>

Aleksander Borodin. Bohater muzyki rosyjskiej. Lekcja otwarta „Muzyka bohaterska Borodina” Program II symfonii Borodina w częściach

16 stycznia 2013, 02:40

Krajowi muzykolodzy wyróżniają dwa typy rosyjskiego symfonizmu:
konfliktowy (liryczno-dramatyczny),
epicki.
Przedstawicielem pierwszego typu jest na przykład Czajkowski; drugi to Borodin.
Uczciwość w symfonii epickiej jest innego rodzaju niż w symfonii konfliktu.
Cykl epickiej symfonii nie rozpada się, ponieważ każda część reprezentuje jeden aspekt życia (tekst, dramat, komedia).
Razem te części tworzą pełny obraz świata.
Borodin jest autorem epickiej symfonii, uznanej za sztandar.
Standardowy: cykl.
Pierwsza część ucieleśnia bohaterstwo.
Interesująca jest relacja pomiędzy tempem (Allegro) a gęstą orkiestracją.
Powstaje czysto borodiński efekt symfonicznego, dynamicznego monumentalizmu.
Dynamiczny monumentalizm to obszerna, osiadła masa dźwiękowa, której nadano szybkie tempo, które nie odpowiada jej możliwościom.
Borodin jako pierwszy w muzyce rosyjskiej złamał prawo masy i prędkości.
Część druga to scherzo.
Dla Borodina jest to tradycja.
Druga część ucieleśnia ideę świata jako gry.
Migające maski.
Ta część w największym stopniu ujawnia charakterystyczną cechę osobowości Borodina – humor.
Część trzecia zawiera dwie sfery figuratywne – tekstową i dramaturgiczną.
Zakończenie powtarza ideę pierwszej części w uogólnionej formie.
Idea połączenia bohatera i mas.
Standard drugi: interpretacja formy sonatowej.
Forma sonatowa symfonii epickiej różni się od formy sonatowej symfonii konfliktowej.
Po pierwsze, tematyzm.
Temat symfonii epickiej zbudowany jest na intonacjach ogólnych; ma powiązania z rosyjskim folklorem.
Taki tematyzm nie potrzebuje dalszego rozwoju; zasadniczo ma kompletną strukturę.
Wszystkie tematy symfonii nie są rozwinięte, Borodin jedynie je powtarza na innej wysokości.
Temat GP jest zjawiskiem wyjątkowym.
Zawiera dualizm narodowy:
ciężkie tercje i kwarty z ciężkim „spadkiem” do tonu podstawowego - czysto rosyjskiego,
jej początkowy zarys intonacji ma charakter orientalny.
Jego rozwiązanie modalne jest wyjątkowe:
Rosyjska zmienność trzeciego etapu,
Moll frygijski ze zmniejszoną IV (występujący w muzyce wschodniej).
Jego tony odniesienia wyznaczają główne strefy tonalne ruchu:
początek rozwoju – c-mill,
PP w repryzie – Es (Dis)-dur.
GP i PP mają wspólne intonacje.
Druga część „dzwonkowa” w GP jest podobna do początkowej intonacji PP.
Stanowi to podstawę do późniejszej zbieżności tematów.
Rozwój symfonii epickiej różni się także od R. konf. symfonia
Dominuje w nim idea integralności (niezmienności).
Fragmentacja tematu nie ma na celu zniszczenia tematu, ale przybliżenie go do innych tematów w oparciu o wspólne intonacje.
Niemal natychmiast pojawia się hybryda GP i PP – takt 5 z ts.6.
Rozwija się niezależnie.
Na jego podstawie tworzony jest kanon politonalny (ts. 7).
Następnie GP i PP brzmią jeden po drugim jako naturalna kontynuacja siebie.
Plan tonalny GP w opracowaniu jest bardzo interesujący: c (frygijski, z wibrującą tercją) – g – f – d.
Zasada dużego udaru:
Jako nośnik funkcjonalności modalnej Borodin nie przedstawia akordu, tonu czy tonacji, ale integralne kompleksy modalne.
Kolejny przejaw tej zasady: rozwój w rozwoju ma na celu coraz mocniejszą realizację tematów.
Scherzo.
Jego tempo jest na granicy możliwości wykonawczych – całość =108 (!).
Klucz F-dur nabywa się stopniowo.
Na początku dominujący nieakord bez kwinty brzmi do B-moll.
Dzięki enharmonicznej zamianie (bas z fis zostaje przesunięty do c) powstaje tonacja F-dur.
Zgodnie z zasadą Beethovena, lekarz rodzinny wyłania się stopniowo.
Trio ma orientalny charakter.
Trzecia część.
Andante, Des-dur.
Forma sonatowa.
GP – sfera liryczno-epicka.
Blok SP i PP (e-C-As) – dramatycznie.
Programowanie ogólne - Borodin chciał narysować postać Bayana:
najpierw psalterium (harfa), potem pieśń o „sprawach minionych” (solówka na róg).
Opracowanie wypływa z zapytania ofertowego, co stwarza niezwykłą elastyczność formy.
Finał.
N-dur.
Tematyka GP jest bliska pieśni ludowej „Pójdę do Cargorodu”.
(Użył go Bałakiriew w „100 latach”).
GP i PP tworzą epicką opozycję pomiędzy męskością i kobiecością.

AP Borodin „Symfonia Bogatyra”

Symfonia „Bogatyrska” jest szczytem twórczości symfonicznej Borodina. Praca gloryfikuje patriotyzm i siłę Ojczyzny i narodu rosyjskiego. Klarowność dźwięku, czystość barw i niezwykle piękne melodie sprawiają, że dostrzeżesz bogactwo swoich ojczystych ziem. Melodie jedna po drugiej wydają się otwierać nam drzwi do historii, wracając do korzeni, do epickiej twórczości.

To nie przypadek, że symfonia nosi nazwę „Bogatyrskaja”. Dlaczego dzieło nosi taką nazwę, jak powstała kompozycja, a także wiele innych ciekawostek, dowiesz się na naszej stronie.

Historia stworzenia

Uwagę kompozytora zawsze przyciągały obrazy epickie, a także formy symfoniczne. W 1869 r Borodin przyszedł mi do głowy wspaniały pomysł stworzenia symfonii, która uosabia całą rosyjską potęgę przedstawioną w eposach. Pomimo tego, że pierwsza część kompozycji została ukończona w 1870 roku i pokazana przyjaciołom Koło Bałakiriewskiego, prace postępowały dość wolno. Główną przyczyną długich przerw w działalności muzycznej był fakt, że Aleksander Borodin był wybitnym chemikiem, a działalność zawodowa często była dla niego priorytetem. Ponadto w tym samym czasie trwały prace nad dziełem o większej skali, a mianowicie operą „ Książę Igor„(tu warto podkreślić powiązanie obu dzieł).

W rezultacie druga symfonia została ukończona dopiero siedem lat później, w 1876 roku. Prawykonanie odbyło się w lutym następnego roku pod patronatem Rosyjskiego Towarzystwa Muzycznego w Petersburgu. Kompozycję poprowadził znakomity XIX-wieczny dyrygent E.F. Przewodnik. Na prezentację zebrał się cały świat petersburskiej społeczności. Sala się ucieszyła. Druga symfonia z pewnością wywołała sensację.

Równie udana premiera w Moskwie odbyła się w tym samym roku. Dyrygował niezrównany Nikołaj Grigoriewicz Rubinstein. Warto zauważyć, że podczas słuchania społeczeństwo podzieliło się na dwie strony, zgodnie z wrażeniami: jedni uznali, że autorowi udało się w pełni oddać potęgę i niezwyciężoność Rusi, drudzy zaś próbowali podważyć wykorzystanie rosyjskiego folkloru w muzyce świeckiej. .

Jednym ze słuchaczy był węgierski kompozytor i znakomity pianista F. Liszta. Po przemówieniu postanowił wesprzeć Aleksandra Borodina i okazać mu własny szacunek jako profesjonalista na najwyższym poziomie.

Obecnie „Symfonia Bogatyra” jest jednym z utworów znajdujących się w stałym repertuarze wielu orkiestr symfonicznych na całym świecie.

Interesujące fakty

  • Kiedy po raz pierwszy usłyszałem ten kawałek, Modest Musorgski Byłem mile zaskoczony. Zaproponował, aby nazwać dzieło „słowiańskim heroicznym”, ale nazwa się nie przyjęła.
  • Prace nad symfonią trwały całe siedem lat. Faktem jest, że Borodin po prostu nie miał czasu na komponowanie muzyki, gdyż jednocześnie był aktywnym profesorem, co zobowiązywało go do prowadzenia „kursów medycznych dla kobiet”.
  • W filmie dokumentalnym „Siergiej Gierasimow. Symfonia Bogatyra” – utwór jest motywem przewodnim, który przenika całą drogę życiową wielkiego reżysera filmowego ZSRR.
  • Prawykonanie symfonii spotkało się z dużym uznaniem nie tylko rodaków kompozytora, ale także znanych muzyków zagranicznych. F. Liszt po wysłuchaniu był wstrząśnięty do głębi, po premierze zwrócił się do Borodina i poradził mu, aby w muzyce kierował się własnymi uczuciami, a nie słuchał krzyków złośliwych krytyków, gdyż jego muzyka zawsze ma jasną logikę i jest wykonał umiejętnie.
  • Część trzecia i czwarta tworzą jeden minicykl, dzięki czemu realizowane są bez przerwy.
  • Warto zauważyć, że w tamtych czasach rosyjscy kompozytorzy niewiele pisali w gatunku „symfonia”, dlatego Aleksander Porfirjewicz Borodin wraz z Rimski-Korsakow I Czajkowski uważani są za twórców rosyjskiej symfonii klasycznej.
  • Pod wieloma względami II Symfonia przypomina operę Książę Igor. Faktem jest, że pisanie przebiegało równolegle. Często kompozytor zapożyczał tematy z opery i umieszczał je w symfonii lub odwrotnie, pierwotnie komponował je do symfonii i wykorzystywał je w operze. Tematem przewodnim symfonii było więc wyeksponowanie wizerunku Rosjan w operze „Książę Igor”.
  • Temat pierwszy oparty jest na intonacjach znanej pieśni robotniczej Burlatsky’ego „Hej, chodźmy!”
  • Niewiele osób wie, ale początkowo Stasow zaproponował nazwanie dzieła symfonicznego „Lwicą”. Ale kiedy naprawdę przemyślał plan Aleksandra Borodina, wielki krytyk zaproponował nazwanie go „Bogatyrską”. Pomysł przyszedł mu do głowy, gdy kompozytor opowiedział mu o programowym charakterze muzyki.
  • Utwór został poważnie zredagowany przez dwóch mistrzów kompozycji i aranżacji, a mianowicie Nikołaja Rimskiego-Korsakowa i Aleksander Głazunow. Dziś to wydanie jest wykonywane częściej niż wersja pierwotna.
  • Motywem przewodnim finału jest pieśń ludowa „Pójdę do Konstantynopola”.

Twórczość Aleksandra Borodina opiera się głównie na epickich obrazach rosyjskich, które budzą u słuchaczy dumę z Ojczyzny.

Kompozycja składa się z czterech klasycznych części, z tą różnicą, że autor zamienił w strukturze część drugą i trzecią, aby zrealizować własny pomysł kompozycyjny.

Gatunek symfonii jest epicki, co determinuje obecność obrazów odpowiadających tematowi, do których zalicza się potężnego bohatera broniącego Ojczyzny i gawędziarza Bayana.

Warto zauważyć, że utwór nie posiada jasnej koncepcji programowej (ponieważ w sercu symfonii nie ma źródła literackiego), wyróżniają się jednak cechy programowe. W związku z tym każda część może mieć umowne nazwy:

  • Część I – Allegro sonatowe. „Spotkanie bohaterów”.
  • Część II – Scherzo. „Gra bohaterów”
  • Część III – Andante. „Pieśń Bayana”
  • Część IV – Finał. „Bohaterska uczta”


Aleksander Borodin powiedział Stasowowi o tej nazwie jednostek. Warto zaznaczyć, że kompozytor nie nalegał na wprowadzenie konkretnego programu, pozwalając słuchaczowi na samodzielne wymyślanie obrazów. Cecha ta jest w dużej mierze charakterystyczna dla kreatywności uczestników” Potężna gromada”, i objawia się jedynie w grawitacji w kierunku oprogramowania.

Rozwój dramatyczny opiera się na charakterystycznej dla symfonii epickiej technice kontrastowej dynamizacji, dlatego aby lepiej zrozumieć pełny sens zamierzony przez autora, konieczne jest dokładniejsze zbadanie każdej części.

Allegro sonatowe zbudowane jest z dwóch kontrastujących ze sobą części: część pierwsza ma surowy, odważny charakter i wykonywana jest unisono, uosabiając heroiczną moc i siłę, temat drugi przepełniony jest energią życiową, demonstrując młodzieńczą waleczność i bystrość umysłu. Część aktywnie się rozwija, powstaje już nowy materiał muzyczny, ukazujący scenę bitwy bohaterów, następuje początek akcji. Zakończenie to miażdżące brzmienie głównego „heroicznego” tematu.

Scherzo kontrastuje charakterem z częścią poprzednią. Można uznać, że w ujęciu dramatycznym oznacza to uwolnienie emocjonalne.

Część trzecią i czwartą należy rozumieć jako jedną całość. Andante to opowieść Bayan, która określa odpowiedni zestaw technik figuratywnych i instrumentalnych, takich jak naśladowanie dźwięku gusli za pomocą harfy, obecność charakterystycznej dla opowieści zmiennej wielkości. Wewnętrzny rozwój partii opiera się na uroczystym wygłoszeniu w repryzie tematu „bohaterskiego”, który tym samym przygotowuje początek nowej części, którą określa się jako „święto bohaterów”. Finał charakteryzuje się użyciem barw jasnych dla kultury rosyjskiej - piszczałek, gusli, bałałajek. Symfonia kończy się fantastyczną eksplozją muzycznych barw, odzwierciedlających waleczność i energię narodu rosyjskiego.

Zmiana jaskrawo kontrastujących obrazów muzycznych na dużą skalę, połączonych jednością intonacji – to główna zasada symfonii Borodina, przejawiająca się w wielu jego dziełach.

Symfonia Bogatyr jest kroniką muzyki starożytnej Rusi. Dzięki talentowi Aleksandra Borodina i jego bezgraniczna miłość do historii Rosji, kierunek epicki stał się powszechny i ​​aktywnie rozwijany w twórczości takich kompozytorów jak Tanejew, Głazunow i Rachmaninow. Druga symfonia stanowi szczególny symbol Rosji, jej kultury i tożsamości, który nie zaniknie z biegiem lat, ale z każdym rokiem będzie zyskiwał na sile.

Wideo: posłuchaj „Symfonii Bogatyra”

Aleksander Borodin. Bohater muzyki rosyjskiej

Borodin był wyjątkowo utalentowanym kompozytorem i wybitnym naukowcem. Jego niezbyt bogate dziedzictwo muzyczne stawia go jednak na równi z największymi kompozytorami rosyjskimi.

Biografia

Aleksander Borodin urodził się w Petersburgu w 1833 r. w wyniku pozamałżeńskiego romansu gruzińskiego księcia Łuki Stiepanowicza i Ewdokii Antonowej. Aby ukryć pochodzenie chłopca, wpisano go jako syna służącego księcia, Porfirija Borodina. Aleksandra wychowywała matka, ale w społeczeństwie był przedstawiany jako jej siostrzeniec.

Już jako dziecko chłopiec opanował trzy języki obce - francuski, niemiecki i angielski.

W 1850 r. Borodin wstąpił do Akademii Medyczno-Chirurgicznej, ale studiując medycynę, kontynuował naukę chemii, która stała się dziełem jego życia.

W 1858 roku Borodin otrzymał tytuł doktora nauk ścisłych i wyjechał na trzy lata za granicę – do Heidelbergu w Niemczech, a następnie do Włoch i Francji. W Heidelbergu Borodin poznał utalentowaną rosyjską pianistkę Ekaterinę Protopopową, z którą później się ożenił. W 1869 roku adoptowali 7-letnią dziewczynkę.

Przez następne dwie dekady kariera Borodina na Akademii rozwijała się znakomicie: w 1864 roku został profesorem, a w 1872 odegrał ważną rolę w powstaniu kobiecych kierunków medycznych.

Pilnie studiując nauki ścisłe, Borodin jednocześnie nie porzucił studiów muzycznych, choć traktował je jedynie jako swoje hobby. I choć Borodin rzeczywiście był odnoszącym sukcesy naukowcem, to muzyka uwieczniła jego imię.

Po powrocie do Rosji w życiu Borodina nastąpiły wielkie zmiany, dzięki znajomości z Milijem Bałakiriewem i jego kręgiem, do którego należeli także kompozytorzy Modest Musorgski, Cesar Cui i Nikołaj Rimski-Korsakow. Borodin również został członkiem tego kręgu, zwanego „Potężną Garścią”. Kompozytorzy „Potężnej Garści” za swój cel uznali rozwój rosyjskiej muzyki narodowej.

Do głównych dzieł Borodina należą trzy symfonie, dwa kwartety smyczkowe, obraz symfoniczny, 16 romansów i pieśni oraz kilka utworów na fortepian – nie jest to skromne dziedzictwo dla kompozytora, który pisał od czasu do czasu. A poza tym wszystkie te dzieła są doskonałymi przykładami muzyki klasycznej.

Jednak przez około 18 lat wszystkie myśli Borodina jako kompozytora były związane z głównym dziełem jego życia - genialną operą „Książę Igor”, która nigdy nie została ukończona.

Mówią, że...
Siostra M. I. Glinki, L. I. Szestakowa, wspominała: „Najbardziej kochał swoją chemię, a kiedy chciałam przyspieszyć ukończenie jego dzieła muzycznego, prosiłam, żeby potraktował to poważnie; zamiast odpowiedzieć, zapytał: „Czy widziałeś sklep z zabawkami na Litejach pod Newskim, na którego tabliczce jest napisane: „Zabawa i biznes?” Na moją uwagę: „Po co to jest?” - odpowiedział: „Ale widzisz, dla mnie muzyka to zabawa, a chemia to biznes”.
Przyjaciele Borodina bardzo zaniepokoili się, że znów nastąpiła przerwa w pracach nad operą Książę Igor. Przyszedł Rimski-Korsakow i powiedział kompozytorowi, że „Igor” należy za wszelką cenę dokończyć.
- Ty, Aleksander Porfirjewicz, jesteś zajęty drobiazgami, które każda osoba może zrobić w różnych stowarzyszeniach charytatywnych, ale tylko ty możesz dokończyć „Igora”.

Wielki kompozytor i naukowiec zmarł podczas karnawałowego wieczoru 15 lutego (27 lutego) 1887 roku. Miał zaledwie 53 lata. Został pochowany na cmentarzu Ławry Aleksandra Newskiego obok swoich przyjaciół: Musorgskiego, Dargomyżskiego, Sierowa.

„Książę Igor” ukończyli Rimski-Korsakow i Głazunow, a premiera odbyła się na scenie Teatru Maryjskiego w 1890 roku.

Odurzająca muzyka z tej opery zyskała popularność za granicą, kiedy na Broadwayu wystawiono musical Kismet, w którym wykorzystano fragmenty twórczości wielkiego rosyjskiego kompozytora.

Dźwięki muzyki

„Książę Igor”

Fabuła opery została zaproponowana kompozytorowi przez W. Stasowa, który naszkicował także pierwszą wersję libretta, opartą na dziele starożytnej literatury rosyjskiej „Opowieść o kampanii Igora”. Laik opowiedział o nieudanej kampanii dzielnego księcia Igora przeciwko Połowcom – koczowniczym plemionom wschodnim. Kompozytorowi spodobała się fabuła. Zmuszony był jednak nieustannie odrywać się od tworzenia opery na rzecz pracy naukowej, dlatego prace nad dziełem trwały latami. Kompozytor sam napisał libretto, a chcąc jak najlepiej odtworzyć epokę, zapoznał się najpierw z zabytkami starożytnej literatury rosyjskiej, a także z dziełami naukowców mających jakikolwiek związek z wybraną przez niego fabułą.

Mimo że kompozytorzy Potężnej Garści byli pełni entuzjazmu dla księcia Igora, Borodin nagle całkowicie stracił zainteresowanie operą i przez długi czas jej nie dotykał, ignorując prośby przyjaciół. Zamiast tego zabrał się do pracy nad II Symfonią, którą także komponował zrywami, pomiędzy swoją działalnością naukową. Jak na ironię, osobą, która przekonała kompozytora do ponownego podjęcia się zapomnianej opery, był przyjaciel Borodina, młody doktor Shonorov, a nie kompozytorzy Potężnej Garści. Na przykład N. Rimski-Korsakow wielokrotnie próbował popchnąć Borodina do końca. Ale bez skutku. Zachęcał kompozytora do powrotu do orkiestracji Tańców Połowieckich, dosłownie stał nad nim, gdy pracował ołówkiem nad partyturą (aby przyspieszyć ten proces), pokrył ją cienką warstwą żelatyny, aby linie muzyczne nie zostać wymazane.

Ponieważ Borodin nie miał czasu na ukończenie opery, ukończyli ją kompozytorzy Głazunow i Rimski-Korsakow. Premiera odbyła się w 1890 r. Głazunow odtworzył z pamięci uwerturę, którą wielokrotnie słyszał w wykonaniu autora. Opera ta, choć niedokończona, była utworem wyjątkowym, opartym na rozbudowanej fabule, opowiadającym zarówno o gorzkiej walce, jak i szczerej miłości.

Akcja rozpoczyna się w starożytnym rosyjskim mieście Putivl, gdzie książę Igor, opuszczając żonę wraz z synem i świtą, przygotowuje się do wyprawy przeciwko Połowcom pod wodzą Chana Konczaka. Na tle wydarzeń militarnych akcję komplikuje relacja miłosna syna Igora, księcia Włodzimierza, z córką chana Konczakowną.

Uwertura rozpoczyna się w zamyślonym nastroju, który przeradza się w burzliwe, buntownicze kolory, antycypujące kontrastujące sceny i wydarzenia rozgrywające się w operze. Wraz z dźwiękami wezwań wojskowych słychać tu ozdobne i pikantne orientalne motywy kojarzące się z wizerunkiem Chana Konczaka, a wyrazista liryczna melodia smyczków oddaje emocjonalne przeżycia kochającego serca, wplecione w muzyczny zarys.

Tańce połowieckie rozbrzmiewają w momencie przeniesienia akcji opery do obozu połowieckiego. Gdzie książę Igor i jego syn marnieją w niewoli Chana Konczaka.

Co zaskakujące, chan gościnnie traktuje jeńców. Jest nawet gotowy wypuścić Igora, jeśli da słowo, że nie podniesie miecza na Połowców. Jednak Igor odważnie oświadcza, że ​​​​po uzyskaniu wolności ponownie zbierze swoje pułki przeciwko chanowi. Aby rozwiać ponure myśli księcia, Konczak nakazuje niewolnicom śpiewać i tańczyć. Z początku słychać ich piosenkę, pełną smutku i delikatnego uroku, lecz nagle zostaje ona zastąpiona dzikim, wojowniczym tańcem mężczyzn. Potężne dźwięki bębna wybuchają jak burza, rozpoczynając szalony taniec: wszyscy wychwalają waleczność i siłę chana. Następnie wydaje się, że słychać tętent kopyt – dzicy jeźdźcy galopują na koniach – ten szalony rytm ponownie ustępuje delikatnej melodii niewolnic, aż w końcu nieokiełznany taniec wybucha z nową energią. Poprzednie tematy następują po sobie, przyspieszając tempo, aż do imponującego, gwałtownego, nieokiełznanego i wojowniczego finału.

Kwartet smyczkowy nr 2

Zajmując się nauką, Borodin pisał muzykę głównie na skromne zespoły kameralne. W połowie swojej drogi twórczej Borodin powróci do swojej ulubionej formy – w 1881 roku powstanie II Kwartet smyczkowy.

Pomimo nastroju lekkiego smutku, który przenika całe dzieło (kwartet powstał bezpośrednio po śmierci przyjaciela posła Musorgskiego), jest on dedykowany jego ukochanej żonie. Część III (opracowana na orkiestrę smyczkową) rozpoczyna się delikatną wyrazistą melodią wiolonczel, wspartą delikatnym akompaniamentem. Następnie melodia jest podchwytywana przez inne instrumenty i rozwijając się, prowadzi nas do części trzeciej, która jest bardziej wzburzona. Wkrótce znów zabrzmi liryczna melodia, przywracając zamyślony nastrój, w którym cichną ostatnie oddechy smyczków.

II Symfonia „Bogatyrska”

Początek twórczości Borodina wiąże się z powstaniem II Symfonii „Bogatyr” i opery „Książę Igor”. Obydwa dzieła powstały w tych samych latach, są więc ze sobą silnie powiązane treściowo i muzycznie.

Borodin stworzył swoją drugą symfonię, swoje największe dzieło, w ciągu 7 lat.

Według Stasowa, który nadał symfonii przydomek „Bogatyrska”, Borodin przedstawił wizerunek Bayana w trzeciej, powolnej części, wizerunek rosyjskich bohaterów w pierwszej, a w finale scenę śmiałej rosyjskiej uczty.

Pierwszy motyw muzyczny symfonii, zdecydowany i trwały, z którego wyrasta muzyka całej I części, tworzy potężny obraz rosyjskich bohaterów.

Charakter liryczno-epicki najwyraźniej ucieleśnia część trzecia – spokojne Andante. Jest postrzegany jako opowieść ludowego gawędziarza Bayana o chwalebnych wyczynach wojskowych rosyjskich bohaterów i starożytnych książąt. Solowa pieśń klarnetu na tle delikatnych akordowych odcieni harfy przypomina dźwięk gusli. Towarzyszy spokojnej mowie piosenkarza.

II Symfonia ma wielkie znaczenie historyczne. Stał się pierwszym przykładem symfonizmu epickiego, który wraz z gatunkowo-malowniczym i liryczno-dramatycznym stał się jednym z typów rosyjskiej muzyki symfonicznej.


Więcej o Borodinie

Borodin kochał muzykę kameralną, w przeciwieństwie do niektórych członków „Potężnej Garści”, którzy uważali ją za gatunek zachodni, akademicki. Jednak już w młodości Borodin napisał Kwartet fortepianowy a-moll, którego powstanie inspirowane było twórczością Mendelssohna i Schumanna. Później napisał jeszcze dwa piękne kwartety smyczkowe w tym gatunku.

Romanse i piosenki Borodina są bardzo wyraziste. „Śpiąca księżniczka” wprowadza nas w nastrój spokoju i zamyślenia, tak ukochany przez Ravela, Debussy'ego i Strawińskiego. W „Morskiej księżniczce” rozbrzmiewa zew legendarnej Lorelei, delikatnie wabiąc podróżnika w otchłań wód. „Pieśń ciemnego lasu” to prawdziwa epopeja.

Oprócz symfonii Borodin ma inne dzieło orkiestrowe, wyróżniające się wybitnymi umiejętnościami - obraz symfoniczny „W Azji Środkowej”. Został napisany przez Borodina z okazji 25. rocznicy panowania cesarza Aleksandra II. Praca ta przyniosła Borodinowi europejską sławę. W swojej twórczości nigdy bezpośrednio nie wykorzystywał rosyjskich pieśni ludowych, ale ich melodie ukształtowały cechy jego własnego stylu.


Sprawdź swoją wiedzę

Na jakim instrumencie Borodin uczył się grać w dzieciństwie?

  1. Fortepian
  2. Skrzypce
  3. flet prosty

Jaki zawód rozpoczął Borodin w 1850 roku w Petersburgu?

  1. Kompozytor
  2. Skrzypek

Jaki był zawód Borodina?

  1. Lekarz
  2. Chirurg
  3. Naukowiec

Jaki był zawód żony Borodina?

  1. Pianista
  2. Nauczyciel
  3. Chemik

Kto zasugerował Borodinowi fabułę opery „Książę Igor”?

  1. Stasow
  2. Gogola
  3. Puszkin

Nad jakimi dziełami Borodin pracował równolegle z operą „Książę Igor”?

  1. Kwartet smyczkowy nr 2
  2. Symfonia nr 2
  3. Symfonia nr 3

któremu Borodin zadedykował swój II Kwartet smyczkowy

  1. Do swojej żony
  2. poseł Musorgski
  3. Do Cezara Cui

Komu Borodin zadedykował obraz symfoniczny „W Azji Środkowej?

  1. Mikołaj I
  2. Aleksander II
  3. Aleksander I

Który ze współczesnych kompozytorów Borodina przyczynił się do rozwoju muzyki rosyjskiej?

  1. poseł Musorgski
  2. M. A. Bałakirew
  3. A. K. Głazunow

Do jakiej gminy należał Borodin?

  1. „Francuska szóstka”
  2. „Potężna garść”
  3. „Wolni artyści”

Jak nazywa się najsłynniejsza opera Borodina?

  1. „Książę Igor”
  2. „Książę Oleg”
  3. „Księżniczka Jarosławna”

Jaki charakter ma II Symfonia?

  1. Liryczny
  2. Dramatyczny
  3. Epicki

Prezentacja

Dołączony:
1. Prezentacja, ppsx;
2. Dźwięki muzyki:
Borodin. „Tańce połowieckie” z opery „Książę Igor” (fragment), mp3;
Borodin. Uwertura z opery „Książę Igor”, mp3;
Borodin. Symfonia nr 2:
Część I Allegro (fragment), mp3;
Część III Andante (fragment), mp3;
Borodin. Kwartet nr 2, część III Andante, mp3;
3. Artykuł towarzyszący, docx.

DZIEŁO SYMFONICZNE BORODINA.

SYMFONIA BOGATYRA.

Do dzieł symfonicznych zaliczają się: 3 symfonie (1867, 1876, 1887); obraz muzyczny „W Azji Środkowej” (1880).

Kompozytor nie ogłosił żadnego programu Symfonii Bogatyrskiej. A jednak są tu wyraźne cechy oprogramowania. Stasow pisał o tym: „Sam Borodin nie raz mi mówił, że w wolnej części chciał namalować Bayana, w pierwszej części – spotkanie rosyjskich bohaterów, w finale – scenę bohaterskiej uczty przy dźwiękach gusli, z radością wielkiego rosyjskiego tłumu”. To właśnie dało Stasowowi powód do nazwania symfonii Bogatyrską (Mussorgski nazwał ją „bohaterską słowiańską”). Wszystkie te obrazy łączy jedna idea patriotyczna - idea miłości do ojczyzny i gloryfikacji bohaterskiej siły ludu.

CZĘŚĆ I – napisany w formie allegra sonatowego. Ucieleśnienie bohaterskich obrazów. Główna część utworu nawiązuje do rosyjskich melodii epickich i jest wykonywana przez instrumenty dęte drewniane.

Część boczna nawiązuje do pieśni lirycznych w stylu ludowym. Wyraża liryczne uczucia nie tylko jednej osoby, ale całej masy ludzi. Rysuje rozległy rosyjski step.

Osiedle zbudowane jest według ulubionej epickiej, obrazkowej zasady Borodina. Opiera się na przemianie heroicznych epizodów, które przypominają bitwy militarne, epickie wyczyny i liryczne, bardziej osobiste chwile, zbudowane na rozwoju drużyny pobocznej.

Po skróconym powtórzeniu kodu, z wielką siłą potwierdza pierwszy temat.

CZĘŚĆ DRUGA - szybkie scherzo. Połączona jest z poprzednią częścią najkrótszym połączeniem – jednym przedłużonym cięciwą.

Pierwszy temat scherza szybko wyrywa się z głębi basu na tle powtarzanej przez rogi oktawy, po czym niesie się w dół, jakby „bez tchu”.

Temat drugi brzmi łagodniej, choć nadal zachowuje swój męski charakter.

Melodia tria przepełniona jest orientalną błogością.

CZĘŚĆ III –Andante, napisane w formie allegra sonatowego. Można ją nazwać heroiczną piosenką epicką. Maluje obraz Bayana, legendarnego starożytnego rosyjskiego piosenkarza. Ta część jest postrzegana jako opowieść ludowego gawędziarza o chwalebnych bitwach i wyczynach starożytnych rycerzy.

Główną częścią są akordy harfy, które rysują szarpanie strun harfy Bayan.

Gra poboczna brzmi jak kontynuacja głównej. Ale nastrój staje się tu inny, jakby narrator przeszedł od opowieści o spokojnym życiu do narracji o niepokojących i groźnych wydarzeniach.

CZĘŚĆ IV - Allegro. Muzyka urzeka rozmachem, blaskiem, pogodą ducha i niezwykłym rozmachem.

Główną część stanowi rozległy, szalenie wesoły temat, którego pierwowzorem jest ludowa piosenka „Pójdę do carskiego miasta”.

Część boczna jest bardziej liryczna i spokojna. Ma ono charakter uwielbienia i brzmi na tle swoistej „gry na harfie dzwoniącej”.

Symfonię kończy muzyka pełna waleczności i niekontrolowanej zabawy.

ROMANSY A.P. BORODINA

Praca wokalna Borodina jest niewielka. Napisał łącznie 16 romansów i pieśni na podstawie tekstów A.S. Puszkina, A. Tołstoja, Heinego, A. Niekrasowa oraz tekstów własnych. Można je podzielić na 3 grupy.

1. Romanse ucieleśniające obrazy eposów ludowych i baśni:

„Pieśń ciemnego lasu”, „Śpiąca księżniczka”.

2. Szkice liryczne i wypowiedzi psychologiczne oraz szkice psychologiczne:

„Moje pieśni są pełne trucizny”, „dla brzegów odległej ojczyzny”.

3. Romanse codzienne i humorystyczne:

„Arogancja”, „W domach ludzi”.

„Śpiąca księżniczka” napisany według własnego tekstu Borodina. Ten romans porównuje obrazy śpiącej księżniczki, złych fantastycznych stworzeń i bohatera-wyzwoliciela.

„Pieśń ciemnego lasu” zawiera bardziej konkretny obraz heroiczny. Sam Borodin skomponował słowa w duchu starożytnych pieśni ludowych wolnych ludzi (nie bez powodu autor nadał swojemu romansowi podtytuł „Stara pieśń”). W romansie tym Borodin pokazał ludowe obrazy przeszłości, podkreślił w nich to, co bliskie nowoczesności – żywiołową siłę i niepohamowane pragnienie wolności.

„Za brzegi odległej ojczyzny” gatunek: elegia. Został napisany w 1881 roku pod wrażeniem śmierci Musorgskiego. Muzyka tego romansu znakomicie komponuje się z tekstem Puszkina. Nastrój głęboko powściągliwego smutku, odważnego żalu, dotkliwości i bólu przeżyć wyróżniają to dzieło kompozytora.

"Arogancja" - humorystyczny romans oparty na wierszach A.K. Tołstoja, w którym wyraźnie widoczne są główne cechy tego gatunku w twórczości kompozytora. Borodina nie cechowała kąśliwa kpina i zjadliwa ironia. Jego romanse wyróżniają się dobroduszną komedią. Ale arogancja jest wadą społeczną. Wyrażając to, kompozytor zbliża się zatem do satyry społecznej – gatunku tak popularnego w twórczości Dargomyżskiego i Musorgskiego.

Temat 19 (6)

N. A. Rimski-Korsakow

Wszechstronność twórczości i działalności społecznej Nikołaja Andriejewicza Rimskiego-Korsakowa (1844-1908) - kompozytora, pedagoga, autora i redaktora muzycznego, dyrygenta i promotora muzyki rosyjskiej. Refleksja nad historią i życiem ludu w jego twórczości; szerokie odwołanie do folkloru narodowego.

Lata dzieciństwa w Tichwinie. Pierwsze wprowadzenie do muzyki. Studia w Korpusie Marynarki Wojennej w Petersburgu (1856-1862). Pasja do muzyki, chodzenie do opery i koncertów, zajęcia z Canille. Znajomość Bałakiriewa i jego roli w rozwoju talentu i kształtowaniu poglądów artystycznych Rimskiego-Korsakowa. Podróże zagraniczne (1862-1865). Ukończenie i pomyślne wykonanie I Symfonii; tworzenie innych utworów na orkiestrę.

Praca nad operą „Kobieta Pskowa” opartą na fabule historycznej. Droga do sławy kompozytora. Rozpoczęcie pracy pedagogicznej w konserwatorium (1871). Doskonalenie umiejętności kompozytorskich. Pasja do pieśni ludowych i tworzenie kolekcji pieśni. Odwołanie do wątków ludowych i baśniowych w operach „Noc majowa” i „Snow Maiden”.

Okres najwyższej dojrzałości twórczej; twórczość najlepszych utworów na orkiestrę lat 80. („Szeherezada”, „Hiszpańskie Capriccio”), krąg Belyaevsky'ego. Praca nad realizacją i redakcją dzieł Musorgskiego i Borodina („Borys Godunow”, „Khovanshchina”, „Książę Igor”), występy jako dyrygent. Nowy rozkwit twórczości operowej od połowy lat 90-tych. Solidarność Rimskiego-Korsakowa z uczuciami zaawansowanej części społeczeństwa rosyjskiego w latach rewolucji 1905-1907. Stworzenie opery-satyry „Złoty Kogucik”. Walka Rimskiego-Korsakowa o realizm i narodowość rosyjskiej sztuki muzycznej. Studenci i zwolennicy Rimskiego-Korsakowa. Światowe uznanie kompozytora.

Krótki przegląd dziedzictwa twórczego. Bogactwo gatunkowe i tematyczne twórczości Rimskiego-Korsakowa. Wiodąca pozycja opery; przewaga dzieł baśniowo-epickich. Ludowe podstawy muzyki symfonicznej; rolę w nim oprogramowania. Suity, symfonie i utwory jednoczęściowe na orkiestrę. Kameralna muzyka wokalna. Dzieła innych gatunków. Książki i artykuły

Rimski-Korsakow o muzyce. „Kronika mojego życia muzycznego” jako przykład twórczej autobiografii.

Z muzyki Rimskiego-Korsakowa na lekcji biograficznej można wysłuchać pieśni Gościa Varangian i pieśni Gościa Indyjskiego z opery „Sadko”.

„Szeherezada”. Sięgnięcie do „Szeherezady” stwarza okazję do przywrócenia i znacznego poszerzenia wyobrażeń uczniów na temat orkiestry symfonicznej. Do końca trzeciego roku studiów mają już na swoim koncie pewne doświadczenia słuchowe z obcowania z muzyką symfoniczną oraz pewną wiedzę z zakresu instrumentacji. Barwne brzmienie orkiestry Rimskiego-Korsakowa i programowy charakter suity wzmagają percepcję muzyki, a solowe epizody niemal wszystkich instrumentów ułatwiają rozpoznanie ich głosów. W rozmowie o orkiestrze, która staje się swoistym wstępem do nauki o kompozycji orkiestrowej, można postawić pytania, które pomogą studentom zrozumieć szereg pojęć związanych z muzyką orkiestrową, a w przyszłości samodzielnie się nimi poruszać. Do najważniejszych z nich należą: rodzaje orkiestr różniące się składem instrumentalnym i przeznaczeniem (repertuarem); współczesna orkiestra symfoniczna, zespoły orkiestrowe i ich skład instrumentalny, aranżacja zespołów na scenie koncertowej; funkcje przewodnika; koncepcja partytury.

Baśnie arabskie „Baśnie z tysiąca i jednej nocy” jako źródło treści muzycznej suity. Fantastyczny, orientalny charakter muzyki. Malowniczość i barwność obrazów muzycznych; ekspresyjna rola brzmień orkiestrowych. Struktura cyklu. Słuchowa i wizualna (na przykładach muzycznych z podręcznika) identyfikacja walorów wyrazowych głównych tematów wstępu. Analiza struktury sonatowej części pierwszej, jej głównych tematów. Porównanie kontrastujących obrazów w drugiej części, wariacyjne rozwinięcie tematu głównego. Cechy pieśni i tańca tematów części trzeciej, jej budowa liryczna. Naprzemienność tematów z poprzednich części w finale. Kody programów i treści tematycznych.

Opera „Śnieżna Panna”. „Śnieżna dziewczyna” Rimskiego-Korsakowa najlepiej spełnia cele pracy edukacyjnej, chociaż nauczyciel ma prawo zastąpić ją dowolną inną baśniową operą. Jednocześnie prowadzenie lekcji „Śnieżnej Dziewicy” jest trudniejsze niż zapoznawanie dzieci z „Iwanem Susaninem” i „Księciem Igorem”. Po pierwsze, istnieje niebezpieczeństwo uproszczenia, sprowadzenia tematu opery do dziecięcej bajki o dziewczynce Snow Maiden. Z drugiej strony filozoficzny początek dzieła, jego pogański panteizm i rytualizm oraz szczególna poezja są dalekie od światopoglądu współczesnych nastolatków. Przybliżenie twórczości Rimskiego-Korsakowa do percepcji uczniów pomoże sięgnąć do wspaniałego tekstu poetyckiego A. N. Ostrowskiego i zorganizować lekcje w formie unikalnej kompozycji muzyczno-literackiej. Nie wyklucza to jednak tradycyjnego metodologicznego podejścia do badania opery. Opiera się na przeplataniu fragmentów muzyki z lekturą tekstu Ostrowskiego. Ekspresyjna lektura tekstu poetyckiego przez nauczyciela jest warunkiem świadomości wysokich walorów artystycznych dzieła i żywego, emocjonalnego odbioru obrazów literackich przez uczniów.

Zatem po przeanalizowaniu i wysłuchaniu wstępu do prologu w naturalny sposób docierają do nas wersety tekstu z monologu Wiosny i jej przemówienia do ptaków przygotowujących „Pieśń i taniec ptaków”. Pojawienie się Frosta i jego dialog ze Wiosną odczytuje się zgodnie z tekstem Ostrowskiego, który motywuje kolejną scenę ze Śnieżną Dziewicą. Jej aria i arietta stanowią muzyczne centrum prologu. W scenie pożegnania Maslenicy słychać pierwszy z chórów i scenę końcową, z pojawienia się Śnieżnej Dziewicy.

Ograniczony czas nie pozwala skupić się na pierwszej akcji. Znaczenie tego, co się w nim dzieje, jest konieczne do zrozumienia wszystkiego, co następuje: wyjaśnia to nauczyciel za pomocą wybranych fragmentów tekstu.

W drugim akcie można sięgnąć do wersetów z mądrych powiedzeń Berendeya w jego dialogu z Bermyatą (drugie zjawisko), skargi Kupavy (bez słuchania muzyki duetu) i wyroku cara („Uczciwi ludzie, jego wina jest godna kary śmierci…”). Tradycyjnie analizowane i przesłuchiwane numery akcji muzycznych to Procesja cara Berendeya i jego Cavatiny. Powolna, cicha, uduchowiona muzyka arii, swoją kruchą urodą, robi bardziej zauważalne wrażenie po przeczytaniu opartego na libretto tekstu, który gloryfikuje potężną, pełną cudów przyrodę.

Dwie ostatnie czynności wymagają mniej uwagi i czasu, a wybór fragmentów tekstu poetyckiego do przeczytania w tym miejscu jest bardziej ograniczony. Jeśli refrenu „Aj, na polu jest lepkie drzewo” i „Tańca błaznów” słucha się tylko z objaśniającymi komentarzami, to piosenka Lelyi jest bardzo orientacyjna dla analizy środków wyrazu i cech strukturalnych. Dalszy rozwój fabuły zostaje pokrótce opowiedziany, a arioso Mizgira służy jako muzyczna ilustracja tego, co dzieje się w nocnym lesie.

Ostatni akt rozpoczyna się sceną Śnieżnej Panny z Wiosną, z której czytany jest jej początkowy tekst z wycięciami, aż do pożegnania Wiosny ze Śnieżną Panną, łącznie z kolorowym tekstem chóru. Wysoka poezja tych linii przywołuje ciepło i aromat wiosennych dni, przybliżając ludzi do natury. Jedność człowieka i natury jest jedną z podstawowych idei opery. W scenie roztapiania się, w ostatnich słowach Berendeya i w końcowym refrenie, fuzja tekstu i muzyki jest postrzegana w ich jedności jako wynik twórczości dwóch wielkich przedstawicieli sztuki rosyjskiej. Przed wysłuchaniem arioso Śnieżki muzyka opery uwypukla motyw Słońca Yarili, przekształcony temat z arietty prologu, wizerunek Śnieżnej Dziewicy w finale porównuje się z jej pojawieniem się w prologu.

Studiując ten temat, używamy:

          Notatki nr 27 (6)

          Pomoce wizualne:

    Reprodukcje z przewodnika po Galerii Trietiakowskiej

    Zestaw portretów kompozytorów

3. Przewodnik audio:

1. „Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow”

4. Samouczek wideo:

1. nie dotyczy Opera Rimskiego-Korsakowa „Dziewica Śniegu”

UWAGA nr 27 (6)

NIKOLAI ANDREEVICH RIMSKY-KORSAKOV.

(1844-1908)

Główne prace:

- 15 oper: „Sadko”, „Złoty kogucik”, „Kaszczej Nieśmiertelny”, „Narzeczona cara” i inne.

- na orkiestrę: 3 symfonie, muzyka. obraz „Sadko”, „Fantazja serbska”, „Bajka”, „Symfonietta na tematy rosyjskie”, „Kaprys hiszpański”, „Szeherezada”, „Jasne wakacje”.

- koncerty, zespoły na różne instrumenty z orkiestrą.

- dzieła fortepianowe.

- 79 romansów, duetów wokalnych, triów i innych.

Rimski-Korsakow urodził się 6 marca 1844 r. w obwodzie nowogrodzkim, w mieście Tichwin. Ojciec kompozytora, były gubernator, był właścicielem domu. Matka jest córką chłopa pańszczyźnianego. Rodzina była muzykalna. Nika, jak go czule nazywali rodzice, bardzo wcześnie pokazała zdolności muzyczne. W wieku 6 lat uczył się muzyki, a w wieku 11 lat osiągnął wielki sukces. Nika wykonywał obowiązkowe ćwiczenia z lenistwem, ale lubił zmieniać zakończenie odgrywanego przez siebie przedstawienia.

Ale nie tylko muzyka interesowała wówczas młodą Nikę. Znacznie bardziej pociągał go romans morski - pasja, która rozwinęła się pod wpływem jego starszego brata, Voina Andriejewicza, oficera marynarza, uczestnika długich wypraw, który miał stopień kontradmirała. Nika była urzeczona pomysłem zostania marynarzem. Wreszcie jego marzenie się spełniło. W wieku 12 lat wstąpił do Korpusu Marynarki Wojennej w Petersburgu.

Korpus kadetów radykalnie zmienił jego styl życia. Wszystko w nim było podporządkowane rozkazom wojskowym. Ale młody kadet szybko się tam przyzwyczaił, zaprzyjaźnił się z licealistami, wśród których był przyszły pisarz, autor „Opowieści morskich” K. Stanyukovich i artysta V. Vereshchagin. Nikołaj dobrze się uczył. Przez sześć lat zawsze znajdował się w „pierwszej dziesiątce” kadetów. Dlatego otrzymał tygodniowy urlop. Zaczął chodzić na koncerty i opery.

Ale wykształcenie muzyczne Mikołaja pozostawiało wiele do życzenia. Dlatego od 1859 roku rozpoczął naukę u F. A. Canille’a – muzyka, pianisty, znawcy muzyki rosyjskiej. Poprzez Canille'a młody muzyk poznał Bałakiriewa, Cui, Musorgskiego i Stasowa. To zadecydowało o jego przyszłej drodze. Rozpoczyna pracę nad swoim pierwszym poważnym dziełem – I Symfonią. Ale jednocześnie zdaje egzaminy w piechocie morskiej, a następnie jako kadet wyrusza w podróż dookoła świata na wojskowym kliperze szkoleniowym Almaz. Podróż trwała 3 lata. Clipper odwiedził Anglię, Amerykę, Brazylię, Włochy, Hiszpanię i Francję.

Powrót do muzyki nastąpił bardzo szybko. Debiutem kompozytora była I Symfonia, potem ukazał się obraz symfoniczny „Sadko” i symfonia „Antar”. Ale największym dziełem pierwszego okresu była opera „Kobieta Psków”. Zakończenie opery zbiegło się ze szczęśliwym wydarzeniem w życiu kompozytora - poślubił N.N. Purgolda, utalentowanego pianistę, uczestnika wieczorów muzycznych kręgu Bałakirewa i stałego wykonawcę dzieł innych kompozytorów. Musorgski pieszczotliwie nazywał ją „naszą ukochaną orkiestrą”.

W tym samym czasie Rimski-Korsakow dużo pracował nad zbiorami rosyjskich piosenek. Najpierw nagrał i zharmonizował 40 piosenek utalentowanego piosenkarza amatora T. Filippova, a następnie sam zaczął szukać rosyjskich pieśni ludowych różnych gatunków. Szczególnie interesowały go starożytne zabawy i pieśni rytualne. Tak powstał zbiór „Sto rosyjskich pieśni ludowych”.

W 1871 r. Rimski-Korsakow został profesorem Konserwatorium w Petersburgu. Wkrótce potem zostaje zaproszony na stanowisko inspektora orkiestr dętych w departamencie marynarki wojennej. Aby zakwalifikować się na to drugie stanowisko, uczył się gry na instrumentach dętych. W połowie lat 70. przejął także obowiązki dyrektora Wolnej Szkoły Muzycznej, zastępując Bałakiriewa.

W 1905 r. Rimski-Korsakow stanął po stronie studentów o rewolucyjnych poglądach, za co został wydalony z profesury. Jego powrót do konserwatorium był wielkim zwycięstwem sił demokratycznych.

Wiosną 1908 roku Rimski-Korsakow zaczął cierpieć na choroby serca, ale kontynuował pracę nad podręcznikiem „Podstawy orkiestracji”. Ostatnich wpisów dokonał 7 czerwca. A w nocy 8 czerwca kompozytor zmarł.

DZIEŁO OPEROWE N.A. RIMSKEGO-KORSAKOWEGO.

NA. Rimski-Korsakow napisał 15 oper o różnej treści:

1. „Kobieta Pskowa” jest operą historyczną.

2. „Mozart i Salieri” – opera historyczna.

3. „Narzeczona cara” jest operą historyczną.

4. „Śnieżna Panna” to epicka bajka.

5. „Noc przed Bożym Narodzeniem” to bajka.

6. „Złoty Kogucik” to bajka.

7. „Opowieść o carze Saltanie” to bajka.

9. „Opowieść o niewidzialnym mieście Kiteż” – fantastyczna opera.

10. „Servilia”.

11. „Panwojewoda”.

12. "Sądko".

13. „Mlada” - balet operowy.

14. „Koschey the Immortal” – bajka.

15. „Boyaryna Vera Sheloga”.

OPERA „ŚNIEŻNA DZIEWCZYNA”.

Gatunek muzyczny: połączenie epickiej baśni i lirycznego dramatu.

Historia stworzenia. Działka: Rimski-Korsakow bardzo lubił przyrodę, zwłaszcza wiosną. Po przeczytaniu „wiosennej bajki” A. Ostrowskiego, w której mądrość ludowa splata się ze światem uczuć, postanowiłem napisać operę opartą na fabule tej baśni. Akcja opery rozgrywa się w baśniowym królestwie Berendeyów, gdzie wszyscy ludzie są mili, uczciwi i kochają sztukę. Kłamstwo i oszustwo uznawane są za przestępstwa. Berendeys czczą naturę i słońce. Rimski-Korsakow pokazał starożytne zwyczaje i rytuały.

Libretto: N.A. Rimski-Korsakow.

Postacie operowe:

Bohaterowie mityczni Półfantastyczni, Prawdziwi bohaterowie:

półprawdziwi bohaterowie:

Ojciec Mróz; Snow Maiden – flet. Kupawa

Wiosna – róg; Obraz jest bajecznie zimny Mizgir – klarnet-bas

Leszy. a jednocześnie pełen liryzmu. Bobyl, Bobylicha

Lel – pasterz (klarnetowy),

symbol wiecznej magii

moc sztuki.

Berendej – król, personifikacja

mądry rząd, to prawda

ojciec swego ludu.

W operze „Śnieżna dziewczyna” Rimski-Korsakow posługuje się motywami przewodnimi – konsekwentną charakterystyką muzyczną.

Kompozycja: prolog i 4 akty (przeważają numery solowe).

Idea i dramaturgia: porównanie i rozwój dwóch różnych sfer: świata ludzkiego i świata przyrody. Pokazane zostaną starożytne rytuały i autentyczne pieśni ludowe.

PROLOG

Akcja prologu rozgrywa się daleko, daleko, za nieprzebytymi lasami, gdzie leży bajeczna kraina Berendeyów. Kudłate świerki stoją po pas w zaspach śnieżnych, a Leshy i inne złe duchy gniazdują w głębokich zagłębieniach. W krainie Berendeyów jest zimno.

Orkiestrowy wstęp wprowadza słuchacza w królestwo natury. Wśród wielu pieśni i tematów melodycznych, na których opiera się wprowadzenie, wyróżniają się dwa.

Surowy i dominujący motyw Świętego Mikołaja jasno kontrastuje z miękkim, ciepłym motywem wiosny.

WKogut pieje, a Leshy zwiastuje koniec zimy. Wiosna schodzi na ziemię i donosi, że Yarilo-Sun w gniewie odwrócił się od Berendeyów, oddając swoją ziemię mocy Ojca Mroza, ponieważ Śnieżna Dziewica, dziecko Ojca Mrozu i Wiosny, żyje w ich chronionym lesie. Snegurochka zostaje wypuszczony, aby zamieszkać z Beredei, a Leshy zostaje zwolniony jako strażnik.

1. Pieśni i tańce ptaków. Akompaniament orkiestrowy wypełniają motywy onomatopeiczne – ptasie melodie zarejestrowane przez Rimskiego-Korsakowa. W muzyce wyraźnie słychać krzyk kukułki, pukanie dzięcioła, klikanie, gwizdanie i brzęczenie innych ptaków. I na tym tle rozbrzmiewają 2 melodie ludowe: „Zgromadziły się ptaki”, „Orzeł namiestnika”.

2. Aria Śnieżnej Dziewicy „Spacer z przyjaciółmi po jagodach”. ZPrzez 15 lat Śnieżna Dziewica żyła w gęstwinie lasu, ukryta przed ludzkimi oczami i niszczycielskim spojrzeniem Yarili.Śnieżna Dziewica tęskniła za ciepłem ludzkich uczuć. Podoba jej się wszystko w Berendeyu. Lubi słuchać piosenek pasterki Lel, chce spacerować z przyjaciółmi, tańczyć w kółko i powtarzać jego piosenki za Lelem.Śpiewa o tym w swojej pierwszej arii. Muzyka tej arii jest lekka, elegancka i pełna wdzięku. Zimna barwa fletu stale towarzyszy Śnieżnej Dziewicy na początku opery.

3. Arietta Snow Maiden „Słyszałam, słyszałam…” wyraża uczucie pragnienia wobec ludzi. Melodia liryczna zbudowana jest na intonacjach półtonowych. Harmonia składa się z trójdźwięków durowych i molowych oraz ich inwersji.

Druga część prologu poświęcona jest starożytnemu rytuałowi pożegnania Maslenicy. Kukłę ze słomy (Maslenitsa) przebierano i niesiono po ulicach ze śpiewem, a wieczorem palono, czyli próbowano przyspieszyć nadejście wiosny.

4. Chór „Żegnaj, Maslenitsa”. Melodia chóru opiera się na zwrotach melodycznych starożytnych pieśni rytualnych.

Ale wtedy Bobyl zauważa Snow Maiden. Berendeyowie zamierają ze zdziwienia, zdumieni jej urodą. Razem z Bobyliką zabiera ją do swojego domu. Drzewa i krzewy kłaniają się Śnieżnej Dziewicy, żegnając się z nią.

1 AKCJA

Wiosna zawitała do krainy Berendeyów. Snow Maiden mieszka z Bobylem i Bobylikhą. Lel też tu jest. Śpiewa 2 piosenki dla Snow Maiden. Ale nudzi go zimna Snow Maiden, która chce go pocałować za śpiewanie. I wyrzucając kwiatek, który jej dała, Lel ucieka do wesołych dziewcząt. Śnieżna Dziewica jest zdenerwowana, jej serce ściska melancholia.

5. Arietta Snow Maiden „Jak tu jest boleśnie, jak ciężko jest mi na sercu…” – śpiewa Snegurochka, ubolewając nad Lelem i Ojcem Mrozem, którzy pozbawili ją ciepła serca.

Obok delikatnej Śnieżnej Dziewicy pojawia się kolejny obraz - kobieta Berendey Kupava. Opowiada o spotkaniu z przystojnym Mizgirem, zamożnym gościem handlowym.

Pojawia się Mizgir. Zgodnie ze zwyczajem, aby wykupić pannę młodą, musi dawać prezenty dziewczynom, które są dziewczynami Kupawy. Śpiewają pieśni weselne. Ale Mizgir widzi Śnieżną Dziewicę i zapomina o wszystkim na świecie. Obiecuje jej niezliczone bogactwa w zamian za miłość. Berendeyowie są oburzeni. Takiej zdrady stanu w ich kraju nigdy nie było. Wszyscy doradzają Kupawie, aby szukał ochrony u cara Berendeya.

2 DZIAŁANIE

Akcja rozgrywa się w pałacu cara Berendeya, gdzie dobro, sprawiedliwość,

miłość do wszystkiego, co piękne – w ludziach, przyrodzie i sztuce. Car Berendej jest zajęty rysowaniem. Ale nie może czuć się szczęśliwy. Martwi się niełaską Yarili, niezrozumiałym ochłodzeniem zarówno natury, jak i ludzkich serc.

Kupawa biegnie ze łzami w oczach i prosi króla o opiekę. Wstrząśnięty smutkiem Kupavy i zdradą pana młodego, król nakazuje postawić Mizgira przed sądem.

5. Procesja cara Berendeya to uroczysty baśniowy marsz. Głośne krzyki trąbek, puzonów i innych instrumentów dętych kontrastują żywo z lekkim pizzicato skrzypiec.

Proces Mizgira jest krótkotrwały. Nikt nie wątpił w jego winę, a on nie szuka wymówek. Wyrok króla jest surowy – czeka go wieczne wygnanie. Ale Mizgir chce po raz ostatni spojrzeć na Śnieżkę.

Tutaj pojawia się Snow Maiden. Swoją urodą urzeka wszystkich, łącznie z królem.

6. Cavatina Berendey brzmi jak cichy, entuzjastyczny hymn wszechmocnej natury:„Potężna natura jest pełna, pełna cudów…” W głosie Berendeya odbija się echem wiolonczela z rytmicznie kołyszącą się melodią, łagodną i kojącą.

I król zrozumiał, dlaczego Yarilo był na nich zły. Takie piękno nie może być zimne. A car Berendej postanawia: jutro, w pierwszy dzień lata – Dzień Yarilina – poślubić wszystkie narzeczone i stajennych przed wschodzącym słońcem. A wśród kochanków powinna być Śnieżna Dziewica ze swoim wybrańcem. Mizgir prosi o opóźnienie wygnania i obiecuje zasiać miłość w sercu Śnieżnej Dziewicy. Berendey zgadza się. Ludzie chwalą mądrość Berendeya.

3 DZIAŁANIE

W wigilię Dnia Yarilin – święta słońca – młodzi ludzie tańczą w kółko do autentycznej pieśni ludowej „Aj, na polu rośnie lepkie drzewo”. Starsi ludzie częstują się puree i piernikami. Car Berendej wychodzi do ludu. Bufony tańczyły. Lel zaśpiewał swoją cudowną piosenkę.

7. Piosenka Lelyi „Chmura spiskowała z grzmotem…”. Pojawieniu się Lela niemal zawsze towarzyszy delikatny blask klarnetu (czasami oboju). Ta piosenka zaczyna się solo na klarnecie grającym autentyczną melodię brzdąkania. Wprowadzenie zawiera elementy figuratywne – imitację grzmotu (timpani tremolo). Melodia pieśni opiera się na zwrotach i pieśniach ludowych.

W nagrodę za piosenkę król zaprasza Lelyę, aby wybrała dziewczynę. Śnieżna Dziewica prosi Lela, aby ją wybrał, ale Lel, rozumiejąc żal obrażonego Kupawy, wybiera ją. Wszyscy Berendeyowie rozchodzą się, a na leśnej polanie pozostaje tylko melancholijna Śnieżna Panna.

8. Arioso Mizgira „Na ciepłym, błękitnym morzu…”. Mizgir w swoim arioso błaga dziewczynę o miłość.

W zamian za jej miłość ofiarowuje Snow Maiden bezcenne perły. Ale dziewczyna nie rozumie jego uczuć i ucieka. Mizgir ją ściga. Las ożywa, zamieniając się w nieprzenikniony zarośla, a w oddali miga widmowy obraz Śnieżnej Dziewicy. Goblin zwabia Mizgira na pustynię. Polana nabiera dawnego wyglądu. Wychodzą Lel i Kupava. Oni są szczęśliwi. Wpada Śnieżna Panna i robi wyrzuty Kupawie. Lel radzi Snegurochce, aby nauczyła się kochać od Kupavy.

4 DZIAŁANIE

W magicznym jeziorze, w nieprzeniknionej gęstwinie, ukrytej przed ludźmi, żyje Wiosna. Śnieżna Dziewica prosi Matkę Wiosnę, aby obdarzyła ją uczuciem miłości. Wiosna daje wieniec, którego kwiaty mają cudowną moc - i w tym momencie cały świat przemienia się dla Śnieżnej Dziewicy. Pojawia się Mizgir. Jego oddana miłość porusza serce dziewczyny. Szczęśliwy Mizgir prowadzi ją do króla. Ale Snow Maiden boi się promieni słonecznych. Słońce wschodzi.

Nadchodzi dzień Yarilina - letnie święto. Car Berendej błogosławi młode pary. Mizgir zabiera ją do króla. Na pytanie cara o jej miłość Śnieżna Panna odpowiada: „Zapytaj mnie sto razy, odpowiem sto razy, że go kocham”. I w tym momencie oświetla ją promień wschodzącego słońca. Doświadczając niezrozumiałych uczuć, zaczyna się topić.

9. Arioso Śnieżnej Dziewicy „Ale co jest ze mną nie tak…” (scena topnienia). Jeśli z początku solowe skrzypce i flet zabarwią muzykę na ciepłą tonację („Ale co jest ze mną nie tak!? Błogość czy śmierć”), to przy słowach „Kocham i topię…” łączą się instrumenty dęte i harfa (glissando) in, co pozwala odczuć swego rodzaju roztopienie, rozpuszczenie melodii.

Mizgir rzuca się do jeziora. A Yarilo daje ludziom światło i ciepło. W ten sposób między naturą a ludźmi ponownie zapanuje pokój i harmonia.

10. Refren końcowy „Światło i siła, Boże Yarilo…” - zbudowany na rosnącej sile. Lel śpiewa pierwszą zwrotkę. Drugi to chór Berendeys, a trzeci to zespół solistów.

Muzyka „Śnieżnej Dziewicy” przepojona jest miłością do ludzi, natury, wiarą w piękno człowieka i wysokim uznaniem dla sztuki, która budzi w człowieku wszystko, co najlepsze, wiarę w triumf prawdy i dobra.

Suita symfoniczna „SZEHEROZADA”.

Poetyka Wschodu przez kompozytorów rosyjskich znajduje odzwierciedlenie w różnych gatunkach muzycznych. Wszystkie charakteryzują się kolorowymi magicznymi obrazami i obrazami natury, oryginalnością i oryginalnością intonacji języka. Wystarczy wymienić drugi, „połowiecki” akt z opery A.P. Borodina „Książę Igor”, „Perski chór” w operze „Rusłan i Ludmiła”

MI. Glinka. Prawdziwy i wyimaginowany „Rosyjski Wschód” łączy w sobie dzikość, buntowność, spontaniczność i wyrafinowanie, senność, błogość, baśń, magię, czar.

Od kilkuset lat ludzi fascynują i fascynują przygody Żeglarza Sinbata, który wyruszał w odległe i niebezpieczne podróże, losy inteligentnego i przedsiębiorczego Aladyna, historię Alego Baby, który poznawszy cudowne słowa : „Otwórz Sezam!”, przejął niezliczone skarby czterdziestu rabusiów, legendę i autentyczność osobowości wszechpotężnego i słownego kalifa Bagdadu, Haruna al-Rashida.

Bohater baśni „1001 nocy” od dawna stał się ulubieńcem zarówno dzieci, jak i dorosłych. Zbiór tych opowieści pojawił się w XVIII wieku we Francji. Z francuskiego baśnie wkrótce zostały przetłumaczone na wiele innych języków. „1001 nocy” to utwór iście ludowy. Tworzyło go wiele pokoleń różnych ludów Wschodu: Arabów, Persów, Hindusów. Suita symfoniczna „Szeherezada” powstała w ciągu zaledwie dwóch miesięcy. W czterech częściach tej muzycznej baśni można nie tylko usłyszeć, ale i zobaczyć cuda. Mądra i piękna Szeherezada opowiada o nich potężnemu sułtanowi Shahriarowi.

Suita „Szeherezada” to nie tylko cykl malowniczych, orientalnych obrazów, ale także pojedynek dwóch przeciwników: Shahriara i Szeherezady. Bronią sułtanki jest brutalna siła, bronią narratorki jest dar poetycki, jej bezgraniczna wyobraźnia. Kto wygra?

Suita symfoniczna „Szeherezada” Rimskiego-Korsakowa (1888) jest dziełem programowym. Wszystkie 4 części łączy nie tylko jedna koncepcja, ale także wspólne tematy muzyczne. Zatem motyw Szeherezady pojawia się we wszystkich częściach. Komponując suitę, kompozytor zamierzał najpierw nadać każdej części własną nazwę. Później jednak porzucił ten pomysł, uznając, że bardziej przydatne dla słuchaczy jest swobodne podążanie za swoją wyobraźnią.

CZĘŚĆ I rozpoczyna się wstępem, w którym wybrzmiewają 2 kontrastujące ze sobą tematy.

Temat króla Shahriara, groźnego i okrutnego władcy, wykonywany jest przez instrumenty dęte w niskim rejestrze.

Temat młodej i pięknej Szeherezady zawsze rozbrzmiewa w solówce skrzypiec.

Część I pierwotnie nosiła tytuł Rimskiego-Korsakowa „Zdjęcie morza z płynącym po nim statkiem Sindbada” . Jego muzyka zaskakująco subtelnie oddaje oddech morskiego żywiołu, przedstawia niekończącą się serię fal, statek Sindbada Żeglarza płynący po spokojnej przestrzeni oceanu. Ale wzburzenie morza stopniowo wzrasta i teraz muzyka ukazuje wielkość szalejących żywiołów. Jednak pod koniec tej części wszystko się uspokaja, a muzyka ponownie ukazuje obraz delikatnie pluskającego, spokojnego morza.

CZĘŚĆ DRUGA - „Opowieść o Carewiczu Kalenderze”. Tutaj pojawia się nowa postać - książę, a Szeherezada zdaje się oddawać mu głos. W ten sposób powstaje opowieść w opowieści, baśń w bajce. Kompozytor tworzy muzyczny portret Kalendera, a następnie opisuje jego fantastyczne przygody. Temat Kalendera opiera się na intonacjach orientalnych pieśni ludowych i brzmi w partii fagotu.

CZĘŚĆ III - nazywano go najbardziej lirycznym w suitie„Carewicz i księżniczka”.

Muzyka jest pełna światła, gorącego słońca, słodkiego ospałości.

Temat pierwszy (Carewicza) jest szeroki i melodyjny.

Temat drugi (Księżniczka) ma charakter taneczny i tworzy pełen wdzięku, kobiecy wizerunek.

CZĘŚĆ IV jest najbardziej uderzający z całego zestawu. Łączy w sobie tematykę wszystkich poprzednich części. Kompozytor nazwał ten utwór„Obraz festiwalu folklorystycznego w Bagdadzie”. Ten świąteczny charakter ujawnia się w zmianie różnorodnych tematów, grze rytmów i barw. Obszerna koda, będąca zamknięciem całego cyklu, maluje niezależny obraz majestatycznego, groźnego morza i statku rozbijającego się o skałę.

W epilogu temat Shahriara staje się miękki i spokojny, ponieważ okrutny sułtan zostaje uspokojony.Po raz ostatni, jako zakończenie baśni, rozbrzmiewa temat młodej Szeherezady. To kończy pakiet.

„Szeherezada” to jedno z najbardziej uderzających dzieł obrazujących świat muzycznego Wschodu. Wykorzystuje zasadę malowniczości, porównanie epizodów o różnym charakterze, które łączy temat Szeherezady, przypominając, że to wszystko jest historią jednej osoby – czarującego gawędziarza Szeherezady. W programie suity nie ma spójnej fabuły, nie ma też objaśnień dotyczących treści opowieści.

Skład orkiestry: 2 flety, 2 piccolo, 2 oboje, 2 klarnety, 2 fagoty, 4 rogi, 2 trąbki, 3 puzony, tuba, kotły, trójkąt, harfa, smyczki.

Historia stworzenia

Druga symfonia Borodina jest jednym ze szczytów jego twórczości. Należy do światowych arcydzieł symfonicznych dzięki swojej jasności, oryginalności, monolitycznemu stylowi i pomysłowej realizacji obrazów rosyjskiej epopei ludowej. Kompozytor wymyślił go na początku 1869 roku, pracował jednak nad nim z bardzo długimi przerwami, wynikającymi zarówno z głównych obowiązków zawodowych, jak i realizacji innych pomysłów muzycznych. Pierwsza część została napisana w 1870 r. Następnie pokazał go swoim towarzyszom - Bałakiriewowi, Cui, Rimskiemu-Korsakowowi i Musorgskiemu, którzy tworzyli tzw. Krąg Bałakirewa, czyli Potężną Garść (definicja ich starszego mentora i przywódcy ideologicznego, krytyka sztuki W. Stasowa). To, co zostało pokazane, wzbudziło prawdziwy entuzjazm wśród znajomych. Gorąca i szybko reagująca na głośne definicje Stasow natychmiast nazwał ją „Lwicą”. Musorgski zaproponował dla niego nazwę słowiański heroiczny. Jednak Stasow, który nie myślał już o definicji emocjonalnej, ale o nazwie, pod jaką będzie żyła muzyka, zasugerował: Bogatyrskaya. Autor nie sprzeciwił się takiej interpretacji swojego planu, a symfonia pozostała z nim na zawsze.

Do zakończenia wciąż było bardzo daleko. Rozrywek jest wiele – nauczanie w Akademii Medyczno-Chirurgicznej, gdzie Borodin jest profesorem, wykładanie na Kursach Medycznych Kobiet, liczne obowiązki publiczne, w tym redagowanie czasopisma popularnonaukowego „Wiedza”. Ten ostatni trwał tylko jeden sezon, gdyż niezadowolony z ateistycznej orientacji pisma rząd „zalecił” Borodinowi opuszczenie redakcji. Wreszcie kompozytor został rozproszony przez tworzenie innych dzieł. W tych samych latach ukazały się fragmenty opery „Książę Igor”, w których również bardzo mocne były nuty „bohaterskie”. Symfonię ukończono dopiero w 1876 roku. Jego premiera odbyła się 2 lutego 1877 roku na jednym z koncertów Rosyjskiego Towarzystwa Muzycznego w Petersburgu pod dyrekcją E. F. Napravnika.

Symfonia, mimo braku ogłoszonego programu, ma wyraźnie rysy programowe. Stasow pisał o tym: „Sam Borodin nieraz mi mówił, że w adagio chciał narysować postać Bojana, w pierwszej części – spotkanie rosyjskich bohaterów, w finale – scena bohaterskiej uczty z dźwiękiem gusli, przy uciesze wielkiego tłumu”. W rzeczywistości ta interpretacja dała Stasowowi powód do imienia Bogatyrska.

Muzyka

Pierwsza część opiera się na porównaniu dwóch obrazów. Pierwszy to potężny motyw unisono w wykonaniu smyczków, jakby deptany, ciężki i przysadzisty. Uzupełnia go, nieco łagodząc surowość, motyw żywszy, intonowany przez instrumenty dęte drewniane. Temat poboczny – szeroka melodia pieśni w wykonaniu wiolonczel – zdaje się przedstawiać rozległy rosyjski step. Rozwój opiera się na przemianie heroicznych, intensywnych epizodów, budzących skojarzenia z bitwami, epickimi wyczynami, z momentami lirycznymi, bardziej osobistymi, w których temat drugorzędny w wyniku rozwoju nabiera radosnego charakteru. Po skondensowanej repryzie temat pierwszy zostaje z gigantyczną siłą afirmowany w kodzie części.

Część druga to szybkie scherzo, którego temat pierwszy szybko wyrywa się z głębi basu na tle powtarzanej przez rogi oktawy, a potem schodzi w dół, jakby „bez tchu”. Temat drugi brzmi nieco łagodniej, choć nadal zachowuje swój męski charakter. W swoistym synkopowanym rytmie słychać odgłosy szalonego galopu koni stepowych po bezkresnych przestrzeniach. Trio urzeka melodyjnym urokiem i jak to często bywa w przypadku Borodina, melodia przepełniona jest orientalną błogością. Ale środkowy odcinek jest krótki – i szybki bieg zostaje wznowiony, stopniowo zanikając, jakby uniesiony w nieznane.

Trzecia część, zaprojektowana według samego Borodina, aby oddać wizerunek Boyana, legendarnego starożytnego rosyjskiego piosenkarza, ma charakter narracyjny i rozwija się płynnie, spokojnie. Akordy harfy imitują szarpanie strun psałterium. Po kilku taktach wstępu intonowanego przez klarnet róg zaczyna śpiewać poetycką melodię, należącą do najlepszych kart muzyki kompozytora. Spokojna narracja nie trwa jednak długo: nowe motywy wprowadzają niejasne poczucie zagrożenia, kolory stają się gęstsze i ciemniejsze. Początkowa przejrzystość jest stopniowo przywracana. Utwór kończy się wspaniałym epizodem lirycznym, w którym główna melodia rozbrzmiewa w całej pełni swego uroku.

Powtarzanie taktów początkowych prowadzi bezpośrednio do zakończenia, które rozpoczyna się bez przerwy. Jego muzyka urzeka rozmachem, blaskiem, pogodą ducha i zarazem wielkością. Głównym obrazem muzycznym jest główny temat formy sonatowej - rozległy, szalenie wesoły temat w ostrym, synkopowanym rytmie, który ma swój pierwowzór w ludowej pieśni chóralnej „Pójdę do carskiego miasta”. Całość uzupełnia krótki, „śmieciowy” motyw oboju. Temat poboczny jest bardziej liryczny i spokojny. Ma ono charakter gloryfikacyjny i brzmi najpierw od klarnetu solo, a następnie od fletu i oboju na tle swoistej „grającej na harfie”. Te trzy tematy podlegają różnorodnemu i mistrzowskiemu rozwinięciu, którego początek wyznacza surowa i potężna sekwencja dźwiękowa w zwolnionym tempie. Potem ruch staje się coraz bardziej ożywiony, symfonia kończy się muzyką pełną waleczności i niekontrolowanej zabawy.