Jak Turgieniew odnosi się do pańszczyzny. Potępienie pańszczyzny w opowiadaniu „Mumu. Co to jest poddaństwo? Zapamiętajmy

29.03.2019

Cechy gatunku ballad w twórczości V. A. Żukowskiego

V. A. Żukowski zapoznał rosyjskiego czytelnika z jednym z najbardziej ukochanych gatunków romantyków zachodnioeuropejskich – balladą. I choć gatunek balladowy pojawił się w literaturze rosyjskiej na długo przed Żukowskim, to on nadał mu poetycki urok i uczynił go popularnym. Co więcej, połączył poetykę gatunku balladowego z estetyką romantyzmu, w wyniku czego gatunek balladowy stał się najbardziej charakterystycznym przejawem romantyzmu.

Co to jest ballada? I dlaczego dokładnie ten gatunek przyciągnął Żukowskiego? Ballada to krótka opowieść poetycka o przeważnie bohatersko-historycznym lub fantastycznym charakterze. Prezentacja wyrazistej fabuły w balladzie jest zabarwiona lirycznie. Żukowski napisał 39 ballad, z czego tylko pięć jest oryginalnych, pozostałe to tłumaczenia i aranżacje.

Początek XIX wiek. Żukowski jest zawiedziony życiem, jego dusza cierpi z powodu niespełnionego szczęścia ze swoją dziewczyną, z wczesne lata ciągle czuje się zgorzkniały nierówności społeczne. Nieustannie boryka się z problemami społecznymi. Ten Ruch dekabrystów, na który zmuszony jest patrzeć z dwóch punktów widzenia: zarówno jako przyjaciela wielu dekabrystów i osób z ich otoczenia, jak i jako dworzanin bliski rodzina królewska. Wszystko to skłoniło Żukowskiego do wkroczenia na ścieżkę etycznego rozwiązania palących problemów. Od samego początku swojej twórczości balladowej Żukowski walczył o moralnie czystą osobowość.

Tematem przewodnim jego ballad jest zbrodnia i kara, dobro i zło. Stały bohater ballad - silna osobowość która zrzuciła ograniczenia moralne i realizuje swoją osobistą wolę, nakierowaną na osiągnięcie celu czysto egoistycznego. Przypomnijmy balladę „Warwick” – oryginalne tłumaczenie ballady Sau-ti o tym samym tytule. Warwick przejął tron, zabijając swojego siostrzeńca, prawowitego następcę tronu. A wszystko dlatego, że Warwick chce panować.

Zdaniem Żukowskiego przyczyną zbrodni są indywidualistyczne namiętności: ambicja, chciwość, zazdrość, samolubna samoafirmacja. Człowiek nie powstrzymał się, uległ namiętnościom, a jego świadomość moralna okazała się osłabiona. Pod wpływem namiętności człowiek zapomina o swoich moralnych obowiązkach. Ale najważniejsze w balladach wciąż nie jest akt przestępstwa, ale jego konsekwencje - kara osoby. Przestępca w balladach Żukowskiego jest z reguły karany nie przez ludzi. Kara wypływa z sumienia człowieka. Tak więc w balladzie „Zamek Smalholm” nikt nie ukarał mordercy barona i jego żony, dobrowolnie udają się do klasztorów, bo dręczy ich sumienie. Ale życie monastyczne nie przynosi im też moralnej ulgi i pocieszenia: żona jest smutna, świat nie jest jej drogi, a baron „boi się ludzi i milczy”. Popełniając przestępstwo, sami pozbawiają się szczęścia i radości życia.

Ale nawet jeśli w przestępcy nie budzi się sumienie, kara i tak go spotyka. Według Żukowskiego pochodzi ona niejako z głębi życia. Sumienie milczy u chciwego biskupa Gattona, który spalił stodołę z głodną biedotą i z cyniczną satysfakcją myślał, że uwolnił głodną krainę od zachłannych myszy (ballada „Wyrok Boży nad biskupem”).

„Natura w balladach Żukowskiego jest sprawiedliwa, a ona sama pełni funkcję zemsty – za zbrodnię: rzeka Avon, w której utonął mały następca tronu, wylała się z brzegów, wylała, a zbrodniczy Warwick utonął we wściekłości fale Myszy rozpoczął wojnę przeciwko biskupowi Gattonowi i zabił go.,

W świecie ballad natura nie chce wchłonąć zła w siebie, zachować je, niszczy, zabiera na zawsze ze świata bytu. Balladowy świat Żukowskiego przekonuje, że w życiu często dochodzi do pojedynku dobra ze złem. Ostatecznie zawsze zwycięża dobra, wysoka zasada moralna), JjbcV pp Żukowskiego jest sprawiedliwą zemstą. Poeta głęboko wierzy, że występny czyn z pewnością zostanie ukarany. A najważniejsze w balladach Żukowskiego jest triumf prawa moralnego.

Szczególne miejsce wśród dzieł Żukowskiego zajmują ballady poświęcone miłości: „Ludmiła”, „Swietłana”, „Harfa Eolska” i inne. Najważniejsze dla poety jest uspokojenie, skierowanie na prawdziwą ścieżkę zakochanego mężczyzny, który przeżył tragedię w miłości. Żukowski domaga się tu także ograniczenia egoistycznych pragnień i namiętności.

Wtedy nieszczęsna Ludmiła zostaje okrutnie potępiona, ponieważ oddaje się namiętnościom, pragnieniu bycia szczęśliwym za wszelką cenę ze swoją ukochaną. miłość pasja a gorycz utraty narzeczonego zaślepia ją do tego stopnia, że zapomina o swoich moralnych obowiązkach wobec innych ludzi. Żukowski środkami romantycznymi stara się udowodnić, jak nierozsądne, a nawet niebezpieczne dla człowieka jest mimo wszystko samolubne pragnienie własnego szczęścia:

Trumna otwarta;
żyć w pełni;
Podwójne serce
nie kochać.

Tak woła Ludmiła, zrozpaczona żalem. Trumna otwiera się i zmarły bierze Ludmiłę w ramiona. Groza bohaterki jest straszna: zamieniają się w kamień, ich oczy gasną, krew staje się zimna. A odzyskanie życia, które tak bezpodstawnie odrzuciła, jest już niemożliwe. Ale straszna ballada Żukowskiego jest pełna życia. Poeta woli prawdziwe życie, mimo że wysyła ono na człowieka ciężkie próby.

Ballada „Swietłana” swoją fabułą jest bliska „Ludmiły”, ale jest też głęboko odmienna. Ballada ta jest swobodną aranżacją ballady niemieckiego poety G. A. Burgera „Lenora”. Opowiada, jak dziewczyna zastanawia się nad panem młodym: odszedł daleko i przez długi czas nie wysyła wiadomości. I nagle pojawia się w czarującym śnie zainspirowanym wróżbami. Kochanie wzywa pannę młodą do ślubu, galopują przez zamieć na szalonych koniach. Ale pan młody nagle zamienia się w martwego mężczyznę i prawie ciągnie pannę młodą do grobu. Wszystko jednak kończy się dobrze: następuje przebudzenie, pan młody pojawia się w rzeczywistości żywy i dochodzi do upragnionego, radosnego ślubu. Żukowski daleko od oryginału, wprowadzając do ballady narodowy rosyjski akcent: zamieszcza opis wróżenia z „Wieczoru Trzech Króli”, znaków i zwyczajów:

Kiedyś w wigilię Trzech Króli
Dziewczyny zgadły:
But za bramą.
Zdejmowanie nóg, rzucanie
Śnieg odchwaszczony pod oknem
słuchałem, karmiłem
rachunkowość ziarno kurczaka,
Utonął płonący wosk
W misce z czystą wodą
Włożyli złoty pierścień,
szmaragdowe kolczyki,
Rozłóż białe tablice
I śpiewali zgodnie z rytmem nad misą
Piosenki są uległe.

Poetka odtwarza atrakcyjny i pełen wdzięku świat dziewczęcy, w którym istotne znaczenie mają pantofelek, szmaragdowe kolczyki i złoty pierścionek.

Ballada nie tylko opowiedziała o epizodzie z życia młodego stworzenia, ale go przedstawiła wewnętrzny świat. Cała ballada jest pełna życia, ruchu, zarówno wewnętrznego, jak i zewnętrznego, pewnego rodzaju dziewczęcej krzątaniny. Duchowy świat Swietłany jest również pełen ruchów. Następnie odmawia zabaw chrzcielnych, po czym zgadza się dołączyć do wróżbitów; boi się i ma nadzieję otrzymać upragnione wieści, a we śnie ogarniają ją te same uczucia: strach, nadzieja, niepokój, zaufanie… do pana młodego. Jej uczucia są niezwykle napięte, doznania się pogarszają, jej serce reaguje na wszystko. Ballada napisana jest w szybkim rytmie: ścigają się balladowe konie, ściga się na nich dziewczyna z panem młodym, a jej serce pęka.

Ciekawe w balladzie „Svetlana” i kolorach. Cały tekst przesiąknięty jest bielą: to przede wszystkim śnieg, którego obraz wyłania się natychmiast, z pierwszych linijek, śnieg, o którym marzy Swietłana, zamieć nad saniami, zamieć dookoła. Następne jest biała chusteczka, używany podczas wróżenia, stół nakryty białym obrusem, śnieżnobiała gołębica, a nawet śnieżne płótno, którym przykrywa się zmarłego. Kolor biały kojarzy się z imieniem bohaterki: Swietłana, światło i: pi-nvrodno - białe światło. Żukowski ma tu biel, niewątpliwie symbol czystości i czystości.

Drugi kontrastujący kolor w balladzie nie jest czarny, ale raczej ciemny: w lustrze jest ciemno, ciemna jest odległość, po której pędzą konie. Czarny kolor straszliwej balladowej nocy, nocy zbrodni i kar, zostaje w tej balladzie złagodzony i rozjaśniony.

Taki biały śnieg ciemna noc i jasne punkty blasku świec lub oczu - to rodzaj romantycznego tła w balladzie „Swietłana”.

A jednak urok ballady tkwi w obrazie zakochanej młodej Swietłany. Jej obawy rozwiały się, nie jest niczemu winna. Ale poeta wierny swoim zasadom etycznym przestrzegał młodego człowieka przed występkiem sag modlitewnych. Wiara w Opatrzność zamienia się w wiarę w życie:

Uśmiechnij się moja piękna
Do mojej ballady
Ma wielkie cuda.
Bardzo mało zapasów.
Oto moje ballady:
« Najlepszy przyjaciel my w tym życiu -
Błogosławieństwo cofki budowniczego:
Tutaj nieszczęście jest fałszywym snem;
Szczęście to przebudzenie.”

Tak więc, na przykładzie najlepszych i głównych ballad V. A. Żukowskiego, próbowaliśmy przeanalizować podstawowe zasady gatunku ballad.Muszę powiedzieć, że po Żukowskim rosyjscy pisarze aktywnie zwrócili się ku temu gatunkowi: to jest „Pieśń” A. S. Puszkina proroczego Olega” (1822) i M. Yu. Lermontowa „Sterowiec” (1828), „Syrenka” (1836) i A. Tołstoja „Wasilij Szibanem” (1840).

Z biegiem czasu gatunek ten nabył klisz, co dało początek licznym parodiom: „Niemiecka Ballada” Kozmy Prutkowa (1854) jest parodią ballady Schillera w przekładzie Żukowskiego „Rycerz Togenvorg”. W roku 1886 powstało kilka parodii ballad autorstwa wł. Sołowjow: „Wizja”, „Tajemniczy sekston”.

„Cechy gatunku ballad i jego rozwój w Literatura europejska XVIII-XIX w.”.

Słowo „ballada” pochodzi od francuskiej „ballady”, a następnie z kolei od późnołacińskiego „ballo” – „tańczę”. Gatunek ballad rozwinął się w średniowieczu. Początkowo tak nazywała się piosenka tańca ludowego; potem powszechne stały się ballady o zbrodniach, krwawych waśniach, nieszczęśliwej miłości i sierocie. Rozwój wątków balladowych przebiegał w dwóch głównych kierunkach: wątki heroiczne okazały się niezwykle produktywne - charakter historyczny; równolegle opracowywali wątki o tematyce miłosnej. Tak naprawdę nie było wyraźnej granicy pomiędzy tymi dwiema grupami. Bohaterskie i historie miłosne często przeplatają się, pochłaniają bajecznie motywy folklorystyczne, były czasami interpretowane w sposób komiczny, nabyte specyficzne cechy związane z miejscem powstania lub istnieniem danej ballady.

Heroiczne ballady powstały, gdy czasy mitów, legend, epiccy bohaterowie odeszło w odległą przeszłość. Ballady heroiczne opierają się na konkretnych wydarzeniach historycznych, które w mniejszym lub większym stopniu można prześledzić w każdym z nich, co daje prawo do określenia ich heroiczno-historycznym.

Największą grupę stanowiły ballady miłosne. Czy dotyczą one tylko miłości? Raczej o miłosnych smutkach, niezliczonych niebezpieczeństwach i przeszkodach, które w tych odległych czasach czyhają na kochanków na każdym kroku.

Tak brzmiała ballada w średniowieczu. Wraz z rozwojem innych gatunki literackie ballada zeszła na dalszy plan i nie cieszyła się dużą popularnością.

W XVIII wieku następuje odrodzenie tego gatunku. Powodem tego był niesamowity liryzm i plastyczność ballady: łączy w sobie to, co historyczne, legendarne, straszne, tajemnicze, fantastyczne, zabawne. Być może dlatego S. Coleridge, G. Burger, F. Schiller, I.V. Goethe, R. Burns, W. Scott, A. Mickiewicz. Pisarze ci nie tylko wskrzesili ten gatunek, ale także znaleźli dla niego nowe źródła, zaproponowali nowe tematy i zarysowali nowe trendy. Jakie one były, musimy rozważyć na przykładzie I.V. Goethe, F. Schiller, R. Burns i W. Scott.

Wielki niemiecki pisarz i naukowiec, klasyk literatury niemieckiej i światowej, Johann Wolfgang Goethe (1749 - 1832) był wielkim mistrzem liryki. Tutaj szczególnie wyraźnie ujawniła się różnorodność geniuszu poety. Posiadał różnorodne formy wiersza i stylu poetyckiego: teksty filozoficzne, Piosenka ludowa t; ma starożytny cykl „Elegie rzymskie”, cykl wschodni „Leżanka zachodnio-wschodnia”. Często Goethe sięgał po balladę, był inicjatorem jej odrodzenia.

Wczesne ballady Goethego z epoki burzy i napadu (Róża stepu, 1771, Król Ful, 1774 itd.) zbliżają się stylem i manierą do pieśni ludowej z jej przeważnie emocjonalnym wpływem i lirycznymi motywami miłosnymi. ballady okres przejściowy(„Rybak”, 1778, „Król lasu”, 1782) odchodzą już nieco od prostoty kompozycji w stylu pieśni ludowych, zachowując jednak wspólny charakter liryczny: ich tematyka czerpie z folkloru, ale służy do wyrażania nowoczesne, romantycznie kolorowe poczucie natury. Koniec ballad późny okres(„Oblubienica koryncka”, „Bóg i Bayadere” itp. 1797) to obszerne i złożone kompozycje narracyjne, małe wiersze, w których konkretna fabuła narracyjna staje się typowym przypadkiem, ucieleśnia ogólną ideę moralną i filozoficzną; takiej klasycznej typizacji i obiektywności sprzyja wysoki, pozbawiony subiektywizmu styl emocjonalna kolorystyka oraz wykorzystanie skomplikowanych form stroficznych jako metody stylizacji metrycznej.

W balladach Goethego z pewnością jest coś tajemniczego, pouczającego, strasznego, rzadziej zabawnego. Wiele z nich napisanych jest w tradycji straszliwej, ponurej ballady (np. „Flecista”, „Król lasu”, „Narzeczona koryncka” przesiąknięte są doznaniami nocnych lęków). Ale są też utwory, których motywem jest afirmacja ziemskich radości; ani wróżenie, ani poszukiwanie skarbów nie przyniosą szczęścia, jest to w miłości, w przyjaźni, w samej osobie.

Ballady Goethego łączą w sobie to, co fantastyczne i nieprawdopodobne, straszne i zabawne, ale to wszystko zawsze przeniknięte jest jasną myślą, wszystko logicznie wynika jedno z drugiego - i nagle często nieoczekiwany tragiczny finał. Nagość uczuć, tak charakterystyczna dzieła folklorystyczne, - Inny ważna własność Ballady Goethego.

Przez długi czas Goethe lubił sztuka antyczna. Dlatego głównym źródłem jego ballad są starożytne mity, legendy i tradycje. Ale Goethe humanizuje rzeczywistość, obdarza nawet przyrodę realnymi właściwościami, posługując się metodą wymuszania. Zatem kompletna dramatyczna praca w którym wszystko jest ważne i nawet najmniejszy szczegół odgrywa rolę.

Znamy ballady Goethego z V.A. Żukowski, F.I. Tyutcheva, B.L. Pasternaka, któremu udało się jasno przekazać i nastrój emocjonalny oraz niepowtarzalną atmosferę i kolor stworzony przez geniusz Goethego. Później jego dzieła zostały przetłumaczone przez romantyków (Venevitinov), poetów „ czysta sztuka”, poeci symbolistyczni.

Jedno z czołowych miejsc zajmuje gatunek balladowy w twórczości innego pisarza niemieckiego – Friedricha Schillera (1759 – 1805). Schiller zwrócił się ku temu gatunkowi w tym samym czasie co Goethe, w wielu przypadkach odczuwalny jest jego wpływ. Pisarze byli przyjacielscy, wspólnie wydawali magazyn Ory. W procesie tworzenia ballad utrzymywano stałą komunikację twórczą, a w 1797 roku zorganizowano przyjacielski konkurs na ich pisanie.

Pierwszy cykl ballad Schillera – „Kielich”, „Rękawica”, „Pierścień Polikratesa”, „Żurawie Ivikowa” – został opublikowany w 1798 r. w Almanachu Muz, zgodnie z fraszkami.

Zainteresowanie pisarza tym gatunkiem okazało się bardzo długie. A później wielokrotnie wyrażał swoje najskrytsze myśli w balladach. Do końca lat 90. powstały „Rycerz Togenburg”, „Walking for the Iron Hammer”, „Bail”, „Bitwa ze smokiem” itp.

Podobnie jak Goethe, Schiller interesował się sztuką starożytną, co znalazło odzwierciedlenie w szeregu wierszy („Bogowie Grecji”, 1788, „Artyści”, 1789) i balladach. Najlepsze z nich pod względem ideologicznym i stylistycznym są ściśle związane z jego stanowiskiem filozoficznym i dramaturgią historyczną. Są dramatyczne w rozwoju fabuły, odzwierciedlony w nich konflikt historyczny lub legendarny jest znaczący. Schiller szeroko wykorzystywał w balladach takie środki dramaturgiczne jak monolog i dialog („Rękawica”, „Pierścień Polikratesa”, „Kasandra”). Wszystko to daje powód do nazywania ich „małymi dramatami” lub „ dramatyczne epizody».

Ballady Schillera odzwierciedlały jego refleksje na temat sensu ludzkiej egzystencji, siły obowiązku moralnego, dzięki którym wciąż miał nadzieję na poprawę public relations.

Schiller jako źródła wykorzystuje starożytne greckie legendy i opowieści, starożytne legendy ludowe i mity.

Tym samym ballada „The Cup” („Nurek”) opiera się na niemieckiej legendzie z XII wieku. Ale jest pozbawiony motywów romantycznych: przyczyną śmierci pływaka była rzekomo jego chciwość. Schiller natomiast ma tragiczny motyw walki człowieka z nierównymi siłami.

Ballada „Skarga Ceres” jest adaptacją starożytnego mitu o małżeństwie Prozerpiny (gr. Persefona), córki bogini płodności Ceres (Demeter) z Plutonem, bogiem podziemi (gr. Hades). . Według mitu Prozerpina wiosną opuszcza posiadłość Plutona i odwiedza matkę: czas jej pobytu na ziemi naznaczony jest przebudzeniem natury, rozkwitem i płodnością. Schiller psychologizuje mit, obdarza bogów ludzkie uczucia i cechy, podkreśla człowieczeństwo matczynego uczucia bogini.

Schiller tworzy także ballady o tematyce średniowiecznego życia feudalnego („Rękawica”).

W twórczości Schillera pojawiają się nowe motywy - społeczne - poszukuje on rozwiązań problemów globalnych, uniwersalnych: relacji między ludźmi, związku człowieka z naturą, ze sztuką, ze światem zewnętrznym. W jego balladach nie ma nic strasznego i niewytłumaczalnego. Jednak niektóre z nich są widoczne tendencje romantyczne: idea dualnego świata (świat marzeń jest lepszy od świata realnego), pojawienie się symboli, dynamika rozwoju wydarzeń, a później - odejście od rzeczywistości.

Wśród niemieccy pisarze Gottfried August Burger (1747 - 1794) również zwrócił się ku gatunkowi ballad. Jego „Lenora”, „Dziki myśliwy”, „Pieśń szczery człowiek i inne ballady przyniosły mu europejską sławę. Głównym źródłem Burgera jest niemiecki folklor. Dlatego w Lenore po mistrzowsku wykorzystuje swoje motywy liryczne i fantastyczne.

Najbardziej znane są ballady Schillera i Burgera w przekładach V.A. Żukowski. Udało mu się zachować „dostojno – epicką architekturę” ballad Schillera i „ludowy” styl Burgera.

Najstarsze ballady anglo-szkockie zachowały genetyczny związek z legendami i opowieściami systemu plemiennego. Ich cecha wyróżniająca- skupienie się na pojedynczym wydarzeniu, zwykle tragicznym i krwawym. Powody, które doprowadziły do tego wydarzenia, okoliczności je poprzedzające, podane są jedynie jako wskazówka, nadająca fabule nutkę tajemniczości. Tę konstrukcję fabuły, a także wiele innych, zapożyczył z ballad angielskich i szkockich Robert Burns (1759 - 1796). Jego pasja do dawnego folkloru zaczęła się od książki Roberta Fergusona, który opublikował niewielki tomik poezji w szkockim dialekcie. Wtedy Burns po raz pierwszy zdał sobie sprawę, że jego język ojczysty istnieje nie tylko jako język starych, na wpół zapomnianych ballad, ale także jako język prawdziwy. język literacki. Następnie wszystkie czas wolny Burns poświęcił się kolekcjonowaniu starych piosenek i ballad. Przez lata brał udział w tworzeniu wielotomowego „ Muzeum Muzyki”, przywracanie najbardziej niezniekształconych tekstów z różnych wersji ustnych i komponowanie nowych słów do starych melodii, jeśli teksty zaginęły lub zostały zastąpione wulgarnymi i niepiśmiennymi wersetami.

Burns stała się więc jednym z bezpośrednich uczestników odrodzenia bogatego folkloru, nie tylko jako najlepsza poetka Szkocji, ale także jako naukowiec, jako wielki znawca jej życia, legend. Dlatego większość jego utworów to głęboko oryginalne przeróbki starych pieśni; Burns wykorzystał fabułę, melodię, rytm, metrum starych wierszy. Ale pod jego piórem słabe, na wpół zapomniane starożytne zwrotki i wątki nabrały nowoczesnego charakteru i zostały wypełnione nową treścią.

Tak narodziła się na przykład ballada „John Barleycorn”, w której idea nieśmiertelności ludu wyrażona jest w formie alegorycznej.

Ballada Tam O'Shanter opiera się na anegdocie o rolniku Douglasie Grahamie O'Shanterze, zdesperowanym pijaku, który najbardziej na świecie bał się swojej zrzędliwej żony. Któregoś razu, gdy Douglas siedział w tawernie, chłopcy oderwał mu ogon od konia. Zauważył to dopiero po powrocie do domu. Aby usprawiedliwić się w oczach żony, Douglas skomponował opowieść o diabłach i czarownicach. Ten odcinek skłonił Burnsa do nawiązania fabuły ballady, którą sam bardzo lubił.

A oto adaptacja starej szkockiej ballady ludowej „Lord Gregory”, która opowiada prostą historię o tym, jak przystojny młody pan oszukał łatwowierną wieśniaczkę, a następnie ją opuścił. Starożytny tekst tej pieśni zawiera jedynie niekończące się smutne skargi i opisuje gorzkie łzy, które wylewa oszukana dziewczyna. Nie ma akcji, nie ma fabuły. Burns zmienił stary tekst nie do poznania: w usta bohaterki włożył namiętny monolog – teraz ona nie płacze, ale oskarża. W wyniku tej przeróbki ballada nabrała nowoczesnego brzmienia, a skąpa, namiętna i ekscytująca mowa nadała jej prawdziwy kunszt.

W kompozycji i stylu twórczości Burnsa dominują elementy poezji ludowej: powtórzenia, refreny, początki („Drzewo wolności”, „Uczciwa bieda”). Synkretyzm wywodzi się z folkloru, mieszanki różnych gatunków, rozmiarów poetyckich i różnych długości metrycznych. Jednocześnie ballady Burnsa więcej elementy poezji dramatycznej są nieodłączne: posługuje się dialogami i monologami, umiejętnie posługuje się bezosobową mową bezpośrednią.

Wraz z doskonaleniem umiejętności poetyckich Burns, nie rezygnując z tradycji folklorystycznych, zwraca się także ku tworzeniu realistycznych obrazów moralności: detal zaczyna grać wszystko. większa wartość w jego twórczości analiza uczuć bohaterów łączy się z obrazem i analizą środowiska społecznego, w którym żyją i działają. Chęć ukazania postaci w dynamice, w rozwoju skłoniła mnie do dokładnego przemyślenia konstrukcji narracji: niektóre ballady rozwijają się w miniaturową opowieść z dobrze rozwiniętą fabułą, celną, wyrazistą charakterystyką bohaterów („Tam O. „Shantera”).

Tematem przewodnim ballad Burnsa jest miłość, przyjaźń, wolność człowieka, temat dumy „uczciwego plebsu”. Prawdziwą przyjaźń, miłość, serdeczność i szczere uczestnictwo poeta najczęściej odnajduje wśród ubogich. Temat ten staje się motywem przewodnim późniejszych ballad Burnsa.

Pierwsze tłumaczenia i doniesienia o R. Burnsie pojawiły się w czasopismach rosyjskich na przełomie XVIII i XIX w. Teksty Burnsa przetłumaczyli I. Kozlov, M. Michajłow, T. Szczepkina - Kupernik, E. Bagritsky, S. Marshak.

Ze świadomością, że era tworzenia ballad ludowych minęła i ich istnienie wśród ludu dobiega końca, w Anglii i Szkocji rozpoczęto intensywne gromadzenie pieśni i ballad, już nie do dalszego przetwarzania, ale jako niezależne wartości. Jednakże prawo do ingerencji w tekst ballady ludowej – niezależnie od tego, czy chodzi o publikację starego rękopisu, czy nagranie ustnego wykonania – nadal jest przez długi czas była postrzegana jako zasada całkiem akceptowalna, a nawet pożądana. Ballady zbierali uczeni – krytycy literaccy, folkloryści, poeci i pisarze: Percy, Hurd, Ritson.

Ballady ludowe publikował także Walter Scott (1771 - 1831). Nie raz ulegał pokusie uwydatnienia ich poetyckiego brzmienia. W każdym razie wielokrotnie wspomina o dostosowaniu i połączeniu opcji w objaśnieniach do swoich publikacji.

Oprócz kolekcjonowania ballad, w ich tworzenie zaangażowany był także V. Scott. Ale ballady Scotta nie są przeróbkami starego materiału, wręcz przeciwnie najciekawsze prace pisane w tradycji średniowiecznej romans rycerski. Często ich fabuła i tematy pokrywają się proza działa Scotta, zwłaszcza z Ivanhoe. Podstawą ballad W. Scotta są nie tylko fakty i legendy historyczne, ale także narodowy szkocki folklor. Takie organiczne połączenie stało się podstawą takich ballad, jak „The Song of the Last Minstrel”, „Grey Brother” (tj. „Gray Monk”). W wielu balladach Scotta motywy obowiązku, miłości, honoru, moralności i etyki można prześledzić. Tym samym w „Szarym bracie” autor stawia problem pokuty za grzechy ziemskie i niebiańskie.

W balladach Scotta romantyzm objawia się dość wyraźnie: pojawiają się w nich ponure krajobrazy, nawiedzone zamki, jest romantyczna symbolika. Według takich dzieł, w świadomości większości ludzi, ballada to nadprzyrodzone wydarzenia, które piętrzą się jedno na drugim: trumny są zrywane z łańcuchów, duchy biegają po zamkach, lasy i polany zamieszkują gobliny i wróżki, wody roi się od syren. Ale te pomysły są inspirowane romantyczna ballada, a w XVIII wieku romantyzm jeszcze się nie rozwinął. Dzieło Scotta pochodzi z przełomu wieków i jest całkiem rozsądne, że wchłonęło „bieżące stulecie i minione stulecie”.

Gatunek balladowy jest gatunkiem tradycyjnym w literaturze angielskiej i szkockiej. Później zwrócili się do niego S. Coleridge, R. Southey i inni.

Wiek XVIII był oczywiście wiekiem odrodzenia się starego gatunku ballad. Sprzyjało temu kształtowanie się tożsamości narodowej, a w konsekwencji rozbudzenie zainteresowania nią Sztuka ludowa, to historia. Odrodzenie ballady przebiegało w trzech etapach:

nagrywanie i kolekcjonowanie ballad;

tworzenie na ich podstawie własnych wariantów poetyckich;

Trzeci etap jest najciekawszy, ponieważ przyczynił się nie tylko do odrodzenia, ale i rozwoju gatunku ballad. Pojawił się nowy, szerszy i bardziej aktualny temat, ballada stała się bardziej problematyczna. Coraz większa rola fabuły, coraz pełniejsze odkrywanie jej potencjalnych możliwości było właśnie drogą, po której szedł rozwój ballady. „Subiektywność” stopniowo staje się tą szczególną cechą, która odróżnia balladę od innych gatunków. W tym sensie zwyczajowo mówi się o balladzie jako o liryczno-epickiej formie poezji.

W miarę rozwoju gatunku ballad staje się on psychologizowany, na pierwszy plan wysuwają się konkretne, szczegółowe, a nie abstrakcyjne koncepcje dobra i zła, jak u Oświeconych, ale główne źródło (starożytność) pozostaje.

W miarę dalszego rozwoju ballady, zwłaszcza wraz z rozwojem gatunku ballady literackiej, wzmocniony psychologizmem początek liryczny znów zaczyna dominować nad fabułą. Mieszanie gatunków, penetracja poezja liryczna Elementy epickie i dramatyczne niezwykle wzbogaciły balladę, uelastyczniły ją, pozwoliły głębiej i bardziej prawdziwie ukazać świat uczuć, co przyczyniło się do tego, że ballada stała się jednym z głównych gatunków sentymentalizmu i romantyzmu.

Ballady angielskie i niemieckie stały się znane w Rosji na przełomie XVIII i XIX wieku. W tym czasie obrazy mitologiczne starożytność (która wiele lat później będzie zdobić poezję rosyjską) została poddana potężnemu atakowi „muzy północy”. Dzięki staraniom zmarłego wcześnie Karamzina i Andrieja Turgieniewa, a następnie Bajuszkowa o Żukowskim, rosyjski czytelnik najpierw zapoznał się z Szekspirem, a następnie z przedromantyczną i romantyczną literaturą Anglii i Niemiec. Motywy niemieckich, angielskich, szkockich ballad i legend wpłynęły do literatury rosyjskiej niczym szeroka rzeka. Dzięki tłumaczeniom Puszkina, Batiushkowa, Żukowskiego, Lermontowa gatunek ballad zaadaptował się i rozwinął na ziemi rosyjskiej.

Literatura

1. Aleksiejew M.P. Ballady ludowe Anglia i Szkocja // Historia Literatura angielska. M.; L., 1943. T. 1. Wydanie. I.

2. Balashov D.M. Rosyjska ballada ludowa//Ballady ludowe. M.; L., 1963.

3. Gasparow M.L. Ballada // Literacki słownik encyklopedyczny. M., 1987.

4. Levin Yu.D. „Wiersze Osjana” Jamesa Macphersona // Macpherson D. Wiersze Osjana. L., 1983.

5. Manifesty literackie romantyków zachodnioeuropejskich / Comp. a wcześniej. JAK. Dmitriew. M., 1980.

6. Smirnow Yu.I. Ballady wschodniosłowiańskie i formy pokrewne. Doświadczenie wykresów indeksowych i wersji. M., 1988.

7. Harfa eolska. Antologia Ballad: Biblioteka Studentów Języka. M., Szkoła wyższa. 1989.

Jeśli lubisz opowieści o tajemniczych wydarzeniach, losach nieustraszonych bohaterów, świętym świecie duchów, jeśli potrafisz docenić szlachetne uczucia rycerskie, kobiece oddanie, to oczywiście pokochasz literackie ballady.

Na lekcjach literatury w tym roku akademickim zapoznaliśmy się z kilkoma balladami. Ten gatunek mnie urzekł.

Wiersze te, łączące w sobie elementy liryki, epopei i dramatu, są według nich rodzajem poezji „uniwersalnej”. słynny poeta Wordswortha z XIX w.

Poeta „wybierając wydarzenia i sytuacje z najbardziej codziennego życia ludzi, stara się je opisać, jeśli to możliwe, językiem, którym ci ludzie faktycznie mówią; ale jednocześnie przy pomocy wyobraźni nadaj mu kolorytu, dzięki któremu zwykłe rzeczy pojawią się w niezwykłym świetle. „.

Temat „Cechy gatunku ballady literackiej” wydał mi się interesujący, pracuję nad nim już drugi rok.

Temat jest niewątpliwie aktualny, gdyż pozwala wykazać się niezależnością i rozwinąć umiejętności krytyka.

2. Ballada literacka: powstanie gatunku i jego cechy.

Samo określenie „ballada” pochodzi od prowansalskiego słowa oznaczającego „tajemniczą pieśń”, ballady powstały w trudnych czasach średniowiecza. Tworzone były przez gawędziarzy ludowych, przekazywane ustnie, a w procesie przekazu ustnego ulegały znacznym modyfikacjom, stając się owocem zbiorowej twórczości. Fabuła ballad obejmowała legendy chrześcijańskie, romanse rycerskie, mity starożytne, dzieła starożytnych autorów w średniowiecznych opowieściach, tak zwane historie „wieczne” lub „wędrujące”.

Fabuła ballady często budowana jest jako ujawnienie, rozpoznanie pewnej tajemnicy, która trzyma słuchacza w napięciu, każe mu się martwić, martwić o bohatera. Czasami fabuła się urywa i w zasadzie zostaje zastąpiona dialogiem. To właśnie fabuła staje się znakiem wyróżniającym balladę spośród innych. gatunki liryczne i rozpoczyna swoje zbliżenie z eposem. W tym sensie zwyczajowo mówi się o balladzie jako o gatunek liryczny poezja.

W balladach nie ma granicy pomiędzy światem ludzi i naturą. Człowiek może zamienić się w ptaka, drzewo, kwiat. Natura wchodzi w dialog z bohaterami. Odzwierciedla to starożytną ideę jedności człowieka z naturą, zdolności ludzi do przemiany w zwierzęta i rośliny i odwrotnie.

Ballada literacka swoje narodziny zawdzięcza niemieckiemu poecie Gottfriedowi Augustowi Burgerowi. Ballada literacka była bardzo podobna do ballady folklorystycznej, gdyż pierwsze ballady literackie powstawały jako naśladownictwo ballad ludowych. I tak na przełomie XVIII i XIX w. balladę ludową zastąpiono balladą literacką, czyli balladą autorską.

Pierwsze ballady literackie powstały na bazie pastiszu, dlatego bardzo często trudno je odróżnić od prawdziwych ballad ludowych. Przejdźmy do tabeli nr 1.

Ballada literacka to liryczny gatunek epicki oparty na narracji narracyjnej z zawartym w niej dialogiem. Podobnie jak ballada folklorystyczna, jej literacka siostra często rozpoczyna się krajobrazem i kończy krajobrazowym zakończeniem. Ale najważniejsze w balladzie literackiej jest głos autora, jego emocje partytura liryczna opisane wydarzenia.

I teraz możemy dostrzec cechy różnicy między balladą literacką a folkloryczną. Już w pierwszych balladach literackich pozycja liryczna autora objawia się wyraźniej niż w utworach ludowych.

Powód tego jest zrozumiały – folklor kieruje się ideałem narodowym, a ballada literacka zawiera osobisty stosunek autora do bardzo popularnego ideału.

Twórcy literackich ballad początkowo starali się nie wychodzić poza tematy i motywy. źródła ludowe, ale potem coraz częściej zaczęli zwracać się ku swojemu ulubionemu gatunkowi, sycąc tradycyjna forma Nowa treść. Ballady baśniowe, satyryczne, filozoficzne, fantastyczne, historyczne, heroiczne zaczęły pojawiać się wraz z balladami rodzinnymi, „strasznymi” itp. Szersza tematyka odróżniała balladę literacką od ludowej.

Zmiany zaszły także w formie ballady literackiej. Przede wszystkim dotyczyło to stosowania dialogu. Ballada literacka znacznie częściej opiera się na ukrytym dialogu, gdy jeden z rozmówców albo milczy, albo bierze udział w rozmowie krótkimi uwagami.

3. Ballady literackie V. A. Żukowskiego i M. Yu Lermontowa.

Szerokie możliwości poetyckie rosyjskiej ballady otworzyły się przed rosyjskim czytelnikiem dzięki działalności literackiej V. A. Żukowskiego, który działał na początku XIX wieku. To ballada stała się głównym gatunkiem jego poezji i to ona przyniosła mu literacką sławę.

Ballady Żukowskiego opierały się zwykle na źródłach zachodnioeuropejskich. Ale ballady V. A. Żukowskiego są także ważnym fenomenem rosyjskiej poezji narodowej. Faktem jest, że tłumacząc angielskie i niemieckie ballady literackie, posługiwał się technikami artystycznymi i obrazami rosyjskiego folkloru i rosyjskiej poezji. Czasem poeta odchodził bardzo daleko od pierwotnego źródła, tworząc samodzielne dzieło literackie.

Na przykład piękne tłumaczenie literackiej ballady o wielkich Niemiecki poeta„Król elfów” Johanna Wolfganga Goethego, napisany na podstawie niemieckiego folkloru, przekazuje napięcie wewnętrzne fantastyczna ballada i liryczny stosunek autora (JV Goethe) do opisywanych wydarzeń. Jednocześnie Żukowski w swojej balladzie Car lasu opisuje las zaskakująco podobny do rosyjskiego, a jeśli nie wiesz, że mamy tłumaczenie, możesz łatwo przyjąć to dzieło jako stworzone w języku rosyjskim tradycja. „Leśny Król” – ballada o fatalny los, rozgrywa się w nim odwieczny spór między życiem a śmiercią, nadzieją a rozpaczą, ukryty za złowieszczym spiskiem. Autorka wykorzystuje różne techniki artystyczne.

Przejdźmy do tabeli nr 2.

1. W centrum nie jest wydarzenie, nie epizod, ale osobowość człowieka rozgrywający się na takim czy innym tle to barwny pejzaż leśnego królestwa i przytłaczająca rzeczywistość.

2. Podział na dwa światy: ziemski i fantastyczny.

3. Autor posługuje się wizerunkiem narratora, aby oddać atmosferę tego, co się dzieje, ton ukazanego: na początku ton lirycznie straszny ze wzrostem poczucia niepokoju i beznadziejnie tragiczny na końcu.

4. Obrazy świata rzeczywistego i obcego z „innego” świata.

5. Charakterystycznym rytmem ballady jest tupot konia związany z pościgiem.

6. Używanie epitetów.

W balladach Żukowskiego jest wiele jasnych kolorów i wyrazistych detali. Mają do nich zastosowanie słowa A. S. Puszkina o Żukowskim: „Nikt nie miał i nie będzie miał stylu równego jego sile i różnorodności”.

„Sąd Boży nad biskupem” to tłumaczenie dzieła angielskiego poety romantycznego Roberta Southeya, współczesnego V. A. Żukowskiego. „Sąd Boży nad biskupem” – napisany w marcu 1831 r. Opublikowano po raz pierwszy w wydaniu „Ballad i opowieści” w 1831 roku. w dwóch częściach. Tłumaczenie ballady pod tym samym tytułem autorstwa R. Southeya, opartej na średniowiecznych legendach o skąpym biskupie Gattonie z Metz. Według legendy, podczas głodu w 914 r., Gatton zdradziecko zaprosił głodujących na „ucztę” i spalił ich w stodole; za to został zjedzony przez myszy.

Tym razem rosyjski poeta bardzo uważnie podąża za oryginalną „straszną” balladą, opisującą okrucieństwo zagranicznego biskupa i jego karę.

1. Takiego początku nie znajdziesz w balladzie folklorystycznej: nie tylko powstaje tu pewien nastrój liryczny, ale poprzez opis klęski żywiołowej, krótko i wyraziście powstaje obraz ludzkiego żalu.

2. W balladzie R. Southeya nie ma dialogu. Poeta wprowadza do narracji jedynie repliki, ale bohaterowie nie zwracają się do siebie. Ludzie są zaskoczeni hojnością Gattona, ale biskup nie słyszy ich okrzyków. Gatton opowiada sobie o swoich okrucieństwach, ale tylko Bóg może poznać jego myśli.

3. To ballada o zemście i odkupieniu. Średniowiecze jawi się w nim jako świat opozycji sił ziemskich i niebieskich.

Tragiczny ton pozostaje w tej balladzie niezmienny, zmieniają się jedynie obrazy i ocena ich położenia przez narratora.

4. Ballada zbudowana jest na antytezie:

„Był głód, ludzie umierali.

Ale biskup, dzięki łasce nieba

Ogromne stodoły są pełne chleba”

Ogólne nieszczęście nie dotyka biskupa, ale na koniec biskup „w dzikim szale wzywa Boga”, „wyje zbrodniarz”.

5. Aby wzbudzić sympatię czytelnika, autor posługuje się jednością dowodzenia.

„Zarówno lato, jak i jesień były deszczowe;

Pastwiska i pola zostały zatopione”

Żukowski zawsze wybierał do tłumaczenia dzieła, które były z nim wewnętrznie zgodne. Dobro i zło w ostrej konfrontacji pojawiają się we wszystkich balladach. Ich źródłem jest zawsze ludzkie serce i nieziemskie, tajemnicze siły, które je kontrolują.

„Zamek Smalholm, czyli wieczór świętojański” – tłumaczenie ballady Waltera Scotta „Wigilia św. Jana”. Zamek znajdował się na południu Szkocji. Należy do jednego z krewnych Waltera Scotta. Wiersz powstał w lipcu 1822 r. Ta ballada ma długą cenzurowaną historię. Żukowskiego oskarżono o „bluźniercze połączenie tematu miłosnego z tematem wieczoru Iwanowa”. Wigilia Iwanowa święto narodowe Kupały, przemyślanej przez Kościół jako uroczystość narodzin Jana Chrzciciela. Cenzura zażądała radykalnej przeróbki finału. Żukowski zwrócił się do komisji cenzury z prośbą do Naczelnego Prokuratora Synodu i Ministerstwa Oświaty, księcia A.N. Golicyna. Ballada została wydrukowana poprzez zmianę „Święta Świętojańskiego” na „Dzień Duncana”.

Spośród ballad, które przeczytałem, chciałbym wyróżnić ballady M. Yu. Lermontowa.

Ballada „The Glove” jest tłumaczeniem ballady rycerskiej niemieckiego pisarza Friedricha Schillera. Lermontow – tłumacz opiera się na doświadczeniach Żukowskiego, stara się więc oddać nie tyle formę dzieła, ile jego emocjonalny stosunek do zdradzieckiej kobiety, która dla zabawy poddaje swojego rycerza śmiertelnej próbie.

1. Początek pejzażu przedstawia tłum w cyrku, zgromadzony w oczekiwaniu na widowisko, niebezpieczną grę – walkę tygrysa z lwem.

2. W balladzie jest dialog: jest apel Kunigundy do rycerza, jest też odpowiedź do damy. Ale dialog zostaje zerwany: najważniejsze wydarzenie ma miejsce pomiędzy tymi dwiema uwagami.

3. Tragiczny ton zastępuje ogólną zabawę.

4. Ważnym elementem kompozycji jest jej zwięzłość: wygląda jak sprężyna ściśnięta pomiędzy krawatem a rozwiązaniem.

5. W okolicy przemówienie artystyczne odnotowuje się hojność metafor: „Świecił chór pięknych pań”, „ale niewolnik przed swym panem narzeka i na próżno się złości”, „irytacja okrutnego płomienia w ogniu”

Heroiczna ballada, wychwalająca wyczyn i bezkompromisowość wobec wrogów, była szeroko rozpowszechniona w Rosji.

Jednym z najlepszych wierszy patriotycznych stworzonych przez poetów rosyjskich jest ballada M. Yu Lermontowa „Borodino”.

1. 1. Cała ballada zbudowana jest na rozbudowanym dialogu. Tutaj elementem początku pejzażu („Moskwa spalona ogniem”) jest zawarta w kwestii młodego żołnierza, od którego rozpoczyna się ballada. Następnie następuje odpowiedź – historia uczestnika bitwy pod Borodino, w której słychać repliki uczestników bitwy. To właśnie te uwagi, a także mowa samego narratora, pozwalają poecie przekazać prawdziwie popularną postawę wobec Ojczyzny i jej wrogów.

2. Balladę tę cechuje polifonia – słychać wiele głosów. Po raz pierwszy w poezji rosyjskiej pojawiły się prawdziwe obrazy rosyjskich żołnierzy, bohaterów słynnej bitwy. Historia dnia bitwy pod Borodino zaczyna się od wezwania żołnierza, dowódcy-pułkownika, z błyszczącymi oczami. To jest mowa oficera, szlachcica. Z łatwością nazywa starych, zasłużonych żołnierzy „chłopcami”, ale jest gotowy razem iść do bitwy i umrzeć jak ich „brat”.

3. Bitwa jest pięknie przedstawiona w balladzie. Lermontow zrobił wszystko, aby czytelnik mógł niejako zobaczyć bitwę na własne oczy.

Poeta dał świetne zdjęcie Bitwa pod Borodino z wykorzystaniem nagrania dźwiękowego:

„Brzmiała stal adamaszkowa, grzmiał śrut”

„Zapobiegłem lataniu jąder

Góra krwawych ciał»

Bieliński bardzo docenił język i styl tego wiersza. Napisał: „W każdym słowie słychać język żołnierza, który nie przestaje być prymitywnie naiwny, jest mocny i pełen poezji!”

W XX wieku gatunek balladowy był poszukiwany przez wielu poetów. W nich spędziło swoje dzieciństwo i młodość ciężki czas wielkie wstrząsy historyczne: rewolucja, wojna domowa, Wielka Wojna Ojczyźniana przyniosły ze sobą krew, śmierć, cierpienie, zniszczenia. Pokonując trudności, ludzie na nowo ułożyli swoje życie, marząc o szczęśliwej, sprawiedliwej przyszłości. Tym razem, szybki jak wiatr, był trudny i okrutny, ale obiecywał spełnienie najśmielszych marzeń. Wśród poetów tego czasu nie znajdziesz fantastycznych, rodzinnych ani „strasznych” ballad; ballady heroiczne, filozoficzne, historyczne, satyryczne i społeczne są w swoich czasach pożądane.

Nawet jeśli utwór opowiada o wydarzeniu z czasów starożytnych, w balladzie D. Kedrina „The Architects” jest ono przeżywane tak, jak dzisiaj.

Tragiczna ballada K. Simonov ” Stara piosenkażołnierz” („Jak służył żołnierz”).

Fragment gazety, nadający dziełu rozgłos, poprzedza „Ballada o kłusownictwie” E. Jewtuszenki. W tekście znajduje się monolog łososia, który przemawia do ludzkiego umysłu.

Szlachetna powaga i rygor wyróżnia „Balladę o walce” W. Wysockiego, w pamięci pojawiają się wersety:

Jeśli przecinając ścieżkę mieczem swego ojca,

Ranisz słone łzy na wąsach,

Jeśli w gorącej bitwie doświadczyłem, ile, -

Więc czytałeś niezbędne książki jako dziecko!

Ballada „Architekci” D. Kedrina jest chlubą poezji rosyjskiej pierwszej połowy XX wieku, napisaną w 1938 roku.

W Architektach objawiło się zrozumienie przez Kiedrinskiego historii Rosji, podziw dla talentu narodu rosyjskiego, wiara w zwycięską siłę piękna i sztuki.

W centrum wiersza znajduje się historia powstania Świątyni wstawiennictwa Święta Matka Boża na Placu Czerwonym w Moskwie, znanym jako Katedra św. Bazylego.

Świątynia została zbudowana w latach 1555-1561 na cześć zwycięstwa nad Chanatem Kazańskim. Zręczni architekci Postnik i Barma wymyślili i zrealizowali bezprecedensowy czyn: zjednoczyli osiem świątyń w jedną całość - według liczby zwycięstw odniesionych pod Kazaniem. Są zgrupowani wokół centralnego dziewiątego obozu namiotowego.

Istnieje legenda o oślepieniu budowniczych katedry św. Bazylego. Do zbrodni rzekomo doszło na polecenie cara Iwana IV, który nie chciał, aby taka katedra gdziekolwiek się pojawiła. Dokumenty potwierdzające legendę nie istnieją. Ale ważne, że legenda powstała, że była przekazywana z pokolenia na pokolenie, potwierdzając już faktem swego istnienia, że w powszechnej świadomości takie okrucieństwo autokraty było możliwe. Kedrin nadał temu tematowi znaczenie uogólniające.

1. Wiersz ten opowiada o ważnej sprawie wydarzenie historyczne. Jest fabuła i widzimy tu typową technikę balladową – „powtórzenie ze wzrostem”. Król dwukrotnie zwraca się do architektów: „I dobroczyńca zapytał”. Technika ta zwiększa szybkość akcji, zagęszcza napięcie.

2. Stosowany jest dialog, który napędza fabułę w balladach. Postacie bohaterów zarysowane są wypukłie, wypukło.

3. Kompozycja opiera się na antytezie. Wiersz jest wyraźnie podzielony na 2 części, które są sobie przeciwstawne.

4. Historia opowiedziana jakby w imieniu kronikarza. A styl kroniki wymaga beznamiętności, obiektywizmu w przedstawianiu wydarzeń.

5. Na początku tekstu znajduje się bardzo niewiele epitetów. Kedrin skąpi farb, bardziej martwi się tragicznością losu mistrzów. Mówiąc o uzdolnieniach narodu rosyjskiego, poeta epitetami podkreśla jego zdrowie moralne i niezależność:

I przyszło do niego dwóch

Nieznani architekci Włodzimierza,

Dwóch rosyjskich budowniczych

Kiedy „kronikarz” przechodzi do opisu „strasznej łaski królewskiej”, głos mu nagle drży:

oczy sokoła

Jeśli użyją żelaznego szydła

Do białego światła

Nie widzieli.

Były markowe

Bito ich batogami, chorowano,

I rzucił je

Na zimnym łonie ziemi.

Formę ludowego lamentu podkreślają tu folklorystyczne „trwałe” epitety.

W wierszu znajduje się kilka porównań, które podkreślają piękno i czystość Kościoła wstawiennictwa Najświętszej Bogurodzicy:

i zachwycając się jak w bajce,

Spojrzałem na to piękno.

Ten kościół był

Jak panna młoda!

Co za sen!

Jest tu tylko jedna metafora (w annałach są nie na miejscu):

I u stóp budynku

Rynek tętnił życiem

6. Rytm sugeruje sformułowanie „mówi kronikarska opowieść”: wyważony, imponujący głos samej historii. Ale rytm wiersza się zmienia: zwrotki związane z obecnością władcy brzmią uroczyście i majestatycznie. Jeśli chodzi o nieszczęsnych, zaślepionych architektów, rządzi napięcie emocjonalne nagła zmiana intonacja, rytm: zamiast powagi - dźwięk jednej przenikliwie ostrej nuty w całej linijce:

A w żarłocznym rzędzie,

Gdzie śpiewała blokada tawerny,

Gdzie kadłub cuchnął

Gdzie było ciemno od pary

Gdzie diakoni krzyczeli:

„Słowo i czyn państwa!”

Mistrzowie na litość boską

Prosili o chleb i wino.

Napięcie rytmu buduje także anafora (gdzie, gdzie, gdzie), wymuszając napięcie.

7. Archaizmy i historyzmy wkraczają do dzieła organicznie, zawsze są zrozumiałe w kontekście.

Tat - złodziej, zakreślony - tawerna, torovo - hojnie, słusznie - kara, bluźnierstwo - piękno, zielony - bardzo, velmi - bardzo, smerd - chłop, zane - bo

Kedrin kończy się wyrażeniem „popularna opinia”:

I zakazana piosenka

O straszliwym miłosierdziu królewskim

Śpiewałem w tajnych miejscach

Przez szeroką Ruś, guslary.

29 sierpnia 1926 „Komsomolskaja Prawda” opublikowała „Grenada” – i Swietłow nagle stał się najpopularniejszym sowieckim poetą. W. Majakowski po przeczytaniu „Grenady” nauczył się jej na pamięć i wyrecytował ją na swoim twórcze wieczory. Z jakiegoś powodu każdemu wydaje się, że ta ballada opowiada o hiszpańskiej wojnie domowej. Tak naprawdę wojna zaczęła się kilka lat po ukazaniu się wiersza. Bohater liryczny chce tylko podsycić światowy ogień.

Z jednego słowa „wyrósł” wiersz „Grenada”. Co zafascynowało to słowo poety? Dlaczego stała się piosenką ukraińskiego chłopca, żołnierza kawalerii, który zginął w wojnie domowej? Oczywiście Michaiłowi Swietłowowi spodobało się przede wszystkim brzmienie słowa Grenada. Jest w nim tyle energii, że nie ma absolutnie żadnej agresji, chamstwa; jednocześnie w jego brzmieniu, sile i czułości, i wyrazistości rzeczywistości, i niestabilności snu, i szybkości impulsu, i spokojowi końca ścieżki. W ustach młodego wojownika to piękne imię staje się dźwiękowym symbolem jego marzenia o nowym życiu dla wszystkich.

1. Malarstwo pejzażowe szeroko otwarta przestrzeń Ukraińskie stepy. Ballada opowiada o losach i bohaterskiej śmierci młodego żołnierza.

3. M. Svetlov zaostrza rytm ballady, rozbijając czterowiersze na osiem wersów. W tym rytmie wyraźnie słychać rytm ruchu oddziału kawalerii:

Śpiewał patrząc

Kraje ojczyste:

„Grenada, Grenada,

Grenada jest moja!

Samo słowo Grenada odtwarza wielkość ballady: ma trzy sylaby, a akcent pada na drugą sylabę.

4. Tragiczny ton zostaje zastąpiony dźwięczną melodią zmartwychwstania snu.

Tutaj, nad zwłokami

Księżyc się skłonił

Tylko niebo jest ciche

Poślizgnąłem się później

Na aksamicie zachodu słońca

kropla deszczu

Personifikacja i metafora wskazują, że niezależnie od wielkości wydarzenia, jego znaczenie nie może złagodzić bólu straty.

Wysocki napisał 6 ballad - „Ballada o czasie” („Zamek ukryty jest w czasie”), „Ballada o nienawiści”, „Ballada o wolnych strzelcach”, „Ballada o miłości” („Kiedy woda Powódź”), „Ballada o dwóch martwych łabędziach”, „Ballada o walce” („Wśród zwisających świec i wieczornych modlitw”) do filmu Siergieja Tarasowa „Strzały Robin Hooda”.

„Chciałem napisać kilka piosenek dla młodzieży, która będzie oglądać to zdjęcie. I napisał ballady o walce, o miłości, o nienawiści – w sumie sześć dość poważnych ballad, zupełnie nie przypominających tego, co robiłem wcześniej” – pisze autor.

Wreszcie zabrał głos w bezpośredniej mowie – jak to mówią, bez pozy i maski. Tylko „Pieśń wolnych strzelców” – warunkowa, fabularna czy coś. A reszta – bez rozwidlenia gry, bez podpowiedzi i podtekstów. Jest tu swego rodzaju antyironia: odważna bezpośredniość, jak cios mieczem, miażdży ironiczne uśmieszki, odcina głowę wszelkiemu cynizmowi

Ballady zostały jednak zakazane, a nagrania Wysockiego zostały później wykorzystane przez Tarasowa w filmie „Ballada o dzielnym rycerzu Iwanhoe”.

1. Ciekawy jest początek „Ballady o czasie”: powstaje tu nie tylko pewien nastrój liryczny, ale poprzez opis starożytnego zamku, „ukrytego przez czas i owiniętego delikatnym kocem zielonych pędów”, obraz przeszłości tworzą się kampanie, bitwy i zwycięstwa.

2. W balladzie W. Wysockiego dialog jest ukryty. Stosowana jest forma monologu dramatycznego. Poeta wprowadza do narracji jedynie własne wersety – apeluje do potomków, bohaterowie nie zwracają się do siebie, turnieje, oblężenia, bitwy toczą się na naszych oczach, jak na ekranie.

3. Ta ballada wartości wieczne. Średniowiecze jawi się w nim jako świat zbudowany na antytezie:

Wrogowie wpadali w błoto, wołając o litość

Ale nie każdy, pozostając przy życiu,

Zachowajcie serca w życzliwości

Ochrona Twojego dobrego imienia

Od celowych kłamstw łajdaka

4. Uroczysty ton tej ballady pozostaje niezmienny. Autor stosuje jedność poleceń:

A cena jest ceną, a wino jest winem,

I zawsze dobrze jest, jeśli honor zostaje ocalony

„W tych sześciu balladach określona jest pozycja życiowa poety. Jest głębiej niż na pierwszy rzut oka. To jakby jego inspiracja, testament” – napisał jeden z przyjaciół W. Wysockiego.

Słowo „ballada” pochodzi od francuskiej „ballady”, a następnie z kolei od późnołacińskiego „ballo” – „tańczę”. Gatunek ballad rozwinął się w średniowieczu. Początkowo tak nazywała się piosenka tańca ludowego; potem powszechne stały się ballady o zbrodniach, krwawych waśniach, nieszczęśliwej miłości i sierocie. Rozwój wątków balladowych szedł w dwóch głównych kierunkach: wątki o charakterze heroiczno-historycznym okazały się niezwykle produktywne; równolegle opracowywali wątki o tematyce miłosnej. Tak naprawdę nie było wyraźnej granicy pomiędzy tymi dwiema grupami. Historie bohaterskie i miłosne często się przeplatały, wchłaniały baśniowe motywy folklorystyczne, czasem interpretowane w sposób komiczny, nabierając cech specyficznych związanych z miejscem powstania czy istnieniem konkretnej ballady.

Heroiczne ballady powstały, gdy czasy mitów, legend, epickich bohaterów odeszły w odległą przeszłość. Ballady heroiczne opierają się na konkretnych wydarzeniach historycznych, które w mniejszym lub większym stopniu można prześledzić w każdym z nich, co daje prawo do określenia ich heroiczno-historycznym.

Tak brzmiała ballada w średniowieczu. Wraz z rozwojem innych gatunków literackich ballada zeszła na dalszy plan i nie cieszyła się dużą popularnością.

Wielki niemiecki pisarz i naukowiec, klasyk literatury niemieckiej i światowej, Johann Wolfgang Goethe (1749-1832) był wielkim mistrzem liryki. Tutaj szczególnie wyraźnie ujawniła się różnorodność geniuszu poety. Opanował najróżniejsze formy wiersza i stylu poetyckiego: teksty filozoficzne, pieśni ludowe; ma starożytny cykl „Elegie rzymskie”, cykl wschodni „Leżanka Zachodnio-Wschodnia”. Często Goethe sięgał po balladę, był inicjatorem jej odrodzenia.

Wczesne ballady Goethego z epoki Sturm und Drang („Róża stepu”, 1771, „Król Ful”, 1774 itd.) zbliżają się stylem i manierą do pieśni ludowej, z jej przeważnie emocjonalnym wydźwiękiem i liryką, tematy miłosne. Ballady okresu przejściowego („Rybak”, 1778, „Król lasu”, 1782) już nieco odchodzą od prostoty kompozycji stylu pieśni ludowej, ale zachowują wspólny charakter liryczny: ich tematy są rysowane z folkloru, ale używany do wyrażania nowoczesnego, romantycznie kolorowego poczucia natury. . Ballady z późniejszego okresu („Oblubienica koryncka”, „Bóg i Bayadere” itp. 1797) to obszerne i złożone kompozycje narracyjne, małe wiersze, w których konkretna fabuła narracyjna staje się typowym przypadkiem, ucieleśnia ogólną ideę moralną i filozoficzną; Taką klasyczną typifikację i obiektywizm ułatwia wysoki styl, pozbawiony subiektywnego zabarwienia emocjonalnego i zastosowanie skomplikowanych form stroficznych jako metody stylizacji metrycznej.

W balladach Goethego z pewnością jest coś tajemniczego, pouczającego, strasznego, rzadziej zabawnego. Wiele z nich napisanych jest w tradycji straszliwej, ponurej ballady (np. „Flecista”, „Król lasu”, „Oblubienica koryncka” przesiąknięte są doznaniami nocnych lęków), ale są też utwory, których motywem jest afirmacja ziemskich radości; ani wróżenie, ani poszukiwanie skarbów nie przyniosą szczęścia, jest to w miłości, w przyjaźni, w samej osobie.

Ballady Goethego łączą w sobie to, co fantastyczne i nieprawdopodobne, straszne i zabawne, ale to wszystko zawsze przeniknięte jest jasną myślą, wszystko logicznie wynika jedno z drugiego - i nagle często nieoczekiwany tragiczny finał. Charakterystyczna dla twórczości folklorystycznej nagość uczuć to kolejna ważna cecha ballad Goethego.

Goethe przez długi czas lubił sztukę starożytną. Dlatego głównym źródłem jego ballad są starożytne mity, legendy i tradycje. Ale Goethe humanizuje rzeczywistość, obdarza nawet przyrodę realnymi właściwościami, posługując się metodą wymuszania. W ten sposób uzyskuje się kompletne dzieło dramatyczne, w którym wszystko jest ważne, a nawet najmniejszy szczegół odgrywa swoją rolę.

Znamy ballady Goethego z V.A. Żukowski, F.I. Tyutcheva, B.L. Pasternaka, któremu udało się w klarowny sposób oddać emocjonalny nastrój, niepowtarzalną atmosferę i koloryt stworzony przez geniusz Goethego. Później jego dzieła tłumaczyli romantycy (Venevitinov), poeci „czystej sztuki”, poeci symbolistyczni.

Jedno z czołowych miejsc zajmuje gatunek balladowy w twórczości innego pisarza niemieckiego, Friedricha Schillera (1759–1805). Schiller zwrócił się ku temu gatunkowi w tym samym czasie co Goethe, w wielu przypadkach odczuwalny jest jego wpływ. Pisarze byli przyjacielscy, wspólnie wydawali magazyn Ory. W procesie tworzenia ballad utrzymywano stałą komunikację twórczą, a w 1797 roku zorganizowano przyjacielski konkurs na ich pisanie.

Pierwszy cykl ballad Schillera – „Kielich”, „Rękawica”, „Pierścień Polikratesa”, „Żurawie Ivikowa” – został opublikowany w 1798 r. w „Almanachu Muz”, zgodnie z fraszkami.

Podobnie jak Goethe, Schiller interesował się sztuką starożytną, co znalazło odzwierciedlenie w szeregu wierszy („Bogowie Grecji”, 1788, „Artyści”, 1789) i balladach. Najlepsze z nich pod względem ideologicznym i stylistycznym są ściśle związane z jego stanowiskiem filozoficznym i dramaturgią historyczną. Są dramatyczne w rozwoju fabuły, odzwierciedlony w nich konflikt historyczny lub legendarny jest znaczący. Schiller szeroko wykorzystywał w balladach takie środki dramaturgiczne jak monolog i dialog („Rękawica”, „Pierścień Polikratesa”, „Kasandra”). Wszystko to daje podstawy do nazywania ich „małymi dramatami” lub „epizodami dramatycznymi”.

Ballady Schillera odzwierciedlały jego refleksje na temat sensu ludzkiej egzystencji, siły obowiązku moralnego, dzięki którym wciąż miał nadzieję na poprawę stosunków społecznych.

Schiller jako źródła wykorzystuje starożytne greckie legendy i opowieści, starożytne legendy ludowe i mity.

Ballada „Skarga Ceres” jest adaptacją starożytnego mitu o małżeństwie Prozerpiny (gr. – Persefona), córki bogini płodności Ceres (Demeter) z Plutonem, bogiem podziemi (gr. – Hades). . Według mitu Prozerpina wiosną opuszcza posiadłość Plutona i odwiedza matkę: czas jej pobytu na ziemi naznaczony jest przebudzeniem natury, rozkwitem i płodnością. Schiller psychologizuje mit, obdarza bogów ludzkimi uczuciami i cechami, podkreśla człowieczeństwo matczynego uczucia bogini.

Schiller tworzy także ballady o tematyce średniowiecznego życia feudalnego („Rękawica”).

W twórczości Schillera pojawiają się nowe motywy - społeczne - poszukuje on rozwiązań problemów globalnych, uniwersalnych: relacji między ludźmi, związku człowieka z naturą, ze sztuką, ze światem zewnętrznym. W jego balladach nie ma nic strasznego i niewytłumaczalnego. Jednak niektóre z nich wykazują tendencje romantyczne: ideę dualnego świata (świat snów jest lepszy od świata rzeczywistego), pojawienie się symboli, dynamikę rozwoju wydarzeń, a później - odejście od rzeczywistości .

Wśród pisarzy niemieckich do gatunku ballad zwrócił się także Gottfried August Bürger (1747–1794). Jego „Lenora”, „Dziki myśliwy”, „Pieśń uczciwego człowieka” i inne ballady przyniosły mu europejską sławę. Głównym źródłem Burgera jest niemiecki folklor. Dlatego w „Lenorze” umiejętnie wykorzystuje swoje motywy liryczne i fantastyczne.

Najbardziej znane są ballady Schillera i Burgera w przekładach V.A. Żukowski. Udało mu się zachować „dostojną – epicką architekturę” ballad Schillera i „wulgarność” stylu Burgera.

Najstarsze ballady anglo-szkockie zachowały genetyczny związek z legendami i opowieściami systemu plemiennego. Ich cechą wyróżniającą jest skupienie się na jednym wydarzeniu, zwykle tragicznym i krwawym. Powody, które doprowadziły do tego wydarzenia, okoliczności je poprzedzające, podane są jedynie jako wskazówka, nadająca fabule nutkę tajemniczości. Robert Burns (1759-1796) zapożyczył tę strukturę fabularną, a także wiele innych rzeczy, z ballad angielskich i szkockich. Jego pasja do dawnego folkloru zaczęła się od książki Roberta Fergusona, który opublikował niewielki tomik poezji w szkockim dialekcie. Wtedy Burns po raz pierwszy zdał sobie sprawę, że jego język ojczysty istnieje nie tylko jako język starych, na wpół zapomnianych ballad, ale także jako prawdziwy język literacki. Następnie Burns cały swój wolny czas poświęcił zbieraniu starych piosenek i ballad. Przez lata brał udział w tworzeniu wielotomowego „Muzeum Muzyki”, odtwarzając najbardziej niezniekształcone teksty z różnych wersji ustnych i komponując nowe słowa do starych melodii w przypadku zagubienia tekstów lub ich zastąpienia wulgarnymi i niepiśmiennymi wierszami.

Tak narodziła się na przykład ballada „John Barleycorn”, w której idea nieśmiertelności ludu wyrażona jest w formie alegorycznej.

A oto adaptacja starej szkockiej ballady ludowej „Lord Gregory”, która opowiada prostą historię o tym, jak przystojny młody lord oszukał łatwowierną wieśniaczkę, a następnie ją opuścił. Starożytny tekst tej pieśni zawiera jedynie niekończące się smutne skargi i opisuje gorzkie łzy, które wylewa oszukana dziewczyna. Nie ma akcji, nie ma fabuły. Burns zmienił stary tekst nie do poznania: w usta bohaterki włożył namiętny monolog – teraz ona nie płacze, ale oskarża. W wyniku tej przeróbki ballada nabrała nowoczesnego brzmienia, a skąpa, namiętna i ekscytująca mowa nadała jej prawdziwy kunszt.

W kompozycji i stylu twórczości Burnsa dominują elementy poezji ludowej: powtórzenia, refreny, początki („Drzewo wolności”, „Uczciwa bieda”). Synkretyzm wywodzi się z folkloru, mieszanki różnych gatunków, rozmiarów poetyckich i różnych długości metrycznych. Jednocześnie elementy poezji dramatycznej są bardziej nieodłączne od ballad Burnsa: posługuje się dialogami i monologami, umiejętnie posługuje się bezosobową mową bezpośrednią.

W miarę doskonalenia swoich umiejętności poetyckich Burns, nie rezygnując z tradycji folklorystycznych, zwrócił się także w stronę tworzenia realistycznych obrazów moralności: w jego twórczości coraz większą rolę zaczyna odgrywać szczegół, analiza uczuć bohaterów łączy się z obrazem oraz analizę środowiska społecznego, w którym żyją i działają. Chęć ukazania postaci w dynamice, w rozwoju skłoniła mnie do dokładnego przemyślenia konstrukcji narracji: niektóre ballady rozwijają się w miniaturową opowieść z dobrze rozwiniętą fabułą, celnymi, żywymi cechami bohaterów („Tam O. „Shantera”).

Ze świadomością, że era tworzenia ballad ludowych minęła i ich istnienie wśród ludu dobiega końca, w Anglii i Szkocji rozpoczęto intensywne gromadzenie pieśni i ballad, już nie do dalszego przetwarzania, ale jako niezależne wartości. Jednak prawo do ingerencji w tekst ballady ludowej, czy to poprzez publikację starego rękopisu, czy nagranie ustnego wykonania, przez długi czas uznawano za zasadę w pełni akceptowalną, a nawet pożądaną. Ballady zbierali uczeni – krytycy literaccy, folkloryści, poeci i pisarze: Percy, Hurd, Ritson.

Walter Scott (1771–1831) publikował także ballady ludowe. Nie raz ulegał pokusie uwydatnienia ich poetyckiego brzmienia. W każdym razie wielokrotnie wspomina o dostosowaniu i połączeniu opcji w objaśnieniach do swoich publikacji.

Oprócz kolekcjonowania ballad, w ich tworzenie zaangażowany był także V. Scott. Ale ballady Scotta nie są przeróbką starego materiału, to najciekawsze dzieła napisane w tradycji średniowiecznego romansu rycerskiego. Często ich fabuła i tematyka nawiązują do prozy Scotta, zwłaszcza Ivanhoe. Podstawą ballad W. Scotta są nie tylko fakty i legendy historyczne, ale także narodowy szkocki folklor. Takie organiczne połączenie stało się podstawą takich ballad, jak „The Song of the Last Minstrel”, „Grey Brother” (tj. „Gray Monk”). W wielu balladach Scotta motywy obowiązku, miłości, honoru, moralności i etyki można prześledzić. Tym samym w „Szarym bracie” autor stawia problem pokuty za grzechy ziemskie i niebiańskie.

W balladach Scotta romantyzm objawia się dość wyraźnie: pojawiają się w nich ponure krajobrazy, nawiedzone zamki, jest romantyczna symbolika. Według takich dzieł, w świadomości większości ludzi, ballada to nadprzyrodzone wydarzenia, które piętrzą się jedno na drugim: zrywane są trumny z łańcuchów, duchy biegają po zamkach, lasy i polany zamieszkują gobliny i wróżki, wody roi się od syren. Ale te przedstawienia inspirowane są romantyczną balladą, a w XVIII wieku romantyzm jeszcze się nie ukształtował. Dzieło Scotta pochodzi z przełomu wieków i jest całkiem rozsądne, że wchłonęło „bieżące stulecie i minione stulecie”.

Gatunek balladowy jest gatunkiem tradycyjnym w literaturze angielskiej i szkockiej. Później zwrócili się do niego S. Coleridge, R. Southey i inni.

Wiek XVIII był oczywiście wiekiem odrodzenia się starego gatunku ballad. Sprzyjało temu ukształtowanie się samoświadomości narodowej, a co za tym idzie rozbudzenie zainteresowania sztuką ludową, jej historią. Odrodzenie ballady przebiegało w trzech etapach:

nagrywanie i kolekcjonowanie ballad;
tworzenie na ich podstawie własnych wariantów poetyckich;
tworzenie autorskich ballad.

W miarę dalszego rozwoju ballady, zwłaszcza wraz z rozwojem gatunku ballady literackiej, wzmocniony psychologizmem początek liryczny znów zaczyna dominować nad fabułą. Mieszanie gatunków, przenikanie elementów epickich i dramatycznych do poezji lirycznej niezwykle wzbogaciło balladę, uelastyczniło ją, umożliwiło głębsze i wierniejsze ukazanie świata uczuć, co przyczyniło się do tego, że ballada stała się jedną z główne gatunki sentymentalizmu i romantyzmu.

Ballady angielskie i niemieckie stały się znane w Rosji na przełomie XVIII i XIX wieku. W tym czasie mitologiczne obrazy starożytności (które wiele lat później zdobiły poezję rosyjską) zostały poddane potężnemu atakowi „muzy północy”. Dzięki staraniom zmarłego wcześnie Karamzina i Andrieja Turgieniewa, a następnie Batiushkowa o Żukowskim, rosyjski czytelnik najpierw zapoznał się z Szekspirem, a następnie z przedromantyczną i romantyczną literaturą Anglii i Niemiec. Motywy niemieckich, angielskich, szkockich ballad i legend wpłynęły do literatury rosyjskiej niczym szeroka rzeka. Dzięki tłumaczeniom Puszkina, Batiushkowa, Żukowskiego, Lermontowa gatunek ballad zaadaptował się i rozwinął na ziemi rosyjskiej.

Literatura.

Aleksiejew M.P. Ballady ludowe Anglii i Szkocji // Historia literatury angielskiej. M.; L., 1943. T. 1. Wydanie. I.
Balashov D. M. Rosyjska ballada ludowa//Ballady ludowe. M.; L., 1963.
Gasparow M.L. Ballada // Literacki słownik encyklopedyczny. M., 1987.
Levin Yu.D.„Wiersze Osjana” Jamesa Macphersona // Macpherson D. Wiersze Osjana. L., 1983.
Manifesty literackie romantyków zachodnioeuropejskich / Comp. a wcześniej. JAK. Dmitriew. M., 1980.
Smirnow Yu.I. Ballady wschodniosłowiańskie i formy pokrewne. Doświadczenie wykresów indeksowych i wersji. M., 1988.
Harfa eolska. Antologia Ballad: Biblioteka Studentów Języka. M., Szkoła wyższa. 1989.