Messaggio di citazione I dipinti più famosi e significativi del mondo per la storia dell'arte. | 33 capolavori della pittura mondiale.
Sotto i quadri con gli artisti a cui appartengono ci sono i link ai post.
I dipinti immortali di grandi artisti sono ammirati da milioni di persone. L'arte, classica e moderna, costituisce una delle principali fonti di ispirazione, gusto e formazione culturale di ogni persona, ancor più creativa.
Ci sono sicuramente più di 33 dipinti di fama mondiale. Ce ne sono diverse centinaia e non entrerebbero tutti in una recensione. Pertanto, per comodità di visione, abbiamo selezionato diversi dipinti più significativi per la cultura mondiale e spesso copiati nella pubblicità. Ogni opera è accompagnata da una curiosità, dalla spiegazione del significato artistico o dalla storia della sua creazione.
Conservato nella Galleria degli Antichi Maestri di Dresda.
L'immagine ha un piccolo segreto: lo sfondo, che da lontano sembra nuvole, a un esame più attento si rivelano le teste degli angeli. E i due angeli raffigurati nella foto qui sotto sono diventati il motivo di numerose cartoline e poster.
Rembrandt "La ronda di notte" 1642
Conservato nel Rijksmuseum di Amsterdam.
Il vero nome del dipinto di Rembrandt è "L'esibizione della compagnia di fucilieri del capitano Frans Banning Cock e del tenente Willem van Ruytenburg". I critici d'arte che scoprirono il dipinto nel XIX secolo pensarono che le figure si trovassero su uno sfondo scuro e lo chiamarono "Ronda di notte". Successivamente si è scoperto che uno strato di fuliggine rende l'immagine scura e l'azione si svolge effettivamente durante il giorno. Tuttavia, l'immagine è già entrata nel tesoro dell'arte mondiale con il nome "Night Watch".
Leonardo da Vinci "L'Ultima Cena" 1495-1498
Situato nel monastero di Santa Maria delle Grazie a Milano.
Nel corso degli oltre 500 anni di storia dell'esistenza dell'opera, l'affresco fu più volte distrutto: attraverso il dipinto fu realizzato un portale, quindi fu posato un portale, fu utilizzato il refettorio del monastero, dove si trova l'immagine come un'armeria, una prigione e bombardata. Il famoso affresco è stato restaurato almeno cinque volte, l'ultimo restauro è durato 21 anni. Oggi, per vedere l'opera d'arte, i visitatori devono prenotare i biglietti in anticipo e possono trascorrere solo 15 minuti nel refettorio.
Salvador Dalì "La persistenza della memoria" 1931
Secondo l'autore stesso, il quadro è stato dipinto a seguito di associazioni sorte a Dalì alla vista del formaggio fuso. Di ritorno dal cinema, dove era andata quella sera, Gala predisse abbastanza correttamente che nessuno che avesse visto "La persistenza della memoria" una volta lo avrebbe dimenticato.
Pieter Bruegel il Vecchio La Torre di Babele 1563
Conservato al Kunsthistorisches Museum di Vienna.
Secondo Brueghel, il fallimento della costruzione della Torre di Babele non fu dovuto alle barriere linguistiche sorte all'improvviso secondo il racconto biblico, ma a errori commessi durante il processo di costruzione. A prima vista, l'enorme edificio sembra abbastanza solido, ma dopo un esame più attento, è chiaro che tutti i livelli sono disposti in modo non uniforme, i piani inferiori non sono finiti o stanno già crollando, l'edificio stesso è inclinato verso la città e le prospettive per l'intero progetto sono molto tristi.
Kazimir Malevich "Quadrato nero" 1915
Secondo l'artista, ha dipinto il quadro per diversi mesi. Successivamente, Malevich realizzò diverse copie del "Quadrato Nero" (secondo alcune fonti, sette). Secondo una versione, l'artista non è riuscito a completare il lavoro sul dipinto in tempo, quindi ha dovuto coprire l'opera con vernice nera. Successivamente, dopo il riconoscimento del pubblico, Malevich dipinse nuovi "Quadrati neri" già su tele bianche. Malevich dipinse anche i dipinti "Piazza Rossa" (due copie) e uno "Piazza Bianca".
Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin "Il bagno del cavallo rosso" 1912
Situato nella Galleria Statale Tretyakov a Mosca.
Dipinto nel 1912, il quadro si rivelò visionario. Il cavallo rosso funge da Destino della Russia o della Russia stessa, che il fragile e giovane cavaliere non è in grado di sostenere. così l’artista ha simbolicamente predetto con la sua pittura il destino “rosso” della Russia nel XX secolo.
Peter Paul Rubens "Il ratto delle figlie di Leucippo" 1617-1618
Conservato nella Alte Pinakothek di Monaco.
Il dipinto "Il rapimento delle figlie di Leucippo" è considerato la personificazione della passione coraggiosa e della bellezza corporea. Le braccia forti e muscolose dei giovani sollevano giovani donne nude per metterle a cavallo. I figli di Zeus e Leda rubano le spose dei loro cugini.
Paul Gauguin "Da dove veniamo? Chi siamo noi? Dove stiamo andando?" 1898
Conservato al Museum of Fine Arts di Boston.
Secondo le indicazioni dello stesso Gauguin, l'immagine dovrebbe essere letta da destra a sinistra: i tre gruppi principali di figure illustrano le domande poste nel titolo. Tre donne con un bambino rappresentano l'inizio della vita; il gruppo centrale simboleggia l'esistenza quotidiana della maturità; nel gruppo finale, secondo l'artista, "una vecchia avvicinata alla morte sembra riconciliata e abbandonata ai suoi pensieri", ai suoi piedi "uno strano uccello bianco... rappresenta l'inutilità delle parole".
Eugene Delacroix “La libertà che guida il popolo” 1830
Conservato al Louvre di Parigi
Delacroix creò un dipinto basato sulla Rivoluzione di luglio del 1830 in Francia. In una lettera al fratello del 12 ottobre 1830, Delacroix scrive: "Se non ho combattuto per la Patria, almeno scriverò per lei". Il petto nudo di una donna che guida il popolo simboleggia la dedizione del popolo francese di quel tempo, che a “petto nudo” andava al nemico.
Impressione di Claude Monet. Sole nascente" 1872
Conservato al Musée Marmottan di Parigi.
Il nome dell'opera "Impression, soleil levant" con la mano leggera del giornalista L. Leroy è diventato il nome della direzione artistica "Impressionismo". Il dipinto è stato dipinto dalla natura nel vecchio porto di Le Havre in Francia.
Jan Vermeer "La ragazza con l'orecchino di perla" 1665
Conservato nella Galleria Mauritshuis dell'Aia.
Uno dei dipinti più famosi dell'artista olandese Jan Vermeer viene spesso definito la Gioconda settentrionale o olandese. Del dipinto si sa molto poco: non è datato, non si conosce il nome della ragazza raffigurata. Nel 2003, basato sull'omonimo romanzo di Tracey Chevalier, è stato girato il lungometraggio "La ragazza con l'orecchino di perla", in cui la storia della creazione della tela viene ipoteticamente restaurata nel contesto della biografia e della vita familiare di Vermeer .
Ivan Aivazovsky "La nona onda" 1850
Conservato a San Pietroburgo nel Museo statale russo.
Ivan Aivazovsky è un pittore marino russo di fama mondiale che ha dedicato la sua vita alla rappresentazione del mare. Ha creato circa seimila opere, ognuna delle quali ha ricevuto riconoscimenti durante la vita dell'artista. Il dipinto "La Nona Onda" è incluso nel libro "100 Grandi Dipinti".
Andrei Rublev "Trinità" 1425-1427
L'icona della Santissima Trinità, dipinta da Andrei Rublev nel XV secolo, è una delle icone russe più famose. L'icona è una tavola in formato verticale. Gli zar (Ivan il Terribile, Boris Godunov, Mikhail Fedorovich) “racchiusero” l'icona con oro, argento e pietre preziose. Oggi lo stipendio è conservato nella Riserva-Museo statale di Sergiev Posad.
Mikhail Vrubel "Demone seduto" 1890
Conservato nella Galleria Tretyakov a Mosca.
La trama dell'immagine è ispirata alla poesia di Lermontov "Il demone". Il demone è un'immagine della forza dello spirito umano, della lotta interna, dei dubbi. Stringendo tragicamente le mani, il Demone siede con gli occhi tristi ed enormi rivolti in lontananza, circondato da fiori senza precedenti.
William Blake "Il grande architetto" 1794
Conservato nel British Museum di Londra.
Il nome del dipinto "L'Antico dei Giorni" si traduce letteralmente dall'inglese come "L'Antico dei Giorni". Questa frase era usata come nome di Dio. Il personaggio principale del quadro è Dio nel momento della creazione, che non stabilisce l'ordine, ma limita la libertà e segna i limiti dell'immaginazione.
Edouard Manet "Il bar delle Folies Bergère" 1882
Conservato al Courtauld Institute of Art di Londra.
Le Folies Bergère è uno spettacolo di varietà e cabaret a Parigi. Manet frequentò le Folies Bergère e finì per dipingere questo dipinto, l'ultimo prima della sua morte nel 1883. Dietro il bancone, in mezzo a una folla che beve, mangia, parla e fuma, una barista è assorta nei suoi pensieri, osservando un acrobata del trapezio, che può essere visto nell'angolo in alto a sinistra della foto.
Tiziano "Amore terreno e amore celeste" 1515-1516
Conservato nella Galleria Borghese a Roma.
È interessante notare che il nome moderno del dipinto non è stato dato dall'artista stesso, ma ha iniziato ad essere utilizzato solo due secoli dopo. Fino ad allora il dipinto aveva vari titoli: "Bellezza abbellita e disadorna" (1613), "Tre tipi di amore" (1650), "Donne divine e mondane" (1700) e, infine, "Amore terreno e Amore celeste» (1792 e 1833).
Mikhail Nesterov "Visione al giovane Bartolomeo" 1889-1890
Conservato nella Galleria Statale Tretyakov di Mosca.
La prima e più significativa opera del ciclo dedicato a Sergio di Radonež. Fino alla fine dei suoi giorni, l’artista era convinto che “La visione del giovane Bartolomeo” fosse la sua opera migliore. Nella sua vecchiaia, l'artista amava ripetere: “Non vivrò. Il "Giovane Bartolomeo" vivrà. Ora, se trenta, cinquant'anni dopo la mia morte dirà ancora qualcosa alla gente, allora è vivo, allora sono vivo anch'io.
Pieter Brueghel il Vecchio “La parabola dei ciechi” 1568
Conservato nel Museo di Capodimonte a Napoli.
Altri nomi del dipinto sono “Il cieco”, “Parabola del cieco”, “Il cieco che guida il cieco”. Si ritiene che la trama dell'immagine sia basata sulla parabola biblica dei ciechi: "Se il cieco guida il cieco, allora entrambi cadranno nella fossa".
Viktor Vasnetsov "Alyonushka" 1881
Conservato nella Galleria Statale Tretyakov.
Come base viene presa la fiaba "Sulla sorella Alyonushka e sul fratello Ivanushka". Inizialmente, il dipinto di Vasnetsov si chiamava "Fool Alyonushka". A quel tempo gli orfani venivano chiamati “folli”. “Alyonushka”, disse in seguito l'artista stesso, “come se vivesse nella mia testa da molto tempo, ma in realtà l'ho vista ad Akhtyrka quando ho incontrato una ragazza dai capelli semplici che ha colpito la mia immaginazione. C'era così tanto desiderio, solitudine e tristezza puramente russa nei suoi occhi ... Una sorta di speciale spirito russo emanava da lei.
Vincent van Gogh Notte stellata 1889
Conservato al Museum of Modern Art di New York.
A differenza della maggior parte dei dipinti dell'artista, Notte stellata è stata dipinta a memoria. Van Gogh era a quel tempo ricoverato all'ospedale Saint-Remy, tormentato da attacchi di follia.
Karl Bryullov "L'ultimo giorno di Pompei" 1830-1833
Conservato nel Museo statale russo di San Pietroburgo.
Il dipinto raffigura la famosa eruzione del Vesuvio del 79 d.C. e. e la distruzione della città di Pompei vicino a Napoli. L'immagine dell'artista nell'angolo sinistro dell'immagine è un autoritratto dell'autore.
Pablo Picasso "Ragazza con la palla" 1905
Conservato nel Museo Pushkin, Mosca
Il dipinto finì in Russia grazie all'industriale Ivan Abramovich Morozov, che lo acquistò nel 1913 per 16.000 franchi. Nel 1918 la collezione personale di I. A. Morozov fu nazionalizzata. Attualmente il dipinto è nella collezione del Museo statale di belle arti intitolato ad A.S. Puškin.
Leonardo da Vinci Madonna Litta 1491
Conservato nell'Ermitage di San Pietroburgo.
Il titolo originale del dipinto è Madonna col Bambino. Il nome moderno del dipinto deriva dal nome del suo proprietario, il conte Litta, proprietario di una galleria d'arte di famiglia a Milano. Si presume che la figura del bambino non sia stata dipinta da Leonardo da Vinci, ma appartenga al pennello di uno dei suoi studenti. Ciò è evidenziato dalla posa del bambino, insolita per i modi dell'autore.
Jean Ingres "Bagni turchi" 1862
Conservato al Louvre di Parigi.
Ingres finì di dipingere questo quadro quando aveva già più di 80 anni. Con questa immagine l'artista riassume un risultato peculiare dell'immagine dei bagnanti, i cui temi sono presenti da tempo nella sua opera. Inizialmente, la tela aveva la forma di un quadrato, ma un anno dopo il suo completamento, l'artista la trasformò in un'immagine rotonda: un tondo.
Ivan Shishkin, Konstantin Savitsky "Mattina in una pineta" 1889
Conservato nella Galleria Tretyakov a Mosca
"Morning in a Pine Forest" è un dipinto degli artisti russi Ivan Shishkin e Konstantin Savitsky. Savitsky dipinse orsi, ma il collezionista Pavel Tretyakov, quando acquistò il dipinto, cancellò la sua firma, quindi ora solo Shishkin è indicato come autore del dipinto.
Mikhail Vrubel "La principessa del cigno" 1900
Conservato nella Galleria Statale Tretyakov
L'immagine è stata dipinta sulla base dell'immagine scenica dell'eroina dell'opera "La storia dello zar Saltan" di N. A. Rimsky-Korsakov basata sulla trama della fiaba omonima di A. S. Pushkin. Vrubel creò schizzi per scene e costumi per la prima dell'opera nel 1900 e sua moglie cantò la parte della Principessa del cigno.
Giuseppe Arcimboldo "Ritratto dell'imperatore Rodolfo II come Vertumn" 1590
Situato nel castello di Skokloster a Stoccolma.
Una delle poche opere sopravvissute dell'artista, che ha realizzato ritratti di frutta, verdura, fiori, crostacei, pesci, perle, strumenti musicali e di altro tipo, libri e così via. "Vertumnus" è il ritratto dell'imperatore, rappresentato come l'antico dio romano delle stagioni, della vegetazione e della trasformazione. Nella foto Rudolph è composto interamente da frutta, fiori e verdura.
Edgar Degas Ballerine blu 1897
Situato nel Museo d'Arte. A. S. Pushkin a Mosca.
La Gioconda forse non avrebbe guadagnato fama mondiale se non fosse stata rubata nel 1911 da un impiegato del Louvre. Il dipinto fu ritrovato due anni dopo in Italia: il ladro rispose a un annuncio su un giornale e si offrì di vendere la Gioconda al direttore della Galleria degli Uffizi. Per tutto questo tempo, mentre le indagini erano in corso, la Gioconda non lasciò le copertine di giornali e riviste di tutto il mondo, diventando oggetto di copia e adorazione. Sandro Botticelli "La nascita di Venere" 1486
Conservato a Firenze presso la Galleria degli Uffizi
Il dipinto illustra il mito della nascita di Afrodite. La dea nuda galleggia verso la riva in una conchiglia aperta, spinta dal vento. Sul lato sinistro del quadro, Zefiro (il vento dell'ovest), tra le braccia della moglie Clorida, soffia su una conchiglia, creando un vento carico di fiori. Sulla riva, la dea incontra una delle grazie. La Nascita di Venere è ben conservata grazie al fatto che Botticelli applicò al dipinto uno strato protettivo di tuorlo d'uovo.
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Parte 21 -
Parte 22 -
Parte 23 -
In quasi ogni opera d'arte significativa c'è un mistero, un doppio fondo o una storia segreta che vuoi scoprire.
Musica sui glutei
Hieronymus Bosch, Il giardino delle delizie, 1500-1510.
Frammento di trittico
Le controversie sui significati e sui significati nascosti dell'opera più famosa dell'artista olandese non si sono placate sin dalla sua apparizione. Nell'ala destra del trittico denominato “Inferno musicale” sono raffigurati i peccatori che vengono torturati negli inferi con l'ausilio di strumenti musicali. Uno di loro ha dei biglietti impressi sulle natiche. Amelia Hamrick, studentessa dell'Oklahoma Christian University, che ha studiato il dipinto, ha trasposto la notazione del XVI secolo in una svolta moderna e ha registrato "una canzone infernale di 500 anni fa".
Monna Lisa nuda
La famosa "Gioconda" esiste in due versioni: la versione nuda si chiama "Monna Vanna", fu dipinta dal poco conosciuto artista Salai, che fu allievo e modello del grande Leonardo da Vinci. Molti critici d'arte sono sicuri che sia stato lui il modello per i dipinti di Leonardo "Giovanni Battista" e "Bacco". Ci sono anche versioni in cui vestita con abiti da donna, Salai fungeva da immagine della stessa Monna Lisa.
Vecchio Pescatore
Nel 1902, l'artista ungherese Tivadar Kostka Chontvari dipinse il dipinto "Il vecchio pescatore". Sembrerebbe che non ci sia nulla di insolito nell'immagine, ma Tivadar vi ha inserito un sottotesto, che non è mai stato rivelato durante la vita dell'artista.
Poche persone hanno pensato di mettere uno specchio al centro dell'immagine. In ogni persona può esserci sia Dio (la spalla destra del Vecchio è duplicata) sia il Diavolo (la spalla sinistra del Vecchio è duplicata).
C'era una balena?
Hendrik van Antonissen "Scena sulla riva".
Sembrava un paesaggio ordinario. Barche, persone sulla riva e il mare deserto. E solo uno studio a raggi X ha mostrato che le persone si sono radunate sulla riva per un motivo: nell'originale hanno esaminato la carcassa di una balena portata a riva.
Tuttavia, l'artista ha deciso che nessuno avrebbe voluto guardare una balena morta e ha ridipinto il dipinto.
Due “Colazioni sull’erba”
Edouard Manet, Colazione sull'erba, 1863.
Claude Monet, Colazione sull'erba, 1865.
Gli artisti Edouard Manet e Claude Monet a volte sono confusi: dopotutto erano entrambi francesi, vivevano allo stesso tempo e lavoravano nello stile dell'impressionismo. Anche il nome di uno dei dipinti più famosi di Manet, "Colazione sull'erba", Monet prese in prestito e scrisse la sua "Colazione sull'erba".
Gemelli all'Ultima Cena
Leonardo da Vinci, L'Ultima Cena, 1495-1498.
Quando Leonardo da Vinci scrisse L'Ultima Cena, attribuì particolare importanza a due figure: Cristo e Giuda. Stava cercando delle baby sitter per loro da molto tempo. Alla fine riuscì a trovare un modello per l'immagine di Cristo tra i giovani cantanti. Leonardo non riuscì a trovare una baby-sitter per Giuda per tre anni. Ma un giorno incontrò un ubriacone che giaceva nel canale di scolo della strada. Era un giovane invecchiato a causa del bere eccessivo. Leonardo lo invitò in un'osteria, dove iniziò subito a scrivere a Giuda da lui. Quando l'ubriacone tornò in sé, disse all'artista che aveva già posato per lui una volta. È stato qualche anno fa, quando cantava nel coro della chiesa, Leonardo scrisse Cristo da lui.
"Ronda di notte" o "Ronda di giorno"?
Rembrandt, La ronda di notte, 1642.
Uno dei dipinti più famosi di Rembrandt, "L'esibizione della compagnia di fucilieri del capitano Frans Banning Cock e del tenente Willem van Ruytenbürg", è stato appeso in diverse sale per circa duecento anni ed è stato scoperto dagli storici dell'arte solo nel XIX secolo. Poiché le figure sembravano risaltare su uno sfondo scuro, fu chiamata Night Watch e con questo nome entrò nel tesoro dell'arte mondiale.
E solo durante il restauro, effettuato nel 1947, si scoprì che nell'atrio il quadro era riuscito a ricoprirsi di uno strato di fuliggine, che ne distorceva il colore. Dopo aver ripulito il dipinto originale, è stato finalmente rivelato che la scena presentata da Rembrandt si svolge effettivamente durante il giorno. La posizione dell'ombra della mano sinistra del Capitano Kok mostra che la durata dell'azione non supera le 14 ore.
barca capovolta
Henri Matisse, "La barca", 1937.
Nel Museum of Modern Art di New York nel 1961 fu esposto il dipinto di Henri Matisse "La barca". Solo dopo 47 giorni qualcuno si accorse che il dipinto era appeso a testa in giù. La tela raffigura 10 linee viola e due vele blu su sfondo bianco. L'artista ha dipinto due vele per un motivo, la seconda vela è un riflesso della prima sulla superficie dell'acqua.
Per non sbagliare su come dovrebbe essere appesa l'immagine, è necessario prestare attenzione ai dettagli. La vela più grande dovrebbe trovarsi nella parte superiore del dipinto e la punta della vela dovrebbe essere diretta verso l'angolo in alto a destra.
L'inganno in un autoritratto
Vincent van Gogh, Autoritratto con la pipa, 1889.
Ci sono leggende secondo cui Van Gogh si sarebbe tagliato l'orecchio. Ora la versione più affidabile è che l'orecchio di Van Gogh è stato danneggiato in una piccola colluttazione con la partecipazione di un altro artista, Paul Gauguin.
L'autoritratto è interessante perché riflette la realtà in una forma distorta: l'artista è raffigurato con l'orecchio destro bendato, perché lavorava utilizzando uno specchio. In effetti, l'orecchio sinistro era danneggiato.
orsi alieni
Ivan Shishkin, "Mattina nella pineta", 1889.
Il famoso dipinto appartiene non solo al pennello di Shishkin. Molti artisti che erano amici tra loro spesso ricorrevano "all'aiuto di un amico" e Ivan Ivanovich, che aveva dipinto paesaggi per tutta la vita, aveva paura che toccare gli orsi non sarebbe andato come aveva bisogno. Pertanto, Shishkin si è rivolto al familiare pittore di animali Konstantin Savitsky.
Savitsky dipinse forse i migliori orsi nella storia della pittura russa, e Tretyakov ordinò che il suo nome fosse cancellato dalla tela, poiché tutto nel dipinto “a partire dall'idea e finendo con l'esecuzione, tutto parla del modo di dipingere, di il metodo creativo peculiare di Shishkin.”
Storia innocente "Gotica"
Grant Wood, “Gotico americano”, 1930.
L'opera di Grant Wood è considerata una delle più strane e deprimenti della storia della pittura americana. L’immagine con un padre e una figlia cupi è piena di dettagli che indicano la severità, il puritanesimo e la retrogradità delle persone raffigurate.
L'artista, infatti, non intendeva raffigurare alcun orrore: durante un viaggio in Iowa, notò una casetta in stile gotico e decise di raffigurare quelle persone che, a suo avviso, sarebbero ideali come abitanti. La sorella di Grant e il suo dentista sono immortalati sotto forma di personaggi da cui la gente dell'Iowa era così offesa.
Vendetta di Salvador Dalì
Il dipinto "Figura alla finestra" fu dipinto nel 1925, quando Dalì aveva 21 anni. Quindi Gala non era ancora entrato nella vita dell'artista e sua sorella Ana Maria era la sua musa ispiratrice. Il rapporto tra fratello e sorella si deteriorò quando su uno dei dipinti scrisse "a volte sputo sul ritratto di mia madre, e questo mi fa piacere". Ana Maria non poteva perdonare un simile shock.
Nel suo libro Salvador Dalì attraverso gli occhi di una sorella del 1949, scrive di suo fratello senza alcuna lode. Il libro fece infuriare El Salvador. Per altri dieci anni, la ricordò con rabbia in ogni occasione. E così, nel 1954, appare il dipinto "Una giovane vergine che indulge al peccato di sodomia con l'aiuto delle corna della propria castità". La posa della donna, i suoi riccioli, il paesaggio fuori dalla finestra e la combinazione di colori del dipinto riecheggiano chiaramente la Figura alla finestra. Esiste una versione secondo cui Dalì si vendicò di sua sorella per il suo libro.
Danae bifronte
Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Danae, 1636-1647.
Molti segreti di uno dei dipinti più famosi di Rembrandt furono svelati solo negli anni '60 del XX secolo, quando la tela fu illuminata con i raggi X. Ad esempio, le riprese hanno mostrato che nella prima versione il volto della principessa, che iniziò una storia d'amore con Zeus, somigliava al volto di Saskia, la moglie del pittore, morta nel 1642. Nella versione finale del dipinto, cominciò ad assomigliare al volto di Gertier Dirks, l'amante di Rembrandt, con la quale l'artista visse dopo la morte di sua moglie.
La camera gialla di Van Gogh
Vincent van Gogh, "Camera da letto ad Arles", 1888 - 1889.
Nel maggio 1888, Van Gogh acquistò un piccolo laboratorio ad Arles, nel sud della Francia, dove fuggì dagli artisti e dai critici parigini che non lo capivano. In una delle quattro stanze, Vincent allestisce una camera da letto. In ottobre tutto è pronto e decide di dipingere la camera da letto di Van Gogh ad Arles. Per l'artista il colore, la comodità della stanza erano molto importanti: tutto doveva suggerire pensieri di relax. Allo stesso tempo, l'immagine è mantenuta in inquietanti toni gialli.
I ricercatori della creatività di Van Gogh lo spiegano con il fatto che l'artista ha preso la digitale, un rimedio per l'epilessia, che provoca gravi cambiamenti nella percezione del colore del paziente: l'intera realtà circostante è dipinta con toni verde-giallo.
Perfezione senza denti
Leonardo da Vinci, "Ritratto della signora Lisa del Giocondo", 1503 - 1519.
L'opinione generalmente accettata è che Monna Lisa sia la perfezione e il suo sorriso sia bello nella sua misteriosità. Tuttavia, il critico d'arte americano (e dentista part-time) Joseph Borkowski ritiene che, a giudicare dall'espressione del suo viso, l'eroina abbia perso molti denti. Esaminando le fotografie ingrandite del capolavoro, Borkowski trovò anche cicatrici intorno alla sua bocca. "Lei sorride così tanto proprio per quello che le è successo", ritiene l'esperto. "La sua espressione facciale è tipica delle persone che hanno perso i denti anteriori."
Maggiore sul controllo del volto
Pavel Fedotov, Il matrimonio del maggiore, 1848.
Il pubblico, che per primo ha visto il dipinto "Major's Matchmaking", ha riso di cuore: l'artista Fedotov lo ha riempito di dettagli ironici comprensibili agli spettatori di quel tempo. Ad esempio, il maggiore chiaramente non ha familiarità con le regole dell'etichetta nobile: è apparso senza i bouquet adatti per la sposa e sua madre. E la sposa stessa fu dimessa dai suoi genitori mercantili in un abito da ballo da sera, sebbene fosse giorno (tutte le lampade nella stanza erano spente). La ragazza evidentemente ha provato per la prima volta un abito scollato, è imbarazzata e cerca di scappare in camera sua.
Perché la libertà è nuda
Ferdinand Victor Eugene Delacroix, La libertà sulle barricate, 1830.
Secondo lo storico dell'arte Etienne Julie, Delacroix dipinse il volto di una donna della famosa rivoluzionaria parigina: la lavandaia Anna-Charlotte, che andò sulle barricate dopo la morte di suo fratello per mano dei soldati reali e uccise nove guardie. L'artista l'ha raffigurata a torso nudo. Secondo il suo piano, questo è un simbolo di impavidità e altruismo, nonché del trionfo della democrazia: il seno nudo mostra che Svoboda, come un cittadino comune, non indossa un corsetto.
quadrato non quadrato
Kazimir Malevich, Piazza suprematista nera, 1915.
In effetti, il "quadrato nero" non è affatto nero e per niente quadrato: nessuno dei lati del quadrilatero è parallelo a nessuno dei suoi altri lati, e nessuno dei lati della cornice quadrata che incornicia l'immagine. E il colore scuro è il risultato della mescolanza di vari colori, tra i quali non c'era il nero. Si ritiene che questa non sia stata negligenza dell'autore, ma una posizione di principio, il desiderio di creare una forma dinamica e mobile.
Gli specialisti della Galleria Tretyakov hanno scoperto l'iscrizione dell'autore su un famoso dipinto di Malevich. L'iscrizione recita: "Battaglia dei negri in una grotta buia". Questa frase si riferisce al nome del dipinto giocoso del giornalista, scrittore e artista francese Alphonse Allais “La battaglia dei negri in una grotta oscura nel cuore della notte”, che era un rettangolo assolutamente nero.
Melodramma della Monna Lisa austriaca
Gustav Klimt, "Ritratto di Adele Bloch-Bauer", 1907.
Uno dei dipinti più significativi di Klimt raffigura la moglie del magnate dello zucchero austriaco Ferdinand Bloch-Bauer. Tutta Vienna ha discusso della tempestosa storia d'amore tra Adele e il famoso artista. Il marito ferito voleva vendicarsi delle sue amanti, ma ha scelto un modo molto insolito: ha deciso di ordinare un ritratto di Adele a Klimt e costringerlo a realizzare centinaia di schizzi finché l'artista non inizia ad allontanarsi da lei.
Bloch-Bauer voleva che il lavoro durasse diversi anni e il modello poteva vedere come i sentimenti di Klimt svaniscono. Ha fatto un'offerta generosa all'artista, che non ha potuto rifiutare, e tutto è andato secondo lo scenario del marito ingannato: il lavoro è stato completato in 4 anni, gli amanti si erano calmati l'uno verso l'altro da tempo. Adele Bloch-Bauer non ha mai saputo che suo marito fosse a conoscenza della sua relazione con Klimt.
Il dipinto che ha riportato in vita Gauguin
Paul Gauguin, "Da dove veniamo? Chi siamo? Dove andiamo?", 1897-1898.
La tela più famosa di Gauguin ha una caratteristica: viene "letta" non da sinistra a destra, ma da destra a sinistra, come i testi cabalistici a cui l'artista era interessato. È in questo ordine che si svolge l'allegoria della vita spirituale e fisica di una persona: dalla nascita dell'anima (un bambino addormentato nell'angolo in basso a destra) all'inevitabilità dell'ora della morte (un uccello con una lucertola in mezzo i suoi artigli nell'angolo in basso a sinistra).
Il dipinto è stato dipinto da Gauguin a Tahiti, dove l'artista fuggì più volte dalla civiltà. Ma questa volta la vita sull'isola non ha funzionato: la povertà totale lo ha portato alla depressione. Terminata la tela, che sarebbe diventata il suo testamento spirituale, Gauguin prese una scatola di arsenico e si recò in montagna a morire. Tuttavia, non calcolò la dose e il suicidio fallì. La mattina dopo, barcollò verso la sua capanna e si addormentò, e quando si svegliò sentì una sete di vita dimenticata. E nel 1898, i suoi affari andarono in salita e nel suo lavoro iniziò un periodo più luminoso.
112 proverbi in un'unica immagine
Pieter Brueghel il Vecchio, “Proverbi olandesi”, 1559
Pieter Brueghel il Vecchio raffigurò una terra abitata con immagini letterali dei proverbi olandesi di quei tempi. Ci sono circa 112 idiomi riconoscibili nel quadro dipinto. Alcune di esse sono usate ancora oggi, come “nuotare contro corrente”, “sbattere la testa contro il muro”, “armati fino ai denti” e “il pesce grosso mangia quello piccolo”.
Altri proverbi riflettono la stupidità umana.
Soggettività dell'art
Paul Gauguin, Villaggio bretone sotto la neve, 1894
Il dipinto di Gauguin "Villaggio bretone nella neve" fu venduto dopo la morte dell'autore per soli sette franchi e, inoltre, con il nome "Cascate del Niagara". Il banditore ha appeso accidentalmente il dipinto a testa in giù dopo aver visto al suo interno una cascata.
immagine nascosta
Pablo Picasso, La Sala Blu, 1901
Nel 2008, gli infrarossi hanno mostrato che un'altra immagine era nascosta sotto la "Stanza Blu": un ritratto di un uomo vestito con un abito con una farfalla e appoggiato la testa sulla mano. “Non appena Picasso ebbe una nuova idea, prese il pennello e la incarnò. Ma non aveva la possibilità di acquistare una nuova tela ogni volta che la musa lo visitava ", spiega la possibile ragione di ciò, la storica dell'arte Patricia Favero.
Donne marocchine inaccessibili
Zinaida Serebryakova, Nuda, 1928
Un giorno Zinaida Serebryakova ha ricevuto un'offerta allettante: intraprendere un viaggio creativo per ritrarre le figure nude delle fanciulle orientali. Ma si è scoperto che trovare modelli in quei luoghi era semplicemente impossibile. Un interprete di Zinaida è venuto in soccorso: le ha portato le sue sorelle e la sua sposa. Nessuno prima e dopo è stato in grado di catturare nude le donne orientali chiuse.
Intuizione spontanea
Valentin Serov, "Ritratto di Nicola II in giacca", 1900
Per molto tempo Serov non riuscì a dipingere un ritratto del re. Quando l'artista si arrese completamente, si scusò con Nikolai. Nikolai era un po 'turbato, si sedette al tavolo, allungando le mani davanti a sé ... E poi l'artista si rese conto: eccolo qui! Un semplice militare con la giacca da ufficiale con gli occhi chiari e tristi. Questo ritratto è considerato la migliore rappresentazione dell'ultimo imperatore.
Di nuovo diavolo
© Fedor Reshetnikov
Il famoso dipinto "Again deuce" è solo la seconda parte della trilogia artistica.
La prima parte è "Arrivati per le vacanze". Ovviamente una famiglia benestante, vacanze invernali, uno studente allegro e eccellente.
La seconda parte è "Ancora il diavolo". Una famiglia povera della periferia della classe operaia, il culmine dell'anno scolastico, uno storditore noioso che ha preso di nuovo un due. Nell'angolo in alto a sinistra puoi vedere l'immagine "Arrivato per le vacanze".
La terza parte è "Riesame". Casa rurale, estate, tutti camminano, un ignorante malizioso che non ha superato l'esame annuale è costretto a sedersi tra quattro mura e stipare. Nell'angolo in alto a sinistra puoi vedere l'immagine "Again deuce".
Come nascono i capolavori
Joseph Turner, Pioggia, vapore e velocità, 1844
Nel 1842, la signora Simon viaggiò in treno in Inghilterra. All'improvviso iniziò un forte acquazzone. L'anziano signore seduto di fronte a lei si alzò, aprì la finestra, sporse la testa e guardò così per una decina di minuti. Incapace di contenere la curiosità, anche la donna aprì la finestra e guardò avanti. Un anno dopo, in una mostra alla Royal Academy of Arts, scoprì il dipinto “Rain, Steam and Speed” e vi riconobbe proprio l'episodio sul treno.
Lezione di anatomia da Michelangelo
Michelangelo, La Creazione di Adamo, 1511
Una coppia di esperti di neuroanatomia americani ritengono che Michelangelo abbia effettivamente lasciato alcune illustrazioni anatomiche in una delle sue opere più famose. Credono che sul lato destro dell'immagine sia raffigurato un enorme cervello. Sorprendentemente, si possono trovare anche componenti complessi come il cervelletto, i nervi ottici e la ghiandola pituitaria. E l'accattivante nastro verde si adatta perfettamente alla posizione dell'arteria vertebrale.
L'Ultima Cena di Van Gogh
Vincent van Gogh, Terrazza del caffè di notte, 1888
Il ricercatore Jared Baxter ritiene che il Café Terrace at Night di Van Gogh contenga una dedica all'Ultima Cena di Leonardo da Vinci. Al centro dell'immagine c'è un cameriere con i capelli lunghi e una tunica bianca, che ricorda gli abiti di Cristo, e intorno a lui esattamente 12 visitatori del caffè. Baxter attira l'attenzione anche sulla croce, situata direttamente dietro la schiena del cameriere vestito di bianco.
L'immagine della memoria di Dalì
Salvador Dalì, La persistenza della memoria, 1931
Non è un segreto che i pensieri che hanno visitato Dalì durante la creazione dei suoi capolavori fossero sempre sotto forma di immagini molto realistiche, che l'artista ha poi trasferito sulla tela. Quindi, secondo l'autore stesso, il dipinto “La persistenza della memoria” è stato dipinto a seguito di associazioni sorte alla vista del formaggio fuso.
Cosa sta gridando Munch?
Edvard Munch, "L'urlo", 1893.
Munch ha parlato dell'idea di uno dei dipinti più misteriosi della pittura mondiale: "Stavo camminando lungo il sentiero con due amici - il sole stava tramontando - all'improvviso il cielo è diventato rosso sangue, mi sono fermato, sentendomi esausto, e mi sono appoggiato il recinto - ho guardato sangue e fiamme sul fiordo nero-bluastro e sulla città - i miei amici hanno continuato, e io sono rimasto lì, tremando per l'eccitazione, sentendo l'urlo infinito che trafiggeva la natura. Ma quale tramonto potrebbe spaventare così tanto l'artista?
Esiste una versione secondo cui l'idea di "Scream" è nata da Munch nel 1883, quando si verificarono diverse eruzioni più forti del vulcano Krakatoa - così potenti da cambiare la temperatura dell'atmosfera terrestre di un grado. Una copiosa quantità di polvere e cenere si diffuse in tutto il mondo, raggiungendo anche la Norvegia. Per diverse sere di seguito, i tramonti sembravano come se stesse per arrivare l'apocalisse: uno di questi è diventato fonte di ispirazione per l'artista.
Scrittore tra la gente
Alexander Ivanov, "L'apparizione di Cristo al popolo", 1837-1857.
Decine di modelli hanno posato per Alexander Ivanov per la sua foto principale. Uno di questi è conosciuto niente meno che l'artista stesso. Sullo sfondo, tra viaggiatori e cavalieri romani che non hanno ancora ascoltato la predica di Giovanni Battista, si nota un personaggio in tunica marrone. Il suo Ivanov ha scritto con Nikolai Gogol. Lo scrittore ha comunicato da vicino con l'artista in Italia, in particolare su questioni religiose, e gli ha dato consigli nel processo di pittura. Gogol credeva che Ivanov "fosse morto da tempo per il mondo intero, tranne che per il suo lavoro".
La gotta di Michelangelo
Raffaello Santi, La Scuola di Atene, 1511.
Creando il famoso affresco "La Scuola di Atene", Raffaello immortalò i suoi amici e conoscenti nelle immagini degli antichi filosofi greci. Uno di questi era Michelangelo Buonarroti "nei panni" di Eraclito. Per diversi secoli, l'affresco ha custodito i segreti della vita personale di Michelangelo e i ricercatori moderni hanno suggerito che il ginocchio stranamente angoloso dell'artista indica che ha una malattia articolare.
Ciò è abbastanza probabile, date le peculiarità dello stile di vita e delle condizioni di lavoro degli artisti del Rinascimento e il cronico maniaco del lavoro di Michelangelo.
Specchio degli Arnolfini
Jan van Eyck, "Ritratto dei Arnolfini", 1434
Nello specchio dietro gli Arnolfini puoi vedere il riflesso di altre due persone nella stanza. Molto probabilmente, questi sono testimoni presenti alla conclusione del contratto. Uno di questi è van Eyck, come testimonia l'iscrizione latina posta, contrariamente alla tradizione, sopra lo specchio al centro della composizione: "Jan van Eyck era qui". Questo è il modo in cui di solito venivano stipulati i contratti.
Come un difetto si è trasformato in un talento
Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Autoritratto all'età di 63 anni, 1669.
La ricercatrice Margaret Livingston ha studiato tutti gli autoritratti di Rembrandt e ha scoperto che l'artista soffriva di strabismo: nelle immagini i suoi occhi guardano in direzioni diverse, cosa che non si osserva nei ritratti di altre persone del maestro. La malattia ha portato al fatto che l'artista poteva percepire meglio la realtà in due dimensioni rispetto alle persone con una vista normale. Questo fenomeno è chiamato “cecità stereo” – l’incapacità di vedere il mondo in 3D. Ma poiché il pittore deve lavorare con un'immagine bidimensionale, è proprio questo difetto di Rembrandt che potrebbe essere una delle spiegazioni del suo talento fenomenale.
Venere senza peccato
Sandro Botticelli, La nascita di Venere, 1482-1486.
Prima dell’avvento della Nascita di Venere, l’immagine di un corpo femminile nudo nella pittura simboleggiava solo l’idea del peccato originale. Sandro Botticelli è stato il primo pittore europeo a non trovare in lui nulla di peccaminoso. Inoltre, gli storici dell'arte sono sicuri che la dea pagana dell'amore simboleggi l'immagine cristiana sull'affresco: il suo aspetto è un'allegoria della rinascita dell'anima che ha subito il rito del battesimo.
Suonatore di liuto o suonatore di liuto?
Michelangelo Merisi da Caravaggio, Il suonatore di liuto, 1596.
Per molto tempo il dipinto è stato esposto all'Ermitage con il titolo "Suonatore di liuto". Solo all'inizio del XX secolo gli storici dell'arte concordarono nel ritenere che la tela raffigurasse ancora un giovane (probabilmente Caravaggio fu messo in posa dall'amico artista Mario Minniti): sulle note davanti al musicista, una registrazione della parte di basso di è visibile il madrigale di Jacob Arcadelt “Lo sai che ti amo”. Una donna difficilmente potrebbe fare una scelta del genere: è solo difficile per la gola. Inoltre, il liuto, come il violino all'estremità del quadro, era considerato uno strumento maschile nell'era di Caravaggio.
L'articolo presenta 22 dipinti di epoche diverse, che sono capolavori dell'arte mondiale e sono proprietà di tutta l'umanità.
Foto n.1.
Il dipinto è conservato al Louvre, Parigi, Francia. La Gioconda forse non avrebbe guadagnato fama mondiale se non fosse stata rubata nel 1911 da un impiegato del Louvre. Il dipinto venne ritrovato due anni dopo: il ladro rispose a un annuncio su un giornale e si offrì di vendere la Gioconda al direttore della Galleria degli Uffizi. Per tutto questo tempo, mentre le indagini erano in corso, la Gioconda non lasciò le copertine di giornali e riviste di tutto il mondo, diventando oggetto di copia e adorazione.
Foto n.2. 
Il dipinto è conservato nel monastero di Santa Maria delle Grazie a Milano.
Nel corso degli oltre 500 anni di esistenza dell'opera, l'affresco è stato distrutto più di una volta: è stato realizzato un portale attraverso il dipinto, quindi è stato posato un portale, il refettorio del monastero, dove si trova l'immagine, è stato utilizzato come armeria, prigione e bombardato. Il famoso affresco è stato restaurato almeno cinque volte, l'ultimo restauro è durato 21 anni. Oggi per vedere l'opera i visitatori devono prenotare i biglietti in anticipo e possono sostare solo 15 minuti nel refettorio.
Foto n.3. 
L'opera è conservata nella Galleria Statale Tretyakov di Mosca.
L'icona della Santissima Trinità, dipinta da Andrei Rublev nel XV secolo, è una delle icone russe più famose. L'icona è una tavola in formato verticale. Gli zar (Ivan il Terribile, Boris Godunov, Mikhail Fedorovich) “racchiusero” l'icona con oro, argento e pietre preziose. Oggi lo stipendio è conservato nella Riserva-Museo statale di Sergiev Posad.
Foto n.4. 
Il dipinto si trova a Firenze nella Galleria degli Uffizi.
L'opera illustra il mito della nascita di Afrodite. La dea nuda galleggia verso la riva in una conchiglia aperta, spinta dal vento. Sul lato sinistro del quadro, Zefiro (il vento dell'ovest), tra le braccia della moglie Clorida, soffia su una conchiglia, creando un vento carico di fiori. Sulla riva, la dea incontra una delle grazie. La Nascita di Venere è ben conservata grazie al fatto che Botticelli applicò al dipinto uno strato protettivo di tuorlo d'uovo.
Foto n.5. 
Conservato al Kunsthistorisches Museum di Vienna.
Secondo l'autore dell'immagine, il fallimento della costruzione della Torre di Babele non è dovuto alle barriere linguistiche sorte all'improvviso secondo la storia biblica, ma agli errori commessi durante il processo di costruzione. A prima vista, l'enorme edificio sembra abbastanza solido, ma dopo un esame più attento, è chiaro che tutti i livelli sono disposti in modo non uniforme, i piani inferiori non sono finiti o stanno già crollando, l'edificio stesso è inclinato verso la città e le prospettive per l'intero progetto sono molto tristi.
Foto n.6. 
Il dipinto è conservato nel Museo Pushkin, Mosca.
Il dipinto finì in Russia grazie all'industriale Ivan Abramovich Morozov, che lo acquistò nel 1913 per 16.000 franchi. Nel 1918 la collezione personale di I. A. Morozov fu nazionalizzata. Attualmente il dipinto è nella collezione del Museo statale di belle arti intitolato ad A.S. Puškin.
Foto n.7. 
Il dipinto è nella Galleria Tretyakov, Mosca.
"Morning in a Pine Forest" è un dipinto degli artisti russi Ivan Shishkin e Konstantin Savitsky. Savitsky dipinse orsi, ma il collezionista Pavel Tretyakov, quando acquistò il dipinto, cancellò la sua firma, quindi ora solo Shishkin è indicato come autore del dipinto.
Foto n.8. 
Il dipinto di Aivazovsky è conservato a San Pietroburgo nel Museo di Stato russo.
Ivan Aivazovsky è un pittore marino russo di fama mondiale che ha dedicato la sua vita alla rappresentazione del mare. Ha creato circa seimila opere, ognuna delle quali ha ricevuto riconoscimenti durante la vita dell'artista. Il dipinto "La Nona Onda" è incluso nel libro "100 Grandi Dipinti".
Foto n.9. 
Il dipinto è conservato al Louvre, Parigi.
Delacroix scrisse un'opera basata sulla Rivoluzione di luglio del 1830 in Francia. In una lettera al fratello del 12 ottobre 1830, Delacroix scrive: "Se non ho combattuto per la Patria, almeno scriverò per lei". Il petto nudo che guida il popolo simboleggia l'altruismo del popolo francese di quel tempo, che a "petto nudo" andò verso il nemico.
Foto n.10. 
Il capolavoro è conservato al Rijksmuseum di Amsterdam.
Il titolo originale dell'opera di Rembrandt è "Discorso della compagnia di fucilieri del capitano Frans Banning Cock e del tenente Willem van Ruytenburg". I critici d'arte che scoprirono il dipinto nel XIX secolo pensarono che le figure si trovassero su uno sfondo scuro e lo chiamarono "Ronda di notte". Successivamente si è scoperto che uno strato di fuliggine rende l'immagine scura e l'azione si svolge effettivamente durante il giorno. Tuttavia, l'immagine è già entrata nel tesoro dell'arte mondiale con il nome "Night Watch".
Foto n.11. 
Il dipinto è conservato all'Ermitage di San Pietroburgo.
Il titolo originale del dipinto è "Madonna col Bambino". Il nome moderno del dipinto deriva dal nome del suo proprietario, il conte Litta, proprietario di una galleria d'arte di famiglia a Milano. Si presume che la figura del bambino non sia stata dipinta da Leonardo da Vinci, ma appartenga al pennello di uno dei suoi studenti. Ciò è evidenziato dalla postura del bambino secondo i modi dell'autore.
Foto n.12. 
Il dipinto è conservato nella Galleria Statale Tretyakov, Mosca.
Come base viene presa la fiaba "Sulla sorella Alyonushka e sul fratello Ivanushka". Inizialmente, il dipinto di Vasnetsov si chiamava "Fool Alyonushka". A quel tempo gli orfani venivano chiamati “folli”. “Alyonushka”, disse in seguito l'artista stesso, “come se vivesse nella mia testa da molto tempo, ma in realtà l'ho vista ad Akhtyrka quando ho incontrato una ragazza dai capelli semplici che ha colpito la mia immaginazione. C'era così tanto desiderio, solitudine e tristezza puramente russa nei suoi occhi ... Una sorta di speciale spirito russo emanava da lei.
Foto n.13. 
L'opera è conservata nella Alte Pinakothek di Monaco.
Il dipinto "Il rapimento delle figlie di Leucippo" è considerato la personificazione della passione coraggiosa e della bellezza corporea. Le braccia forti e muscolose dei giovani sollevano giovani donne nude per metterle a cavallo. I figli di Zeus e Leda rubano le spose dei loro cugini.
Foto n.14. 
Il dipinto si trova nel Museo statale russo di San Pietroburgo.
Il dipinto raffigura la famosa eruzione del Vesuvio del 79 d.C. e. e la distruzione della città di Pompei vicino a Napoli. L'immagine dell'artista nell'angolo sinistro dell'immagine è un autoritratto dell'autore.
Foto n.15. 
Il dipinto è conservato nella Galleria degli Antichi Maestri a Dresda, in Germania.
L'immagine ha un piccolo segreto: lo sfondo, che da lontano sembra nuvole, a un esame più attento si rivelano le teste degli angeli. E i due angeli raffigurati nella foto qui sotto sono diventati il motivo di numerose cartoline e poster.
Foto n.16. 
Il dipinto è conservato nella Galleria Tretyakov, Mosca.
La trama dell'opera è ispirata alla poesia di Lermontov "Il demone". Il demone è un'immagine della forza dello spirito umano, della lotta interna, dei dubbi. Stringendo tragicamente le mani, il Demone siede con occhi tristi ed enormi diretti in lontananza, circondato da occhi senza precedenti.
Foto n.17. 
Il dipinto è esposto alla Galleria Statale Tretyakov.
L'artista ha dipinto questo quadro per diversi mesi. Successivamente, Kazimir Malevich realizzò diverse copie del Quadrato Nero (secondo alcune fonti, sette). Secondo una versione, l'artista non è riuscito a completare il lavoro sul dipinto in tempo, quindi ha dovuto coprire l'opera con vernice nera. Successivamente, dopo il riconoscimento del pubblico, Malevich dipinse nuovi "Quadrati neri" già su tele bianche. Malevich dipinse anche i dipinti "Piazza Rossa" (due copie) e uno "Piazza Bianca".
Foto n.18. 
Il dipinto si trova al Museum of Modern Art di New York.
Secondo l'autore stesso, il quadro è stato dipinto a seguito di associazioni sorte a Dalì alla vista del formaggio fuso. Di ritorno dal cinema, dove era andata quella sera, Gala predisse abbastanza correttamente che nessuno che avesse visto "La persistenza della memoria" una volta lo avrebbe dimenticato. Foto n.19. 
Il dipinto è conservato al Museum of Modern Art di New York.
A differenza della maggior parte dei dipinti dell'artista, Notte stellata è stata dipinta a memoria. Van Gogh era a quel tempo ricoverato all'ospedale Saint-Remy, tormentato da attacchi di follia. Foto n.20. 
L'affresco si trova nella Cappella Sistina in Vaticano.
Il dipinto "La Creazione di Adamo" è la quarta delle nove composizioni centrali del soffitto della Cappella Sistina, dedicata alle nove trame del libro della Genesi. L’affresco illustra l’episodio: “E Dio creò l’uomo a sua immagine”
Foto n.21. 
Il dipinto è conservato al Musée Marmottan di Parigi.
Il nome dell'opera "Impression, soleil levant" con la mano leggera del giornalista L. Leroy è diventato il nome della direzione artistica "Impressionismo". Il dipinto è stato creato dalla natura nel vecchio porto di Le Havre in Francia.
Foto n.22. 
Il dipinto si trova al Courtauld Institute of Art di Londra.
Le Folies Bergère è uno spettacolo di varietà e cabaret a Parigi. Manet visitò spesso le Folies Bergère e finì per dipingere questo dipinto, l'ultimo prima della sua morte nel 1883. Dietro il bancone, in mezzo a una folla che beve, mangia, parla e fuma, una barista è assorta nei suoi pensieri, osservando un acrobata del trapezio, che può essere visto nell'angolo in alto a sinistra della foto.
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La pagina contiene i dipinti più famosi degli artisti russi del XIX secolo con titoli e descrizioni
La variegata pittura di artisti russi dall'inizio del XIX secolo attrae con la sua originalità e versatilità nelle belle arti domestiche. I maestri della pittura di quel tempo non smettevano di stupire con il loro approccio unico alla trama e l'atteggiamento riverente nei confronti dei sentimenti delle persone, della loro natura nativa. Nel 19 ° secolo, le composizioni di ritratti venivano spesso dipinte con una straordinaria combinazione di un'immagine emotiva e un motivo epico e calmo.
I dipinti degli artisti russi sono magnifici nell'artigianato e veramente belli nella percezione, riflettono in modo sorprendentemente accurato il respiro del loro tempo, il carattere unico delle persone e il loro desiderio di bellezza.
Le tele dei pittori russi, che sono le più popolari: Alexander Ivanov è un brillante rappresentante della pittoresca direzione biblica, che ci racconta a colori gli episodi della vita di Gesù Cristo.
Karl Bryullov è un pittore popolare ai suoi tempi, la sua direzione è la pittura storica, temi di ritratti, opere romantiche.
Il pittore marino Ivan Aivazovsky, i suoi dipinti sono magnifici e si potrebbe dire semplicemente riflettono in modo insuperabile la bellezza del mare con onde trasparenti, tramonti marini e barche a vela.
La versatilità distintiva risalta il lavoro del famoso Ilya Repin, che ha creato opere di genere e monumentali che riflettono la vita delle persone.
Dipinti molto pittoreschi e di grandi dimensioni dell'artista Vasily Surikov, la descrizione della storia russa è la sua direzione, in cui l'artista ha enfatizzato con i colori gli episodi del percorso di vita del popolo russo.
Ogni artista è unico, ad esempio, il pittoresco maestro delle fiabe e dei poemi epici Viktor Vasnetsov, unico nel suo stile, realizza sempre tele succose e luminose e romantiche, i cui eroi sono i famosi eroi dei racconti popolari.
Ogni artista è unico, ad esempio, il pittoresco maestro delle fiabe e dei poemi epici Viktor Vasnetsov, unico nel suo stile, realizza sempre tele succose e luminose e romantiche, i cui eroi sono i famosi eroi dei racconti popolari. Dipinti molto pittoreschi e di grandi dimensioni dell'artista Vasily Surikov, la descrizione della storia russa è la sua direzione, in cui l'artista ha enfatizzato con i colori gli episodi del percorso di vita del popolo russo.
Nella pittura russa del XIX secolo apparve anche una tendenza come il realismo critico, che enfatizzava il ridicolo, la satira e l'umorismo nelle trame. Naturalmente questa era una nuova tendenza, non tutti gli artisti potevano permetterselo. Artisti come Pavel Fedotov e Vasily Perov furono determinati in questa direzione.
Anche i pittori paesaggisti di quel tempo occupavano la loro nicchia, tra cui Isaac Levitan, Alexei Savrasov, Arkhip Kuindzhi, Vasily Polenov, il giovane artista Fyodor Vasiliev, il pittoresco maestro della foresta, radure con pini e betulle con funghi Ivan Shishkin. Tutti riflettevano in modo colorato e romantico la bellezza della natura russa, la cui varietà di forme e immagini è associata al colossale potenziale del mondo circostante.
Secondo Levitan, in ogni nota della natura russa c'è una tavolozza colorata unica, quindi c'è un'enorme libertà creativa. Forse questo è l'enigma che le tele create nelle vaste distese della Russia si distinguono per una squisita severità, ma allo stesso tempo attraggono con una bellezza discreta, dalla quale è difficile distogliere lo sguardo. O con una trama per nulla intricata e piuttosto non accattivante, il dipinto Denti di leone di Levitan, per così dire, incoraggia lo spettatore a pensare e vedere la bellezza nel semplice.
Gli artisti sono persone in grado di parlare pubblicamente alla società attraverso il linguaggio delle immagini e delle forme visive. Tuttavia, la loro popolarità e domanda, a quanto pare, non dipendono affatto dal talento. Chi è stato l'artista più famoso della storia?
Édouard Manet (1832-1883)
Edouard Manet è stato uno dei fondatori dell'impressionismo. Il suo percorso creativo, come si conviene al percorso di un vero artista, non fu dei più facili: i dipinti provocarono polemiche e scandali, negli anni Sessanta dell'Ottocento espose nel cosiddetto "Salone dei Rifiutati". Era una mostra alternativa per gli artisti che non erano accettati al Salon ufficiale di Parigi.Questo è stato il destino del dipinto di Olympia, che ha scioccato il pubblico. Hanno scritto che l'eroina della tela guarda lo spettatore con una tale sfida e tiene la mano sinistra in modo tale, come se ci fosse un portafoglio in questa mano, e all'eroina stessa non importa cosa pensano di lei. L'immagine era considerata troppo piatta, la sua trama era volgare e l'eroina veniva paragonata anche a ... una femmina di gorilla. Chi avrebbe mai pensato che dopo cento anni e mezzo questo dipinto sarebbe diventato uno dei più riconoscibili al mondo!
Kazimir Malevich (1879-1935)
Stranamente, l'artista russo più famoso può essere chiamato Kazimir Malevich. Nonostante il fatto che la scuola di pittura russa abbia dato all'arte decine di nomi - Repin, Aivazovsky, Vereshchagin e molti altri - nella memoria del pubblico di massa è rimasto un uomo che era più probabilmente un decostruttore della pittura classica che un successore delle sue tradizioni . 
Kazimir Malevich è stato il fondatore del Suprematismo e quindi, in un certo senso, il padre di tutta l'arte moderna. La sua opera da manuale "Black Square" fu esposta nel 1915 e divenne un programma. Ma Malevich non è l'unico famoso per Black Square: ha lavorato come scenografo nelle grottesche performance di Meyerhold, ha diretto uno studio d'arte a Vitebsk, dove ha iniziato a lavorare un altro grande artista, Marc Chagall.
Vincent van Gogh (1853-1890)
Il mondo conosce il postimpressionista Vincent van Gogh come una persona pazza e profondamente infelice, che allo stesso tempo ha lasciato un ricco patrimonio culturale. Lavorò attivamente per poco più di 10 anni, ma durante questo periodo riuscì a dipingere più di duemila tele. La lotta a lungo termine con la depressione fu interrotta da periodi luminosi, nella seconda metà degli anni ottanta dell'Ottocento Van Gogh si trasferì a Parigi e lì trovò l'unico circolo sociale di cui aveva bisogno, tra artisti che la pensavano allo stesso modo. 
Il pubblico però non fu entusiasta dei quadri di Van Gogh, i quadri non furono venduti. L'artista trascorse gli ultimi anni della sua vita ad Arles, nel sud della Francia, dove sperava di creare una comune di artisti. Il piano, ahimè, è rimasto incompiuto. Il disturbo mentale progredì e un giorno, dopo una lite, Van Gogh attaccò un amico che era venuto a trovarlo con un rasoio. Un amico, l'artista Paul Gauguin, consegnò un amico a un manicomio. Lì Van Gogh finì i suoi giorni: si sparò un anno dopo la prigionia.
È interessante notare che durante questo periodo furono scritte forse le opere più famose di Van Gogh: "Campo di grano con corvi", "Notte stellata" e altre. Ma la vera fama arrivò all'artista dopo la sua morte, alla fine degli anni Novanta dell'Ottocento. Ora il suo lavoro è considerato uno dei più costosi al mondo.
Edvard Munch (1863-1944)
L'espressionista norvegese Edvard Munch riuscì a dipingere un solo quadro, ma anche in questo caso passò alla storia della pittura. La sua opera più riconoscibile è il terribile "Urlo", scritto tra il 1893 e il 1910. È interessante notare che ci sono quattro diverse versioni dell'autore di The Scream. Nel 2012, il dipinto fu venduto all’asta per la cifra record di 120 milioni di dollari. 
"L'urlo" è stato scritto dopo che Munch una sera stava tornando a casa lungo la strada e si voltò: il tramonto rosso che vide lo stupì. Il sentiero su cui Munch tornò passava davanti a un mattatoio e a un ospedale per malati di mente, dove era ricoverata la sorella dell'artista.
I contemporanei scrissero che i gemiti dei pazienti e le grida degli animali uccisi erano insopportabili. Si ritiene che L'Urlo sia diventato una sorta di profezia per l'arte del XX secolo, piena di motivi di solitudine, disperazione e incubo esistenziale.
Gironimo Bosch (1450-1516)
Uno dei principali artisti del Rinascimento nel Nord Europa è Hieronymus Bosch. Il modo della sua scrittura è certamente riconoscibile, nonostante del fatto che dell'intero corpus di dipinti rimangano solo una dozzina. Era una vera arte del Rinascimento, multiforme e piena di simboli e allusioni. Ai contemporanei di Bosch, i suoi dipinti parlavano molto di più che alle persone del 21° secolo, poiché utilizzava abbondantemente motivi biblici e folcloristici medievali. 
Non serve essere un critico d'arte per capire di avere davanti un dipinto di Bosch. Ad esempio, l'opera più famosa di Bosch, il trittico Il Giardino delle Delizie, contiene molti dettagli: raffigura i sette peccati capitali riprodotti più volte, racconta in modo molto dettagliato i tormenti infernali che attendono i peccatori (sul lato destro), e sul lato destro a sinistra La foglia mostra la caduta di Adamo ed Eva. La stranezza delle figure, un gran numero di piccoli dettagli e la fantasia specifica dell'artista non lasciano dubbi su chi sia l'autore della tela.
Andy Warhol (1928-1987)
Tutti meritano i loro 15 minuti di fama - diceva il burlone e postmodernista Andy Warhol. La sua fama, tuttavia, si dimostrò più duratura. Forse questa persona versatile è diventata un simbolo della direzione della pop art. È la sua paternità che appartiene alle opere più riconoscibili della seconda metà del XX secolo (senza contare, ovviamente, gli artisti "veri"). 
Andy Warhol ha creato decine di opere ed è stato uno dei principali seminatori culturali degli anni Sessanta. Tuttavia, nella coscienza di massa, quasi sicuramente rimarrà l'autore di dipinti con oggetti identici riprodotti: in un caso un oggetto del genere era una lattina di zuppa di pomodoro in scatola, e nell'altro un sex symbol degli anni '50 e un simbolo dell'era sessista di Hollywood Marilyn Monroe.
Salvador Dalì (1904-1989)
Il surrealista Salvador Dalì era anche un brillante manager e uomo di pubbliche relazioni. Ha promosso quello che oggi viene chiamato "marchio personale" molto prima che il termine fosse coniato. Tutti ricordano i suoi baffi eccezionali, lo sguardo pazzo e le numerose buffonate oltraggiose - che valgono almeno la pena camminare con un formichiere al guinzaglio. 
Allo stesso tempo, Salvador Dalì rimane uno dei principali artisti della sua epoca. Scegliendo tra due spagnoli nella nostra valutazione (Dali e Pablo Picasso), gli editori del sito hanno comunque optato per il primo: i dipinti di Salvador Dalì svolgono un ruolo molto più importante nella cultura popolare; per la persona media, i nomi "Persistenza della memoria" o "Premonizione di guerra civile" dicono più di "Guernica" o "Ritratto di Dora Maar".
Michelangelo Buonarroti (1475-1564)
Michelangelo fu pittore, scultore e architetto. La sua personalità rispecchiava pienamente quella che comunemente viene chiamata "la natura del Rinascimento". Una delle sue opere scultoree più famose - la statua del David - è spesso usata come illustrazione della stessa parola "Rinascimento" come riflesso delle opinioni e dei risultati dell'abilità e del pensiero di quel tempo. 
L'affresco della Creazione di Adamo è uno dei dipinti più riconoscibili di tutti i tempi. Oltre all'ovvio significato culturale, questa immagine ha avuto un ruolo nella cultura popolare del 21° secolo: ciò che solo i burloni di Internet mettono nella mano tesa di Adam: dal telecomando alla spada laser Jedi.
Leonardo Da Vinci (1452-1519)
Indubbiamente, l'artista più famoso al mondo è l'italiano Leonardo da Vinci. Allo stesso tempo, lui stesso non preferiva nessun campo di attività e si considerava uno scienziato, un ingegnere, uno scultore ... - in una parola, un uomo del Rinascimento, come il suo contemporaneo e collega Michelangelo. 
È noto che Leonardo ha lavorato a lungo sui dipinti, spesso rimandandoli “per dopo” e, in generale, a quanto pare, trattava la pittura come un altro tipo di creatività, non distinguendola troppo dalle altre. Pertanto, un numero relativamente piccolo dei suoi dipinti è giunto fino a noi. Impossibile non ricordare il libro di testo "La Gioconda", così come "La Dama con l'ermellino", "Madonna Litta" - e, naturalmente, l'affresco "L'Ultima Cena" nel monastero di Santa Maria delle Grazie a Milano .
Non sorprende che gli artisti famosi spesso attraggano imitatori, sia quelli che vogliono toccare la gloria dei geni, sia quelli che vogliono guadagnarci. Ti invitiamo a leggere dei falsari di dipinti più famosi della storia.
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