Coloro che pensano che l'arte contemporanea non sia altro che macchie non sistematiche su tele o mostre con letti sfatti come reperti saranno molto sorpresi nel vedere le seguenti opere, perché artisti contemporanei, scultori e altri creatori spesso creano veri e propri capolavori. Sono audaci, sono premurosi e sono molto originali! Guarda tu stesso, non è fantastico?
1. Torta al cubo di Rubik
2. Dipinto di una storia russa in una foto - "I guai non vengono da soli"
3. L'artista invita i visitatori coraggiosi a stare sotto 300 forconi appuntiti appesi al soffitto.
4. Opera della nuova mostra del famoso street artist Banksy
5. Enorme nave fatta di barchette di carta
"L'acqua nel cervello" di Claire Morgan.
6. Opere d'arte dallo sporco sulle auto
Fonte 7Grande piatto da chef a base di razioni dell'esercito
Lo chef Chuck George, il direttore della fotografia Jimmy Plum e il fotografo Henry Hargues hanno collaborato per creare queste curiose installazioni.
Cervello di maiale con patate stufate e manzo con salsa rossa.
Prugne, marmellata di mele e formaggio fuso.
8. Cosa succede se aggiungi dei colori ai famosi loghi sportivi?
9 Bacio in ceramica
10. Installazione "Persone che vedo ma non so"
Migliaia di figurine in metallo in miniatura dell'autore Zadok Ben-David.
11. Deliziosi graffiti
12. Lattine di birra accartocciate in ceramica
13. Installazione interamente composta da libri
14. Torte in miniatura
Al giorno d'oggi, per vedere opere stimolanti arte Non devi andare al museo. Internet ha permesso alle persone di apprezzare e godere dell'arte, fornendo un flusso infinito di capolavori. Tuttavia, trovare ciò che ti entusiasma è tutta un'altra questione. Bisogno di riconsiderare tipi diversi arti come opera d'arte, sculture, fotografie e installazioni. E non è affatto facile e richiede molto tempo. Pertanto, oggi presenteremo alla vostra attenzione alcune delle tendenze più popolari nell'arte in l'anno scorso. Dalle sculture dei libri alle installazioni mozzafiato, queste sono esattamente le tendenze che le persone non possono smettere di ammirare.
1. Sculture e installazioni tratte da libri
Da incredibile sculture di libri Da Brian Dettmer e Guy Laramee alla scultura murale fatiscente di Anouk Kruithof e all'intricato igloo di Miler Lagos. Mai prima d'ora i libri sono stati così popolari arte. Basato sul fatto che tutto più persone passa a e-book, queste opere d'arte sono valutate doppiamente. Sono un gradito promemoria del fatto che, nonostante viviamo nell'era di Internet, i libri avranno sempre un posto speciale.
2. Bellissime installazioni di ombrelli
Spesso gli ombrelli giacciono nell'armadio finché non piove, ma dentro Ultimamente stanno comparendo sempre più in varie installazioni in tutto il mondo. Ombrelli portoghesi di tutti i colori dell'arcobaleno, un'installazione rosa in Bulgaria: questo non è per impedire alle persone di bagnarsi, ma per mostrare come si può creare arte da oggetti ordinari.
3. Arte di strada interattiva
La street art è creata non solo per scopi sociali o politici, ma semplicemente per compiacere i passanti. Dai bambini in sella alle biciclette di Ernest Zacharevic alle scale della metropolitana di Panya Clark, queste installazioni sono costruite per l'interattività. Volutamente o anche senza saperlo, i passanti diventano parte dell'arte, portando una nuova dimensione a un'opera già interessante.
4. Creatività fatta di migliaia di cose
La creatività, creata da mille cose, è sempre interessante. Un fiume che scorre dai libri di Luzinterruptus, un uccello rosso vivo creato dai bottoni e dagli spilli di Ran Hwang, queste installazioni ci mostrano come possono apparire migliaia di cose nelle mani di creatori pazienti. Chi sapeva che un ritratto pixelato potesse essere realizzato con matite puntiniste se non fosse stato per Christian Faur? Questo è un buon esempio di ingegno nell'arte.
5. Sculture epiche di Lego
Mentre i mattoncini di plastica per bambini sono un classico prodotto Lego, alcuni designer li usano per creare sculture epiche. Questi sculture sorprendenti costruito con molta cura, mattone dopo mattone: una spaventosa casa vittoriana, la caverna sotterranea di Batman, il Colosseo romano, una casa di Guerre stellari- sono tutti fantastici.
6. Creatività in tutti i colori dell'arcobaleno
Le creazioni a uno o due colori sono noiose: che ne dici di creazioni che combinano tutti i colori dell'arcobaleno! I creatori di queste installazioni sanno come farti sorridere. La navata dalle finestre arcobaleno di Christopher Janney o le bombe fumogene multicolori di Olaf Breuning non sono solo belle da vedere, devono essere vissute. Anche gli origami e le macchinine sembrano più divertenti se disposti in un arcobaleno di colori.
7. Insiemi di piccole persone
Queste foto ci mostrano quanto poco vivono le persone. Scene di cibo di Christopher Boffoli o mini-kit per strada del designer Slinkachu, queste simpatiche creazioni raccontano la storia storie divertenti Lillipuziani che capiranno e persone normali. Questa è vera arte, che ci fa sentire ciò che non abbiamo mai provato.
8. Migliaia di lampadine a LED
Queste installazioni e sculture si vedono meglio di notte o in una stanza buia. Con l'aiuto del fumo e di un laser, Li Hu ha creato un letto inquietante che provoca sentimenti contrastanti. Makoto Tojiki appende lampadine a corde, creando magnifiche sculture luminose di persone, cavalli e uccelli. Panasonic ha fatto galleggiare 100.000 lampadine a LED lungo il fiume per ricreare il bagliore delle lucciole.
9. Installazioni di thread
Non solo le nonne usano i fili. Di recente, sempre più spesso vengono utilizzati su fotografie o sculture d'epoca. Il designer Perspicere ha tirato i fili in modo che imitassero gli schizzi di vernice a forma del segnale di Batman. Gabriel Dawe ha creato un'incredibile installazione in tutti i colori dell'arcobaleno attaccando grande quantità matasse di filo al soffitto. Apparentemente, i fili nel design sono rilevanti ora.
10. Emozionanti installazioni interattive
Mentre le installazioni all'aperto possono essere molto buone quando il progettista sta lavorando quattro mura- questo gli permette di girarsi più ampio. Il designer francese Serge Salat invita i visitatori a percorrere i molti strati di Beyond, un'esperienza multimediale che combina l'arte orientale con l'arte rinascimentale occidentale. Yayoi Kusama mostra cosa succede quando ai bambini viene data una scorta illimitata di adesivi colorati. Il barbacane di Londra ha recentemente creato una stanza piovosa dove i visitatori non si bagneranno. Chi non vorrebbe visitare una di queste installazioni?
Uno dei modi principali in cui pensiamo. Il suo risultato è l'educazione dei più concetti generali e giudizi (astrazioni). Nell'arte decorativa, l'astrazione è il processo di stilizzazione delle forme naturali.
IN attività artistica l'astrazione è sempre presente; nella sua estrema espressione nelle belle arti, conduce all'astrattismo, una tendenza speciale nelle belle arti del XX secolo, caratterizzata dal rifiuto dell'immagine di oggetti reali, dalla generalizzazione ultima o dal completo rifiuto della forma, composizioni (da linee, punti, macchie, piani e così via), esperimenti con il colore, espressione spontanea mondo interiore artista, il suo subconscio è caotico, disorganizzato forme astratte(espressionismo astratto). I dipinti dell'artista russo V. Kandinsky possono essere attribuiti a questa direzione.
I rappresentanti di alcune tendenze dell'arte astratta hanno creato strutture logicamente ordinate, facendo eco alla ricerca di un'organizzazione razionale delle forme nell'architettura e nel design (il suprematismo del pittore russo K. Malevich, il costruttivismo, ecc.) L'astrattismo si è espresso meno nella scultura che in pittura.
L'astrattismo era una risposta alla disarmonia generale mondo moderno e ha avuto successo perché ha proclamato il rifiuto del consapevole nell'arte e ha chiesto di "rinunciare all'iniziativa per forme, colori, colori".
Realismo
Da p. realismo, dal lat. realis - reale. Nell'arte in senso lato, un riflesso veritiero, obiettivo e completo della realtà con mezzi specifici inerenti ai tipi di creatività artistica.
Le caratteristiche comuni del metodo del realismo sono l'affidabilità nella riproduzione della realtà. Allo stesso tempo, l'arte realistica ha un'enorme varietà di modi di cognizione, generalizzazione, riflessione artistica della realtà (G.M. Korzhev, M.B. Grekov, A.A. Plastov, A.M. Gerasimov, T.N. Yablonskaya, P.D. . Korin e altri)
Arte realistica del XX secolo. acquista brillante tratti nazionali e varietà di forme. Il realismo è l'opposto del modernismo.
avanguardia
Da p. avant - avanzato, garde - distacco - un concetto che definisce le imprese sperimentali e moderniste nell'arte. In ogni epoca sono sorti fenomeni innovativi nelle arti visive, ma il termine "avanguardia" è stato affermato solo all'inizio del XX secolo. In questo momento apparvero tendenze come il fauvismo, il cubismo, il futurismo, l'espressionismo, l'astrattismo. Poi, negli anni '20 e '30, le posizioni d'avanguardia furono prese dal surrealismo. Nel periodo degli anni 60-70 si aggiunsero nuove varietà di arte astratta: varie forme di azionismo, lavoro con oggetti (pop art), arte concettuale, fotorealismo, cinetismo, ecc. Gli artisti d'avanguardia esprimono il loro tipo di protesta contro cultura tradizionale.
In tutte le direzioni d'avanguardia, nonostante il loro grande varietà, si possono distinguere caratteristiche comuni: rifiuto delle norme dell'immagine classica, novità formale, deformazione delle forme, espressione e varie trasformazioni di gioco. Tutto ciò porta all'offuscamento dei confini tra arte e realtà (ready-made, installazione, ambiente), alla creazione di un ideale opera aperta arte, invadendo direttamente l'ambiente. L'arte dell'avanguardia è progettata per il dialogo tra l'artista e lo spettatore, l'interazione attiva di una persona con un'opera d'arte, la partecipazione alla creatività (ad esempio, arte cinetica, happening, ecc.).
Le opere delle tendenze d'avanguardia a volte perdono la loro origine pittorica e vengono equiparate agli oggetti della realtà circostante. Direzioni moderne le avanguardie sono strettamente intrecciate, formando nuove forme di arte sintetica.
metropolitana
Inglese sotterraneo - sotterraneo, sotterraneo. Un concetto che significa una cultura "sotterranea" che si opponeva alle convenzioni e ai limiti della cultura tradizionale. Le mostre di artisti di questa direzione si tenevano spesso non nei salotti e nelle gallerie, ma direttamente a terra, così come nei passaggi sotterranei o nella metropolitana, che in un certo numero di paesi è chiamata metropolitana (sotterranea). Probabilmente, questa circostanza ha anche influenzato il fatto che dietro questa tendenza nell'arte del XX secolo. il nome è stato approvato.
In Russia, il concetto di underground è diventato una designazione per una comunità di artisti che rappresentano l'arte non ufficiale.
Surrealismo
Fr. surrealismo - superrealismo. Direzione nella letteratura e nell'arte del XX secolo. fondata negli anni '20. Nato in Francia per iniziativa dello scrittore A. Breton, il surrealismo divenne presto una tendenza internazionale. I surrealisti credevano che l'energia creativa provenisse dal regno del subconscio, che si manifesta durante il sonno, l'ipnosi, il delirio doloroso, le intuizioni improvvise, le azioni automatiche ( passeggiata casuale matita su carta, ecc.)
Gli artisti surrealisti, a differenza degli astrattisti, non si rifiutano di raffigurare oggetti della vita reale, ma li rappresentano nel caos, volutamente privi di relazioni logiche. L'assenza di significato, il rifiuto di un ragionevole riflesso della realtà è il principio fondamentale dell'arte del surrealismo. Il nome stesso della direzione parla di isolamento dalla vita reale: "sur" in francese è "sopra"; gli artisti non pretendevano di riflettere la realtà, ma collocavano mentalmente le loro creazioni "al di sopra" del realismo, spacciando fantasie deliranti per opere d'arte. Quindi, il numero di dipinti surrealisti includeva opere simili e inspiegabili di M. Ernst, J. Miro, I. Tanguy, nonché oggetti elaborati oltre il riconoscimento dai surrealisti (M. Oppenheim).
La direzione surrealista, guidata da S. Dali, si basava sull'illusoria precisione di riprodurre un'immagine irreale che sorge nel subconscio. I suoi dipinti si distinguono per un modo accurato di scrivere, un'accurata trasmissione del chiaroscuro, la prospettiva, tipica di pittura accademica. Lo spettatore, soccombendo alla persuasività della pittura illusoria, viene trascinato in un labirinto di inganni e misteri irrisolvibili: oggetti solidi si diffondono, oggetti densi diventano trasparenti, oggetti incompatibili si torcono e si capovolgono, volumi massicci diventano senza peso, e tutto ciò crea un'immagine ciò è impossibile nella realtà.
Questo fatto è noto. Una volta in una mostra davanti a un'opera di S. Dalì, lo spettatore è rimasto a lungo, scrutando attentamente e cercando di capirne il significato. Alla fine, in totale disperazione, disse ad alta voce: "Non capisco cosa significhi!" L'esclamazione del pubblico è stata ascoltata da S. Dali, che era alla mostra. "Come puoi capire cosa significa se non lo capisco io stesso", ha detto l'artista, esprimendo così il principio base dell'arte surrealista: dipingere senza pensare, senza pensare, abbandonando la ragione e la logica.
Le mostre di opere surrealiste erano solitamente accompagnate da scandali: il pubblico era indignato, guardando il ridicolo, immagini incomprensibili, credevano di essere stati ingannati, confusi. I surrealisti hanno incolpato il pubblico, hanno dichiarato di essere rimasti indietro, di non essere cresciuti fino alla creatività degli artisti "avanzati".
Le caratteristiche generali dell'arte del surrealismo sono la fantasia dell'assurdo, l'alogismo, le combinazioni paradossali di forme, l'instabilità visiva, la variabilità delle immagini. Gli artisti si sono rivolti all'imitazione arte primitiva, creatività dei bambini e dei malati di mente.
Gli artisti di questa tendenza volevano creare sulle loro tele una realtà che non riflettesse la realtà suggerita dal subconscio, ma in pratica ciò ha portato alla creazione di immagini patologicamente ripugnanti, eclettismo e kitsch (tedesco - kitsch; produzione di massa economica e insapore progettata per effetto esterno).
Alcuni dei reperti surrealisti sono stati utilizzati in aree commerciali. arte decorativa, Per esempio illusioni ottiche, che consente di vedere due diverse immagini o scene in un'unica immagine, a seconda della direzione della vista.
Le opere dei surrealisti evocano le associazioni più complesse, possono essere identificate nella nostra percezione con il male. Visioni terrificanti e sogni idilliaci, violenza, disperazione: questi sentimenti compaiono in varie versioni nelle opere dei surrealisti, influenzando attivamente lo spettatore, l'assurdità delle opere del surrealismo colpisce l'immaginazione associativa e la psiche.
Il surrealismo è controverso fenomeno artistico. Molte figure culturali veramente avanzate, rendendosi conto che questa tendenza distrugge l'arte, hanno successivamente abbandonato le visioni surreali (artisti P. Picasso, P. Klee e altri, poeti F. Lorca, P. Neruda, regista spagnolo L. Bunuel, che ha realizzato film surrealisti). Verso la metà degli anni '60, il surrealismo aveva lasciato il posto a nuovi, ancora più vistosi filoni di modernismo, ma le opere bizzarre, per lo più brutte e prive di senso dei surrealisti riempiono ancora le sale dei musei.
Modernismo
Fr. modernismo, dal lat. modernus - nuovo, moderno. Designazione collettiva per tutti le ultime tendenze, tendenze, scuole e attività dei singoli maestri d'arte del XX secolo, rompendo con la tradizione, il realismo e considerando l'esperimento come base metodo creativo(fauvismo, espressionismo, cubismo, futurismo, astrattismo, dadaismo, surrealismo, pop art, op art, arte cinetica, iperrealismo, ecc.). Il modernismo ha un significato vicino all'avanguardia ed è opposto all'accademismo. Il modernismo è stato valutato negativamente dai critici d'arte sovietici come un fenomeno di crisi della cultura borghese. L'arte ha la libertà di scegliere la sua percorsi storici. Le contraddizioni del modernismo, in quanto tale, devono essere considerate non staticamente, ma nella dinamica storica.
Pop Art
Inglese pop art, dall'arte popolare - arte popolare. Orientamento all'art Europa occidentale e negli Stati Uniti dalla fine degli anni '50. Il periodo di massimo splendore della pop art arrivò nei turbolenti anni '60, quando scoppiarono rivolte giovanili in molti paesi dell'Europa e dell'America. Il movimento giovanile non aveva un unico obiettivo: era unito dal pathos della negazione.
I giovani erano pronti a gettare in mare tutta la cultura del passato. Tutto ciò trova riscontro nell'art.
Una caratteristica distintiva della pop art è la combinazione di sfida e indifferenza. Tutto è ugualmente prezioso o ugualmente inestimabile, ugualmente bello o ugualmente brutto, ugualmente degno o non degno. Forse solo attività pubblicitaria basato sullo stesso atteggiamento spassionatamente professionale verso tutto nel mondo. Non è un caso che sia stata la pubblicità ad avere un enorme impatto sulla pop art, e molti dei suoi rappresentanti hanno lavorato e lavorano ancora nei centri pubblicitari. I creatori di spot pubblicitari e spettacoli sono in grado di fare a pezzi e combinare il detersivo e un famoso capolavoro d'arte nella combinazione di cui hanno bisogno, dentifricio e la fuga di Bach. La pop art fa lo stesso.
motivi cultura di massa sfruttato dalla pop art in diversi modi. Introdotto nell'immagine attraverso un collage o fotografie oggetti reali, di regola, in combinazioni inaspettate o del tutto assurde (R. Rauschenberg, E. War Hall, R. Hamilton). La pittura può imitare tecniche compositive e la tecnica dei cartelloni pubblicitari, l'immagine di un fumetto può essere ingrandita fino alle dimensioni di una grande tela (R. Lichtenstein). La scultura può essere combinata con i manichini. Ad esempio, l'artista K. Oldenburg ha creato la somiglianza dei modelli da esposizione prodotti alimentari dimensioni enormi da materiali insoliti.
Spesso non c'è confine tra scultura e pittura. Un'opera d'arte della pop art spesso non solo ha tre dimensioni, ma riempie anche l'intero spazio espositivo. A causa di tali trasformazioni, l'immagine originale di un oggetto della cultura di massa viene trasformata e percepita in modo completamente diverso rispetto a un vero ambiente quotidiano.
La categoria principale della pop art non lo è immagine artistica, ma la sua "designazione", che salva l'autore dal processo artificiale della sua creazione, l'immagine di qualcosa (M. Duchamp). Questo processo è stato introdotto per espandere il concetto di arte e includervi attività non artistiche, "uscita" dell'arte nel campo della cultura di massa. Gli artisti della pop art sono stati gli iniziatori di forme come l'evento, l'installazione di oggetti, l'ambiente e altre forme arte concettuale. Tendenze simili: underground, iperrealismo, op-art, ready-made, ecc.
Opera d'arte
Inglese arte op, abbreviato. dall'arte ottica - arte ottica. Una tendenza nell'arte del XX secolo, che si è diffusa negli anni '60. Gli artisti dell'op art hanno usato vari illusioni visive, basato sulle caratteristiche della percezione di figure piatte e spaziali. Gli effetti del movimento spaziale, della fusione, delle forme fluttuanti sono stati raggiunti dall'introduzione di ripetizioni ritmiche, colori netti e contrasti tonali, l'intersezione di configurazioni a spirale e reticolo, linee tortuose. Nell'op art, venivano spesso utilizzate installazioni di luce mutevole, costruzioni dinamiche (discusse più avanti nella sezione sull'arte cinetica). Illusioni di movimento fluido, un successivo cambiamento di immagini, una forma instabile, che si ricostruisce continuamente, sorgono nell'op art solo nella sensazione dello spettatore. La direzione continua la linea tecnica del modernismo.
arte cinetica
Dal gr. kinetikos: messa in moto. Una tendenza nell'arte contemporanea associata all'uso diffuso di strutture in movimento e altri elementi di dinamica. Tipo cinetico direzione indipendente prese forma nella seconda metà degli anni Cinquanta, ma fu preceduto da esperimenti nella creazione di plasticità dinamica nel costruttivismo russo (V. Tatlin, K. Melnikov, A. Rodchenko), dadaismo.
Prima arte popolare ci ha anche mostrato campioni di oggetti e giocattoli in movimento, come uccelli di legno della felicità della regione di Arkhangelsk, giocattoli meccanici che imitano i processi lavorativi del villaggio di Bogorodskoye, ecc.
Nell'arte cinetica, il movimento viene introdotto in modi diversi, alcune opere vengono trasformate dinamicamente dallo spettatore stesso, altre - dalle fluttuazioni dell'ambiente aereo, e altre ancora sono messe in moto da un motore o da forze elettromagnetiche. La varietà dei materiali utilizzati è infinita: dai mezzi tecnici tradizionali a quelli ultramoderni, fino ai computer e ai laser. Gli specchi sono spesso usati nelle composizioni cinetiche.
In molti casi, l'illusione del movimento viene creata cambiando l'illuminazione: qui il cinetismo si fonde con l'op art. Le tecniche cinetiche trovano largo impiego nell'organizzazione di mostre, fiere, discoteche, nella progettazione di piazze, parchi, interni pubblici.
Il cinetismo mira alla sintesi delle arti: il movimento di un oggetto nello spazio può essere integrato da effetti di luce, suoni, musica leggera, un film, ecc.
Tecniche dell'arte moderna (avanguardia).
iperrealismo
Inglese iperrealismo. Una direzione nella pittura e nella scultura nata negli Stati Uniti e diventata un evento nel mondo delle belle arti negli anni '70 del XX secolo.
Un altro nome per iperrealismo è fotorealismo.
Gli artisti di questa tendenza hanno imitato una foto con mezzi pittorici su tela. Rappresentavano il mondo di una città moderna: vetrine e ristoranti, stazioni della metropolitana e semafori, edifici residenziali e passanti per le strade. Allo stesso tempo, è stata prestata particolare attenzione alle superfici lucide e riflettenti: vetro, plastica, lucido per auto, ecc. Il gioco di riflessi su tali superfici crea l'impressione di compenetrazione degli spazi.
L'obiettivo degli iperrealisti era rappresentare il mondo non solo in modo affidabile, ma super probabile, super reale. Per questo hanno usato metodi meccanici copiando fotografie e ingrandendole fino alle dimensioni di una grande tela (proiezione dall'alto e griglia di scala). La vernice, di regola, veniva spruzzata con un aerografo per preservare tutte le caratteristiche dell'immagine fotografica, per escludere la manifestazione della calligrafia individuale dell'artista.
Inoltre, i visitatori delle mostre in questa direzione potrebbero incontrarsi nelle sale figure umane, realizzati con moderni materiali polimerici a grandezza naturale, vestiti con un abito già pronto e dipinti in modo tale da non differire affatto dal pubblico. Ciò ha causato molta confusione e persone scioccate.
Il fotorealismo si è posto il compito di affinare la nostra percezione della vita quotidiana, simboleggiando l'ambiente moderno, riflettendo il nostro tempo nelle forme delle "arti tecniche" che si sono diffuse proprio nella nostra era di progresso tecnologico. Fissando ed esponendo la modernità, nascondendo le emozioni dell'autore, il fotorealismo nelle sue opere programmatiche si è trovato al confine dell'arte e l'ha quasi attraversato, perché cercava di competere con la vita stessa.
Pronto
Inglese pronto - pronto. Una delle tecniche comuni dell'arte moderna (avanguardia), che consiste nel fatto che il soggetto della produzione industriale esce dal solito ambiente quotidiano ed è esposto in sala espositiva.
Il significato del readymade è il seguente: quando l'ambiente cambia, cambia anche la percezione dell'oggetto. Lo spettatore vede nell'oggetto sul podio, non una cosa utilitaristica, ma un oggetto artistico, l'espressività della forma e del colore. Il nome readymade fu usato per la prima volta nel 1913-1917 da M. Duchamp in relazione ai suoi "oggetti già pronti" (pettine, ruota di bicicletta, asciugabiberon). Negli anni '60 il ready-made si diffuse in vari ambiti dell'arte d'avanguardia, soprattutto nel dadaismo.
installazione
Dall'inglese. installazione - installazione. Una composizione spaziale creata da un artista da vari elementi: articoli per la casa, prodotti e materiali industriali, oggetti naturali, testo o informazioni visive. I fondatori dell'installazione sono stati il dadaista M. Duchamp ei surrealisti. Creando combinazioni insolite di cose ordinarie, l'artista dà loro una novità significato simbolico. Il contenuto estetico dell'installazione è nel gioco dei significati semantici, che cambiano a seconda di dove si trova l'oggetto - in un ambiente quotidiano familiare o in una sala espositiva. L'installazione è stata creata da molti artisti d'avanguardia R. Rauschenberg, D. Dine, G. Ucker, I. Kabakov.
L'installazione è una forma d'arte diffusa nel XX secolo.
Ambiente
Inglese ambiente - ambiente, ambiente. Un'ampia composizione spaziale, che abbraccia lo spettatore come un ambiente reale, è una delle forme caratteristiche dell'arte d'avanguardia degli anni '60 e '70. L'ambiente naturalistico che imita un interno con figure di persone è stato creato da sculture di D. Segal, E. Kienholz, K. Oldenburg, D. Hanson. Tali ripetizioni della realtà potrebbero includere elementi di finzione delirante. Un altro tipo di ambiente è uno spazio di gioco che coinvolge determinate azioni del pubblico.
Succedendo
Inglese accadendo - accadendo, accadendo. Una sorta di azionismo, il più comune nell'arte d'avanguardia degli anni '60 e '70. Happening si sviluppa come un evento, piuttosto provocato che organizzato, ma gli iniziatori dell'azione coinvolgono necessariamente il pubblico in esso. Happening è nato alla fine degli anni '50 come una forma di teatro. In futuro, gli artisti saranno spesso coinvolti nell'organizzazione di eventi direttamente nell'ambiente urbano o nella natura.
Considerano questa forma come una sorta di lavoro in movimento in cui ambiente, gli oggetti svolgono un ruolo non inferiore ai partecipanti viventi all'azione.
L'azione dell'happening provoca la libertà di ogni partecipante e la manipolazione degli oggetti. Tutte le azioni si sviluppano secondo un programma preventivamente pianificato, in cui però viene data grande importanza all'improvvisazione, che dà sfogo a vari impulsi inconsci. Happening può includere elementi di umorismo e folklore. L'happening ha espresso chiaramente il desiderio dell'avanguardia di fondere l'arte con il corso della vita stessa.
E infine il più avanzato arte contemporanea- Superaereo
Superaereo
Superflat è un termine coniato dall'artista giapponese contemporaneo Takashi Murakami.
Il termine Superflat è stato creato per spiegare il nuovo linguaggio visivo utilizzato attivamente dalla generazione dei giovani. artisti giapponesi come Takashi Murakami: “Stavo pensando alla realtà del disegno e della pittura giapponese ea come si differenzia dall'arte occidentale. Per il Giappone, la sensazione di piattezza è importante. La nostra cultura non è 3D. Forme 2D approvate in storico Pittura giapponese, simile al linguaggio visivo semplice e piatto dell'animazione moderna, dei fumetti e del design grafico."
Arte contemporanea del XXI secolo, più precisamente, la fine del XX - l'inizio del XXI secolo. Questo sarà discusso in questo articolo, il terzo di una serie. Guida all'arte contemporanea. Continueremo la nostra conoscenza dell'arte contemporanea. Considera le tendenze più sorprendenti tra la fine del XX e l'inizio del XXI secolo.
Arte in cui c'è poco significato, ma molto significato (Alexander Genis)
Arte della fine del XX - inizio del XXI secolo- onnivoro, ironico, velenoso, democratico - chiamato tramonto grande epoca. I postmodernisti si sono trovati in una situazione in cui tutto è stato detto prima di loro. E tutto ciò che devono fare è utilizzare ciò che hanno creato, mescolare stili, creare arte, se non nuova, ma riconoscibile...
Nei 2 precedenti articoli della serie, abbiamo considerato:
- Parte 3. Fine del XX - inizio del XXI secolo ( prendere in considerazione in questo articolo)
Come nei 2 articoli precedenti, per ogni tipo di art verranno indicati i luoghi: città, musei, siti dove puoi vedere i loro lavori rappresentanti di spicco. Questo articolo, come i due precedenti, può diventare un altro un incentivo per te a nuovi viaggi!
Dall'articolo imparerai: l'arte è la direzione più sorprendente della fine del XX secolo - inizio del XXI secolo.
- neorealismo;
- Arte minima;
- Postmoderno;
- Iperrealismo;
- installazione;
- Ambiente;
- videoarte;
- Graffiti;
- Transavanguardia;
- Arte del corpo;
- Stuckismo;
- neoplasticismo;
- Arte di strada;
- Arte postale;
- Nessuna arte.
1. NEOREALISMO. Questa è l'arte dell'Italia del dopoguerra, che ha lottato con il pessimismo del dopoguerra.
Il nuovo fronte dell'arte ha unito astrattisti e realisti ed è durato solo 4 anni. Ma ne sono usciti artisti famosi: Gabrielle Muki, Renato Guttuso, Ernesto Treccani. Rappresentavano in modo vivido ed espressivo lavoratori e contadini.
Tendenze simili sono apparse in altri paesi, ma la scuola del neorealismo, apparsa in America grazie agli sforzi del muralista Diego Rivera, è considerata la scuola più brillante.
Guarda: Renato Guttuso - Palazzo Chiaramonte (Palermo, Italia), affreschi di Diego Rivera - Palazzo Presidenziale (Città del Messico, Messico).
Frammento di un affresco di Diego Rivera per l'Hotel Prado di Città del Messico "Sunday Dream in Alameda Park", 1948
2. MINIMO ART. Questa è la direzione dell'avanguardia. Utilizza moduli semplici ed esclude qualsiasi associazione.
Questa direzione è apparsa negli Stati Uniti alla fine degli anni '60. I minimalisti chiamarono Marcel Duchamp (ready-made), Piet Mondrian (neoplasticismo) e Kazimir Malevich (suprematismo) i loro diretti predecessori, chiamarono il suo quadrato nero la prima opera di arte minimale.
Sono state realizzate composizioni estremamente semplici e geometricamente corrette - scatole di plastica, barre di metallo, coni imprese industriali da schizzi di artisti.
Aspetto:
Opere di Donald Judd, Carl Andre, Saul Levitt - Guggenheim Museum (New York, USA), Museum of Modern Art (New York, USA), Metropolitan Museum of Art (New York, USA).
3. POSTMODERNO. Questo è un lungo elenco di tendenze irrealistiche della fine del XX secolo.
Vanchegi Mutu. Collage "Organi genitali di una donna adulta", 2005 La ciclicità è caratteristica dell'arte, ma il postmoderno è stato il primo esempio di "negazione della negazione". All'inizio, il modernismo ha rifiutato i classici, e poi il postmodernismo ha rifiutato il modernismo, come aveva precedentemente rifiutato i classici. I postmodernisti sono tornati a quelle forme e stili che erano prima del modernismo, ma a un livello superiore.
Il postmodernismo è un prodotto dell'era delle nuove tecnologie. Pertanto esso caratteristica salienteè una miscela di stili, immagini, epoche e sottoculture diverse. La cosa principale per i postmodernisti era citare, destreggiarsi abilmente con le citazioni.
Guarda: Tate Gallery (Londra, Regno Unito), Museo Nazionale Centro d'arte contemporanea Pompidou (Parigi, Francia), Guggenheim Museum (New York, USA).
4. IPERREALISMO. Arte che imita la fotografia.
Chuck Vicino. "Roberto", 1974 Quest'arte è anche chiamata superrealismo, fotorealismo, realismo radicale o realismo freddo. Questa direzione è apparsa in America negli anni '60 e dopo 10 anni si è diffusa in Europa.
Gli artisti di questa direzione copiano esattamente il mondo come lo vediamo nella foto. Nelle opere degli artisti si legge una certa ironia sul tecnogeno. Gli artisti raffigurano per lo più scene della vita di una metropoli moderna.
Aspetto: opere di Chuck Close, Don Eddy, Richard Estes - Metropolitan Museum of Art, Guggenheim Museum (New York, USA), Brooklyn Museum (USA).
5. INSTALLAZIONE. Questa è una composizione nella galleria, che può essere creata da qualsiasi cosa, l'importante è che ci sia un sottotesto e un'idea.
Molto probabilmente, questa direzione non esisterebbe se non fosse per l'iconico orinatoio di Duchamp. I nomi dei maggiori installatori mondiali: Dine, Rauschenberg, Beuys, Kunnelis e Kabakov.
La cosa principale nell'installazione è il sottotesto stesso e lo spazio in cui gli artisti si scontrano con oggetti banali.
Guarda: Tate Modern (Londra, Regno Unito), Guggenheim Museum (New York, USA).
6. AMBIENTE. È l'arte di creare una composizione 3D che imita il mondo reale.
Come tendenza nell'arte, l'ambiente è apparso negli anni '20 del XX secolo. L'artista dadaista era in anticipo sui tempi di diversi decenni quando presentò al pubblico la sua opera “Merz Building” - una struttura tridimensionale fatta di vari oggetti e materiali, non adatta ad altro che alla contemplazione.
Mezzo secolo dopo, Edward Kienholtz e George Siegel iniziarono a lavorare in questo genere e ci riuscirono. Nel loro lavoro, hanno necessariamente introdotto un elemento scioccante di fantasia delirante.
Vedi: opere di Edvard Kienholz e George Siegel - Museum of Modern Art (Stoccolma, Svezia).
7. VIDEO ART. Questa direzione è nata nell'ultimo terzo del XX secolo a causa della comparsa di videocamere portatili.
Questo è un altro tentativo di riportare l'arte alla realtà, ma ora con l'aiuto della tecnologia video e informatica. L'americano Nam June Paik ha filmato un video del Papa che cammina per le strade di New York e ne è diventato il primo videoartista.
Gli esperimenti di Nam June Paik hanno influenzato la televisione, video musicali(si trovava in fondo al canale MTV), effetti computerizzati nei film. Il lavoro di June Pike, Bill Viola ha reso questa direzione artistica un campo di sperimentazione. Hanno gettato le basi per "video sculture", "video installazioni" e "video opere".
Guarda: video arte che spazia dallo psichedelico al sociale (popolare in Cina, Chen-che-yen su Youtube.com)
8. GRAFFITI. Iscrizioni e disegni sui muri delle case che portano un messaggio audace.
Apparso per la prima volta negli anni '70 in Nord America. I galleristi di uno dei quartieri di Manhattan erano imparentati con il loro aspetto. Divennero mecenati d'arte dei portoricani e giamaicani che vivevano accanto a loro. I graffiti combinano elementi della sottocultura urbana ed etnica.
Nomi dalla storia dei graffiti: Keith Hering, Jean-Michel Basquiat, John Matom, Kenny Scharf. La persona infame è un artista di graffiti dalla Gran Bretagna Banksy. Ci sono cartoline con il suo lavoro in tutti i negozi di souvenir britannici.
Guarda: Graffiti Museum (New York, USA), opere di Banksy - su banksy.co.uk.
9. TRANSAVANGARD. Una delle tendenze della pittura postmoderna. Combina il passato, la nuova pittura e l'espressività.
Il lavoro dell'artista transavanguardia Alexander Roitburd L'autore del termine transavanguardia è il critico contemporaneo Bonito Oliva. Con questo termine ha definito l'opera di 5 suoi connazionali: Sandro Chia, Enzo Cucchi, Francesco Clemente, Mimmo Paladino, Nicolo de Maria. Il loro lavoro è caratterizzato da: una combinazione di stili classici, mancanza di attaccamento alla scuola nazionale, attenzione al piacere estetico e alla dinamica.
Guarda: Museo Collezione Peggy Guggenheim (Venezia, Italia), Museo d'Arte Moderna a Palazzo (Venezia, Italia), Galleria d'Arte Moderna (Milano, Italia)
10. CORPO ART. Una delle direzioni dell'azionismo. Il corpo funge da tela.
La body art è una delle manifestazioni della cultura punk degli anni '70. È direttamente correlato alla moda per i tatuaggi e il nudismo che apparve allora.
Le immagini dal vivo vengono create proprio di fronte al pubblico, registrate su video e poi trasmesse nella galleria. Bruce Nauman raffigurante un orinatoio di Duchamp in una galleria. Il duo Gilbert e George sono sculture viventi. Rappresentavano il tipo di un inglese medio.
Vedi: ad esempio, sul sito web dell'artista Orlan orlan.eu.
11. STAKISMO. Associazione artistica britannica di pittura figurativa. Opposto ai concettualisti.
La prima mostra è stata a Londra nel 2007 come protesta contro la Tate Gallery. Secondo una versione, hanno protestato in relazione all'acquisto di opere di artisti da parte della galleria per elusione della legge. Il rumore nella stampa ha attirato l'attenzione sugli impilatori. Ora ci sono più di 120 artisti nel mondo. Il loro motto è: un artista che non disegna non è un artista.
Il termine stackismo è stato proposto da Thomson. L'artista Tracey Emin ha esclamato al suo fidanzato Billy Childish: il tuo dipinto è bloccato, bloccato, bloccato! (Ing. Bloccato! Bloccato! Pila!)
Guarda: sul sito stackist stickism.com. Opere di Charlie Thomson e Billy Childish alla Tate Gallery (Londra, UK).
12. NEOPLASTICISMO. Arte astratta. Intersezione di linee perpendicolari di 3 colori.
L'ideologo della regia è l'olandese Piet Mondrian. Considerava il mondo illusorio, quindi il compito dell'artista è purificare la pittura dalle forme sensuali (figurative) in nome di forme estetiche (astratte).
L'artista ha suggerito di farlo nel modo più conciso possibile con l'aiuto di 3 colori: blu, rosso e giallo. Hanno riempito i posti tra le linee perpendicolari.
Il neoplasticismo ispira ancora designer, architetti e grafici industriali.
Aspetto:opere di Piet Mondrian e Theo Vanna Doesburg in Museo Civico L'Aia.
13. ARTE DI STRADA. Arte per la quale la città è una mostra o una tela
L'obiettivo di un artista di strada è quello di coinvolgere istantaneamente un passante in un dialogo con l'aiuto della sua installazione, scultura, poster o stencil.
In Europa, ora sono popolari "shufiti" (installazioni di stivali appesi agli alberi) e "knitta" (iscrizioni di tessuti luminosi lavorati a maglia su semafori, alberi, antenne di automobili).
In Sud America, "pis" o "muralismo" (disegno o iscrizione della trama eseguito magistralmente) è popolare.
Guarda: La Llotja, Old School of Art, Barcellona. Intere sezioni di street art iniziarono ad essere esposte da Sotheby's a Londra.
14. POSTA ART. Movimento internazionale senza scopo di lucro. Utilizza la posta elettronica e la posta ordinaria per distribuire opere d'arte.
Inizialmente, la mail art si è formata come una fusione di tendenze artistiche popolari negli anni '60: concettualismo, arte del libro, video arte, body art.
La mail art è l'invio di un'opera d'arte. L'originale viene inviato a un solo destinatario. E le riproduzioni possono essere inviate a più destinatari via e-mail o posta ordinaria.
I mail artist usano lettere, buste, cartoline, pacchi, francobolli, francobolli. La tecnica più comune è il collage. È stato reso popolare dall'artista americano Ray Johnson, una figura di spicco nella rete. Le gallerie ospitano spesso mostre di mail art.
L'opera di mail art non sono solo cartoline disegnate da artisti o dilettanti, ma quelle che sono passate per posta, hanno francobolli, francobolli, iscrizioni. Pertanto, gli impiegati delle poste sono coautori della mail art.
Vedi: mail art opera sul sito.
15. NO-ART. Si tratta di progetti che esistono esclusivamente sul web.
Ma questo non è un progetto di rete. Riconoscere le opere di net-art non è così facile. Sono caratterizzati da semplicità e semplicità.
Dalle opere di artisti che lavorano in programmi professionali, differiscono per grinta, imparzialità e velocità.
L'arte esiste da quando esiste l'uomo. Ma gli artisti antichi coinvolti in arte rock, riusciva a malapena a immaginare quali strane forme possa assumere l'arte moderna.
1. Anamorfosi
L'anamorfosi è una tecnica per creare immagini che possono essere viste e comprese completamente solo guardandole da una certa angolazione o da un certo luogo. In alcuni casi, l'immagine corretta può essere vista solo guardando un'immagine speculare del dipinto. Uno dei primi esempi di anamorfosi fu dimostrato da Leonardo da Vinci nel XV secolo. Altri esempi storici di questa forma d'arte apparvero durante il Rinascimento.
Nel corso dei secoli, questa tecnica si è evoluta. Tutto è iniziato con immagini tridimensionali ottenute su carta comune, e via via è arrivato arte di strada quando gli artisti imitano vari buchi nei muri o crepe nel terreno.
E l'esempio moderno più interessante è la stampa anamorfica. Un giorno, gli studenti Joseph Egan e Hunter Thompson, studenti di graphic design, hanno applicato sui muri dei corridoi del loro college dei testi distorti, che potevano essere letti solo guardandoli da un certo punto.
2. Fotorealismo
Dagli anni '60, il movimento fotorealista ha cercato di creare il massimo immagini realistiche, che erano quasi indistinguibili da foto reali. Copiare i più piccoli dettagli, fissato dalla fotocamera, gli artisti fotorealisti hanno cercato di creare un "quadro del quadro della vita".
Un altro movimento noto come superrealismo (o iperrealismo) comprende non solo la pittura ma anche la scultura. Anche questo movimento è sotto forte influenza pop art moderna cultura. Ma mentre nella pop art cercano di rimuovere le immagini quotidiane dal contesto, il fotorealismo, al contrario, si concentra su immagini ordinarie, Vita di ogni giorno ricreato con la massima accuratezza possibile.
Gli artisti fotorealisti più famosi includono Richard Estes, Audrey Flack, Chuck Close e lo scultore Dway Hanson. Il movimento è molto controverso tra i critici, che ritengono che l'abilità meccanica prevalga chiaramente sullo stile e sulle idee in esso contenute.
3. Disegnare su macchine sporche
Anche disegnare sullo sporco accumulato su un'auto che non è stata lavata da molto tempo è considerata un'arte, i cui migliori rappresentanti si sforzano di raffigurare iscrizioni un po 'più banali come "lavami".
Un graphic designer di 52 anni di nome Scott Wade è diventato molto famoso per i suoi incredibili disegni che ha creato usando lo sporco sui finestrini delle auto.
E l'artista ha cominciato usando come tela uno spesso strato di polvere sulle strade del Texas, sulle strade ha disegnato varie caricature, e le ha create con le sue stesse dita, chiodi e rametti.
4. Uso di fluidi corporei nell'art
Può sembrare strano, ma ci sono molti artisti che usano i fluidi corporei nel loro lavoro. Potresti averlo già letto da qualche parte, ma molto probabilmente era solo la punta di questo disgustoso iceberg.
Ad esempio, l'artista austriaco Hermann Nitsch usa la propria urina e un gran numero di sangue animale. Dipendenze simili sorsero in lui da bambino, che caddero sul Secondo guerra mondiale, e queste alleanze sono state controverse nel corso degli anni, ci sono state persino diverse cause legali.
Un altro artista brasiliano di nome Vinicius Quesada lavora con il proprio sangue e non usa sangue animale. I suoi dipinti, con dolorose sfumature di rosso, giallo e verde, trasmettono un'atmosfera molto cupa e surreale.
5. Disegno in parti proprio corpo
Non solo gli artisti che utilizzano fluidi corporei sono in aumento. Sta guadagnando popolarità anche l'uso di parti del proprio corpo come pennelli. Prendi Tim Patch. È meglio conosciuto con lo pseudonimo di "Pricasso", che prese in onore del grande Artista spagnolo Pablo Picasso. È anche noto per aver usato il proprio pene come pennello. Questo australiano di 65 anni non ama limitarsi a nulla, quindi oltre al pene usa anche i glutei e lo scroto per disegnare. Patch fa questo lavoro insolito da più di 10 anni. E la sua popolarità sta crescendo di anno in anno.
E Kira Ain Warseji usa i propri seni per dipingere ritratti astratti. Sebbene sia spesso criticata, rimane comunque un'artista a tutti gli effetti che lavora quotidianamente (dipinge anche senza usare il seno).
6. Invertire le immagini 3D
Mentre l'anamorfosi cerca di far sembrare gli oggetti 2D come 3D, il 3D inverso cerca di far sembrare un oggetto 3D come un disegno 2D.
L'artista più notevole in quest'area è Alexa Meade di Los Angeles. Nel suo lavoro, Mead usa prodotti non tossici colori acrilici, con cui fa sembrare i suoi assistenti dei quadri bidimensionali inanimati. Mead ha iniziato a sviluppare questa tecnica nel 2008 ed è stata presentata al pubblico nel 2009.
Il lavoro di Mead è solitamente una persona seduta contro un muro, e dipinta in modo tale che lo spettatore abbia l'illusione che davanti a lui ci sia una normale tela con ritratto ordinario. Potrebbero essere necessarie diverse ore per creare un'opera del genere.
Un'altra figura significativa in questo campo è Cynthia Greig, artista e fotografa con base a Detroit. A differenza di Mid, Greig non usa persone nel suo lavoro, ma normali oggetti domestici. Li copre con carboncino e vernice bianca per farli sembrare piatti dall'esterno.
7. Ombre nell'arte
Le ombre sono intrinsecamente fugaci, quindi è difficile dire quando le persone hanno iniziato a usarle per creare arte. Ma i moderni "artisti delle ombre" hanno raggiunto vette senza precedenti nell'uso delle ombre. Gli artisti utilizzano un attento posizionamento di vari oggetti per creare bellissime immagini in ombra di persone, oggetti o parole.
Gli artisti più importanti in quest'area sono Kumi Yamashita e Fred Erdekens.
Naturalmente, le ombre hanno una reputazione alquanto inquietante e molti "artisti delle ombre" usano temi di orrore, devastazione e degrado urbano nelle loro opere. Tim Noble e Sue Webster sono famosi per questo. Il loro lavoro più famoso si chiama Dirty White Trash, in cui un mucchio di spazzatura getta un'ombra su due persone che bevono e fumano. In un'altra opera, si vede l'ombra di un uccello, forse l'ombra di un corvo, che becca un paio di teste mozzate impalate su pali.
8 Graffiti inversi
Come dipingere su auto sporche, i "graffiti inversi" implicano la creazione di un dipinto rimuovendo lo sporco in eccesso, piuttosto che aggiungendo vernice. Gli artisti usano spesso potenti rondelle per rimuovere lo sporco dai muri e nel processo creare belle immagini. Tutto è iniziato con l'artista Paul "Muse" Curtis, che ha dipinto il suo primo quadro su una parete annerita dalla nicotina di un ristorante dove lavava i piatti.
Un altro artista degno di nota è Ben Long dal Regno Unito, che pratica una versione in qualche modo semplificata di "graffiti al contrario" usando il proprio dito per rimuovere la sporcizia dagli scarichi delle auto sui muri. I suoi disegni durano sorprendentemente a lungo, fino a sei mesi, a patto che non vengano spazzati via dalla pioggia o distrutti da vandali.
9. Illusioni di body art
Letteralmente tutti sono stati impegnati a disegnare sul corpo per molti secoli. Anche gli antichi egizi e maya si cimentarono in questo. Tuttavia, l'illusion body art porta questa antica pratica a un livello completamente nuovo. Come suggerisce il nome, l'illusione della body art implica l'uso del corpo umano come una tela, ma sulla tela questo crea qualcosa che può ingannare l'osservatore. Le illusioni sul corpo possono variare da persone dipinte come animali o macchine a immagini di buchi o ferite aperte nel corpo.
10. Dipingere con la luce
Stranamente, i primissimi praticanti del light painting non lo percepivano come arte. Frank e Lillian Gilbreth hanno affrontato il problema dell'aumento dell'efficienza dei lavoratori dell'industria. Nel 1914, la coppia iniziò a usare la luce e una macchina fotografica per registrare alcuni movimenti delle persone. Studiando i modelli di luce risultanti, speravano di trovare modi per rendere il lavoro del personale più facile e semplice.
E nell'arte, questo metodo iniziò ad essere utilizzato nel 1935, quando l'artista surrealista Man Ray usò una macchina fotografica con un otturatore aperto per scattare foto di se stesso in piedi in flussi di luce. Per molto tempo nessuno ha indovinato che tipo di riccioli chiari sono raffigurati nella foto. E solo nel 2009 è diventato chiaro che non si trattava di un insieme di riccioli di luce casuali, ma di un'immagine speculare della firma dell'artista.