Najsłynniejsze opery świata. II. Dziesięciu żyjących kompozytorów. Aria Toreadora Escamillo z opery Bizeta „Carmen”. Śpiewane przez Claudio Sgurę

Miłośników muzyki klasycznej z pewnością interesuje pytanie, jakie są najsłynniejsze opery na świecie, które istnieją dzisiaj. Wśród ogromnej liczby arcydzieł powstałych przez kompozytorów na przestrzeni kilku stuleci trudno wyróżnić te najpopularniejsze. Jednak spośród nich wszystkich można wskazać niekwestionowanych liderów, którzy znajdują się w poniższej pierwszej dziesiątce. Opery te zostały przetłumaczone na kilka języków i regularnie wystawiane na scenach najlepszych teatrów świata.

Vincenzo Belliniego

(Vincenzo Bellini) otwiera listę najpopularniejszych oper na świecie. Jest to tragedia liryczna w dwóch aktach, która powstała na podstawie dzieła A. Sumé „Norma, czyli dzieciobójstwo”. Opera została po raz pierwszy zaprezentowana w Mediolanie i niemal natychmiast zyskała dużą popularność wśród miłośników opery. Rola tytułowa uznawana jest za jedną z najtrudniejszych w repertuarze sopranowym. „Norma” została napisana przez kompozytora w 31 XIX wieku i do dziś cieszy się popularnością na całym świecie.

P. I. Czajkowski

(P.I. Czajkowski) to najsłynniejsza opera światowej sławy rosyjskiego kompozytora. Utwór powstał na podstawie powieści Aleksandra Siergiejewicza Puszkina pod tym samym tytułem i na podstawie libretta Konstantego Szyłowskiego. Opera została zaprezentowana szerokiej publiczności w Moskiewskim Teatrze Małym. Przed napisaniem swojego arcydzieła Czajkowski długo szukał fabuły opery, która stanowiłaby mocny dramat. Fabuła przez przypadek została zainspirowana przez kompozytora piosenkarką Ławrowską.

W. A. ​​Mozart

"Ślub Figara”(W.A. Mozart) to popularna opera austriackiego wirtuoza kompozytora, która otrzymała światowa sława. Napisany na podstawie sztuki Beaumarchais pod tym samym tytułem. Mozart zaczął pisać dzieło muzyczne w 86. roku XVIII wieku. Tworzenie partytury trwało pięć miesięcy. Po pierwszym publicznym zaprezentowaniu nie zyskał dużej popularności. Sława i laury przyszły po wystawieniu opery w Pradze. Opera została po raz pierwszy przetłumaczona na język rosyjski przez Piotra Iljicza Czukowskiego. Opera składa się w sumie z czterech aktów. Fabuła dzieła związana jest z przygotowaniami do ślubu służącej Suzanne i lokaja Figara.

W. A. ​​Mozart

« magia flet prosty„(W.A. Mozart) to jedna z najlepszych oper na świecie, napisana przez kompozytora w dwóch aktach. Po raz pierwszy zaprezentowano go publiczności w 1791 roku w Wiedniu. Fabuła skupia się na księciu Tamino, który będzie musiał przejść wiele trudności i prób, aby zasłużyć na bycie z ukochaną, córką królowej nocy. Goethe był tak zachwycony tym dziełem, że podjął próbę napisania kontynuacji tego libretta.

Gioachino Rossiniego

« Sewilla fryzjer„(Gioachino Rossini) to jedna z najlepszych oper, która zyskała światową popularność. Zawiera dwa akty, które powstały na podstawie komedii Pierre’a Boramschego pod tym samym tytułem. Początkowo libretto nosiło tytuł „Almaviva, czyli Daremne zabezpieczenie" Akcja utworu muzycznego rozgrywa się w XVIII wieku w Sewilli. Opera zaczyna się od pojawienia się hrabiego Almavivy, który znajduje się pod oknami swojej ukochanej. Wykonuje dla niej krótką arię operową „Wkrótce Wschód zajaśnieje złotym świtem”. Opiekun kochanka nie pozwala jej wyjść na balkon, więc wysiłki Alvamivy są daremne.

Giacomo Pucciniego

„(Giacomo Puccini) to jedno ze światowych arcydzieł muzycznych, zaprezentowane publiczności już w 1896 roku. Opera składa się z czterech aktów. Powstał na podstawie dzieła Henriego Murgera „Sceny z życia Czech”. Akcja libretta rozgrywa się w Paryżu lat 30. XIX wieku. Akt pierwszy rozpoczyna się od tego, że biedny poeta Rudolf i jego przyjaciel artysta Marcel spędzają wieczór przy zimnym kominku, który nie ma czym ogrzać. Artysta chce spalić ostatnie krzesło, ale Rudolf powstrzymuje go, poświęcając jeden ze swoich rękopisów. Akcja kończy się spotkaniem poety ze swoją miłością.

G. Donizettiego

„Łucja di Lammermoora„(G. Donizetti) znajduje się na liście najpopularniejszych oper na świecie. Tragiczne dzieło muzyczne włoskiego kompozytora wykonane jest w trzech aktach. Libretto oparte jest na powieści W. Scotta „Narzeczona z Lammermooru”. Nieco później kompozytor napisał także francuską wersję opery. Zagrzmiała na całym świecie, stając się jedną z najlepszych. Fabuła powieści została wykorzystana przez kilku kompozytorów przed Donizettim, ale jego dzieło całkowicie wyparło wszystkie poprzednie. Akcja libretta rozgrywa się w XVIII wieku w Szkocji. W sumie praca składa się z dwóch części: „Wyjazd” i „Umowa małżeńska”.

Georgesa Bizeta

(Georges Bizet) otwiera trzy najlepsze opery świata, które kompozytor napisał na podstawie opowiadania Prospera Merimee pod tym samym tytułem. Szkice partytury Pee ukazały się w 1974 roku. Premiera odbyła się po raz pierwszy we Francji, gdzie zakończyła się całkowitym fiaskiem. Nierozpoznana przez francuską publiczność i krytykę opera na długi czas zeszła ze sceny i powróciła na scenę dopiero w 1983 roku, zdobywając światową sławę. Sam Czajkowski powiedział, że to prawdziwe arcydzieło, które po pewnym czasie zyska powszechną sławę.

S. Prokofiew

« Wojna i świat„(S. Prokofiew) to jedna z najsłynniejszych oper, która zagrzmiała na całym świecie. Na podstawie powieści o tym samym tytule wybitny pisarz XIX w. autorstwa Lwa Nikołajewicza Tołstoja. W sumie dzieło obejmuje trzynaście obrazów. Opera rozpoczyna się od pojawienia się na scenie Bolkońskiego, który odwiedza posiadłość hrabiego Rostowa. Słyszy głos córki hrabiego Nataszy, która zadziwia go swoim pięknym śpiewem. Trzynasty ostatni obraz opowiada o pozostałościach wycofującej się armii Bonapartego. Pomysły na napisanie opery na podstawie słynna powieść kompozytor opiekował się nim od dawna. Pierwsze szkice ukazały się w 1941 roku, a na scenie Teatru Bolszoj zagrzmiały w 1959 roku, stając się jedną z najlepszych oper świata.

Giuseppe Verdiego

(Giuseppe Verdi) uzupełnia listę najlepszych oper na świecie. W tłumaczeniu na język rosyjski słowo traviata oznacza „zagubiony” lub „upadły”. Inspiracją do jej napisania dla kompozytora była powieść Aleksandra Dumasa „Dama kameliowa”. Zaprezentowana publiczności po raz pierwszy Traviata okazała się całkowitym fiaskiem, jednak po radykalnej przeróbce zyskała popularność na całym świecie. Cechą szczególną tej opery jest niezwykły jak na tamte czasy wybór bohaterki – upadłej kobiety na łożu śmierci. Akcja Traviaty rozgrywa się w Paryżu połowy XIX wieku. W centrum uwagi znajduje się kurtyzana, odrzucona przez społeczeństwo i przez nikogo niechciana. Oryginalna partytura obejmuje trzy akty.

Powstała na wzór zachodnich wzorców, opera rosyjska wniosła najcenniejszy wkład do skarbnicy całej kultury światowej.

Pojawiając się w epoce klasycznego rozkwitu opery francuskiej, niemieckiej i włoskiej, opera rosyjska XIX wieku nie tylko dogoniła klasyczne narodowe szkoły operowe, ale także je wyprzedziła. Co ciekawe, rosyjscy kompozytorzy tradycyjnie wybierali do swoich dzieł tematykę o charakterze czysto ludowym.

„Życie dla cara” Glinki

Opera „Życie za cara” czy „Iwan Susanin” opowiada o wydarzeniach roku 1612 – wyprawie polskiej szlachty na Moskwę. Autorem libretta był jednak baron Jegor Rosen Czas sowiecki ze względów ideologicznych redakcję libretta powierzono Siergiejowi Gorodeckiemu. Premiera opery odbyła się w Teatrze Bolszoj w Petersburgu w 1836 roku. Przez długi czas rolę Susanina pełnił Fiodor Chaliapin. Po rewolucji „Życie dla cara” opuściło scenę sowiecką. Próbowano dostosować fabułę do wymogów nowych czasów: w ten sposób Susanin została przyjęta do Komsomołu, a końcowe wersy brzmiały jak „Chwała, chwała, ustrój sowiecki”. Dzięki Gorodeckiemu, kiedy w 1939 roku wystawiono operę w Teatrze Bolszoj, „system sowiecki” został zastąpiony przez „naród rosyjski”. Od 1945 roku Teatr Bolszoj tradycyjnie otwiera sezon różnymi przedstawieniami Iwana Susanina Glinki. Największa inscenizacja opery za granicą została zrealizowana być może w La Scali w Mediolanie.

„Borys Godunow” Mussorskiego

Opera, w której na bohaterów wybrano cara i naród, została zapoczątkowana przez Musorgskiego w październiku 1868 roku. Do napisania libretta kompozytor wykorzystał tekst tragedii Puszkina pod tym samym tytułem oraz materiały z „Historii państwa rosyjskiego” Karamzina. Tematem opery było panowanie Borysa Godunowa tuż przed „Czasem kłopotów”. Musorgski ukończył pierwsze wydanie opery Borys Godunow w 1869 roku, które zostało zaprezentowane komitetowi teatralnemu Dyrekcji Teatrów Cesarskich. Recenzenci odrzucili jednak operę, odmawiając jej wystawienia ze względu na brak silnej roli kobiecej. Musorgski wprowadził do opery „polski” akt romansu Mariny Mniszek i Fałszywego Dmitrija. Dodał także monumentalną scenę powstania ludowego, dzięki czemu zakończenie było bardziej spektakularne. Pomimo wszystkich poprawek opera została ponownie odrzucona. Wystawiono go dopiero 2 lata później, w 1874 roku na scenie Teatru Maryjskiego. Opera miała premierę za granicą w Teatrze Bolszoj w Wielkiej Operze Paryskiej 19 maja 1908 roku.

„Dama pik” Czajkowskiego

Opera została ukończona przez Czajkowskiego wczesną wiosną 1890 roku we Florencji, a pierwsza inscenizacja odbyła się w grudniu tego samego roku w Teatrze Maryjskim w Petersburgu. Opera została napisana przez kompozytora na zlecenie Teatru Cesarskiego i Czajkowski po raz pierwszy odmówił przyjęcia zamówienia, argumentując, że jego odmowa wynikała z braku „odpowiedniej obecności scenicznej” w fabule. Co ciekawe, w opowieści Puszkina główny bohater nosi nazwisko Hermann (z dwoma „n” na końcu), a w operze głównym bohaterem staje się mężczyzna o imieniu Hermann – nie jest to pomyłka, ale celowa zmiana autora. W 1892 roku po raz pierwszy wystawiono operę poza granicami Rosji, w Pradze. Następnie – pierwsza inscenizacja w Nowym Jorku w 1910 r. i premiera w Londynie w 1915 r.

„Książę Igor” Borodin

Podstawą libretta był pomnik starożytnej literatury rosyjskiej „Opowieść o kampanii Igora”. Pomysł na fabułę podsunął Borodinowi krytyk Władimir Stasow w jednym z wieczory muzyczne u Szostakowicza. Opera powstawała przez 18 lat, lecz kompozytor nigdy jej nie ukończył. Po śmierci Borodina prace nad dziełem dokończyli Głazunow i Rimski-Korsakow. Istnieje opinia, że ​​Głazunow był w stanie odtworzyć z pamięci uwerturę do opery, którą usłyszał kiedyś w wykonaniu autora, jednak sam Głazunow zaprzeczył tej opinii. Pomimo tego, że większość pracy wykonali Głazunow i Rimski-Korsakow, upierali się, że Książę Igor był w całości operą Aleksandra Porfiriewicza Borodina. Premiera opery odbyła się w Teatrze Maryjskim w Petersburgu w 1890 roku, a 9 lat później zagraniczna publiczność oglądała ją w Pradze.

„Złoty kogucik” Rimskiego-Korsakowa

Opera „Złoty kogucik” powstała w 1908 roku na podstawie baśni Puszkina o tym samym tytule. Opera ta była ostatnim dziełem Rimskiego-Korsakowa. Teatry cesarskie odmówiły wystawienia opery. Ale gdy tylko widz po raz pierwszy zobaczył ją w 1909 roku w Moskiewskiej Operze Siergieja Zimina, opera została wystawiona w Teatrze Bolszoj miesiąc później, a następnie rozpoczęła swój triumfalny marsz dookoła świata: Londyn, Paryż, Nowy Jork, Berlinie, Wrocławiu.

„Lady Makbet z Mtsenska” Szostakowicza

Pomysł na operę zrodził się w 1863 roku od Aleksandra Dargomyżskiego. Kompozytor wątpił jednak w jego powodzenie i uważał to dzieło za twórczą „inteligencję”, „zabawę z Don Juanem Puszkina”. Do tekstu Puszkina „Kamienny gość” napisał muzykę, nie zmieniając ani jednego słowa. Problemy z sercem nie pozwoliły jednak kompozytorowi dokończyć dzieła. Zmarł, prosząc swoich przyjaciół Cui i Rimskiego-Korsakowa o dokończenie dzieła zapisanego w jego testamencie. Opera została po raz pierwszy zaprezentowana publiczności w 1872 roku na scenie Teatru Maryjskiego w Petersburgu. Zagraniczna premiera odbyła się dopiero w 1928 roku w Salzburgu. Opera ta stała się jednym z „kamień węgielnych”, bez jej wiedzy nie da się zrozumieć nie tylko rosyjskiej muzyki klasycznej, ale także ogólnej kultury naszego kraju.

W ciągu pięciu sezonów 2005/6 - 2009/10 wykonano dzieła ponad 1005 kompozytorów. W tabeli przedstawiono dane o kompozytorach i utworach, które zostały wprowadzone do programu (niekoniecznie wykonane). Trzej pierwsi kompozytorzy – Verdi, Mozart i Puccini – wyraźnie przewyższają kompozytorów ich następców.

Benjamin Britten to jedyny kompozytor znajdujący się w pierwszej dwudziestce najpopularniejszych kompozytorów, który urodził się już w XX wieku. „Najstarszym” kompozytorem na liście jest George Frideric Handel (1685–1759)

Najpopularniejsi (wykonywani) kompozytorzy ostatnich 5 lat.

*Dokładne statystyki są istotne dla Europy i Ameryka północna, w przypadku innych krajów liczby mogą być przybliżone.

Elena Wasiliewna Obrazcowa to radziecka i rosyjska śpiewaczka operowa, mezzosopran. Artysta Ludowy ZSRR, laureat Nagrody Lenina, Bohater Pracy Socjalistycznej. Jeden ze znanych śpiewaków naszych czasów. Elena Wasiliewna Obrazcowa urodziła się 7 lipca 1939 roku w Leningradzie. Podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej wraz z rodziną została ewakuowana z Leningradu do Ustyuzny. Muzyka była integralną częścią dzieciństwa Eleny, jej ojciec, z zawodu inżynier, miał piękny barytonowy głos, a także dobrze grał na skrzypcach – zawsze będzie wspominać muzyczne wieczory w domu. W latach 1948-1954 śpiewała w chórze dziecięcym Pałacu Pionierów w Leningradzie. AA Żdanow (dyrektor chóru - M.F. Zarinskaya). W latach 1954-1957, w związku z oficjalnym przeniesieniem ojca, rodzina zamieszkała w Taganrogu, gdzie Elena studiowała w Szkole Muzycznej P.I. Czajkowski z nauczycielką Anną Timofeevną Kulikovą. NA reportaż z koncertu W szkole muzycznej Obraztsova została przesłuchana przez dyrektora Szkoły Muzycznej w Rostowie, M.A. Mańkowskiej i na jej polecenie w 1957 r. Elena została przyjęta do szkoły od razu na drugi rok. Rok później, w sierpniu 1958 roku, po pomyślnym przejściu przesłuchań, wstąpiła do wydziału przygotowawczego LGK. NA. Rimski-Korsakow. W 1962 roku zdobyła pierwszą nagrodę na Ogólnounijnym Konkursie Wokalnym. MI. Glinki i złoty medal na Światowym Festiwalu Młodzieży i Studentów w Helsinkach. 17 grudnia 1963 roku, jeszcze jako studentka konserwatorium, E. Obrazcowa zadebiutowała na scenie Teatru Bolszoj rolą Mariny Mniszek w operze MP Musorgskiego „Borys Godunow”. W 1964 roku ukończyła Państwowe Konserwatorium w Leningradzie jako studentka eksternistyczna. NA. Rimski-Korsakow, klasa profesora A.A. Grigorieva (klasa operowa A.N. Kireeva). Przewodnicząca komisji dyplomowej Zofia Pietrowna Preobrażeńska przyznała Elenie Obrazcowej ocenę 5 z plusem – ocenę, której w Konserwatorium Leningradzkim nie wystawiano od około 40 lat. W tym samym roku została stałą solistką Teatru Bolszoj. Natura hojnie obdarzyła Elenę Obrazcową. Ma głos o rzadkiej urodzie barwy, aksamitnego, organowego bogactwa brzmienia, jasny wygląd sceniczny, nadający jej operowym bohaterkom rzadką artystyczną ulgę i wyrazistość, talent prawdziwej aktorki dramatycznej. W 1964 roku Elena Obrazcowa w ramach trupy Teatru Bolszoj wystąpiła na scenie La Scali jako Marfa w operze Chowanszczina oraz jako Maria w operze Wojna i pokój. Występy Obrazcowej we Włoszech odniosły ogromny sukces, a w 1977 roku została zaproszona na otwarcie sezonu 200-lecia w La Scali rolą księżniczki Eboli w operze Don Carlos G. Verdiego. W 1975 roku Elena Obraztsova odbyła tournée z Teatrem Bolszoj do USA. Podczas przedstawienia „Borys Godunow” Obrazcowa, która wcieliła się w Marinę Mnishek, została pięciokrotnie wezwana na scenę przez rozentuzjazmowaną publiczność i przedstawienie musiało zostać przerwane. Triumf Eleny Obrazcowej w USA ostatecznie ugruntował jej pozycję światowej gwiazdy opery. Kilka miesięcy później Elena Obraztsova wystąpiła w Il Trovatore, przedstawieniu otwierającym sezon Opery w San Francisco, jej partnerami byli Luciano Pavarotti i Joan Sutherland. W 1976 roku Obrazcowa, będąca już gościnną solistką Metropolitan Opera, wywołała sensację rolą Amneris w Aidzie Verdiego. W 1977 Obraztsova wystąpiła jako Delilah w Metropolitan. Thor Eckert, krytyk „New York Timesa”, napisał następnie: „Wątpię, czy ty i ja słyszeliśmy Delilah, która z taką łatwością potrafiła opanować dwie i pół oktawy – Obraztsova wykonuje tę najtrudniejszą część bez cienia napięcia”. Franco Zeffirelli został zaproszony do roli Santuzziego w filmie „Honor wsi” (1982). „W moim życiu” – napisał Zeffirelli – „były trzy wstrząsy: Anna Magnani, Maria Callas i Elena Obraztsova, które stworzyły cud podczas kręcenia filmu „Honor wsi”. W sumie repertuar Eleny Obrazcowej obejmuje 86 ról w operach rosyjskiego i zagranicznego repertuaru klasycznego, a także w operach kompozytorów XX wieku; wiele z jej ról stało się żywą klasyką współczesnej sceny operowej: Marina Mnishek (Borys Godunow , 1963), Guwernantka, Polina, Milovzor ( 1964), Hrabina (1965, „Dama pik”), Lyubasha („Narzeczona cara”, 1967), Konczakowna („Książę Igor”, 1968), Marfa („ Chowanszczina”, 1968). Lyubava („Sadko”, 1979), Amneris („Aida”, 1965), Azucena („Trubadur”, 1972), Eboli („Don Carlos”, 1973), Santuzza („Honor wsi”, 1977), Ulrika („ Bal maskowy”, 1977), Księżniczka de Bouillon („Adrienne Lecouvreur”, 1977), Adalgiza („Norma”, 1979), Giovanna Seymour („Anna Boleyn”, 1982), Orfeusz („Orfeusz i Eurydyka”, 1984), Neris („Medea”, 1989), Leonora („Ulubiona”, 1992), Księżna („Siostra Angelika”, 1992), Carmen („Carmen”, 1972), Charlotte („Werther”, 1974), Delilah („ Samson i Dalila”, 1974), Herodiada („Herodiada”, 1990), Oberon („Sen nocy letniej” B. Brittena, 1965), Żenia Komelkowa („Tu jest cicho” K. Mołczanowa, 1975) , Judith („Zamek księcia Sinobrodego” B. Bartoka, 1978), Jocasta („Król Edyp” I. Strawińskiego, 1980), Eudosia („Płomień” O. Respighi, 1990); S. Prokofiewa: Frosya („Siemion Kotko”, 1970), Księżniczka Marya (1964), Helen Bezukhova (1971), Akhrosimova (2000, „Wojna i pokój”), Babulenka („Gracz”, 1996), hrabia Orłowski ( „Nietoperz”, 2003) i inne. Oprócz ról operowych aktywna jest Elena Obraztsova działalność koncertowa w Rosji i na całym świecie. W repertuarze jej solowych koncertów znajduje się muzyka ponad 100 kompozytorów rosyjskich i zagranicznych: M.I. Glinki, A.S. Dargomyżskiego, N.A. Rimskiego-Korsakowa, M.P. Musorgski, P.I. Czajkowski, S.V. Rachmaninow, S.S. Prokofiew, G.F. Handel, W.A. Mozart, L. Beethoven, R. Schumann, R. Strauss, R. Wagner, J. Brahms, C. Weill, G. Mahler, G. Donizetti, G. Verdi, G. Puccini, P. Mascagni, J. Bizet, J. Massenet, C. Saint-Saens i inni, a także pieśni i pieśni rosyjskie stare romanse. Brała udział w wykonaniach oratoriów, kantat, mszy i dzieł rosyjskiej muzyki sakralnej. Kompozycje jazzowe dodały nowych, jasnych akcentów do jej talentu. W 1986 roku zadebiutowała jako reżyserka wystawiając w Teatrze Bolszoj operę Werter J. Masseneta. Piosenkarka wystąpiła w telewizji filmy muzyczne„Wesoła wdówka”, „Moja Carmen”, „Honor wiejski” i „Tosca” itp. W latach 1973–1994 Elena Obraztsova wykładała w Moskiewskim Konserwatorium Państwowym im. P.I. Czajkowskiego. Od 1984 - profesor. Od 1992 wykłada w Tokijskiej Akademii Muzycznej „Musashino”; prowadzi kursy mistrzowskie w Europie i Japonii, w Akademii Młodych Śpiewaków Operowych przy Teatrze Maryjskim w Petersburgu. Była i jest członkiem jury wielu międzynarodowych konkursów, w tym Międzynarodowego Konkursu im. P.I. Czajkowskiego w Moskwie, Międzynarodowy Konkurs Wokalny w Marsylii, Międzynarodowy Konkurs im. N.A. Rimskiego-Korsakowa w Petersburgu, Międzynarodowy Konkurs im. Ferruccio Tagliaviniego w Deutschlandsberg, Międzynarodowy Konkurs Wokalnego Operowego Montserrat Caballe. We wrześniu 1999 roku w Petersburgu odbył się I Międzynarodowy Konkurs dla Młodych Śpiewaków Operowych im. Eleny Obrazcowej, a w 2011 roku odbyła się VIII edycja. Elena wzorowo nagrała ponad 50 płyt, w tym opery, oratoria, kantaty, płyty solowe z dziełami muzyki kameralnej i operowej. W ostatnich latach ukazały się „nagrania na żywo”, które mają szczególną wartość. Od czerwca 2007 do października 2008 pełniła funkcję dyrektora artystycznego Teatru Michajłowskiego (dawniej Teatru Opery i Baletu Musorgskiego w Petersburgu). Obecnie w Petersburgu prowadzi ośrodek kulturalny jej imienia, w którym pracuje z młodymi wykonawcami. 24 października 1981 r. odkryto mniejszą planetę nr 4623, która otrzymała nazwę „Obraztsova”.

Rita Streich (18 grudnia 1920 - 20 marca 1987) była jedną z najbardziej cenionych i nagrywanych niemieckich śpiewaczek operowych lat 40. i 60. XX wieku, sopran. Rita Streich urodziła się w Barnauł, w regionie Ałtaju, w Rosji. Jej ojciec Bruno Streich, kapral armii niemieckiej, dostał się do niewoli na frontach I wojny światowej i został otruty w Barnauł, gdzie poznał Rosjankę, przyszłą matkę Słynny piosenkarz Wiera Aleksiejew. 18 grudnia 1920 roku Vera i Bruno mieli córkę Margaritę Streich. Wkrótce władza radziecka pozwolił niemieckim jeńcom wojennym wrócić do domu, a Bruno wraz z Verą i Margaritą udali się do Niemiec. Dzięki swojej rosyjskiej matce Rita Streich dobrze mówiła i śpiewała po rosyjsku, co było bardzo przydatne w jej karierze, jednocześnie ze względu na jej „nieczysty” język niemiecki na początku były pewne problemy z reżimem faszystowskim. Wcześnie odkryto zdolności wokalne Rity, która już w szkole podstawowej była czołową wykonawczynią szkolnych koncertów, na jednym z nich zauważyła ją wielka niemiecka śpiewaczka operowa Erna Berger i zabrała na studia do Berlina. W różnych okresach jej nauczycielami byli także słynny tenor Willy Domgraf-Fassbender i sopranistka Maria Ifogyun. Debiut Rity Streich na scenie operowej miał miejsce w 1943 roku w mieście Ossig (Aussig, obecnie Uście nad Łabą, Czechy) rolą Zerbinetty w operze Ariadne auf Naxos Richarda Straussa. W 1946 roku Rita zadebiutowała w Berlińskiej Operze Państwowej, w głównym zespole, rolą Olimpii w „Opowieściach Hoffmanna” Jacques’a Offebacha. Potem zaczęła się jej kariera sceniczna, która trwała do 1974 roku. Rita Streich pracowała w Operze Berlińskiej do 1952 roku, następnie przeniosła się do Austrii i spędziła prawie dwadzieścia lat na scenie Opery Wiedeńskiej. Tutaj wyszła za mąż i urodziła syna w 1956 roku. Rita Streich, posiadająca jasny sopran koloraturowy, z łatwością wykonywała najbardziej skomplikowane role w światowym repertuarze operowym, nazywana była „słowikiem niemieckim” lub „słowikiem wiedeńskim”. W trakcie swojej wieloletniej kariery Rita Streich występowała w wielu teatrach na całym świecie – miała kontrakty z La Scalą i bawarskim radiem w Monachium, śpiewała w Covent Garden, Operze Paryskiej, a także w Rzymie, Wenecji, Nowym Jorku, Chicago, San Francisco Francisco odwiedził Japonię, Australię i Nową Zelandię, występował na festiwalach operowych w Salzburgu, Bayreuth i Glyndebourne. W jej repertuarze znalazły się niemal wszystkie znaczące partie operowe na sopran - zasłynęła jako najlepsza wykonawczyni ról Królowej Nocy w Czarodziejskim flecie Mozarta, Annchen w Free Shooterze Webera i innych. W jej repertuarze znalazły się m.in. dzieła kompozytorów rosyjskich, które wykonywała w języku rosyjskim. Uważana była także za znakomitą interpretatorkę repertuaru operetkowego, pieśni ludowych i romansów. Współpracowała z najlepszymi orkiestrami i dyrygentami w Europie i nagrała 65 najważniejszych płyt. Po zakończeniu kariery Rita Streich była od 1974 profesorem Akademii Muzycznej w Wiedniu, wykładała w szkole muzycznej w Essen, prowadziła kursy mistrzowskie i kierowała Centrum Rozwoju Sztuki Lirycznej w Nicei. Rita Streich zmarła 20 marca 1987 roku w Wiedniu i została pochowana na starym cmentarzu miejskim obok ojca Bruno Streicha i matki Very Alekseevej.

Elina Garanca to łotewska śpiewaczka mezzosopranowa, jedna z czołowych śpiewaczek operowych naszych czasów. Elina Garanča urodziła się 16 września 1976 roku w Rydze w rodzinie muzyków, jej ojciec jest dyrygentem chóru, a matka, Anita Garanča, jest profesorem Łotewskiej Akademii Muzycznej, profesorem nadzwyczajnym Łotewskiej Akademii Kultury oraz nauczyciel śpiewu w Łotewskiej Operze Narodowej. W 1996 roku Elina Garanča rozpoczęła naukę w Łotewskiej Akademii Muzycznej w Rydze, gdzie studiowała śpiew pod kierunkiem Siergieja Martynova, a od 1998 roku kontynuowała naukę u Iriny Gavrilovich w Wiedniu, a następnie u Virginii Zeani w USA. Jednym z wydarzeń, które wywarło największy wpływ na Elinę w czasie jej studiów, było wykonanie w 1998 roku roli Jane Seymour z opery „Anna Boleyn” Gaetano Donizettiego – Garanča nauczył się tej roli w ciągu dziesięciu dni i odkrył głęboką sympatię do belcanta repertuar. Po ukończeniu studiów Garanca zadebiutowała na profesjonalnej scenie operowej w r Teatr Państwowy Południowa Turyngia w Meiningen w Niemczech, z rolą Oktawiana w Der Rosenkavalier. W 1999 roku zwyciężyła w Konkursie Wokalnym im. Miriam Helin w Helsinkach w Finlandii. W 2000 roku zwyciężyła Elina Garanča Nagroda główna w Łotewskim Krajowym Konkursie Wykonawców, a następnie została przyjęta do trupy i pracowała w Operze we Frankfurcie, gdzie wykonała role Drugiej Damy w Czarodziejskim flecie, Jasia w operze Jaś i Małgosia Humperdincka oraz Rozyny w Cyruliku sewilskim . W 2001 roku została finalistką prestiżowego międzynarodowego konkursu śpiewaków operowych w Cardiff i wydała swoją debiutancką solową płytę z programem arii operowych. Międzynarodowy przełom w karierze młodej śpiewaczki nastąpił w 2003 roku na Festiwalu w Salzburgu, kiedy zaśpiewała rolę Annio w przedstawieniu La Clemenza di Tito Mozarta pod dyrekcją Nikolausa Harnoncourta. Po tym występie przyszły sukcesy i liczne angaże. Głównym miejscem pracy była Wiedeńska Opera Państwowa, gdzie w latach 2003-2004 Garanča wykonywał role Charlotte w Werterze i Dorabelli w To, co wszyscy robią. We Francji po raz pierwszy wystąpiła w Théâtre des Champs-Élysées (Angelina w „Cenerentoli” Rossiniego), a następnie w Operze Paryskiej (Opera Garnier) w roli Oktawiana. W 2007 roku Elina Garanča po raz pierwszy wystąpiła na głównej scenie operowej swojego rodzinnego miasta Rygi w Łotewskiej Operze Narodowej jako Carmen. W tym samym roku zadebiutowała w Berlińskiej Operze Państwowej (Sextus) i w Royal Theatre Covent Garden w Londynie (Dorabella), a w 2008 – w Metropolitan Opera w Nowym Jorku rolą Rosiny w „Cyruliku”. Sewilli” oraz w Operze Bawarskiej w Monachium (Adalgiza). Obecnie Elina Garanča dzięki swojemu pięknemu głosowi, muzykalności i przekonującemu talentowi dramatycznemu występuje na scenach czołowych oper i sal koncertowych świata jako jedna z najjaśniejszych gwiazd muzyki. Krytycy zauważyli łatwość, szybkość i absolutny komfort, z jakim Garanča włada głosem, a także sukces, z jakim zastosowała nowoczesną technikę wokalną w złożonym repertuarze Rossiniego z początku XIX wieku. Elina Garanča posiada pokaźną kolekcję nagrań audio i wideo, w tym wielokrotnie nagradzanych nagroda Muzyczna„Grammy” nagranie opery Antonia Vivaldiego „Bayazet” pod dyrekcją Fabio Biondiego, w którym Elina wcieliła się w rolę Andronika. Elina Garanča jest żoną angielskiego dyrygenta Karela Marka Chichona, a pod koniec października 2011 roku para spodziewa się pierwszego dziecka.

Irina Konstantinovna Arkhipova – radziecka i rosyjska śpiewaczka operowa, mezzosopran, solistka Teatru Bolszoj (1956-1988), Artystka Ludowa ZSRR (1966), odznaczona Orderem Lenina (1971, 1976, 1985), laureatka Nagrody im. Nagroda Lenina (1978), Bohater Pracy Socjalistycznej (1984), laureat Nagrody Państwowej Rosji (1996). Irina Konstantinowna Arkhipova urodziła się 2 stycznia 1925 roku w Moskwie. W wieku ośmiu lat rozpoczęła naukę w Centralnej Szkole Muzycznej przy Konserwatorium Moskiewskim, jednak z powodu nagłej choroby nie mogła się tam uczyć. Później Irina wstąpiła do szkoły Gnessin. Podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej wraz z rodziną została ewakuowana do Taszkentu, gdzie wstąpiła do Moskiewskiego Instytutu Architektury, który również tam został ewakuowany. Po ukończeniu studiów praca nad projektowaniem i budową szeregu obiektów w stolicy, w tym nowego kompleksu budynków Moskiewskiego Uniwersytetu Państwowego na Worobiowych Górach, równolegle z zajęciami wokalnymi u N.M. Malysheva, a później studiował w Konserwatorium Moskiewskim w klasie śpiewu L.F. Savransky'ego. W 1953 ukończyła konserwatorium. W latach 1954-1956 solista Teatru Opery i Baletu w Swierdłowsku. W latach 1956-1988 - solista Teatru Bolszoj. Otrzymano występ roli Carmen w operze pod tym samym tytułem Georges'a Bizeta globalne uznanie. Cechowała ją głęboka wewnętrzna odsłona obrazu i przemyślana interpretacja. Miała dar scenicznej transformacji. Od 1955 roku koncertuje za granicą (Austria, Polska, NRD, Finlandia, Włochy, Węgry, Rumunia, Czechosłowacja, Bułgaria, USA, Japonia, Francja, Kanada). W 1967 i 1971 śpiewała w La Scali (rola Marfy i rola Mariny Mniszech). Od 1975 wykłada w Konserwatorium Moskiewskim, a od 1984 na stanowisku profesora. W latach 80. wykonała cykl koncertów „Antologia rosyjskiego romansu”. W 1966 roku została zaproszona do zasiadania w jury Konkursu PI Czajkowskiego, a od 1967 roku jest stałym przewodniczącym jury Konkursu M.I. Glinki. Od tego czasu jest członkiem jury wielu prestiżowych konkursów na świecie, m.in. „Verdi Voice” i konkursu Mario del Monaco we Włoszech, Konkursu Królowej Elżbiety w Belgii, Konkursu Marii Callas w Grecji, Konkursu im. Konkurs Francisco Viñas w Hiszpanii, konkurs wokalny w Paryżu, konkurs wokalny w Monachium. Od 1974 r. (z wyjątkiem 1994 r.) jest stałym przewodniczącym jury Konkursu im. Czajkowskiego w kategorii „śpiew solowy”. W 1997 roku na zaproszenie Prezydenta Azerbejdżanu Hejdara Alijewa i Ministra Kultury Azerbejdżanu Pallady Bul-Bul Ogly Irina Arkhipova przewodniczyła jury Konkursu Bul-Bul, zorganizowanego z okazji 100. rocznicy jego urodzin. Od 1986 roku I.K. Arkhipova jest prezesem Ogólnounijnego Towarzystwa Muzycznego, które pod koniec 1990 roku przekształciło się w Międzynarodowy Związek Pracowników Muzycznych. Od 1983 r. - prezes Fundacji Iriny Arkhipowej. Doktor honoris causa Narodowej Akademii Muzycznej im. Muzichescu Republiki Mołdawii (1998), prezes Towarzystwa Przyjaźni Rosja-Uzbekistan. Był zastępcą Rada Najwyższa VI zwołanie ZSRR. Delegat Ludowy ZSRR (1989-1991). Autor książek: „Moje Muzy” (1992), „Muzyka Życia” (1997), „Marka zwana „Ja”” (2005). Mężem piosenkarki jest Artysta Ludowy ZSRR Władysław Piavko. Syn – Andriej. Prawnuczka - Irina. W dniu 19 stycznia 2010 r. Irina Konstantinovna Arkhipova trafiła do szpitala z powodu patologii serca w Szpitalu Klinicznym Botkin City. 11 lutego 2010 roku zmarła piosenkarka. Została pochowana 13 lutego 2010 roku o godz Cmentarz Nowodziewiczy w Moskwie.

Ekaterina Lyokhina to rosyjska śpiewaczka operowa, sopran. Ekaterina Lechina urodziła się 15 kwietnia 1979 roku w Samarze. Podczas nauki w szkole łączyła zajęcia z łyżwiarstwa figurowego z lekcjami w szkole muzycznej nr 10 w Samarze. Bardziej lubiła łyżwiarstwo figurowe, ale jej rodzice, którzy sami nie byli muzykami, matka inżynierka, ojciec robotnik, nalegali, aby kontynuowała naukę muzyki. Po ukończeniu szkoły muzycznej Ekaterina wstąpiła na wydział dyrygentury i chóru przy ul Szkoła Muzyczna imienia D.G. Szatalowa, który ukończyła z wyróżnieniem. W 1998 roku przeniosła się do Moskwy i kontynuowała naukę w Akademii Sztuki Chóralnej, gdzie uzyskała także tytuł magistra śpiewu operowego (w klasie prof. S. Nesterenki). Po ukończeniu akademii przez krótki czas pracowała w Moskiewskiej Nowej Operze, przy mniejszych produkcjach. Pierwszy sukces przyniósł zwycięstwo na konkursie wokalnym „St. Petersburg” w 2005 roku, co zostało dostrzeżone i docenione przez europejskich ekspertów. Od tego czasu jest znacznie szerzej znana światowej publiczności niż rosyjskiej publiczności. W 2006 roku Ekaterina Lyokhina zadebiutowała w wiedeńskiej Volksoper (Volksoper) rolą Madame Hertz w operze Mozarta „Dyrektor teatralny”. Jej kolejną rolą w wiedeńskiej Volksoper była Królowa Nocy w Czarodziejskim flecie Mozarta, z tą rolą wystąpiła także w monachijskim teatrze Gartnerplatz, w dwóch berlińskich teatrach – Deutsche Staatsoper i Deutsche Oper, a także w teatrach w Hanowerze , Dusseldorfie, Treviso, Hongkongu i Pekinie. W 2007 roku Ekaterina Lyokhina wygrała jeden z najbardziej prestiżowych międzynarodowych zawodów konkursy wokalne- „Operalia”, która odbyła się w tym samym roku w Paryżu. Podczas finału konkursu doszło do drobnego incydentu – organizator konkursu, Maestro Placido Domingo, nie pokazał orkiestrze wstępu i zakończenia arii Lakme; Catherine zakończyła śpiewanie w zupełnej ciszy. Podczas wręczania nagrody głównej dyrygent wyjaśnił: „Rozumiecie, za dużo słuchałem i dlatego nie miałem czasu pokazać orkiestrze wstępu”. W 2008 roku Lyokhina zadebiutowała w Royal Opera House w Covent Garden rolą Olimpii z Opowieści Hoffmanna, co przyniosło jej uznanie krytyki i ogromny sukces. W 2011 roku Ekaterina Lyokhina otrzymała prestiżową nagrodę Grammy od Recording Academy of America w kategorii Najlepsze nagranie operowe. Catherine zagrała główną rolę – księżniczkę w operze „Miłość z daleka” fińskiej kompozytorki Kaiji Saari-Aho. Dyrygent Kent Nagano, Niemiecka Orkiestra Symfoniczna w Berlinie, Chór Radia Berlińskiego, soliści Daniel Belcher i Marie-Ange Todorovic. Obecnie piosenkarka pracuje na kontraktach w różnych teatrach na całym świecie.

Maria Callas (angielski) Maria Callas ; Imię i nazwisko w akcie urodzenia: Sophia Cecelia Kalos Sophia Cecelia Kalos, ochrzczona jako Cecilia Sophia Anna Maria Kalogeropoulos – Greczynka. Μαρ?α Καλογεροπο?λου; 2 (4) grudnia 1923, Nowy Jork – 16 września 1977, Paryż) – amerykańska śpiewaczka operowa (sopran). Maria Callas należy do takich reformatorów opery, jak Richard Wagner i Arturo Toscanini. Z jej imieniem nierozerwalnie związana jest kultura drugiej połowy XX wieku. Na początku lat pięćdziesiątych, w przededniu fenomenu postmodernizmu, kiedy XIX-wieczna opera stała się estetycznym anachronizmem, Maria Callas przywróciła sztukę operową na szczyt sceny Olimpu. Wskrzeszając epokę bel canto, Maria Callas nie ograniczyła się do wirtuozowskiej koloratury w operach Belliniego, Rossiniego i Donizettiego, ale uczyniła ze swojego głosu główny środek wyrazu. Stała się wszechstronną śpiewaczką, której repertuar sięgał od klasycznej opery seria, takiej jak Vestales Spontiniego, po najnowsze opery Verdiego, opery werystyczne Pucciniego i dramaty muzyczne Wagnera. Rozkwitowi kariery Callasa w połowie XX wieku towarzyszyło pojawienie się długogrającej płyty w nagraniu dźwiękowym oraz przyjaźń z wybitną postacią wytwórni EMI, Walterem Legge. Pojawienie się na scenach operowych nowego pokolenia dyrygentów, takich jak Herbert von Karajan i Leonard Bernstein oraz reżyserów filmowych, takich jak Luchino Visconti i Franco Zeffirelli, sprawiło, że każdy występ z udziałem Marii Callas stał się wydarzeniem. Zamieniła operę w prawdziwy teatr dramatyczny, sprawiając, że nawet „tryle i gamy wyrażają radość, niepokój lub melancholię”. Maria Callas urodziła się w Nowym Jorku w rodzinie greckich imigrantów. W 1936 roku matka Marii, Evangelia, wróciła do Aten, aby kontynuować edukację muzyczną córki. Matka chciała wcielić w córkę swoje nieudane talenty i zaczęła zabierać ją do Biblioteki Nowojorskiej przy Piątej Alei. Maria zaczęła słuchać muzyki klasycznej w wieku trzech lat, w wieku pięciu lat pobierała lekcje gry na fortepianie, a w wieku ośmiu lat lekcje śpiewu. W wieku 14 lat Maria rozpoczęła naukę w Konserwatorium w Atenach pod okiem byłej hiszpańskiej śpiewaczki Elviry de Hidalgo. W lipcu 1941 roku w okupowanych przez Niemców Atenach Maria Callas zadebiutowała w Operze Ateńskiej w roli Toski. W 1945 roku Maria Callas wróciła do Nowego Jorku. Potem nastąpiła seria niepowodzeń: nie została przedstawiona Toscaninim, ze względu na dużą wagę odmówiła śpiewania partii Cio-Cio-San w Metropolitan Opera oraz nadzieje na odrodzenie Lyric Opera w Chicago, gdzie miała mieli nadzieję zaśpiewać, byli załamani. W 1947 roku Callas zadebiutowała na scenie amfiteatru Arena di Verona w operze La Gioconda Ponchiellego pod dyrekcją Tullio Serafiny. Spotkanie z Serafinem było, jak sama określiła Callas, „prawdziwym początkiem mojej kariery i największym sukcesem w moim życiu”. Tullio Serafin wprowadza Callas w świat wielkiej opery. Pod koniec 1948 roku śpiewała pierwsze role w Aidzie Verdiego i Normie Belliniego. Na początku 1949 roku w ciągu tygodnia z nieprzystających wokalnie partii Brunhildy w „Walce” Wagnera i Elwiry w „Purytanach” Belliniego stworzył się twórczy fenomen śpiewaczki Marii Callas. Śpiewała partie liryczne, dramatyczne i koloraturowe, co było śpiewającym cudem – „czterema głosami w jednym gardle”. W 1949 roku Callas odbył tournée po Ameryce Południowej. W 1950 roku po raz pierwszy zaśpiewała w La Scali i została „królową włoskich primadonn”. W 1953 roku EMI po raz pierwszy wydało kompletne nagrania oper z Marią Callas. W tym samym roku traci 30 kilogramów. Przemieniona Callas urzeka publiczność na scenach operowych Europy i Ameryki w operach: „Łucji z Lammermooru” Donizettiego, „Norma” Belliniego, „Medei” Cherubiniego, „Il Trovatore” i „Makbecie” Verdiego, „Toski” ” Pucciniego. We wrześniu 1957 roku w Wenecji na balu z okazji urodzin dziennikarki Elsy Maxwell Maria Callas po raz pierwszy spotkała Arystotelesa Onassisa. Wiosną 1959 roku w Wenecji spotkali się ponownie na balu. Następnie Onassis udał się do Londynu na koncert Callas. Po tym koncercie zaprosił ją i jej męża na swój jacht. Pod koniec listopada 1959 roku żona Onassisa, Tina, złożyła pozew o rozwód, a Callas i Onassis w tym czasie otwarcie pojawili się razem w społeczeństwie. Para kłóciła się niemal bez przerwy, a w 1968 roku Maria Callas dowiedziała się z gazet, że Arystoteles Onassis poślubił wdowę po prezydencie USA Jacqueline Kennedy. W 1959 roku następuje punkt zwrotny w udanej karierze. Ułatwiła to utrata głosu, seria skandalów, rozwód, zerwanie z Metropolitan Opera, przymusowy wyjazd z La Scali, nieszczęśliwa miłość do Arystotelesa Onassisa i strata dziecka. Próba powrotu na scenę w 1964 roku kończy się kolejną porażką. W Weronie Maria Callas spotkała się z lokalnym przemysłowcem Giovannim Batistą Meneghinim. Był od niej dwa razy starszy i namiętnie kochał operę. Wkrótce Giovanni wyznał Marii swoją miłość, całkowicie sprzedał swój biznes i poświęcił się Callas. W 1949 roku Maria Callas i Giovanni Meneghini pobrali się. Stał się dla Marii wszystkim: wiernym mężem, kochającym ojcem, oddanym menadżerem i hojnym producentem. W 1969 roku włoski reżyser Pier Paolo Pasolini zaprosił Marię Callas do roli Medei w filmie o tym samym tytule. Choć film nie odniósł komercyjnego sukcesu, cieszy się ogromnym zainteresowaniem kinowym, podobnie jak wszystkie inne dzieła Pasoliniego. Rola Medei była dla Marii Callas jedyną rolą poza operą. Ostatnie lata życia Maria Callas spędziła w Paryżu, praktycznie nie wychodząc ze swojego mieszkania, gdzie zmarła w 1977 roku. Została poddana kremacji i pochowana na cmentarzu Père Lachaise. Później jej prochy rozrzucono nad Morzem Egejskim. Włoscy foniatrzy (lekarze specjalizujący się w chorobach strun głosowych) Franco Fussi i Nico Paolillo ustalili najbardziej prawdopodobną przyczynę śmierci diwy operowej Marii Callas – pisze włoska La Stampa (tłumaczenie artykułu na język angielski opublikowane przez Parterre Box). Według ich badań kalie zmarły na zapalenie skórno-mięśniowe, rzadką chorobę tkanki łącznej i mięśni gładkich. Fussi i Paolillo doszli do tego wniosku, studiując nagrania Callas dokonywane przez lata i analizując stopniowe pogarszanie się jej głosu. Analiza spektrograficzna nagrań studyjnych i występów koncertowych wykazała, że ​​pod koniec lat 60. XX wieku, kiedy stało się widoczne pogorszenie się jej zdolności wokalnych, skala głosu Callas faktycznie zmieniła się z sopranowej na mezzosopranową, co wyjaśniało zmianę brzmienia wysokich tonów w jej głosie. Dodatkowo, wnikliwe badania Nagrania wideo jej późnych koncertów wykazały, że mięśnie piosenkarki znacznie osłabły: jej klatka piersiowa praktycznie nie uniosła się podczas oddychania, a podczas wdechu piosenkarka uniosła ramiona i napięła mięśnie naramienne, czyli w rzeczywistości , popełniała najczęstszy błąd wspierając mięsień głosowy. Przyczyna śmierci Marii Callas nie jest pewna, ale uważa się, że piosenkarka zmarła na skutek zatrzymania akcji serca. Według Fussiego i Paolillo wyniki ich pracy bezpośrednio wskazują, że powstały zawał mięśnia sercowego był powikłaniem zapalenia skórno-mięśniowego. Warto zauważyć, że Callas postawiła tę diagnozę (zapalenie skórno-mięśniowe) na krótko przed śmiercią przez swojego lekarza Mario Giacovazzo (stało się to znane dopiero w 2002 roku). Role operowe Marii Callas Santuzzy - „Honour Rusticana” Mascagniego (1938, Ateny) Tosca – „Tosca” Pucciniego (1941, Opera w Atenach) Gioconda – „La Gioconda” Ponchiellego (1947, Arena di Verona) Turandot – „Turandot” Pucciniego ( 1948, Carlo Felice (Genua) Aida - Aida Verdiego (1948, Metropolitan Opera, Nowy Jork) Norma - Norma Belliniego (1948, 1956, Metropolitan Opera; 1952, Covent Garden) , Londyn; 1954, Lyric Opera, Chicago) Brunnhilda - Walküre Wagnera (1949-1950, Metropolitan Opera) Elvira - Purytanie Belliniego (1949-1950, Metropolitan Opera) Elena - Nieszpory sycylijskie "Verdi (1951, La Scala, Mediolan) Kundry - Parsifal Wagnera (La Scala) Violetta - Traviata Verdiego ( La Scala) Medea – Medea Cherubiniego (1953, La Scala) Julia – „Kwestalka” Spontiniego (1954, La Scala) Gilda – „Rigoletto” Verdiego (1955, La Scala) Madama Butterfly (Cio-Cio-san) – „Madama Butterfly” Pucciniego (La Scala) Lady Makbet – „Makbet” Verdiego Fedory – „Fedora” Giordano Anna Boleyn – „Anna Boleyn” Donizettiego Łucji – „Łucja z Lammermoor” Donizettiego Aminy – „La Sonnambula” Bellini Carmen – „Carmen” Bizeta

Diana Damrau to niemiecka śpiewaczka operowa i koncertowa, sopran koloraturowy. Diana Damrau urodziła się 31 maja 1971 roku w Günzburgu w Bawarii w Niemczech. Mówi się, że jej miłość do muzyki klasycznej i opery obudziła się w wieku 12 lat po obejrzeniu pięknego filmu operowego Franco Zeffirelli „La Traviata” (G. Verdi) z Placido Domingo i Teresą Strates w rolach głównych. W wieku 15 lat wystąpiła w musicalu „My Fair Lady” na festiwalu w sąsiedniej miejscowości Offingen. Wykształcenie wokalne zdobyła w Wyższej Szkole Muzycznej w Würzburgu, gdzie jej nauczycielką była rumuńska śpiewaczka Carmen Hanganu, a podczas studiów uczyła się także w Salzburgu u Hannah Ludwig i Edith Mathis. Po ukończeniu z wyróżnieniem Konserwatorium w 1995 roku Diana Damrau podpisała dwuletni kontrakt z teatrem w Würzburgu, gdzie zadebiutowała w teatrze w roli Elizy w My Fair Lady oraz w operze jako Barbarina z Wesela Figara, a następnie w rolach Annie („Czarodziejski strzelec”), Małgosi („Jaś i Małgosia”), Marii („Król i cieśla”), Adele („Zemsta nietoperza”), Valenciennesa („Wesoła wdówka”) oraz inni. Następnie związała się dwuletnimi kontraktami z Teatrem Narodowym w Mannheim i Operą we Frankfurcie, gdzie zagrała role Gildy (Rigoletto), Oscara (Ball maskowy), Zerbinetty (Ariadna na Naxos), Olimpii (Opowieści Hoffmanna). i Królowe Nocy („Czarodziejski flet”). W sezonie 1998/99 występowała jako Królowa Nocy jako gość w operach państwowych w Berlinie, Dreźnie, Hamburgu, Frankfurcie oraz w Operze Bawarskiej jako Zerbinetta. W 2000 roku odbył się pierwszy poza granicami Niemiec występ Diany Damrau w Wiedeńskiej Operze Państwowej w roli Królowej Nocy. Od 2002 roku piosenkarka pracuje jako wolny strzelec w różnych teatrach, w tym samym roku zadebiutowała za granicą koncertem w USA, w Waszyngtonie. Od tego czasu współpracuje z czołowymi scenami operowymi świata, a najważniejszymi momentami w karierze Damrau są jej debiuty w Covent Garden (2003, Królowa Nocy), w 2004 w La Scali na otwarciu po remoncie teatru w tytułowa rola w operze Antonia Salieriego „Europe Recognized”, w 2005 w Metropolitan Opera (Zerbinetta, „Ariadne auf Naxos”), w 2006 na Festiwalu w Salzburgu, koncert z Placido Domingo pod dyrekcją na wolnym powietrzu na Stadionie Olimpijskim w Monachium z okazji otwarcia Mistrzostw Świata FIFA latem 2006 roku. Repertuar operowy Diany Damrau jest bardzo różnorodny, pracuje zarówno w rolach klasycznego sopranu w operach włoskich, francuskich i niemieckich, jak i w utworach współczesnych kompozytorów i na początku swojej kariery w musicalach i operetkach. Bagaż jej ról operowych sięga prawie pięćdziesięciu i oprócz wspomnianych wcześniej obejmuje Marcelinę (Fidelio, Beethoven), Leilę (Poławiacze pereł, Bizet), Norinę (Don Pasquale, Donizetti), Adinę (Elisir miłości, Donizetti ), Łucja („Łucja z Lammermoor”, Donizetti), Rita („Rita”, Donizetti), Margarita de Valois („Hugenoci”, Meyerbeer), Servilia („La Clemenza di Titus”, Mozart), Constance i Blonde ( „Uprowadzenie z Seraju”, Mozart), Zuzanna („Wesele Figara”, Mozart), Pamina („Czarodziejski flet”, Mozart), Rosina („Cyrulik sewilski”, Rossini), Sophie („ Der Rosenkavalier”, Strauss), Adele („Die Fledermaus”, Strauss), Woglind („Das Rheingold” i „Zmierzch bogów”, Wagner) i wielu innych. Oprócz osiągnięć operowych Diana Damrau dała się poznać jako jedna z najlepszych wykonawczyń koncertowych repertuaru klasycznego. Wykonuje oratoria i pieśni Bacha, Handla, Mozarta, Vincenzo Righiniego, Beethovena, Roberta i Clary Schumanna, Meyerbeera, Brahmsa, Fauré, Mahlera, Richarda Straussa, Zemlinsky'ego, Debussy'ego, Orffa, Barbera i regularnie występuje w Filharmonii Berlińskiej, Carnegie Hall, Wigmore Hall, Golden Hall Filharmoników Wiedeńskich, a także stały gość Schubertiady, Monachium, Salzburga i innych festiwali. Jej płyta CD z pieśniami Richarda Straussa (Poesie) z Orkiestrą Filharmonii Monachijskiej została w 2011 roku nagrodzona nagrodą ECHO Klassik. Diana Damrau mieszka w Genewie, w 2010 roku wyszła za mąż za francuskiego bas-barytona Nicolasa Teste, pod koniec tego samego roku Diana urodziła syna Aleksandra. Po urodzeniu dziecka piosenkarka wróciła na scenę i kontynuuje aktywną karierę. Zdjęcie: Tanja Niemann

Maria Nikołajewna Kuzniecowa to rosyjska śpiewaczka operowa (sopran) i tancerka, jedna z najsłynniejszych śpiewaczek przedrewolucyjnej Rosji. Czołowy solista Teatru Maryjskiego, uczestnik Sezonów Rosyjskich Siergieja Diagilewa. Współpracowała z N.A. Rimskim-Korsakowem, Richardem Straussem, Julesem Massenem, śpiewała z Fiodorem Chaliapinem i Leonidem Sobinowem. Opuściła Rosję po 1917 roku i nadal z sukcesem koncertowała za granicą. Maria Nikołajewna Kuzniecowa urodziła się w 1880 roku w Odessie. Maria dorastała w twórczej i intelektualnej atmosferze, jej ojciec Nikołaj Kuzniecow był artystą, a jej matka pochodziła z rodziny Miecznikowów, wujkami Marii byli biolog Ilja Miecznikow i socjolog Lew Mechnikow, laureat Nagrody Nobla. W domu Kuzniecowów odwiedził Piotr Iljicz Czajkowski, który zwrócił uwagę na talent przyszłej piosenkarki i skomponował dla niej piosenki dla dzieci.Maria od dzieciństwa marzyła o zostaniu aktorką. Rodzice wysłali ją do gimnazjum w Szwajcarii, po powrocie do Rosji uczyła się baletu w Petersburgu, ale porzuciła taniec i rozpoczęła naukę śpiewu u włoskiego nauczyciela Marty'ego, a później u barytonu i jej partnera scenicznego I.V. Tartakova. Wszyscy zauważyli jej czysty, piękny sopran liryczny, zauważalny talent aktorski i kobiecą urodę. Igor Fedorowicz Strawiński określił ją jako „...dramatyczną sopranistkę, którą można oglądać i słuchać z równym apetytem”. W 1904 roku Maria Kuzniecowa zadebiutowała na scenie Konserwatorium w Petersburgu rolą Tatiany w „Eugeniuszu Onieginie” P.I. Czajkowskiego, na scenie Teatru Maryjskiego – w 1905 r. rolą Margarity w „Fauście” Charlesa Gounoda „. Z krótką przerwą Kuzniecowa pozostała solistką Teatru Maryjskiego aż do rewolucji 1917 roku. W 1905 roku w Petersburgu ukazały się dwie płyty gramofonowe z nagraniami jej występów, w sumie w trakcie swojej twórczości dokonała 36 nagrań. Pewnego dnia w 1905 roku, wkrótce po debiucie Kuzniecowej w Maryjskim, podczas jej występu w teatrze wybuchła kłótnia między studentami a oficerami, sytuacja w kraju była rewolucyjna, a w teatrze zaczęła się panika. Maria Kuznetsova przerwała arię Elsy z „Lohengrina” R. Wagnera i spokojnie zaśpiewała hymn rosyjski „God Save the Car”, a awantury zmuszono do zaprzestania kłótni, a publiczność uspokoiła się i przedstawienie trwało dalej. Pierwszym mężem Marii Kuzniecowej był Albert Albertowicz Benoit z słynna dynastia Rosyjscy architekci, artyści, historycy Benois. U szczytu swojej kariery Maria była znana pod podwójnym nazwiskiem Kuznetsova-Benoit. W drugim małżeństwie Maria Kuzniecowa wyszła za mąż za producenta Bogdanowa, w trzecim za bankiera i przemysłowca Alfreda Masseneta, siostrzeńca słynnego kompozytora Julesa Masseneta. W trakcie swojej kariery Kuznetsova-Benois brała udział w wielu europejskich premierach operowych, m.in. w rolach Fevronii w „Opowieści o niewidzialnym mieście Kiteż i dziewczynie Fevronii” N. Rimskiego-Korsakowa i Kleopatry z opery o tym samym tytule J. Masseneta, który kompozytor napisał specjalnie dla niej. Również na scenie rosyjskiej po raz pierwszy zaprezentowała role Vogdoliny w „Złocie Renu” R. Wagnera, Cio-Cio-san w „Madamie Butterfly” G. Pucciniego i wielu innych. Koncertowała z Teatrem Maryjskim Opera Company w miastach Rosji, Francji, Wielkiej Brytanii, Niemczech, Włoszech, USA i innych krajach. Wśród jej najlepszych ról: Antonida („Życie cara” M. Glinki), Ludmiła („Rusłan i Ludmiła” M. Glinki), Olga („Rusałka” A. Dargomyżskiego), Masza („Dubrowski” E. Napravnik), Oksana („Czerewiczki” P. Czajkowskiego), Tatiana („Eugeniusz Oniegin” P. Czajkowskiego), Kupawa („Śnieżna Dziewica” N. Rimskiego-Korsakowa), Julia („Romeo i Julia” P. C. Gounoda), Carmen („Carmen” J. Bizeta), Manon Lescaut („Manon” J. Masseneta), Violetta („Traviata” G. Verdiego), Elsa („Lohengrin” R. Wagnera ) itp. W 1914 r. Kuznetsova tymczasowo opuściła Opera Maryjska i wraz z Baletem Rosyjskim Siergieja Diagilewa występowała w Paryżu i Londynie jako baletnica, a także częściowo sponsorowała ich występ. Tańczyła w balecie „Legenda Józefa” Richarda Straussa, balet przygotowały gwiazdy swoich czasów - kompozytor i dyrygent Richard Strauss, reżyser Siergiej Diagilew, choreograf Michaił Fokin, kostiumy i dekoracje Lew Bakst, czołowy tancerz Leonid Massine . Była to ważna rola i dobre towarzystwo, jednak od samego początku przedstawienie napotykało pewne trudności: czasu na próby było mało, Strauss był w złym humorze, gdyż zaproszone baletnice Ida Rubinstein i Lidia Sokolova odmówiły udziału, a Strauss także nie lubił pracować z francuskimi muzykami i ciągle kłócił się z orkiestrą, a Diagilew nadal martwił się odejściem tancerza Wasława Niżyńskiego z trupy. Pomimo problemów za kulisami balet z sukcesem zadebiutował w Londynie i Paryżu. Oprócz próbowania swoich sił w balecie Kuznetsova wystąpiła w kilku przedstawieniach operowych, m.in. w przedstawieniu Księcia Igora Borodina w Londynie. Po rewolucji 1918 roku Maria Kuzniecowa opuściła Rosję, jak przystało na aktorkę, zrobiła to dramatycznie pięknie – w ubraniu chłopca pokładowego ukryła się na dolnym pokładzie statku płynącego do Szwecji. Została śpiewaczką operową w Operze w Sztokholmie, następnie w Kopenhadze, a następnie w Royal Opera House w Covent Garden w Londynie. Przez cały ten czas stale przyjeżdżała do Paryża, by w 1921 roku ostatecznie osiedlić się w Paryżu, który stał się jej drugim twórczym domem. W latach dwudziestych Kuzniecowa organizowała prywatne koncerty, podczas których śpiewała pieśni rosyjskie, francuskie, hiszpańskie i cygańskie, romanse i opery. Na tych koncertach często tańczyła hiszpańskie tańce ludowe i flamenco. Niektóre z jej koncertów miały charakter charytatywny, aby pomóc potrzebującej rosyjskiej emigracji. Została gwiazdą paryskiej opery, a przyjęcie w jej salonie było wielkim zaszczytem. „Kolor społeczeństwa”, ministrowie i przemysłowcy tłoczyli się w jej korytarzu. Oprócz prywatnych koncertów często pracowała jako solistka w wielu operach w Europie, m.in. w Covent Garden oraz Operze Paryskiej i Opéra Comique. W 1927 roku Maria Kuzniecowa wraz z księciem Aleksiejem Cereteli i barytonem Michaiłem Karakaszem zorganizowali w Paryżu prywatny zespół „Opera Rosyjska”, do którego zaprosili wielu rosyjskich śpiewaków operowych, którzy opuścili Rosję. „Opera Rosyjska” wystawiła „Sadko”, „Opowieść o carze Saltanie”, „Opowieść o niewidzialnym mieście Kiteż i dziewczynie Fevronii”, „Jarmark Soroczyńska” oraz inne opery i balety rosyjskich kompozytorów, które wystawiano w Londynie i Paryżu , Barcelonie, Madrycie, Mediolanie i w odległym Buenos Aires. „Opera Rosyjska” istniała do 1933 roku, po czym Maria Kuzniecowa zaczęła dawać mniej przedstawień. Maria Kuzniecowa zmarła 25 kwietnia 1966 w Paryżu we Francji.

Angela Gheorghiu (rum. Angela Gheorghiu) to rumuńska śpiewaczka operowa, sopran. Jeden z najsłynniejszych śpiewaków operowych naszych czasów. Angela Gheorghiu (Burlacu) urodziła się 7 września 1965 roku w małym miasteczku Adjud w Rumunii. Od najmłodszych lat było oczywiste, że zostanie piosenkarką, jej przeznaczeniem była muzyka. Studiowała w szkole muzycznej w Bukareszcie i jest absolwentką Narodowego Uniwersytetu Muzycznego w Bukareszcie. Jej profesjonalny debiut operowy miał miejsce w 1990 roku rolą Mimi w Cyganerii Pucciniego w Cluj i w tym samym roku została zwyciężczynią Międzynarodowego Konkursu Wokalnego im. Hansa Gabora Belvedere w Wiedniu. Zachowała nazwisko Georgiou od swojego pierwszego męża. Angela Georgiou zadebiutowała na arenie międzynarodowej w 1992 roku w Royal Opera House w Covent Garden w Cyganerii. W tym samym roku zadebiutowała w Metropolitan Opera w Nowym Jorku oraz w Wiedeńskiej Operze Państwowej. W 1994 roku w Royal Opera House w Covent Garden po raz pierwszy wystąpiła w roli Violetty w Traviacie, w tym momencie narodziła się „gwiazda”, Angela Georgiou zaczęła odnosić nieustanne sukcesy w operach i salach koncertowych całego kraju. świat: w Nowym Jorku, Londynie, Paryżu, Salzburgu, Berlinie, Tokio, Rzymie, Seulu, Wenecji, Atenach, Monte Carlo, Chicago, Filadelfii, Sao Paulo, Los Angeles, Lizbonie, Walencji, Palermo, Amsterdamie, Kuala Lumpur, Zurychu , Wiedeń, Salzburg, Madryt, Barcelona, ​​​​Praga, Montreal, Moskwa, Tajpej, San Juan, Lublana. W 1994 roku poznała tenora Roberto Alagnę, którego poślubiła w 1996 roku. Ceremonia ślubna odbyła się na scenie Metropolitan Opera w Nowym Jorku. Para Alanya-Georgiou od dawna jest najzdolniejszym twórczym związkiem rodzinnym na scenie operowej, ale teraz są rozwiedzeni. Jej pierwszy ekskluzywny kontrakt płytowy podpisała w 1995 roku z wytwórnią Decca, po czym wydawała kilka albumów rocznie i obecnie ma na swoim koncie około 50 albumów, zarówno inscenizowanych oper, jak i koncertów solowych. Wszystkie jej płyty zebrały dobre recenzje krytyków i zostały uhonorowane wieloma międzynarodowymi nagrodami, w tym nagrodami magazynu Gramophone, niemiecką Echo Prize, francuską Diapason d’Or i Choc du Monde de la Musique i wieloma innymi. Dwukrotnie w latach 2001 i 2010 brytyjska nagroda „Classical BRIT Awards” przyznała jej tytuł „Najlepszej Piosenkarki Roku”. Wachlarz ról Angeli Georgiu jest bardzo szeroki, szczególnie uwielbia opery Verdiego i Pucciniego. Repertuar włoski, być może ze względu na względne podobieństwo języka rumuńskiego i włoskiego, jest dla niej znakomity, część krytyków zauważa, że ​​słabiej wykonuje się operę francuską, niemiecką, rosyjską i angielską. Najważniejsze role Angeli Georgiou: Bellini „Somnambula” – Amina Bizet „Carmen” – Micaela, Carmen Cilea „Adriana Lecouvreur” – Adriana Lecouvreur Donizetti „Lucia di Lammermoor” – Lucia Donizetti „Lukrecja Borgia” – Lukrecja Borgia Donizetti „Elisir of Miłość” – Adina Gounod „Faust” – Marguerite Gounod „Romeo i Julia” – Juliet Massenet „Manon” – Manon Massenet „Werther” – Charlotte Mozart „Don Juan” – Zerlina Leoncavallo „Pagliacci” – Nedda Puccini „Jaskółka” – Magda Puccini „La Boheme” – Mimi Puccini „Gianni Schicchi” – Loretta Puccini „Tosca” – Tosca Puccini „Turandot” – Liu Verdi Trubadour – Leonora Verdi „La Traviata” – Violetta Verdi „Louise Miller” – Luisa Verdi „Simon Boccanegra” – Maria Angela Gheorghiu nadal aktywnie występuje i znajduje się na szczycie opery Olympus. Przyszłe zobowiązania obejmują różne koncerty w Europie, Ameryce i Azji, Toskę i Fausta w Royal Opera House w Covent Garden.

Annette Dasch to niemiecka śpiewaczka operowa, sopran. Jeden z czołowych współczesnych niemieckich śpiewaków operowych. Annette Dasch urodziła się 24 marca 1976 roku w Berlinie. Rodzice Annette, jej ojciec był sędzią, a matka studentką medycyny, kochali muzykę i zaszczepili tę miłość czwórce swoich dzieci. Tradycyjnie w domu wszyscy członkowie rodziny wspólnie grali i śpiewali, a gdy dorastały, wszystkie dzieci zostały zawodowymi muzykami: najstarsza córka- pianista koncertujący, młodsi bracia - jeden - wokalista, bas-baryton, członek klasycznego kwintetu popowego "Adoro", drugi - nauczyciel muzyki. Od dzieciństwa Annette występowała w szkolnym zespole wokalnym i marzyła o zostaniu piosenkarką rockową. Była także aktywnym skautem i nadal lubi wędrówki i wędrówki z plecakiem. W 1996 roku Annette przeprowadziła się do Monachium, aby studiować śpiew na uniwersytecie w Monachium wyższa szkoła muzyka i teatr. W roku 1998/99 odbyła także kurs muzyczno-teatralny na Uniwersytecie Muzyki i Teatru w Grazu (Austria). Międzynarodowy sukces przyszedł w 2000 roku, kiedy została zwyciężczynią trzech znaczących międzynarodowych konkursów wokalnych – Konkursu im. Marii Callas w Barcelonie, Konkursu Piosenki Schumanna w Zwickau oraz Konkursu w Genewie. Od tego czasu występowała na najlepszych scenach operowych w Niemczech i na świecie – w Operze Państwowej w Bawarii, Berlinie, Dreźnie, Operze Paryskiej i Champs-Elysees Theatre, w La Scali, Covent Garden, Operze w Tokio, Metropolitan Opera i wiele innych. W latach 2006, 2007, 2008 występowała na Festiwalu w Salzburgu, w 2010, 2011 na Festiwalu Wagnerowskim w Bajoroth. Spektrum ról Annette Dasch jest dość szerokie, obejmując role Armidy („Armida”, Haydn), Małgosi („Jaś i Małgosia”, Humperdinck), Gęsiej dziewczyny („Dzieci króla”, Humperdinck), Fiordiligi („To właśnie Wszyscy Do”, Mozart), Elvira (Don Giovanni, Mozart), Electra (Idomeneo, Mozart), Hrabina (Wesele Figara, Mozart), Pamina (Czarodziejski flet, Mozart), Antonia (Opowieści Hoffmanna, Offenbach) , Liu („Turandot”, Puccini), Rosalind („Die Fledermaus”, Strauss), Freya („Das Rheingold”, Wagner), Elsa („Lohengrin”, Wagner) i inni. Annette Dasch jest nie tylko śpiewaczką operową, Wykonuje także oratoria i koncertuje. W jej repertuarze znajdują się pieśni Beethovena, Brittena, Haydna, Glucka, Haendla, Schumanna, Mahlera, Mendelssohna i innych. Ich ostatnie koncerty piosenkarka przebywała we wszystkich większych miastach Europy (m.in. Berlinie, Barcelonie, Wiedniu, Paryżu, Londynie, Parmie, Florencji, Amsterdamie, Brukseli), występowała na festiwalu Schubertiad w Schwarzenbergu, festiwalach muzyki dawnej w Innsbrucku i Nantes, a także inne prestiżowe festiwale. Od 2008 roku Annette Dasch prowadzi swój bardzo popularny telewizyjny program rozrywkowo-muzyczny „Dash Salon”, którego nazwa w języku niemieckim jest zgodna ze słowem „pranie” (Waschsalon). Annette Dasch zainaugurowała sezon 2011/2012 europejskim tournée z koncertami solowymi, a najbliższe występy operowe obejmują rolę Elviry w Don Giovannim wiosną 2012 roku w Metropolitan Opera, następnie rolę Madame Pompadour w Wiedniu oraz tournée z Opery Wiedeńskiej w Japonii z rolą w Wesołej wdówce”, to także kolejny występ na Festiwalu Bayorot.

Ekaterina Szczerbachenko to rosyjska śpiewaczka operowa (sopran), solistka Teatru Bolszoj. Ekaterina Nikołajewna Szczerbachenko (z domu Telegina) urodziła się 31 stycznia 1977 r. w Riazaniu. W 1996 roku ukończyła Ryazan Music College im. G. i A. Pirogovów, którzy otrzymali specjalizację „dyrygent chóralny”. W 2005 roku ukończyła Moskiewskie Konserwatorium Państwowe. P.I. Czajkowskiego (nauczyciel - profesor Marina Alekseeva) i tam kontynuowała studia podyplomowe. W pracownia operowa W Konserwatorium śpiewała partię Tatiany w operze „Eugeniusz Oniegin” P. Czajkowskiego oraz partię Mimi w operze „Cyganeria” G. Pucciniego. W 2005 roku była solistką stażystką w trupie operowej Moskiewskiego Akademickiego Teatru Muzycznego. K.S. Stanisławski i V.I. Niemirowicz-Danczenko. W teatrze tym wykonywała role Lidoczki w operetce „Moskwa, Czeromuszki” D. Szostakowicza oraz rolę Fiordiligi w operze „Tak robią wszystkie kobiety” W.A. Mozarta. W 2005 roku w Teatrze Bolszoj wystąpiła w roli Nataszy Rostowej w premierze opery „Wojna i pokój” S. Prokofiewa (drugie wydanie), po czym otrzymała zaproszenie do Teatru Bolszoj jako stały członek Teatru zespół operowy. Jej repertuar w Teatrze Bolszoj obejmował następujące role: Natasza Rostowa (Wojna i pokój S. Prokofiewa) Tatiana (Eugeniusz Oniegin P. Czajkowskiego) Liu (Turandot G. Pucciniego) Mimi (Cyganeria G. Pucciniego) Michaela ( „Carmen” J. Bizeta) Iolanta („Iolanta” P. Czajkowskiego) W 2004 roku wystąpiła w roli Lidoczki w operetce „Moskwa, Czeromuszki” w Operze w Lyonie (pod dyrekcją Aleksandra Łazariewa). W 2007 roku brała udział w wykonaniu w Danii kantaty „Dzwony” S. Rachmaninowa z Narodową Orkiestrą Symfoniczną Duńskiego Radia (dyrygent Alexander Vedernikov). W 2008 roku wystąpiła w roli Tatiany w Operze Cagliari (Włochy, dyrygent Michaił Jurowski, reżyseria Moshe Leizer, Patrice Caurier, produkcja w Teatrze Maryjskim). W 2003 roku otrzymała dyplom Międzynarodowego Konkursu „Nowe Głosy” w Gütersloh (Niemcy). W 2005 roku zdobyła III nagrodę na Międzynarodowym Konkursie Operowym w Shizuoce (Japonia). W 2006 r. - III nagroda na Międzynarodowym Konkursie Wokalnym. Francisco Viñasa w Barcelonie (Hiszpania), gdzie otrzymała także nagrodę specjalną jako „ Najlepszy wykonawca Russian Music”, nagrodę „Przyjaciele Opery Sabadell” oraz nagrodę Stowarzyszenia Muzycznego Katanii (Sycylia). W 2009 roku została zwyciężczynią konkursu BBC „Singer of the World” w Cardiff, a także została nagrodzona stypendium młodzieżowe nagrody „Triumph”.

permski teatr akademicki Opera i Balet nazwana na cześć P.I. Czajkowskiego to jeden z najstarszych teatrów w Rosji. Permski Teatr Opery i Baletu w swojej ponad stuletniej historii niezmiennie pozostaje największym ośrodkiem muzycznym w kraju, w którym odbywają się znaczące wydarzenia twórcze. W teatrze, często nazywanym Domem Czajkowskiego, prezentowane są wszystkie dzieła sceniczne wielkiego kompozytora. „Złoty fundusz” repertuaru starannie przechowuje klasyczne dzieła Borodina, Musorgskiego i Rimskiego-Korsakowa. Teatr zwraca także widzom niezasłużenie zapomniane dzieła muzyczne. Po raz pierwszy w Rosji teatr wystawił następujące opery: „Piana dni” E. Denisowa, „Kleopatra” J. Masseneta, „Lolita” R. Szczedrina na podstawie powieści W. Nabokowa, „ Alcina” G.F. Handla, „Orfeusz” C. Monteverdiego, „Chrystus” A. Rubinsteina. Perm nazywany jest trzecią po Moskwie i Petersburgu Mekką baletu, gdzie obok akademickiego zespołu baletowego działa słynna szkoła choreograficzna. Od lat 70. Balet Perm znajduje się w orbicie niesłabnącego zainteresowania licznej publiczności. Cechą charakterystyczną grupy jest jedność stylu wykonawczego solistów i corps de ballet. Perm Ballet to chyba jedyny zespół w tym mieście Federacja Rosyjska, który składa się w całości z absolwentów jednej szkoły. Od kilkudziesięciu lat scena Uralu jest swego rodzaju „wyrzutnią” dla wielu artystów znanych daleko poza granicami Rosji. Rozpoczął się teatr Perm twórcza biografia wiele „gwiazd pierwszej wielkości” w stolicy i innych liczących się teatrach w kraju i na świecie. Imiona światowej sławy tancerzy - Galina Ragozina-Panova, Lyubov Kunakova, Nadezhda Pavlova, Olga Chenchikova, Marat Daukaev, Yuri Petukhov, Galina Shlyapina, Svetlana Smirnova - gloryfikowały region Perm. Teatr Perm zasłynął dzięki udziałowi śpiewaków operowych i tancerzy baletowych w międzynarodowych festiwalach. Permski Teatr Opery i Baletu jest inicjatorem i organizatorem Otwartego Konkursu Artystów Baletu Rosyjskiego „Arabeska” oraz Międzynarodowego Festiwalu Sztuki „Pory roku Diagilewa: Perm-Petersburg-Paryż”. Spektakle operowe i baletowe Teatru Perm niejednokrotnie były nominowanymi i zwycięzcami Ogólnorosyjskiego Narodowego Festiwalu Teatralnego „Złota Maska”. Czołowi soliści Teatru Perm odwiedzali różne kontynenty świata ze spektaklami i programami koncertowymi. Od 1973 roku trupa Perm w w pełnej mocy odbył tournée po Austrii, Włoszech, Jugosławii, Bułgarii, Czechosłowacji, Niemczech, Polsce, Belgii, Holandii, Australii i Nowa Zelandia, Japonia i Korea Południowa, Anglia, Irlandia, Holandia, Hiszpania, Chiny, USA. We Francji i na Kubie, w Kambodży i Kanadzie, Tajlandii i Egipcie, Nikaragui, Indiach i USA – wszędzie tam, gdzie artyści występowali, spotykali się z uznaniem wnikliwych krytyków oraz znajdowali wiernych przyjaciół i fanów. Permski Akademicki Teatr Opery i Baletu powstał w XIX wieku z inicjatywy społeczeństwa regionu Kama, przy udziale miejskiego amatorskiego koła muzycznego, do którego należała słynna rodzina Diagilewów. Oficjalna data założenia teatru to 24 listopada 1870 roku. Prawykonaniem będzie opera „Życie dla cara” M. Glinki. „Teatr jako instytucja istnieje w Permie od dawna. Początkowo przy ulicy Obwińskiej stał drewniany budynek teatru, który jednak spłonął w 1863 roku. Następnie zbudowano drewniany teatr, który później rozebrano... Po raz pierwszy mieszkańcy miasta Perm zobaczyli dobrą trupę, w dodatku operową, zimą 1879/80 w jeszcze nieukończonym kamienny teatr. Zespół utrzymywał późniejszy słynny przedsiębiorca P.P. Miedwiediew... W 1896 roku rozpoczęła się cała era w historii Teatru Perm. Trafia pod bezpośrednią opiekę radnych miasta, którzy na koszt miasta decydują się na prowadzenie działalności teatralnej; Do bezpośredniego zarządzania teatrem wybiera się dyrekcję miejską, która zajmuje się zapraszaniem artystów. Zdecydowano o wsparciu trupy operowej kosztem miasta.” V. S. Verkholantsev Krótki esej historyczno-statystyczny „Miasto Perm, jego przeszłość i teraźniejszość” 1913 Rozpoczął się pierwszy sezon „miejski”… wystawieniem „Aidy”. W sumie dyrekcja zrealizowała sześć sezonów, z czego jeden był dramatyczny, jeden operowo-dramat, pozostałe były operą. Rozpoczęły się we wrześniu i zakończyły przed Wielkim Postem. W sezonie odbywało się do stu lub więcej przedstawień, a roczny repertuar obejmował ponad trzydzieści utworów. Wystawiono głównie rosyjską klasykę - „Eugeniusz Oniegin”, „Dama pik”, „Mazeppa” P. Czajkowskiego, „Książę Igor” A. Borodina, „Borys Godunow” M. Musorgskiego, „Demon” A. Rubinsteina. Oprócz nich na współczesnej scenie operowej występują tak nieliczni goście, jak „Potęga wroga” A. Sierowa, „Noc majowa” N. Rimskiego-Korsakowa, „Kamienny gość” A. Dargomyżskiego i inni. Od połowy lat 90. XIX wieku Perm się zapoznał sztuka choreograficzna. 5 listopada 1896 r. odbyło się przedstawienie krótkiego baletu Zannenfelda „Obóz Cyganów węgierskich”. W styczniu 1897 roku na scenie permskiej ujrzał światło dzienne „Czarodziejski flet” R. Drigo, następnie „Wróżka lalek” I. Bayera... Istnienie teatru w pierwszych dwóch dekadach XX wieku było nierówne , ale opera nadal żyła. Przedsiębiorcy wspierali zainteresowanie publiczności operą i poziom przedstawień, powołując się na czołowych śpiewaków. W różnych sezonach w Permie występowali A. Nezhdanova, P. Petrova-Zvantseva, N. Figner, M. Maksakov, L. Sobinov i inni wybitni wokaliści. 20 sierpnia 1921 roku otwarto pierwszy po wojnie domowej sezon teatralny. Wśród plakatów znajdują się m.in. „Demon”, „Faust”, „Aida”, „Eugeniusz Oniegin”, „Borys Godunow”, „Rigoletto”, „Cyrulik Sewilski”. Pod koniec lat 20. Perm stał się jednym z tych ośrodków sztuki operowej, do którego chętnie przyjeżdżali wybitni wokaliści i utalentowani dyrygenci. Tak więc w sezonie 1925/26 mieszkańcy Permu podziwiali niepowtarzalną Carmen F. Mukhtarovą, aw następnym sezonie - Leńskiego I. Kozłowskiego. Przez całą wiosnę 1929 r. w sztabie teatru pracował S. Lemeshev. W 1925 roku w Permie powstała pierwsza pracownia teatralna, która rozpoczęła kształcenie tancerzy baletowych, a także teatralnych, chóralnych i orkiestrowych. 2 lutego 1926 roku w studiu wystawiono balet A. Adama „Giselle”. 20 października 1931 roku odbyła się premiera „Jeziora łabędziego” (choreografia O. Chaplygina). W latach przedwojennych na czele trupy baletowej stanęli choreografowie z różnych kierunków i szkół. Permscy baletnicy przez długi czas pamiętali N. Gonczarową, R. Minaevę, B. Korshunovą, A. Bronsky'ego, A. Yezersky'ego i innych tancerzy w przedstawieniach tamtych lat. W czasie wojny na scenie teatralnej występowali ewakuowani do Permu. Teatr Leningradzki Opera i balet nazwany na cześć. Kirow. Trupa Perm nie przestała działać w miastach regionu... Dlaczego dawny Teatr Maryjski znalazł się w Permie, a potem Mołotow? ... Pomysł należał do głównego dyrygenta A. Pazowskiego, który tutaj stawiał swoje pierwsze kroki w wielkiej sztuce... Lokalne autorytety Propozycja ta spotkała się ze zrozumieniem. Leningradczycy pracowali tu przez trzy zimy i dwa lata – okres w historii kultura muzyczna miasto jest dość duże... W Permie znajdowała się także szkoła znanego na całym świecie Baletu Maryjskiego, co później przyczyniło się do powstania Permskiej Szkoły Choreograficznej... na podstawie materiałów książki M. Stepanowa, Y. Silin „125 lat. Perm Akademicki Teatr Opery i Baletu nazwany imieniem. LICZBA PI. Czajkowskiego” 1995. W 1931 roku teatr Perm otrzymał nazwę „2. Państwowa Opera na Uralu”. W latach powojennych głównym zasady twórcze Teatr Perm, założony przez całą jego prehistorię. Jedną z podstawowych zasad jest uzupełnianie repertuaru o utwory rzadko wykonywane na scenie. Odrodzenie tego, co nieznane, zapomniane i z różnych powodów nieakceptowane przez rosyjską scenę, jest charakterystyczne dla wszystkich okresów życia teatru. Teatr Perm udostępnił publiczności wielkie dzieła S. Prokofiewa: w sezonie 1981-82. zrealizował autorską wersję dwunocnej opery S. Prokofiewa „Wojna i pokój” oraz po raz pierwszy w ZSRR dał życie sceniczne operze „Ognisty Anioł” (1984). Odkrycie wielu fragmentów opery „Wojna i pokój” poszerzyło i poszerzyło ludowo-patriotyczną linię opery, dramaturgia całości stała się bardziej harmonijna i logiczna, postacie niektórych głównych bohaterów stały się bardziej różnorodne. Spektakl ten przeszedł do historii i został uhonorowany Nagrodą Państwową Federacji Rosyjskiej. M.I.Glinka. Kolejna zasada twórcze życie teatr - praca nad dziełami kompozytorów współczesnych. W Permie otrzymali bilet do życia opery „Maskarada” D. Tołstoja i „Siostry” D. Kabalewskiego, baletów „ Kamienny kwiat„A. Friedlinder”, „Bela” i „Gruszeńka” B. Maszkowa, „Wybrzeże szczęścia” A. Spadavecchii. Do najciekawszych zasad twórczych teatru należy próba opanowania całego dziedzictwa operowego i baletowego P.I. Czajkowski, pochodzący z regionu Kama. W 1974 roku Permski Teatr Akademicki nazwany imieniem P.I. Czajkowski zaprosił najlepszych solistów wielu teatrów w kraju oraz wszystkich swoich widzów na I Festiwal Opery i Baletu Czajkowskiego. Święto to pomyślnie powtórzono w latach 1983 i 1988. Teatr Perm stał się prawdziwym Domem Czajkowskiego. "Złoty wiek" Balet Permski , hojnie podarowany przez N. Boyarchikowa (głównego choreografa teatru, ucznia znanych rosyjskich choreografów F. Łopuchowa i B. Fenstera) widzom teatru w latach 70., stał się fascynującą legendą dla kolejnych pokoleń. Wśród jego przedstawień znajdują się tak różnorodne pod względem języka wizualnego, jak „Cudowny mandarynek” B. Bartoka, „Trzy karty”, „Romeo i Julia”, „Car Borys” S. Prokofiewa, „Orfeusz i Eurydyka” A. Zhurbina . W tych przedstawieniach wystąpili N. Pavlova, O. Chenchikova, G. Shlyapina, M. Daukaev, L. Fominykh, R. Kuzmicheva, Yu.Petukhov, G. Sudakov, L. Shipulina, K. Shmorgoner, O. Levenkov, V. Dubrovin. W 1965 roku Permski Teatr Opery i Baletu otrzymał imię P.I. Czajkowskiego, a w 1969 r. – status teatru „akademickiego”. Zasady twórcze ukształtowane w latach powojennych wyznaczyły strategię artystyczną teatru w trudnych latach 90-tych. W Permskim Teatrze Opery i Baletu wystawiono rzadkie na rosyjskiej scenie opery: „Łucja z Lammermooru” G. Donizettiego, nie wystawiana od kilkudziesięciu lat, „Don Giovanni” V.-A. Mozarta, „Latający Holender” R. Wagnera i opera N. Rimskiego-Korsakowa „Kaszczej Nieśmiertelny”, która praktycznie nie jest w kraju wystawiana. W 1996 roku, będąc głównym dyrektorem teatru, G. Isahakyan wystawił autorską sztukę „Trzy oblicza miłości”, na którą składały się jednoaktowe opery „Raj mistrza Pedro” M. de Falli, „Piersi Tiresias” F. Poulenca oraz „Maddalena”, pierwsza opera dwudziestoletniego S. Prokofiewa, której język sceniczny w dużej mierze zdeterminował nowoczesny „operowy” wygląd Permu. W Permie po raz pierwszy światło sceny ujrzała opera Aleksandra Czajkowskiego „Trzy siostry Prozorowa” według A.P. Czechowa i jego jednoaktowy balet „Dama pik” – parafraza muzyki P. Czajkowskiego. Wspólne produkcje z amerykańskimi choreografami, reżyserami i artystami z Niemiec, Hiszpanii, Szwajcarii oraz innych krajów i kontynentów stały się już dobrą tradycją. „Peer Gynt” E. Griega wystawił amerykański choreograf Ben Stevenson, „Concerto Baroque” I.S. Bach - dar Fundacji J. Balanchine'a. Wybitnym wydarzeniem Międzynarodowego Festiwalu w Madrycie jesienią 1995 roku była rosyjsko-hiszpańska inscenizacja opery „Salome” R. Straussa. Rosyjską operę „Złoty kogucik” N. Rimskiego-Korsakowa wystawił szwajcarski reżyser D. Kägi i niemiecki artysta S. Pasterkamp. Z okazji 200-lecia A.S. Puszkina przygotowano unikalny program „Opera Puszkina”. Grupa reżyserów pracujących nad Operą Puszkina została uhonorowana Rosyjską Nagrodą Państwową w dziedzinie literatury i sztuki za rok 1999. W ramach Sezonów Diagilewa 2005 prezentowane są opery oparte na fabule „Małych tragedii” A. S. Puszkin („ Skąpy Rycerz„, „Kamienny gość”, „Mozart i Salieri”, „Pri w czasie zarazy”) i „Borys Godunow”, które złożyły się na ten cykl, trwały przez cały dzień bez przerwy. W 1990 roku odbył się pierwszy Otwarty Konkurs tancerzy baletowych „Arabeska”, którego dyrektorami artystycznymi byli Władimir Wasiliew i Ekaterina Maksimowa. Od 20 lat co dwa lata tancerze z całego świata gromadzą się w Permie, aby wziąć udział w konkursie baletowym. Młodzi śpiewacy z całego świata wzięli udział w I Międzynarodowym Konkursie Młodych Śpiewaków Operowych, który odbył się w Permie w 1993 roku. Jednym z członków jury konkursu byli O. Borodina i D. Hvorostovsky, laureaci Pierwszego Ogólnorosyjskiego Konkursu Młodych Śpiewaków Śpiewaków Operowych, która odbyła się w Permie w 1987 roku. Krajowy nagroda teatralna„Złotą Maskę” za najlepszą rolę kobiecą i męską w 1996 roku otrzymali Tatyana Kuindzhi i Anzor Shomakhiya, wykonawcy głównych ról w permskiej inscenizacji opery G. Donizettiego „Don Pasquale”. W 1998 roku tę prestiżową nagrodę otrzymała za scenografię spektaklu „Dama pik”. Dziś na czele teatru stoją: dyrektor artystyczny - posiadacz Orderu Przyjaźni, zdobywca Narodowej Nagrody Teatralnej „Złota Maska” Teodor Currentzis, główny dyrygent - Czczony Artysta Rosji, Artysta Ludowy Republiki Baszkortostanu Walery Płatonow, główny gość dyrygent – ​​Zasłużony Artysta Rosji, laureat Nagrody Państwowej Republiki Białoruś, laureat Narodowej Nagrody Teatralnej „Złota Maska” Aleksander Anisimow, główny choreograf – Aleksiej Miroshnichenko, główny chórmistrz – Dmitrij Batin, główny projektant – Elena Solovyova. Z teatrem współpracują znani scenografowie z Rosji i świata - Y. Ustinov, I. Akimova, V. Okunev, Y. Kharikov, A. Kozhenkova, E. Heydebrecht, Y. Cooper i wielu innych. „Złoty fundusz” repertuaru teatru to w dalszym ciągu klasyka, spektakle są stale aktualizowane, zachowując nie muzeum, ale współczesność. forma sztuki. Klasykę rosyjską reprezentują opery „Książę Igor” A. Borodina, „Narzeczona cara” i „Śnieżna dziewczyna” N. Rimskiego-Korsakowa. Popularne opery G. Verdiego, V.A. Mozarta, R. Leoncavallo. We współpracy z Fundacją J. Balanchine'a kontynuowany jest wieloletni rosyjsko-amerykański projekt „Choreografia J. Balanchine'a na scenie Perm”. Permska publiczność zapoznała się także z choreografią jego młodszego współczesnego, wybitnego amerykańskiego choreografa Jerome’a Robbinsa. W ramach rosyjsko-amerykańskiego projektu kulturalnego „Choreografia George’a Balanchine’a na scenie Perm” wystawiono jednoaktowe balety „La Sonnambula” V. Rietiego, „Wariacje Donizettiego” (2001), „Ballet Imperial” dla muzyka II Koncertu fortepianowego P. Czajkowskiego (2002), „Concerto Baroque” do muzyki koncertu na dwoje skrzypiec i orkiestrę smyczkową I.S. Bacha i „Serenada” do muzyki „Serenady na orkiestrę smyczkową” P. Czajkowskiego „Ballet Imperial” w 2004 roku został laureatem festiwalu Złota Maska jako najlepsze przedstawienie baletowe. W 2005 roku wspólnie z holenderską firmą Stardust zrealizowano unikalny projekt „Najwspanialsze Jezioro Łabędzie na świecie”. Na przełomie tysiącleci teatr coraz bardziej potwierdza swój pionierski autorytet, kontynuując i wzbogacając tradycje „laboratorium nowoczesnej opery”. W 2001 roku odbyła się premiera opery J. Masseneta „Kleopatra”, która nigdy nie była wystawiana w Rosji, a jest prawie nieznana na świecie. W 2004 roku po raz pierwszy w Rosji magiczna opera„Alcina” G. F. Handla, pierwsze doświadczenie wykonania starożytnej opery w Teatrze Perm, otworzyło nowe oblicza wspaniałych solistów operowych. W 2007 roku, w roku 400-lecia premiery opery „Orfeusz” C. Monteverdiego, opera ta została wystawiona na scenie permskiej. Według moskiewskiego krytyka Dmitrija Morozowa „Georgy Isaakyan wystawił być może najlepszy swój występ i dokonał prawdziwego przełomu artystycznego. „Orfeusz” to nie tylko pierwsza inscenizacja arcydzieła Monteverdiego w Rosji, ale także pierwszy sukces naszego teatru na polu opery starożytnej. … „Orfeusz” okazał się najlepszym i na pewno najbardziej harmonijnym wykonaniem muzycznym roku.” W ramach festiwalu Diagilew Pory Roku 2007 po raz pierwszy na świecie wystawiono operę N. Sidelnikowa „Chertogon”, która wzbudziła ogromne zainteresowanie gości festiwalu, profesjonalnych muzyków i krytyków. Do znaczących wydarzeń ostatnich lat należy zaliczyć wystawienie w Moskwie na zaproszenie Teatru Narodów spektakli „Lolita” i „Kleopatra” oraz występ na słynnej scenie Teatru Maryjskiego z programem baletowym J. Balanchine’a. W 2004 roku zespół operowy wystąpił w ramach festiwalu sztuki współczesnej „SAKRO ART” w Lokkum ze światową premierą opery A. Szczetyńskiego „Bestiariusz”. Spektakl prezentowany był także w Teatrze Narodów w Moskwie oraz o godz festiwal teatralny w Jarosławiu. Wiosną 2006 i 2007 roku spektakle Teatru Perm - „Carmen” J. Bizeta, „Słowik” I. Strawińskiego, „Kopciuszek, czyli opowieść o Kopciuszku” J. Masseneta i „... „Mała Syrenka” A. Dvoraka – ponownie została nominowana do Złotej Maski. Dużym oddźwiękiem cieszą się występy objazdowe zespołu w Moskwie i Petersburgu. Udział artystów permskich w festiwalu Gwiazdy Białych Nocy na scenie Teatru Maryjskiego w festiwale muzyczne„Pory roku bałtyckie” w Kaliningradzie, „Panorama rosyjskich oper” w Omsku, „Crescendo” w stolicy na scenie Teatru Bolszoj w Rosji zwiększyły chwałę teatru Perm. W styczniu 2008 roku ogromnym sukcesem zakończyło się tournée Perm Opera po Ameryce na scenie słynnej Carnegie Hall, niegdyś otwartej przy dźwiękach orkiestry pod dyrekcją P. I. Czajkowskiego. Teraz Teatr Perm, nazwany imieniem P. I. Czajkowskiego, zaprezentował koncert „Czajkowski znany i nieznany” z ariami i scenami z takich oper wielkiego kompozytora, jak „Dama pik”, „Czerewiczki”, „Dziewica Orleańska”, „ Eugeniusz Oniegin”, „Jolanta”, „Oprichnik”, „Ondyna”, „Czarodziejka”, „Mazeppa”. Występy zespołu Perm spotkały się z bardzo ciepłym przyjęciem wyrafinowanej nowojorskiej publiczności i odbiły się szerokim echem w prasie amerykańskiej. W Permie tradycyjnie odbywa się Otwarty Konkurs Rosyjskich Tancerzy Baletowych „Arabeska”, którego gospodarzami są Władimir Wasiliew i Ekaterina Maksimowa. W 2003 roku pod patronatem UNESCO odbył się pierwszy Międzynarodowy Festiwal „Pory roku Diagilewa: Perm – St. Petersburg – Paryż”. Jeden z pierwszych festiwali w Rosji, który skupia różne rodzaje sztuka pod znakiem kreatywności i inspiracji. Pierwszą premierą 137. sezonu była opera duchowa A. Rubinsteina „Chrystus” (reż. Georgy Isaakyan), wystawiona po raz pierwszy na rosyjskiej scenie. W lutym 2009 roku odbyła się premiera opery „Otello” w reżyserii V. Pietrowa, który zadebiutował jako reżyser teatru muzycznego. Rosyjska i światowa premiera opery „Jeden dzień z życia Iwana Denisowicza”, która powstała dzięki twórczej współpracy G. Isaakyana i kompozytora A. Czajkowskiego oraz dobrej woli A. I. Sołżenicyna, odbyła się w ramach IV festiwal „Pory Diagilewa”. Spektakl ten otworzył praktycznie nietknięty dotychczas „obozowy” temat sztuki operowej. Pod koniec marca odbyły się premiery dwóch współczesnych jednoaktowych baletów: „Medea” (choreograf-producent Yu. Posokhov) i „Ring” (choreograf-producent A. Miroshnichenko). Specjalnie na Sezony Diagilewa odżyły balety w klasycznej choreografii M. Fokine’a, jednego z legendarnych choreografów rosyjskich sezonów Diagilewa: Tańce połowieckie i balet miniaturowy Wizja róży. To właśnie te spektakle permscy artyści zaprezentowali w Teatrze Bolszoj podczas obchodów stulecia „Porów Rosyjskich” Diagilewa, które odbyły się 30 maja. Permski Teatr Opery i Baletu wziął udział w Narodowym Festiwalu Teatralnym „Złota Maska-2009” ze spektaklem baletowym „Korsarz” (choreografia Mariusa Petipy, aktualizacja reżysera z Petersburga W. Miedwiediewa) i operą „Orfeusz” ( reż. G. Isaakyan), którego premiera odbyła się w listopadzie 2007. „Orfeusz” został nagrodzony dwiema Złotymi Maskami: za najlepszą reżyserię (kierownik produkcji G. Isahakyan) i za najlepszą scenografię (scenograf Ernst Heydebrecht). Rok później teatr wziął udział w festiwalu ze spektaklem baletowym „Medea” (choreograf Jurij Possochow) i operą „Jeden dzień z życia Iwana Denisowicza” (reżyser Georgy Isaakyan). Ten ostatni został nagrodzony „Złotą Maską” w kategorii „Najlepsze dzieło dyrygenta”, nagrodę otrzymał główny dyrygent teatru Walery Płatonow. Źródło: oficjalna strona Tetry

Teatr Michajłowski to teatr operowo-baletowy w Petersburgu, mieszczący się w zabytkowym budynku przy Placu Sztuki. Cesarski Teatr Michajłowski został otwarty w 1833 roku dekretem cesarza Mikołaja I. Swoją nazwę teatr zawdzięcza wielkiemu księciu Michaiłowi, najmłodszemu synowi Pawła I: Pałac Michajłowski, znajdujący się na Placu Sztuki, służył jako rezydencja Wielkiego Księcia, a stał się teatr scena kameralna, który przyjął wysokiej rangi gości z rodziny cesarskiej i otoczenia. Budynek teatru wzniesiono według projektu A.P. Bryullova z udziałem A.M. Gornostajewa. Architektowi udało się organicznie wkomponować fasadę w zespół placu stworzony przez K. Rossiego. Bryullov stworzył magiczną skrzynkę: tego, że za skromną fasadą kryje się teatr, można się domyślić jedynie z dachu, gdzie za kopułą nad widownią widać wysoką lożę sceniczną. Cały splendor teatru cesarskiego zawiera się w srebrze i aksamicie, lustrach i kryształach, obrazach i sztukateriach. W 1859 roku w wyniku przebudowy według projektu A. Kavosa powiększono scenę i powiększono widownię o jedną kondygnację, a wnętrza teatru uzupełniono malowniczymi abażurami, bogatą sztukaterią i figurami kariatyd, które nadal zdobią portal nad proscenium. Przed rewolucją Teatr Michajłowski nie miał stałego zespołu ani określonego repertuaru. W teatrze występowała trupa Teatru Aleksandryjskiego, a francuscy, a czasem niemieccy artyści stale koncertowali. W jego murach odbywały się także przedstawienia operowe. Po odbudowie w 1859 r. w budynku teatru na wiele dziesięcioleci, aż do 1918 r., osiedlił się rząd francuski. zespół teatralny. Często pojawiały się francuskie operetki, np. Offenbacha, ale przedstawienia oper lirycznych były rzadkością i były organizowane głównie przez Cesarską Operę Rosyjską (Teatr Maryjski). Wyjątkiem było kilka lat w połowie lat 90. XIX w., kiedy zamknięto siedzibę Maryjską z powodu remontu, a na scenie Michajłowskiej co tydzień wystawiano opery. Na scenie Teatru Michajłowskiego przez lata występowali orkiestra pod dyrekcją Johanna Straussa, Luciena Guitry’ego, Mathilde Kshesinskaya, Fiodora Chaliapina i trupa Sarah Bernhardt. Częstymi gośćmi spektakli byli A.S. Puszkin, V.A. Żukowski, L.N. Tołstoj, P.I. Czajkowski. Od 1918 roku teatr posiadał stałą trupę. W XX wieku w teatrze pracowały postacie kultury znane nie tylko w Rosji, ale na całym świecie. Są wśród nich dyrygenci E. Grikurov i Y. Temirkanov; dyrektorzy V. Meyerhold, B. Zohn, N. Smolich, I. Shlepyanov; choreografowie F. Lopukhov, J. Balanchine, Yu Grigorovich, I. Chernyshev, N. Boyarchikov. Na przestrzeni swojej historii teatr kilkakrotnie zmieniał nazwę. Mały Teatr Opery i Baletu – Leningrad, a następnie St. Petersburg. Od 1989 roku teatr nosi imię M.P. Musorgskiego, a od 2001 roku teatr powrócił do historycznej nazwy – Teatru Michajłowskiego. W 2007 roku S.L. Gaudasińskiego (Artysta Ludowy Rosji, laureat Państwowych Nagród Rosji, profesor Konserwatorium) na stanowisku dyrektora teatru zastąpił słynny rosyjski biznesmen V.A. Kekhman jest prezesem zarządu firmy importującej owoce JFC. Kekhman oświadczył także, że będzie współpracował z S.L. Gaudasinsky, który pozostanie dyrektorem artystycznym teatru. Po czym jednak wprowadził stanowiska odrębnych dyrektorów dla zespołów operowych i baletowych. Zespół baletowy prowadził słynny rosyjski tancerz Farukh Ruzimatow. Elena Obraztsova została dyrektorem artystycznym trupy operowej, która opuściła to stanowisko we wrześniu 2008 roku, aby następnie przejść do pracy jako doradca dyrektora generalnego Teatru Michajłowskiego ds. artystycznych: piosenkarka tłumaczyła swoją decyzję napiętym harmonogramem zajęć własne projekty twórcze i działalność koncertową. Głównym gościnnym dyrygentem teatru był Daniele Rustioni. Zespół baletowy teatru, którego pierwsze tournée po Londynie odbyło się w 2008 roku, był nominowany do nagrody British Critics' Award w sekcji „Best International Company”. W 2009 roku głównym dyrygentem został Maestro Peter Feranec – dyrektor muzyczny teatr, a głównym choreografem teatru został Michaił Messerer. W październiku 2009 roku Farukh Ruzimatow zapowiedział wznowienie kariery scenicznej i opuścił stanowisko dyrektora artystycznego trupy baletowej teatru. W lipcu 2010 roku ogłoszono, że od 1 stycznia 2011 roku zespołem baletowym teatru będzie kierować hiszpański choreograf Nacho Duato.

Teatro Carlo Felice to główna opera w Genui we Włoszech. Teatr położony jest w centrum miasta, niedaleko placu Ferrari i jest symbolem miasta.Przed teatrem znajduje się pomnik jeździecki Giuseppe Garibaldiego. Decyzja o budowie nowej opery w Genui zapadła w 1824 roku, kiedy stało się jasne, że istniejące teatry miejskie nie odpowiadają potrzebom miasta. Nowy teatr musiał dorównać i konkurować z najlepszymi teatrami operowymi w Europie. Ogłoszono konkurs architektoniczny, w którym wybrano projekt budynku opery autorstwa miejscowego architekta Carlo Barbarino, a nieco później słynny mediolański Luigi Canonica, który brał już udział w kilku główne projekty- renowacja La Scali, budowa teatrów w Mediolanie, Cremonie, Brescii itp. Miejscem wybranym na teatr był dawny klasztor dominikanów i kościół San Domenico. Ten zespół klasztorny, pochodzący z XIII wieku, słynął z m.in wspaniałość architektury i cenne dzieła sztuki do dekoracji wnętrz. Niektórzy twierdzą, że klasztor został „poświęcony” teatrowi, ale nie jest to prawdą. Już w czasach napoleońskiego „Królestwa Włoch” w klasztorze mieściły się koszary i magazyny jego armii. Zespół był bardzo zniszczony i w 1821 roku, zgodnie z planem odbudowy miasta, został całkowicie rozebrany, a w 1824 roku zapadła decyzja o budowie teatru. Pierwszy kamień pod nowy budynek położono 19 marca 1826 roku. Uroczyste otwarcie odbyło się 7 kwietnia 1828 roku, choć budowa i dekoracja nie były jeszcze całkowicie ukończone. Pierwszą operą na scenie teatru była „Bianca i Fernando” Vincenzo Belinniego. Teatr nosi imię księcia Carlo Felice z Sabaudii, władcy Genui. Pięciopoziomowa hala mogła pomieścić około 2500 widzów. W kolejnych latach teatr był kilkakrotnie restaurowany, w 1852 r. zainstalowano oświetlenie gazowe, a w 1892 r. elektryczne. Przez prawie czterdzieści lat, począwszy od 1853 roku, Giuseppe Verdi spędzał zimy w Genui i wielokrotnie wystawiał swoje opery w Teatro Carlo Felice. W 1892 roku, po rekonstrukcji dla uczczenia 400. rocznicy odkrycia Ameryki przez Krzysztofa Kolumba (Genua kwestionuje prawo do uznania mała ojczyzna Kolumba) Verdi został poproszony o skomponowanie odpowiedniej opery na to wydarzenie i wystawienie jej w teatrze, ale odmówił, powołując się na swój podeszły wiek. Teatro Carlo Felice był stale odnawiany i zachował się w dobrym stanie aż do drugiej wojny światowej. Pierwsze zniszczenia powstały w 1941 roku, kiedy w wyniku ostrzału wojsk alianckich zniszczeniu uległ dach budynku oraz poważnemu zniszczeniu uległo unikalne malowidło na suficie audytorium. Następnie w sierpniu 1943 roku po trafieniu bombą zapalającą spłonęły pomieszczenia za kulisami, zniszczeniu uległa scenografia i garderoby, ale pożar nie dotknął sali głównej; niestety, tym razem teatr bardziej ucierpiał ze strony rabusiów, którzy ukradli wiele cenne rzeczy. Wreszcie we wrześniu 1944 roku po nalocie z teatru pozostały praktycznie same mury. Teatr, pospiesznie naprawiony, przez cały ten czas kontynuował swoją działalność, a występowała w nim nawet Maria Callas. Plany gruntownej renowacji gmachu teatru rozpoczęły się w 1946 roku. W 1951 roku w drodze konkursu wyłoniono jeden projekt, który jednak nigdy nie został zrealizowany. Teatr został zamknięty na początku lat 60. ze względu na zły stan techniczny. W 1963 roku powierzono opracowanie projektu przebudowy słynnemu architektowi Carlo Scarpie, jednak zwlekał on z pracami i projekt był gotowy dopiero w 1977 roku, jednak z powodu niespodziewanej śmierci architekta w 1978 roku prace wstrzymano. Kolejny plan przyjęto w 1984 roku, a na głównego architekta nowego teatru, Carlo Felice, wybrano Aldo Rossiego. Głównym motywem przewodnim twórców było połączenie historii i nowoczesności. Pozostały mury starego teatru i fasada z płaskorzeźbami, a także niektóre elementy wystroju wnętrz, które udało się zmieścić w nowym wnętrzu, jednak w większości teatr został odbudowany od podstaw. 7 kwietnia 1987 roku wmurowano pierwszy kamień pod budowę nowego teatru. Za starym teatrem dobudowano nowy wieżowiec, w którym mieszczą się sceny, elementy sterujące platformą mobilną, sale prób i garderoby. Sama widownia mieści się w „starym” teatrze, zamierzeniem architektów było odtworzenie atmosfery dawnego placu teatralnego, kiedy przedstawienia odbywały się na ulicy w centrum miasta. Dlatego na ścianach holu wykonano okna i balkony, imitujące zewnętrzne ściany budynków, a sufit usiany jest „gwiaździstym niebem”. 18 października 1991 roku wreszcie podniosła się kurtyna nad Teatro Carlo Felice, a pierwszym wydarzeniem inaugurującym sezon była opera Il Trovatore Giuseppe Verdiego. Teatro Carlo Felice to jedna z największych oper w Europie, z salą główną mieszczącą 2000 miejsc.

Teatro Reggio (Teatr Królewski) (Turyn) Teatro Reggio („Teatr Królewski”) to opera w Turynie. Jeden z najstarszych i najbardziej prestiżowych teatrów we Włoszech. Zbudowany w 1740 r., zniszczony przez pożar w 1936 r. i odrestaurowany w 1973 r. Sezon teatralny trwa od października do czerwca, podczas którego wystawia się 8-9 oper i od 5 do 12 przedstawień każdej z nich. Do połowy XVIII wieku Turyn nie miał własnej opery, przedstawienia operowe odbywały się w różnych innych teatrach lub na terenach otwartych. W 1713 roku książę Sabaudii Vittorio Amedeo II zlecił słynnemu architektowi Filippo Juvara zaprojektowanie i budowę nowej wielkiej opery w ramach generalnego remontu historyczne centrum Turyn. Jednak jego zamierzenie spełniło się dopiero w 1738 roku, kiedy nowy książę Sabaudii Karol Emanuele III zdecydował się powierzyć realizację tego projektu architektowi Benedetto Alfieri, z wymogiem zaprojektowania bardzo prestiżowego teatru. Teatro Reggio w Turynie powstał w rekordowym czasie dwóch lat i został otwarty 26 grudnia 1740 roku. Była to luksusowa sala na pięciu poziomach, mieszcząca łącznie 2500 miejsc. Co roku na otwarcie sezonu wystawiane są dwa specjalnie dla teatru skomponowano cykle operowe. W latach 1792-1798 teatr był zamknięty. Po ponownym otwarciu w 1798 roku, podczas wojen napoleońskich i francuskiej okupacji Turynu, teatr otrzymał nazwę „ Teatr Narodowy", następnie do "Wielkiego Teatru Sztuki", a w 1804 do "Teatru Cesarskiego". Repertuar teatru ulegał zmianom i dostosowywany był do gustów francuskich. Cesarz Napoleon odwiedził go trzykrotnie. W 1814 roku teatr powrócił w posiadanie Książąt Sabaudii i odzyskał swoją dawną nazwę – „Teatr Królewski”. W 1870 roku stał się teatrem miejskim. I choć Turyn nie mógł konkurować w operowej świetności z Mediolanem, Wenecją czy Rzymem, to jednak w teatrze pracowało wielu znanych kompozytorów. W latach 1895-1898 głównym dyrygentem teatru był Arturo Toscanini, pod jego kierownictwem odbyło się kilka włoskich premier Ryszarda Wagnera.W 1905 teatr przebudowano, usunięto IV i V kondygnację, rozbudowano amfiteatr. oprócz Toscaniniego i Wagnera w teatrze pracowali także inni ważni kompozytorzy - Giacomo Puccini i Richard Strauss zorganizowali w Teatro Reggio kilka premier swoich oper. Teatr był zamknięty przez kilka lat podczas I wojny światowej i ponownie otwarty w 1919 roku. W lutowe noce 8 i 9 września 1936 r. cały teatr, z wyjątkiem fasady, uległ zniszczeniu w wyniku silnego pożaru, a odbudowa trwała prawie czterdzieści lat. Po pożarze ogłoszono kilka konkursów na renowację Teatro Reggio. W 1965 roku władze miasta powierzyły prace architektom Carlo Mollino i Marcello Zavelani Rossi. Prace rozpoczęto na początku września 1967 r., a zakończono na początku 1973 r. Nowy Teatro Reggio, z oszałamiającym nowoczesnym wystrojem wnętrz ukrytym za historyczną fasadą, został otwarty 10 kwietnia 1973 roku. Nowa hala ma 1750 miejsc. Teatr odgrywa ważną rolę we współczesnym życiu kulturalnym Turynu, oprócz oper i baletów, zapewnia przestrzeń dla szerokiej gamy sztuk artystycznych i jest centrum życia artystycznego i kulturalnego w Turynie i poza nim.

Teatr Maryjski to teatr operowo-baletowy w Sankt Petersburgu w Rosji. Otwarty w 1860 roku wybitny rosyjski teatr muzyczny. Na jego scenie odbywały się premiery arcydzieł Czajkowskiego, Musorgskiego, Rimskiego-Korsakowa i wielu innych kompozytorów. Teatr Maryjski jest siedzibą zespołów operowych i baletowych oraz Maryjskiej Orkiestry Symfonicznej. Dyrektor artystyczny i główny dyrygent Valery Gergiev. W ciągu ponad dwóch stuleci swojej historii Teatr Maryjski dał światu wielu wspaniałych artystów: służył tu wybitny bas, założyciel rosyjskiej szkoły operowej Osip Petrov, tak wielcy śpiewacy jak Fiodor Chaliapin, Iwan Erszow, Medea i Nikołaj Figner doskonalił swoje umiejętności i osiągnął szczyty sławy, Sofii Preobrażenskiej. Tancerze baletowi błyszczeli na scenie: Matylda Kshesinskaya, Anna Pavlova, Vaslav Niżynsky, Galina Ulanova, Rudolf Nureyev, Michaił Barysznikow, George Balanchine rozpoczęli swoją podróż w stronę sztuki. W teatrze rozkwitł talent wybitnych artystów zdobnictwa, takich jak Konstantin Korowin, Aleksander Gołowin, Aleksander Benois, Szymon Wirsaładze, Fiodor Fiodorowski. I wiele, wiele innych. Tradycją jest, że Teatr Maryjski swoją genezę wywodzi się od roku 1783, kiedy to 12 lipca wydano dekret zatwierdzający komitet teatralny „do kierowania przedstawieniami i muzyką”, a 5 października Teatr Kamienny Bolszoj został zainaugurowano na Placu Karuzeli. Teatr nadał placowi nową nazwę – do dziś przetrwała jako Teatralna. Zbudowany według projektu Antonio Rinaldiego Teatr Bolszoj zadziwił wyobraźnię swoją wielkością, majestatyczną architekturą i sceną wyposażoną w najnowszą technologię teatralną tamtych czasów. Na otwarciu wystawiono operę Giovanniego Paisiello Il Mondo della luna (Świat księżycowy). Występowała tu na przemian trupa rosyjska z włoską i francuską, odbywały się występy dramatyczne, organizowano także koncerty wokalno-instrumentalne. Petersburg był w budowie, jego wygląd ciągle się zmieniał. W latach 1802-1803 wybitny architekt i rysownik Thomas de Thomon przeprowadził gruntowną przebudowę układu wewnętrznego i dekoracji teatru, zauważalnie zmieniając jego wygląd i proporcje. Nowy Teatr Bolszoj, który nabrał uroczystego i świątecznego wyglądu, stał się jedną z atrakcji architektonicznych stolicy Newy, wraz z Admiralicją, Giełdą Papierów Wartościowych i Katedrą Kazańską. Jednak w nocy 1 stycznia 1811 roku w Teatrze Bolszoj wybuchł ogromny pożar. W ciągu dwóch dni pożar zniszczył bogate wnętrze teatru, poważnie uszkodziła także jego fasadę. Thomas de Thomon, który sporządził projekt renowacji swojego ukochanego pomysłu, nie dożył jego realizacji. 3 lutego 1818 roku odnowiony Teatr Bolszoj został ponownie otwarty prologiem „Apollo i Pallas na północy” oraz baletem Charlesa Didelota „Zefir i Flora” do muzyki kompozytora Catarino Cavosa. Zbliżamy się do „złotego wieku” Teatru Bolszoj. W repertuarze epoki „po pożarze” znajdują się „Czarodziejski flet”, „Uprowadzenie z Seraju”, „Łaskawstwo Tytusa” Mozarta. Rosyjską publiczność fascynują „Kopciuszek”, „Semiramida”, „Sroka złodziejka” i „Cyrulik sewilski” Rossiniego. W maju 1824 roku odbyła się premiera „Strzelacza wolnego” Webera – dzieła, które tak wiele znaczyło dla powstania rosyjskiego opera romantyczna . Grane są wodewile Alyabyeva i Wierstowskiego; Jedną z najbardziej ukochanych i repertuarowych oper jest „Iwan Susanin” Kavosa, która działała aż do pojawienia się opery Glinki na tej samej fabule. Pochodzenie światowej sławy baletu rosyjskiego wiąże się z legendarną postacią Karola Didelota. To właśnie w tych latach Puszkin, który uchwycił teatr nieśmiertelnym wierszem, regularnie bywał w petersburskim Bolszoj. W 1836 roku w celu poprawy akustyki architekt Alberto Cavos, syn kompozytora i dyrygenta, wymienił kopułowy strop sali teatralnej na płaski, a nad nim umieszczono pracownię plastyczną i pomieszczenie do malowania scenerii. Alberto Cavos usuwa z widowni kolumny zasłaniające widok i zniekształcające akustykę, nadaje sali zwykły kształt podkowy, zwiększa jej długość i wysokość, zwiększając liczbę widzów do dwóch tysięcy. 27 listopada 1836 roku wznowiono występy odbudowanego teatru prawykonaniem opery Glinki „Życie cara”. Przypadkowo, a może nie bez dobrych intencji, premiera „Rusłana i Ludmiły” – drugiej opery Glinki – odbyła się dokładnie sześć lat później, 27 listopada 1842 roku. Te dwie daty wystarczą, aby petersburski Teatr Bolszoj na zawsze wpisał się w historię kultury rosyjskiej. Ale oczywiście nie zabrakło też arcydzieł muzyki europejskiej: opery Mozarta, Rossiniego, Belliniego, Donizettiego, Verdiego, Meyerbeera, Gounoda, Auberta, Thoma… Z czasem występy rosyjskiego zespołu operowego przeniesiono na scenę Teatru Aleksandryjskiego i tzw. Teatru Cyrkowego, zlokalizowanego naprzeciw Bolszoj (gdzie nadal występowała trupa baletowa i włoska opera). Kiedy w 1859 roku spłonął Teatr Cyrkowy, na jego miejscu ten sam architekt Alberto Cavos wybudował nowy teatr. To on otrzymał imię Maryjski na cześć panującej cesarzowej Marii Aleksandrownej, żony Aleksandra II. Pierwszy sezon teatralny w nowym budynku zainaugurowano 2 października 1860 roku operą „Życie dla cara” Glinki pod dyrekcją głównego dyrygenta Opery Rosyjskiej Konstantego Lyadowa, ojca przyszłego słynnego kompozytora Anatolija Lyadowa . Teatr Maryjski ugruntował i rozwinął wielkie tradycje pierwszej rosyjskiej sceny muzycznej. Wraz z przybyciem w 1863 roku Eduarda Napravnika, który zastąpił Konstantina Lyadova na stanowisku głównego dyrygenta, rozpoczął się najwspanialszy okres w historii teatru. Półwiecze, które Napravnik poświęcił Teatrowi Maryjskiemu, upłynęło pod znakiem premier najważniejszych oper w historii muzyki rosyjskiej. By wymienić tylko kilka z nich – „Borys Godunow” Musorgskiego, „Kobieta Pskowa”, „Noc Majowa”, „Dziewica Śnieżna” Rimskiego-Korsakowa, „Książę Igor” Borodina, „Dziewica Orleańska”, „Czarodziejka”, „Dama pik”, „Jolanta” „Czajkowski”, „Demon” Rubinsteina, „Oresteja” Tanejewa. Na początku XX wieku w repertuarze teatru znajdowały się opery Wagnera (m.in. tetralogia „Pierścień Nibelunga”), „Elektra” Ryszarda Straussa, „Opowieść o niewidzialnym mieście Kiteż” Rimskiego-Korsakowa, „Chowańszczyna” Musorgskiego. Marius Petipa, który w 1869 roku stanął na czele trupy baletowej teatru, kontynuował tradycje swoich poprzedników Julesa Perrota i Arthura Saint-Leona. Petipa gorliwie zachowała takie klasyki jak Giselle, Esmeralda czy Corsair, poddając je jedynie starannemu montażowi. Wystawiona przez niego „Bajadera” po raz pierwszy wprowadziła na scenę baletową powiew wielkiej kompozycji choreograficznej, w której „taniec stał się muzyką”. Szczęśliwe spotkanie Petipy z Czajkowskim, który argumentował, że „balet to ta sama symfonia”, doprowadziło do narodzin „Śpiącej królewny” - prawdziwego poematu muzycznego i choreograficznego. Choreografia do „Dziadka do orzechów” powstała we współpracy Petipy i Lwa Iwanowa. Po śmierci Czajkowskiego „Jezioro łabędzie” znalazło drugie życie na scenie Teatru Maryjskiego – i ponownie we wspólnej choreografii Petipy i Iwanowa. Petipa umocnił swoją reputację choreografa symfonicznego wystawiając balet Głazunowa Raymonda. Jego nowatorskie pomysły przejął młody Michaił Fokin, który wystawił w Teatrze Maryjskim Pawilon Armidy Czerepnina, Łabędź Saint-Saënsa, Chopiniana do muzyki Chopina, a także powstałe w Paryżu balety – Szeherezada do muzyki Rimskiego -Korsakow, „Ognisty ptak” i „Pietruszka” Strawińskiego. Teatr Maryjski był kilkakrotnie przebudowywany. W 1885 roku, kiedy przed zamknięciem Teatru Bolszoj większość przedstawień przeniesiono na scenę Maryjskiego, główny architekt teatrów cesarskich Wiktor Schröter dobudował do lewego skrzydła gmachu trzypiętrowy budynek na warsztaty teatralne, sale prób, elektrownię i kotłownię. W 1894 roku pod przewodnictwem Schrötera wymieniono drewniane krokwie na stalowe i żelbetowe, dobudowano skrzydła boczne i powiększono foyer dla widzów. Przebudowie uległa także fasada główna, która przyjęła monumentalne formy. W 1886 roku do Teatru Maryjskiego przeniesiono przedstawienia baletowe, które do tego czasu wystawiano na scenie Teatru Bolszoj Kamenny. A na miejscu Bolszoj Kamennego wzniesiono budynek Konserwatorium w Petersburgu. Dekretem rządowym z 9 listopada 1917 roku Teatr Maryjski został uznany za Teatr Państwowy i przekazany pod jurysdykcję Ludowego Komisariatu Oświaty. Od 1920 roku zaczęto go nazywać Państwowym Akademickim Teatrem Opery i Baletu (GATOB), a od 1935 roku otrzymał imię S. M. Kirowa. Wraz z klasyką ubiegłego wieku na scenach teatralnych w latach 20. i na początku lat 30. pojawiły się nowoczesne opery – „Miłość do trzech pomarańczy” Siergieja Prokofiewa, „Wozzeck” Albana Berga, „Salome” i „Kawaler róży” Ryszard Strauss; rodzą się balety, które wyznaczają nowy, popularny od dziesięcioleci kierunek choreograficzny, tzw. balet dramatyczny – „Czerwony mak” Reinholda Glière’a, „Płomienie Paryża” i „Fontanna Bakczysaraja” Borysa Asafiewa, „ Laurencia” Aleksandra Crane’a, „Romeo i Julia” Siergieja Prokofiewa itp. . Ostatnią przedwojenną premierą operową Teatru Kirowa był Lohengrin Wagnera, którego drugie przedstawienie zakończyło się późnym wieczorem 21 czerwca 1941 r., lecz przedstawienia zaplanowane na 24 i 27 czerwca zastąpił Iwan Susanin. W czasie Wielkiej Wojny Ojczyźnianej teatr ewakuowano do Permu, gdzie odbyły się premiery kilku przedstawień, w tym premiera baletu Arama Chaczaturiana „Gayane”. Po powrocie do Leningradu teatr rozpoczął sezon 1 września 1944 operą Glinki Iwan Susanin. W latach 50-70. teatr wystawiał tak znane balety jak „Shurale” Farida Yarullina, „Spartacus” Arama Chaczaturiana i „Dwunastu” Borysa Tiszczenki w choreografii Leonida Yakobsona, „Kamienny kwiat” Siergieja Prokofiewa i „Legenda miłości” Arifa Melikowa w choreografii Jurija Grigorowicza, „Symfonii Leningradzkiej” Dmitrija Szostakowicza w choreografii Igora Belskiego, równolegle z produkcją nowych baletów, w repertuarze teatru starannie zachowano klasykę baletu. W repertuarze operowym, obok Czajkowskiego, Rimskiego-Korsakowa, Musorgskiego, Verdiego i Bizeta, pojawiły się opery Prokofiewa, Dzierżyńskiego, Szaporina i Chrennikowa. W latach 1968-1970 Przeprowadzono generalną przebudowę teatru według projektu Salome Gelfer, w wyniku której lewe skrzydło budynku zostało „rozciągnięte” i uzyskało obecny wygląd. Ważnym etapem w historii teatru w latach 80. były inscenizacje oper Czajkowskiego „Eugeniusz Oniegin” i „Dama pik” w wykonaniu Jurija Temirkanowa, który kierował teatrem w 1976 roku. W tych przedstawieniach, które do dziś zachowały się w repertuarze teatru, dała o sobie znać nowa generacja artystów. W 1988 roku głównym dyrygentem teatru został Valery Gergiev. 16 stycznia 1992 roku teatr został zwrócony nazwa historyczna- Maryjski. Natomiast w 2006 roku trupa teatralna i orkiestra otrzymały do ​​swojej dyspozycji Salę Koncertową przy ulicy Dekabristowa 37, zbudowaną z inicjatywy dyrektora artystycznego i dyrektora Teatru Maryjskiego Walerija Gergijewa.Źródło: Teatr Maryjski

Teatro Massimo (włoski: Il Teatro Massimo Vittorio Emanuele) to opera w Palermo we Włoszech. Teatr nosi imię króla Wiktora Emanuela II. W tłumaczeniu z języka włoskiego Massimo oznacza największy, największy - zespół architektoniczny teatru jest największy wśród budynków opery we Włoszech i jeden z największych w Europie. W Palermo, drugim co do wielkości mieście południowych Włoch, od dawna mówi się o potrzebie budowy w tym mieście opery. W 1864 roku burmistrz Palermo Antonio Rudini ogłosił międzynarodowy konkurs na budowę dużej opery, która miała upiększyć wygląd miasta i podnieść jego wizerunek w świetle niedawnej jedności narodowej Włoch. W 1968 roku w wyniku konkursu wybrano słynnego na Sycylii architekta Giovanniego Battistę Filippo Basile'a. Pod nowy teatr wyznaczono miejsce, w którym znajdował się kościół i klasztor San Giuliano, które jednak rozebrano pomimo protestów sióstr franciszkanek. Według legendy „Ostatnia przeorysza klasztoru” do dziś przechadza się po salach teatru, a ci, którzy w nią nie wierzą, wchodząc do teatru, zawsze potykają się o jeden stopień („krok zakonnicy”). Budowę rozpoczęto uroczystą ceremonią wmurowania kamienia węgielnego 12 stycznia 1875 roku, ale postępowała powoli, przy ciągłym braku funduszy i skandalach, i została zamrożona na osiem lat w 1882 roku i wznowiona dopiero w 1890 roku. W 1891 roku zmarł architekt Giovanni Basile przed otwarciem swojego projektu, prace kontynuował jego syn Ernesto Basile. 16 maja 1897 roku, 22 lata po rozpoczęciu budowy, teatr otworzył swoje podwoje dla miłośników opery; pierwszą operą wystawiona na jego scenie był Falstaff Giuseppe Verdiego pod dyrekcją Leopoldo Mugnone. Giovani Basile został zainspirowany starożytną architekturą sycylijską i dlatego teatr został zbudowany w stylu neoklasycystycznym ścisły styl z elementami starożytnych świątyń greckich. Monumentalne schody prowadzące do teatru zdobią lwy z brązu niosące na plecach posągi kobiet – alegoryczne „Opera” i „Tragedia”. Budynek zwieńczony jest dużą półkolistą kopułą. Rocco Lentini, Ettore de Maria Begler, Michele Cortegiani, Luigi di Giovanni pracowali nad dekoracją wnętrz teatru, zaprojektowanego w stylu późnego renesansu. Na widownię prowadzi przestronny przedsionek, sama sala w kształcie podkowy, niegdyś 7-poziomowa, przeznaczona dla ponad 3000 widzów, obecnie z pięcioma poziomami lóż i galerią mieści 1381 miejsc. Pierwsze sezony były bardzo udane. Dzięki czołowemu biznesmenowi i senatorowi Ignazio Florio, który sponsorował teatr i zabiegał o uczynienie Palermo stolicą opery, miasto przyciągało wielu gości, w tym koronowanych głów, którzy stale odwiedzali teatr. W teatrze występowali czołowi dyrygenci i śpiewacy, począwszy od Enrico Caruso, Giacomo Pucciniego, Renaty Tebaldi i wielu innych. W 1974 roku Teatr Massimo został zamknięty w celu całkowitej renowacji, ale z powodu skandalów korupcyjnych i niestabilności politycznej renowacja przeciągnęła się przez 23 lata. 12 maja 1997 roku, cztery dni przed setną rocznicą, teatr został ponownie otwarty wykonaniem II Symfonii Mahlera, jednak renowacja nie została jeszcze w pełni ukończona i pierwsza inscenizacja opery odbyła się w 1998 roku - Aida Verdiego i regularny sezon operowy rozpoczęło się w 1999 roku

Opera de Lille (Opéra de Lille, Francja) została zbudowana w latach 1907-1913. i oficjalnie otwarty w 1923 r. W 1903 roku w pożarze spłonął stary budynek Opery w Lille. Konkurencja dla najlepszy projekt Nowy teatr wygrał architekt Louis-Marie Cordonnier, inspirowany architekturą Opery Garnier w Paryżu i teatrów włoskich. Budynek Opery de Lille został zbudowany w stylu neoklasycystycznym. Fronton przedstawia patrona sztuki Apolla w otoczeniu muz, a rzeźby wykonał Hippolyte Lefebvre. Po lewej stronie grupy znajduje się alegoryczny obraz Muzyki Amedeo Cordoniera, po prawej rzeźba „Tragedia” Hectora Lemaire’a. Wewnętrzne schody zaprojektowano w bogatym stylu Ludwika XIV. Ogromna „włoska” sala (jedna z ostatnich wybudowanych we Francji) może pomieścić ponad 1000 widzów. Na początku I wojny światowej, w lipcu 1914 roku, niedokończony jeszcze gmach teatru został zajęty przez wojska niemieckie. W ciągu czterech lat okupacji w teatrze odbyło się około stu przedstawień. Po wojnie budynek odrestaurowano, a w 1923 roku odbyła się w nim „francuska premiera”. W 1998 roku stan teatru wymagał awaryjnego zamknięcia w połowie sezonu. Remont przerodził się w ambitny projekt poprawę funkcjonalności budynku opery. Rekonstrukcję przeprowadzili architekci Patrice Nerinck i Pierre-Louis Carlier. Projekt ten ukończono pod koniec 2003 roku, a w 2004 roku ogłoszono Lille stolica Kultury Europa.

Grand Théâtre de Bordeaux (Grand Théâtre de Bordeaux, Francja) został otwarty 17 kwietnia 1780 roku premierą Afalii Racine’a. Budynek teatru powstał na Placu Komediowym. To właśnie w tym teatrze młody Marius Petipa wystawił kilka swoich pierwszych baletów. Teatr został zbudowany według projektu architekta Victora Louisa (1731-1800), który zdobył słynne Grand Prix Rzymu. Louis zaprojektował także galerie otaczające ogrody Palais Royal i teatr Comedie-Française w Paryżu. Budowa gmachu Teatru Wielkiego w Bordeaux z salą na 1000 miejsc trwała od 1773 do 1780 roku. Teatr Wielki w Bordeaux został pomyślany jako świątynia sztuki i światła, z neoklasyczną fasadą zaopatrzoną w portyk z 12 kolosalnymi kolumnami w stylu korynckim podtrzymującymi belkowanie, na którym stoi 12 posągów przedstawiających dziewięć muz i trzy boginie (Junona, Wenus i Minerwa ). Wysokość budynku wynosi 88 metrów. W 1871 roku teatr był na krótko siedzibą francuskiego parlamentu. Wnętrza teatru odrestaurowano w 1991 roku, widownia została w dużym stopniu przebudowana, oryginalne kolory jego wnętrza to błękit, biel i złoto. Elewacje budynku zostały odrestaurowane i wyposażone w oświetlenie. Dziś teatr jest siedzibą Opery Narodowej w Bordeaux i Baletu Narodowego w Bordeaux. Często odbywają się tu także koncerty symfoniczne w wykonaniu Narodowej Orkiestry Bordeaux i Akwitanii. Teatr Wielki w Bordeaux uważany jest za jeden z najpiękniejszych francuskich teatrów.

Grand Teatro La Fenice (Gran Teatro La Fenice) to opera w Wenecji, wielokrotnie niszczona przez pożary i odbudowywana. W teatrze odbywa się Międzynarodowy Festiwal Muzyki Współczesnej. Teatr La Fenice został zbudowany w latach 1790-1792. Nazwa „Feniks” odzwierciedla fakt, że teatr dwukrotnie „odrodził się z popiołów”. W 1774 r. spłonęła wiodąca wówczas opera wenecka, San Benedetto. Spółka zarządzająca go odrestaurowała, ale przegrała spór z właścicielem w sądzie i ponownie straciła teatr. W rezultacie firma podjęła decyzję o budowie własnej nowej opery. Budowę rozpoczęto w czerwcu 1790 r., a zakończono w maju 1792 r. Teatr otrzymał nazwę „La Fenice”, co wskazuje na odrodzenie. Zostało otwarte 16 maja 1792 roku operą Paisiello La Igre Agrigento. 13 grudnia 1836 roku teatr spłonął, ale szybko przywrócono go do pierwotnego modelu, pod kierunkiem architektów Tommaso i Giambattisty Meduna. Rok później, w 1837 roku, teatr ponownie otworzył swoje podwoje. W XIX wieku La Fenice stała się miejscem premier wielu oper wybitnych autorów włoskich, w szczególności Gioachino Rossiniego (Tancred, 1813, Semiramide, 1823), Vincenzo Belliniego (Capulets i Montagues, 1830, Beatrice di Tandi, 1833). i Giuseppe Verdi („Ernani”, 1843, „Attila”, 1846, „Rigoletto”, 1851, „La Traviata”, 1853, „Simon Boccanegra”, 1857). Premiera Traviaty została początkowo wygwizdana przez publiczność w Phoenix. W 1930 roku Biennale w Wenecji zapoczątkowało pierwszy międzynarodowy festiwal muzyki współczesnej. W 1937 roku teatr przebudowano według projektu Eugenio Miozzo. Wybitnymi premierami XX w. były inscenizacje opery „Postęp grabieży” I. Strawińskiego (1951) i „Zakręt śruby” B. Brittena. 29 stycznia 1996 roku budynek teatru ponownie strawił pożar, podpalenia dokonał elektryk Enrico Carella, chcąc uniknąć kar umownych za opóźnienia w pracach. Dzięki wsparciu rządu teatr został odrestaurowany i otwarty 14 grudnia 2003 roku. Na otwarciu wystąpił Chór i Orkiestra La Scala pod dyrekcją Mutiego. W programie uroczystości z okazji odrodzenia Fenic wystąpiły najlepsze orkiestry świata, w tym Orkiestra Filharmonii Petersburskiej pod dyrekcją Jurija Temirkanowa, która wykonała dzieła Czajkowskiego i Strawińskiego.

Royal Opera House „Covent Garden” to teatr w Londynie w Wielkiej Brytanii, służący jako miejsce przedstawień operowych i baletowych, scena macierzysta Royal London Opera House i London Royal Ballet. Znajduje się w dzielnicy Covent Garden, od której otrzymał swoją nazwę. Początkowo w Covent Garden działało kilka niezależnych zespołów, obok przedstawień teatralnych, muzycznych i baletowych odbywały się także przedstawienia cyrkowe. W połowie XVIII wieku główne miejsce na scenie teatralnej zajmowały występy muzyczne, a od 1847 r. wystawiano wyłącznie opery i balety. Nowoczesny budynek teatru jest trzecim budynkiem zlokalizowanym w tym miejscu. Został zbudowany w 1858 roku i przeszedł gruntowny remont w latach 90-tych. Royal Opera House może pomieścić 2268 widzów i składa się z czterech poziomów. Szerokość proscenium wynosi 12,2 m, wysokość 14,8 m. Pierwszy teatr na miejscu istniejącego wcześniej parku powstał na przełomie lat 20. i 30. XVIII w. z inicjatywy reżysera i impresario Johna Richa i otwarto 7 grudnia 1732 roku przedstawieniem opartym na sztuce Williama Congreve’a „Droga świata”. świat). Przed spektaklem aktorzy weszli do teatru w uroczystej procesji, niosąc Richa na rękach. Przez prawie sto lat Covent Garden był jednym z dwóch londyńskich teatry dramatyczne, gdyż już w 1660 roku król Karol II zezwolił na wystawianie przedstawień dramatycznych tylko w dwóch teatrach (drugim był nie mniej znany Teatr Drury Lane). W 1734 roku w Covent Garden wystawiono pierwszy balet Pygmalion z Marią Salle w roli tytułowej, tańczącą wbrew tradycji bez gorsetu. Pod koniec 1734 roku w Covent Garden zaczęto wystawiać operę - przede wszystkim dzieła Jerzego Fryderyka Handla, który był dyrektorem muzycznym teatru: pierwszą była jego wczesna, choć mocno poprawiona, opera Wierny pasterz (wł. Il pastor fido ), następnie w styczniu 1735 roku pojawiła się nowa opera Ariodante i inne. W 1743 r. wystawiono tu oratorium Handla „Mesjasz”, a później tradycją teatru stało się wykonywanie oratoriów o tematyce religijnej w okresie Wielkiego Postu. Po raz pierwszy wystawiono tu opery kompozytora Thomasa Arna, a także opery jego syna. W 1808 roku pierwszy teatr w Covent Garden spłonął. Nowy gmach teatru wzniesiono w pierwszych dziewięciu miesiącach 1809 roku według projektu Roberta Smirka i otwarto 18 września inscenizacją Makbeta. Dyrekcja teatru podniosła ceny biletów, aby zrekompensować koszty budowy nowego gmachu, jednak przez dwa miesiące publiczność zakłócała ​​przedstawienia ciągłymi krzykami, klaskaniem i gwizdami, w wyniku czego dyrekcja teatru zmuszona była przywrócić ceny do poprzedniego poziomu. W pierwszej połowie XIX wieku na scenie Covent Garden przeplatały się opery, balety, przedstawienia dramatyczne z udziałem wybitnych tragików Edmunda Keana i Sarah Siddons, pantomima, a nawet klaunada (występował tu słynny klaun Józefa Grimaldiego). Sytuacja uległa zmianie po tym, jak w 1846 roku w wyniku konfliktu w Her Majesty's Theatre – operze londyńskiej – znaczna część jej trupy pod przewodnictwem dyrygenta Michaela Costy przeniosła się do Covent Garden; Salę odbudowano, a 6 kwietnia 1847 roku ponownie otwarto teatr pod nazwą Królewskiej Opery Włoskiej, wystawiając operę Semiramida Rossiniego. Jednak niespełna dziewięć lat później, 5 marca 1856 roku, teatr spłonął po raz drugi. Trzeci teatr Covent Garden został zbudowany w latach 1857-1858. zaprojektowany przez Edwarda Middletona Barry'ego i otwarty 15 maja 1858 roku inscenizacją opery Meyerbeera Les Hugenoci. W czasie I wojny światowej teatr został zarekwirowany i wykorzystywany jako magazyn. Podczas II wojny światowej w budynku teatru mieściła się sala taneczna. W 1946 roku opera powróciła do Covent Garden: 20 lutego teatr został otwarty wystawieniem Śpiącej królewny Czajkowskiego w ekstrawaganckiej inscenizacji Olivera Messela. W tym samym czasie rozpoczęło się tworzenie trupy operowej, dla której sceną domową stał się Covent Garden Theatre; 14 stycznia 1947 roku Covent Garden Opera Company (późniejsza londyńska Opera Królewska) zaprezentowała tu operę Bizeta Carmen.

Akademicki Teatr Opery i Baletu Samara to teatr muzyczny w Samarze w Rosji. Akademicki Teatr Opery i Baletu Samara to jeden z największych rosyjskich teatrów muzycznych. Otwarcie teatru odbyło się 1 czerwca 1931 roku operą Musorgskiego Borys Godunow. U jego początków byli wybitni rosyjscy muzycy - uczeń Tanejewa i Rimskiego-Korsakowa, dyrygent i kompozytor Anton Eikhenwald, dyrygent Teatru Bolszoj Arij Pazowski, słynny rosyjski dyrygent Izydor Zak, dyrektor Teatru Bolszoj Józef Łapitski. Tacy mistrzowie jak dyrygenci Savely Bergolts, Lew Ossowski, reżyser Borys Ryabikin, śpiewacy Aleksander Dolski, Artysta Ludowy Ukraińskiej SRR Nikołaj Połudenny, Artysta Ludowy Rosji Wiktor Czernomortsev, Artysta Ludowy RSFSR, przyszła solistka Teatru Bolszoj Natalya Szpiller, Larisa Boreyko wpisał ich nazwiska do historii teatru i wielu innych. Zespołem baletowym kierowała solistka Teatru Maryjskiego, uczestniczka legendarnych sezonów Diagilewa w Paryżu, Evgenia Lopukhova. Otworzyła serię znakomitych choreografów z Petersburga, którzy w różnych latach stali na czele baletu Samara. Choreografami Teatru Samara byli utalentowani choreografowie, uczennice Agrypiny Waganowej Natalii Danilovej, legendarna petersburska baletnica Alla Shelest, solistka Teatru Maryjskiego Igor Czernyszew, Artysta Ludowy ZSRR Nikita Dolgushin. Teatr szybko poszerza swój repertuar. W latach 30. XX wieku w repertuarze znalazły się klasyki opery i baletu: opery Czajkowskiego, Glinki, Rimskiego-Korsakowa, Borodina, Dargomyżskiego, Rossiniego, Verdiego, Pucciniego, balety Czajkowskiego, Minkusa, Adana. Dużo uwagi Zgodnie z wymogami epoki teatr poświęca także uwagę repertuarowi współczesnemu. W okresie przedwojennym po raz pierwszy w kraju wystawiono opery „Step” A. Eichenwalda, „Tanya” Kreitnera, „Poskromienie złośnicy” Szebalina i inne. ku nieznanym lub niezasłużenie zapomnianym arcydziełom było charakterystyczne dla teatru lat powojennych. Jego plakaty zawierają dziesiątki tytułów, pochodzących z klasyki XVIII wieku. („Medea” Cherubiniego, „Sekretne małżeństwo” Cimarosy) oraz rzadko wykonywane dzieła kompozytorów rosyjskich XIX wieku. („Servilia” Rimskiego-Korsakowa, „Czarodziejka” Czajkowskiego, „Choinka” Rebikowa) do europejskiej awangardy XX wieku. („Karzeł” von Zemlinsky’ego, „Le Noces” Strawińskiego, „Harlecchino” Busoniego). Szczególną stroną w życiu teatru jest współtworzenie ze współczesnymi autorami krajowymi. Wybitni rosyjscy kompozytorzy Siergiej Słonimski i Andriej Eszpaj, Tichon Chrennikow i Andriej Pietrow powierzyli naszej scenie swoje dzieła. Najbardziej znaczącym wydarzeniem, daleko wykraczającym poza granice życia kulturalnego Samary, była światowa premiera opery Słonimskiego „Wizje Iwana Groźnego”, przeprowadzona przez wielkiego muzyka XX wieku Mścisława Rostropowicza we współpracy z wybitnymi mistrzami sceny reżyserem Robertem Sturuą i artysta Georgij Aleksi-Meskhishvili. Na początku Wielkiej Wojny Ojczyźnianej sytuacja kulturalna w mieście uległa dramatycznej zmianie. W październiku 1941 roku Państwowy Teatr Bolszoj ZSRR został ewakuowany do Kujbyszewa/Samary („zastępczej stolicy”). Inicjatywa artystyczna przechodzi w ręce największych mistrzów radzieckiej sceny operowej i baletowej. Za lata 1941 - 1943 Teatr Bolszoj pokazał w Samarze 14 oper i baletów. Na scenie Samara wystąpili światowej sławy piosenkarze Ivan Kozlovsky, Maxim Michajłow, Mark Reisen, Valeria Barsova, Natalya Shpiller, baletnica Olga Lepeshinskaya wystąpili na scenie Samara, Samosud, Fire, Melik-Pashayev dyrygował. Do lata 1943 roku w Kujbyszewie mieszkała i pracowała kadra Teatru Bolszoj. W podziękowaniu za pomoc okolicznym mieszkańcom w tym trudnym czasie jej artyści nie raz po wojnie przybywali nad Wołgę ze swoimi nowymi dziełami, a także z historycznym repertuarem wojennym. W 2005 roku, dla upamiętnienia 60. rocznicy zwycięstwa w Wielkiej Wojnie Ojczyźnianej, Teatr Bolszoj Rosji dał publiczności w Samarze nowe spotkanie ze swoją sztuką. Trasowe występy i koncerty (balet Szostakowicza „Jasny strumień”, opera Musorgskiego „Borys Godunow”, wielka Symfonia Zwycięstwa – VII Symfonia Szostakowicza, koncert orkiestry dętej i solistów opery) zakończyły się triumfalnym sukcesem. Jak zauważył dyrektor generalny Teatru Bolszoj Rosji A. Iksanow: „Dla całego personelu Teatru Bolszoj ta wycieczka jest kolejną okazją do wyrażenia głębokiej wdzięczności mieszkańcom Samary za to, że w trudnych czasach wojny Teatr Bolszoj Teatr znalazł tu drugi dom.” Szczytem życia muzycznego Samary w XX wieku, wydarzeniem prawdziwie historycznym, było wykonanie Siódmej („Leningradzkiej”) Symfonii Dmitrija Szostakowicza na scenie Opery Samara. Wielkie dzieło, odzwierciedlające tragiczne wydarzenia czasu wojny, oddające całą wielkość wyczynu żołnierzy radzieckich, zostało ukończone przez kompozytora w grudniu 1941 r. podczas ewakuacji w Samarze i wykonane przez orkiestrę Teatru Bolszoj pod dyrekcją Samuila Samosuda 5 marca , 1942. Teatr żyje intensywnym życiem. Rekonstrukcja dobiega końca, na afiszu pojawiają się nowe nazwiska, śpiewacy i tancerze wygrywają prestiżowe międzynarodowe i ogólnorosyjskie konkursy, a do zespołu dołączają nowe siły twórcze. Pracownicy teatru mogą poszczycić się skupiskiem utalentowanych, bystrych, twórczych jednostek. Czcigodni Artyści Rosji Michaił Gubski i Wasilij Svyatkin są solistami nie tylko Teatru Samara, ale także Rosyjskiego Teatru Bolszoj i Moskiewskiego Teatru Opery Nowaja. Anatolij Nevdakh bierze udział w przedstawieniach Teatru Bolszoj, a Andriej Antonow z powodzeniem występuje na scenach teatrów rosyjskich i zagranicznych. O poziomie trupy operowej świadczy także obecność w niej licznej grupy „utytułowanych” śpiewaków: 5 Artystów Ludowych, 8 Artystów Zasłużonych, 10 międzynarodowych i Zawody ogólnorosyjskie. W trupie pracuje wielu utalentowanych młodych ludzi, z którymi starsze pokolenie artystów chętnie dzieli się tajnikami swojego rzemiosła. Od 2008 roku zespół baletowy teatru znacznie podniósł poprzeczkę. Zespołem teatralnym kierował Czczony Artysta Rosji Kirill Shmorgoner, który przez długi czas zdobił trupę baletową Teatru Perm. K. Szmorgoner zaprosił do teatru liczną grupę swoich uczniów, absolwentów jednej z najlepszych placówek oświatowych w kraju – Permskiej Szkoły Choreograficznej. Młodzi tancerze baletowi Ekaterina Pervushina i Viktor Malygin zostali laureatami prestiżowego międzynarodowego konkursu „Arabesque”, cała grupa tancerzy Samary z sukcesem wystąpiła na Ogólnorosyjski festiwal„Gry Delfickie”. W ostatnich latach w teatrze odbyło się kilka premier, które spotkały się z dużym zainteresowaniem publiczności: opery „Mozart i Salieri” Rimskiego-Korsakowa, „Wrzosowiska” Strawińskiego, „Pokojówka i kochanka” Pergolesiego, „Eugeniusz Oniegin” Czajkowskiego , „Rigoletto” Verdiego, „Madame Butterfly” Pucciniego, kantata choreograficzna „Le Noces” Strawińskiego, balet Hertela „Próżna ostrożność”. Teatr aktywnie współpracuje przy tych przedstawieniach z moskiewskimi mistrzami z Teatru Bolszoj, Nowej Opery i innych rosyjskich teatrów. Dużą uwagę przywiązuje się do produkcji bajek muzycznych dla dzieci. Na scenie koncertowej występują także artyści opery i baletu. Wśród tras koncertowych teatru znajdują się Bułgaria, Niemcy, Włochy, Hiszpania, Chiny i miasta Rosji. Intensywna praktyka objazdowa teatru pozwoliła mieszkańcom regionu Samara zapoznać się z najnowszymi dziełami. Jasną kartą w życiu teatru są festiwale. Należą do nich Festiwal Baletu Klasycznego Alla Shelest, międzynarodowy festiwal„Bas XXI wieku”, „Pięć wieczorów w Togliatti”, festiwal sztuki operowej „Wiosna Samara”. Dzięki festiwalowym inicjatywom teatru samarańska publiczność mogła zapoznać się ze sztuką kilkudziesięciu największych mistrzów krajowej i zagranicznej sztuki operowej i baletowej. W planach twórczych teatru znajdują się inscenizacje opery „Książę Igor”, baletów „Don Kichot”, „Śpiąca królewna”. Z okazji 80-lecia teatr planuje wystawienie opery Musorgskiego Borys Godunow, powracając w ten sposób do korzeni w nowej rundzie swojego historycznego rozwoju. Na centralnym placu miasta wznosi się masywny szary budynek - według krytyków sztuki „wspaniały pomnik późnego „stylu pylonadowego”, do którego dodano brutalną klasykę”, „uderzający przykład architektury lat 30. ” Autorami projektu są architekci z Leningradu N.A. Trocki i N.D. Katsenegbogen, który w 1935 roku wygrał konkurs na budowę Pałacu Kultury. Teatr mieścił się w centralnej części budynku. Przez pewien czas w lewym skrzydle mieściła się biblioteka regionalna, w prawym - szkoła sportowa i muzeum sztuki. W 2006 roku rozpoczęto przebudowę budynku, która wymagała eksmisji szkoły sportowej i muzeum. W roku 2010, w rocznicę powstania teatru, zakończono odbudowę.

Oto lista 10 kompozytorów, których powinieneś znać. O każdym z nich można z całą pewnością powiedzieć, że jest to największy kompozytor, jaki kiedykolwiek żył, choć w istocie nie da się, a wręcz nie da się, porównywać muzyki powstałej na przestrzeni kilku wieków. Jednak wszyscy ci kompozytorzy wyróżniają się na tle swoich współczesnych jako kompozytorzy, którzy komponowali muzykę najwyższego kalibru i starali się przesuwać granice muzyki klasycznej na nowe granice. Na liście nie ma żadnej kolejności, takiej jak ważność czy osobiste preferencje. Tylko 10 wspaniałych kompozytorów, których powinieneś znać.

Każdemu kompozytorowi towarzyszy przytoczony fakt z jego życia, przypominający, że będziesz wyglądać jak znawca. Klikając link do nazwiska, poznasz jego pełną biografię. I oczywiście możesz posłuchać jednego ze znaczących dzieł każdego mistrza.

Najważniejsza postać światowej muzyki klasycznej. Jeden z najczęściej wykonywanych i szanowanych kompozytorów na świecie. Tworzył we wszystkich gatunkach, jakie istniały w jego czasach, m.in. w operze, balecie, muzyce do przedstawień dramatycznych i dziełach chóralnych. Do najważniejszych w jego spuściźnie zaliczają się dzieła instrumentalne: sonaty na fortepian, skrzypce i wiolonczelę, koncerty na fortepian, skrzypce, kwartety, uwertury, symfonie. Twórca okresu romantyzmu w muzyce klasycznej.

Interesujący fakt.

Beethoven chciał najpierw zadedykować swą trzecią symfonię (1804) Napoleonowi, kompozytora urzekła osobowość tego człowieka, który dla wielu na początku swego panowania wydawał się prawdziwym bohaterem. Kiedy jednak Napoleon ogłosił się cesarzem, Beethoven przekreślił swoją dedykację na stronie tytułowej i napisał tylko jedno słowo – „Bohaterskie”.

„Sonata księżycowa” L. Beethovena, Słuchać:

2. (1685-1750)

Niemiecki kompozytor i organista, przedstawiciel epoki baroku. Jeden z najwięksi kompozytorzy w historii muzyki. W ciągu swojego życia Bach napisał ponad 1000 dzieł. Jego twórczość reprezentuje wszystkie znaczące gatunki tamtych czasów, z wyjątkiem opery; podsumował osiągnięcia sztuki muzycznej okresu baroku. Założyciel najsłynniejszej dynastii muzycznej.

Interesujący fakt.

Za życia Bach był tak niedoceniany, że opublikowano zaledwie kilkanaście jego dzieł.

Toccata i fuga d-moll J. S. Bacha, Słuchać:

3. (1756-1791)

Wielki austriacki kompozytor, instrumentalista i dyrygent, przedstawiciel wiedeńskiej szkoły klasycznej, wirtuoz skrzypiec, klawesynista, organista, dyrygent, miał fenomenalny talent muzyczne ucho, pamięć i umiejętność improwizacji. Jako kompozytor wyróżniający się w każdym gatunku, słusznie uważany jest za jednego z najwybitniejszych kompozytorów w historii muzyki klasycznej.

Interesujący fakt.

Jeszcze jako dziecko Mozart nauczył się na pamięć i nagrał Miserere (pieśń kat. na podstawie tekstu 50. Psalmu Dawida) Włocha Gregorio Allegriego, przesłuchawszy ją tylko raz.

„Mała nocna serenada” W.A. Mozarta, Słuchać:

4. (1813-1883)

Niemiecki kompozytor, dyrygent, dramaturg, filozof. Miał znaczący wpływ na kultura europejska przełomu XIX i XX wieku, zwłaszcza modernizm. Opery Wagnera zachwycają rozmachem i wiecznymi wartościami ludzkimi.

Interesujący fakt.

Wagner brał udział w nieudanej rewolucji 1848-1849 w Niemczech i został zmuszony do ukrywania się przed aresztowaniem przez Franciszka Liszta.

„Walkiria” z opery „Walkiria” R. Wagnera, Słuchać

5. (1840-1893)

kompozytor włoski, Centralna figura Włoska szkoła operowa. Verdi miał wyczucie sceny, temperament i nienaganny warsztat. Nie zaprzeczył tradycjom operowym (w przeciwieństwie do Wagnera), wręcz przeciwnie, je rozwinął (tradycje opery włoskiej), przekształcił operę włoską, napełnił ją realizmem i nadał jedność całości.

Interesujący fakt.

Verdi był włoskim nacjonalistą i został wybrany do pierwszego włoskiego parlamentu w 1860 r., po ogłoszeniu niepodległości Włoch od Austrii.

Uwertura do opery „Traviata” D. Verdiego, Słuchać:

7. Igor Fedorowicz Strawiński (1882-1971)

Rosyjski (amerykański - po emigracji) kompozytor, dyrygent, pianista. Jeden z najważniejszych kompozytorów XX wieku. Twórczość Strawińskiego jest spójna przez całą jego twórczość, choć styl jego dzieł był różny w różnych okresach, ale rdzeń i rosyjskie korzenie pozostały, które były widoczne we wszystkich jego dziełach; uważany jest za jednego z czołowych innowatorów XX wieku. Jego innowacyjne wykorzystanie rytmu i harmonii zainspirowało i nadal inspiruje wielu muzyków, nie tylko muzyki klasycznej.

Interesujący fakt.

Podczas I wojny światowej rzymscy celnicy skonfiskowali portret Strawińskiego autorstwa Pabla Picassa, gdy kompozytor opuszczał Włochy. Portret został namalowany w futurystyczny sposób, a celnicy pomylili te koła i linie z jakimś zaszyfrowanym tajnym materiałem.

Suita z baletu I.F. Strawińskiego „Ognisty ptak”, Słuchać:

8. Johanna Straussa (1825-1899)

Austriacki kompozytor lekka muzyka, dyrygent i skrzypek. „Króla Walców” stworzył w gatunku muzyki tanecznej i operetki. Jego muzyczne dziedzictwo obejmuje ponad 500 walców, polek, kadryli i innych rodzajów muzyki tanecznej, a także kilka operetek i baletów. Dzięki niemu walc stał się w XIX wieku niezwykle popularny w Wiedniu.

Interesujący fakt.

Ojcem Johanna Straussa jest także Johann i także znany muzyk, dlatego „Król Walca” nazywany jest najmłodszym lub synem, jego bracia Joseph i Eduard również byli znanymi kompozytorami.

Walc J. Straussa „Nad pięknym błękitnym Dunajem”, Słuchać:

9. Siergiej Wasiljewicz Rahmaninow (1873-1943)

Austriacki kompozytor, jeden z wybitnych przedstawicieli Wiedeńska szkoła muzyki klasycznej i jeden z twórców romantyzmu w muzyce. Dla mnie krótkie życie Schubert wniósł znaczący wkład w twórczość orkiestrową, kameralną i muzyka fortepianowa, który wywarł wpływ na całe pokolenie kompozytorów. Jednak jego najbardziej uderzający wkład polegał na rozwoju romansów niemieckich, których stworzył ponad 600.

Interesujący fakt.

Przyjaciele i inni muzycy Schuberta spotykali się i wykonywali muzykę Schuberta. Spotkania te nazywano „Schubertiadami”. Pierwszy fanklub!

„Ave Maria” F.P.Schuberta, Słuchać:

Kontynuując temat wielkich kompozytorów, których warto znać, nowy materiał.

„Opera „Borys Godunow”” – Stosunek do osobowości Borysa Godunowa. Monolog Borysa. Musorgskiego. Przeszłość jest w teraźniejszości. Rosja. Chaliapin jako Borys Godunow. Scena w katedrze św. Bazylego. Scena z dzwonkami. Zimny ​​popiół. Próba ujawnienia tożsamości. Postać cara Borysa. Borys. Interpretacja osobowości Borysa Godunowa. Postawa.

„Opera „Sadko”” – Siła sztuki. Kompozytor jest gawędziarzem. Zagraniczne cuda lub cuda podwodnego świata. Epopeja operowa „Sadko” Rimskiego-Korsakowa. Każdy gość chwali swój kraj. Opera „Sadko” to arcydzieło rosyjskiej muzyki klasycznej. Autorzy „Sadka”. Cud gatunku operowego. Sceny z opery „Sadko”. W operze „Sadko”, jak w każdej baśni, dzieje się wiele cudów.

„Chińska Opera” – Dotkliwość. Okrucieństwo. Odniesienia do mitycznych bohaterów. Istnieje kilka różnych teorii na temat pochodzenia makijażu. Wspaniały dowódca. Sztuka. Niebieski i zielony. Białe twarze. Wydajność. Rodzaj makijażu. Historia makijażu. Makijaż w operze chińskiej.

„Opera Książę Igor” - W latach 60. XIX wieku. W Petersburgu zajmował się działalnością naukową, pedagogiczną i społeczną. A. P. Borodin. I. Głazunow „Dwóch książąt”. Cezar Antonowicz Cui. Mili Aleksiejewicz Bałakiriew. W 1856 ukończył Akademię Medyczno-Chirurgiczną. Od 1858 doktor medycyny. Ze względu na duże obciążenie pracą naukową i pedagogiczną Borodin pisał powoli.

„Opera to gatunek muzyczny” - gatunek sztuki muzycznej. Sceny z opery - epicka „Sadko”. Opera Claudio Monteverdiego „Orfeusz”. "Moulin Rouge". Opera. „Opera Maryjska”. Opera San Carlo w Neapolu. Opera – Bylina „Sadko” N.A. Rimski – Korsakow. Operetka. „Hall Carnegie”. Scena Teatru Bolszoj. Opera Gioquinno Rossiniego Cyrulik sewilski.

„Opera Snow Maiden” – Pytanie 2. Na jakim dziele literackim wzorowana jest opera „Snow Maiden”? 1. w języku rosyjskim opowieść ludowa 2. na podstawie baśni A. Ostrowskiego 3. na podstawie baśni A.S. Puszkin. Pytanie 7. Który instrument orkiestry symfonicznej naśladuje dźwięk rogu pasterskiego Lela w operze? 1. flet 2. klarnet 3. trąbka. Opera „Śnieżna Panna” (test).

W sumie odbyło się 12 prezentacji