Pożegnanie Słowianki, obraz Wasiliewa. Obraz K. Wasiliewa „Pożegnanie Słowianina”. Wasiliew Konstantin Aleksiejewicz: zdjęcia z ostatnich lat jego życia

Fiodor Wasiliew 1850-873 Wasiliew zauważył kiedyś: „Jeśli namalujesz obraz składający się wyłącznie z błękitnego powietrza i gór, bez ani jednej chmury i przedstawisz go tak, jak w naturze, to jestem pewien, że zbrodnicze zamiary osoby patrzącej na to zdjęcie zostanie przełożone…” Takie niezniszczalne

Michaił Niestierow 1862-1942 Wzdłuż głębokiej rzeki idzie wielka procesja. Rosyjski chłopiec z ikoną w rękach uroczyście występuje naprzód. Ma taką duchową twarz. Za nim, jak zaczarowany, podąża ogromny tłum, trzymając się w pewnej odległości. W jego centrum -

Franz Alekseevich Roubaud (1856–1928) W przededniu setnej rocznicy bitwy pod Borodino, która stała się punktem zwrotnym Wojna Ojczyźniana W 1812 roku malarz batalistyczny Franz Roubaud rozpoczął pracę nad wspaniałą panoramą „Bitwa pod Borodino”. Jednocześnie wyjątkowy

Michaił Wasiljewicz Niestierow (1862–1942) Wasilij Iwanowicz Niestierow, ojciec malarza, mówił, że prawdziwego artystę rozpozna w swoim synu dopiero wtedy, gdy jego obrazy trafią do galerii P. M. Tretiakowa. I tak Tretiakow, widząc Pustelnika, zapytał młody mistrz sprzedać

Kapiton Alekseevich Zelentsov 1790–1845 Zelentsov zaczynał jako artysta amator. Był synem asesora kolegialnego. Jego ojciec był właścicielem trzech fabryk, które kupił od uralskiego właściciela fabryki Demidowa. Zelentsov służył w Ministerstwie Spraw Wewnętrznych. Malarstwa uczył się poprzez kopiowanie

Aleksander Aleksiejewicz Zlatow 1810–1832 Zlatow był poddanym właściciela ziemskiego N.M. Zmeevy z rejonu kaszinskiego. W 1826 r. Zlatow został uczniem A.G. Venetsianova, który pomógł mu uzyskać wolność. Zlatow wraz z innymi mieszkał w mieszkaniu Wenecjanowa w Petersburgu

Aleksander Aleksiejewicz Aleksandrow 1811–1878 Aleksandrow był uczniem malarza ikon N. S. Kryłowa, który został uczniem A. G. Venetsianova. Aleksandrow urodził się we wsi Lubenki w obwodzie kaszynskim, w rodzinie chłopów pańszczyźnianych należącej do właściciela ziemskiego O. N. Kuminowej.

Aleksiej Aleksandrowicz Wasiliew 1811–? Wasiliew pochodził ze szlachty, studiował na uniwersytecie i jako bezpłatny gość uczęszczał na zajęcia w Petersburgu Akademia Cesarska sztuki, a następnie został uczniem A.G. Venetsianova. W 1845 r. za portret artysty A. E. Egorowej Wasiliewa

Korovin Konstantin Alekseevich (1861–1939) Portret T. S. Lyubatowicza S. Śpiewak operowy Korovin poznał Tatianę Spiridononovną Lyubatovich (1859–1932) podczas pracy nad przedstawieniami w Prywatnej Operze S.I. Mamontowa, gdzie grała główne role. Korowin komponuje hymn

Muzykę marszu „Pożegnanie Słowianina” znam od dzieciństwa, zawsze bardzo mi się podobała i kojarzyła się z imprezy wakacyjne. Zrozumiałem prawdziwy sens marszu w wojsku i teraz, po długim czasie, jaki minął od tego czasu, rozumiem, że jest to bardzo trudne dla osoby, która nie maszerowała w szeregach z bronią, która nie była poborowa i zdemobilizowana , aby zrozumieć pełny sens marszu. Mam na myśli znaczenie dla Armii, przede wszystkim znaczenie psychologiczne.
Tak się złożyło, że aż do wiosny 2010 roku nie słyszałem marszu ze słowami (próby terytorialne się nie liczą, bo dla Armii Kraju nie mają one znaczenia).
Nie jestem osobą techniczną w pierwszym pokoleniu, nigdy nie wątpiłem w swój cel, lubiłem pracę moich rodziców. Po ukończeniu studiów i obronie pracy magisterskiej I bardzo poświęcił swoje życie przemysłowi obronnemu, a wszystko, co pisał w poezji, służyło wyrazowi myśli i było przeznaczone wyłącznie dla jego najbliższych. Nigdy nie pojawiły się myśli o publikacji.
Na początku lat 80., nie pamiętam już okoliczności, nigdy nie prowadziłem pamiętników, moją uwagę przykuła ilustracja do obrazu Konstantina Wasiliewa „Pożegnanie Słowianina”, uderzyło mnie, jak bardzo artysta potrafił wyczuć ducha i znaczenie muzyki marszowej. Obraz został namalowany elementami surrealizmu, które artysta opanował, śmiem twierdzić, absolutnie. I to właśnie zastosowanie surrealizmu pozwoliło rozwiązać w filmie, jak się wydaje, pewną sprzeczność w samym marszu Agapkina - gatunek muzyczny marszu i nazwę „Pożegnanie Słowianina”, czyli pożegnanie z z jednej strony jednostka wojskowa (marsz wojskowy to muzyka dla więcej niż jednego żołnierza), a z drugiej kobieta.
Wasiliew pokazał dokładnie moment, kiedy armia w szeregach łączy się w jeden organizm, mający jedno przeznaczenie nakierowane na Zwycięstwo, któremu podporządkowane jest wszystko inne, a kobieta odchodząca ich wszystkich odprowadza.
Traci także swoją indywidualność i zaczyna reprezentować wszystkich pozostawionych i czekających. Tych, którzy uratują dzieci i zapewnią Zwycięstwo poprzez pracę i Wiarę.
To właśnie ten obraz wzbudził przemyślenia, które stopniowo przekształciły się w gotowy tekst. Jak wszystko inne, i tę napisałam dla siebie.
Wszystko zmieniło się w czasie wakacji majowych 2010 roku, kiedy w telewizji usłyszałem „Pożegnanie Słowianina” z tekstem, było jasne, że znaczenie tekstu trudno od razu wyłapać z ekranu, poszedłem do Gorbuszki i zapytałem sprzedawcy o marszu słowami. Po przeszukaniu kilku dowiedzieliśmy się, że są dwa wpisy: chór kozacki i Tatiana Petrowa. Mieli płytę w wykonaniu Tatiany Petrowej.
Tekst był ten sam, występ był bardzo dobry i pełen emocji, ale uderzyło mnie co innego – przecież zgodnie ze znaczeniem tekstu to nie był marsz Armia rosyjska, ale hymn wojny domowej.
Potem zacząłem przeszukiwać Internet, co nigdy wcześniej nie przyszło mi do głowy, i zobaczyłem kilka dodatkowych opcji tekstowych. Było dla mnie całkowicie jasne, że żaden z nich nie nadawał się na marsz wojskowy 1. Armii Rosyjskiej, który był marszem Wasilija Iwanowicza Agapkina przez prawie sto lat i pozostanie przez długi czas.
To właśnie te przemyślenia skłoniły mnie do opublikowania mojego tekstu. Dziś nie wiem, czy stanie się tym, na którego czas czekał prawie sto lat, czy też pojawi się ktoś inny. Czas i naród rosyjski o tym zadecydują. Włożyłem swój wkład, jaki mogłem, dla moich rodaków.

Pozdrawiam, Michaił Smirnow

Z bezkresnych połaci ojczyzny, z rodzinnych miast i pól
Podniesie nas potężna moc, jaką daje mleko matki.
Ty, Rosjo, stoisz od wieków, twoje oblicze zajaśnieje dla twoich potomków!
I nie pozwolimy nikomu zbezcześcić waszych dróg do jasnej świątyni!

Chór

Zabierzmy ciężkie czasy z kraju, wzywa nas Ojczyzna!
Nowa armia gromadzi się pod ukochanymi sztandarami Zwycięstwa.
Pozostawiając wszystkich, których kochamy i łącząc się z losem w szeregach,
Nie zapomnimy światła naszych domów, będziemy bronić naszego honoru i chwały!

I światło twoich ukochanych oczu -
Gwiazdą przewodnią dla nas,
Gwiazda szczęścia,
Gwiazda Nadziei
Uratuje żołnierza więcej niż raz w bitwie.
Gwiazda szczęścia,
Gwiazda Nadziei
Zawsze przechowujemy Twoje światło w naszych duszach!

Matko Rosjo, pobłogosław nas!

Nasi dziadkowie pozostawili nam dziedzictwo: zawiera ono naukę o pokonaniu wroga!
A miłością, nadzieją i wiarą uchroń dom swego ojca przed złem.
Pamięć o waleczności naszych przodków jest nieśmiertelna, zwyciężamy potężnym hurra!
Nasze sztandary powiewają dumnie, nadszedł czas, abyśmy je nieśli.

I znowu dźwięk trąb wzywa nas na wędrówkę,
W świętej formacji spotkamy wroga w bitwie!
Niech dźwięki trąb wzywają nas do ponownej wędrówki,
Porządek słowiański zawsze prowadzi nas do Zwycięstwa.

Matko Rosjo, pobłogosław nas!

Inna wersja trzeciego wersetu

Nasi dziadkowie pozostawili nam dziedzictwo: zawiera ono naukę o pokonaniu wroga!
A miłością, nadzieją i wiarą chroń dom swego ojca przed złem.
Dla Rosji nie ma niewoli niewolników, krok jest mocniejszy, a nasze szeregi gęstsze,
Nasze sztandary powiewają na wietrze, duch zwycięstwa wzywa Was na paradę!

Opinie

Całkowicie się z Tobą zgadzam. Musiałem maszerować wzdłuż placu apelowego na marsze wojskowe. Wrażenia niezapomniane, zwłaszcza gdy towarzyszy im marsz „Pożegnanie Słowian”. Jest to szczególny szacunek, jakiego nie okazywano oficerom, a nawet generałom.

Ale zawsze nagradzano ich demobilizacją, bez względu na to, jak bardzo byli niechlujni. Nie jestem też „biała i puszysta” – tak właśnie mam, ale kiedy słyszę „Pożegnanie Słowianki”, mam ochotę wstać i pozdrowić nawet bez nakrycia głowy. Ten marsz jest przeszywający i wyjątkowy. A ogromna liczba „lewicowych” słów wskazuje tylko na jego znaczenie i wyjątkowość.

Z poważaniem,
Wiktor Anninski, niegdyś podchorąży i sierżant dzielnych oddziałów kolejowych, któremu udało się nawet dostać do BAM.

Jego ojciec Aleksiej Aleksiejewicz pochodzi z Petersburga i jest uczestnikiem trzy wojny(I wojna światowa, cywilna – walczyła w dywizji Czapajew, II wojna światowa – partyzancka, komunistyczna), inżynier, wielki znawca i miłośnik przyrody, miłośnik literatury.

Matka Claudia Parmenovna Shishkina - po stronie matki z chłopów z Saratowa.

Większość życia mieszkał we wsi Wasiljewo koło Kazania. W 1961 roku znakomicie ukończył Kazańską Szkołę Artystyczną.

Artysta od dzieciństwa interesował się malarstwem, zachwycając się pięknem ojczyzna, szybko czytał książki o rosyjskiej starożytności, bajki, eposy, a w swoich obrazach odzwierciedlał wszystko, co zawsze martwiło jego duszę - moc bohaterów, wyjątkowość rosyjskiej przyrody, oryginalność starożytnych miast i osad.

Jak wielu malarzy, Konstantin z pasją poszukiwał własnego stylu i kierunku - raz po raz zmieniał swoje podejście do rysunku. Początkowo zainteresował się surrealizmem, tworząc obrazy w duchu Salvadora Dali i Pabla Picassa („Sznur”, „Wniebowstąpienie”, „Apostoł”). Jednak szybko się nim rozczarował. Powiedział więc swoim przyjaciołom: „Jedyną rzeczą, która interesuje surrealizm, jest jego czysto zewnętrzna popisowość, umiejętność otwartego wyrażania w lekkiej formie chwilowych aspiracji i myśli, ale nie głęboko zakorzenionych uczuć”. Odchodząc od surrealizmu, Wasiliew pogrążył się w ekspresjonizmie, pisząc cykle obrazów („Kwartet”, „Smutek królowej”, „Wizja”, „Ikona pamięci”, „Muzyka rzęs”). Kiedy jego umiejętność przedstawiania form zewnętrznych osiągnęła apogeum, Konstantin ponownie zmienia kierunek: boi się utraty siły twórczej za przedstawianiem obrazów pustych w głębi znaczeń.

To właśnie w tym momencie artysta odnalazł coś, co poprowadziło go na dalszą drogę twórczą na wszystkie kolejne lata. Początkowo zafascynowany rosyjskimi krajobrazami Wasiliew zaczął coraz głębiej wnikać w jego twórczość niesamowity świat pierwotna kultura rosyjska. Później nazwał Wasnetsowa swoim nauczycielem, a nawet zadedykował mu obraz „Gęsi i łabędzie”. Spod jego pędzla wyłaniają się wspaniałe krajobrazy, rozcieńczone portrety ludzkie, uderzające swoją żywotnością. Wtedy urodziło się najwięcej słynne dzieła artysty („Czekanie”, „Człowiek z puchaczem”, „Orzeł Północy”), symbole rosyjskiej tożsamości i głębokiej rosyjskiej duszy. Wasiliew namaluje na tej fali wiele obrazów gatunek bitewny, w tym poświęcone Wielkiej Wojnie Ojczyźnianej („Pożegnanie Słowianki”, „Marszałek Żukow”, „Tęsknota za Ojczyzną”).

Jego styl twórczości jest bardzo indywidualny – każdy ze swoich utworów napisał do muzyki. Inspiracją dla artysty były utwory przepełnione żywą energią, noszące piętno umysł ludzki i uczucia. To są Rosjanie pieśni ludowe, są to oczywiście klasyki (szczególnie umiłował Szostakowicza), są to także pieśni wojskowo-patriotyczne, które pojawiły się w czasie wojny. Być może dlatego chcesz posłuchać jego obrazów. Przedstawił ogień specjalnymi świetlistymi farbami.

Niestety za mojego życia genialny artysta represjonowane przez władze oficjalne i wielu krytyków, oskarżając je o „rosyjski faszyzm”. Przez długi czas nie pozwolono mu wystawiać i nalegano, aby zaprzestał malowania bezużytecznych „niesowieckich” obrazów. I nawet po śmierci artysty, pomimo pozornie złagodzonych relacji, przed pierestrojką jego obrazy były prześladowane i próbowano je zniszczyć. Tylko dzięki staraniom mieszkańców Kołomnej większość dzieł udało się zachować i umieścić w muzeum.

Kiedy artysta skończył malować legendarny obraz „Człowiek z puchaczem”, powiedział matce: „Teraz umiem malować”, a kilka dni później zmarł. 29 października 1976 r. życie 35-letniego Konstantina Wasiliewa przerwał wypadek. Oficjalna wersja tragedii jest taka, że ​​został potrącony przez pociąg przejazd kolejowy. Biorąc jednak pod uwagę, jak dziwna i nieoczekiwana była jego śmierć, istnieją pewne wątpliwości, czy rzeczywiście był to wypadek. Niestety, na koleje losu nie mamy wpływu, ale wielki rosyjski duch młodego twórcy będzie żył wiecznie w jego obrazach, przypominając nam o oryginalności i wielkości naszej Ojczyzny i jej mieszkańców.

Przerwany lot

Najczęściej Wasiliew przebywał w swoim zwykłym zamkniętym środowisku, w otoczeniu kobiet i dzieci: matki, sióstr, siostrzenic. Niektórzy przyjaciele potępiali go za takie środowisko, wierząc, że Konstantin jest pogrążony w sprawach rodzinnych i nie może się od nich uwolnić. Radzili mu rzucić wszystko, wyjechać na dłuższy czas do Moskwy, spotkać tam znanych artystów i ludzi sztuki.

Ale jego delikatna i wrażliwa natura, pomimo pozornej beznamiętności, nie chciała brać udziału w targach ani narzucać swoich usług celebrytom. Wasiliew nie potrzebował sztucznej reklamy. A jednak pod naciskiem przyjaciół został kiedyś zmuszony zabrać swoje obrazy do stolicy w trzymiesięczną podróż. I trudno było oprzeć się atakowi Anatolija Kuzniecowa, który oznajmił, że sam Ilja Siergiejewicz Głazunow wyraził chęć zapoznania się z twórczością prowincjonalnego artysty i niewykluczone, że spróbuje pomóc w zorganizowaniu wystawy jego prac.

Opinia przyjaciół i krewnych była jednomyślna - musieliśmy jechać, zwłaszcza że Anatolijowi udało się zamówić samochód do transportu obrazów aż do Moskwy. Wasiliewowie rozłożyli wszystkie posiadane pieniądze, sprzedali część swojego dobytku i ostatecznie zbierając nieznaczną kwotę, która mogła jednak pokryć koszty podróży i zapewnić wyżywienie w wielkim mieście, pobłogosławili Konstantyna na podróż.

Wylot zaplanowano na koniec grudnia. Było to w wigilię Nowego Roku 1975, a Kostya chciał spędzić te rodzinne wakacje w domu. Ale mosty spłonęły - zamówiono samochód i aby nie zakłócać planów, Giennadij Pronin zgłosił się na ochotnika, aby z nim pojechać.

Konstantin podjął pracę w fabryce, gdzie pracował jako grafik, a pod koniec grudnia 1974 roku wraz z przyjacielem Kostyą wyruszyli w drogę. Droga okazała się trudna i długa. Przeprawa przez Wołgę na peronie kolejowym, zamieć, zaspy śnieżne – wszystko to wydłużyło podróż o trzy dni. Ostatecznym celem ich podróży są jednak Moskwa i Carycyno. To tam mieszkała Swietłana Aleksandrowna Mielnikowa, która obiecała zorganizować spotkanie Wasiliewa i Głazunowa.

Nieco osobliwą i dość tajemniczą postacią, która pojawiła się na horyzoncie Konstantyna, była ta kobieta. W wielu aktywnie współpracowała organizacje publiczne, jednocześnie była uważana za powierniczkę artysty Ilji Głazunowa, a dzięki swojej niesamowitej aktywności cieszyła się opinią osoby, która wiedziała o wszystkim, co działo się w twórczym świecie, przynajmniej w Moskwie. Kuzniecow, który znał Mielnikową od dawna, przedstawił jej kiedyś Konstantina.

Następnego dnia po przybyciu do Moskwy Swietłana Aleksandrowna zajęła się swoimi sprawami, zostawiając Pronina z numerem telefonu Ilji Siergiejewicza Głazunowa: „Zadzwoń i negocjuj już teraz sam…”. Giennadij usiadł do telefonu i od razu miał szczęście:

Ilya Sergeevich, przywieźliśmy obrazy artysty z Kazania, chcemy ci pokazać.

Ach... tak, tak. Powiedziano mi. Witaj. Odwiedza mnie przewodniczący Radzieckiego Komitetu Pokojowego. Zobaczmy razem...

Rozładowaliśmy w wymienionym domu. Ale obrazy nie chciały zmieścić się w windzie. Musiałem je wszystkie sam zanieść na dziewiąte piętro. Właściciel mieszkania otworzył drzwi, a przyjaciele zaczęli się rozpakowywać i pokazywać swoje prace.

Jako pierwszy ujawniono „Książę Igor”. Głazunow patrzył i milczał. Drugi to „Jarosławna”. Potem coś się zaniepokoiło i zaczął się rozglądać:

Gdzie jest artysta? Tutaj jesteś, przeciągając wszystko dookoła, rozwijając to. Gdzie jest artysta?

Konstantin milczał, „pracował” jako ładowacz. Giennadij nie mógł tego znieść:

Tak, to artysta, mój partner.

Cześć, jestem Ilya Sergeevich Glazunov. A ty?

Wszyscy się zapoznali. Rozpakowaliśmy trzecie zdjęcie - „Jesień”. Głazunow całkowicie się wzruszył:

Ach, czekaj, teraz zadzwonię do Ministra Kultury RFSRR.

Po kilku minutach wrócił:

Teraz nadchodzi, obejrzymy to razem. Obrazy jeden po drugim ustawiały się wzdłuż ściany. Głazunow stał długo przy każdym i przyglądał się im. Pół godziny później przybył siwowłosy, krępy mężczyzna Jurij Serafimowicz Mielentiew i również zaczął z wielkim zainteresowaniem przyglądać się dziełu. W rozmowie okazało się, że Głazunow co drugi dzień wyjeżdża do Finlandii i zmuszony jest zerwać stosunki z Wasiliewem. Polecił jednak Konstantina Mielentiewa jako oryginalnego rosyjskiego artystę i poprosił o pomoc w organizacji wystawy. A Kostya powiedział:

Koniecznie przyjdź do mnie za dwa tygodnie i będziemy kontynuować rozmowę.

Ale ani po dwóch tygodniach, ani po dwóch miesiącach Wasiliew nie przypomniał sobie o sobie. Uważał, że Głazunow dobrze wiedział, gdzie można go znaleźć w razie potrzeby. A ze względu na swój charakter nie mógł i nie chciał przejąć inicjatywy.

Sytuacja była taka, że ​​Wasiliew zmuszony był na coś długo czekać. Wokół niego zaczął tworzyć się krąg ludzi, wykazujących wzmożone i nie do końca bezinteresowne zainteresowanie jego obrazami. Słowem rodziły się plany zorganizowania wystawy jego prac, ale w rzeczywistości wszystkie te obietnice odebrały jedynie ostatnie skromne oszczędności artysty.

Co cię obchodzi Głazunow? Wszystko zorganizujemy sami. Wystarczy wybrać się do restauracji z takim a takim przyjacielem.

Później okazało się, że ta osoba nie jest w stanie nic zrobić i trzeba umówić się na spotkanie z inną: tam pewnie wszystko by się ułożyło… Potem przyszła korekta:

Wiesz, sprzedajmy jeden z Twoich obrazów, pozostał nam jeszcze ostatni wysiłek i otwórzmy wystawę...

Niedoświadczony w takich relacjach międzyludzkich Wasiliew początkowo żartobliwie zgodził się:

Cóż, jestem osobą podporządkowaną, muszę być posłuszny.

Jedynym prawem, jakie sobie zastrzegł, było prawo do twórczości. Ciągle pracował, nie mógł powstrzymać się od pracy. Zrobiłem olejny portret starego przyjaciela Moskwy, Wiktora Biełowa. Kilka obrazów namalował wspólnie z jednym ze swoich nowych znajomych, artystą Kozlovem. Tło wykonał Kozłow, a sceny rodzajowe Wasiliew. Następnie Kozlov sprzedał obrazy jako współautor. Wasiliew napisał także wersję „Oczekiwania”, która również wkrótce zniknęła na zawsze. Z przywiezionej kolekcji bezpowrotnie zaginęło wiele obrazów, m.in. „Książę Igor”, pierwsza wersja „Jarosławnej” i kilka pejzaży.

Artysta został zmuszony do oddania części prac w ramach wdzięczności za zapewniony mu nocleg: musiał okresowo zmieniać mieszkania, aby nie nadużywać gościnności Swietłany Aleksandrownej. Nie można powiedzieć, że cały czas spędzony Wasiliew w Moskwie był stracony. Zaprzyjaźnił się także z bardzo interesującymi ludźmi: pisarzem Władimirem Dudincewem, poetą Aleksiejem Markowem. A w trzecim miesiącu pobytu w stolicy w końcu go odnalazł Ilja Siergiejewicz Głazunow, który wrócił z kolejnej podróży zagranicznej.

Artyści rozmawiali długo, a Głazunow, czując się całkiem dobrze z Wasiliewem, był zdumiony powagą i głębią, z jaką Konstantin wnikał w rozwijane tematy. Spotkali się kilka razy, a Ilja Siergiejewicz zawsze z zainteresowaniem pytał Kostyę o malarstwo i muzykę. Miał rzadką kolekcję płyt gramofonowych przywiezionych z podróży zagranicznych. Głazunow nagrał płytę i poprosił Konstantina o wyjaśnienie, jak rozumie ten utwór. Wasiliew od razu dość trafnie opisał całą myśl kompozytora. Albo Głazunow, znawca historii Rosji, rozpoczynałby jakiś starożytny marsz, przypisując go pewnemu okresowi Imperium Rosyjskiego, ale Wasiliew nagle poprawiał go, mówiąc:

Nie, Ilja Siergiejewicz, to nie ta epoka. Puszkin nie mógł słuchać takiego marszu. Zaczęło brzmieć dopiero za czasów Dostojewskiego...

Oznacza to, że Wasiliew zaskoczył Głazunowa zdumiewającą dokładnością historyczną: nie tyle znajomością niektórych faktów, ale głębokim postrzeganiem wydarzeń z historii Rosji aż do szczegółów, jakby sam Konstantin przeżył wszystkie jej okresy i mocno je odcisnął jego pamięć. Bez wątpienia zadziałała tu przenikliwa myśl artystyczna Wasiliewa.

Być może nie mamy dziś prawa rozmawiać o tym, co dała sobie komunikacja dwóch artystów. Narysujmy tylko drobne podobieństwa, wskazując, że wszelkie kontakty między kreatywnymi ludźmi, niezależnie od ich pragnień, dają jedno i drugie nowy materiał dla zrozumienia. Wasiliew pokazał Głazunowowi swoją pochodnię - świecę płonącą w dłoni mężczyzny, która uosabia jego duchowe palenie: na obrazach „Dostojewski”, „Oczekiwanie”. Co ciekawe, nauka cybernetyczna klasyfikuje takie spalanie jako jedno z tajemnicze zjawiska Natura. Przecież świeca nie rozpala się (parafina czy stearyna nie zapalają się), ale też nie gaśnie. Oznacza to, że między ogniem a ogniem ustala się dynamiczna równowaga otoczenie zewnętrzne. Równowaga ta istnieje długo, trwale i niezmiennie. Intuicyjne pragnienie Wasiliewa podobny obraz w malarstwie nie jest przypadkowe. Trwałe, długie palenie - ciągła uwaga, ciągłe skupienie twórcze były symbolami samego życia artysty.

Oczywiście wizerunek świecy w malarstwie nie jest odkryciem. Świece były na płótnach Pukirewa w „ Nierówne małżeństwo”, w autoportrecie Laktionova i wielu innych artystów. Jednak pojawiały się tam najczęściej jako niezbędne atrybuty lub przedmioty wyrafinowanej codzienności. Tutaj wyłoniły się jako potężny niezależny symbol, pogłębiający znaczenie dzieła sztuki. I Ilja Siergiejewicz Głazunow nie mógł tego nie poczuć.

Wielkiego mistrza uderzyło także odkrycie przez Konstantina zderzenia tonów barwnych – jaskrawej czerwieni i stali oraz innych teoretycznie niezgodnych plam barwnych, które mają niezwykle silny rezonans emocjonalny. Głazunow twórczo refraktuje to znalezisko w obrazie „Dwóch książąt” i innych pracach. Podobnie jak Wasiliew, Ilja Siergiejewicz uważa za rozsądne pokazywanie swoich płócien gościom odwiedzającym jego warsztat pod dobrze dobranym akompaniament muzyczny.

Komunikacja z czcigodnym artystą pozostawiła głęboki ślad w duszy Konstantina. Głazunow zainspirował Wasiliewa do tworzenia duża seria prace z cyklu „Epic Rus”: jeden format i jeden styl – specjalna wersja do reprodukcji obrazów na pocztówkach. Konstantin wykonał to zadanie, ale niestety nie miał czasu, aby pokazać obrazy swojemu mentorowi. Po śmierci Wasiliewa część z nich została faktycznie opublikowana przez wydawnictwo „Izvostnoe Iskusstvo” w wersji pocztówkowej.

Trzeci miesiąc pobytu Konstantina w Moskwie dobiegał końca. Coraz częściej otrzymywał listy od bliskich z prośbą o jak najszybszy powrót. Klavdia Parmenovna już martwiła się o swojego syna. I nie czekając na wystawę swoich prac, Wasiliew wraca do domu. Według wspomnień Klavdii Parmenovnej trochę obawiała się tego spotkania, spodziewając się, że jej syn będzie przygnębiony porażką. Ale on, jakby spodziewając się podekscytowania matki, wydawał się wesoły, ciągle rzucając dowcipy:

Napoleon pojechał do Moskwy, a ja pojechałem do Moskwy. Napoleon wrócił z pustymi rękami. I przyniosłam Ci mamo pomarańcze w prezencie...

Tak naprawdę jego stan umysłu nie był aż tak wysoki. Konstantin nagle poczuł się niepewnie. Poskarżył się swoim przyjaciołom:

Jesteśmy tu, na wsi, na naszej grzędzie, coś tworząc, do czegoś dążąc. Czy ktoś tego potrzebuje?..

Rozpoczął się kolejny okres depresji i twórczej stagnacji artysty. Najwyraźniej dla delikatnej, nieco sentymentalnej i wrażliwej natury Wasiljewa przejście do innego środowiska mogłoby być katastrofalne. Mieszkając na wsi, Konstantin przebywał w zamkniętej atmosferze, która stała się jego trudny los. Ale ta atmosfera była taka, że ​​mógł doprowadzić do realizacji każdy ze swoich pomysłów. W tym sensie jego izolacja, niechęć do wdawania się w pomieszanie artystycznych pasji była swego rodzaju odpornością twórczą.

Otrząsnąwszy się jednak z twórczego odrętwienia, Konstantin niczym zbawienne źródło sięgnął do żywej historii Ojczyzny – do bohaterskich wydarzeń ostatnia wojna, z którym w pewnym stopniu zetknął się jego własny los. Pragnął prawdziwego, silnego uczucia, które pomogłoby mu odzyskać wszystkie siły fizyczne i duchowe. Rzeczywiście, kiedyś siła ducha narodu rosyjskiego pomogła mu wytrzymać wszelkie próby moralne i przetrwać w walce z wrogiem. Odrzuca wiele swoich czysto zewnętrznych zainteresowań i zagłębia się w kreatywność.

Obrazy z gatunku bitewnego stworzone przez Wasiliewa w tym okresie wydają się być kontynuacją jego epopei heroiczna symfonia. Można w nich wyczuć ten gigantyczny system korzeniowy, przenikający wszerz i w głąb wieków, który odżywiał i wzmacniał wyczyn ludu w Wielkiej Wojnie Ojczyźnianej. Temat walki nie tylko narodu rosyjskiego z niemieckim faszyzmem, ale także narodów świata ze wszystkim, co wrogie powszechnej ludzkości, wszedł w świadomość artystyczną Wasiliewa, zachowując zabarwienie patriotycznego romantyzmu, pełnego najgłębszej wiary w życie, w triumf dobroci i światła.

Jedno z dzieł z tej serii „Parada 41.” należy obecnie do Muzeum Kazańskiego sztuki piękne. Mimo całej prostoty wydaje się, że nie nowy skład- żołnierze idą prosto z defilady na front - artysta odnajduje swoje charakterystyczne, oryginalne rozwiązanie.

Przede wszystkim znaleziono niezwykły kąt. Widz patrzy na to, co się dzieje, jakby ze ścian katedry św. Bazylego, na szczycie pomnika Minina i Pożarskiego, celowo powiększonego i dominującego na płótnie. I natychmiast pojawiają się dwa symboliczne plany Wasiliewa.

Pierwszy plan to formalne uznanie. Widzimy rytmiczne stalowoszare kolumny żołnierzy i mimowolnie czujemy dramatyczną atmosferę tego, co się dzieje. Jednocześnie postacie Minina i Pożarskiego, przedstawione w antycznych togach, natychmiast dają nam kolejny potężny płaszczyzna duchowa- nieskończoność, niezniszczalność ludzi, budząca historyczne skojarzenia z naszymi przodkami. Ci bohaterowie historia narodowa jakby błogosławili nowych bohaterów w obronie tego, co jest im najdroższe – Ojczyzny.

To niesamowite, że znając zwycięski koniec wojny, doświadczamy w tym obrazie napięcia jej początku, doświadczamy tej inspirującej mocy, która pojawia się tylko w straszne dni, napełniając nasze serca patriotyzmem.

Strukturalnie dzieło zadziwia zarówno specjalistów zajmujących się malarstwem, jak i tych, którzy oczywiście nigdy nie widzieli z wyjątkową siłą tak artystycznego rozwiązania przestrzenności i perspektywy.

Praca połączona z tym obrazem „Inwazja” doskonale uzupełnia i rozwija jednolitą mitologiczną podstawę ich wspólnej fabuły. Artysta długo rodził pomysł na obraz i nie raz przepisywał to, co zaczynał. Początkowo była to kompozycja wielofigurowa, przedstawiająca zaciętą walkę Krzyżaków ze Słowianami. Ale skupiając się główny pomysł a przenosząc konflikt na płaszczyznę duchowo-symboliczną, Wasiliew znosi sceny batalistyczne, zastępując je siłami przeciwstawnymi duchowo.

Na płótnie pozostały już tylko dwa symbole. Po jednej stronie stoi zniszczony szkielet katedry Wniebowzięcia Ławry Kijowsko-Peczerskiej, na której zachowały się nieliczne twarze świętych, którzy śpiewają z zamkniętymi ustami, niesłyszalnymi dla nas, ale mają kilka potężnych hymnów. A z drugiej strony mija nas żelazna kolumna niszczycieli, wijąca się jak wąż i mierząca swoje tempo.

W dyptyku, w niezwykle lakonicznej formie, w mocnym kontekście symbolicznym zderzają się dwie odwiecznie przeciwstawne zasady – Dobro i Zło, które mają specyficzną ziemską formę: My i Oni. Walka ukazana jest nie tylko i nie tyle na ziemi czy w niebie, walka toczy się w sercach, w duszach. Obydwa obrazy wykonane są w monochromatycznych odcieniach szarości, ze wszystkimi możliwymi odcieniami. Tworzy to niezbędną jedność koncepcji filozoficznej i jej rozwiązania technicznego, co dodatkowo wzmacnia brzmienie obrazów i osiąga niesamowitą harmonię dzieł. A gdyby Wasiliew pozostawił po sobie tylko te dwa dzieła, to nawet wtedy przeszedłby do historii na zawsze Kultura narodowa- znaczenie tych obrazów jest dla nas ogromne.

Tworząc serial militarny, Konstantin zrealizował swoje najśmielsze plany. Jednym z nich było pojawienie się prac poruszających tematykę ulubionych marszów wojskowych, które zawsze odgrywały dużą rolę w rosyjskim życiu wojskowym. Artysta uważał, że starożytne marsze rosyjskie w wykonaniu orkiestr dętych to kolejny ważny przekrój potężnej warstwy kultury rosyjskiej.

A teraz spod jego pędzla wychodzą dzieła „Pożegnanie Słowianina” i „Tęsknota za Ojczyzną”. Malował je przy odpowiednim akompaniamencie muzyki na dużych płótnach – każde o długości do dwóch metrów. Dla Konstantina, zawsze bardzo ograniczonego w funduszach, taki niedostępny luksus był rzadkim wyjątkiem. Ale oczywiście kreatywny pomysł a jego realizacja wymagała właśnie takiej decyzji artysty. Poczucie harmonii nigdy go nie zawiodło: widz mimowolnie odbiera potężne dźwięki orkiestr dętych, które zdają się rozprzestrzeniać po całej powierzchni obrazów.

Na płótnie „Pożegnanie Słowianina” postać żołnierza wyróżnia się w tak szybkim ruchu w stronę świętej ochrony, że wydaje się, że za nim stoi nie oddział żołnierzy, ale cały naród. Po prawej stronie na zdjęciu postać kobiety z dziewczynką; kobieta wyprostowała się nienaturalnie, podejmując ostatni heroiczny wysiłek, by nie popaść w rozpacz. Patrzy gdzieś ponad bliską jej osobę, daleko w przyszłość i zdaje się dostrzegać fatalne wydarzenia, które już nadchodzą. Ruch żołnierzy i zamrożoną rozpacz żałobników artysta uchwycił na tle niespokojnego nieba z zimnymi, szarymi chmurami i szczelinami świecącymi ogniem. Całość kompozycji w niewidoczny sposób przesiąknięta i uwydatniona jest muzyką znanego marszu wojskowego.

Jak mocno i przekonująco Wasiliew przekazał stan napięcia fizycznego i duchowego ludzi w tamtych czasach, można ocenić z listu opublikowanego w gazecie „Wieczór Kazan” 5 lipca 1983 r. Podam jego pełną treść:

„Było to w czerwcu 1941 r. O świcie trzy faszystowskie samoloty Yu-88 bezskutecznie próbowały zbombardować małą stację Wielkopolje. Rano zaczął padać deszcz. Samoloty wystartowały. Wszystko było w wodzie – zielona trawa, szyny, spuchnięta promenada.

Rozpoczęło się wejście na pokład. Tu i ówdzie brzmiało: „Pospiesz się! Spieszyć się!" Żołnierze pospieszyli do pojazdów.

Zebrali się z boku pociągu lokalni mieszkańcy. Chudzi chłopcy zaczęli grać przejmujący marsz „Pożegnanie Słowianki”, napisany przez trębacza orkiestry wojskowej W. Agapkina.

Wśród żałobników wyróżniał się wysoki śliczna kobieta trzymając za rękę dziewczynę, która jest niezwykle do niej podobna. „Jarosławna!” - pomyślałam, patrząc na młodą mamę. Nagle krzyknęła: „Misza!” Na jej głos barczysty żołnierz odwrócił się i machnięciem ręki pożegnał „Jarosławną”. Z brzękiem zderzaków pociąg ruszył w stronę przodu. A deszcz, który uratował nas przed najazdem wroga, lał bez przerwy.

Leżąc po rannym w szpitalu frontowym, czytałem wiersze A. Surkowa w gazecie poświęconej obronie Moskwy. I w wersach poety zabrzmiała taka pewność siebie – „Ten facet w szarym płaszczu nigdy nie odda Moskwy”, że znów przypomniała mi się ta scena: młoda kobieta w chustce i jej ukochany, zdeterminowani do końca spełnić swój obowiązek.

Wojna się skończyła. Od tego czasu minęło kilkadziesiąt lat. I wtedy pewnego dnia znajomy zaprosił mnie na wystawę, o której mało kto wiedział sławny artysta Konstantin Wasiliew, wystawiony w Centrum Młodzieży.

Moją uwagę przykuł obraz, wokół którego zgromadził się tłum zwiedzających. Ku mojemu największemu zdumieniu ujrzałem na zdjęciu scenę odległego pożegnania na linii frontu: surowa, jasnowłosa kobieta trzymająca dziewczynę za rękę, ulewny ukośny deszcz, szeregi żołnierzy. A podpis brzmi: „Pożegnanie Słowianki”.

I wtedy natknąłem się na Izwiestię z datą 15 października 1979 r. z reprodukcją tego obrazu. Na dole znajdują się objaśnienia: „Konstantin Wasiliew (1942–1976) był przedwcześnie zmarłym malarzem, którego tematem wielu dzieł była Wielka Wojna Ojczyźniana”.

Patrzyłam na to zdjęcie długo i nadal je podziwiam, chociaż z wiekiem pożółkło. I za każdym razem, gdy zadaję sobie pytanie: jak osoba, która urodziła się rok po rozpoczęciu wojny i obserwowanej przeze mnie scenie pożegnania, mogła namalować takie płótno? Być może na tym polega prawdziwa siła sztuki. P. Makarow, weteran wojenny.”

Równie lakoniczny i emocjonalny jest obraz Wasiliewa na temat marszu wojskowego „Tęsknota za Ojczyzną”. Pierwsze wrażenie to nie pojedyncza twarz, tylko solidne, stalowe hełmy z przerażającym blaskiem rtęci i plecy ludzi w szarych płaszczach żołnierskich, wkraczających w otwierający się na horyzoncie blask wojny. I nagle - profil młodego żołnierza, delikatne rysy pod twardą stalą. Wojownik przesyła być może ostatnie pożegnalne spojrzenie do ukochanej Ojczyzny...

Wydawało się, że artysta zrealizował w malarstwie dwa niepodważalne arcydzieła muzyczne. Każde z tych realistycznych dzieł ma nieoczekiwane i, jak nam się obecnie wydaje, jedyne możliwe rozwiązanie kompozycyjne. Jednak Wasiliew, niezwykle wymagający wobec siebie, uznał za konieczne wzmocnienie symbolicznego brzmienia „Pożegnania Słowianina”. Po włożeniu obrazu do wody do namoczenia w tym celu niestety nie miał czasu na malowanie nowa opcja. Dlatego płótno wyjęte z wody po śmierci Wasiliewa znacznie ucierpiało. Ale nawet w tym charakterze dzieło wywiera silny wpływ emocjonalny na widza, zwłaszcza jeśli patrzy na nie w trakcie grania muzyki tego marszu.

Szczególne miejsce w cyklu prac militarnych artysty zajmuje portret marszałka Związku Radzieckiego G. K. Żukowa.

Kiedyś Konstantin zacytował przyjaciół Puszkina: „Car rosyjski ma w swoim pałacu komnatę, nie jest ona bogata w sobole ani w srebro…” – zauważył z pewną goryczą:

A w tym pomieszczeniu wisiały portrety bohaterów Wojny Ojczyźnianej 1812 roku. Szkoda, że ​​dziś nasi ludzie nie mają zebranych portretów bohaterów nowej Wojny Ojczyźnianej.

A Wasiliew, pielęgnując wielkie i śmiałe plany, postanowił stworzyć podobną galerię wizerunków tych dowódców, którzy przewodząc ludziom, gloryfikowali siłę rosyjskiej broni. Taki cykl prac należało połączyć w jedno rozwiązanie artystyczne. Konstantin długo się zastanawiał, szukając jedynej formy przedstawienia, w jakiej powinny powstać portrety

Artysta wybrał tradycję portretu ceremonialnego, tak rozpowszechnioną w XIX wieku, a zapomnianą przez naszych malarzy. Wiedząc, że tradycję tę określa się mianem „ducha pompatycznego”, że piętnuje się ją i rani na wszelkie możliwe sposoby, Konstanty nie bał się przekroczyć zakazanej granicy.

W rozumieniu Wasiliewa pewna konwencja i powaga portretu ceremonialnego jest absolutnie konieczna. To nie przypadek, że na przykład symbolika towarzysząca uroczystej orkiestrze wojskowej jest pompatyczna: wojskowa orkiestra dęta podczas marszu zawsze wygląda uroczyście i odświętnie. Podobnie w przypadku portretów osób kojarzonych z legendarną sławą widz powinien doświadczyć duchowego uniesienia, wzrostu swoich aspiracji.

I Wasiliew z całym taktem, bez nadużyć środki artystyczne w tym kierunku rozpoczął planowany cykl.

Obraz jest niezwykle symboliczny. Na pierwszym planie legendarny marszałek G.K. Żukow, depczący sztandary i sztandary - symbole dawna wielkość"Trzecia Rzesza". Płaszcz narzucony na jego ramiona jest jak skrzydła, które wyniosły tego człowieka do chwały. A potem, w głębinach, sama historia ożywa: na tle zadymionego rosyjskiego nieba, niespokojne i groźne, widać szkielety domów zniszczonego Stalingradu. Ale oczyszczający ogień zemsty jest blisko, języki jego płomienia, wznoszące się za marszałkiem, już rozpraszają brud. I widzimy, jak skądś z nieba, przez lekką mgłę chmur, nadchodzą kolumny armii rosyjskiej.

Cała ta symbolika podporządkowana jest jednemu pragnieniu - przekazać to, co straszne, tragiczne i jednocześnie wielka epoka, jakiego doświadczył nasz naród, naród zdolny w trudnych czasach wykształcić ze swoich szeregów niezwyciężonych dowódców.

W tym w dużej mierze odważnym, nowatorskim dziele, w całej jego strukturze język artystyczny można odczuć potężny wpływ nie tylko mitu ludowego, ale także szkoły wielkich mistrzów malarstwa. Jest tu technika filigranowa, niesamowite wyczucie koloru i cały arsenał najróżniejszych technik i środków technicznych, którymi posługuje się artysta.

Na przykład, jak przyznał sam Wasiliew, pomysł szeregów żołnierzy poruszających się po niebie zapożyczył od genialnego Rafaela: w „Madonnie Sykstyńskiej”, jeśli przyjrzysz się uważnie, zobaczysz, że przestrzeń jest wypełniona głowami aniołów.

Portret marszałka Żukowa pokazał, jakie niewyczerpane możliwości kryją się w potężnej potędze realizmu, zdolnego stworzyć niezwykle pojemną formę sztuki.

Na pośmiertnych wystawach Konstantina Wasiljewa ludzie z entuzjazmem nawoływali się do obejrzenia tego portretu, tak jak zrobiliby to, gdyby obok przechodził sam przywódca wojskowy ludu. I rzeczywiście: pierwsze wrażenie na portrecie Żukowa to bohaterski bunt i potężne zwycięstwo ludu, scalone z milionem zwykli ludzie V jedna osoba dowódca, prawdziwy bohater II wojny światowej, syn swojej Ojczyzny.

Temat Wielkiej Wojny Ojczyźnianej niejednokrotnie wywoływał romantyczne wzrosty w radzieckiej sztuce realistycznej. Ale dla Wasiliewa sam wybór tematu zależy od jego wewnętrznych duchowych aspiracji. Romans jest wpisany w samą naturę tej osoby, w jej artystyczną intuicję.

Stale udoskonalając i uduchawiając swoje artystyczne obrazy, Wasiliew w portrecie Żukowa osiąga nowy poziom jakościowy, podejmuje próbę wyrażenia jakiejś głównej, bolesnej myśli. Film wreszcie wyraża główną ideę autora: walkę o silną i piękną osobę.

To nie przypadek, że artysta wydobywa na światło dzienne wewnętrzną walkę ludzkie namiętności na pole bitwy, wrzuceni w płomienie wojny. Wojna to czas, w którym postacie są wyraźnie spolaryzowane. Wojna to miejsce, gdzie czysta i siły świetlne z rezygnacją idą na śmierć w imię Ojczyzny, a wszystkie złe duchy ukrywają się lub grasują. U Wasiliewa bohaterstwo zawsze sąsiaduje z tragizmem, jego bohaterowie często umierają, ale zawsze zwyciężają moralnie. Łącząc antypody w bezkompromisowej sytuacji, artysta wzywa nas do zachowania czystości naszych aspiracji w codziennych, mniej stresujących sytuacjach.

Patriotyczne obrazy Wasiliewa, poświęcone walce z faszyzmem podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej, wywołały w naszym kraju wielkie oburzenie społeczne. W jego epopei widać wielką moc bohaterów historycznych. Często wymagane jest od widza napięcie fizyczne i duchowe, aby zdecydować, jak postrzegać wydarzenie, które miało miejsce na obrazie, jego fabułę i symbolikę. Realizm surowych twarzy na obrazach artysty to nic innego jak zrozumiałe dla każdego skupienie podczas każdego trudnego zadania.

Widzowi może wydawać się dziwne, jeśli G.K. Żukow, w całej inspiracji i tragedii wyzwolenia Ojczyzny, nagle ukazywał się Wasiliewowi z życzliwym uśmiechem. Albo, powiedzmy, na obrazie „Pożegnanie Słowianina” twarz żołnierza – symbol ochrony – i twarz kobiety – symbol ziemi rosyjskiej – zwrócone byłyby ku sobie z melancholijną wrażliwością.

Jest w tym pewien paradoks. Niektórzy artyści, znajdujący się na tyłach Wielkiej Wojny Ojczyźnianej, malowali wyłącznie martwe natury. Inni, wiele lat później, nie znając wojny, nagle wyrażają jej tragedię. Oczywiście nowe pokolenie chce na swój sposób zrozumieć zjawiska naznaczone najgłębszą tragedią i jednocześnie największym wzlotem ducha ludzkiego. I nic dziwnego, że młody artysta nie poprzestał na obrazach natury, ale wybrał znaczące momenty w historii kraju w przejawie charakteru bohatera.

Obrazy Wasiliewa zawsze – czy to pejzaż, portret, bitwa – skupiają całą harmonię uczuć, a nie wrażliwość, i całą harmonię sił, a nie nadludzki despotyzm, wszystko, co naprawdę tworzy życie, jego wartość.

Patrząc w przyszłość z wiarą w harmonijną osobę, Wasiliew pisze swoją Ostatnia praca„Człowiek z puchaczem”, który stał się szczytem filozoficznych uogólnień w twórczości artysty.

Jest to złożony symbol-obraz osoby, która wyłoniła się ze środowiska ludzkiego i wchłonęła wszystkie jego najlepsze cechy. Realistyczny skład fabuły Przenika różnorodna symbolika, płynąca z serca, z ludzkiej duszy, niczym zbite utrwalone, ludowe koncepcje.

Wasiliew jak nikt inny pokazał, jak ważna jest symbolika w dziełach realistycznych. Ale nie ta konwencjonalna, przeciągnięta symbolika, którą należy rozwiązać jak rebus, co jest typowe na przykład dla mistrzów północnego renesansu XV-XVI wieku, gdzie obrazy reprezentowały zalegalizowany system symboli: buty Wysunięte na pierwszy plan obraz miały uosabiać oddanie małżonków, a pies oznaczał komfort domu i tak dalej. Przez symbolikę sam Wasiliew rozumiał obrazy artystyczne, które budzą wysokie uczucia.

Na obrazie „Człowiek z puchaczem” płonący zwój z pseudonimem artysty „Konstantin Wielki Rosjanin” i datą, która stała się rokiem jego śmierci – 1976, w dłoni niesie pochodnię, bicz, przenikliwy ptak, zamknięty ziemski krąg, celowo przesunięty, - to wszystko są symbole. Ale mogą wydawać się płaskie lub bardzo pojemne i bogate duchowo. Wszystko zależy od tego, jak je odbierze widz. Artysta nie dokonywał specjalnego doboru symboli, rodziły się one w nim w ukryciu podczas tworzenia obrazów. Działał intuicyjnie: pomimo całej żelaznej logiki, potrzebne mu informacje przyjmował z nieznanym nam uczuciem.

Dlatego Wasiliew zawsze lubił patrzeć na ogień. Konstantyna pociągał żywioł ognia i jego piękno. I pojawił się ogień, na jego płótnach pojawiły się świece. Okazały się narzędziem wygodnym technicznie. Artysta mógł na tym zarobić schemat kolorów obrazów, wymagane oświetlenie twarzy bohatera. Dodatkowo świeca jest pięknym elementem dekoracyjnym. Ale stopniowo zamienił się w symbol-latarnię Wasiliewa…

Na zewnątrz nic w lampie Wasiliewa nie jest szyfrowane. To samowystarczalny symbol, który każdy będzie postrzegał na swój sposób. Interpretacja obrazów może być różna w zależności od kompletności ich zrozumienia.

Jest na przykład takie odczytanie „Człowieka z puchaczem”. W przebraniu starca artysta próbował przedstawić mądrość ludzkiego doświadczenia. Powstający gigant połączył dwa światy: niebo i ziemię, niczym mitologiczne drzewo życia – łącznik dwóch sfer. Wasiliew przypomina, że ​​na Ziemi rosną nie tylko kwiaty i drzewa, ale także życie ludzkie. To było tak, jakby starzec wrósł w ziemię, która nie obudziła się jeszcze z zimnego snu. Futro jego futra, przypominające fakturą mroźne korony drzew, świadczy o jego dawnym związku z zimowy las. Człowiek wzniósł się ponad samą naturę i osiągnął takie wyżyny, że głową podparł sklepienie nieba.

Co jednak mędrzec zabrał ze sobą w trudną podróż, być może równą życiu wielu pokoleń, aby połączyć dwie zasady i osiągnąć harmonię na świecie?

Podstawą prawdziwego uniesienia – a jego symbolem – płonący zwój pod własnym pseudonimem artysta stawia wszelkie twórcze spalanie, wierząc oczywiście, że tylko twórcza myśl, zrodzona z wiedzy, jest w stanie osiągnąć kosmiczne wyżyny. Ale imię płonie! Jest w tym drugie, osobiste znaczenie. Prawdziwy artysta, prawdziwy myśliciel musi całkowicie zapomnieć o sobie dla dobra ludzi, dla swojego ludu.

Tylko wtedy staje się siłą życiodajną. Kreatywność jest jednym z największych przejawów ludzkiego ducha.

Z płomieni i popiołów wyłania się mały pęd dębu – znak wieczności. Dąb jest przedstawiony jak kwiaty koniczyny nawleczone jeden na drugi - starożytny symbol mądrość i oświecenie. Ogień kreatywności pozostawił na ziemi nieśmiertelną wiedzę!

Nad pędem pali się światło, zaciśnięte prawa ręka starzec Najwyraźniej jest to najważniejsza rzecz, którą mędrzec wziął i nosi ze sobą. Pochodnia jest symbolem równomiernego i nieugaszonego spalania duszy. Aureola świecy oddaje subtelne rysy twarzy osoby, łącząc rzadką koncentrację z wzniosłością myśli. Jakieś specjalne znaczenie przytłacza tajemnicze oczy starzec Mają egocentryzm, czujność nie tylko wizualną, ale także wewnętrzną, duchową.

Trzyma bicz nad swoją szarą głową, a na rękawicy tej samej dłoni siedzi groźnie wyglądający ptak - puchacz. Jej „żywe” oko – wszystkowidzące oko – dopełnia ruch w górę: dalej – gwiaździste niebo, przestrzeń. Bicz lub bicz są konieczne, aby zachować męstwo w każdych warunkach: bez powściągliwości prawdziwa mądrość jest nieosiągalna. I wreszcie wizerunek sowy, sowy różne narody zawsze był symbolem mądrości, bezstronnej wizji świata. Puchacz to ptak, dla którego nawet pod osłoną nocy nie ma tajemnic. To objawienie, do którego dąży przyszły człowiek i które prędzej czy później osiągnie. Poetycki obraz starszy, urodzony artysta, jest niejako wliczony w cenę życie wieczne naturę i „wyraża to, czego po cichu doświadcza świat”.

Obraz potwierdza wielką wartość samego życia, jego nieubłaganego ruchu i rozwoju. Jej pojawienie się zwiastowało początek pewnego nowy obraz. Artysta po ukończeniu płótna wyraźnie to odczuł. I być może po raz pierwszy poczułem pilną potrzebę samotności, aby głębiej zrozumieć kierunek, który znalazłem. Wraz z bratem Anatolija Kuzniecowa, Jurijem, zapalonym myśliwym, Konstantin udał się do lasów Mari.

Pierwszą osobą, którą spotkali po powrocie z polowania, był Anatolij Kuzniecow. Konstantin odpowiadał monosylabami na wszystkie pytania i patrzył ponad głowę, oderwany od wszystkiego... Dopiero następnego dnia artysta powiedział odwiedzającemu go przyjacielowi i matce: „Teraz rozumiem, co trzeba napisać i jak pisać .” Siła zawarta w tych słowach wskazywała, że ​​Wasiliew naprawdę wkracza w nową fazę życia i twórczości. Poczuł jakiś impuls życiowy, coś zupełnie nowego. Był to potężny przypływ siły, który przeniknął go z zewnątrz, na otwartych przestrzeniach Mari. Jego świadomość zaczęła się restrukturyzować. I wiele można było oczekiwać po nadchodzącym okresie. Stało się to zaledwie kilka dni przed śmiercią artysty...

W październiku 1976 r. w Zelenodolsku zorganizowano wspólną wystawę artystów z regionu i miasta, na której Konstantin zaprezentował trzy swoje prace: „Nieoczekiwane spotkanie”, „Oczekiwanie” i „Portret Leny Aseevy”. Sądząc po licznych wpisach w księdze gości, jego obrazy bardzo podobały się widzom. Po zamknięciu wystawy, 29 października o godz. 18.00 postanowiono zorganizować dyskusję na temat prac z udziałem artystów.

Konstantin wydawał się tego wieczoru bardzo wesoły. Przygotowując się do spotkania, poprawił swój formalny brązowy garnitur i nucił w rytm marszu wojskowego wydobywającego się z płyty. Kiedy wszystko było już gotowe i Konstantin kierował się do wyjścia, niespodziewanie przyszedł do niego jego kazański znajomy Arkady Popow. Dowiedziawszy się, że Kostya jedzie na wystawę, chciałem do niego dołączyć. Nagle zobaczyłem „Człowieka z puchaczem” i zatrzymałem się, jak zaczarowany. Następnie Konstantin wrócił i włączył do odtwarzacza płytę ze wstępem do trzeciego aktu Parsifala Wagnera...

Wychodząc, powiedział do Klawdii Parmenownej: „Nie zostanę długo, po rozmowie pójdę prosto do domu…”

Dopiero trzy dni później poinformowali matkę o jego śmierci. Tego wieczoru na przejeździe kolejowym obaj przyjaciele zostali potrąceni przez przejeżdżający pociąg. Ta śmierć wstrząsnęła wieloma...

Pochowano Konstantego w brzozowym gaju, w tym samym lesie, w którym uwielbiał przebywać, zamieniając się czasem w beztroskie dziecko, gdzie w czasach swoich dawnych zainteresowań muzyką konkretną odnajdywał nieoczekiwane dźwięki, które go zadziwiały, a gdy dorósł odkrył świat piękna. Przyjaciele wynieśli Konstantina z domu w ostatnią podróż, przy dźwiękach marsza pogrzebowego Wagnera „Na śmierć Zygfryda”…

W jego pokoju na ścianach pozostały samotne niedokończone prace: „Ojczyzna”, portret jego siostry Ludmiły, dziecięcej portret grupowy siostrzenice, portret siostrzenicy Nataszy wśród kwitnących irysów. Plany artysty nigdy się nie spełnią: namalować wspaniałe płótno „Bitwa”, poświęcone bitwie dalej Kursk Bulge, zakończyć całą serię wojskową na podstawie opracowanych szkiców, w tym duży portret marszałka K. Rokossowskiego, rozpocząć serię portretów „Wielkie kobiety Rosji”

Po śmierci Wasiliewa odnaleziono kartkę papieru (z jakiegoś powodu na wpół spaloną) z zapisanymi jego ręką niesamowitymi słowami: „Artysta odczuwa przyjemność z proporcjonalności części, przyjemność z prawidłowych proporcji, niezadowolenie z dysproporcji. Pojęcia te są zbudowane zgodnie z prawem liczb. Widoki reprezentujące piękne relacje liczbowe są piękne. Człowiek nauki wyraża prawa natury w liczbach, artysta je kontempluje, czyniąc z nich przedmiot swojej twórczości. Jest tam wzór. Jest tu piękno. Sztuka nieustannie powraca do swoich korzeni, tworząc wszystko na nowo, a w tym nowym, na nowo ożywiając życie. Dziedziczenie jako siła zbawiająca…”

Czy to są jego słowa? Być może jest to coś zapisanego na pamiątkę... Ale nie o to chodzi. „Nie czytamy książek, ale książki czytają nas”. W tym fragmencie zawarta jest cała istota duszy Konstantyna. Ten niesamowity artysta nie ma niczego niedokończonego. Jest coś niedokończonego. Ale to też jest skończone. Każdy jego szkic czy szkic jest zadziwiająco kompletny, każde pociągnięcie ołówkiem, każdym pociągnięciem pędzla jest niezwykle dokładne i zgodne z prawdą – to zawsze pole intensywnej walki o czystość wyrazu. Artysta nie toleruje zaniedbań, przybliżeń i zaniedbań w sztuce. Stąd niesamowita kompletność któregokolwiek z fragmentów dzieł Wasiliewa. Być może dlatego jego malarstwo jest najściślej związane z muzyką, gdzie każda konstrukcja, niezależnie od tego, jak złożona i improwizowana, wciąż składa się z elementów o absolutnie dokładnej tonacji.

Tylko osoba obdarzona wysokimi ideałami etycznymi może stworzyć doskonałe dzieła sztuki. Doskonałość, mawiali starożytni, rodzi się z równowagi, równowaga ze sprawiedliwości, a sprawiedliwość jest czystością duszy. Doskonałość - równowaga - sprawiedliwość - te koncepcje doskonale pasowały do ​​​​całego charakteru Konstantina Wasiliewa.

Los, który tak często bywa zły wobec wielkich ludzi z zewnątrz, zawsze z troską traktuje to, co w nich wewnętrzne i głębokie. Myśl przeznaczona na życie nie umiera wraz ze swoimi nosicielami, nawet jeśli śmierć dopadnie ich niespodziewanie i przypadkowo. A artysta będzie żył tak długo, jak żyją jego obrazy...

Można śmiało powiedzieć, że Konstantin Wasiliew rozwinął swoją dziewiczą glebę w malarstwie. Otworzył je lekko kierunek twórczy, pozwalając artyście podążać drogą sztuki realistycznej i tworzyć obrazy, aktywnie wpływając na widza, dostarczając bogatego pożywienia dla umysłu i serca.

Na początku stulecia słynny rosyjski i radziecki krytyk sztuki Siergiej Durylin powiedział: „Jedynym sposobem wyzwolenia się z tyranii upadku sztuki jest droga symboliki, jak metoda artystyczna, tworzenie mitów jako ciało sztuki…”

Czyż nie jest to żywe ucieleśnienie tego, co zostało powiedziane, co widzimy dzisiaj na płótnach Wasiliewa? Naprawdę przyjął postawę ludzi jako pierwotną zasadę kreatywności. Artysta wkroczył na drogę mitu w poszukiwaniu bohatera zdolnego służyć sprawie wewnętrznej przemiany ludzi; poszukiwane w mitologii rosyjskiej i sąsiadujące narody harmoniczny, idealna osoba starożytności i odważnie wyrażał znalezione i głęboko wymowne obrazy artystyczne w nowych formach, tworząc głęboko symboliczne płótna.

Dziś widzimy, jak różnorodne postacie – surowe, lekkie, pełne praktycznej troski czy subtelnej poezji – stworzył artysta. Przyglądając się żywym i indywidualnym cechom tych bohaterów, zaczynamy lepiej rozumieć naszą historię, siebie i życie wokół nas. I jak promień światła wysłany z nieznanego świata, oświetla nasze dusze. Na chwilę zapominamy o naszych myślach, pragnieniach i przyglądamy się uważnie temu promieniowi. Obrazy znane dotychczas jedynie z zewnątrz zostają uwydatnione i sprawia wrażenie, jakbyśmy widzieli w nich bijące serca.

Pośród całej mądrości, którą w siebie chłoniemy, pozostając na wysokości utartych koncepcji, nagle zatrzymujemy się i pytamy – czy nasza wewnętrzny świat, czy nasze serce jest tak ciepłe, jak u tych stworzonych przez artystę ludzi, których widzieliśmy tylko raz, ale zapamiętaliśmy na zawsze?

Miarą drogi życiowej artysty nie są przeżyte lata, ale twórcze dziedzictwo, jakie po sobie pozostawił. A twórczość Wasiliewa jest imponująca - 400 obrazów, grafik i szkiców!

Dziesiątki razy z inicjatywy Ogólnorosyjskiego Towarzystwa Opieki nad Zabytkami Historycznymi i Kulturowymi otwierano pośmiertne wystawy tego mistrza. Widzowie często pytają, jaki jest sekret błyskotliwego talentu artysty, jak udało mu się wynieść talent nadawany od urodzenia do oryginalnego mistrzostwa? Ten sekret tkwi w ludziach! Wasiljew jest artystą ludowym, w swej istocie artystą narodowym.

Obrazy artysty odznaczają się pięknem, a nie ładnością, zawierają w sobie żywe połączenie duszy performera i duszy ludu twórcy! A ludzie poczuli i rozpoznali go jako swojego artystę. Każdy nowe spotkanie wraz z nim ludzie nie mogą się tego doczekać. Cóż może być wyższego nad tak harmonijną współbrzmienie dusz artysty i widza?! Ludzkie pragnienie piękna jest kluczem do duchowego zdrowia narodu, powiedział F.M. Dostojewski. I ludzie, którzy mają zdrowy umysł, - niezniszczalna.

Znaczenie edukacyjne i międzynarodowe twórczości Wasiliewa jest ogromne. Jego obrazy wychwalają odwagę i bohaterstwo, budząc w młodych ludziach gotowość do powtórzenia wyczynu ojców. Artysta czerpał materiał do twórczości z życia narodu rosyjskiego, które znał najlepiej. Ale wartość estetyczna jego obrazów, piękno człowieka i natury, które afirmują, jest własnością wszystkich ludzie radzieccy, są zrozumiałe dla widzów dowolnej narodowości. Jego prace są zrozumiałe także dla widzów zagranicznych, którzy wykazali duże zainteresowanie twórczością artysty. Prawdziwie ludowa sztuka zawsze staje się własnością uniwersalną.

W Kołomnej mieszka starsza kobieta – Klavdia Parmenovna Vasilyeva, matka wspaniały artysta. Ciężkie życie za jej plecami. Lata mijają, a zmartwienia nie ustępują. Dziesiątki wystaw, które sprawiły ludziom radość, przyniosły jej smutek: obrazy były zauważalnie zniszczone i wymagają poważnej renowacji. To także nakłada nowy ciężar na jej kobiece ramiona. Jak długo jeszcze będzie znosić zmartwienia swoje i innych ludzi?!

Często w sercu pojawia się bolesny smutek. A kiedy staje się to już zupełnie nie do zniesienia, syn przychodzi do niej we śnie... I słyszy kroki Kosti... Podszedł, otworzył bramę ich starego domu i jak zwykle zapukał w okno kilka krat dalej marsz Beethovena. Wcześniej zawsze powtarzał: „Mamo, nie spiesz się z otwieraniem, masz ciśnienie, poczekam na werandzie!”

Wszedł cicho. Zwany:

Spojrzał na nią długim, czułym spojrzeniem i nagle powiedział z gorzką czułością:

Jesteś bardzo zmęczony, kochanie... Wiem... Proszę o cierpliwość. Pomóż mi jeszcze trochę...