Nel surrealismo, ovviamente, il pathos della rottura, l'altro mondo, è importante; le parole sulla spiritualità non erano bugie, anche se a volte venivano eseguite in un modo molto strano ... Queste persone capivano che la società, la sua moralità, il modo di vivere, i costumi, la cultura, tutta questa vita, piena di interessi personali e bugie , tutta questa ribollente volgarità della folla è il percorso verso lo spirituale della morte.

Pertanto, il loro motto è diventato: nessun contatto, niente in comune! – e in ogni corrente seria dell'arte del Novecento, è proprio questa idea di distacco, alterità dell'artista che si snoda; sul fatto che è separato da un muro di vetro dal profano e non ha nulla a che fare con lui - questa idea è diventata fondamentale per tutti. Non sarai in grado di entrare in questa capsula, il percorso verso Cristo, Chi è Lui, davanti ai tuoi occhi, è in realtà lungo e tragico. E questo è il percorso della solitudine e della perdita.

L'intera composizione è realizzata nei toni oro-ocra, il colore gioca qui ruolo importante: È questo il momento del tramonto? - non proprio ... si scopre che non c'è fonte di luce, il sole non è visibile. Viene dallo Spirito Santo - una figura che si eleva, tutto è permeato dallo Spirito Santo, questo cristallo, simile alla timoneria di un aeroplano, il magico cristallo dell'Eucaristia...

C'è un'idea puramente surreale di velocità e spostamento qui: come se l'intero gruppo fosse portato via in questo apparato fuori dal tempo e dallo spazio - verso la luce ...

Cristo è lo Spirito, è traslucido, è qui e allo stesso tempo non è qui, e i suoi stessi gesti sono molto importanti: non sono i gesti di un direttore d'orchestra o di un predicatore, sembra disegnare immagine fantastica, completamente immerso in quell'altro mondo che Lui vede, ma gli apostoli no. Pertanto, i loro volti sono coperti e la preghiera è come un sonno pesante.

La crocifissione è presente nella foto - la figura in alto ha allargato le braccia, ma questa crocifissione è piuttosto un decollo, qui Dalì ha un pensiero un po' sedizioso sull'insignificanza - o sulla non esistenza? - il corpo di Cristo, è insignificante, ad esempio, questo corpo è soggetto a metamorfosi, e quindi non può essere considerato di per sé qualcosa di significativo e importante. Sorge, dissolvendosi nello spazio, sale rapidamente...

Ha un vettore verticale, guarda in alto: gli apostoli a terra. Non capiscono il significato delle grandi parole pronunciate. L'Eucaristia è una via, è una via di trasfigurazione: come Cristo si è fatto pane e vino — via della vita eterna — così ognuno di noi, facendo le cose più semplici, come mangiare o bere, pensa a Lui, partecipa di Lui, entra in Lui. Accetta tutti.

Tuttavia, lo spirito di gravità, di cui i nuovi poeti hanno scritto in modo così vivido, il terribile spirito di gravità si è impossessato delle persone e non sono in grado di muoversi, figuriamoci librarsi in un altro mondo; si scopre che hai bisogno di troppa fede e voglia di volare, volontà di luce, per adempiere al suo incredibile testamento ...

Sì, qui puoi vedere chiaramente il divario, la discrepanza tra il paesaggio e l'azione, l'incompatibilità delle Sue parole strane e sorprendenti e tutto questo mondo familiare, il Lago di Gennesaret, che è stato teatro dell'azione principale di questo dramma. Ora, dopotutto, l'azione si svolge in un luogo diverso ... Tuttavia, si precipitano fuori dallo spazio, passando in un'altra dimensione - spirituale.

Il surrealismo è un divario, l'esposizione dell'incompatibilità tra familiare e interiore, superficie ed essenza, un richiamo al pensiero, alla riflessione, all'azione, alla creatività, una svolta in un altro mondo; e la figura plastica del Salvatore, bordata di oro sottile, è sia una chiamata che un percorso, una barca visibile attraverso di Lui - una barca che naviga verso la vita eterna ...

C'è un momento molto profondo qui: il pathos principale del vero cristianesimo, ed è nel movimento, nell'attrazione, nella massima intenzione di avvicinarsi a Dio, non è nel rituale, ma nell'impulso, non nel dogma, ma nella creatività. E quindi questa figura, che si dissolve davanti ai nostri occhi, è un simbolo di un obiettivo eternamente sfuggente, che chiama per sempre e un'altezza così lontana!

S. Dalì. L'ultima Cena

Perché solo per mezzo di Lui e in Lui è possibile questo movimento e compimento; la chiesa - gli apostoli - sono solo ombre a questa mensa dello Spirito, e in questa profondità di slancio e attrazione direttamente verso Dio, sembra esserci un grande respiro di verità cristiana, inesprimibile con parole ordinarie sermone della chiesa. Questo non è commentato: fai solo un passo e decolla. È inspiegabile, ma è vero!

Le montagne della Galilea, l'acqua, il mondo intero si spegne all'apparizione di questa luce dorata ultraterrena, e stiamo ancora cercando di coglierne i raggi, stiamo ancora cercando di capire queste parole e questa trasformazione magica; tuttavia, c'è una meravigliosa ambiguità nel dipinto di Dalì: la capsula può avere un altro significato.

Questo è il prisma della coscienza moderna, la coscienza di una persona del XX secolo, l'era dei voli, l'era del Cosmo, ma ... ma l'accelerazione non significa l'arrivo più veloce alla meta: ci siamo abituati velocità, ma abbiamo perso la profondità dell'intuizione e del sentimento, l'altezza del pensiero, abbiamo perso la fede. Lo spirito di gravità non può essere sconfitto dalla tecnologia. Solo in Lui c'è amore, elevazione e speranza: solo Lui è la via.

Dall'illuminazione dei fotogrammi si vede chiaramente che la capsula si precipita in profondità nell'immagine: l'intero gruppo sembra essere portato via, decollando sopra la superficie dell'acqua, con incredibile accelerazione, premendo la testa contro il tavolo ... e questa capsula ha un successo sorprendente, una sorta di opposizione tecnologica al pensiero di un tecnocrate senz'anima.

Cristo nella composizione è il centro, il punto di equilibrio, come quella rosa che pende su un'altra immagine proprio al centro, tra cielo e terra, mostrandoci questa beatitudine della meditazione, dissoluzione nel pensiero del superiore ... Nel suo figura - leggera plasticità, franchezza e solennità dell'armonia acquisita, la severità della posa si unisce a un sofisticato gioco di gesti, segnando un fascino solenne e nascosto ...

Naturalmente, l'immagine non può essere considerata isolatamente dalla sua ideologia generale, atteggiamento nei confronti della chiesa, dogma, ecc. Quindi possono sorgere connotazioni completamente diverse - ad esempio, sulla separazione e la separazione di questa scena, questa è la metafisica dell'Apocalisse, il mondo dell'Apocalisse, che non viene trasmesso e non lascia entrare nessuno... Penso che ogni spettatore provi esattamente questo.

Nota che gli apostoli non hanno né vino né pane: il Maestro spezzò il pane e lo mise sulla tavola, d'ora in poi una persona si nutre del pane spirituale e del vino dell'eternità, e come se fosse arrivato un momento di terribile pesantezza dall'accelerazione - si coprivano tutti il ​​​​volto così strettamente - una realizzazione che improvvisamente li sconvolse la loro stessa cecità e relatività, insignificanza davanti al grande, che non sono in grado di accogliere ...

Offre loro un pane diverso, un'Alleanza diversa: non seguire certe regole, ma vivere in Lui ogni minuto, elevandosi con tutta l'anima e tendendo verso la luce. Qui si sta svolgendo un grande evento nella storia del mondo. In arrivo nuova era, l'era della creatività. E qui non c'è più folla, nessuna chiesa - qui ognuno stesso deve alzare la testa e assaggiare il vino dell'eternità, aprire gli occhi e guardare direttamente negli occhi di Dio.

Salvador Dalì - L'ultima cena.

Anno di fondazione: 1955

Tela, olio.

Dimensioni originali: 167 × 268 cm

Galleria Nazionale d'Arte, Washington

"L'ultima cena" - pittura Artista spagnolo Salvador Dalì, dipinto nel 1955. Situato nella National Gallery of Art di Washington DC.

Dali ha trascorso circa tre mesi a lavorare su questo dipinto, per il quale ha utilizzato, tra l'altro, materiale fotografico. La base qui è quella che egli definì “una cosmogonia aritmetica e filosofica fondata sulla maestà del numero dodici […]. Il pentagono contiene l'uomo microcosmico - Cristo. (Grazie a Garcia Lorca, che una volta mi ha detto che gli apostoli sono simmetrici, come le ali di una farfalla.)

Come altri dipinti religiosi di Dalì, L'Ultima Cena suscita reazioni estremamente diverse da parte degli spettatori: alcuni critici hanno liquidato il dipinto come un trucco e una banalità, mentre altri credevano che l'artista fosse riuscito a nuova base ricreare l'immagine della preghiera tradizionale. La polemica è stata esacerbata dal fatto che il pubblico conosceva Dalì come una persona più incline a giocare con concetti ed emozioni che a esprimere sinceramente le proprie convinzioni. Gesù ei suoi dodici discepoli sono collocati in un interno modernista con pareti di vetro. Gli apostoli, chinando il capo, si inginocchiano attorno a un grande tavolo di pietra; le loro figure tangibili contrastano con la trasparenza del corpo di Cristo. Due metà di pane e mezzo bicchiere di vino rappresentano il pasto sacro. Dali ha dipinto questo quadro principi matematici, basato sullo studio dell'arte del Rinascimento, e qui si sente particolarmente l'influenza di Leonardo da Vinci (l'autore della più famosa Ultima Cena). Con un gesto tratto da un affresco di Leonardo, Gesù indica il cielo e una figura (forse lo Spirito Santo), le cui braccia tese sembrano abbracciare tutti i presenti.

Salvador Dali (Salvador Domenec Felip Jacint Dali i Domenech, Marques de Dali de Pubol, 11 maggio 1904-23 gennaio 1989) - Pittore, grafico, scultore, regista, scrittore spagnolo. Una delle più noti rappresentanti surrealismo.

Descrizione del dipinto di Salvador Dalì "L'ultima cena"

L'immagine complessa, ma non per questo meno emozionante, dell'Ultima Cena è stata scritta nel 1955. Si ritrovò in una delle gallerie di Washington. Ogni giorno l'immagine non smette mai di stupire i visitatori della galleria. Scritto, come sempre, con senso dello stile e devozione all'immutabile visione futuristica del mondo.

Davanti a noi appare un'immagine, dove vediamo al centro l'immagine di un grande tavolo, a capo del quale siede Gesù Cristo, ei suoi seguaci lo circondano accanto a lui. Questa immagine molto diverso dal capolavoro omonimo di un altro artista Leonardo da Vinci. È una situazione completamente diversa qui, eroi. Il dipinto è realizzato con dettagli minimalisti.

L'oggetto principale che attira l'attenzione primaria è il tavolo. La sua imponenza e raffinatezza si ottiene grazie a una tovaglia bianca dalle curve caratteristiche. Tutti i personaggi nella foto sono vestiti con abiti bianchi. Abbassarono la testa, adorando le parole del Signore e ascoltando il suo sermone.

Un'immagine del genere potrebbe benissimo essere definita un incontro, ma non una cena. Poiché sarete d'accordo, è difficile chiamare una cena una tavola sulla quale ci sono solo due piccole fette di pane e un bicchierino di vino. È anche molto poco chiaro di cosa stia parlando esattamente il Signore. A un certo punto, sembra che parli ai suoi ascoltatori di grandi azioni, e subito dopo li rimprovera per i loro peccati. C'è una teoria secondo cui questo è il modo in cui Dalì voleva dare all'immagine un aspetto più moderno.

Non ci sono dettagli sovraccarichi nell'immagine, porta una luce fluente, leggerezza, bellezza e trasparenza. Montagne massicce, cieli luminosi e nuvole color pesca aiutano a ottenere questa impressione. Dopo un attento esame dell'immagine, capisci che le azioni si svolgono su una specie di collina, a dimostrazione della grandezza dell'intera azione.

Salvador Dali "L'ultima cena" (1955).
Tela, olio. 167x268 cm
Galleria Nazionale d'Arte, Washington

Dali ha trascorso circa tre mesi a lavorare su questo dipinto, per il quale ha utilizzato, tra l'altro, materiale fotografico. La base qui è ciò che ha definito come “una cosmogonia aritmetica e filosofica basata sulla grandezza del numero dodici. Il pentagono contiene l'uomo microcosmico - Cristo.

Come altri dipinti religiosi di Dalì, L'Ultima Cena evoca reazioni estremamente diverse da parte del pubblico: alcuni critici hanno respinto l'immagine come un trucco e una banalità, mentre altri credevano che l'artista fosse riuscito a ricreare la tradizionale immagine della preghiera su una nuova base. La polemica è stata esacerbata dal fatto che il pubblico conosceva Dalì come una persona più incline a giocare con concetti ed emozioni che a esprimere sinceramente le proprie convinzioni. Gesù ei suoi dodici discepoli sono collocati in un interno modernista con pareti di vetro. Gli apostoli, chinando il capo, si inginocchiano attorno a un grande tavolo di pietra; le loro figure tangibili contrastano con la trasparenza del corpo di Cristo. Due metà di pane e mezzo bicchiere di vino rappresentano il pasto sacro. Dalì ha creato questo dipinto secondo principi matematici basati sullo studio dell'arte del Rinascimento, e qui si sente particolarmente l'influenza di Leonardo da Vinci (l'autore della più famosa Ultima Cena). Con un gesto tratto da un affresco di Leonardo, Gesù indica il cielo e una figura (forse lo Spirito Santo), le cui braccia tese sembrano abbracciare tutti i presenti.

Le prime immagini dell'Ultima Cena sono solitamente attribuite all'epoca delle catacombe romane, anche se molti ricercatori tendono a considerare la famosa scena del pasto nella catacomba di San Sebastiano (III secolo) come un'opera pagana. Modello indiscusso tradizione primitiva- Mosaico della chiesa bizantina Sant'Apollinare Nuovo a Ravenna(VI secolo), in cui vediamo un approccio all'evento molto non standard.

Una grande figura di Cristo e gli apostoli seduti dietro di lui formano un denso semicerchio vicino al tavolo, sul quale giacciono ... cinque pani e due pesci, cioè "attributi" del miracolo della Moltiplicazione dei pani, che viene percepito come un "prologo" dell'Eucaristia. Tale accostamento iconografico aiuta a sentire la connessione tra le parole di Gesù nella Cena: «Fate questo in memoria di me» (Lc 22,19) e l'appello rivolto ai discepoli al momento della moltiplicazione dei pani: «Voi date loro da mangiare» (Mc 6,37).

IN arte medievale nella raffigurazione dell'Ultima Cena, l'aspetto eucaristico, ovviamente, si è rivelato al primo posto. Secondo il canone bizantino, nell'altare era collocata la parte del tempio (abside) nel punto più prominente composizione monumentale"Comunione degli Apostoli".

Non ha fornito una rappresentazione storica di uno specifico evento evangelico, ma un'interpretazione simbolica del Sacramento, e questo spiega una serie di convenzioni della trama. Innanzitutto l'assenza di Giuda e la presenza obbligatoria dell'apostolo Paolo, che da un punto di vista storico Punti di vista errato e quasi assurdo. In molti templi di origine bizantina si possono trovare nella composizione non una, ma due figure di Cristo, che sarebbero dovute diventare un simbolo della sua divinità umana. Questo è ciò che vediamo nel mosaico da Cattedrale di Sofia (XI secolo) e Monastero dalle cupole dorate di San Michele (XII secolo) a Kiev.

Nel raffigurare l'Eucaristia, molti pittori si sono adoperati per una più profonda comprensione del mistero mistico dell'evento. A volte questo ha portato a un risultato paradossale. Quindi nella foto Tintoretto L '"Ultima Cena" per la chiesa veneziana di San Giorgio Maggiore (1592-1594) intorno alla scena della comunione degli apostoli ha creato un'atmosfera di luce sorprendente.

Lo spazio oscuro in cui si svolge l'azione è tagliato da un bagliore attorno alla testa di Gesù, aureole sopra le teste degli apostoli e dalla luce di una lampada sul soffitto, attorno alla quale sono visibili figure di angeli in volo. Questi lampi di luce potenti e allo stesso tempo delicatamente riscaldanti conferiscono all'immagine un tremito speciale e aiutano a sentire più in profondità il mistero spirituale di ciò che sta accadendo.

Ma il mistero della luce nella foto si unisce al paradosso dei dettagli quotidiani che nulla hanno a che fare con il testo del Vangelo. Accanto alla tavola alla quale sono posti Gesù e gli apostoli, c'è un'altra tavola imbandita di piatti di cibo e frutta, la gente si agita attorno a questa tavola, e anche dietro la schiena degli apostoli appaiono improvvisamente donne con piatti - sembra che il In una locanda si svolge l'azione eucaristica.

Il lato quotidiano dell'immagine è completato in modo colorato da un cane che rosicchia un osso e un gatto che cerca di arrampicarsi in un cesto. A cosa serve tutto questo? E qual è la connessione tra, sembrerebbe, un trambusto quotidiano così errato e il Santissimo Sacramento? Non abbiamo risposte esatte a queste domande, se non per la versione di storia dell'arte di turno che Tintoretto, da pittore veneziano, pensava profondamente in modo laico, come tutti gli abitanti della sua città natale.

Venezia, ovviamente, non è un monastero contemplativo, ma nella sua profondità spirituale Tintoretto differisce dagli altri maestri della sua scuola. Probabilmente aveva bisogno dell'inizio della vita quotidiana per darci un senso più profondo dell'Eucaristia come realtà di oggi.

La presenza di "estranei" con il loro trambusto quotidiano apparentemente inappropriato ci ricorda che questo Sacramento non è un rito esoterico per gli eletti, ma un movimento del cuore di Gesù, diretto a tutti ea tutti. Questa è un'immagine sorprendentemente accurata della liturgia, in cui, seguendo gli apostoli, verremo alla Comunione - persone che si considerano ordinarie, così simili ai "servi" dell'immagine del grande veneziano.

Nell'arte del XX secolo, una delle immagini più espressive dell'Eucaristia era il dipinto "L'ultima cena" Salvador Dalì(1955, Galleria Nazionale, Washington).

A prima vista, non dovrebbe esserci nulla in comune tra l'oltraggioso surrealista e l'argomento che ha scelto. E molti sono ancora sconvolti al solo pensiero che l'autore di "William Tell" o "The Burning Giraffe" periodicamente "invadesse" il sacro. Ma - per quanto vorrei turbare qualcuno - ora è impossibile immaginare senza i dipinti di questo artista cultura cristiana il secolo scorso.

E la loro profondità è un'altra prova che «lo Spirito spira dove vuole» (Gv 3,8). L'azione nella foto si svolge in un interno rigoroso con un'enorme finestra pentagonale, dietro la quale si può vedere un paesaggio caratteristico di Dalì con il mare ei contorni delle montagne sullo sfondo.

Gli apostoli inginocchiati attorno al tavolo con il capo chino sono immersi in una profonda preghiera. Sul tavolo ci sono due pezzi di pane e un bicchiere di vino. Gesù indica con la mano verso l'alto, dove nell'apertura della finestra si può vedere il torso nudo di un uomo con le braccia tese lungo i fianchi - in una posa che ricorda così fortemente la Crocifissione. Questa è una visione che indica le parole fondanti del Salvatore: “Questo è il mio corpo” (Matteo 26:26).

Una decisione così semplice, a prima vista, infatti, è costruita su una base liturgica fondamentale. Nella liturgia cattolica, al momento del Sacramento, il sacerdote alza in alto l'Ostia - il pane che è diventato il corpo di Cristo - e la gente la guarda in silenzio per alcuni secondi.

Al momento della Comunione, il sacerdote mostra nuovamente il Corpo di Cristo al comunicante per alcuni secondi, donandolo letteralmente incontrare gli occhi del Salvatore. Ed è stato il momento della contemplazione visiva del Corpo del Signore che è diventato la base della composizione di Dalì.

Parallelamente all'iconografia spirituale e simbolica dell'Ultima Cena, si sviluppa nell'arte la cosiddetta tradizione “storica” della rappresentazione, basata sul desiderio di illustrare i testi evangelici nel modo più accurato possibile.

Gli "storici" erano principalmente interessati a due eventi: la lavanda dei piedi (che divenne ben presto una scena separata) e il messaggio di Gesù sul tradimento di Giuda.

E anche se il centro dell'immagine era ancora l'Eucaristia, nella versione "storica" ​​era spesso accompagnata da dettagli narrativi quotidiani che avrebbero dovuto rendere l'evento più comprensibile e artisticamente rilevante per i contemporanei del maestro.

Quindi sul rilievo per la barriera dell'altare (lettner) Cattedrale di Naumburg(Germania, XIII secolo) uno degli apostoli (molto probabilmente Pietro) si lecca brutalmente le dita. E per quanto un tale "dettaglio" possa sembrare fuori luogo in questa situazione, ti permette di sperimentare più profondamente il significato del Sacramento compiuto dal Salvatore non per i santi, ma per persone normali, a volte anche senza capire veramente cosa sta succedendo davanti ai loro occhi.

E in un'immagine vivace ed espressiva Pittore spagnolo 16 ° secolo Juan de Juanes dal Museo del Prado di Madrid, invece, si è cercato di rappresentare l'evento nel modo più solenne.

Pertanto, Cristo si comporta come un sacerdote all'altare, davanti a Lui viene posta una coppa, simile a un calice da chiesa, e nella Sua mano non c'è solo il pane, ma Hostia - un pane tondo azzimo, che si usa proprio nella liturgia di rito latino. Pittore francese Nicolas Poussin nel suo celebre composizione dal ciclo dei Sette Sacramenti (1647, National Gallery, Edimburgo) ha cercato di mostrare l'evento con la massima accuratezza storica.

Gesù e gli apostoli non si siedono, ma si adagiano al tavolo, come era consuetudine nell'antichità, e l'interno della sala superiore ricorda un triclinio, la sala da pranzo anteriore di un antico edificio residenziale romano.

Dal Rinascimento, nell'ambito della tradizione storica, c'è stato un crescente interesse per il contenuto psicologico degli eventi, principalmente per le esperienze degli apostoli che hanno ascoltato le parole di Cristo: “In verità, in verità vi dico, uno di voi mi tradirà” (Matteo 26, 21).

Nella composizione Andrea Del Castagno per il refettorio del monastero di Santa Apollonia a Firenze (1447), profonda tristezza è visibile sui volti degli apostoli, Giovanni bacia commovente la mano del Maestro, e la figura scura di Giuda, seduto dalla parte opposta del tavolo , in combinazione con la colorazione espressiva dell'intera immagine crea un'acuta tensione emotiva.

La maggior parte dei pittori si è intensificata stress emotivo, cercando con tutti i mezzi disponibili di isolare Giuda. Finì o dall'altra parte del tavolo in "orgogliosa solitudine", o appollaiato più vicino all'uscita o uscendo dalla Cena.

Nel quadro El Greco(1696, Pinacoteca Nazionale, Bologna) Giuda si trova in prossimità dello spettatore (che può essere visto chiaramente come un suggerimento contenuto noto) e con le sue vesti nere si distingue nettamente dal generale rosso-ocra colori(in modo simile, la figura di Giuda si trova sulle icone russe del XVII secolo).

IN Pittura africana A metà del secolo scorso (cioè al culmine del crollo del sistema coloniale), Giuda si rivelò spesso l'unico bianco tra i partecipanti dalla pelle scura all'azione (che includeva il Salvatore). Il lavoro culminante in questa direzione è, ovviamente, la pittura Leonardo Da Vinci nel refettorio del monastero milanese di Santa Maria della Grazia (1494-1497).

I suoi apostoli, divisi in quattro gruppi, gesticolano attivamente, discutendo tra loro le parole di Gesù. E anche Giovanni, che, secondo il suo stesso vangelo, doveva appoggiare la testa sul petto di Gesù, è coinvolto nella "discussione" generale: si allontana leggermente dal Maestro e ascolta Pietro che si sporge verso di lui.

Forse questo si riferisce al momento in cui Pietro “firmò per chiedere di chi stesse parlando” (Giovanni 13:24). La dinamica del comportamento degli apostoli contrasta nettamente con l'assoluta calma di Gesù. La sua figura al centro della composizione è rigorosamente simmetrica, poiché nella regione del suo ponte nasale c'è un punto di fuga in prospettiva lineare spazi da camera.

Leonardo sembra “costruire” la sua figura, così come un architetto costruisce le linee su un disegno del suo futuro edificio. Attraverso questo, sottolinea nella personalità di Gesù un'altra natura divina, conducendolo in un'altra dimensione, inaccessibile agli apostoli seduti accanto a lui. E sul suo volto si leggono contemporaneamente sia il dolore che la pace più profonda, l'umile accettazione del suo destino.

Il contrasto tra l'equilibrio statico e compositivo della figura di Gesù e la dinamica del comportamento degli apostoli accresce la gravità psicologica della situazione. Probabilmente, Leonardo si è basato sulla descrizione del Vangelo di Luca, che dice che gli apostoli "cominciarono a chiedersi l'un l'altro chi di loro sarebbe stato colui che avrebbe fatto questo" (Luca 22, 23. Mentre altri meteorologi affermano che iniziarono a chiedi di questo Gesù). Di conseguenza, erano così immersi nella comunicazione reciproca che anche adesso, pur essendo ancora vicini al loro amato Maestro, lo lasciavano psicologicamente solo. Altro, niente di meno punto interessante- questa è la collocazione della figura di Giuda, contrariamente a tutte le tradizioni, secondo le quali doveva essere isolato da tutti.

Giuda è posto tra Pietro e Giovanni, cioè molto vicino a Gesù, inoltre, nelle sue vesti c'è un colore blu - il colore delle vesti di Gesù, che indica la sua filiazione divina. Forse questa disposizione è una sottile allusione alla successiva negazione di Peter. Ma è possibile che fosse ancora più importante mostrare Giuda come lo stesso apostolo degli altri, per sottolineare che anch'egli ricevette una chiamata unica a diventare discepolo di Cristo, una chiamata che in questo momento si uccide.

Un altro culmine della soluzione psicologica al tema dell'Ultima Cena può essere considerato il quadro N.N. Ge(1863, Museo Russo. San Pietroburgo), originariamente chiamato "La partenza di Giuda".

La burrascosa controversia intorno all'interpretazione del tema evangelico in quest'opera è magnificamente descritta in letteratura di ricerca. Molto noto è anche il commento negativo di F.M. Dostoevskij, il quale affermava che l'autore della tela riduceva il grande evento a "un normale litigio di gente comune".

Certo, Nikolai Ge è un maestro di un'epoca diversa e una persona con una mentalità religiosa completamente diversa. E non dipinge un'icona o un affresco per il refettorio del monastero, ma un quadro destinato a condizioni espositive secolari, e difficilmente si sente obbligato ad aderire agli standard iconografici. E il suo- umana XIX secolo, aspetto psicologico le situazioni interessano più del sacro.

Pertanto, l'allontanamento di Giuda dal fatto tragico, ma ancora "periferico", si trasforma in un evento centrale che ha incatenato a sé tutti i partecipanti all'azione. Secondo un ricercatore russo Arte XIX secolo S. S. Stepanova, il pittore si discosta dal testo del Vangelo, mostrando Giuda già smascherato e identificato da tutti, trasformandolo così da piccolo traditore in una personalità significativa - un oppositore di principio di Cristo.

È difficile determinare il grado di significato personale di Giuda nella foto: la sua figura è così immersa nell'ombra che persino i tratti del viso sono quasi impossibili da distinguere. Tuttavia, è lui, e non Cristo, contrariamente a tutte le tradizioni, che diventa il punto di attrazione compositiva, attirando involontariamente a sé non solo gli apostoli scioccati, ma anche lo spettatore.

E se tutti gli apostoli guardano all'unanimità Giuda in partenza, mostrando sui loro volti tutta una serie di forti emozioni - dalla sorpresa all'indignazione - allora gli occhi di Cristo si abbassano e l'intero aspetto è pieno di dolore trattenuto, ma molto profondo. La partenza di Giuda divenne per Lui la fonte del più acuto mal di cuore e per un po' occupò tutto il suo forze interne perché Giuda se ne andava incontro alla propria distruzione.

Ed è proprio questa sofferenza, secondo noi, il nucleo psicologico dell'opera. Non si tratta di Giuda, qualunque cosa luogo importante non ha occupato. Ancor meno - sul conflitto di un traditore con un gruppo di ex persone che la pensano allo stesso modo - "compagni nella lotta", come hanno cercato di interpretarlo i critici. metà del diciannovesimo secolo, vicino al movimento rivoluzionario-democratico. L'immagine riguarda il dolore di Cristo per ogni peccatore che persiste nel suo peccato, e quindi arriva inevitabilmente alla morte spirituale.

Ludmila BELYAKOVA,
insegnante di lingua russa, letteratura e MHK,
scuola numero 35,
Rybinsk, regione di Yaroslavl

Il segreto dell'ultima cena

Leonardo da Vinci e Salvador Dalì

Lezione di cultura artistica mondiale in terza media

Cerca di comprendere il mondo figurativo di due geni, le caratteristiche dell'immagine di una delle scene bibliche centrali.

spazio artistico lezione:

Riproduzione dell'affresco di Leonardo da Vinci (1) L'Ultima Cena (1495–1497; Santa Maria delle Grazie, Milano) (2) ;

Riproduzione di un dipinto di Salvador Dalì (3) L'ultima cena (1955; Washington galleria Nazionale) (4) .

Modulo lezione:

Dialogo della lezione.

L'artista ha due obiettivi: una persona
e le manifestazioni della sua anima.
Il primo è facile, il secondo è difficile
e misteriosa, sembra dire:
"Ascolta - e mi sentirai!"

Leonardo Da Vinci

Il mondo figurativo di Dali è simile
un labirinto in cui non tutti osano nemmeno addentrarsi.

A. Rozhin

I. IMMERGITI NELLA LEZIONE

Insegnante. Probabilmente non puoi trovare nel mondo dell'arte figure così iconiche, maestose e paradossali come Leonardo da Vinci e Salvador Dalì. Sono separati, a prima vista, da un'enorme distanza: uno viveva e lavorava nell'era Alto Rinascimento e l'altro - un rappresentante del ventesimo secolo. Ma entrambi sono i titani della pittura, che ci permette già di confrontare i loro mondi. Gli storici dell'arte hanno valutato in modo diverso l'eredità di Leonardo da Vinci e Salvador Dalì, ma tutti concordavano su una cosa: il loro lavoro è unico.

Propongo di confrontare due opere sullo stesso argomento: "L'ultima cena". Utilizzando tutte le tecniche possibili: dallo standard all'assurdo, dal razionale all'irrazionale, rispondi alla domanda: in quale mistero si svelano gli artisti opere omonime? (Questa domanda diventa il principale compito di apprendimento della lezione.)

Ti offriamo messaggi-ritratti sugli artisti. Chiederò, ascoltando i miei compagni di classe, di fissare le disposizioni principali che parlano di alcuni in termini generali nella vita e nell'opera degli artisti.

II. COLPO AI RITRATTI DI ARTISTI
(messaggi da studenti formati)

Primo studente.

UNA PAROLA SU LEONARDO DA VINCI

Il mistero di questo artista inizia con la sua nascita. Era figlio di una donna di cui non sappiamo quasi nulla: né nome, né età, né aspetto; conosciamo solo il suo nome: Katerina. Sappiamo molto poco della giovinezza di Leonardo da Vinci. Nonostante il fatto che più di settemila pagine di manoscritti e disegni dell'artista, note relative a Propria vita non è partito.

La sua educazione era la stessa di qualsiasi ragazzo che vive in una piccola città: lettura, scrittura, matematica di base, latino. All'età di 14 anni divenne apprendista di Andrea del Verrocchio, uno dei più artisti famosi Italia. Inizialmente era impegnato nello sfregamento di vernici e altri lavori umili, gradualmente iniziarono ad affidargli gli ordini. I rapporti con il maestro si svilupparono più che benevoli, come dimostra il fatto che anche dopo essere stato accettato nella Corporazione di San Luca nel 1472, il ventenne Leonardo continuò a vivere con il Verrocchio.

Tra le persone che avevano su Leonardo grande influenza, furono lo scienziato e architetto Leon Battista Alberti, il meccanico e ingegnere Benedetto del Abbaco, il matematico, astronomo e medico Paolo del Pozzo Toscanelli.

Nel 1482 Leonardo parte per Milano e inizia una nuova vita. Questo periodo è durato quasi 20 anni e durante questo periodo ha ricevuto il riconoscimento, esattamente ciò di cui è stato privato a casa.

Leonardo da Vinci è entrato nella cultura mondiale come il più grande pittore, ma va ricordato che la portata della sua conoscenza era illimitata. Ha creato diversi strumenti musicali, composto musica, sviluppato piani per ponti, cantato bene, scritto ballate, studiato la struttura anatomica corpo umano, studiò le piante, sviluppò il progetto della cupola del Duomo di Milano, inventò l'elicottero (elicottero) e diede la prima versione dell'elica moderna. Senza dubbio lo era uomo rinascimentale, grande scienziato, ma soprattutto grande pittore.

Primo pittura primo periodo - "Annunciazione" ( Galleria degli Uffizi, Firenze). Nel 1473-1474 - "Ritratto di Ginevra Benci", e segue poi un periodo della vita in cui è completamente assorbito dal tema della "Madonna col Bambino". Lo spazio pulito, l'eleganza e la proporzione, la libertà e la leggerezza della penna, la bellezza dei paesaggi contraddistinguono i suoi quadri.

Una delle creazioni di punta di Leonardo è L'Adorazione dei Magi (1481), nella cui trama, secondo Robert Wallace, "ha incluso tutta l'umanità". Uno storico dell'arte ha contato 66 figure nella foto, tra giovani e anziani, poeti e guerrieri, credenti e dubbiosi. Ma Leonardo ha lavorato a questo lavoro solo per sette mesi. La brillante padronanza della tecnica del chiaroscuro (chiaroscuro) ha aiutato l'artista a raggiungere tale perfezione. Va notato che d'ora in poi il suo interesse principale come artista non sarà mai associato solo al colore e al contorno, ma sempre alla creazione dell'effetto dello spazio tridimensionale.

Passeranno ancora alcuni anni e intraprenderà un altro lavoro di dimensioni non inferiori. E quando finalmente lo finirà, sembrerà ai suoi contemporanei un'altra meraviglia del mondo, e per noi diventerà la prima incarnazione classica degli ideali dell'Alto Rinascimento. Il titolo di questo pezzo è L'ultima cena.

Secondo studente.

UNA PAROLA SU SALVADOR DALI

Difficilmente dentro cultura artistica dell'umanità dei tempi moderni, c'è una persona che possedeva un tale potenziale creativo e universalismo come Salvador Dalì. Il fascino magico delle sue opere è che ispirano orrore e gioia inspiegabili, delusione e speranza, gioia della conoscenza e confusione.

Fantasia inesauribile, azioni immotivate, ambizione ipertrofica: tale era Salvador Dalì. Trovare un linguaggio specifico per le immagini mondo oggettivo culminò nel surrealismo. L'autore del termine era il poeta francese Guillaume Apollinaire, anche l'ideologo incondizionato poeta francese André Breton. Permettetemi di ricordarvi che la tendenza è nata in un momento in cui la società stava ancora vivendo la tragedia del Primo guerra mondiale, tempeste rivoluzionarie e catastrofi economiche. La persona si sentiva impotente e amareggiata per il mondo intero. L'arte inaspettata e super reale potrebbe farlo uscire da uno stato di shock, prevenire una catastrofe universale, che divenne il surrealismo rappresentato dai suoi rappresentanti Giorgio Chirico, Max Ernst, Andre Mason, René Magritte e, naturalmente, Salvador Dalì.

L'eccentricità di Dalì si manifesta già in gioventù: studia brillantemente all'accademia di Madrid (anche se la sua natura ribelle gli ha impedito di finire questo Istituto d'Istruzione), all'età di 22 anni scrive per Garcia Lorca una natura morta "Cesto di pane" - uno dei migliori primi lavori. E poi - dipinti, viaggi, mostre, lavoro nel cinema, un felice matrimonio con Gala Eluard (nata Elena Dyakonova). Nel suo libro "Il diario di un genio", l'artista presenta il suo lavoro in questo modo, o meglio, la sua periodizzazione: Dalì - Planetario, Dalì - Molecolare, Dalì - Monarchico, Dalì - Allucinogeno, Dalì - Futuro.

Salvador Dali ha implementato in modo creativo vari idee artistiche. Prova lampante di ciò è il progetto del Museo del Teatro Dali a Figueres, e il manifesto, caratterizzato da arguzia e ingegnosità, e virtuoso opere grafiche basato sulla poesia di Dante e Ronsard, Apollinaire e Goethe, acquerelli per il Don Chisciotte di Cervantes e illustrazioni per il Macbeth di Shakespeare.

Ma Dali ha un'immagine che pretende di prendere il primo posto nel suo lavoro.

Questa è L'Ultima Cena.

Passiamo al testo del Vangelo.

III. LETTURA COMMENTATA DEL TESTO DEL VANGELO
(ascoltando, parlando)

"20. Quando venne la sera, si coricò con i dodici discepoli; 21. E mentre mangiavano, disse: In verità vi dico, uno di voi mi tradirà; 22. Erano molto tristi e cominciarono a dirgli, ciascuno di loro: Non sono io, Signore? 23 Ed egli rispose e disse: Chi metterà con me la mano nel piatto, mi tradirà; 24. Ma il Figlio dell'uomo se ne va, come sta scritto di lui; ma guai a quell'uomo dal quale il Figlio dell'uomo è stato tradito: sarebbe stato meglio che quest'uomo non fosse nato; 25. A questo, Giuda, che lo tradì, disse: Non sono io, Rabbi? Gesù gli dice: Tu hai detto.

26. E mentre mangiavano, Gesù prese il pane e, dopo averlo benedetto, lo spezzò e, dandolo ai discepoli, disse: Prendete, mangiate: questo è il mio corpo; 27. E preso il calice e rese grazie, lo diede loro e disse: Bevetene tutto, 28. perché questo è il mio sangue del Nuovo Testamento, che è sparso per molti in remissione dei peccati ” (Matteo: 25).

IV. "DIALOGO" DI DUE CAPOLAVORI
(gioco di ruolo)

(In questo gioco di ruolo dialogico, due studenti, a nome degli autori di due dipinti, raccontano la storia della creazione dell'Ultima Cena di Leonardo da Vinci e Salvador Dalì.)

LV Mi avvicino alla mia "Ultima Cena" da quindici interi anni. Su uno dei bozzetti per l'Adorazione dei Magi compare un gruppo di servi, e accanto a loro c'è la figura di Cristo.

SD Il tema religioso comincia ad appassionarmi all'inizio degli anni Cinquanta. Preparandomi a una graduale concentrazione spirituale sulla cosa principale, mi sono rivolto al tema di Cristo nel dipinto "Cristo di San Pietro". Giovanni della Croce". Ignorando i canoni dell'immagine, mi sono preso la libertà di catturare il tempo e l'eternità, il finito e l'infinito. L'immagine dovrebbe essere percepita dallo spettatore come una sorta di parabola.

LV Se passi ai miei appunti, diventa chiaro con quanta cura sono state elaborate le pose e i volti dei personaggi, che sono stati cancellati da gente comune, residenti a Milano e dintorni. La cosa più difficile è stata lavorare sull'immagine di Giuda, soprattutto per molto tempo ho cercato l'espressione del suo viso.

SD L'idea di questa immagine, come molte altre, è nata in un sogno ed era una sorta di continuazione di opere religiose e mistiche scritte in precedenza, che sono unite da un pensiero: l'idea dell'integrità del mondo cristiano.

V. CONFRONTO TRA L'ULTIMA CENA DI LEONARDO DA VINCI E SALVADOR DALI
(completando la tabella)

Insegnante. Avendo compreso criticamente il materiale sistematizzato nella tabella, prepara un messaggio di natura storica dell'arte sull'argomento della lezione.

Disegno schematico dell '"Ultima Cena"
Leonardo da Vinci con i nomi degli apostoli

VI. MESSAGGI MONOLOGICI
(Cito uno dei messaggi risuonati durante la lezione)

"Tutto è relativo". Proprio oggi, confrontando due capolavori, mi sono convinto di quanto sia accurato questo aforisma. Sembrerebbe che siano stati scritti sullo stesso tema biblico le opere degli artisti non dovrebbero differire drasticamente. Ma non lo è. Separati da quasi cinque secoli, i dipinti di Leonardo da Vinci e Salvador Dalì presentano allo spettatore la trama dell'Ultima Cena in modi diversi, ei loro autori vedono in questa trama un significato dettato dal tempo in cui vivono, e scuola d'arte in cui lavorano, e la loro lettura del testo del Vangelo.

Leonardo da Vinci interpreta la trama da un punto di vista religioso e morale, raffigurando il momento stesso del tradimento; è interessato a "l'uomo e la manifestazione della sua anima". Secondo il suo amico, il matematico Luca Paccoli, il dipinto di Leonardo è "un simbolo dell'eterno sogno di salvezza dell'uomo". Questo, ovviamente, riguarda la salvezza dell'anima, la purezza morale dell'uomo.

Il compito dell'autore di Salvador Dalì è determinato dal suo interesse per il tema della Santa Comunione. Si sforza per una pluralità di associazioni e interpretazioni. Si preoccupa del mistero della natura umana, ma ancor più della salvezza del mondo, che nel XX secolo sta subendo una catastrofe non solo sociale, ma anche morale. Il simbolo dell'unità, dell'unificazione si esprime chiaramente attraverso il razionalismo geometrico della composizione, a testimonianza della fede dell'artista nella sacralità dei numeri (in questo caso, il numero "3" - simbolo della Trinità). E la perfezione della forma personifica l'armonia spirituale, la purezza morale e la grandezza, e in questo caso possiamo parlare della somiglianza delle due opere.

Nel drammatico dipinto di Leonardo da Vinci, viene catturato un solo momento (Gesù annuncia il tradimento), ma si riflette l'eternità. Ciascuno degli apostoli è un'intera storia raccontata nel linguaggio dei gesti e delle espressioni facciali. I partecipanti al pasto sono dotati di individualità caratteristiche psicologiche. La figura di Giovanni è particolarmente espressiva. La luce morbida e uniforme lo penetra volto giovane, riempiendosi di una certa espressività soprannaturale. Lo spettatore lo esclude immediatamente dalle fila di coloro che presto tradiranno Cristo.

La composizione orizzontale conferisce all'affresco monumentalità e grandiosità. È noto che Leonardo da Vinci è andato a versione finale lungo e difficile, sono molti i disegni che riflettono questo percorso, e il modo in cui l'artista ha costruito l'“evento” parla sia del suo genio di pittore che della sua saggezza di filosofo. Dritto come una freccia, la linea del tavolo divide contemporaneamente due spazi (il presente e l'eterno) e agisce come una sorta di simbolo: questa è la soglia tra bene e male, tra devozione e tradimento, tra fede e incredulità. E la scelta dipende da tutti: attraversare o non attraversare?

Così se ne apre un altro. buon senso"L'ultima cena" è morale: questa è la scelta a cui ogni persona ha diritto. Cosa preferire, quali principi seguire, cosa scegliere: momentaneo o eterno, rimanere umano o diventare un traditore? Quest'ultimo passo prima della linea è una sorta di test morale per una persona, e in questo senso l'opera espande i confini e si riempie di significato universale.

VII. EPILOGO

Insegnante. Grazie per la creatività e l'ispirazione che hai mostrato oggi. Penso che per alcuni studenti l'incontro non finirà con la lezione, ma diventerà un argomento ulteriore ricerca creatività degli artisti.

Una mente acuta, talento e immaginazione sconfinata hanno reso quest'uomo immortale: il nome di Salvador Dalì, il grande salvatore delle nostre anime deperibili, attraversato da decenni, non coperto dalla polvere dell'oblio e dell'oblio.

Molto spesso, dietro i suoi manierismi e le sue auto-PR, molti non si sono accorti del genio scintillante, che si è ugualmente manifestato sia nel talento pittoresco che nella sua capacità di trasformare tutto il più noioso e banale in un piccolo teatro intitolato a Salvador Dalì.

L'immagine, di cui parleremo oggi, non solo testimonia tutti i talenti di cui sopra, ma ci parlerà di El Salvador come persona spiritualmente sviluppata, come sognatore religioso e filosofo surrealista. L'Ultima Cena di Salvador Dalì ci rivela un lato diverso dell'artista, nascosto dietro pathos e stravaganza, che spesso oscurano il suo vero talento.

Tuttavia, per comprendere appieno ciò che Dalì ha portato di nuovo a una trama familiare, per assaporare appieno il frutto della conoscenza provocatoria che Salvador ci offre gentilmente, vorremmo passare a quanto segue opera famosa Leonardo Da Vinci.

Ti invitiamo a considerare due concetti completamente diversi della stessa trama e risolvere l'eterna disputa sulla santità immaginaria e il peccato.

Cominciamo con un'opera più antica: "L'ultima cena" di Leonardo da Vinci. E la prima cosa a cui prestano attenzione tutti gli storici dell'arte che analizzano l'affresco di Vinci è soluzione compositiva autore. Alcuni addirittura lo paragonano a uno spruzzo d'acqua da una pietra lanciata, se guardi da vicino, si formano due onde, per così dire, su entrambi i lati di Gesù Cristo. E questo è davvero un colpo d'occhio, perché l'autore raffigura il momento in cui Gesù dice ai suoi discepoli che uno di loro lo tradirà presto, e quindi osserviamo quella visione molto fugace, la primissima ed è per questo che una reazione onesta a quanto detto .

Presta attenzione alle emozioni di ciascuno dei dodici apostoli: indignazione, rabbia, negazione, paura, dubbio e smarrimento. Da Vinci era uno psicologo molto competente, ha rappresentato in dettaglio questa reazione inconscia di una persona a informazioni inaspettate. Più tardi, molti scienziati nel campo della psicologia e della fisiognomica lo faranno, ma a quel tempo questa era una vera scoperta del linguaggio dei segni.

Tuttavia, ci sono due figure nella foto che attirano la nostra attenzione con la loro reazione non del tutto prevista: questa è l'immagine di Giuda e Tommaso.

Giuda, colui che, secondo la trama, tradirà Gesù Cristo, è raffigurato secondo a sinistra del maestro, in vesti blu-verdi. Nota che non c'è una goccia di sorpresa o dubbio sul suo volto, sa tutto ciò di cui parlerà Gesù e sa già per certo che il ruolo di traditore ricadrà sulla sua testa. Inoltre, detiene già trenta monete d'argento, che ha ricevuto per tradimento, e quindi attende semplicemente il destino preparato per sé e per Cristo.

La seconda immagine a cui prestare attenzione è la figura di Thomas, noto per il suo scetticismo e incredulità, si trova alla destra del maestro. È l'unico che osa porre a Gesù la domanda: "Uno tradirà?". E lo vediamo con il suo gesto: un pollice alzato.

Leonardo da Vinci aderisce tuttavia al concetto classico e ritrae solo Giuda come un traditore. Ma Salvador Dalì ci dice che tutti i traditori, tutti senza eccezioni, hanno sacrificato Cristo, per il bene degli interessi della maggioranza.

Presta attenzione all'interpretazione della solita trama di Salvador: vediamo la stessa tavola, i dodici apostoli e Gesù Cristo al centro della composizione. Ma attenzione, la domanda se ci sarà un traditore non è più posta dal curioso Tommaso, ma da Cristo stesso. Lo vediamo nel gesto già familiare di un dito alzato. Ma ora questa domanda suona puramente retorica, perché nessun altro ha bisogno di una risposta, tutti sanno perfettamente che ognuno di loro tradirà Cristo a modo suo.

Ecco perché non potremo mai trovare Giuda, Tommaso, Paolo o Pietro nella folla degli apostoli: semplicemente non esistono qui. No, esistono, ma la differenza tra loro è così piccola e insignificante che Dalì ha deciso di livellare tutti con lo stesso pennello, senza distinguere il giusto e il colpevole, il peccatore e il santo. Ecco perché tutti i santi sono raffigurati "specchio" l'uno nell'altro, se guardi da vicino, Lato destro ripete la sinistra e viceversa. Vale anche la pena sottolineare come umilmente, si potrebbe anche dire vergognosi, siedono a questo tavolo del refettorio, sapendo di essere colpevoli davanti al loro insegnante.

Il personaggio principale, il nodo che attira la nostra attenzione su di te, è l'immagine di Gesù Cristo. Non c'è dubbio che sull'affresco di Leonardo da Vinci il centro della composizione sia la figura di Gesù, ma lì ci appare davanti nella sua incarnazione terrena, e lì siamo attratti dalla reazione puramente umana degli apostoli.

Dalì, invece, racchiude tutti i presenti a tavola in un oggetto pentagonale, che è già chiuso da qualche parte in uno spazio per noi invisibile, indicando una seconda, opposta alla maschera del Cristo giudicante - una sorta di entità trascendente che è al di sopra di tutte queste dispute e dibattiti terreni, al di sopra della moralità unilaterale e della doppia moralità. Dalì ci parla del divino Gesù e guarda un po' avanti, come se rivelasse leggermente la trama della risurrezione.

Ma l'idea principale visto in un altro. Idea cristiana del perdono grande potere amore e gentilezza, che salvano il nostro mondo: questo è ciò che Dalì sottolinea con una linea audace nella "sua" trama.

Dopotutto, quando guardi queste mani tese, che si librano nel cielo, piene di amore e prontezza ad abbracciare il mondo intero, per salvare ogni persona indegna da guai e disgrazie, capisci che li ha comunque perdonati, e ha perdonato anche noi Tutto.