokłon Trzech Króli (1481), w którego fabule, według Roberta Wallace'a, „włączył całą ludzkość”. Pewien historyk sztuki naliczył na obrazie 66 postaci, w tym młodych mężczyzn i starców, poetów i wojowników, wierzących i wątpiących. Ale Leonardo pracował nad tym dziełem tylko przez siedem miesięcy. Genialne opanowanie techniki światłocienia (światłocienia) pomogło artyście osiągnąć taką doskonałość. Należy zauważyć, że odtąd jego główne zainteresowania jako artysty nie będą już nigdy kojarzyć się tylko z kolorem i konturem, ale zawsze z tworzeniem efektu trójwymiarowej przestrzeni.

Minie jeszcze kilka lat, a on podejmie się kolejnego dzieła na nie mniejszą skalę. A kiedy w końcu go ukończy, dla współczesnych wyda się kolejnym cudem świata, a dla nas stanie się pierwszym klasycznym ucieleśnieniem ideałów Wysokiego Renesansu. Tytuł tego utworu to Ostatnia Wieczerza.

Drugi uczeń.

SŁOWO O SALVADOR DALI

Ledwo w kultura artystyczna ludzkości współczesności, jest osoba, która posiadała taki potencjał twórczy i uniwersalizm jak Salvador Dali. Magiczny urok jego prac polega na tym, że budzą niewytłumaczalne przerażenie i zachwyt, rozczarowanie i nadzieję, radość z wiedzy i zamieszanie.

Niewyczerpana fantazja, nieumotywowane działania, przerośnięta ambicja - taki był Salvador Dali. Znalezienie określonego języka obrazu obiektywny świat zakończył się surrealizmem. Twórcą tego terminu był francuski poeta Guillaume Apollinaire, bezwarunkowy ideolog – także francuski poeta Andrzej Breton. Przypomnę, że trend narodził się w czasach, gdy społeczeństwo wciąż przeżywało tragedię Pierwszej wojna światowa, rewolucyjne burze i katastrofy gospodarcze. Osoba czuła się bezradna i rozgoryczona na cały świat. Nieoczekiwana, nadrzeczywista sztuka mogła wyprowadzić go ze stanu szoku, zapobiec powszechnej katastrofie, jaką stał się surrealizm reprezentowany przez jego przedstawicieli Giorgio Chirico, Maxa Ernsta, Andre Masona, Rene Magritte'a i oczywiście Salvadora Dali.

Ekscentryczność Dali objawia się już w młodości: znakomicie studiuje w akademii w Madrycie (choć buntownicza natura nie pozwoliła mu ukończyć tej instytucja edukacyjna), w wieku 22 lat pisze dla Garcii Lorki martwą naturę „Koszyk chleba” – jedno z najlepszych wczesnych dzieł. A potem - obrazy, podróże, wystawy, praca w kinie, szczęśliwe małżeństwo z Galą Eluard (z domu Elena Dyakonova). W swojej książce „Dziennik geniusza” artysta przedstawia swoją twórczość w ten sposób, a raczej swoją periodyzację: Dali - Planetarny, Dali - Molekularny, Dali - Monarchiczny, Dali - Halucynogenny, Dali - Przyszły.

Salvador Dali twórczo realizował różne pomysły artystyczne. Żywym tego dowodem jest projekt Muzeum Teatralnego Dali w Figueres oraz plakat, nacechowany dowcipem i pomysłowością, wirtuozowski prace graficzne na podstawie poezji Dantego i Ronsarda, Apollinaire'a i Goethego oraz akwarele do Don Kichota Cervantesa i ilustracje do Makbeta Szekspira.

Ale Dali ma zdjęcie, które twierdzi, że zajmuje pierwsze miejsce w jego pracy.

To jest Ostatnia Wieczerza.

Przejdźmy do tekstu Ewangelii.

III. KOMENTOWANE CZYTANIE TEKSTU EWANGELII
(słuchanie mówienie)

"20. Gdy nadszedł wieczór, położył się razem z dwunastoma uczniami; 21. A gdy jedli, rzekł: Zaprawdę powiadam wam, jeden z was mnie zdradzi; 22. Byli bardzo smutni i zaczęli mówić do Niego, każdy z nich: Czy to nie ja, Panie? 23 A on odpowiadając, rzekł: Kto włoży ze mną rękę do misy, ten mnie wyda; 24. Jednak Syn Człowieczy idzie tak, jak o nim napisano; ale biada temu człowiekowi, przez którego Syn Człowieczy jest wydany: lepiej by było, gdyby ten człowiek się nie narodził; 25. Wtedy Judasz, który Go zdradził, powiedział: Czy to nie ja, Rabbi? Jezus mówi do niego: Powiedziałeś.

26. A gdy oni jedli, Jezus wziął chleb i pobłogosławiwszy, połamał i dając uczniom, rzekł: Bierzcie, jedzcie, to jest Ciało moje; 27. A wziąwszy kielich i dziękując, dał im i rzekł: Pijcie z niego wszyscy, 28. bo to jest Krew Moja Nowego Testamentu, która za wielu będzie wylana na odpuszczenie grzechów ” (Mateusz: 25).

IV. „DIALOG” DWÓCH ARCYDZIEŁ
(Gra RPG)

(W tej dialogowej grze fabularnej dwoje uczniów w imieniu autorów dwóch obrazów opowiada o historii powstania Ostatniej wieczerzy Leonarda da Vinci i Salvadora Dali.)

LV Zbliżałem się do mojej „Ostatniej Wieczerzy” przez całe piętnaście lat. Na jednym ze szkiców do Pokłonu Trzech Króli pojawia się grupa służących, a obok nich figura Chrystusa.

SD Temat religijny zaczyna mnie ekscytować na początku lat pięćdziesiątych. Przygotowując się do stopniowego duchowego skupienia się na najważniejszej rzeczy, zwróciłem się do tematu Chrystusa na obrazie „Chrystus św. Jana od Krzyża”. Ignorując kanony obrazu, pozwoliłem sobie uchwycić czas i wieczność, skończoność i nieskończoność. Obraz powinien być odbierany przez widza jako rodzaj przypowieści.

LV Jeśli zwrócisz się do moich notatek, stanie się jasne, jak starannie opracowano pozy i twarze postaci, które zostały odpisane od zwykłych ludzi, mieszkańców Mediolanu i okolic. Najtrudniej było pracować nad wizerunkiem Judasza, szczególnie długo szukałem wyrazu jego twarzy.

SD Pomysł tego obrazu, podobnie jak wiele innych, zrodził się we śnie i był rodzajem kontynuacji wcześniej napisanych dzieł religijnych i mistycznych, które łączy jedna myśl - idea integralności świata chrześcijańskiego.

V. PORÓWNANIE OSTATNIEJ WIECZERY LEONARDA DA VINCI I SALVADORA DALI
(wypełnij tabelę)

Nauczyciel. Po krytycznym zrozumieniu materiału usystematyzowanego w tabeli przygotuj wiadomość o charakterze historii sztuki na temat lekcji.

Schematyczny rysunek „Ostatniej Wieczerzy”
Leonardo da Vinci z imionami apostołów

VI. WIADOMOŚCI MONOLOGICZNE
(Cytuję jeden z komunikatów, który zabrzmiał na lekcji)

"Wszystko jest względne". Właśnie dzisiaj, porównując dwa arcydzieła, przekonałem się, jak trafny jest ten aforyzm. Wydawałoby się, że zostały napisane na tym samym temat biblijny dzieła artystów nie powinny się diametralnie różnić. Ale nie jest. Oddzielone od siebie prawie pięć wieków obrazy Leonarda da Vinci i Salvadora Dali na różne sposoby przedstawiają widzowi fabułę Ostatniej Wieczerzy, a ich autorzy widzą w tej fabule sens podyktowany czasem, w którym żyją, i Szkoła Artystyczna w którym pracują, oraz własnej lektury tekstu Ewangelii.

Leonardo da Vinci interpretuje fabułę z religijnego i moralnego punktu widzenia, przedstawiając sam moment zdrady; interesuje go „człowiek i przejawy jego duszy”. Według jego przyjaciela, matematyka Luca Paccoli, obraz Leonarda jest „symbolem trwałego marzenia człowieka o zbawieniu”. Chodzi oczywiście o zbawienie duszy, o czystość moralną człowieka.

Zadanie autora Salvadora Dali wyznacza jego zainteresowanie tematem Komunii Świętej. Dąży do wielości skojarzeń i interpretacji. Troszczy się o tajemnicę natury ludzkiej, ale jeszcze bardziej o zbawienie świata, który w XX wieku przeżywa nie tylko katastrofę społeczną, ale i moralną. Symbol jedności, zjednoczenia wyraża się wyraźnie poprzez geometryczny racjonalizm kompozycji, świadczący o wierze artysty w świętość liczb (w tym przypadku liczby „3” – symbolu Trójcy Świętej). A doskonałość formy uosabia duchową harmonię, moralną czystość i wielkość, iw tym przypadku możemy mówić o podobieństwie obu dzieł.

Na dramatycznym obrazie Leonarda da Vinci uchwycony jest tylko jeden moment (Jezus zapowiada zdradę), ale odbija się wieczność. Każdy z apostołów to cała historia opowiedziana językiem gestów i mimiki. Uczestnicy posiłku są obdarowywani indywidualnie cechy psychologiczne. Postać Jana jest szczególnie wyrazista. Miękkie, równomierne światło przenika przez nią młoda twarz, napełniając się jakąś nieziemską wyrazistością. Widz od razu wyklucza go z grona tych, którzy wkrótce zdradzą Chrystusa.

Pozioma kompozycja nadaje freskowi monumentalności i wielkości. Wiadomo, że Leonardo da Vinci udał się do wersja ostateczna długi i trudny, istnieje wiele rysunków, które odzwierciedlają tę drogę, a sposób, w jaki artysta zbudował to „wydarzenie”, mówi zarówno o jego geniuszu jako malarza, jak i mądrości jako filozofa. Prosta jak strzała linia stołu dzieli jednocześnie dwie przestrzenie (teraźniejszość i wieczność) i pełni rolę swoistego symbolu - to granica między dobrem a złem, między oddaniem a zdradą, między wiarą a niewiarą. A wybór zależy od wszystkich: przejechać czy nie przejechać?

W ten sposób otwiera się kolejny. zdrowy rozsądek„Ostatnia Wieczerza” jest moralna: jest to wybór, do którego każdy ma prawo. Co preferować, jakimi zasadami się kierować, co wybrać: chwilowe czy wieczne, pozostać człowiekiem czy zostać zdrajcą? Ten ostatni krok przed kreską jest swego rodzaju sprawdzianem moralnym dla człowieka i pod tym względem praca poszerza granice i jest wypełniona uniwersalnym znaczeniem.

VII. EPILOG

Nauczyciel. Dziękuję za kreatywność i inspirację, które dzisiaj pokazałeś. Myślę, że dla niektórych uczniów spotkanie nie zakończy się lekcją, ale stanie się tematem dalsze badania twórczość artystów.

Bystry umysł, talent i bezgraniczna wyobraźnia uczyniły tego człowieka nieśmiertelnym - imię Salvadora Dali, wielkiego zbawiciela naszych nietrwałych dusz, przetoczyło się przez dziesięciolecia, nie przykryte pyłem zapomnienia i zapomnienia.

Bardzo często, za jego manierą i autopromocją, wielu nie zauważyło iskrzącego się geniuszu, który w równym stopniu przejawiał się zarówno w talencie malarskim, jak iw jego zdolności do przekształcenia wszystkiego, co najbardziej nudne i przyziemne, w mały teatr imienia Salvadora Dali.

Obraz, który będzie dzisiaj omawiany, nie tylko świadczy o wszystkich powyższych talentach, ale opowie nam o Salwadorze jako osobie rozwiniętej duchowo, jako religijnym marzycielu i surrealistycznym filozofie. Ostatnia wieczerza Salvadora Dali odkrywa przed nami inne oblicze artysty, ukryte za patosem i ekstrawagancją, które często przyćmiewają jego prawdziwy talent.

Aby jednak w pełni zrozumieć, co nowego Dali wniósł do znanej fabuły, aby w pełni posmakować owocu prowokacyjnej wiedzy, którą łaskawie obdarza nas Salvador, chcielibyśmy zwrócić się do następujących słynne dzieło Leonardo da Vinci.

Zapraszamy do rozważenia dwóch zupełnie różnych koncepcji tej samej fabuły i rozwiązania odwiecznego sporu o wyimaginowaną świętość i grzeszność.

Zacznijmy od starszego dzieła – „Ostatniej wieczerzy” Leonarda da Vinci. Pierwszą rzeczą, na którą zwracają uwagę wszyscy historycy sztuki, którzy analizują fresk Vinci, jest rozwiązanie kompozycyjne autor. Niektórzy nawet porównują to z pluskiem wody z rzuconego kamienia, jeśli przyjrzysz się uważnie, po obu stronach Jezusa Chrystusa tworzą się jakby dwie fale. I to jest naprawdę plusk, bo autor przedstawia moment, w którym Jezus mówi swoim uczniom, że jeden z nich wkrótce go zdradzi, i dlatego obserwujemy tę bardzo ulotną wizję, pierwszą i dlatego szczera reakcja na to, co zostało powiedziane .

Zwróć uwagę na emocje każdego z dwunastu apostołów - oburzenie, wściekłość, zaprzeczenie, strach, zwątpienie i oszołomienie. Da Vinci był bardzo kompetentnym psychologiem, szczegółowo opisał tę nieświadomą reakcję osoby na nieoczekiwane informacje. Później zrobi to wielu naukowców z dziedziny psychologii i fizjonomii, ale w tamtym czasie było to prawdziwe odkrycie języka migowego.

Jednak na obrazie są dwie postacie, które zwracają naszą uwagę swoją nie do końca oczekiwaną reakcją – jest to wizerunek Judasza i Tomasza.

Judasz, ten, który zgodnie z fabułą zdradzi Jezusa Chrystusa, jest przedstawiony jako drugi po lewej stronie nauczyciela, w niebiesko-zielonych szatach. Zauważ, że na jego twarzy nie ma ani kropli zdziwienia, ani zwątpienia, wie wszystko, o czym Jezus będzie mówił, i już wie na pewno, że rola zdrajcy spadnie mu na głowę. Co więcej, ma już trzydzieści srebrników, które otrzymał za zdradę, i dlatego po prostu czeka na los zgotowany jemu i Chrystusowi.

Drugim obrazem, na który warto zwrócić uwagę, jest postać Tomasza, znanego ze swojego sceptycyzmu i niedowierzania, umieszczona na prawo od nauczyciela. Tylko on ma odwagę zadać Jezusowi pytanie – „Czy ktoś zdradzi?”. I widzimy to po jego geście - uniesionym kciuku.

Leonardo da Vinci trzyma się jednak klasycznej koncepcji i przedstawia tylko Judasza jako zdrajcę. Ale Salvador Dali mówi nam, że wszyscy zdrajcy - wszyscy bez wyjątku, poświęcili Chrystusa w imię interesów większości.

Zwróć uwagę na interpretację zwykłej fabuły Salvadora - widzimy ten sam stół, dwunastu apostołów i Jezusa Chrystusa w centrum kompozycji. Ale uwaga, pytanie, czy będzie choć jeden zdrajca, nie jest już zadawane przez ciekawskiego Tomasza, ale przez samego Chrystusa. Widzimy to w znanym już geście uniesionego palca. Ale teraz to pytanie brzmi czysto retorycznie, bo nikt inny nie potrzebuje odpowiedzi, wszyscy doskonale wiedzą, że każdy z nich zdradzi Chrystusa na swój sposób.

Dlatego w tłumie apostołów nigdy nie odnajdziemy Judasza, Tomasza, Pawła czy Piotra – ich tu po prostu nie ma. Nie, istnieją, ale różnica między nimi jest tak mała i nieistotna, że ​​Dali postanowił zrównać wszystkich z tym samym pędzlem, bez wyróżniania prawych i winnych, grzeszników i świętych. Dlatego wszyscy święci są przedstawiani sobie jako „lustrzane odbicie”, jeśli przyjrzysz się uważnie, Prawa strona powtarza lewą i odwrotnie. Warto też podkreślić, jak pokornie, można by rzec, zawstydzeni, zasiadają przy tym refektarzu, wiedząc, że są winni przed swoim nauczycielem.

Głównym bohaterem, węzłem, który zwraca na Ciebie naszą uwagę, jest obraz Jezusa Chrystusa. Nie ulega wątpliwości, że na fresku Leonarda da Vinci centrum kompozycji stanowi postać Jezusa, ale tam pojawia się on przed nami w swoim ziemskim wcieleniu i tam przyciąga nas czysto ludzka reakcja apostołów.

Dali z kolei zamyka wszystkich obecnych przy stole w pięciokątnym obiekcie, który jest już zamknięty gdzieś w niewidzialnej dla nas przestrzeni, wskazując na drugą, przeciwną do osądzającej maski Chrystusa – rodzaj transcendentnego bytu, który jest ponad tymi wszystkimi ziemskimi sporami i debatami, ponad jednostronną moralnością i podwójną moralnością. Dali opowiada nam o boskim Jezusie i patrzy trochę w przyszłość, jakby nieco odsłaniając fabułę zmartwychwstania.

Ale główny pomysł widziany w innym. Chrześcijańska idea przebaczenia Wielka moc miłość i dobroć, która zbawia nasz świat – to właśnie Dali podkreśla śmiałą kreską w „swoim” fabule.

W końcu, kiedy patrzysz na te wyciągnięte ręce, wznoszące się w niebo, pełne miłości i gotowości do objęcia całego świata, aby uratować każdego niegodnego człowieka od kłopotów i nieszczęść, rozumiesz, że mimo to przebaczył im, a także wybaczył nam Wszystko.