Il programma funziona. Musica del programma

musica del programma

Programmatico (dal greco "programma" - "annuncio", "ordine") include opere musicali, che hanno un titolo specifico o prefazione letteraria, creato o selezionato dal compositore stesso. Grazie a contenuti specifici, la musica del programma è più accessibile e comprensibile per gli ascoltatori. I suoi mezzi espressivi sono particolarmente audaci e luminosi. Nei lavori di programma, i compositori utilizzano ampiamente il sound design orchestrale, la visualizzazione e sottolineano più fortemente il contrasto tra temi dell'immagine, sezioni della forma, ecc.

La gamma di immagini e temi della musica del programma è ricca e varia. Questa è anche un'immagine della natura: i colori delicati di "L'alba sul fiume Mosca" nell'ouverture dell'opera "Khovanshchina" di M. P. Mussorgsky; la cupa Daryal Gorge, Terek e il castello della regina Tamara nel poema sinfonico “Tamara” di M. A. Balakirev; paesaggi poetici nelle opere di C. Debussy “Il Mare”, “ Chiaro di luna" Dipinti succosi e colorati vacanze nazionali ricreato nelle opere sinfoniche di M. I. Glinka “Kamarinskaya” e “Aragonese Jota”.

Molte opere di questo tipo di musica sono associate a meravigliose opere della letteratura mondiale. Rivolgendosi a loro, i compositori di musica si sforzano di rivelarli problemi morali, su cui riflettevano poeti e scrittori. P. I. Tchaikovsky (fantasy “Francesca da Rimini”) e F. Liszt (“Sinfonia sulla Divina Commedia di Dante”) si sono rivolti alla “Divina Commedia” di Dante. La tragedia di W. Shakespeare “Romeo e Giulietta” è stata ispirata dalla sinfonia di G. con lo stesso nome. L'ouverture fantasy di Berlioz e Čajkovskij, la tragedia "Amleto" - la sinfonia di Liszt. Una delle migliori ouverture di R. Schumann è stata scritta per il poema drammatico "Manfred" di J. G. Byron. Il pathos della lotta e della vittoria, il l'immortalità dell'impresa dell'eroe, che ha dato la vita per la libertà della sua patria, espressa da L. Beethoven nell'ouverture del dramma di J. W. Goethe “Egmont”.

A il programma funziona includono opere che vengono comunemente chiamate ritratti musicali. Questo è il preludio per pianoforte di Debussy "La ragazza dai capelli di lino", il pezzo per clavicembalo "L'egiziano" di J. F. Rameau, le miniature per pianoforte di Schumann "Paganini" e "Chopin".

A volte il programma composizione musicale possono essere ispirati da opere arti visive. La suite per pianoforte “Pictures at an Exhibition” di Mussorgsky riflette le impressioni del compositore sulla mostra di dipinti dell’artista V. A. Hartmann.

Su larga scala, opere monumentali i programmi musicali sono associati ai più importanti eventi storici. Tali, ad esempio, sono le sinfonie di D. D. Shostakovich “1905”, “1917”, dedicate alla prima rivoluzione russa del 1905-1907. e la Rivoluzione d'Ottobre.

Musica del programma ha attratto a lungo molti compositori. I compositori francesi del II secolo scrissero eleganti brani in stile rococò per il clavicembalo. metà XVII - inizio XVIII V. L. K. Daken (“Il cuculo”), F. Couperin (“I vendemmiatori”), Rameau (“La principessa”). Il compositore italiano A. Vivaldi ha riunito quattro concerti per violino sotto il titolo generale “Le Stagioni”. Hanno creato sottili schizzi musicali di scene naturali e pastorali. Il compositore ha presentato dettagliatamente il contenuto di ogni concerto programma letterario. J. S. Bach chiamò scherzosamente uno dei brani per clavicembalo “Capriccio alla partenza dell’amato fratello”. IN patrimonio creativo J. Haydn ha più di 100 sinfonie. Tra questi ci sono anche quelli del programma: "Mattina", "Mezzogiorno", "Sera e Tempesta".

La musica a programma occupava un posto importante nelle opere dei compositori romantici. Ritratti, scene di genere, stati d'animo, le sfumature più sottili dei sentimenti umani sono rivelati in modo sottile e ispirato nella musica di Schumann (cicli di pianoforte "Carnevale", "Scene per bambini", "Kreisleriana", "Arabesque"). Il grande ciclo pianistico di Liszt “Gli anni erranti” divenne una sorta di diario musicale. Ispirato dal suo viaggio in Svizzera, scrisse le opere teatrali “La cappella di Guglielmo Tell”, “Le campane di Ginevra” e “Sul lago Wallendstadt”. In Italia, il compositore rimase affascinato dall'arte dei grandi maestri del Rinascimento. La poesia di Petrarca, il dipinto di Raffaello “Il fidanzamento”, la scultura di Michelangelo “Il pensatore” divennero una sorta di programma nella musica di Liszt.

Il sinfonista francese G. Berlioz incarna il principio della programmazione non in modo generalizzato, ma rivela costantemente la trama nella musica. “The Fantastic Symphony” ha una dettagliata prefazione letteraria scritta dallo stesso compositore. L'eroe della sinfonia finisce al ballo, poi in un campo, poi va all'esecuzione, poi si ritrova in un fantastico Sabba delle streghe. Con l'aiuto della colorata scrittura orchestrale, Berlioz riesce quasi immagini visive azione teatrale.

I compositori russi si sono spesso rivolti alla musica a programma. Trame fantastiche e fiabesche hanno costituito la base dei dipinti sinfonici: "Night on Bald Mountain" di Mussorgsky, "Sadko" di Rimsky-Korsakov, "Baba Yaga", "Kikimora", "Magic Lake" di A.K. Lyadov. Il potere creativo della volontà e della ragione umana è stato cantato da A. N. Scriabin nel poema sinfonico "Prometeo" ("Poema del fuoco").

Origini e caratteristiche della musica a programma nella creatività

compositori romantici

Il romanticismo nella musica si è sviluppato sotto l'influenza della letteratura del romanticismo e si è sviluppato in stretta connessione con essa, con la letteratura in generale. Ciò si esprimeva in un appello ai generi sintetici, principalmente ai generi teatrali (in particolare l'opera), alle canzoni, alle miniature strumentali e alla programmazione musicale. D'altra parte, l'affermazione della programmaticità, come una delle caratteristiche più luminose del romanticismo musicale, avviene come risultato del desiderio dei romantici avanzati di un'espressione figurativa concreta.

Un altro prerequisito importante è il fatto che molti compositori romantici hanno agito come scrittori musicali e critici (Hoffmann, Weber, Schumann, Wagner, Berlioz, Liszt, Verstovsky, ecc.). Nonostante l’incoerenza dell’estetica romantica in generale, lavoro teorico i rappresentanti del romanticismo progressista hanno dato un contributo molto significativo allo sviluppo problemi critici arte musicale (contenuto e forma della musica, nazionalità, programmazione, collegamento con altre arti, rinnovamento dei mezzi espressività musicale ecc.), e questo influenzò anche la musica a programma.

Software dentro musica strumentaleè un tratto caratteristico dell'era del romanticismo, ma non una scoperta. Incarnazione musicale immagini diverse e immagini del mondo circostante, seguendo nella maggior parte dei casi il programma letterario e la visualizzazione del suono varie opzioni si può osservare anche tra i compositori dell'epoca barocca (ad esempio, “Le Quattro Stagioni” di Vivaldi), tra i clavicinisti francesi (schizzi di Couperin) e i virginalisti in Inghilterra, nelle opere dei classici viennesi (sinfonie a “programma”, ouverture di Haydn e Beethoven). Eppure la programmazione dei compositori romantici si colloca su un livello leggermente diverso. Basta confrontare il cosiddetto genere del “ritratto musicale” nelle opere di Couperin e Schumann per rendersi conto della differenza.

Molto spesso, la programmazione dei compositori dell'era romantica è uno sviluppo sequenziale di immagini musicali di una trama presa in prestito dall'una o dall'altra fonte letteraria e poetica o creata dall'immaginazione del compositore stesso. Questo tipo di programmazione narrativa ha contribuito alla concretizzazione del contenuto figurativo della musica.

Quindi, la musica a programma è un'opera musicale a cui il compositore ha fornito un programma verbale che concretizza la percezione. I saggi programmatici possono essere associati a trame e immagini incarnate in altre forme d'arte, tra cui letteratura e pittura.

Tutti i mezzi di espressione musicale in musica sinfonica romantici, come tutti gli altri grande artista(la natura del tematismo, i metodi di sviluppo variazionale, la forma, la strumentazione, il linguaggio armonico, ecc.) sono sempre subordinati alla divulgazione dell'idea poetica e delle immagini del programma.

Opere programmatiche di Schumann, Berlioz, Liszt

Roberto Schumann- uno dei rappresentanti più importanti del romanticismo musicale in Germania.

R. Schumann ha molta musica da programma. Se prendiamo, ad esempio, i suoi brani per pianoforte, scopriremo che ci sono 146 brani programmati e, sorprendentemente, lo stesso numero di brani non programmati. Queste sono le raccolte “Farfalle”, “Carnevale”, “Variazioni su un tema ABBEG "Kreisleriana", "Novelettes", "Scene per bambini", "Album for Youth" e altri. I brani di programma inclusi in queste raccolte sono molto diversi. Tra la musica del programma sinfonico vanno citate le ouverture “La sposa di Messina”, “Herman e Dorothea”, la musica per il poema drammatico di Byron “Manfred”, le sinfonie “Primavera”, “Rhenish” e altre opere.

Nel suo lavoro Schumann faceva spesso affidamento sulle immagini romanticismo letterario(Jean Paul e E.T.A. Hoffmann), molte delle sue opere sono caratterizzate da programmaticità letteraria e poetica. Schumann ricorre spesso a un ciclo di miniature liriche, spesso contrastanti (per pianoforte o voce con pianoforte), che gli consentono di rivelare una scala complessa stati psicologici eroe, costantemente in equilibrio sul confine tra realtà e finzione. Nella musica di Schumann, un impulso romantico si alterna alla contemplazione, uno scherzo stravagante con elementi umoristici di genere e persino satirico-grotteschi. Caratteristica distintiva Le opere di Schumann sono improvvisate. Schumann ha concretizzato le sfere polari della sua visione del mondo artistico nelle immagini di Florestan (l'incarnazione di un impulso romantico, aspirazione al futuro) ed Eusebio (riflessione, contemplazione), che sono costantemente “presenti” nelle opere musicali e letterarie di Schumann come ipostasi della personalità del compositore stesso. Al centro della critica musicale e attività letteraria Schumann - un critico brillante - la lotta contro la banalità nell'arte e nella vita, il desiderio di trasformare la vita attraverso l'arte. Schumann ha creato la fantastica unione "Davids-Bund", che ha unito, insieme alle immagini di persone reali (N. Paganini, F. Chopin, F. Liszt, K. Schumann) anche personaggi di fantasia(Florestan, Eusebio; Maestro Raro come personificazione della sapienza creatrice). La lotta tra i “Davidsbündler” e i filistei filistei (“Filistei”) divenne uno dei trame programma del ciclo pianistico "Carnevale".

È curioso che il fantastico sia combinato in "Carnevale" con una base molto reale e persino documentaristica. Dopotutto, persone realmente esistite sono state portate qui, alcune addirittura sottoterra nomi appropriati(Chopin, Paganini). In questo si vede l'influenza di certi ritratti teatrali di clavicembalisti francesi (come Couperin di Forqueret), cioè, ancora una volta, musica antica.

La musica è psicologica. Mostra diversi stati contrastanti e il cambiamento di questi stati. Schumann Ho amato molto le miniature per pianoforte, così come i cicli di miniature per pianoforte, poiché riescono a esprimere molto bene il contrasto. Schumann si riferisce alla programmazione. Si tratta di spettacoli teatrali, spesso associati a immagini letterarie. Hanno tutti nomi un po 'strani per l'epoca: "Rush", "Perché?", Variazioni sul tema di Abegg (questo è il cognome della sua ragazza), usava le lettere del suo cognome come note (A, B, E, G); “Asch” è il nome della città in cui viveva ex-amore Schumann(queste lettere, come le tonalità, erano incluse in “Carnevale”). Schumann Ho davvero amato la natura carnevalesca della musica, per la sua diversità. Ad esempio: “Farfalle”, “Carnevale ungherese”, “Carnevale”.

"Carnival" - una suite di pezzi caratteristici, uno dei più esempi luminosi musica a programma nelle opere di Schumann. Presentando le sue misteriose "Sfingi", Schumann ha dato la chiave per leggere l'intero ciclo come un processo, e si scopre che le serie eterogenee di immagini non sono altro che metamorfosi di un fondamento nascosto e impercettibile, "variazioni senza tema" ( Lo stesso Schumann usò però questa espressione non in riferimento al “Carnevale”, ma agli “Arabeschi”). L'apertura di alcune opere teatrali al contesto è rafforzata da mezzi aggiuntivi. Pertanto, "Florestan", grazie all'instabilità tonale e all'abbondanza di contrasti improvvisi (per non dire cambiamenti) negli stati d'animo, può essere condizionatamente definito un'opera senza tema, mentre "Replica" ricorda molto un postludio o codetta riassuntivo lirico. Il contenuto del processo portato avanti in "Carnival" può essere caratterizzato come un graduale rafforzamento dell'umanità e della sincerità di espressione nelle condizioni del mondo del gioco carnevalesco. Qui, per la prima volta, il principio dell'end-to-end si delinea lo sviluppo del rapporto contrastante tra due immagini, che diventerà poi quello principale in “Kreislerian”. Un paio di maschere ("Pierrot" - "Arlecchino"), poi personaggi di fantasia ("Eusebio" - "Florestan"), poi persone reali ("Chopin" - "Estrella") - tutto ciò forma corrispondenti linee parallele di sviluppo dell'intonazione.

Alcuni cicli cresciuti sulla base della danza si completano con le “Danze dei Davidsbündler” (nella seconda edizione la parola “danze” scompare), dove Schumann dispiega davanti a noi tutta una serie di ritratti di due soli eroi (Florestan e Eusebio, uscito da "Carnevale"). Altri con parole, cerca di trasmettere il proprio mondo in tutta la sua completezza e sfuggente variabilità. In "Davidsbündlers" Schumann ritorna di nuovo a una forma aperta quasi in forma pura e crea il suo esempio più eclatante. Da questo punto di vista è interessante osservare il completamento del ciclo: dopo la (diciassettesima) commedia, che potrebbe pretendere di essere il finale (per il carattere riassuntivo delle intonazioni, una reminiscenza della seconda commedia), un'altra uno segue. Schumann segue qui una logica non formale principio costruttivo, ma il desiderio di dire finalmente la parte più intima, personale.

Un altro esempio interessante è “Pezzi fantastici”. Forse questo è il primo dei cicli di Schumann, le cui opere teatrali (proprio per la completezza dello sviluppo e la completezza della forma) possono ben esistere, essere eseguite e pensate separatamente, al di fuori del contesto. Inoltre, il ciclo nel suo insieme fornisce uno degli esempi più espressivi di drammaturgia aperta, che non conosce confini chiaramente fissi ("da" e "a"), incarna la natura caleidoscopica romantica di "Farfalle" in un nuovo palcoscenico.

La completezza interna dello sviluppo e la nuova qualità della forma si manifestano notevolmente anche in una miniatura così aperta come "Perché?"

Ruolo storico Ettore Berliozè creare un nuovo tipo di sinfonia di programmi. La descrittività pittorica e la specificità della trama inerenti al pensiero sinfonico di Berlioz, insieme ad altri fattori (come le origini intonazionali della musica, i principi di orchestrazione, ecc.) Fanno del compositore un fenomeno caratteristico della cultura nazionale francese.

Tutte le sinfonie di Berlioz hanno un titolo di programma: "Fantastico", "Lutto trionfale", "Harold in Italia", "Romeo e Giulietta". Oltre a quelle citate, ha opere di generi meno definiti, ma basate sulla sinfonia.

Programmazione come presentatore principio creativo Berlioz, porta ad una nuova interpretazione del ciclo sinfonico. Innanzitutto, il numero delle parti del ciclo è dettato non tanto dalle tradizioni consolidate della sinfonia classica, ma da questa specifica idea di programma.

Il principio unificante nel ciclo sinfonico di Berlioz è solitamente un tema che attraversa tutte le parti e caratterizza immagine principale- un personaggio della sinfonia. Questo tema, che permea l'intero ciclo, è il leitmotiv della sinfonia. Questo è il motivo dell'amato nella Sinfonia Fantastique o il motivo di Harold nella sinfonia Harold in Italia. Il motivo dell'amore, che risuona nella parte del coro all'inizio della sinfonia “Romeo e Giulietta”, è la base di un grande sinfonico adagio , dipingendo una scena d'amore. Allo stesso tempo, il ciclo sinfonico di Berlioz manca dell'unità e dell'integrità del ciclo sinfonico di Beethoven. Le singole parti della sinfonia, una dopo l'altra, presentano una serie di colori colorati ed esteriormente correlati dipinti musicali e immagini che svelano con coerenza tutte le principali vicissitudini del programma prescelto. Nella drammaturgia della sinfonia non è più presente quello sviluppo dinamicamente propositivo e conflittuale di un'unica idea, che è inerente al sinfonismo di Beethoven. Peculiarità metodo creativo La descrittività pittorica di Berlioz determina proprio questa interpretazione del ciclo sinfonico. Ma allo stesso tempo, monumentalità, democrazia e pathos civico collegano la sinfonia di Berlioz con la tradizione di Beethoven.

La Sinfonia Fantastica è la prima un'opera importante Berlioz, in cui ha raggiunto il completo maturità creativa. Aveva un sottotitolo programmatico: "Un episodio della vita di un artista". Con colori romantico-fantastici, la sinfonia descrive le esperienze d'amore dell'artista, cioè lo stesso Berlioz, che soffre di un amore non corrisposto per Harriet Smithson.

Paganini, deliziato dalla Symphony Fantastique, ordinò un concerto per viola a Berlioz, ma Berlioz si avvicinò all'ordine da una direzione diversa: così è stata scritta la sinfonia con viola solista "Harold in Italy".

La partecipazione di solisti e coro avvicina la sinfonia “Romeo e Giulietta” ai generi operistico-oratorio-cantata. Ecco perché la sinfonia è chiamata drammatica. Ovviamente Berlioz qui ha seguito il percorso di Beethoven con la sua Nona sinfonia, dove il coro entra nel finale, qui l'elemento vocale è presente in tutta la sinfonia. L'ultima parte - Padre Lorenzo e il coro della riconciliazione - potrebbe benissimo esserlo palcoscenico dell'opera. Insieme a questo, i momenti chiave della tragedia vengono rivelati con mezzi puramente sinfonici: la rissa di strada all'inizio della sinfonia, la notte dell'amore, la scena nella cripta di Giulietta. Lo speciale concetto programmatico della sinfonia ha costretto Berlioz a ritirarsi decisamente dalla tradizione sinfonica classica e creare un'opera in più movimenti, dove la struttura è determinata dalla sequenza degli eventi nello sviluppo della trama. Eppure, nei movimenti centrali della sinfonia (Night of Love e Fairy Mab) si possono vedere collegamenti con l'adagio e lo scherzo sinfonici. In termini di dimensioni, Romeo e Giulietta di Berlioz supera tutto ciò che esisteva prima nel campo sinfonico.

Essere promotore attivo e convinto della programmazione in musica, del legame stretto e organico tra la musica e le altre arti (poesia, pittura), Franz Liszt ha implementato in modo particolarmente persistente e completo questo principio creativo fondamentale nella musica sinfonica.

Tra tutto creatività sinfonica Ci sono due foglie sinfonie di programma– “After Reading Dante” e “Faust”, che sono alti esempi di musica a programma. Liszt è anche il creatore di un nuovo genere, il poema sinfonico, che è una sintesi di musica e letteratura. Il genere del poema sinfonico è diventato uno dei preferiti dai compositori paesi diversi e ricevuto grande sviluppo e implementazione creativa originale nella sinfonia classica russa della seconda metà XIX secolo. I prerequisiti per il genere erano esempi forma libera di F. Schubert (fantasia per pianoforte “The Wanderer”), R. Schumann, F. Mendelssohn (“Hybrids”), in seguito R. Strauss, Scriabin, Rachmaninov si sono rivolti al poema sinfonico. L'idea principale di un lavoro del genere è trasmettere l'intento poetico attraverso la musica.

I dodici poemi sinfonici di Liszt costituiscono un meraviglioso monumento alla musica a programma, in cui immagini musicali e il loro sviluppo è associato a un'idea poetica o filosofico-morale. Il poema sinfonico "Ciò che si sente sulla montagna" basato sulla poesia di V. Hugo incarna l'idea romantica di contrastare la natura maestosa con i dolori e le sofferenze umane. Il poema sinfonico Tasso, scritto per celebrare il centenario della nascita di Goethe, raffigura la sofferenza Poeta italiano Il Rinascimento Torquato Tasso in vita e il trionfo del suo genio dopo la morte. Come tema principale dell’opera, Liszt usò il canto dei gondolieri veneziani, eseguito sulle parole della strofa di apertura dell’opera principale del Tasso, la poesia “Gerusalemme liberata”.

Il poema sinfonico "Preludi" fu originariamente scritto indipendentemente da Lamartine, come introduzione a quattro cori maschili basati su testi di Joseph Autrand. Solo quando si elaborano i "Preludi" in un indipendente poema sinfonico Liszt, dopo aver cercato un programma, scelse la poesia di Lamartine "Meditazioni poetiche" (" Meditazioni poetiche "), che, come gli sembrava, più si adatta alla musica della poesia. Proprio a causa del fatto che il programma è stato ritrovato da Liszt dopo il completamento della poesia, non esiste una corrispondenza completa tra i “Preludi” di Liszt e la poesia di Lamartine. La poesia paragona la vita umana a una serie di preludi alla morte, ma Liszt ha un concetto completamente diverso. Non solo non contiene l'immagine della morte, ma, al contrario, esprime l'affermazione della vita, la gioia dell'esistenza terrena.

Il poema sinfonico di Liszt "Orfeo" fu originariamente concepito come un'ouverture alla produzione di Weimar dell'opera "Orfeo" di Gluck. In questa poesia Liszt incarnava famoso mito sul cantante tracio non in una trama sequenziale, ma in un piano filosofico generalizzato. Per Liszt in questo caso Orfeo è un simbolo generalizzato dell'arte, "versando le sue onde melodiche, i suoi accordi potenti", come dice il programma.

Puoi anche nominare altri poemi sinfonici di Liszt: "Prometeo", "Campane festive", "Mazeppa", "Lamento per un eroe", "Ungheria", "Amleto" e altri.

Per Liszt era importante non tanto trasmettere nella musica lo sviluppo sequenziale della trama del programma scelto, ma incarnare attraverso i mezzi dell'arte musicale l'idea poetica generale che porta a immagini poetiche. A differenza delle opere di Berlioz, nelle opere sinfoniche di Liszt il programma prefissato non è un'esposizione della trama, ma trasmette semplicemente lo stato d'animo generale, spesso anche limitato a un titolo, il titolo dell'opera o il suo titolo. singole parti. È caratteristico che il programma delle opere di Liszt includa non solo immagini letterarie e poetiche, ma anche opere d'arte in cui non esiste una trama narrativa ampia, così come vari paesaggi e fenomeni naturali.

In alcune opere sinfoniche di Liszt viene utilizzato il principio del monotematismo, cioè la tecnica di portare attraverso l'intera opera un tema o un gruppo di temi che subiscono trasformazioni variazionali fino a un cambiamento radicale nell'immagine. La tecnica del monotematismo è particolarmente coerente nei poemi sinfonici “Tasso” e “Preludi”, dove le trasformazioni variazionali di un tema (anche un'intonazione) esprimono diverse fasi dello sviluppo di un'idea. Questo sviluppo variativo del tema porta alla sua potente affermazione eroica alla fine dell'opera. Da qui i solenni codici-apoteosi di natura marcia, caratteristici di Liszt.

Nella sinfonia in tre movimenti “Faust”, il terzo movimento (“Mefistofele”) rappresenta le trasformazioni più interessanti di tutti i temi del primo movimento (“Faust”). I temi sono filosofici, patetici, lirici, eroici e nel finale acquisiscono un carattere grottesco, beffardamente sarcastico, corrispondente all'immagine di Mefistofele, che nel concetto ideologico di Liszt significa il "lato sbagliato" di Faust, la negazione scettica di tutto ciò che è nobile e sublime, il rovesciamento degli alti ideali. A proposito, questo ricorda la tecnica di Berlioz nel finale della Symphony Fantastique, dove è soggetta a distorsione tema lirico Amore.

C'è anche molta musica da programma nelle opere di altri romantici - F. Mendelssohn (comprese le aperture dei concerti del programma), E. Grieg ("Poetic Pictures", "Humoresques", suite "Peer Gynt", "From the Times of Holberg ") e altri. Nella musica russa, gli esempi più sorprendenti di programmazione sono i cicli pezzi per pianoforte“Quadri di un'esposizione” di M. P. Mussorgsky e “Le stagioni” di P. I. Ciajkovskij.

Il romanticismo ha lasciato un'intera epoca nel mondo cultura artistica, i suoi rappresentanti nel campo della letteratura, delle belle arti e della musica hanno scoperto e sviluppato nuovi generi, hanno prestato molta attenzione ai destini personalità umana, ha rivelato la dialettica del bene e del male, magistralmente rivelata passioni umane e così via.

Il lavoro dei compositori romantici era spesso l'antitesi dell'atmosfera borghese degli anni '20 e '40 dell'Ottocento. Ha chiamato il mondo dell'alta umanità, ha cantato la bellezza e il potere dei sentimenti. Passione calda, mascolinità orgogliosa, lirismo sottile, variabilità capricciosa del flusso infinito di impressioni e pensieri - tratti caratteriali musica di compositori dell'era romantica, chiaramente manifestata nella musica a programma strumentale.

Non comprende un testo verbale, cioè strumentale, ma accompagnato dall'indicazione verbale del suo contenuto.

Definizione

La programmazione come fenomeno è direttamente correlata alla specificità della musica: la più astratta delle arti, la musica presenta importanti vantaggi nel trasmettere stati emotivi e stati d'animo, ma non può con i propri mezzi indicare con precisione ciò che esattamente dà origine a questi stati d'animo: la specificità concettuale e oggettiva è fuori dal suo controllo. La funzione di un programma in musica, come scrive O. Sokolov, è quella di ricostituire e specificare: “In i migliori lavori Questo tipo di programma e musica si completano esteticamente perfettamente a vicenda: il primo indica l'oggetto, la seconda lo esprime atteggiamento dell'autore ad esso, che è il migliore e si presta precisamente espressione musicale» .

Storia

Secondo i musicologi la musica a programma esisteva già nell'antica Grecia: secondo uno dei messaggi giunti fino a noi, nel 586 a.C. e. Ai Giochi Pitici di Delfi, un auletista di nome Sakao eseguì un'opera di Timostene raffigurante la battaglia di Apollo con il drago.

La musica a programma ha vissuto il suo vero periodo di massimo splendore nell'era del romanticismo, come in generi da camera, e nella musica sinfonica, principalmente nelle opere di Hector Berlioz e Franz Liszt, che svilupparono un genere di programma speciale del poema sinfonico.

Interessante è anche la natura programmatica della musica di Skrjabin, dove spesso nelle note si trovano varie osservazioni, ad esempio commentando la musica ("l'apparizione dell'orrore", "ala, turbinio" (Sesta Sonata)), o spiegandone il contenuto (“con grazia languida”, “con grazia dolente” (Due Danze op.73)).

Tipi di programmi

Il programma minimo è il titolo del saggio, che indica qualche fenomeno della realtà o un'opera letteraria o arti visive, a cui è associativamente associata una determinata opera musicale. Sono però possibili anche programmi più dettagliati: ad esempio, Antonio Vivaldi ha preceduto ciascuno dei quattro concerti per violino e orchestra “Le Stagioni” con un sonetto dedicato alla stessa stagione.

I musicologi distinguono diversi tipi di programmi: generalizzati (non trama) - come, ad esempio, "Sinfonia pastorale" di L. Beethoven, sinfonie "italiane" e "scozzesi" di F. Mendelssohn, "Rhenish" di R. Schumann o “Giardini sotto la pioggia” di C. Debussy ; tipo di trama generalizzato - ad esempio "Romeo e Giulietta" di P. Tchaikovsky; narrativo-pittorico, come, “

"Scheherazade" di N. A. Rimsky-Korsakov, davanti a noi appaiono le immagini del crudele sultano Shahriyar, dell'abile narratore Scheherazade, immagine maestosa mari e la nave di Sinbad il marinaio che naviga in lontananza. Racconti arabi"Mille e una notte" è diventato il programma di questo meraviglioso lavoro. Rimsky-Korsakov lo ha brevemente delineato nella prefazione letteraria. Ma già il titolo della suite indirizza l’attenzione dell’ascoltatore sulla percezione di un certo contenuto.

G. Berlioz.

Le opere programmatiche (dal greco “programma” - “annuncio”, “ordine”) comprendono opere musicali che hanno un titolo specifico o una prefazione letteraria creata o scelta dal compositore stesso. Grazie a contenuti specifici, la musica del programma è più accessibile e comprensibile per gli ascoltatori. Suo mezzi di espressione particolarmente in rilievo e brillante. Nei lavori di programma, i compositori utilizzano ampiamente il sound design orchestrale, la visualizzazione e sottolineano più fortemente il contrasto tra temi dell'immagine, sezioni della forma, ecc.

La gamma di immagini e temi della musica del programma è ricca e varia. Questa è anche un'immagine della natura: i colori delicati di "L'alba sul fiume Mosca" nell'ouverture dell'opera "Khovanshchina" di M. P. Mussorgsky; la cupa Daryal Gorge, Terek e il castello della regina Tamara nel poema sinfonico “Tamara” di M. A. Balakirev; paesaggi poetici nelle opere di C. Debussy “The Sea”, “Moonlight”. Immagini ricche e colorate di feste popolari sono ricreate nelle opere sinfoniche di M. I. Glinka “Kamarinskaya” e “Aragonese Jota”.

Molte opere di questo tipo di musica sono associate a meravigliose opere della letteratura mondiale. Rivolgendosi a loro, i compositori musicali si sforzano di rivelare i problemi morali su cui hanno riflettuto poeti e scrittori. P. I. Tchaikovsky (fantasy “Francesca da Rimini”) e F. Liszt (“Sinfonia sulla Divina Commedia di Dante”) si sono rivolti alla “Divina Commedia” di Dante. La tragedia di W. Shakespeare “Romeo e Giulietta” è stata ispirata dalla sinfonia di G. con lo stesso nome. L'ouverture fantasy di Berlioz e Čajkovskij, la tragedia "Amleto" - la sinfonia di Liszt. Una delle migliori ouverture di R. Schumann è stata scritta per il poema drammatico "Manfred" di J. G. Byron. Il pathos della lotta e della vittoria, il l'immortalità dell'impresa dell'eroe, che ha dato la vita per la libertà della sua patria, espressa da L. Beethoven nell'ouverture del dramma di J. W. Goethe “Egmont”.

I lavori in programma includono composizioni comunemente chiamate ritratti musicali. Questo è il preludio per pianoforte di Debussy "La ragazza dai capelli di lino", il pezzo per clavicembalo "L'egiziano" di J. F. Rameau, le miniature per pianoforte di Schumann "Paganini" e "Chopin".

A volte un programma di composizione musicale si ispira a opere d'arte. La suite per pianoforte “Pictures at an Exhibition” di Mussorgsky riflette le impressioni del compositore sulla mostra di dipinti dell’artista V. A. Hartmann.

Opere monumentali di grandi dimensioni di musica a programma sono associate agli eventi storici più importanti. Tali, ad esempio, sono le sinfonie di D. D. Shostakovich “1905”, “1917”, dedicate alla prima rivoluzione russa del 1905-1907. e la Rivoluzione d'Ottobre.

La musica a programma attira da tempo molti compositori. Per il clavicembalo furono scritti brani eleganti in stile rococò Compositori francesi Seconda metà del XVII-inizi XVIII secolo. L. K. Daken (“Il cuculo”), F. Couperin (“I vendemmiatori”), Rameau (“La principessa”). Compositore italiano A. Vivaldi ha riunito quattro concerti per violino sotto il titolo generale “Le Stagioni”. Hanno creato sottili schizzi musicali di scene naturali e pastorali. Il compositore ha delineato il contenuto di ogni concerto in un ampio programma letterario. J. S. Bach chiamò scherzosamente uno dei brani per clavicembalo “Capriccio alla partenza dell’amato fratello”. Il patrimonio creativo di J. Haydn comprende più di 100 sinfonie. Tra questi ci sono anche quelli del programma: "Mattina", "Mezzogiorno", "Sera e Tempesta".

La musica a programma occupava un posto importante nel lavoro dei compositori romantici. Ritratti, scene di genere, stati d'animo, sfumature tenui sentimenti umani rivelato in modo sottile e ispirato nella musica di Schumann (cicli di pianoforte “Carnevale”, “Scene per bambini”, “Kreisleriana”, “Arabesque”). Il grande ciclo pianistico di Liszt “Gli anni erranti” divenne una sorta di diario musicale. Ispirato dal suo viaggio in Svizzera, scrisse le opere teatrali “La cappella di Guglielmo Tell”, “Le campane di Ginevra” e “Sul lago Wallendstadt”. In Italia, il compositore rimase affascinato dall'arte dei grandi maestri del Rinascimento. La poesia di Petrarca, il dipinto di Raffaello “Il fidanzamento”, la scultura di Michelangelo “Il pensatore” divennero una sorta di programma nella musica di Liszt.

Il sinfonista francese G. Berlioz incarna il principio della programmazione non in modo generalizzato, ma rivela costantemente la trama nella musica. “The Fantastic Symphony” ha una dettagliata prefazione letteraria scritta dallo stesso compositore. L'eroe della sinfonia finisce al ballo, poi in un campo, poi va all'esecuzione, poi si ritrova in un fantastico Sabba delle streghe. Con l'aiuto della colorata scrittura orchestrale, Berlioz ottiene immagini quasi visive dell'azione teatrale.

I compositori russi si sono spesso rivolti alla musica a programma. Trame fantastiche e fiabesche hanno costituito la base dei dipinti sinfonici: "Night on Bald Mountain" di Mussorgsky, "Sadko" di Rimsky-Korsakov, "Baba Yaga", "Kikimora", "Magic Lake" di A.K. Lyadov. Il potere creativo della volontà e della ragione umana è stato cantato da A. N. Scriabin nel poema sinfonico "Prometeo" ("Poema del fuoco").

La musica del programma richiede bel posto nella creatività Compositori sovietici. Tra le sinfonie di N. Ya. Myaskovsky ci sono "Fattoria collettiva" e "Aviazione". Ha scritto S. S. Prokofiev opera sinfonica“Scythian Suite”, brani per pianoforte “Fleetingness”, “Sarcasms”; R. K. Shchedrin - concerti per orchestra “Naughty ditties”, “Rings”; M.K. Koyshibaev - poesia per orchestra kazaka strumenti popolari « Kazakistan sovietico"; Z. M. Shahidi - poema sinfonico “Buzruk”.