Po upadku Wielkiego Cesarstwa Rzymskiego jego wschodnia część – Bizancjum – rozkwitła, podczas gdy zachodnia część podupadała. Począwszy od V w. Rzym był regularnie najeżdżany i plądrowany przez barbarzyńców.
Niepokonane imperium zostało zmiażdżone i upokorzone przez plemiona Wandali. Aby przeciwstawić się inwazji Hunów pod wodzą nieustraszonego Attyli, Rzymianie musieli zawrzeć sojusz z Wizygotami, Frankami i Burgundami. W 451 roku Attyla został zatrzymany, ale Cesarstwo Rzymskie nie mogło już podnosić się po zniszczeniach i wstrząsach. Jej zachodnia część zakończyła swoje istnienie w roku 476.
Zatem początek średniowieczna historia związane ze zniszczeniem i niemal całkowitym zniszczeniem dotychczasowej kultury. To wyjaśnia surowy prymitywizm wczesnej sztuki europejskiej. Ale nie można tak powiedzieć starożytne tradycje absolutnie nie wpłynęło na pracę barbarzyńskich mistrzów. Powszechne stały się rzymskie ozdoby, a także formy rzymskich miejsc kultu. Wynika to przede wszystkim z faktu, że zdobywcy przejęli religię chrześcijańską od pokonanych Rzymian.
Barbarzyńcy znacząco wzbogacili temat dzieła sztuki Mistrzowie rzymscy, wprowadzający do swojej sztuki myślenie mitologiczne i oryginalne motywy narodowe. Ich plemiona pochodziły z dalekiej Mongolii, gdzie w wyniku wykopalisk prowadzonych na terenie przewodu Noin-Ula (1924-1925) odkryto pochówki szlachty Hunów, pochodzące przypuszczalnie z początków naszej ery. Badania znalezionych tam artykułów gospodarstwa domowego i produktów użytkowych ujawniły doskonałe przykłady obrazów obrazowych. Odnalezione w kopcu dywany ze scenami walk fantastycznych zwierząt oraz postaciami koni i ludzi zadziwiają realizmem i subtelnością wykonania.
To od ludów stepowych wywodzi się słynny styl zwierzęcy lub tetralogiczny, który przez kilka stuleci zajmował godne miejsce w Sztuka europejska.
Malarstwo wczesnochrześcijańskie
Jako takie malarstwo w tej epoce oczywiście nie istniało, ale wraz z przyjęciem chrześcijaństwa możemy mówić o miniaturach książkowych, które powstały i rozwinęły się w klasztorach, które stały się ośrodkami życia duchowego. Zachodnia Europa. W klasztornych warsztatach – skryptoriach – powstawały i dekorowały rękopisy. Materiałem do nich był pergamin - obdzierane skóry jagnięce i koźlęce.
Proces tworzenia jednej książki był bardzo długi i czasami trwał kilka dekad, a czasami zajmował całą całość życie człowieka. Mnisi pilnie przepisali Biblię i inne księgi religijne. Do pisania używano czerwonej farby, od której nazwy – minium – wzięło się słowo „miniatura”.
Dla chrześcijanina księga była szczególną wartością, symbolem Bożego przymierza. W klasztorach pieczołowicie przechowywano księgi, dlatego większość z nich dotarła do nas w oryginalnej formie. Manuskrypty były bogato zdobione, powszechnie stosowano abstrakcyjną ornamentykę zwierzęcą – ciągłe przeplatanie się linii, któremu towarzyszył wizerunek ptaków i zwierząt.
Plemiona barbarzyńskie nieustannie toczyły między sobą wojny podbojów, w wyniku których rozpadały się stare królestwa i powstawały nowe. Najbardziej odporne na wstrząsy było duże państwo frankońskie, które istniało przez około pięć wieków (od V wieku do połowy X wieku).
Sztukę tego okresu można warunkowo podzielić na epokę Merowingów w V-VIII wieku. (jak nazywano królów Franków, którzy uważali legendarnego wodza Merovei za swojego przodka) i epokę Karolingów w VIII-IX wieku. (po cesarzu Karolu Wielkim)
Malarstwo okresu Merowingów
W epoce Merowingów, anglo-irlandzkiej miniatura książkowa, reprezentowane przez wspaniałe zabytki malarstwa wczesnochrześcijańskiego, które do nas dotarły. W klasztorach Irlandii, która w tamtym czasie była jednym z najbardziej rozwiniętych kulturowo regionów Europy, powstawały ewangelie ozdobione wspaniałymi zdobieniami. Za pomocą pióra irlandzcy mistrzowie pisali niezwykle dynamiczne rysunki przedstawiające ludzi i zwierzęta.
Dużo uwagi poświęcono inskrypcjom liter, były one tak bogato zdobione wszelkiego rodzaju lokami, że sama linia przybrała formę ozdoby. Ozdobiona wielka litera – inicjał – zajmowała czasem całą stronę.
Technika pisania miniatur z V-VIII wieku. nie osiągnął jeszcze doskonałości właściwej twórczości mistrzów karolińskich. Brak perspektywy i objętości, stylizacja i prymitywizm obrazów to cechy charakterystyczne malarstwa Merowingów.
Malarstwo okresu karolińskiego
Pod koniec VIII - na początku IX wieku. przypada okres rozkwitu państwa Franków, co wiąże się z działalnością władcy Karola Wielkiego. Jego władza zjednoczyła terytoria współczesna Francja, południowe i zachodnie Niemcy, północne i środkowe Włochy, północna Hiszpania, Holandia i Belgia.
Będąc wybitną osobowością, Karol przyczynił się do szerzenia oświaty w podległych mu krajach. Założył szkołę, w której jego synowie wraz z dziećmi szlacheckimi opanowali podstawy retoryki, poezji, astronomii i innych nauk. Sam Karol, który doskonale znał grekę i języki łacińskie, w młodości nie otrzymał wykształcenia, dlatego już w wieku dorosłym próbował nauczyć się czytać i pisać, choć nie udało mu się to najlepiej.
Starał się zrobić ze swojego kraju drugi Rzym i ogłaszając należące do niego ziemie Świętym Cesarstwem Rzymskim, Karol przyczynił się do zaznajomienia ludzi ze sztuką późnej starożytności, dlatego jego epokę często nazywa się „renesansem karolińskim” .
Za Karola Wielkiego malowanie świątyń miało szczególne znaczenie, było swego rodzaju biblią dla niepiśmiennych, gdyż często to właśnie ciekawość przyciągała do kościoła zwykłych ludzi. W dekretach króla można przeczytać, że „w kościołach wolno malować, aby niepiśmienny mógł przeczytać na ścianach to, czego nie może się dowiedzieć z książek”.
W okresie karolińskim rozwinęły się miniatury książkowe. Teksty ilustrowane są według wzorców bizantyjskich i anglo-irlandzkich. Istnieje kilka szkół różniących się od siebie techniką wykonania, rozwiązanie kompozycyjne i temat. Ale tutaj są wspólne cechy wspólne dla wszystkich szkół bez wyjątku. To pragnienie przejrzystości i przejrzystości w konstrukcji kompozycji, aby realistyczny obraz oraz wykorzystanie ozdób architektonicznych jako tła scenicznego.
Głównymi obiektami obrazu w miniaturach szkoły Ady (inne nazwy to szkoła przeoryszy Ady, szkoła rękopisu Ady, szkoła Godescalca, szkoła Karola Wielkiego) byli ewangelistami. Cechy charakterystyczne dzieła artystów tej szkoły – obecność zdobnictwa, złoceń i fioletowego zabarwienia papieru. Niemal wszędzie starożytne budynki stanowią tło. Nad głowami ewangelistów umieszczono symbole Marka, Mateusza, Jana i Łukasza – lwa, anioła, cielca i orła. Przekonującą autentyczność przedstawionego osiąga się za pomocą form wolumetrycznych i umiejętnego wykorzystania światła i cienia.
Klientami książek stworzonych przez mistrzów tej szkoły często byli jej członkowie rodzina królewska(według niektórych źródeł przeorysza piekła była siostrą Karola Wielkiego).
Sceny z życia Jezusa Chrystusa. Do Psalmu XV. Psałterz Utrechcki. IX wiek
Miniatury szkoły z Reims wykonane są w sposób graficzny przy użyciu brązowego tuszu. Niestabilne, jakby wibrujące kontury sprawiają, że postacie są zaskakująco żywe i dynamiczne. Najwybitniejszy zabytek sztuki pięknej ten kierunek oraz całość miniatury karolińskiej – Psałterz Utrechcki (nazwa pochodzi od miejsca przechowywania – w bibliotece uniwersyteckiej w Utrechcie). Zawiera 165 rycin ze scenami uczt, polowań, bitew, działki przydomowe jak i krajobrazy. Autor miniatur przywiązuje wagę nawet do tych najbardziej Małe szczegóły. W oknie małego domu widać zaciągniętą zasłonę, w świątyni lekko uchylone drzwi.
W miniaturach szkoły tureckiej można zobaczyć stylizowane wizerunki monarchów. Dzieła te charakteryzują się nieproporcjonalnym stosunkiem liczb: król jest zawsze znacznie wyższy od pozostałych postaci.
Ilustrowanie Biblii było bezpośrednią specjalnością mistrzów z Turanu, którzy wykonywali miniatury do Biblii Alcuina, Biblii Karola Łysego i Ewangelii Lotara.
Kultura państwa karolińskiego istniała przez około dwa stulecia, ale w tym krótkim okresie powstało wiele wspaniałych dzieł sztuki, które w naszych czasach budzą podziw kunsztu średniowiecznych artystów.
W wyniku niszczycielskich najazdów wrogów imperium Karola Wielkiego zostało zniszczone, a wraz z nim zginęło wiele pięknych zabytków kultury karolińskiej.
Kolejny etap rozwoju sztuki zachodnioeuropejskiej rozpocznie się wraz z nowym tysiącleciem, czyli w XI wieku.
W średniowieczu malarstwo stało się jedną z najważniejszych dziedzin sztuki. Zmiany w życiu społeczeństwa i nowe techniki dały artystom możliwość tworzenia realistycznych dzieł przesiąkniętych głębokim humanizmem, które miały dokonać prawdziwej rewolucji w sztuce zachodnioeuropejskiej.
Pod koniec epoki romańskiej nadano malarstwo Niewielkie znaczenie malaria. Ale wraz z nadejściem XIII wieku rozpoczął się szybki rozwój cywilizacji europejskiej, który otworzył przed artystami nowe perspektywy. Pałace i zamki najwyższej szlachty ozdobiono niespotykanym przepychem, rozkwitły Paryż, Praga, Londyn, miasta Włoch i Flandrii. Za wszystkimi nowymi obrazami – początkowo wyłącznie o tematyce religijnej – tęsknili nie tylko arystokraci i duchowni, ale także zamożni obywatele. Wraz z upowszechnieniem się umiejętności czytania i pisania wzrosło także zapotrzebowanie na literaturę świecką. Najlepsze próbki sztuka książki, bogato zdobione miniaturami, przeznaczone były dla królów i książąt i tworzone były nie tylko w klasztorach, ale także przez profesjonalnych artystów, posiadających własne pracownie. Pomimo dość niskiego statusu społecznego za jego życia, nazwiska wielu artystów i ich biografie weszły do historii.
Nowe szanse
Do nowego podejścia do malarstwa przyczynił się także szereg innowacji religijnych. W początek XIII wieków ołtarze kościelne zdobiono ołtarzem, przy którym odprawiano nabożeństwa. Często składał się z dwóch (dyptyk), trzech (tryptyk) lub większej liczby skrzydeł, ale opisywał jedną grupę postaci lub scenę. Szczególnie popularny był wizerunek darczyńcy (osoby, która zapłaciła za wykonanie ołtarza i przekazała go kościołowi), którego jego patronka przedstawia Madonnie. Stawiając przed artystą złożone zadania twórcze, obraz ołtarzowy otwierał jednocześnie nowe szerokie możliwości autoekspresji w projektowaniu przestrzeni ołtarzowej, która miała stać się przedmiotem uwagi i uczuć religijnych trzody.
Nastąpił także rozkwit malarstwa ściennego – częściowo w wyniku umocnienia lokowanej tu katedry św. Franciszka z Asyżu z Zakonu Franciszkanów, dla którego wszystko zostało zbudowane duża ilość kościoły. Malowanie okazało się najodpowiedniejszym sposobem ich ozdobienia, gdyż stworzenie mozaiki albo wymagało dużo czasu, albo uchodziło za luksus nieosiągalny dla zakonu wyznającego ubóstwo i pokorę.
Silny wpływ na dalszy los obraz został oddany przez życie i dzieło św. Franciszek z Asyżu (1182-1226). Szczera miłość świętego do świata dzikiej przyrody pomogła jego współczesnym uświadomić sobie piękno ziemskiej egzystencji, a od XIII wieku średniowieczne malarstwo zdominowany Nowy wygląd Do świata. Odtąd artyści, nie rezygnując z tematów religijnych, z oczywistą przyjemnością przedstawiali świat materialny i tworzyli go w nowy, realistyczny i humanistyczny sposób.
Madonna w altanie róż, 1440 Stefan Lochner., Kolonia, Muzeum Wallraf
Kult głęboko ludzkiego wizerunku Madonny wywarł także potężny humanistyczny wpływ na religię, a przez to na sztukę, gdzie tematyka ta była stale wykorzystywana.
Włoscy mistrzowie
Wiele trendów powstało znacznie wcześniej we Włoszech niż w innych krajach europejskich. Za twórców tradycji widzialnego realizmu w malarstwie, która miała dominować w sztuce europejskiej aż do XX wieku, uważa się powszechnie dwóch mistrzów końca XIII wieku – Cimabue i Duccio. Obaj pozostawili potomnym słynne obrazy ołtarzowe, których głównymi bohaterami są Madonna z Dzieciątkiem.
Obaj malarze wkrótce zostali przyćmieni przez młodszego, współczesnego im Giotto di Bondone (ok. 1267-1337). Był pierwszym z wielkich mistrzów florenckich, który za życia zyskał sławę, zdobywając honor i bogactwo. Jednak tak wyprzedzał swoją epokę, że wiele jego innowacji zostało zrozumiałych i zaakceptowanych przez innych artystów dopiero po dobrych stu latach. Jego postacie z krwi i kości stoją twardo na ziemi, a mimo to wydają się być w stanie poruszać się i istnieć w swoim naturalnym lub architektonicznym środowisku i przestrzeni, z pewną dozą głębi. Ale przede wszystkim mamy żywych ludzi głębokie uczucia i emocje. Niezwykłe mistrzostwo w przekazywaniu wszelkich odcieni ludzkich przeżyć uczyniło z Giotto wielkiego artystę dramatycznego.
freski
Tworząc swoje panele, Giotto zastosował technikę wymyśloną wówczas przez Włochów. malowanie alfresko. Freskami nazywamy dziś zarówno obrazy powstałe w tej technice, jak i w ogóle wszelkie malowidła ścienne. Ale prawdziwy fresk to zawsze obraz nałożony na świeży, jeszcze wilgotny tynk, który służy jako podkład pod warstwę farby. Samo włoskie słowo „fresco” oznacza „świeży”. Podczas jednej sesji farbami pomalowano tylko ten fragment ściany, który mistrz zdążył wypełnić na jeszcze nie wyschniętym tynku. Tutaj decydującą rolę odegrał czynnik czasu, gdyż pigmenty naniesione na mokrą warstwę tynku weszły z nią w kontakt. Reakcja chemiczna do tworzenia stabilnych wiązań. Wysuszony fresk nie łuszczył się i nie kruszył, zachowując przez wiele stuleci swoje pierwotne piękno i jasność kolorów. Dzięki temu kolosalnemu przełomowi technicznemu po latach powstały największe arcydzieła malarstwa freskowego, w tym murale. Kaplica Sykstyńska w Watykanie przez Michała Anioła.
Nadanie głębi
Mistrzom, którzy po raz pierwszy stanęli przed tym zadaniem, nie było łatwo stworzyć iluzję realności przedstawianej sceny. Tutaj wymagane było nie tylko dokładne przeniesienie zewnętrznych konturów, ale także nadanie figurom objętości rzeczywistych ciał, a płaskiej powierzchni obrazu - poczucie głębi, tak aby krajobraz wydawał się zagubiony w oddali ( rozmawiamy o sztuce perspektywy). Technikę tę doskonaliło już niejedne pokolenie włoskich artystów, często odrywanych od zadań takich jak tworzenie ozdobnych ozdób. Ten sam problem musieli rozwiązać mistrzowie reszty Europy, m.in inny czas pod silnym wpływem sztuki włoskiej.
Pod koniec XIV wieku malarze pracujący na dworach władców europejskich stworzyli mniej lub bardziej jednolity styl malarstwa, nazywany często gotykiem międzynarodowym. Odzwierciedlając wyrafinowaną atmosferę życia dworskiego, odległą od prawdziwego życia, ich dzieła wyróżniały się bardziej wyrafinowaniem i wyrafinowaniem niż wewnętrzną siłą. Bohaterom nadano wdzięczne pozy i choć perspektywa często była wskazywana jedynie przez wskazówkę, najdrobniejsze szczegóły otoczenia zostały zapisane z biżuteryjną dokładnością.
Wszystkie te cechy szczególnie wyraziły się w rękopisach zdobionych miniaturami, wykonywanymi na zamówienie panujących rodów. Najbardziej znanymi mistrzami tego gatunku byli Paul Limburg i jego dwaj bracia, którzy pracując zaledwie 16 lat (1400-16) nagle zniknęli z scena historyczna. Ich patronem i klientem był wybitny kolekcjoner i koneser dzieł sztuki tamtej epoki, książę Jean of Berry, młodszy brat króla Francji Karola V. Jego imię usławiła książka, która przeszła do historii pod tytułem „Wspaniałe Godziny księcia Berry”.
Limburgowie, bracia (Paul, Ehrmann i Jeanneken). „Luksusowa Księga Godzin księcia Jana Berry. Miesiąc styczeń. Fragment”
Księga Godzin swoją sławę zawdzięcza znakomitym miniaturom stworzonym dla niej przez braci Limburgów. Ta praca, który stał się prawdziwą koroną ich dzieła, pozostał niedokończony w 1416 roku, ale do nas dotarło 12 słynnych miniatur o tematyce pór roku. Przedstawiają sceny siewu, żniw lub polowań, zbiegające się z konkretną porą roku.
Pojawienie się farb olejnych
W latach trzydziestych XIV wieku. na terenie ówczesnej Flandrii, należącej do księcia Burgundii (obecnie Belgia i Holandia), zaczęły się całkowicie rozwijać nowy styl obraz. Podobnie jak Włochy, Flandria była krainą zamożnych miast. Właśnie temu wielu przypisuje realistyczny, pozbawiony podkreślenia arystokratyczny styl lokalnej sztuki. I tak jak we Włoszech, będę rozkwitać Malarstwo flamandzkie przyczynił się do najważniejszej innowacji technicznej - farby olejne. Pigmenty zmielone olejem roślinnym były znacznie jaśniejsze od tempery panującej wówczas w malarstwie, które opierało się na szybko schnącym żółtku jaja. A jeśli trzeba było pisać temperą i szybko tworzyć freski, bez wchodzenia w szczegóły, wówczas można było nakładać farby olejne warstwa po warstwie, uzyskując niesamowite efekty malarskie. Od tego czasu każdy artysta dążący do perfekcji niezmiennie preferuje malarstwo olejne.
Szkoła Flamandzka
Założycielem flamandzkiej szkoły malarstwa był Robert Campin, jednak jej najsłynniejsi przedstawiciele należą do kolejnego pokolenia. Pierwszym z wielkich mistrzów europejskiego malarstwa olejnego był niedościgniony portrecista Jan van Eyck (ok. 1390-1441). Za pomocą farb olejnych uzyskał doskonałe oddanie gry światła i cienia na różnych przedmiotach.
Portret pary Arnolfinich, Jan van Eyck
Niezwykle utalentowanym artystą był także jego młodszy współczesny Rogier van der Weyden (ok. 1399-1464). Nie przywiązując tak dużej wagi do szczegółów jak van Eyck, preferował bogate, żywe kolory, ostre kontury i subtelne modelowanie brył, tworząc swój własny, niepowtarzalny styl, zdolny przekazać szeroką gamę emocji - od pogodnego spokoju po bezgraniczny smutek.
Izabela Burgundzka, Rogig van Der Weyden
Szkoła Flamandzka dał sztuce więcej niż jedno pokolenie genialnych mistrzów malarstwa, a przez cały XV wiek wiele z jej nieodłącznych cech zostało przejętych przez artystów w całej Europie. Dopiero od 1500 roku zastąpił je nowy nurt, stopniowo zyskujący na sile za alpejskimi grzbietami – renesans włoski.
Najwyraźniej w pierwszej połowie XII wieku pojawiło się dzieło Teofila „De Diversis Artibus”, który szczegółowo opisał większość technik i metod pracy malarza, witrażysty oraz złotnika i złotnika. Pisma Teofila są cennym świadectwem państwa praktyka artystyczna XII wiek, własna świadomość artysty.
Duże zainteresowanie budzi osobowość Twophilusa, utożsamianego czasem z Rogierem Helmarshausenem (Theophilus De Diversis Artubus. Wyd. Dodwell C. B. Londyn, 1961. Zob.: Wprowadzenie Dodwella, s. XXIII-XLIV.). Wykształcony mnich, który łączył praktykę artystyczną ze znajomością sztuk wyzwolonych, nie jest zjawiskiem rzadkim w epoce romańskiej. Niezwykły jest zakres wiedzy praktycznej Teofila w znajomości najnowszych trendów myśli teologicznej i filozoficznej, którą wykorzystuje w swojej sztuce. Umiejętności artysty są oczywiście postrzegane przez Teofila jako dar od Boga. O ile uzdolnienia – ingenium – w myśli wczesnego średniowiecza często kojarzono z boskim natchnieniem i uważano za bezpośrednią zależność twórczości artysty od Boga, to w XII wieku boski udział w dziele artysty rozumiany jest pośrednio, przez analogia twórczości ludzkiej z boską. We wstępie do swego dzieła Teofil pisze, że jest to osoba „stworzony na obraz i podobieństwo Boże, ożywiony boskim tchnieniem, obdarzony rozumem, zasłużył na udział w mądrości i talencie boskiego umysłu”.
Choć jednak człowiek przez samowolę i nieposłuszeństwo utracił przywilej nieśmiertelności, „On jednak przekazał kolejnym pokoleniom szacunek dla nauki i wiedzy, aby ci, którzy dokładają wszelkich starań, mogli nabyć talent i zdolności niejako na mocy dziedzicznego prawa”. Wszystkie siedem dobrodziejstw, jakie wylewa na człowieka duch święty – mądrość, zrozumienie, podatność na rady, siła duchowa, wiedza, pobożność, bojaźń Boża – odnosi się do artysty.
- Artysta mnich malujący posąg. Miniatura z rękopisu Apokalipsy. Ostatnia ćwierć XIII w.
- Artysta malujący posąg. Miniatura z rękopisu „Dekretu Grzegorza IX”. Połowa XIV wieku Malarz w pracy. Karta z księgi próbek z początku XIII wieku.
Kwestia korelacji darów świętych z cnotami ludzkimi była przedmiotem dyskusji w pierwszej połowie XII wieku w pismach Anzelma z Canterbury, Yvesa z Chartres, Honoriusza z Autun, Ruperta Dvitsky'ego, Abelarda, Bernarda z Nlervos i innych. filozofowie i teolodzy XII w. Artysta jest rozumiany jako spadkobierca boskiej mądrości. Poprzez ciągłą pracę, doskonalenie wiedzy i umiejętności artysta jest w stanie zbliżyć się do najwyższej mądrości i umiejętności, jakie posiadał człowiek przed upadkiem. Prawdziwa pasja do sztuki przesłania Teofilowi wszystkie inne sposoby poznania Boga. Widzi bezpośredni związek twórczości artysty z siedmioma darami Ducha Świętego i praktycznie rozumie problem darów świętych. „Dlatego drżący synu,– pisze autor, zwracając się do przyszłego czytelnika-ucznia, – kiedy ozdobiliście dom Pański takim pięknem i tak różnorodnymi produktami, nie wątpcie, ale pełni wiary, wiedzcie, że to duch Pański napoił wasze serce”.
Legenda artysty. Miniatura rękopisu „Pieśni Alfonsa 10”. Druga połowa XIII wieku
Pisma Teofila pokazują, jak bardzo sam artysta cenił własny kunszt, uważając go za bezpośredni przejaw łaski Bożej. Filozofowie, jak Hugon ze Świętego Wiktora, potrafili klasyfikować wiedzę i ustalać jej hierarchiczny porządek. Ale dla artysty sztuka była jedyną możliwą drogą do poznania Boga i była wysoko ceniona.
Teofil przypisuje sztukę ważna rola w realizacji przez człowieka jego głównego celu - chwały Boga i pragnienia Jego wiedzy. Artysta, zdaniem Teofila, przedstawił wiernym swoje dzieło związane z dekoracją świątyni „Raj Pański, kwitnący różne kolory, zieleniąc się listowiem i ukoronując dusze świętych koronami różnych zasług”, i dał im możliwość „wielbienia Stwórcy w Jego stworzeniu, śpiewania cudowności tego, co stworzył”.
Twórczość Teofila pokazuje, jak wysoko ceniono twórczość artysty w XII wieku. Wielokrotnie powtarza, że esej napisał po to, by chwalić Boga, a nie ze względu na ziemską pychę i próżność. Jego twórczość daje nam możliwość zbliżenia się do zrozumienia duchowej atmosfery, w jakiej żył artysta w pierwszej połowie XII wieku. Głęboka pokora wobec stwórcy wszystkich rzeczy, przeplatana wyraźnym poczuciem ważności i wartości kreatywna praca, charakteryzuje stosunek ówczesnego artysty do świata, w którego harmonijnym porządku czuje się niezbędnym ogniwem i zajmuje należne mu miejsce.
Książka Teofila odsłania nam system myśli i uczuć, którymi żył artysta w przededniu pojawienia się gotyku. Warto zauważyć, że krążące wokół Teofila idee o urządzaniu świątyni jako o uczynku podobającym się Bogu, wychwalającym stwórcę i pozwalającym wierzącym wznieść się do jego duszy, zostaną rozwinięte na innym poziomie filozoficznym przez Sugera, inspiratora stylu gotyckiego i budowniczy pierwszej gotyckiej świątyni w latach 40. XII w. – bazyliki Opactwa Królewskiego w Saint-Denis pod Paryżem.
- Karta z rękopisu alzackiego. Ostatnia ćwierć XII wieku
- Karta francuskiego rękopisu z początku X wieku.
- Karta z rękopisu Ademara z Chabannes. OK. 1025
Kolejnym zachowanym dziełem dotyczącym techniki plastycznej jest słynny album francuskiego architekta Villarda de Honnecourt, datowany na lata 30. XIII wieku, przechowywany w paryskim Muzeum Sztuki Biblioteka Narodowa. Album jest nieocenionym źródłem do badań nad rzemiosłem gotyckim. Jest to niezwykle ciekawy zbiór próbek dla artysty i rzeźbiarza, szkiców z życia, zdjęć mechanizmów, rysunków detali architektonicznych, planów i przedstawienie schematyczne"tajniki" sztuka gotycka.
Choć księga Teofila i album Villarda de Honnecourt zupełnie różnią się tradycją, charakterem i poziomem wykształcenia autorów, istnieje nieodparta pokusa porównywania pism ze sobą. Ponieważ rękopisy tworzyli profesjonalni artyści, praktycy sztuk pięknych, porównanie to nie byłoby zbyt sztuczne. Mają ze sobą wiele wspólnego, każdy jest dość typowy dla swoich czasów. Książka Teofila jest dziełem wykształconego mnicha z XII w., będącego jednocześnie artystą i rzemieślnikiem. Manuskrypt napisany jest prosto, wyraźnie, dobrą łaciną, a szczegółowe dyskusje Teofila na temat celu i przeznaczenia sztuki ujawniają znajomość głównych kierunków myśli filozoficznej epoki. Cel sztuki, jako cel swojej kompozycji, mnich widzi w służbie i uwielbieniu Boga. Na początku każdej części książki autor kieruje do uczniów długie przemówienie, w którym ukazuje pobożność dzieła artysty, wzywa do służby, cierpliwości i świadomości, że udzielona im wiedza i umiejętności pochodzą z miłosierdzia Bożego. Album Villarda, w przeciwieństwie do twórczości Teofila, nie jest esejem, lecz albumem szkiców roboczych, notatnikiem zawodowego architekta gotyku nienależącego do środowiska klasztornego, opatrzonym krótkimi objaśnieniami w języku starofrancuskim.
Długie i szczegółowe, gustownie napisane wprowadzenie Teofila do pierwszej księgi kończy się przemówieniem do uczniów: „Jeśli będziesz to często czytać i mocno zapamiętywać, wynagrodzisz mnie, ile razy odniesiesz dla siebie korzyść z mojej pracy, tyle razy będziesz się za mnie modlić do miłosiernego, wszechmogącego Boga, który wie, że ja pisałem swoje dzieło nie z umiłowania ludzkiej pochwały, nie z żądzy nagrody na tym świecie, który jest przemijający i z zazdrości nie ukrywał niczego cennego i rzadkiego, nie oszczędzał niczego dla siebie osobiście, ale pomagał potrzebom wielu i pomagał radą, aby zwiększyć cześć i chwałę imienia Bożego”.
Album Villarda de Honnecourt: k. 14, 27; arkusz 15 – plan idealnego chóru kościoła gotyckiego (plan katedry w Meaux); k. 17 – plan chóru kościoła w Vossel i ryc.
Wprowadzenie Villarda przypomina raczej zwięzły i krótki zapis końcowej myśli Teofila zawartej we wstępie, przedstawionej zresztą przez tego ostatniego w eleganckiej formie literackiej: "Villars de Honnecourt pozdrawia Cię i prosi wszystkich, którzy będą pracować środkami wskazanymi w tej książce, aby modlili się za jego duszę i pamiętali o nim. W tej książce znajdziesz bowiem doskonałe rady dotyczące wielkiej umiejętności budowania kamienia i ciesielstwa. Znajdziesz tutaj sztuka rysunku, a także podstawy wymagane i nauczane przez naukę geometrii”. Krótkim, rzeczowym tonem, nic zbędnego, mówimy tylko o tym, co najważniejsze, treść i cel całej książki ujęto w kilku zwięzłych zdaniach, tradycyjny apel do studentów jest niezwykle krótki i ogranicza się do pozdrowienia z prośba o modlitwę za autora albumu w podziękowaniu za jego pracę. Cóż za kontrast z pozytywnym, pouczającym tonem Teofila, ciągłym naciskiem na związek sztuki z Bogiem, szczegółowymi, drobnymi opisami przepisów. Być może byłoby nadużyciem widzieć w tej różnicy nie tylko konsekwencję różnicy między dwoma pewne rodzaje podręcznik techniczny średniowiecza – traktat i album próbek – nie tylko wynik przynależności autorów do różnych warstw średniowieczne społeczeństwo, niemniej jednak wydaje się, że kontrast ten wynika z wieku, jaki upłynął pomiędzy powstaniem obu analizowanych dzieł.
Tak jak Teofil w swojej twórczości wyrażał postawę artysty romańskiego i jego wyobrażenie o swoim miejscu w życiu i celu swojej sztuki, tak Villard de Honnecourt w swoim albumie oddawał cechy charakterystyczne dla architekta gotyckiego z jego wyobrażeniami o sztuce świat. Po pierwsze, profesjonalizm, znajomość praktyki artystycznej, w tym architektury, rzeźby i inżynierii, która była powszechna i tradycyjna w średniowieczu. Co więcej, tekst Villarda nie mówi nic o jego znajomości z tendencjami myśli teologicznej czy filozoficznej. Następnie - demokracja, przejrzystość schematów, rysunków i próbek, towarzyszący tekst nie jest po łacinie, ale po starofrancusku.
Następną cechą jest ogromna ciekawość wszystkiego, co niespotykane, zabawne, rzadkie, interesujące, zmuszające go do narysowania lwa wraz z innymi rzadkimi zwierzętami. Następnie - obserwacja, zaabsorbowanie wrażeniami wizualnymi, być może zastąpienie solidnego wykształcenia; znajomość różnych krajów, podróże, które odbył Villard, doświadczenie, głęboka znajomość praktyki jego sztuki. Równie charakterystyczną cechą jest subiektywizm sądów o sztuce, dobór szkiców detali architektonicznych, scen i postaci zgodnie z osobistym gustem Villarda, czego mistrz nie omieszkał zadeklarować. Szczególnie interesująca jest ta ostatnia, wyrażająca rosnącą samoświadomość gotyckiego artysty.
Album Villara, będący albumem sampli i przewodnikiem technicznym dla innych mistrzów, pozostał osobistym notatnikiem, albumem podróżniczym, w którym szkicowano wszystko, co wydawało się interesujące. „Oto plan chóru naszego kościoła Święta dziewica Marii w Cambrai. „Narysowałem te okna, bo podobały mi się bardziej niż inne”. Wreszcie charakterystyczna jest jego tradycyjna, nieco formalna pobożność, wyrażona tupotem w jednym zdaniu i ostro różniąca się od szczegółowej, uzasadnionej pobożności Teofila.
Pojęcie opieki artysty przez Boga, pomocy Bożej dla osoby, którą „prawica Boża prowadzi w jego działaniu”, wprawdzie z czasem nabiera nieco formalnego odcienia, choć w krajach zaalpejskich zachowuje swoje dawne znaczenie nieporównywalnie dłużej niż we Włoszech. Da się to odczuć w traktatach mistrzów późnego gotyku, entuzjastycznie omawiających techniczne i artystyczne aspekty ich rzemiosła, aż do XVI wieku. Zaznaczał traktaty Alberta Dürera i Niklasa Hilliarda.
Nie mniej znaczący jest szybki, porywczy i dynamiczny styl krótkich wyjaśnień Villarda. Chciałbym w nim widzieć przejaw ducha biznesowej atmosfery, jaka rozwinęła się wokół budowy gotyckiej katedry. Dla charakterystyki średniowiecznego artysty niezwykle istotne jest to, że notatnik i album Villarda ze szkicami podróżniczymi stał się później wzorcową księgą dla całego warsztatu. Podobno już po śmierci Villara album uzupełniono rysunkami i nagraniami dwóch innych mistrzów, którzy pozostali anonimowi. Są one powszechnie określane jako „Master 2” i „Master 3”.
Choć proces oddzielania indywidualnego artysty od środowiska cechowego rozwijał się powoli, ale niezawodnie w ciągu XIII-XIV w., artysta gotycki postrzegał siebie i swoje umiejętności jedynie w powiązaniu korporacyjnym, ograniczonym ramami i normami, które przedstawił mu samą wszechstronność sztuki gotyckiej, którą otaczał go świat gotycki.
A więc ze stron podręczniki techniczne na sztuce, zbiorach przepisów, regulaminach i albumach próbek stawiamy czoła postaciom średniowiecznych artystów – ich autorom, z ich wyobrażeniami o sobie i celach swojej twórczości, z własnym poczuciem świata i swojego w nim miejsca.
Etykietka: Teoria sztuki (filozofia)
Średniowiecze często opisuje się jako ciemne i ponure. Sprzyjały temu wojny religijne, działania Inkwizycji, słabo rozwinięta medycyna. Pozostawili jednak wiele zabytków kultury, zachwycający potomków. Architektura i rzeźba nie stały w miejscu: chłonąc cechy czasu, dały początek nowym stylom i trendom. Wraz z nimi bezlitośnie szło malarstwo średniowiecza. O tym i zostaną omówione dzisiaj.
W ścisłym partnerstwie
Od XI do XII wieku styl romański dominował w całej sztuce europejskiej. Otrzymał swój główny wyraz w architekturze. Świątynie tamtych czasów charakteryzują się trójnawową, rzadko pięcionawową budową bazyliki, wąskimi oknami, które nie dają dużo światła. Często architekturę tego okresu nazywa się ponurą. Styl romański w malarstwie średniowiecza również wyróżniał się pewną surowością. Prawie kompletnie kultura artystyczna poświęcony tematyce religijnej. Co więcej, czyny boskie zostały ukazane w dość budzący grozę sposób, zgodnie z duchem czasu. Mistrzowie nie postawili sobie za zadanie przekazania szczegółów niektórych wydarzeń. Ich skupienie było święte znaczenie dlatego malarstwo średniowieczne, krótko zastanawiając się nad szczegółami, przede wszystkim miało znaczenie symboliczne, zniekształcając w tym celu proporcje i proporcje.
akcenty
Artyści tamtych czasów nie znali perspektywy. Na ich płótnach bohaterowie znajdują się na tej samej linii. Jednak nawet na pierwszy rzut oka łatwo zrozumieć, która postać na obrazie jest główna. Aby ustalić jasną hierarchię postaci, mistrzowie sprawili, że niektóre z nich były znacznie lepsze od innych. Tak więc postać Chrystusa zawsze górowała nad aniołami, a oni z kolei dominowali nad zwykłymi ludźmi.
Takie podejście miało tylna strona: nie pozostawiał dużej swobody w przedstawianiu scenerii i szczegółów tła. W rezultacie malarstwo średniowiecza tego okresu skupiało się wyłącznie na punktach głównych, nie zadając sobie trudu uchwycenia elementów drugorzędnych. Obrazy były swego rodzaju schematem, przekazującym istotę, ale nie niuanse.
Działki
Obraz Europejskie średniowiecze w stylu romańskim była pełna obrazów fantastycznych wydarzeń i postaci. Często preferowano ponure wątki opowiadające o nadchodzącej karze niebiańskiej lub potwornych czynach wroga rodzaju ludzkiego. Powszechnie wykorzystywano sceny z Apokalipsy.
Etap przejściowy
Sztuki piękne okresu romańskiego wyprzedziły malarstwo wczesnośredniowieczne, kiedy pod naporem wydarzeń historycznych wiele jego gatunków praktycznie zniknęło, a dominowała symbolika. Freski i miniatury z XI-XII wieku, wyrażające prymat duchowości nad materiałem, utorowały drogę dalszy rozwój kierunki artystyczne. Malarstwo tego okresu było ważnym etapem przejściowym od ponurej sztuki symbolicznej tamtych czasów i ciągłych najazdów barbarzyńców na nowy poziom jakościowy, którego korzenie sięgają epoki gotyku.
Korzystne zmiany
Ideolog zakonu Franciszek z Asyżu przyniósł zmiany nie tylko w życiu religijnym, ale także w światopoglądzie średniowieczny człowiek. Kierując się przykładem miłości do życia we wszystkich jego przejawach, artyści zaczęli zwracać większą uwagę na rzeczywistość. NA płótna artystyczne wciąż o treści religijnej, zaczęły pojawiać się szczegóły sytuacji, napisane równie starannie, jak główni bohaterowie.
Gotyk włoski
Malarstwo na terenie spadkobierczyni Cesarstwa Rzymskiego dość wcześnie nabrało wielu postępowych cech. Tutaj żyli i pracowali Cimabue i Duccio, dwaj twórcy realizmu widzialnego, który do XX wieku pozostawał głównym nurtem w sztukach pięknych Europy. Ich ołtarze często przedstawiały Madonnę z Dzieciątkiem.
Żyjący nieco później Giotto di Bondone zasłynął z obrazów przedstawiających zupełnie ziemskich ludzi. Postacie na jego płótnach wydają się żywe. Giotto pod wieloma względami wyprzedził epokę i dopiero po pewnym czasie został uznany za wielkiego artystę dramatycznego.
freski
Malarstwo średniowiecza w Okres romański wzbogacony o nowe podejście. Mistrzowie zaczęli nakładać farbę na wierzch surowy tynk. Technika ta wiązała się z pewnymi trudnościami: artysta musiał pracować szybko, zapisując fragment za fragmentem w miejscach, gdzie powłoka była jeszcze mokra. Ale taka technika zaowocowała: farba wnikając w tynk, nie kruszyła się, stała się jaśniejsza i mogła pozostać nienaruszona przez bardzo długi czas.
perspektywiczny
Malarstwo średniowiecza w Europie powoli nabrało głębi. Istotną rolę w tym procesie odegrała chęć przekazania rzeczywistości na obrazie we wszystkich jego tomach. Powoli, przez lata doskonaląc swoje umiejętności, artyści nauczyli się przedstawiać perspektywę, nadawać ciałom i przedmiotom podobieństwo do oryginału.
Próby te są wyraźnie widoczne w dziełach związanych z gotykiem międzynarodowym czy międzynarodowym, które rozwinęły się pod koniec XIV wieku. Malarstwo średniowiecza tego okresu posiadało cechy szczególne: dbałość o drobne szczegóły, pewne wyrafinowanie i wyrafinowanie w przekazie obrazu, próby budowania perspektywy.
miniatury książkowe
Charakterystyczne cechy malarstwa tego okresu najlepiej widać na niewielkich ilustracjach zdobiących księgi. Spośród wszystkich mistrzów miniatury na szczególną uwagę zasługują bracia Limburgowie żyjący na początku XV wieku. Działali pod auspicjami księcia Jana Berry, który był młodszym bratem króla Francji Karola V. Jednym z najbardziej znane prace artystów była „Wspaniała księga godzin księcia Berry”. Przyniósł chwałę zarówno braciom, jak i ich patronowi. Jednak do 1416 roku, kiedy ślad Limburgów zaginął, pozostał on niedokończony, ale nawet te dwanaście miniatur, które mistrzom udało się napisać, charakteryzuje zarówno ich talent, jak i wszystkie cechy gatunku.
Transformacja jakości
Nieco później, w latach 30. XV wieku, malarstwo wzbogaciło się o nowy styl, który później wywarł ogromny wpływ na wszystkie sztuki piękne. Farby olejne wynaleziono we Flandrii. Olej roślinny zmieszany z barwnikami nadał kompozycji nowe właściwości. Kolory są znacznie bardziej nasycone i żywe. Poza tym zniknęła potrzeba pośpiechu, która towarzyszyła obrazowi temperą: żółtko stanowiące jego podstawę bardzo szybko wysychało. Teraz malarz mógł pracować miarowo, zwracając należytą uwagę na każdy szczegół. Nałożone na siebie warstwy kresek otworzyły nieznane dotąd możliwości gry kolorem. Farby olejne otworzyły zatem przed mistrzami zupełnie nowy, nieznany świat.
sławny artysta
Robert Campin uważany jest za twórcę nowego nurtu w malarstwie we Flandrii. Jednak jego osiągnięcia zostały przyćmione przez jednego z jego naśladowców, znanego dziś niemal każdemu, kto interesuje się sztukami pięknymi. To był Jan van Eyck. Czasami przypisuje się mu wynalezienie farb olejnych. Najprawdopodobniej Jan van Eyck jedynie ulepszył już opracowaną technologię i z powodzeniem zaczął ją stosować. Dzięki jego płótnom popularne stały się farby olejne, które w XV wieku rozprzestrzeniły się poza granice Flandrii – do Niemiec, Francji, a następnie do Włoch.
Jan van Eyck był znakomitym portrecistą. Kolory na jego płótnach tworzą grę światła i cienia, której wielu jego poprzednikom tak bardzo brakowało do oddania rzeczywistości. Do słynnych dzieł artysty należą „Madonna kanclerza Rolina”, „Portret Arnolfinów”. Jeśli przyjrzysz się bliżej temu drugiemu, stanie się jasne, jak znaczące były umiejętności Jana van Eycka. Jakie są tylko starannie przepisane fałdy ubrań!
Jednak głównym dziełem mistrza jest „Ołtarz Gandawski”, składający się z 24 obrazów i przedstawiający ponad dwieście postaci.
Jan van Eyck słusznie nazywany jest raczej przedstawicielem Wczesny renesans niż późne średniowiecze. Szkoła flamandzka jako całość stała się rodzajem etapu pośredniego, którego logiczną kontynuacją była sztuka renesansu.
Malarstwo średniowiecza, omówione pokrótce w artykule, jest ogromnym fenomenem kulturowym zarówno pod względem czasu, jak i znaczenia. Przechodząc od ponętnych, ale niedostępnych wspomnień wielkości starożytności do nowych odkryć renesansu, dała światu wiele dzieł, które w dużej mierze opowiadają nie o powstaniu malarstwa, ale o poszukiwaniu ludzkiego umysłu, jego rozumieniu jego miejsce we wszechświecie i jego związek z naturą. Zrozumienie głębi charakterystycznego dla renesansu zespolenia ducha i ciała, znaczenia zasad humanistycznych i pewnego powrotu do podstawowych kanonów greckich i rzymskich sztuk pięknych będzie niepełne bez zbadania epoki, która je poprzedzała. To właśnie w średniowieczu narodziło się poczucie wielkości roli człowieka we Wszechświecie, tak odmienne od zwykłego obrazu owada, którego los jest całkowicie w mocy potężnego boga.