Il buddismo tibetano si è mostrato non meno espressivamente nella pittura chiamata "thangka" (tangka, tang-sku, "immagine piatta", "lettera", icona) o "pittura su tessuto". Secondo la leggenda, la tradizione della pittura su tessuto risale alla pittura indiana - "pata" (pata), o alla pittura nepalese su tela - "prabha" del periodo della dinastia Pala (secoli VII-X), e che a sua volta risale alla pratica monastica di raffigurare sui propri vestiti o sulle proprie tele.

La tradizione "scientifica" tibetana spiega che i canoni artistici e le azioni rituali tantriche furono scritti e così furono create le opere d'arte.

Un altro aspetto si riduce al fatto che la pittura tibetana - thangka ha il significato di "documento" ed è una registrazione di contenuti. Pertanto, vediamo che “il testo descrive l’oggetto raffigurato e l’immagine stessa memorizza o riflette il testo”. Questo è il significato del thangka tibetano, che è il più colorato di tutti i tipi di belle arti e, quindi, capace di trasmettere le sfumature più sottili di un'immagine.

Trattati iconografici tradotti in tibetano sono disponibili nello Shariputra sutra (Pratimala-kshana), nel Chakrasamvara tantra, nel Kalachakra, nel Raktayamari tantra e in alcuni altri. In sezioni e capitoli speciali di queste opere c'erano trattati iconometrici che raccontavano di griglie proporzionali (applicate mentalmente e realmente all'oggetto raffigurato per calcolarne i parametri attraverso determinati moduli).

Le attuali opere tibetane su questo argomento includono le opere iconografiche di Taranatha, Tsongkhawa, Lobsan-Danbi Zhaltsang, Sumba-Khanpo e altri autori. Dati iconometrici si trovano anche in opere mediche, come “Chzhud-Shi” e “Vaidurya-Onpo”.

Va notato che l'espressione “pittura tibetana” si applica non solo alle opere degli stessi autori tibetani, ma anche alle opere di artisti provenienti dall'intera area di distribuzione del buddismo tibetano.

I Thangka tibetani variano per origine e scuola. Prima, fino al XVI secolo. C'erano molti stili diversi. I tanka erano raffigurati nello stile Sakyapa (Sa-lugs), nello stile Atisha (jo-bo lugs), nello stile sutra (mdo-lugs), nello stile tantra (rgyud-lugs), nello stile Kashmir (khs-che pan chen alette), lo stile yoga di Maitripa (mitra'i alette) e molti altri.

Successivamente, solo “nepalese (aureole ovali allungate, figure a figura intera, una caratteristica curva della vita dei personaggi)”, “tibetano centrale” (o Labran, caratterizzato da ricchezza di colori e attenta registrazione dei dettagli), “indiano " (composizione complessa e variegatura) iniziarono a differire materiale), stile Menri (lo stile più tibetano, le immagini sono quasi prive di caratteristiche indo-nepalesi) e "cinese", caratterizzato da una miscela di stili.

A volte si parla di stili come thangka "oro", "rosso" e "nero": quando il colore corrispondente predomina nell'immagine stessa. Ad esempio, "nagtan", o "thangka nero", ha origine dalla visione reale della realtà da parte degli yogi tantrici nel processo delle loro pratiche contemplative.

Tecnologia dei serbatoi.

Oltre ai trattati che danno indicazioni sull'iconografia e sull'iconometria, ogni artista aveva anche le proprie informazioni, raccolte dalla tradizione orale. Fino a poco tempo fa, questa conoscenza non veniva pubblicata e veniva trasmessa solo da insegnante a studente.

La base. Tipicamente, per la base dei serbatoi veniva utilizzato un tessuto di cotone (tela) con tessitura longitudinale-trasversale con una larghezza compresa tra 49 e 51 cm, se la base era necessaria più larga, il tessuto veniva cucito. Il tanka su seta è meno comune. La letteratura menziona l'utilizzo del lino per la base, ma molto probabilmente si parla di iuta, il cui tessuto è difficilmente distinguibile dalle fibre di lino. Le informazioni sui tanka su pelle o pergamena risalgono apparentemente alle controparti perdute dell'Asia centrale e dell'Afghanistan.

La tela veniva ritagliata leggermente più grande della misura richiesta e rifinita attorno con fibre o filo d'orzo. Veniva poi fissato in un telaio rettangolare, più grande della tela, utilizzando una corda di lana che correva a zigzag lungo il perimetro della tela. Se la tela si afflosciava durante il lavoro, il pizzo veniva tirato più stretto, distribuendo la tensione su tutta la tela. A volte il tessuto veniva teso su un'asse.

Primer. La tela tesa veniva preparata su uno o entrambi i lati e lucidata con una conchiglia o un dente di onice. A volte veniva usata la zanna di un animale. Per i serbatoi più costosi, la tela veniva preparata su entrambi i lati e lucidata più accuratamente. Come riempitivo del terreno venivano utilizzati gesso e calce spenta. Per il terreno è stata utilizzata anche una miscela di sabbia e caolino, nonché altri materiali.

Come primer legante veniva utilizzata la colla ricavata dalle pelli di yak, pecora e toro. La pelle, accuratamente lavata e liberata dai peli, viene bollita a lungo. Come risultato della bollitura prolungata, la pelle acquisisce una consistenza gelatinosa. Si eliminano i residui solidi e si fa evaporare l'acqua a fuoco basso fino a quando rimane un gel denso, che viene tagliato a pezzi ed essiccato su una linea.

Per funzionare, un pezzo di colla viene riscaldato con acqua. La conseguenza è l'elasticità del thangka, che può essere arrotolato e srotolato più volte. La gomma arabica è anche chiamata legante per il terreno dei thangka tibetani.

Schizzo. Dopo aver preparato la superficie della tela per la pittura, il disegno veniva applicato a mano con una matita a carboncino oppure utilizzando il metodo delle polveri: polvere di carbone mescolata a terra ocra. I contorni venivano poi delineati o disegnati con inchiostro rosso o nero. Un altro metodo ben noto per applicare un disegno è il metodo di stampa. L'immagine speculare è stata ritagliata su una tavola di legno, il cliché è stato coperto di inchiostro e da esso è stata ricavata un'impressione. Successivamente la tela è stata preparata con le consuete tecniche e il disegno è stato delineato con inchiostro alla luce.

Colorazione. Terminato il disegno, l'artista ha iniziato a colorare. Con il primo strato sono stati applicati anche i colori sulla superficie, poi i dettagli dell'immagine, i contorni e la doratura, seguiti dalla lucidatura delle singole sezioni. Gli occhi venivano dipinti per ultimi, il che corrispondeva ad una certa cerimonia di "apertura degli occhi". Per i colori uniformi di base, venivano solitamente utilizzate vernici con pigmenti minerali e coloranti organici per l'ombreggiatura.

Vernici. Tutti i leganti sopra indicati venivano utilizzati anche per preparare le vernici. I coloranti vegetali, ad eccezione dell'indaco, richiedevano alcuni additivi per il loro fissaggio, che probabilmente somigliavano al fissaggio dei coloranti kraplak. Nella produzione del kraplak è stata aggiunta una foglia di zhukkhan (gelso o wintergreen a foglie rotonde), che facilita l'estrazione del colorante, fissa la vernice e la rende più resistente.

È noto che vengono utilizzati i seguenti pigmenti minerali: gesso, calcare, biacca, marmo, gesso, osso bruciato danno il colore bianco; colore giallo - orpimento, realgar, ocra gialla; colore arancio - minio, ocra gialla (terra d'ombra bruciata), ocra, mista con cinabro; colore rosso - cinabro (minerale naturale), ocra rossa, minio - "minio"; colore blu: lapislazzuli, lapislazzuli; colore verde - malachite, verde smeraldo; colore dorato - oro, polvere di ottone; colore argento - argento; nero - fuliggine (fuliggine della lampada), osso bruciato. Si ottenevano coloranti organici: per il colore giallo dai petali del fiore giallo utpala, dai fiori bianchi della rosa selvatica dell'Himalaya, dal rizoma della pianta chola, dallo strato interno del noce; l'indaco era usato per il blu; per il rosso e il rosa: gommalacca, robbia rossa, legno di sandalo rosso.

Guaina. Solo dopo essere stata dipinta la thangka è stata rimossa dal telaio, le sezioni in eccesso tagliate e incorniciate. I Thangka stampati spesso non erano affatto colorati, ma erano incorniciati e usati come le altre immagini.

Simbolismo del thangka buddista. Nessuno dei sistemi religiosi attualmente esistenti nel mondo ha un'iconografia così sviluppata come il buddismo tibetano. L'abbondanza e la varietà delle immagini delle divinità e dei soggetti sacri da venerare sembra illimitata, ma dopo uno studio più attento si scopre che il pantheon è costruito secondo uno schema gerarchico rigoroso e logicamente giustificato, e l'interpretazione della trama è soggetta a non meno norme artistiche ponderate e leggi spirituali. L'icona o thangka era destinata alla contemplazione ed era percepita come supporto per una pratica specifica.

Colore, forma, spazio e fattore tempo in un acquario sono indissolubilmente legati e obbligatori. La parte inferiore simboleggia il passato, la parte centrale, con un'immagine centrale che simboleggia l'oggetto principale della contemplazione, corrisponde al tempo presente e la parte superiore riflette il futuro. Tuttavia, va notato che quasi tutte le opere sono costruite secondo il principio della simultaneità. Questo fatto è contrassegnato da un dettaglio iconografico come i tre occhi del Buddha o yidam, la cui coscienza risvegliata risiede simultaneamente in tre tempi (aspetto immanente) o al di là di tutti e tre (aspetto trascendente).

La percezione visiva nel Buddismo è considerata la principale fonte di conoscenza sensoriale. La coscienza non purificata, con i klesha dell'ignoranza, della passione, dell'odio, dell'orgoglio, dell'invidia e altri, ha “occhi” e la sua capacità percettiva dipende dalla manifestazione di queste proprietà della personalità. L'essenza della divinità è sempre costante, cambia solo il livello della sua percezione, riflesso nell'arte da tre tipi principali di immagini: forma calma (zhi-ba), arrabbiata (hhro-bo) e feroce (drag-po)."

Nella pittura, i tibetani non usavano i mezzitoni, e la conseguenza era, da un lato, che una volta percepiti, gli oggetti raffigurati sembravano privi dei loro analoghi terreni (samsarici), e dall'altro, le immagini stesse immergevano lo spettatore in una sorta di stato ideale, dove anche le cose brutte e ripugnanti sembravano vuote e non ispiravano falsa paura. Le divinità pacifiche appaiono davanti a noi come se fossero tessute dalla luce di cinque colori; anche uno sguardo a un tale thangka è sufficiente per rinunciare per un po' al trambusto della vita. Dai molti volti e dalle molte braccia, ispirano un sacro senso di reverenza per la misericordia infinita, che ha forza e autorità.

Le immagini degli yidam e dei guardiani irati tantrici sono piene di potere indomabile, ferocia e forza mostruosa. Ma tutti questi volti cornuti, deformati da rughe di rabbia e smorfie di orrore, con i capelli ritti, con le bocche scoperte e le lingue sporgenti tra le zanne sporgenti, con il sangue che cola dai legamenti delle teste mozzate, ecc. non fare una brutta figura. Dietro gli occhi iniettati di sangue e dietro la potenza delle mani che impugnano le armi, traspare il vero significato: qui si svela che tutta questa forza rabbiosa è diretta verso il male, verso le nostre imperfezioni, verso gli spiriti maligni. C'è un senso di trionfo della luce e della verità sugli orrori transitori della morte e della sofferenza.

Video:

Anno di fabbricazione: 2004
Genere: documentario
Emesso da: Russia, OOO "Prana-M"
Regia: Galina Kubareva
Qualità: DVD-Rip
Video: DivX, 1497 Kbps, 720x406
Audio: MP3, 2 canali, 128 kbps
Durata: 00:47:41
Formato: avi
Dimensione:700 MB

Informazioni sul film: Il film esplora l'arte tibetana di fare offerte sotto forma di torma e sculture di burro. Il burro ottenuto dal latte di una femmina di yak (dri) è forse il materiale più insolito per creare sculture. Questo è uno dei pochi prodotti disponibili in abbondanza per gli abitanti del Paese delle Nevi. Il clima rigido degli altopiani del Tibet ha insegnato ai tibetani a creare capolavori artificiali da materiali di scarto.

L'arte della scultura ad olio è molto delicata e richiede un'incredibile perseveranza e pazienza, qualità a volte disponibili solo ai monaci tibetani. Nell'acqua ghiacciata, dall'olio di diversi colori, modellano gli elementi delle loro magiche sculture. Quindi combinandoli in un unico insieme, i maestri della scultura ad olio ricreano mandala sorprendentemente belli, scene di sacre scritture, immagini di divinità e insegnanti buddisti. Tutto questo è offerto agli esseri illuminati. L'olio viene tinto in vari colori utilizzando coloranti naturali, costituiti da minerali in polvere.

• Il mandala di sabbia della Ruota del Tempo. Barry Bryant

  Il libro contiene una descrizione dettagliata della preparazione del rituale Kalachakra, compresi i segni precisi per disegnare il mandala Kalachakra. La descrizione è accompagnata da un gran numero di immagini. Contiene una descrizione dettagliata dei rituali di preparazione prima di un'iniziazione e le misure esatte per tracciare i contorni del mandala Kalachakra.

• Murales tibetani (affreschi tibetani). Chen Dan

  Il libro parla degli affreschi tibetani che decorano le pareti di tutti i monasteri e templi del Tibet. Classifica le tipologie di affreschi, le principali scuole, parla del processo di realizzazione degli affreschi e dei problemi di conservazione e restauro. È costituito dalle seguenti sezioni: affreschi dell'antico stato di Guge, Monastero Shalu, Monastero Dratang, Monastero Palkor Chode, Palazzo Potala e altri monasteri. Il valore principale del libro sono le illustrazioni in esso contenute.

• Pittura Thangka tibetana. Metodi e materiali. David P. e Janice A. Jackson

  Questo libro presenta, passo dopo passo, le tecniche utilizzate per realizzare un thangka, dalla preparazione della tela all'applicazione finale delle sillabe sacre dietro ogni figura completata.

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Pittura buddista GRAZIE

Pittura cinese del Buddismo Chan

Il Buddismo Chan apparve in Cina nel VI secolo d.C. Secondo la leggenda, il fondatore della scuola buddista Chan è Bodhidharma, un famoso buddista indiano che divenne il primo patriarca del buddismo Chan in Cina. Fu ricevuto dall'imperatore Wu, un adepto del buddismo, famoso per la costruzione di monasteri, le traduzioni delle scritture buddiste e la conversione di molti uomini e donne a monaci. In epoca Sung apparvero artisti: i buddisti Chan. Il loro lavoro è anche profondamente connesso con l'immagine della natura e dell'uomo in essa.

Nasce la pittura, creata dagli artisti Chan e che può essere chiamata “pittura Chan”.

Otto nobili monaci. (frammento)

Gli artisti hanno aderito allo stile Se-yi, che è caratterizzato da tratti semplici e ampi; valorizza le immagini simboliche e sensuali, i voli di fantasia, nonostante l'apparente disattenzione
(seconda metà del XII secolo - inizio del XIII secolo) Monaco buddista Chan.
Liang Kai è uno dei classici del “pennello lapidario”.
Vedeva nell'arte un modo per catturare e catturare ciò che è più unico nella sua libertà e si apre all'occhio della mente nel momento dell'illuminazione. Il Buddismo Chan ha cercato la via verso la verità attraverso la contemplazione, che promuove l'intuizione spirituale quando una persona si fonde con il mondo che la circonda. Attraverso lo sforzo dello spirito comprende la sua unità con il mondo.

I paesaggi dei buddisti Chan sono solitamente dipinti con un inchiostro in modo libero, quando tutte le forme sono caratterizzate da una certa elusività, ma il suggerimento e l'eufemismo dei maestri Chan contribuiscono alla loro accresciuta emotività. Nella forma più concentrata, i pittori trasmettono i loro sentimenti in una forma coraggiosamente generalizzata, espressi coraggiosamente e liberamente.”

Usando come esempio il dipinto di Liang Kai "Il poeta che cammina su una riva paludosa", vediamo un'immagine reale di Chan, che riflette la convinzione di Chan secondo cui la comprensione profonda nasce spontaneamente, come se fosse appena arrivata dallo spazio. Il "Vuoto" è presente nello spazio, nel fiume e nella parte centrale della montagna. La spontaneità è evidente nel metodo della pennellata di Liang Kai. Questa spontaneità del lavoro del maestro aumenta l’emotività del dipinto. La “sfrenatezza” delle pennellate è esaltata dalla trasparenza delle forme della terra. Se tutto fosse chiaramente definito nell'immagine, non ci sarebbe eccitazione e illuminazione che la permeano. Questo paesaggio riflette la mente dell'artista al momento dell'ispirazione.

Mu Qi dipinse anche paesaggi.

Scimmia con bambino. MuQi

Xia Gui (1195-1224) è stato un paesaggista cinese della dinastia Song. Il suo stile è caratterizzato da una composizione in cui solo una piccola parte del paesaggio è visibile, mentre il resto è nascosto nella nebbia. Oltre alla sua innovazione nella composizione, le sue pennellate erano ricche e varie. Poche delle sue opere sono sopravvissute. Tuttavia, è considerato uno dei più grandi artisti cinesi.

Quest'opera, "Vista della cascata" (观瀑图), raffigura un angolo del Monte Xi. Tre viaggiatori si siedono in un padiglione e discutono di una cascata sulla parte concava della montagna alla loro destra. Nuvole e nebbia nascondono la parte principale della montagna, si vede solo la linea della vetta. Di fronte al Padiglione del Pino è ormeggiata a riva una piccola barca con tendalino. Particolarmente luminosi sono la sponda semivisibile del fiume e i cespugli a sinistra del padiglione. Non solo espandono lo spazio di lavoro, ma si adattano anche alla collina sovrastante. Il paesaggio evoca una speciale sensazione di integrità e libertà spirituale.

Abitazione del pescatore dopo la pioggia

Xia Gui Vista in lontananza
Durante l'era Yuan Chan, la filosofia divenne popolare tra i cinesi istruiti. Un dipinto Chan, un aiuto visivo per la meditazione, raffigurava paesaggi, piante o santi Chan. Gli scrittori hanno fatto rivivere la vecchia idea: la pittura come verso senza parole e la poesia come pittura senza immagini.

A causa dei toni pallidi adottati da questi artisti nel tentativo di rappresentare l'insignificanza di tutte le cose, il loro stile divenne noto come "Ghost Painting". Questo può essere visto nel dipinto di Qian Xuan, il cui lavoro dolorosamente lirico utilizza una tavolozza di colori progettata per evocare tristezza.

Un aderente al Buddismo Chan fu l'artista e teorico della pittura Dong Qichang (1555-1636); credeva nella trasmigrazione delle anime, credendo che in ogni artista, nonostante la sua apparente indipendenza, viva lo spirito di qualche artista del passato. Tuttavia, anche Mi Fei e Zhao Mengfu la pensavano allo stesso modo. Anche la teoria estetica che lo rese famoso, esposta nel suo trattato “L'essenza della pittura”, fu costruita in stretta connessione con Chan. Dong Qichang colloca in esso il “dipinto degli studiosi” wenrenhua, originario di Wang Wei, al di sopra della pittura di corte accademica. Considera la “pittura scientifica” come una delle pratiche spirituali buddiste, un metodo di formazione che promuove l'armonizzazione personale e la longevità.

Nel periodo post-Domenica la Scuola Meridionale si espanse, trovando sempre nuovi sostenitori, mentre la Scuola Nord andò progressivamente decadendo. La scuola meridionale raggiunse il suo apice verso la fine della dinastia Ming, quando, cercando di evitare conflitti politici a corte, molti studiosi preferirono la clausura piuttosto che il servizio, trovando nel Chan il necessario conforto spirituale. Influenzati da questi sviluppi, Dong Qichang, Mo Shilong e Chen Jiru usarono la teoria e i principi Chan per studiare lo sviluppo storico degli stili artistici. Nel tentativo di collegare insieme la storia spirituale del Chan e la storia della pittura, Dong Qichang concluse che si svilupparono parallelamente e dallo stesso punto di partenza: la dinastia Tang (618-907).

Dimore ombreggiate tra montagne e ruscelli. Metropolitan Museum of Art, New York. Il paesaggio è basato sul lavoro dell'artista del X secolo Dong Yuan" width="288″ Height="598″ /> Dong Qichang. Dimore ombreggiate tra montagne e ruscelli. Metropolitan Museum of Art, New York. Il paesaggio è basato sul lavoro dell'artista Dong Yuan del X secolo

Si ritiene che le prime immagini del Buddha siano state create durante la sua vita. La pittura occupa un posto speciale nell'arte tibetana. I maestri dell'arte tibetana hanno affinato nel corso dei secoli le loro tecniche artistiche, raggiungendone l'alto significato estetico.

Come base per la pittura, veniva tradizionalmente utilizzato il tessuto di cotone, che veniva primerizzato con una speciale miscela di colla e gesso e quindi lucidato. L'artista voleva che la superficie fosse liscia, resistente, elastica e trattenesse bene lo strato di vernice. Ciò che era particolarmente importante, perché... i dipinti (thangka) dovevano essere abbastanza flessibili da poter essere arrotolati e portati con sé, come facevano i monaci erranti. Gli artisti usavano vernici contenenti sostanze minerali e organiche per dipingere i thangka. Inoltre, particelle di terra e acqua raccolte nei luoghi santi venivano talvolta aggiunte alla composizione pittorica per dipingere ringraziamenti particolarmente importanti. luoghi(è proprio quello che è successo!), oro frantumato, pietre preziose. Quando hanno lavorato al dipinto, gli artisti hanno utilizzato le descrizioni dei personaggi del pantheon buddista contenute nei testi tantrici, come Kalachakra, Samvaradaya, Krishnayamari e altri, nonché nei loro commenti. Inoltre gli artisti hanno utilizzato griglie grafiche e disegni. Il canone ha determinato non solo la trama del thangka, la sua composizione e combinazione di colori, ma anche l'intero processo creativo.

Allo stesso tempo, la formula tradizionale del canone non dominava la coscienza dell’artista. Ogni volta, creando una nuova opera, il maestro poteva trasmettere il suo esatto interiore visione immagine, la tua comprensione dell'armonia e della bellezza. A seconda dell'appartenenza a una particolare tradizione artistica, per decorare l'immagine, l'artista poteva utilizzare motivi intricati e toni profondi e ricchi, oppure toni trasparenti e paesaggi vicini a quelli reali.

Fonte

Trai Phumkkatha, seguendo le tradizioni buddiste, stabilì varie forme di allegorie nella letteratura tailandese. Il contenuto di questo...

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Teosofia

Teosofia - pubblicazioni selezionate sul tema Teosofia. La Teosofia in senso lato è saggezza religiosa, conoscenza mistica di Dio, che ha avuto origine nei tempi antichi. I teosofi mirano a studiare le religioni del mondo con l'obiettivo di riconciliarle e trovare un unico principio universale di vita. La Teosofia come sistema religioso si formò nei secoli XVI-XVIII e divenne meglio conosciuta attraverso le opere di H. P. Blavatsky.

La pittura buddista è direttamente correlata al Buddha e ai suoi insegnamenti; si ritiene che le prime immagini di Buddha siano state create durante la sua vita. Le prime immagini del Buddha sopravvivono solo sotto forma di sculture in pietra.

L'origine della pittura su tela nel Buddismo, quella che viene chiamata thangka, si manifestò pienamente in Tibet nello stesso periodo in cui il Buddismo arrivò lì nel settimo secolo.

Alcuni esempi unici di dipinti tibetani in buone condizioni possono essere visti oggi nei musei di tutto il mondo, in particolare a Londra e New York. È ancora possibile acquistare vecchi dipinti antichi del Tibet o del Nepal del XVIII e XIX secolo, ma praticamente non ce ne sono di più antichi.

Nel buddismo tibetano, la pittura occupa uno dei posti più importanti, più o meno come la pittura di icone nel cristianesimo ortodosso. La pittura buddista raffigura non solo Buddha, Bodhisattva, Dharmapala, Lama e Yogi.

Ogni regione dell'Asia centrale, dove la pittura buddista è prevalentemente diffusa, ha le proprie caratteristiche, il proprio stile, nonostante il canone generale. In Mongolia, ad esempio, le immagini hanno un sapore molto nazionale; c’è poco spazio per i dettagli; in Tibet, al contrario, gli artigiani prestano grande attenzione ai dettagli. La pittura tibetana è più contrastante, a differenza di quella nepalese, dove spesso predominano i colori pastello.