17 jazz e cultura musicale mondiale. Il fenomeno del jazz come fenomeno musicale e artistico del Novecento. Formazione di nuova conoscenza

24.03.2019

Come manoscritto

KORNEV Petr Kazimirovich Il jazz nello spazio culturale del XX secolo

24.00.01 - teoria e storia della cultura

San Pietroburgo 2009

Il lavoro è stato eseguito presso il Dipartimento di varietà artistica musicale dell'Università statale di cultura e arte di San Pietroburgo.

Consulente scientifico -

Dottore in Studi Culturali, ed. O. Il professor E. L. Rybakov

I. A. Bogdanov, dottore in storia dell'arte, prof

I. I. Travin, Candidato di Filosofia, Professore Associato

Avversari ufficiali:

Organizzazione leader -

Università statale di San Pietroburgo

La difesa avrà luogo il 16 giugno 2009 alle 14:00 in una riunione del consiglio di tesi D 210.019.01 presso l'Università statale di cultura e arte di San Pietroburgo all'indirizzo:

191186, San Pietroburgo, terrapieno Dvortsovaya, 2.

La tesi può essere trovata nella biblioteca dell'Università statale di cultura e arte di San Pietroburgo.

Segretario scientifico del consiglio di tesi, dottore in studi culturali, prof

V. D. Leleko

Numerosi libri di consultazione, pubblicazioni enciclopediche e letteratura critica sul jazz distinguono tradizionalmente due fasi: l'era dello swing (fine anni '20 - inizio anni '40) e la formazione del jazz moderno (metà degli anni '40 - '50), e forniscono anche informazioni biografiche su ciascun pianista che si esibisce. . Ma in questi libri non troveremo alcuna caratteristica comparativa o analisi culturale. Tuttavia, la cosa principale è che uno dei nuclei genetici del jazz è nel suo ventesimo secolo (1930-1949). A causa del fatto che nell'arte jazz moderna osserviamo un equilibrio tra le caratteristiche esecutive di "ieri" e di "oggi", è diventato necessario studiare la sequenza di sviluppo del jazz nella prima metà del XX secolo, in particolare il periodo di gli anni '30-'40. Durante questi anni furono migliorati tre stili di jazz: stride, swing e bebop, il che rende possibile parlare della professionalizzazione del jazz e della formazione di uno speciale pubblico di ascolto d'élite entro la fine degli anni '40.

Il grado di sviluppo del problema. Ormai c'è stato una certa tradizione nello studio del patrimonio culturale musicale, compreso

alla ricerca dello stile della musica jazz del periodo in esame. La base della ricerca era il materiale accumulato nel campo degli studi culturali, della sociologia, psicologia sociale, musicologia, nonché studi fattorelogici che coprono la storiografia della questione. Importanti per lo studio sono state le opere di S. N. Ikonnikova sulla storia della cultura e le prospettive per lo sviluppo della cultura, V. P. Bolshakov sul significato della cultura, il suo sviluppo, sui valori culturali, V. D. Leleko, dedicato all'estetica e alla cultura di tutti i giorni vita, le opere di S. T. Makhlina sulla storia dell'arte e la semiotica della cultura, N. N. Suvorov sulla coscienza d'élite e di massa, sulla cultura del postmodernismo, G. V. Skotnikova sugli stili artistici e la continuità culturale, I. I. Travina sulla sociologia della città e dello stile di vita, che analizzare le caratteristiche e la struttura del moderno cultura artistica, il ruolo dell'arte nella cultura di una certa epoca. Nelle opere di scienziati stranieri J. Newton, S. Finkelstein, p. Bergerot esamina i problemi della continuità delle generazioni, le caratteristiche di varie sottoculture diverse dalla cultura della società, lo sviluppo e la formazione di una nuova arte musicale nella cultura mondiale.

Le opere di scienziati domestici hanno dato un contributo significativo allo studio del jazz: E. S. Barban, A. N. Batashov, G. S. Vasyutochkin, Yu. T. Vermenich, V. D. Konen, V. S. Mysovsky, E. L. Rybakova, V. B. Feyertag. Tra le pubblicazioni di autori stranieri meritano un'attenzione particolare I. Wasserberg, T. Lehmann, in cui vengono discussi in dettaglio la storia, gli interpreti e gli elementi del jazz, nonché i libri di Y. Panasier e W. Sargent pubblicati in russo nel Anni '70 -'80. Le opere di I. M. Bril e Yu. N. Chugunov, pubblicate nell'ultimo terzo del XX secolo, sono dedicate ai problemi dell'improvvisazione jazz e all'evoluzione del linguaggio armonico del jazz. Dagli anni '90 in Russia sono state difese oltre 20 tesi di laurea sulla musica jazz. I problemi del linguaggio musicale di D. Brubeck (A. R. Galitsky), improvvisazione e composizione nel jazz (Yu. G. Kinus), problemi teorici di stile nella musica jazz (O. N. Kovalenko), il fenomeno dell'improvvisazione nel jazz (D. R. Livshits), l'influenza del jazz sulla composizione professionale dell'Europa occidentale nella prima metà del XX secolo (M. V. Matyukhina), il jazz come fenomeno socioculturale (F. M. Shak); I problemi della moderna danza jazz nel sistema di educazione coreografica degli attori sono considerati nel lavoro di V. Yu. Niki-

Tina. I problemi della formazione dello stile e dell'armonia sono considerati nelle opere "Jazz Swing" di I. V. Yurchenko e nella tesi di A. N. Fisher "L'armonia nel jazz afro-americano del periodo della modulazione dello stile - dallo swing al bebop". Una grande quantità di materiale fattuale corrispondente al tempo di comprensione e al livello di sviluppo del jazz è contenuta in pubblicazioni nazionali di riferimento ed enciclopediche.

Nonostante la vastità dei materiali sul jazz del periodo in esame, non esistono praticamente studi dedicati all'analisi culturale e stilistica. caratteristiche culturali della performance jazz nel contesto dell'epoca, così come la sottocultura del jazz.

Oggetto dello studio è la specificità e il significato socioculturale del jazz del 3° (M0 del 20° secolo.

Scopo del lavoro: studiare le specificità e il significato socioculturale del jazz degli anni '30 e '40 nello spazio culturale del XX secolo.

Introdurre il concetto di sottocultura jazz nella circolazione scientifica; determinare l'uso di segni e simboli, termini della sottocultura jazz;

Identificare le origini dell'emergere di nuovi stili e movimenti: stride, swing, bebop negli anni '30 e '40 del XX secolo;

le seguenti modalità: integrativa, che prevede l'utilizzo di materiali e risultati di ricerca di un complesso di discipline umanistiche; analisi di sistema, che consente di individuare le relazioni strutturali delle tendenze stilistiche multidirezionali nel jazz; un metodo comparativo che promuove la considerazione delle composizioni jazz nel contesto della cultura artistica.

Novità scientifica della ricerca

Viene determinata l'originalità del jazz degli anni '30 e '40, vengono studiate le caratteristiche del jazz per pianoforte (stride, swing, bebop), le innovazioni degli artisti che hanno influenzato la formazione del linguaggio musicale della cultura moderna;

L'importanza dei risultati creativi è dimostrata musicisti jazz, è stata compilata un'originale tabella schematica dell'attività creativa dei principali pianisti jazz che hanno determinato lo sviluppo delle principali tendenze del jazz negli anni '30 e '40.

Struttura del lavoro. Lo studio si compone di un'introduzione, due capitoli, sei paragrafi, una conclusione, un'appendice e una bibliografia.

L '"Introduzione" comprova la pertinenza dell'argomento scelto, il grado di sviluppo dell'argomento, definisce l'oggetto, il soggetto, lo scopo e gli obiettivi dello studio; fondamenti teorici e metodi di ricerca; è stata individuata la novità scientifica, teorica e significato pratico, vengono fornite informazioni sul test del lavoro.

Il primo capitolo, "L'arte del jazz: dalla massa all'élite", è composto da tre paragrafi.

La nuova arte musicale si sviluppò in due direzioni: in linea con l'industria dell'intrattenimento, all'interno della quale ancora oggi si sviluppa; e come arte indipendente, indipendente da quella commerciale musica popolare. Il jazz della seconda metà degli anni '40 del XX secolo, manifestandosi come arte d'élite, aveva una serie di caratteristiche importanti, tra cui: l'individualità delle norme, dei principi e delle forme di comportamento dei membri della comunità d'élite, diventando così unici; l'uso dell'interpretazione soggettiva, individuale e creativa del familiare; la creazione di una semantica culturale deliberatamente complicata, che richiede una formazione speciale da parte dell'ascoltatore. Il problema della cultura non è la sua biforcazione in “massa” ed “élite”, ma il loro rapporto. Oggi, quando il jazz è praticamente diventato un'arte d'élite, elementi della musica jazz possono apparire anche nei prodotti della cultura di massa internazionale.

Il primo paragrafo, “Lo sviluppo del jazz nella prima metà del XX secolo”, esamina il mondo culturale dell'inizio del XX secolo, in cui emersero nuove direzioni e movimenti artistici. L'impressionismo nella pittura, l'avanguardia nella musica, il modernismo nell'architettura e la nuova musica, emersi alla fine del XIX secolo, conquistarono la simpatia del pubblico.

Quanto segue mostra la creazione di tradizioni culturali e musicali da parte dei coloni del Vecchio Mondo e dell'Africa, che hanno gettato le basi per la storia del jazz. L'influenza europea si rifletteva nell'uso del sistema armonico, nel sistema di notazione, nell'insieme di strumenti utilizzati e nell'introduzione di forme compositive. New Orleans sta diventando una città dove il jazz nasce e si sviluppa, facilitato da confini culturali porosi che offrono molte opportunità di scambio multiculturale. CON fine XVIII secoli, esisteva una tradizione secondo la quale, nei fine settimana e durante le festività religiose, schiavi e persone libere di tutti i colori si riversavano in Congo Square, dove gli africani ballavano e creavano musica senza precedenti. L'affermazione del jazz è stata facilitata anche da: vitale cultura musicale, che unisce l'amore dei cittadini per le arie d'opera, le canzoni da salotto francesi, le melodie italiane, tedesche, messicane e cubane; passione per la danza, poiché la danza era lo spettacolo più accessibile e diffuso senza confini e classi razziali; coltivare una piacevole preparazione

tempo di guida: balli, cabaret, incontri sportivi, escursioni e ovunque il jazz era presente come parte integrante; il predominio delle bande di ottoni, in cui la partecipazione divenne gradualmente prerogativa dei musicisti neri, e brani eseguiti in occasione di matrimoni, funerali o balli contribuirono alla formazione del futuro repertorio jazz.

Più avanti nel paragrafo vengono analizzati i lavori critici e di ricerca di autori europei e americani pubblicati nel periodo degli anni '30 e '40. Molte delle conclusioni e delle osservazioni degli autori rimangono attuali. Viene enfatizzato il ruolo del pianoforte come strumento che, per le sue vaste capacità, “attraeva” i musicisti più versatili. Durante questo periodo: le orchestre swing stavano guadagnando forza (fine anni '20) - iniziò l '"epoca d'oro" dello swing (anni '30 - primi anni '40) e verso la metà degli anni '40. - l'era dello swing è in declino; fino alla fine degli anni '30 furono pubblicati dischi di grammofono di pianisti eccezionali: T. F. Waller, D. R. Morton, D. P. Johnson, W. L. Smith e altri maestri dello stile “stride-piano”, apparvero nuovi nomi; D. Yancey, M. L. Lewis, A. Ammons, P. Johnson - una galassia di pianisti-esecutori rendono popolare con successo il "boogie-woogie". Indubbiamente, gli artisti della fine degli anni '30 e dell'inizio degli anni '40. concentrano nella loro arte tutte le conquiste dell'era swing e i singoli musicisti forniscono idee a una nuova galassia di artisti." L'espansione dei limiti di utilizzo di ogni strumento e l'aumento della complessità della performance acquisisce sofisticazione, raffinatezza del suono complessivo e una si sta sviluppando una tecnica di esecuzione di livello superiore.Un passo serio nello sviluppo del jazz, la divulgazione dei migliori interpreti è nata la serie di concerti "Jazz at the Philharmonic" o in breve "JATP".Nel 1944, questa idea fu inventata e realizzato con successo dall'impresario jazz Norman Granz. La musica, che fino a poco tempo fa serviva come "supporto" per la danza, entra nella categoria della musica da concerto ed è necessario " saper "ascoltare. Anche qui vediamo l'emergere di caratteristiche di un cultura d'élite.

Il secondo paragrafo, “Caratteristiche della cultura jazz”, esamina la formazione del jazz, discussa da teorici e ricercatori. Il jazz è stato definito sia “primitivo” che “barbaro”. Il paragrafo esplora diversi punti di vista sulle origini del jazz. La cultura dei neri ha adottato una forma di autoespressione che è diventata parte della vita quotidiana nella vita americana.

Le peculiarità del jazz includono la natura originale del suono degli strumenti. Apparve la musica comune per danze e sfilate, in cui ogni strumento aveva la propria "voce". La "tessitura" di linee melodiche di strumenti dell'ensemble fu successivamente chiamata "musica di New Orleans" dal nome del suo luogo di nascita. Il primo e più importante strumento del jazz è la voce umana. Ogni cantante straordinario crea uno stile personale. La batteria e le percussioni provengono dalla musica “africana”, tuttavia, l'esecuzione jazz di questi strumenti differisce dalle tradizioni dell'esecuzione “africana”. Le nuove caratteristiche della batteria jazz sono la sorpresa, l'infantilismo e la serietà.

spirito comico, effetti: pause, silenzio improvviso, ritorno al ritmo. La batteria jazz è in definitiva uno strumento d'insieme. Altri strumenti della sezione ritmica - banjo, chitarra, pianoforte e contrabbasso - fanno ampio uso di due ruoli: individuale e d'insieme. La tromba (cornetta) è uno strumento di punta fin dai tempi delle bande “marching” di New Orleans. Un altro strumento importante era il trombone. Il clarinetto era lo strumento “virtuoso” della musica di New Orleans. Il sassofono, che figurava solo marginalmente nella musica di New Orleans, ottenne riconoscimento e popolarità nell'era delle grandi orchestre. Il ruolo del pianoforte nella storia della musica è enorme. Nel jazz sono stati individuati tre approcci al suono di questo strumento. Il primo è costruito su un'eccellente sonorità, intensità percussiva e uso di forti dissonanze; il secondo approccio è anch'esso pianistico “percussivo”, ma con un'enfasi sugli intervalli puri; e il terzo è l'uso di note e accordi continui. Eccezionali interpreti di ragtime e opere teatrali in questo stile sono stati i pianisti che hanno ricevuto educazione professionale(DR Morton, L. Hardin). Hanno portato molto dalla cultura musicale mondiale al jazz. Il jazz di New Orleans ha assunto molte forme perché la musica serviva a molti usi sociali e sociali ruoli sociali nella cultura urbana. Dal ragtime il jazz strumentale ha ricevuto un virtuosismo che mancava al folk blues. Il comportamento degli artisti era nettamente diverso da quello sobrio e classico: urla, canto e abiti pretenziosi divennero caratteristiche integrali dei primi artisti jazz. Gran parte di ciò che c'è nella musica di oggi ha le sue origini nella musica di New Orleans. Questa musica ha dato al mondo musicisti creativi come J. C. Oliver, D. R. Morton, L. Armstrong. La diffusione del jazz fu facilitata dalla chiusura di Storyville, parte di New Orleans, nel 1917. Il movimento dei musicisti jazz verso il Nord ha permesso a questa musica di diventare proprietà di tutta l'America: neri e bianchi, coste orientali e occidentali. La musica jazz non solo ha avuto un forte impatto sulla musica popolare e commerciale, ma ha anche acquisito le caratteristiche di un'arte artistica e musicale complessa, diventando parte integrante della cultura moderna.

La nuova musica comprendeva tutto ciò che veniva chiamato jazz, comprese le sue varie interpretazioni. Secondo il ricercatore inglese F. Newton, la musica ascoltata dagli americani e dagli europei medi dal 1917 al 1935 può essere chiamata jazz ibrido. E rappresentava circa il 97% della musica ascoltata sotto l'etichetta jazz. Gli artisti jazz hanno cercato di acquisire un atteggiamento più serio nei confronti del loro lavoro. Grazie alla moda per tutto americana, il jazz ibrido si diffuse ovunque a grande velocità. E dopo la crisi del 1929-1935, il jazz riacquistò popolarità. In concomitanza con la tendenza verso la serietà nella nuova musica, la musica pop adottò quasi interamente tecniche e arrangiamenti strumentali negri, usando il nome "swing". L'internazionalità e il carattere di massa del jazz gli hanno conferito un carattere commerciale. Tuttavia, il jazz lo era

C’era un forte spirito di rivalità professionale che ci costringeva a cercare nuove strade. Nel corso della sua storia, il jazz ha dimostrato che la musica autentica del XX secolo può evitare la perdita delle qualità artistiche stabilendo un contatto con il pubblico. Il jazz ha sviluppato una propria lingua e tradizioni.

La presa di posizione fenomenologica mira a rivelare come il jazz ci viene presentato, esiste per noi. E, naturalmente, il jazz è la musica degli artisti, subordinata all'individualità del musicista. L'arte del jazz è uno dei mezzi significativi per educare alla cultura in generale e alla cultura estetica in particolare. I musicisti jazz più brillanti avevano la capacità di conquistare il pubblico ed evocare una vasta gamma di emozioni positive. Questi musicisti possono essere classificati come un gruppo speciale di persone, caratterizzate da un'elevata socievolezza, poiché nel jazz lo spirituale diventa visibile, udibile e desiderabile.

Il terzo paragrafo, "Sottocultura jazz", esamina l'esistenza del jazz nella società.

I cambiamenti sociali nella vita degli americani iniziano a manifestarsi all'inizio degli anni '30. Combinano con successo il lavoro diligente con il relax serale. Questi cambiamenti portarono allo sviluppo di nuove istituzioni: sale da ballo, cabaret, ristoranti formali, locali notturni. Nelle zone malfamate di New York, negli habitat bohémien di San Francisco (Bary Coast) e nei ghetti neri, sono sempre esistiti luoghi di intrattenimento informale. Da queste prime sale da ballo e cabaret sono nate le discoteche. I club che proliferarono dopo la prima guerra mondiale somigliavano di più ai music hall. Lo sviluppo dei club e la diffusione del jazz furono aiutati anche dal divieto di bere bevande alcoliche negli Stati Uniti, che durò dal. 1920-1933. Questi saloon per la vendita illegale di alcolici (in inglese - "speakeasy") erano dotati di enormi banconi, tanti specchi, ampie stanze piene di tavoli. La crescita della popolarità degli “speakeasy” è stata facilitata dalla buona cucina, dalla pista da ballo e dallo spettacolo musicale. Molti dei visitatori di questi locali consideravano il jazz un'eccellente aggiunta a tale “relax”. Dopo la revoca del divieto, nel corso del decennio (dal 1933 al 1943) furono aperti numerosi club con musica jazz. Questo era già un nuovo tipo di successo di istituzioni culturali urbane. La popolarità del jazz subì cambiamenti nella seconda metà degli anni Quaranta e i jazz club (per ragioni economiche) divennero una comoda piattaforma per registrare concerti e per abbinarli ad altre forme di intrattenimento. E il fatto che il jazz moderno fosse una musica da ascoltare piuttosto che da ballare cambiò anche l'atmosfera dei club. Naturalmente, i principali centri “club” americani degli anni ’30 e ’40 furono New Orleans, New York, Chicago e Los Angeles.

"Lasciando" New Orleans nel 1917, il jazz divenne proprietà di tutta l'America: costa settentrionale e meridionale, orientale e occidentale. Il percorso mondiale che il jazz seguì, conquistando sempre più nuovi estimatori, fu all'incirca il seguente: New Orleans e zone limitrofe alla città (anni '10); tutte le città del Missi-

sipi, dove venivano chiamate le navi con musicisti a bordo (anni '10); Chicago, New York, Kansas City, città della costa occidentale (1910-1920); Inghilterra, Vecchio Mondo (anni '20-'30), Russia (anni '20).

Il paragrafo fornisce una descrizione dettagliata delle città in cui si è svolto più intensamente lo sviluppo del jazz. Il successivo sviluppo del jazz ebbe un enorme impatto sull'intero periodo festivo. cultura urbana. Contemporaneamente a questo movimento ampio, onnicomprensivo e ufficiale della nuova musica, c'era un altro percorso, non del tutto legale, che ha plasmato anche l'interesse per il jazz. Gli artisti jazz lavoravano per l'"esercito" dei contrabbandieri, suonando nei locali, a volte tutto il giorno, mentre affinavano le loro abilità. La musica jazz in questi locali notturni e saloon fungeva involontariamente da forza attrattiva in questi locali, dove i visitatori venivano introdotti clandestinamente all'alcol. Naturalmente, questo diede origine, molti anni dopo, ad una serie di associazioni ambigue attorno alla parola “jazz”. I primissimi club menzionati nella storia del jazz includono i club di New Orleans “Masonic Hall”, “The Funky Butt Hall”, in questi club suonò il leggendario trombettista B. Bolden, “Artisan Hall”, in “The Few-clothes Cabaret ”, inaugurato nel 1902, relatori F. Keppard, D. C. Oliver, B. Dodds. Il Cadillac Club aprì nel 1914, il Bienville Roof Gardens aprì sul tetto del Bienville Hotel (1922), la discoteca più grande del Sud, la Gypsy Tea Room, aprì nel 1933, e infine, il club Dixieland più famoso di New Orleans è La famosa porta. Nel 1890, nella città di St. Louis e nei suoi dintorni era emerso uno dei primi stili di pianoforte, il ragtime, la cui esecuzione faceva parte della musica domestica e del lavoro per i musicisti. Dopo il 1917, Chicago divenne uno dei centri urbani del jazz, dove continuò lo stile “New Orleans”, che in seguito divenne noto come “Chicago”. Dagli anni venti Chicago è diventata uno dei centri più importanti del jazz. Nei suoi club "Pekin Inn" "Athenia Cafe" "Lincoln Gardens" "Dreamland Ballroom" "Sunset Cafe" "Apex Club" suonavano D.K. Oliver, L. Armstrong, E. Hines, big band di F. Henderson, B. Goodman . A. Tatum amava esibirsi nel piccolo club "Swing Room".

In Oriente, a Filadelfia, lo stile pianistico locale, basato sul ragtime e sul gospel, era contemporaneo agli stili dei pianisti di New Orleans (inizio XX secolo). Anche questa musica risuona ovunque, dando un sapore fondamentalmente nuovo alla cultura urbana. A Los Angeles, nel 1915, i musicisti locali scoprirono il jazz di New Orleans e si cimentarono nell'improvvisazione collettiva, grazie alla tournée dell'orchestra di F. Keppard. Già negli anni '20, più del 40% della popolazione nera di Los Angeles era concentrata in pochi isolati su entrambi i lati di Central Avenue, dall'11a alla 42a strada. Qui si concentravano anche esercizi commerciali, ristoranti, circoli sociali, residenze e locali notturni. Uno dei primi e famosi club fu il Cadillac Cafe. Nel 1917 D. R. Morton si esibiva già lì. Il Club Alabama, in seguito ribattezzato Apex Club, è stato fondato dal batterista e bandleader K. Mosby all'inizio degli anni '20.

Dov, e negli anni '30 e '40 il club continuò ancora un'attiva attività jazzistica. Un po' più lontano c'era il Down Beat Club, dove si esibivano i primi artisti bebop della costa occidentale: la band X. McGee, l'ensemble di C. Mingus e B. Catlett “Swing Stars”. C. Parker ha suonato al club Casa Blanca. Sebbene Central Avenue rimanesse ancora l'anima jazz di Los Angeles, anche i club di altre zone giocarono un ruolo importante. L'Hollywood Swing Club era uno di quei posti. Qui suonavano sia gruppi swing che artisti bebop: L. Young, la B. Carter Orchestra, D. Gillespie e C. Parker si esibirono fino alla metà degli anni '40. Nel 1949 aprì il Lighthouse Cafe. Questo club fu poi glorificato dalle stelle del movimento “kul”. Un altro popolare club della costa occidentale era "The Halg": qui suonavano R. Norvo, J. Mulligan, L. Almeida, B. Shank.

Gli stili musicali jazz emersi in queste città hanno aggiunto un sapore speciale all'atmosfera della cultura urbana. Negli anni '30, il jazz riempiva il tempo libero dei residenti sia “dal basso” (dai locali per bere) che “dall'alto” (dalle enormi sale da ballo), diventando parte della cultura cittadina e unendosi alla cultura di massa sullo sfondo dell'urbanizzazione. Il jazz di questo periodo divenne il sistema di segni, che era ugualmente accessibile a quasi tutti i membri della società. Questo paragrafo identifica l'ambito di utilizzo dei termini verbali e dei simboli e segni non verbali, dà il concetto e definisce i criteri e le caratteristiche della sottocultura jazz. Il mondo del jazz “ha dato vita” a sottoculture, ognuna delle quali forma un mondo speciale con la propria gerarchia di valori, stile e stile di vita, simboli e slang.

Questo paragrafo rivela le caratteristiche tipologiche di varie sottoculture: slang, gergo, comportamento, preferenze nell'abbigliamento e nelle scarpe, ecc.

La sottocultura che preferisce la musica da passo utilizza le frasi "after hour" (dopo il lavoro), "professore", "tickler", "star" (stella). Il comportamento dei pianisti sul palco è cambiato: da un modo serio, classico, conservatore, a volte primitivo, gli artisti di danza (ragtime) e musica di New Orleans sono passati al contrario: l'arte di intrattenere il pubblico (intrattenimento). Gli artisti di Stride, chiamati "professori" o "ticklers", hanno messo in scena intere esibizioni delle loro esibizioni, a partire dall'apparizione davanti al pubblico e dallo spettacolo. Era grottesco, la recitazione, la capacità di presentarsi al pubblico. I dettagli speciali dell'aspetto includevano: un lungo cappotto, un cappello, una sciarpa bianca, un abito lussuoso, stivali di vernice, un fermacravatta con diamanti e gemelli. L'aspetto era completato da un massiccio bastone con un pomello d'oro o d'argento (il bastone era un "deposito" per cognac o whisky). Stride era un buon accompagnamento per un assolo o le coppie ballano- tip tap o step dance. Verso la metà degli anni '30 apparvero sempre più artisti di questo tipo di danza jazz.

La sottocultura dei fan dello stile swing usa nel loro discorso le seguenti parole ed espressioni: "jazzman", "il re",

“great” (suonato alla grande), “blues” (blues), “chorus” (quadrato). I membri dell'orchestra sul palco hanno eseguito movimenti provati, facendo oscillare ritmicamente le campane di tromboni e sassofoni e alzando le trombe verso l'alto. Gli artisti erano vestiti con abiti o smoking carini ed eleganti, cravatte o papillon abbinati e scarpe da ispettore. Lo swing era "accompagnato" dalla sottocultura giovanile nera "zooties", il cui nome deriva dall'abbigliamento "Zoot Suit" - una lunga giacca a righe e pantaloni attillati. I musicisti negri, come gli Zuti, si stiravano artificialmente i capelli e li impolveravano senza pietà. Il cantante e dandy C. Calloway dimostra questo stile nel film Stormy Weather (1943). Una parte significativa del pubblico giovanile è diventata fan dello swing: gli studenti universitari bianchi hanno creato la moda per lo swing. Il pubblico swing ballava per lo più. Ma era anche musica per le orecchie. Fu durante questo periodo che tra gli appassionati di swing nacque l'abitudine di ascoltare circondando il palco su cui suonavano le orchestre jazz, che in seguito divenne parte integrante di tutti gli eventi jazz. Basato atteggiamento diverso alla musica e alla danza nell'era dello swing nacque: la sottocultura degli "alligatori" - questo era il nome di quella parte del pubblico che amava stare sul palco e ascoltare la band; sottocultura "jitterbugs" - parte del pubblico, ballerini che hanno seguito un percorso aggressivo ed estremo di autoespressione. L'era dello swing coincide con l'età dell'oro del tap. I migliori ballerini vengono filmati.

Musicisti e fan dello stile bebop usano altre parole ed espressioni: "dig" (scavare, scavare), "ye, man" (sì, ragazzo), "session" (registrazione, sessione), "cookin"" (cucina, cucina ), "jamming", termini di boxe, "gatti" (gatti - un indirizzo ai musicisti), "cool" (cool). I musicisti dimostrano un comportamento di "protesta" - niente inchini, sorrisi, "raffreddamento" dei rapporti con il "pubblico" ". Nell'abbigliamento è apparsa una negazione dell'identità (serialità), arrivando al punto di negligenza. Occhiali neri, berretti, berretti stanno diventando di moda, i pizzetti stanno crescendo. La dipendenza dalle droghe che distrugge la salute e la psiche sta diventando di moda. Musicisti jazz - droghe, si sta costruendo una catena di vita sfortunata. La caducità del cambiamento porta a un sentimento di fragilità, crea uno stato d'animo di incertezza e instabilità. Manca il conforto mentale, le emozioni positive dalla comunicazione, il bisogno di contemplazione. Molte figure brillanti e talentuose si perdono o si “esauriscono”, abbandonando prematuramente il “percorso” del jazz professionale.

Il jazz moderno ha potuto essere compreso e apprezzato da un pubblico preparato. Una parte di questo pubblico d'élite si era già formata. Questi erano "hipster", uno strato sociale speciale. Questo fenomeno fu al centro dell'attenzione dei ricercatori e della stampa negli anni '40 e '50. Il giornalista e scrittore inglese F. Newton scrive: “L'hipster è un fenomeno della nuova generazione di neri del nord. Il suo sviluppo è stato strettamente intrecciato con la storia del jazz moderno”.

Sfortunatamente, le espressioni unificate e oscene stanno diventando di moda e standard, e spesso ne vengono cosparse in modo inappropriato in ogni conversazione quotidiana dei musicisti, che è scarsa nelle parole normali. Questa feccia

Il linguaggio brutto e imperfetto contrasta in modo così sorprendente con la musica meravigliosa creata da queste persone, che si insinua involontariamente il pensiero che l'immagine del discorso sia un'immagine artificiosa e "indossata" dai musicisti per amore della moda disgustosa di essere come gli altri, muovendosi nel mondo del jazz. Il mondo del jazz ha un'altra caratteristica: dare soprannomi (o soprannomi) ai musicisti. Questi soprannomi, “impiantati” nell'esecutore, diventano il secondo, e più spesso il nome principale dell'artista. Nuovi nomi esistono non solo nei discorsi orali, ma vengono assegnati ai musicisti nei dischi, nei concerti, in TV. Quando parliamo di qualsiasi artista jazz, pronunciamo abitualmente il suo soprannome, che è apparso nel tempo nella sua vita creativa. Ecco alcuni esempi di nomi e soprannomi di musicisti il cui lavoro consideriamo nel nostro lavoro: Edward Kennedy Ellington - "Duke", Thomas Waller - "Fats", William Basie - "Count" "), Willie Smith - "Lion" (" Lion"), Ferdinand Joseph La Mente Morton - "Jelly-Roll" ("Jelly Roll"), Earl Powell - "Bud", Joe Turner - "Big Joe" (" Big Joe"), Earl Hines - "Fatha" ( "Papà") - pianisti; Roland Bernard Berigan (tromba) - "Bunny", Charles Bolden (tromba) - "Buddy", John Burks Gil-lespie (tromba) - "Dizzy", Warren Dodds (batteria) - "Baby", Kenny Clark (batteria) - “Klook”, Joseph Oliver (cornetta) - “King”, Charlie Christophe Parker (sassofono contralto) - “Bird”, William Webb (batteria) - "Chick", Wilbor Clayton (tromba) - "Buck", Joe Nanton (trombone ) - "L'ingannevole Sam" . La tradizione dei soprannomi è strettamente connessa alla storia del jazz e ha origine dai primi interpreti blues. La “rinomina” degli artisti continua a vivere nei prossimi decenni.

Il secondo capitolo, “Le dinamiche di sviluppo del jazz nella cultura artistica del XX secolo”, si compone di tre paragrafi.

Il primo paragrafo, “Cambiamento storico degli stili (stride, swing, bebop)”, esamina il periodo di transizione degli anni '30 e '40 nella storia del jazz. Lo sviluppo di Stride era basato sul ragtime. Questo stile - energico, pieno di impulso - era in sintonia con l'emergere di un numero crescente di meccanismi e vari dispositivi (automobili, aeroplani, telefoni) che cambiavano la vita delle persone e rifletteva il nuovo ritmo della città, come altri tipi arte contemporanea(pittura, scultura, coreografia). L'esecuzione pianistica di questo periodo fu varia: suonando in composizioni Dixieland, in grandi orchestre, suonando da solista (stride, blues, boogie-woogie), partecipando ai primi trii (piano, contrabbasso, chitarra o batteria). I pianisti di New York negli anni '20 divennero i pionieri dello stile "Harlem Stride Piano", la cui mano sinistra "striding" derivava dal ragtime. I migliori interpreti hanno impregnato il loro modo di suonare degli effetti più abbaglianti. Il passo può essere approssimativamente diviso in “presto” e “tardivo”. Uno dei pionieri del primo stry-da è il pianista e compositore newyorkese D. P. Johnson (James Price Johnson)

combinava ragtime, blues e tutte le forme di musica popolare nel suo stile esecutivo, utilizzando la tecnica della “parafrasi” nel suo modo di suonare. Il passo “tardivo” è stato dominato da T. F. Waller (Thomas “Fats” Waller), un continuatore delle idee di Johnson, ma concentrando il suo modo di suonare sulla composizione piuttosto che sull’improvvisazione. È stato il modo di suonare di TF Waller a spingere lo sviluppo dello stile swing. Nel suo lavoro compositivo, T. F. Waller si affidava più alla musica popolare che al ragtime o al primo jazz.

Negli anni '30 anche lo stile “boogie-woogie” divenne estremamente popolare. Gli artisti più importanti erano Jimmy Yancey, Lucky Roberts, Mid Lake Lewis e Albert Ammons. In questi anni mondo dello spettacolo, ballerini, radioascoltatori, collezionisti e professionisti furono uniti dalla musica delle grandi orchestre. Sullo sfondo di un gran numero di big band, le orchestre “stellari” hanno brillato. Questa è l'orchestra di F. Henderson, il cui repertorio era basato su rag, blues e stomp, e l'orchestra di B. Goodman. Il nome di Goodman era sinonimo di "swing". A questo livello hanno contribuito anche i pianisti della sua orchestra: D. Stacy, T. Williams. Tra le big band più importanti dell'era swing figuravano anche: la C. Calloway Orchestra, la A. Shaw Orchestra, la Jimmy e Tommy Dorsey Orchestra, la L. Milinder Orchestra, la B. Eckstine Orchestra, la C. Webb Orchestra, la D Ellington Orchestra, C. Basie Orchestra.

A metà degli anni '40 apparve una galassia di giovani musicisti che iniziarono a suonare in un modo nuovo. Era "jazz moderno" o "be-bop". La gioventù “rivoluzionaria” ha portato una diversa comprensione dell’armonia, una nuova logica per costruire le frasi e nuove figure ritmiche. Il nuovo stile sta iniziando a perdere il suo valore di intrattenimento. È stata una svolta verso la serietà, la vicinanza e l'elitarismo del jazz.

Uno dei fondatori del bebop fu Thelonious Monk. Lui, insieme ad altri artisti di questo stile, ha sviluppato un nuovo sistema armonico. Un altro pianista, Bud Powell, studiò la voce di Monk e la combinò con l'approccio melodico di Parker nel suo modo di suonare. Il ritmo è un elemento chiave nel bebop. I musicisti Bebop suonavano con una "sensazione di swing leggero". Il linguaggio musicale del bebop è pieno di caratteristiche figure melodiche costituite da frasi, movimenti e decorazioni. La teoria dei modi che gli artisti bebop iniziarono ad usare è qualcosa di nuovo nel jazz. Il repertorio di questi musicisti comprendeva temi blues, standard popolari e composizioni originali. Gli standard servono come materiale chiave per i musicisti bebop.

Il secondo paragrafo, “Eccezionali musicisti jazz della prima metà del XX secolo”, introduce i ritratti di eccezionali musicisti degli anni '30 e il loro contributo alla cultura. Una delle figure pioniere nella trasformazione del suono della grande orchestra è Claude Thomhill. Pianista, arrangiatore e leader di big band, uno degli ideatori del jazz “cool”. La figura più importante tra i pianisti bebop fu Bud Powell (“Bad” Earl Rudolph Powell). Questo pianista, sotto l'influenza di Charles Parker, ha applicato con successo le scoperte e le scoperte di questo sassofonista al pianoforte. Musica-

L'abilità di B. Powell era basata anche sui suoi predecessori: A. Tatum, T. Wilson e l'opera del grande J. S. Bach. Il pianista più originale di questo periodo, l'innovatore Thelonious Sphere Monk creò uno stile unico. Le melodie di Monk erano solitamente spigolose, con insolite curve ritmiche e armoniche. T. Monk era un compositore eccezionale. Ha creato strutture compositive in miniatura paragonabili a qualsiasi opera classica. Tra i primi pianisti bop c'era Al Haig (Alan Warren Haig). Nella seconda metà degli anni '40 suonò molto con i creatori del bebop, C. Parker e D. Gillespie. E. Haig ha svolto un ruolo importante nello sviluppo del moderno pianoforte jazz. Un altro musicista, Elmo Hope (St. Elmo Sylvester Nore), è stato influenzato dal modo di suonare di Bud Powell all'inizio della sua carriera. Louis Stein ha iniziato la sua biografia creativa nell'orchestra militare di G. Miller. Pianista eclettico e dotato di tocco, diventa musicista di studio alla fine degli anni '40. Il pianista e arrangiatore Tadley Ewing Peake Dameron è stato uno dei primi importanti compositori di bebop, combinando swing e bellezza orchestrale. Duke Jordan ("Duke" Irving Sidney Jordan) iniziò la sua carriera pianistica suonando in orchestre swing e a metà degli anni '40 si trasferì nel "bopper camp". Musicista lirico e creativo, è anche conosciuto come un compositore prolifico. Il pianista creativo e attivo Hank Henry Jones è stato stilisticamente influenzato da E. Hines, F. Waller, T. Wilson, A. Tatum. H. Jones aveva uno squisito “touché” e “intrecciava” linee melodiche insolitamente flessibili nel suo modo di suonare. Un altro interprete è Dodo Marmarosa (Michael "Dodo" Marmarosa), all'inizio e alla metà degli anni '40 ha suonato nelle orchestre più famose: J. Krupa, T. Dorsey e A. Shaw.

Riassumendo il lavoro dei pianisti più significativi dei tre stili (stride, swing e bebop), è necessario notare separatamente le scoperte creative e i contributi alla cultura musicale di un numero speciale di musicisti. Uno dei primi di questa serie è stato sicuramente Art Tatum (Artthur Jr. Tatum), la “stella” più brillante del pianoforte jazz classico. Ha combinato lo stile swing emergente con gli elementi più virtuosistici del passo. Il pianista Nathaniel Adams "King" Cole registrò alcuni superbi trii (piano, chitarra, contrabbasso) negli anni Quaranta; il virtuoso pianista nero Oscar Emmanuel Peterson, cresciuto nella tradizione del passo, ha sviluppato questo stile, completandolo con una frase elastica e pungente; il pianista autodidatta Erroll Louis Garner appare a New York nel 1944, e presto conquista l'Olimpo del jazz, brillando per il suo stile unico nel suonare gli accordi; Il musicista inglese bianco e cieco George Albert Shearing, ispirato allo stile di F. Waller e T. Wilson, raggiunse la fama sulla scena jazz quando si trasferì a New York nel 1947. Gli ultimi tre degli artisti sopra menzionati hanno portato allo spettatore un'incredibile carica gioiosa di energia proveniente da canzoni e musica familiari.

lodi rifratti da questi pianisti attraverso il prisma del modo individuale di ciascuno di loro. Alla fine degli anni '40 sorse la stella luminosa del giovane Dave Brubeck (David Warren Brubeck), che studiò composizione sotto la direzione di D. Milhaud e teoria musicale con A. Schönberg. Il pianista D. Brubeck suona in uno stile espressivo e “attaccante”, ha un tocco potente, sperimenta con l'armonia e nella combinazione di metri, un melodista originale e sottile.

Il terzo paragrafo esamina “La compenetrazione e l’influenza reciproca del jazz e di altre forme d’arte”.

I primi decenni del XX secolo sono caratterizzati dall'introduzione della musica jazz in altre forme d'arte (pittura, letteratura, musica accademica, coreografia) e in tutte le sfere della vita sociale. Così, la ballerina russa Anna Pavlova nel 1910 a San Francisco fu deliziata dalla danza del "Trotto turco" eseguita da ballerini neri. Il grande artista aveva un ardente desiderio di incarnare qualcosa di simile nel balletto russo. La nuova musica nel suo profondo ha formato i creatori di nuove direzioni del jazz, capaci di isolarlo come arte piena di profonda intelligenza, negandone l'accessibilità. Gli avanguardisti culturali salutavano il jazz come la musica del futuro. L'aria dell '"era del jazz" era particolarmente vicina agli artisti. Gli scrittori americani che hanno creato numerose delle loro opere sui "suoni" del jazz sono Ernest Hemingway, Francis Scott Fitzgerald, Dos Passos, Gertrude Stein, il poeta Ezra Pound, Thomas Stearns Eliot. Il jazz ha creato almeno due tipi di letteratura: la poesia blues e l'autobiografia sotto forma di racconto. Scrittori di moda, critici letterari e giornalisti pubblicati su riviste jazz per intellettuali urbani.

Nelle loro dichiarazioni sul jazz, E. Ansermet e D. Milhaud hanno dimostrato un'ampiezza di vedute. L'elenco più lungo di opere d'arte create sotto l'influenza del jazz sono opere di compositori accademici: "Il bambino e l'incantesimo" e concerti per pianoforte di M. Ravel, "La creazione del mondo" di D. Milhaud, "La storia di un Soldier”, “Ragtime for Eleven Instruments” di I. Stravinsky, “Johnny Plays” di E. Kshenek, musica di K. Weill per produzioni di B. Brecht. Dall'inizio degli anni '30, il jazz e il jazz ibrido, eseguendo funzioni applicate della musica (ricreazione, accompagnamento di riunioni, danza), hanno rielaborato tutte le melodie e le canzoni popolari di musical, produzioni di Broadway, spettacoli e persino alcuni temi classici.

Il romanzo jazz di Dorothy Baker Young Man With a Horn fu pubblicato nel 1938. Quest'opera è stata ristampata più volte e la sua trama ha costituito la base del film con lo stesso nome. Le opere di poeti e scrittori dell'era del "Rinascimento di Harlem" erano piene di passioni incontrollabili, ribollenti e creative, che rivelarono nuovi autori: Kl. Макээ (новела «банджо»), к. в. эчэчтена («Nigger Heaven» - роман о г гарлеме), у. трл (i bambini della primavera »,« il nero il berry », пэээээээээ. In Europa, sotto l'influenza del jazz, furono create diverse opere di J. Cocteau, la poesia "Elegy for Hershel Evans", "Piano Poem in Prose".

Lo scrittore D. Kerwalk ha creato il romanzo “On the Road”, scritto nello spirito del “cool jazz”. L'influenza più forte del jazz si è manifestata tra gli scrittori neri. Pertanto, le opere poetiche di JI. Hughes ricorda i testi delle canzoni blues.

Anche i musicisti jazz si sono trovati sotto i riflettori della moda. L'immagine scenica degli artisti jazz ("dandy" vestiti in modo impeccabile, uomini belli e impolverati) è stata attivamente introdotta nella coscienza, diventando un esempio da seguire, e gli stili degli abiti da concerto dei solisti sono stati copiati. I musicisti Bebop della metà degli anni '40 divennero rivoluzionari nella moda. Le loro caratteristiche nel modo di vestirsi e di comportarsi vengono immediatamente adottate da folle di giovani fan e dalla casta degli “hipster”.

Insieme a questa musica si è sviluppata l'arte dei manifesti jazz. Inoltre, la vendita attiva di dischi, a partire dagli anni '20, ha dato origine alla professione di designer di copertine di dischi (prima a 78 giri, poi a 33,3 giri, - LP "s - abbreviazione di Long Playing. Le registrazioni sui dischi erano la parte più importante creatività dei musicisti, insieme alla vita concertistica notturna. Il numero delle case discografiche era in costante aumento. La qualità delle registrazioni migliorò, le vendite di dischi aumentarono e gli appassionati di jazz, i collezionisti, i ricercatori e i critici si interessarono ad essi. I designer di buste hanno gareggiato, trovando modi di progettare nuovi, accattivanti e originali. Una nuova arte musicale e una nuova pittura furono introdotte nella cultura, perché spesso sulla parte anteriore della busta veniva posta un'immagine stilizzata astratta della composizione dei musicisti o dell'opera di un artista moderno. I dischi jazz si sono sempre distinti per il design di alto livello, e oggi queste opere non possono essere accusate di “benefici” per la cultura di massa o kitsch.

Chiamiamo un'altra arte che ha sentito l'influenza del jazz: la fotografia. Un'enorme quantità di informazioni sul jazz è conservata negli archivi fotografici mondiali: ritratti, momenti di esecuzione, reazioni del pubblico, musicisti fuori dal palco. Tutto ciò ci fornisce schizzi congelati di quasi tutti i periodi della formazione del jazz. Anche il connubio tra jazz e cinema ha avuto successo. Tutto iniziò il 6 ottobre 1927 con l'uscita del primo film sonoro musicale, The Jazz Singer. E poi, negli anni '30, furono pubblicati film con la partecipazione del cantante blues B. Smith, delle orchestre di F. Henderson, D. Ellington, B. Goodman, D. Krupa, T. Dorsey, C. Calloway e molti altri. Questi includono film di storia, film-concerto e cartoni animati con una "colonna sonora" jazz. Con la loro recitazione da solista hanno doppiato cartoni animati negli anni '40 i pianisti A. Ammons e O. Peterson. Durante gli anni della guerra (negli anni '40), le big band di G. Miller e D. Dorsey furono coinvolte nelle riprese per l'ascesa morale personale militare che adempie al proprio dovere verso la propria patria.

Il legame tra la danza e l'arte del jazz merita un'attenzione particolare. La danza veloce, e quindi le sale da ballo, erano estremamente popolari tra i giovani negli anni '30 e '40. Nacque la moda di trascorrere le serate in grandi sale da ballo, dove si tenevano maratone di ballo. Neri-

Gli artisti russi hanno mostrato le ampie possibilità della danza scenica, dimostrando figure acrobatiche e strascichi (o tip tap). Il leggendario ballerino B. Robinson, il coreografo B. Bradley, gli innovatori della danza D. Barton, F. Sondos, creando capolavori sul palco, hanno dato un ottimo esempio alle masse danzanti e le hanno incoraggiate a copiare. A metà degli anni ’30, il termine “danza jazz” si riferiva a vari tipi di danze della musica swing. All'inizio la parola "jazz" potrebbe essere stata un aggettivo, che rifletteva una certa qualità di movimento e comportamento: vivace, improvvisato, spesso sensuale e con un ritmo stravagante. La danza jazz era originariamente ridotta ad alcune delle danze popolari più sincopate nate sotto l'influenza delle tradizioni afroamericane caratteristiche del sud degli Stati Uniti. Grande successo La rivista "Shuffle Along" ("Shuffling Alone"), messa in scena a Broadway nel 1921, alla quale parteciparono solo artisti neri, mostrò le ampie possibilità della danza scenica e presentò al pubblico un'intera galassia di talentuosi ballerini jazz. Gli artisti hanno dimostrato sia un attento “mescolare” dei piedi (“Thar Dancing” o tip tap) sia danze acrobatiche. Il tip tap sta diventando sempre più popolare e molte delle sue figure chiave vengono incorporate nelle loro esibizioni dai ballerini. Gli anni ’30 e ’40 sono definiti “l’età dell’oro del tap”. La popolarità del tip tap sta crescendo in modo significativo e la danza si sta spostando sugli schermi cinematografici.

Allo stesso tempo, la maggior parte delle differenze tra tradizioni di danza, tra musica e danza, sono state cancellate dalla crescente commercializzazione delle big band e dalla trasformazione di questa musica nel mondo dello spettacolo. Dopo la seconda guerra mondiale, il nuovo stile del bebop non fu ascoltato nelle sale da ballo, ma nei nightclub. La nuova generazione di maestri di tip tap B. Buffalo, B. Lawrence, T. Hale è cresciuta con ritmi boper. L'immagine coreografica del jazz è gradualmente emersa. I maestri del tip tap (i fratelli Nichols, F. Astaire, D. Rogers) hanno educato e instillato il gusto nel pubblico con la loro raffinata abilità artistica e la brillante professionalità. I gruppi di danza negra, con la loro plasticità, acrobazie e scoperte innovative, hanno plasmato coreografie future, strettamente legate al jazz, e che si adattano perfettamente allo swing energico.

Le dinamiche della cultura hanno ricevuto impulso per l'attuazione di un modello pluralistico di sviluppo. La nuova ondata di cultura jazz, invadendo lo spazio culturale tradizionale, ha apportato cambiamenti significativi, cambiando il sistema di valori. L'influenza e la penetrazione del jazz nella pittura, nella scultura, nella letteratura e nella cultura hanno portato a una costante espansione dello spazio culturale e all'emergere di una sintesi culturale fondamentalmente nuova.

La “Conclusione” indica il percorso di sviluppo del jazz da fenomeno della cultura di massa ad arte d'élite e riassume il lavoro dei pianisti degli anni '30 e '40 del XX secolo. Vengono presentati i risultati di uno studio sugli stili stride, swing e bebop e vengono indicate le sottoculture nate da questi stili. L'attenzione è rivolta al rapporto tra il jazz e altre forme d'arte: il processo di formazione del linguaggio della cultura moderna. Il jazz si evolve nel corso del XX secolo

secolo, lasciando il segno nell’intero spazio culturale. Si evidenzia la necessità di proseguire lo studio mirato dell'interazione tra la musica jazz e altre forme d'arte.

1. Esecuzione di pianoforte jazz degli anni '30 e '40 del XX secolo // Notizie dall'Università pedagogica statale russa che prende il nome. A. I. Herzen: aspir. tetr. : scientifico rivista - 2008. - N. 25 (58). - pp. 149-158. -1,25 p.l.

2. All'anniversario del jazz // Notizie dall'Università pedagogica statale russa intitolata a. A. I. Herzen: aspir. tetr. : scientifico rivista - 2009. -№96.-S. 339-345.- 1 p.l.

3. Il jazz come fonte di innovazione nell'arte del XX secolo // Notizie dall'Università pedagogica statale russa. A. I. Herzen: aspir. tetr.: scientifico. rivista - 2009. - N. 99. - P. 334-339. - 0,75 p.l.

In altre pubblicazioni:

4. Incontro delle tre arti = Incontro delle tre arti: jazz, arte e vino. - San Pietroburgo: tipo. Radius Print, 2005. - 4 pp.

5. [Incontro delle tre arti] = Incontro delle tre arti: jazz, arte & vino: dedicato al 10° incontro delle tre arti. - San Pietroburgo: tipo. Radius Print, 2006. - 1 p.p.

6. Caratteristiche stilistiche nel lavoro di eccezionali pianisti jazz degli anni '30: improvvisazione solista e accompagnamento: libro di testo. indennità. San Pietroburgo: SPbGUKI, 2007. - 10 pp.

7. Tradizioni pianistiche jazz degli anni '30 e '40 del XX secolo // Problemi moderni di ricerca culturale: materiali scientifici. conferenza 10 aprile 2007: sab. articoli. - San Pietroburgo: SPbGUKI, 2007. - 0,5 p.l.

8. Informazioni sulla masterclass di jazz presso l'Accademia Bavarese di Musica // Materiali della conferenza presso l'Accademia Bavarese di Musica. - Markt-Oberdorf, 2007. - 0,5 p.l. - Su di lui. lingua

9. L'arte del jazz in Russia dagli anni '30 // Materiali della conferenza all'Accademia Bavarese di Musica. - Markt-Oberdorf, 2007. - 0,5 p.l. - Su di lui. lingua

10. Esecutori eccezionali del jazz: programma del corso. - San Pietroburgo. : SPbGUKI, 2008. - 1 pp.

11. L'influenza del corso "esecutori eccezionali nel jazz" sul processo di formazione e espansione dell'interesse professionale di uno studente nella specialità scelta // Paradigmi della cultura del XXI secolo: collezione. articoli basati sui materiali della conferenza di dottorandi e studenti del 18-21 aprile 2008. - San Pietroburgo: SPbGUKI, 2009. - 0,5 p.l.

Firmato per la pubblicazione il 30/04/2009 191186, San Pietroburgo, terrapieno Dvortsovaya, SPbGUKI. 05/04/2009. Galleria di tiro 100. Legge 71

Capitolo I. L'arte del jazz: dalla massa all'élite.

1.1. Lo sviluppo del jazz nella prima metà del XX secolo.

1.2. Caratteristiche della cultura jazz.

1.3. Sottocultura jazz.

Conclusioni al primo capitolo.

Capitolo II. Dinamiche di sviluppo del jazz nella cultura artistica del XX secolo.

2.1. Cambiamento storico degli stili (stride, swing, bebop).

2.2. Musicisti jazz della prima metà del XX secolo.

2.3. Compenetrazione e influenza reciproca del jazz e delle altre arti.

Conclusioni al secondo capitolo.

Introduzione della tesi 2009, abstract sugli studi culturali, Kornev, Petr Kazimirovich

La rilevanza della ricerca. Nel corso del XX secolo il jazz ha suscitato enormi polemiche e discussioni nella cultura artistica mondiale. Per una migliore comprensione e un'adeguata percezione delle specificità del luogo, del ruolo e del significato della musica nella cultura moderna, è necessario studiare la formazione e lo sviluppo del jazz, che è diventato un fenomeno fondamentalmente nuovo non solo nella musica, ma nel vita spirituale di diverse generazioni. Il jazz ha influenzato la formazione di una nuova realtà artistica nella cultura del XX secolo.

Entro la fine degli anni '40 del XX secolo, il jazz divenne parte integrante della cultura mondiale, influenzando la musica accademica, la letteratura, la pittura, il cinema, la coreografia, arricchendo i mezzi espressivi della danza e promuovendo artisti e coreografi di talento ai vertici di quest'arte . Un'ondata di interesse globale per la musica jazz-dance (jazz ibrido) sviluppò insolitamente l'industria discografica e contribuì all'emergere di designer discografici, scenografi e costumisti.

Numerosi studi dedicati allo stile della musica jazz esaminano tradizionalmente il periodo degli anni '20 -'30, per poi esplorare il jazz degli anni '40 -'50. Il periodo più importante - gli anni '30 e '40 - si è rivelato una lacuna nei lavori di ricerca. La saturazione dei cambiamenti degli anni '20 ('30-'40) è un fattore importante per l'apparente "non mescolanza" degli stili su entrambi i lati di questa "colpa" epocale. Il ventennio in questione non è stato specificamente studiato come un periodo della storia della cultura artistica, in cui furono gettate le basi per stili e movimenti che divennero la personificazione della cultura musicale dei secoli XX-XXI, nonché una svolta punto nell'evoluzione del jazz da fenomeno della cultura di massa ad arte d'élite. Va inoltre notato che lo studio del jazz, della stilistica e della cultura dell'esecuzione e della percezione della musica jazz è necessario per creare la comprensione più completa della cultura del nostro tempo.

Il grado di sviluppo del problema. Ad oggi, si è sviluppata una certa tradizione nello studio del patrimonio musicale culturale, compreso lo stile della musica jazz del periodo in esame. La base della ricerca era materiale accumulato nel campo degli studi culturali, della sociologia, della psicologia sociale, della musicologia, nonché studi fattorelogici che coprivano la storiografia della questione. Importanti per lo studio sono state le opere di S. N. Ikonnikova sulla storia della cultura e le prospettive per lo sviluppo della cultura, V. P. Bolshakov sul significato della cultura, il suo sviluppo, sui valori culturali, V. D. Leleko, dedicato all'estetica e alla cultura di tutti i giorni vita, le opere di S. T. Makhlina sulla storia dell'arte e la semiotica della cultura, N. N. Suvorov sulla coscienza d'élite e di massa, sulla cultura del postmodernismo, G. V. Skotnikova sugli stili artistici e la continuità culturale, I. I. Travina sulla sociologia della città e dello stile di vita, che analizzare le caratteristiche e la struttura della cultura artistica moderna, il ruolo dell'arte nella cultura di una certa epoca. Nelle opere di scienziati stranieri J. Newton, S. Finkelstein, p. Bergerot esamina i problemi della continuità delle generazioni, le caratteristiche di varie sottoculture diverse dalla cultura della società, lo sviluppo e la formazione di una nuova arte musicale nella cultura mondiale.

Le opere di M. S. Kagan, Yu. U. Fokht-Babushkin e N. A. Khrenov sono dedicate allo studio dell'attività artistica. L'arte del jazz è considerata nelle opere straniere di L. Fizer, J. L. Collier. Le fasi principali dello sviluppo del jazz nei periodi degli anni 20-30 e 40-50. studiato da J. E. Hasse e un ulteriore studio più dettagliato del processo creativo nello sviluppo del jazz è stato condotto da J. Simon, D. Clark. Le pubblicazioni di J. Hammond, W. Connover e J. Glaser su periodici degli anni '30 e '40: le riviste “Metronome” e “Down Beat” sembrano essere molto significative per comprendere “l'era dello swing” e del jazz moderno.

Le opere di scienziati domestici hanno dato un contributo significativo allo studio del jazz: E. S. Barban, A. N. Batashov, G. S. Vasyutochkin, Yu. T. Vermenich, V. D. Konen, V. S. Mysovsky, E. L. Rybakova, V.B. Feyertag. Tra le pubblicazioni di autori stranieri meritano un'attenzione particolare I. Wasserberg, T. Lehmann, in cui vengono discussi in dettaglio la storia, gli interpreti e gli elementi del jazz, nonché i libri di Y. Panasier e W. Sargent pubblicati in russo nel Anni '70 -'80. Le opere di I. M. Bril e Yu. N. Chugunov, pubblicate nell'ultimo terzo del XX secolo, sono dedicate ai problemi dell'improvvisazione jazz e all'evoluzione del linguaggio armonico del jazz. Dagli anni '90 in Russia sono state difese oltre 20 tesi di laurea sulla musica jazz. I problemi del linguaggio musicale di D. Brubeck (A. R. Galitsky), improvvisazione e composizione nel jazz (Yu. G. Kinus), problemi teorici di stile nella musica jazz (O. N. Kovalenko), il fenomeno dell'improvvisazione nel jazz (D. R. Livshits), l'influenza del jazz sulla composizione professionale dell'Europa occidentale nella prima metà del XX secolo (M. V. Matyukhina), il jazz come fenomeno socioculturale (F. M. Shak); I problemi della moderna danza jazz nel sistema di educazione coreografica degli attori sono considerati nel lavoro di V. Yu Nikitin. I problemi dell'educazione stilistica e dell'armonia sono considerati nelle opere "Jazz Swing" di I. V. Yurchenko e nella tesi di A. N. Fisher "L'armonia nel jazz afro-americano del periodo della modulazione dello stile - dallo swing al bebop". Una grande quantità di materiale fattuale corrispondente al tempo di comprensione e al livello di sviluppo del jazz è contenuta in pubblicazioni nazionali di riferimento ed enciclopediche.

Una delle pubblicazioni di riferimento fondamentali, The Oxford Encyclopedia of Jazz (2000), dà descrizione dettagliata vengono evidenziati tutti i periodi storici del jazz, gli stili, le tendenze, il lavoro di strumentisti, cantanti, le caratteristiche della scena jazz, la diffusione del jazz in vari paesi. Numerosi capitoli della Oxford Encyclopedia of Jazz sono dedicati agli anni 20-30, e poi agli anni 40-50, mentre gli anni 30-40 non sono sufficientemente rappresentati: ad esempio, non ci sono caratteristiche comparative dei pianisti jazz di questo periodo .

Nonostante la vastità dei materiali sul jazz del periodo in esame, non esistono praticamente studi dedicati all'analisi culturale delle caratteristiche stilistiche dell'esecuzione jazz nel contesto dell'epoca, così come della sottocultura jazz.

Oggetto dello studio è l'arte del jazz nella cultura del XX secolo.

Oggetto dello studio sono le specificità e il significato socioculturale del jazz degli anni '30 e '40 del XX secolo.

Scopo del lavoro: studiare le specificità e il significato socioculturale del jazz degli anni '30 e '40 nello spazio culturale del XX secolo.

Per raggiungere questo obiettivo è necessario risolvere i seguenti problemi di ricerca:

Considerare la storia e le caratteristiche del jazz nel contesto delle dinamiche dello spazio culturale del XX secolo;

Individuare le ragioni e le condizioni grazie alle quali il jazz si è trasformato da fenomeno della cultura di massa in arte d'élite;

Introdurre il concetto di sottocultura jazz nella circolazione scientifica; determinare la gamma di utilizzo di segni e simboli, termini della sottocultura jazz;

Identificare le origini dell'emergere di nuovi stili e movimenti: stride, swing, bebop negli anni '30 -'40 del XX secolo;

Sostanziare l'importanza dei risultati creativi dei musicisti jazz, e in particolare dei pianisti, negli anni '30 e '40 per la cultura artistica mondiale;

Descrivi il jazz degli anni '30 e '40 come un fattore che ha influenzato la formazione della cultura artistica moderna.

La base teorica della ricerca di tesi è un approccio culturale globale al fenomeno del jazz. Ti consente di sistematizzare le informazioni accumulate dalla sociologia, dalla storia culturale, dalla musicologia, dalla semiotica e, su questa base, determinare il posto del jazz nella cultura artistica mondiale. Per risolvere i problemi sono stati utilizzati i seguenti metodi: integrativo, che prevede l'utilizzo di materiali e risultati della ricerca di un complesso di discipline umanistiche; analisi di sistema, che consente di individuare le relazioni strutturali delle tendenze stilistiche multidirezionali nel jazz; un metodo comparativo che promuove la considerazione delle composizioni jazz nel contesto della cultura artistica.

Novità scientifica della ricerca

È stata determinata la gamma delle condizioni esterne ed interne per l'evoluzione del jazz nello spazio culturale del XX secolo; è stata rivelata la specificità del jazz della prima metà del XX secolo, che ha costituito la base non solo di tutta la musica popolare, ma anche di nuove e complesse espressioni artistiche forme musicali(teatro jazz, film d'arte con musica jazz, balletto jazz, film documentari sul jazz, concerti di musica jazz in prestigiose sale da concerto, festival, programmi di spettacoli, progettazione di dischi e manifesti, mostre di musicisti jazz - artisti, letteratura sul jazz, concerti jazz - musica jazz scritta in forme classiche (suite, concerti);

Viene evidenziato il ruolo del jazz come componente più importante della cultura urbana degli anni '30 e '40 (piste da ballo comunali, cortei e spettacoli di strada, una rete di ristoranti e caffè, jazz club chiusi);

Il jazz degli anni '30 e '40 è caratterizzato come un fenomeno musicale che ha in gran parte determinato le caratteristiche della moderna cultura d'élite e di massa, dell'industria dell'intrattenimento, del cinema e della fotografia, della danza, della moda e della cultura quotidiana;

Il concetto di sottocultura jazz è stato introdotto nella circolazione scientifica, sono stati individuati criteri e segni di questo fenomeno sociale; viene definita la gamma di utilizzo dei termini verbali e dei simboli e segni non verbali della sottocultura jazz;

È stata determinata l'originalità del jazz degli WSMY, sono state studiate le caratteristiche del jazz per pianoforte (stride, swing, bebop), le innovazioni degli artisti che hanno influenzato la formazione del linguaggio musicale della cultura moderna;

Il significato dei risultati creativi dei musicisti jazz è dimostrato, è stato compilato un diagramma originale dell'attività creativa dei principali pianisti jazz, che hanno determinato lo sviluppo delle principali tendenze del jazz negli anni '30 e '40.

Principali provvedimenti presentati a difesa

1. Il jazz nello spazio culturale del XX secolo si è sviluppato in due direzioni. Il primo si è sviluppato nell'ambito dell'industria dell'intrattenimento commerciale, all'interno della quale esiste ancora oggi il jazz; la seconda direzione è quella di un'arte indipendente, indipendente dalla musica popolare commerciale. Queste due direzioni hanno permesso di determinare il percorso di sviluppo del jazz da fenomeno della cultura di massa a arte d'élite.

2. Nella prima metà del XX secolo, il jazz è entrato a far parte degli interessi di quasi tutti gli strati sociali. Negli anni '30 e '40 il jazz si affermò finalmente come una delle componenti più importanti della cultura urbana.

3. La considerazione del jazz come sottocultura specifica si basa sulla presenza di una terminologia speciale, caratteristiche dei costumi di scena, stili di abbigliamento, scarpe, accessori, design di manifesti jazz, copertine di dischi di grammofono, originalità del linguaggio e comunicazione non verbale nel jazz.

4. Il jazz degli anni '30 -'40 ha avuto un grave impatto sul lavoro di artisti, scrittori, drammaturghi, poeti e sulla formazione del linguaggio musicale della cultura moderna, compreso quello quotidiano e festivo. Sulla base del jazz hanno avuto luogo la nascita e lo sviluppo della danza jazz, del tip tap, dei musical e di nuove forme dell'industria cinematografica.

5. Gli anni '30 e '40 del XX secolo furono il periodo della nascita di nuovi stili di musica jazz: stride, swing e bebop. La complicazione del linguaggio armonico, delle tecniche tecniche, degli arrangiamenti e il miglioramento delle capacità esecutive portano all'evoluzione del jazz e influenzano lo sviluppo dell'arte jazz nei decenni successivi.

6. Il ruolo delle capacità esecutive e delle personalità dei pianisti nei cambiamenti stilistici del jazz e nel cambiamento coerente degli stili jazz del periodo in studio è molto significativo: passo - J.P. Johnson, L. Smith, F. Waller, swing - A Tatum, T. Wilson, J. Stacy al bebop - T. Monk, B. Powell, E. Haig.

Significato teorico e pratico della ricerca

I materiali della ricerca di tesi e i risultati ottenuti ci consentono di ampliare la conoscenza sullo sviluppo della cultura artistica del XX secolo. Il lavoro traccia il passaggio da spettacoli di danza spettacolari di massa davanti a una folla di migliaia di persone alla musica d'élite che può suonare a diverse dozzine di persone, rimanendo riuscita e completa. La sezione dedicata alle caratteristiche degli stilemi di stride, swing e bebop ci consente di considerare l'intero complesso di nuovi lavori comparativi e analitici sugli artisti jazz per decennio e per il movimento fase per fase verso la musica e la cultura del nostro tempo.

I risultati della ricerca di tesi potranno essere utilizzati nell'insegnamento dei corsi universitari di “storia della cultura”, “estetica del jazz”, “interpreti eccezionali del jazz”.

Il lavoro è stato testato in relazioni a conferenze scientifiche interuniversitarie e internazionali “Problemi moderni della ricerca culturale” (San Pietroburgo, aprile 2007), presso l’Accademia bavarese di musica (Marktoberdorf, ottobre 2007), “Paradigmi della cultura del 21° secolo in la ricerca di giovani scienziati” (San Pietroburgo, aprile 2008), presso l'Accademia musicale bavarese (Marktoberdorf, ottobre 2008). Il materiale della tesi è stato utilizzato dall'autore durante l'insegnamento del corso "Artisti eccezionali nel jazz" presso il Dipartimento di varietà musicale e arte dell'Università statale di cultura e cultura di San Pietroburgo. Il testo della tesi è stato discusso durante le riunioni del Dipartimento di arte musicale di varietà e del Dipartimento di teoria e storia della cultura dell'Università statale di cultura e cultura di San Pietroburgo.

Conclusione del lavoro scientifico tesi sul tema "Il jazz nello spazio culturale del XX secolo"

Conclusione

L'inizio del XX secolo è stato caratterizzato dall'emergere di una nuova realtà artistica nella cultura. Il jazz, uno dei fenomeni più significativi e vivaci dell'intero XX secolo, ha influenzato non solo lo sviluppo della cultura artistica, dei vari tipi di arte, ma anche la vita quotidiana della società. Come risultato dello studio, arriviamo alla conclusione che il jazz nello spazio culturale del XX secolo si è sviluppato in due direzioni. Il primo si è sviluppato nell'ambito dell'industria dell'intrattenimento commerciale, all'interno della quale esiste ancora oggi il jazz; la seconda direzione è quella di un'arte indipendente, indipendente dalla musica popolare commerciale. Queste due direzioni hanno permesso di determinare il percorso di sviluppo del jazz da fenomeno della cultura di massa a arte d'élite.

La musica jazz, dopo aver superato tutte le barriere razziali e sociali, alla fine degli anni '20 acquisì un carattere di massa e divenne parte integrante della cultura urbana. Nel periodo degli anni '30 e '40, in connessione con lo sviluppo di nuovi stili e movimenti, il jazz si è evoluto e ha acquisito le caratteristiche di un'arte d'élite, che è continuata praticamente per tutto il XX secolo.

Oggi tutti i movimenti e gli stili del jazz sono vivi: jazz tradizionale, grandi orchestre, boogie-woogie, stride, swing, bebop (neo-bop), feauge, latin, jazz-rock. Tuttavia, le basi di queste tendenze furono gettate all’inizio del XX secolo.

Come risultato dello studio, siamo giunti alla conclusione che il jazz non è solo un certo stile nell'arte della musica, il mondo del jazz ha dato origine a fenomeni sociali - sottoculture in cui si è formato un mondo speciale con i propri valori , stile e stile di vita, comportamento, preferenze in vestiti e scarpe . Il mondo del jazz vive secondo le proprie leggi, dove vengono accettate determinate figure retoriche, viene utilizzato lo slang specifico, dove ai musicisti vengono assegnati soprannomi originali, che in seguito ricevono lo status di nome pubblicato su poster e dischi. Il modo stesso di esibirsi e di comportarsi dei musicisti sul palco sta cambiando. Anche l'atmosfera in sala tra gli ascoltatori diventa più rilassata. Pertanto, ogni movimento del jazz, ad esempio stride, swing, bebop, ha dato vita alla propria sottocultura.

Nello studio è stata prestata particolare attenzione allo studio del lavoro dei musicisti jazz che hanno influenzato lo sviluppo sia della musica jazz stessa che di altre arti. Se in precedenza i ricercatori si rivolgevano al lavoro di artisti e musicisti famosi, in questa ricerca di tesi viene studiato specificamente il lavoro di pianisti poco conosciuti (D. Guarnieri, M. Buckner, D. Stacy, K. Thornhill, JI. Tristano), mostrando il ruolo significativo della loro creatività nella formazione delle tendenze e degli stili del jazz moderno.

Particolare attenzione nello studio è rivolta alla compenetrazione e all'influenza reciproca del jazz e di altre arti, come la musica accademica, la letteratura, l'arte dei manifesti jazz e il design delle buste, la fotografia e il cinema. La simbiosi tra danza e jazz portò alla nascita dello step, la danza jazz, e influenzò l'arte della danza del XX secolo. Il jazz è stato la base di nuove forme d'arte: musical, musical cinematografici, film musicali, riviste cinematografiche, programmi di spettacoli.

Il jazz dei primi decenni del XX secolo fu attivamente introdotto in altre forme d'arte (pittura, letteratura, musica accademica, coreografia) e in tutte le sfere della vita sociale. L'influenza del jazz non è sfuggita:

Musica accademica. “Il bambino e l’incanto” di M. Ravel, i suoi concerti per pianoforte, “La creazione del mondo” di D. Milhaud, “La storia di un soldato”, “Ragtime for Eleven Instruments” di I. Stravinsky, “Johnny Plays ” di E. Kschenek, musica di C. Weill per produzioni L'influenza del jazz di B. Brecht è evidente in tutte queste opere.

Letteratura. Così nel 1938 fu pubblicato il romanzo di Dorothy Baker sul jazz, Young Man With a Horn. Le opere di poeti e scrittori dell'era del "Rinascimento di Harlem" erano piene di passioni attive, ribollenti e creative, rivelando nuovi autori. Uno di più lavori successivi sul jazz è il romanzo di Jack Kerwalk On the Road, scritto nello spirito del cool jazz. L'influenza più forte del jazz si è manifestata tra gli scrittori neri. Le opere poetiche di L. Hughes ricordano i testi delle canzoni blues. La grafica dei poster jazz e il design delle copertine dei dischi si sono evoluti insieme alla musica. Una nuova arte musicale e una nuova pittura furono introdotte nella cultura, perché spesso sulla parte anteriore della busta veniva posta un'immagine stilizzata astratta della composizione dei musicisti o dell'opera di un artista moderno.

Fotografia, perché nell'archivio fotografico mondiale è conservata un'enorme quantità di informazioni sul jazz: ritratti, momenti di esecuzione, reazioni del pubblico, musicisti fuori dal palco.

Il cinema dove tutto ebbe inizio il 6 ottobre 1927 con l'uscita del primo film sonoro musicale, Il cantante di jazz. E poi, negli anni '30, furono pubblicati film con la partecipazione del cantante blues B. Smith, delle orchestre di F. Henderson, D. Ellington, B. Goodman, D. Krupa, T. Dorsey, C. Calloway e molti altri. Durante gli anni della guerra (negli anni '40), le big band di G. Miller e D. Dorsey furono coinvolte nelle riprese di film per sollevare il morale del personale militare. danze inseparabili nel co-sviluppo creativo con il jazz, soprattutto nel periodo degli anni '30. A metà degli anni ’30, il termine “danza jazz” si riferiva a vari tipi di danze della musica swing. Gli artisti hanno rivelato le ampie possibilità della danza scenica, dimostrando figure acrobatiche e strascichi (o tip tap). Il periodo tra gli anni '30 e '40, chiamato "l'età dell'oro del tap", ha introdotto il pubblico a un'intera galassia di talentuosi ballerini jazz. La popolarità del tip tap sta crescendo in modo significativo e la danza si sta spostando sugli schermi cinematografici. Una nuova generazione di ballerini di tip tap è cresciuta sui ritmi Bopper. L'immagine coreografica del jazz è gradualmente emersa. I maestri del tip tap, con la loro raffinata maestria e la brillante professionalità, hanno educato e instillato il gusto nel pubblico. I gruppi di ballo, con la loro plasticità, acrobazie e scoperte innovative, hanno formato la futura coreografia, strettamente legata al jazz, che si adatta perfettamente allo swing energico.

Il jazz è parte integrante della cultura moderna e può essere convenzionalmente rappresentato come costituito da diversi livelli. La più alta è l'arte musicale del vero jazz e delle sue creazioni, jazz ibrido e derivati della musica commerciale creati sotto l'influenza del jazz. Questa nuova arte musicale si inserisce organicamente nel mosaico della cultura, influenzando altre forme d'arte. Un livello separato è occupato dai "creatori del jazz": compositori, strumentisti, cantanti, arrangiatori, appassionati e intenditori di quest'arte. Esistono connessioni e relazioni ben consolidate tra loro, basate sulla creatività, ricerca e risultati musicali. Le connessioni interne degli artisti che suonano in ensemble, orchestre e combo si basano su una sottile comprensione reciproca, unità di ritmo e sentimenti. Il jazz è uno stile di vita. Consideriamo il livello “inferiore” del mondo del jazz la sua sottocultura speciale, nascosta nelle complesse relazioni tra i musicisti e il pubblico “vicino al jazz”. Varie forme del livello convenzionale "inferiore" di quest'arte appartengono interamente al jazz o fanno parte delle sottoculture giovanili alla moda (hipsters, zutis, Teddy boys, stile caraibico, ecc.).La "classe" privilegiata piuttosto ristretta dei musicisti jazz , però, è fratellanza internazionale, una comunità di persone unite dalla stessa estetica della musica jazz e della comunicazione.

Concludendo quanto sopra, concludiamo che il jazz si è evoluto nel corso del XX secolo, lasciando il segno nell'intero spazio culturale.

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Il jazz è una forma di arte musicale nata all'inizio del XX secolo negli Stati Uniti come risultato della sintesi delle culture africana ed europea e successivamente si è diffusa.

Il jazz è musica straordinaria, viva, in continua evoluzione, che incorpora il genio ritmico dell'Africa, i tesori dell'arte millenaria dei tamburi, dei canti rituali e cerimoniali. Aggiungi il canto corale e solista battista, Chiese protestanti- cose opposte si sono fuse insieme, regalando al mondo un'arte straordinaria! La storia del jazz è insolita, dinamica, piena di eventi sorprendenti che hanno influenzato il processo musicale mondiale.

Cos'è il jazz?

Tratti caratteriali:

poliritmia basata su ritmi sincopati,
bit - pulsazione regolare,
swing - deviazione dal ritmo, un insieme di tecniche per eseguire la struttura ritmica,
improvvisazione,
gamma armonica e timbrica colorata.

Questo tipo di musica è emerso all'inizio del XX secolo come risultato della sintesi delle culture africana ed europea come un'arte basata sull'improvvisazione combinata con una forma di composizione preconcetta, ma non necessariamente scritta. Diversi artisti possono improvvisare contemporaneamente, anche se nell'insieme si sente chiaramente una voce solista. L'immagine artistica completa di un'opera dipende dall'interazione dei membri dell'ensemble tra loro e con il pubblico.

L'ulteriore sviluppo della nuova direzione musicale si è verificato grazie alla padronanza di nuovi modelli ritmici e armonici da parte dei compositori.

Oltre allo speciale ruolo espressivo del ritmo, sono state ereditate altre caratteristiche della musica africana: l'interpretazione di tutti gli strumenti come percussioni, ritmici; predominanza delle intonazioni conversazionali nel canto, nell'imitazione discorso colloquiale quando si suona la chitarra, il pianoforte, gli strumenti a percussione.

La storia del jazz

Le origini del jazz risiedono nelle tradizioni della musica africana. I popoli del continente africano possono essere considerati i suoi fondatori. Gli schiavi portati nel Nuovo Mondo dall'Africa non provenivano dalla stessa famiglia e spesso non si capivano. La necessità di interazione e comunicazione ha portato all'unificazione e alla creazione di un'unica cultura, inclusa la musica. È caratterizzato da ritmi complessi, danze con colpi di piede e applausi. Insieme ai motivi blues, hanno dato una nuova direzione musicale.

I processi di mescolanza della cultura musicale africana con quella europea, che ha subito grandi cambiamenti, si sono verificati a partire dal XVIII secolo e nel XIX hanno portato all'emergere di una nuova direzione musicale. Pertanto, la storia mondiale del jazz è inseparabile dalla storia del jazz americano.

Storia dello sviluppo del jazz

La storia della nascita del jazz ha origine a New Orleans, nel sud americano. Questa fase è caratterizzata dall'improvvisazione collettiva di diverse versioni della stessa melodia da parte di un trombettista (voce principale), clarinettista e trombonista sullo sfondo di un accompagnamento di marcia di ottoni bassi e batteria. Un giorno significativo - 26 febbraio 1917 - poi nello studio di New York della compagnia Victor, cinque musicisti bianchi di New Orleans registrarono il primo disco di grammofono. Prima dell'uscita di questo disco, il jazz rimase un fenomeno marginale, folklore musicale, e in seguito, in poche settimane, sbalordì e sconvolse tutta l'America. La registrazione apparteneva alla leggendaria "Original Dixieland Jazz Band". È così che il jazz americano ha iniziato la sua orgogliosa marcia nel mondo.

Negli anni '20 furono trovate le caratteristiche principali degli stili futuri: una pulsazione uniforme del contrabbasso e della batteria, che contribuiva allo swing, agli assoli virtuosistici e ad un modo di improvvisazione vocale senza parole usando sillabe individuali ("scat"). Il blues ha preso un posto significativo. Successivamente, entrambe le fasi - New Orleans, Chicago - sono unite dal termine "Dixieland".

Nel jazz americano degli anni '20 emerse un sistema armonico chiamato "swing". Lo swing è caratterizzato dall'emergere di un nuovo tipo di orchestra: la big band. Con l'incremento dell'orchestra abbiamo dovuto abbandonare l'improvvisazione collettiva e passare all'esecuzione di arrangiamenti registrati su spartito. L'arrangiamento divenne una delle prime manifestazioni degli inizi del compositore.

Una big band è composta da tre gruppi di strumenti - sezioni, ognuno dei quali può suonare come uno strumento polifonico: una sezione di sassofoni (più tardi con clarinetti), una sezione di "ottoni" (trombe e tromboni), una sezione ritmica (pianoforte, chitarra, contrabbasso, batteria).

Apparve l'improvvisazione solista basata sul “quadrato” (“coro”). "Square" è una variazione, uguale in durata (numero di battute) al tema, eseguita sullo sfondo dello stesso accompagnamento di accordi del tema principale, a cui l'improvvisatore adatta nuove svolte melodiche.

Negli anni '30, il blues americano divenne popolare e si diffuse la forma della canzone a 32 battute. Nello swing, il “riff” – uno spunto ritmicamente flessibile da due a quattro battute – ha cominciato ad essere ampiamente utilizzato. Viene eseguita dall'orchestra mentre il solista improvvisa.

Tra le prime big band c'erano orchestre guidate da famosi musicisti jazz: Fletcher Henderson, Count Basie, Benny Goodman, Glen Miller, Duke Ellington. Quest'ultimo già negli anni '40 si rivolse a grandi forme cicliche basate sul folklore negro e latinoamericano.

Il jazz americano negli anni '30 venne commercializzato. Pertanto, tra gli amanti e gli intenditori della storia dell'origine del jazz, è nato un movimento per la rinascita di stili precedenti e autentici. Il ruolo decisivo è stato svolto dai piccoli gruppi neri degli anni '40, che hanno scartato tutto ciò che era pensato per l'effetto esterno: varietà, danza, canto. Il tema veniva suonato all'unisono e quasi mai suonava nella sua forma originale; l'accompagnamento non richiedeva più la regolarità della danza.

Questo stile, che inaugurò l'era moderna, fu chiamato "bop" o "bebop". Gli esperimenti di talentuosi musicisti americani e artisti jazz - Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk e altri - hanno effettivamente gettato le basi per lo sviluppo di una forma d'arte indipendente, correlata solo esternamente al genere pop-dance.

Dalla fine degli anni '40 alla metà degli anni '60 lo sviluppo si è svolto in due direzioni. Il primo includeva gli stili "cool" - "cool" e "costa occidentale" - "costa occidentale". Sono caratterizzati da un ampio utilizzo dell'esperienza della musica seria classica e moderna: forme di concerto sviluppate, polifonia. La seconda direzione comprendeva gli stili di "hardbop" - "caldo", "energico" e vicino ad esso "soul-jazz" (tradotto dall'inglese "soul" - "soul"), combinando i principi del vecchio bebop con le tradizioni di folklore nero, ritmi capricciosi e intonazioni spirituali.

Entrambe queste direzioni hanno molto in comune nel desiderio di liberarsi dalla divisione dell'improvvisazione in quadrati separati, così come nel valzer oscillante e in metri più complessi.

Sono stati fatti tentativi per creare opere di grande forma: jazz sinfonico. Ad esempio, "Rhapsody in Blue" di J. Gershwin, una serie di opere di I.F. Stravinskij. Dalla metà degli anni '50. gli esperimenti per combinare i principi del jazz e della musica moderna si sono nuovamente diffusi, già sotto il nome di “terzo movimento”, anche tra gli artisti russi (“Concerto per orchestra” di A.Ya. Eshpai, opere di M.M. Kazhlaev, 2° concerto per pianoforte con l'orchestra di R.K. Shchedrin, 1a sinfonia di A.G. Schnittke). In generale, la storia dell'emergere del jazz è ricca di esperimenti ed è strettamente intrecciata con lo sviluppo della musica classica e le sue direzioni innovative.

Dall'inizio degli anni '60. gli esperimenti attivi iniziano con l'improvvisazione spontanea, non limitata nemmeno a un tema musicale specifico: il Freejazz. Tuttavia, il principio della modalità è ancora più importante: ogni volta viene selezionata nuovamente una serie di suoni: una modalità e quadrati non chiaramente distinguibili. Alla ricerca di tali modalità, i musicisti si rivolgono alle culture dell'Asia, dell'Africa, dell'Europa, ecc. Negli anni '70. arrivano gli strumenti elettrici e i ritmi della musica rock giovanile, basati su ritmi più piccoli di prima. Questo stile viene inizialmente chiamato "fusion", cioè "lega".

In breve, la storia del jazz è una storia di ricerca, unità, esperimenti audaci e ardente amore per la musica.

I musicisti e gli amanti della musica russi sono certamente curiosi di conoscere la storia dell'emergere del jazz nell'Unione Sovietica.

Nel periodo prebellico il jazz nel nostro Paese si è sviluppato all’interno delle orchestre pop. Nel 1929 Leonid Utesov organizzò un'orchestra pop e chiamò il suo gruppo "Tea-jazz". Gli stili “Dixieland” e “swing” erano praticati nelle orchestre di A.V. Varlamova, N.G. Minha, A.N. Tsfasman e altri. Dalla metà degli anni '50. Cominciano a svilupparsi piccoli gruppi amatoriali ("Eight TsDRI", "Leningrad Dixieland"). Molti artisti di spicco hanno iniziato la loro vita lì.

Negli anni '70 iniziò la formazione nei dipartimenti pop delle scuole di musica, furono pubblicati sussidi didattici, spartiti e dischi.

Dal 1973, il pianista L.A. Chizhik iniziò ad esibirsi in "serate di improvvisazione jazz". Si esibiscono regolarmente gli ensemble diretti da I. Bril, “Arsenal”, “Allegro”, “Kadans” (Mosca) e il quintetto D.S. Goloshchekin (Leningrado), gruppi di V. Ganelin e V. Chekasin (Vilnius), R. Raubishko (Riga), L. Vintskevich (Kursk), L. Saarsalu (Tallinn), A. Lyubchenko (Dnepropetrovsk), M. Yuldybaeva ( Ufa), orchestra O.L. Lundstrem, squadre di K.A. Orbelyan, A.A. Kroll ("Contemporaneo").

Il jazz nel mondo moderno

Il mondo della musica di oggi è vario, si sviluppa dinamicamente e stanno emergendo nuovi stili. Per poterlo navigare liberamente e comprendere i processi in atto, è necessario conoscere almeno una breve storia del jazz! Oggi vediamo un miscuglio di tutto Di più culture del mondo, avvicinandoci costantemente a ciò che, in sostanza, sta già diventando “world music” (world music). Il jazz di oggi incorpora suoni e tradizioni provenienti da quasi ogni angolo del globo. Anche la cultura africana, da cui tutto ha avuto inizio, viene ripensata. Lo sperimentalismo europeo con sfumature classiche continua a influenzare la musica di giovani pionieri come Ken Vandermark, un sassofonista d'avanguardia noto per il suo lavoro con contemporanei importanti come i sassofonisti Mats Gustafsson, Evan Parker e Peter Brotzmann. Altri giovani musicisti di orientamento più tradizionale che continuano a cercare la propria identità includono i pianisti Jackie Terrasson, Benny Green e Braid Meldoa, i sassofonisti Joshua Redman e David Sanchez e i batteristi Jeff Watts e Billy Stewart. Vecchia tradizione il suono continua ed è attivamente supportato da artisti come il trombettista Wynton Marsalis, che lavora con un team di assistenti, suona nei suoi piccoli gruppi e dirige la Lincoln Center Orchestra. Sotto il suo patrocinio, i pianisti Marcus Roberts ed Eric Reed, il sassofonista Wes "Warmdaddy" Anderson, il trombettista Marcus Printup e il vibrafonista Stefan Harris sono diventati grandi maestri.

Anche il bassista Dave Holland è un grande scopritore di giovani talenti. Le sue numerose scoperte includono i sassofonisti Steve Coleman, Steve Wilson, il vibrafonista Steve Nelson e il batterista Billy Kilson.

Altri grandi mentori per giovani talenti includono il leggendario pianista Chick Corea, il defunto batterista Elvin Jones e la cantante Betty Carter. Il potenziale per un ulteriore sviluppo di questa musica è attualmente ampio e vario. Ad esempio, il sassofonista Chris Potter pubblica una versione mainstream con il suo nome e allo stesso tempo partecipa alle registrazioni con un altro grande batterista d'avanguardia Paul Motian.

Dobbiamo ancora goderci centinaia di meravigliosi concerti e audaci esperimenti, assistere all'emergere di nuove direzioni e stili: questa storia non è ancora stata scritta fino alla fine!

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Dopo che Cristoforo Colombo scoprì un nuovo continente e gli europei vi si stabilirono, le navi dei commercianti di beni umani si diressero sempre più verso le coste dell'America.

Esausti dal duro lavoro, nostalgici e sofferenti per il trattamento crudele delle loro guardie, gli schiavi trovavano conforto nella musica. A poco a poco, americani ed europei si interessarono a melodie e ritmi insoliti. Così è nato il jazz. Cos'è il jazz e quali sono le sue caratteristiche, considereremo in questo articolo.

Caratteristiche della direzione musicale

Il jazz comprende la musica di origine afroamericana, che si basa sull'improvvisazione (swing) e su una speciale struttura ritmica (sincopazione). A differenza di altri generi, in cui una persona scrive la musica e un'altra la esegue, i musicisti jazz sono anche compositori.

La melodia viene creata spontaneamente, i periodi di composizione ed esecuzione sono separati da un periodo di tempo minimo. Così nasce il jazz. orchestra? Questa è la capacità dei musicisti di adattarsi gli uni agli altri. Allo stesso tempo, ognuno improvvisa il proprio.

I risultati delle composizioni spontanee sono memorizzati nella notazione musicale (T. Cowler, G. Arlen “Happy All Day”, D. Ellington “Don't You Know What I Love?”, ecc.).

Nel tempo, la musica africana è stata sintetizzata con la musica europea. Sono apparse melodie che combinavano plasticità, ritmo, melodia e armonia dei suoni (CHEATHAM Doc, Blues In My Heart, CARTER James, Centerpiece, ecc.).

Indicazioni

Esistono più di trenta stili di jazz. Diamo un'occhiata ad alcuni di loro.

1. Azzurri. Tradotta dall'inglese, la parola significa "tristezza", "malinconia". Inizialmente, il blues era il nome dato alla canzone lirica solista degli afroamericani. Il jazz-blues è un periodo di dodici battute corrispondente a una forma poetica di tre versi. Vengono eseguite composizioni blues ad un ritmo lento, c'è qualche eufemismo nei testi. blues - Gertrude Ma Rainey, Bessie Smith e altri.

2. Ragtime. La traduzione letterale del nome dello stile è strappata al tempo. Nel linguaggio dei termini musicali, "rag" si riferisce a suoni aggiuntivi tra i movimenti di una misura. La tendenza è apparsa negli Stati Uniti dopo che le persone all'estero si sono interessate alle opere di F. Schubert, F. Chopin e F. Liszt. La musica dei compositori europei è stata eseguita in stile jazz. Successivamente apparvero composizioni originali. Il ragtime è tipico delle opere di S. Joplin, D. Scott, D. Lamb e altri.

3. Boogie-woogie. Lo stile è apparso all'inizio del secolo scorso. I proprietari di caffè economici avevano bisogno di musicisti che suonassero jazz. Inutile dire che tale accompagnamento musicale richiedeva la presenza di un'orchestra, ma invitare un gran numero di musicisti era costoso. I pianisti compensavano il suono dei diversi strumenti, creando numerose composizioni ritmiche. Caratteristiche del boogie:

improvvisazione;
tecnica virtuosistica;
accompagnamento speciale: la mano sinistra esegue una configurazione motoria ostinata, l'intervallo tra il basso e la melodia è di due o tre ottave;
ritmo continuo;
esclusione pedale.

Boogie-woogie è stato interpretato da Romeo Nelson, Arthur Montana Taylor, Charles Avery e altri.

Leggende di stile

Il jazz è popolare in molti paesi del mondo. Ovunque ha le sue stelle, circondate da un esercito di fan, ma alcuni nomi sono diventati vere e proprie leggende. Sono conosciuti e amati ovunque e tra questi musicisti, in particolare, c'è Louis Armstrong.

Non si sa quale sarebbe stato il destino del ragazzo di un povero quartiere nero se Louis non fosse finito in un campo correzionale. Qui la futura star era iscritta a una banda di ottoni, sebbene la band non suonasse jazz. e come veniva eseguita, il giovane lo scoprì da solo molto più tardi. Armstrong ha guadagnato fama mondiale grazie alla diligenza e alla perseveranza.

Billie Holiday (vero nome Eleanor Fagan) è considerata la fondatrice del canto jazz. La cantante raggiunse l'apice della sua popolarità negli anni '50 del secolo scorso, quando cambiò le scene delle discoteche sul palcoscenico del teatro.

La vita non è stata facile per la proprietaria di un'estensione di tre ottave, Ella Fitzgerald. Dopo la morte di sua madre, la ragazza scappò di casa e condusse uno stile di vita non molto dignitoso. L'inizio della carriera della cantante è stata la sua esibizione al concorso musicale Amateur Nights.

George Gershwin è famoso in tutto il mondo. Il compositore ha creato opere jazz basate sulla musica classica. Il modo inaspettato di esibirsi ha affascinato ascoltatori e colleghi. I concerti erano invariabilmente accompagnati da applausi. Maggior parte opere famose D. Gershwin - “Rhapsody in Blue” (coautore con Fred Grof), opere “Porgy and Bess”, “An American in Paris”.

Anche famosi artisti jazz erano e rimangono Janis Joplin, Ray Charles, Sarah Vaughn, Miles Davis e altri.

Jazz in URSS

L'emergere di questo movimento musicale nell'Unione Sovietica è associato al nome del poeta, traduttore e spettatore Valentin Parnakh. Il primo concerto di un gruppo jazz guidato da un virtuoso ebbe luogo nel 1922. Successivamente, A. Tsfasman, L. Utesov, Y. Skomorovsky formarono la direzione del jazz teatrale, combinando performance strumentale e operetta. E. Rosner e O. Lundstrem hanno fatto molto per rendere popolare la musica jazz.

Negli anni Quaranta il jazz fu ampiamente criticato in quanto fenomeno della cultura borghese. Negli anni '50 e '60 gli attacchi agli artisti cessarono. Gli ensemble jazz furono creati sia nella RSFSR che in altre repubbliche sindacali.

Oggi il jazz viene eseguito liberamente nelle sale da concerto e nei club.

Jazz - una forma di arte musicale nata tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo negli Stati Uniti, a New Orleans, come risultato della sintesi delle culture africane ed europee e successivamente si diffuse. Le origini del jazz furono il blues e altra musica popolare afroamericana. I tratti caratteristici del linguaggio musicale del jazz inizialmente erano l'improvvisazione, la poliritmia basata su ritmi sincopati e un insieme unico di tecniche per eseguire la trama ritmica: lo swing. L'ulteriore sviluppo del jazz è avvenuto grazie allo sviluppo di nuovi modelli ritmici e armonici da parte di musicisti e compositori jazz. I generi del jazz sono: jazz d'avanguardia, bebop, jazz classico, cool, jazz modale, swing, smooth jazz, soul jazz, free jazz, fusion, hard bop e molti altri.

Storia dello sviluppo del jazz

Banda jazz del Vilex College, Texas

Il jazz è nato come una combinazione di diverse culture musicali e tradizioni nazionali. Originariamente proveniva dall'Africa. Qualsiasi musica africana è caratterizzata da un ritmo molto complesso; la musica è sempre accompagnata da danze, che consistono in rapidi battiti di piedi e applausi. Su questa base, alla fine del XIX secolo, emerse un altro genere musicale: il ragtime. Successivamente, i ritmi ragtime combinati con elementi blues hanno dato origine a una nuova direzione musicale: il jazz.

Il blues nasce alla fine del XIX secolo come fusione di ritmi africani e armonia europea, ma le sue origini vanno ricercate nel momento dell'importazione di schiavi dall'Africa nel territorio del Nuovo Mondo. Gli schiavi portati non provenivano dalla stessa famiglia e di solito non si capivano nemmeno. La necessità di consolidamento ha portato all'unificazione di molte culture e, di conseguenza, alla creazione di un'unica cultura (compresa quella musicale) degli afroamericani. I processi di mescolanza della cultura musicale africana con quella europea (che subì gravi cambiamenti anche nel Nuovo Mondo) si verificarono a partire dal XVIII secolo e nell'Ottocento portarono alla nascita del “proto-jazz”, e poi del jazz nel senso generalmente accettato. . La culla del jazz è stata il sud americano, e in particolare New Orleans.
La chiave per l'eterna giovinezza nel jazz è l'improvvisazione
La particolarità dello stile è l'esibizione individuale unica di un virtuoso jazzista. La chiave per l'eterna giovinezza nel jazz è l'improvvisazione. Dopo l'apparizione del brillante interprete che ha vissuto tutta la sua vita al ritmo del jazz e rimane ancora una leggenda - Louis Armstrong, l'arte dell'esecuzione jazz ha visto orizzonti nuovi e insoliti: l'esecuzione solista vocale o strumentale diventa il centro dell'intera performance, cambiando completamente l’idea del jazz. Il jazz non è solo un certo tipo di performance musicale, ma anche un'epoca unica e allegra.

Jazz di New Orleans

Il termine New Orleans di solito si riferisce allo stile dei musicisti jazz che suonarono jazz a New Orleans tra il 1900 e il 1917, così come ai musicisti di New Orleans che suonarono e registrarono a Chicago dal 1917 circa fino agli anni '20. Questo periodo della storia del jazz è anche conosciuto come l'età del jazz. E questo concetto è usato anche per descrivere la musica eseguita in vari periodi storici dai rappresentanti del revival di New Orleans, che cercavano di eseguire il jazz nello stesso stile dei musicisti della scuola di New Orleans.

Il folk e il jazz afro-americani hanno preso strade divergenti fin dall'apertura di Storyville, il quartiere a luci rosse di New Orleans, famoso per i suoi locali di intrattenimento. A coloro che volevano divertirsi e divertirsi sono state offerte molte allettanti opportunità, offerte da piste da ballo, cabaret, spettacoli di varietà, un circo, bar e snack bar. E ovunque in questi stabilimenti suonava la musica e i musicisti che padroneggiavano la nuova musica sincopata potevano trovare lavoro. A poco a poco, con l'aumento del numero di musicisti che lavorano professionalmente negli stabilimenti di intrattenimento di Storyville, il numero di bande di ottoni in marcia e di strada diminuì, e al loro posto emersero i cosiddetti ensemble di Storyville, la cui manifestazione musicale diventa più individuale, in confronto al suono delle bande di ottoni. Queste composizioni, spesso chiamate "orchestre combo", divennero i fondatori dello stile del classico jazz di New Orleans. Dal 1910 al 1917, i nightclub di Storyville fornirono un ambiente ideale per il jazz.
Dal 1910 al 1917, i nightclub di Storyville fornirono un ambiente ideale per il jazz.
Lo sviluppo del jazz negli Stati Uniti nel primo quarto del XX secolo

Dopo la chiusura di Storyville, jazz dalla regione genere folcloristico inizia a trasformarsi in una tendenza musicale nazionale, diffondendosi nelle province settentrionali e nordorientali degli Stati Uniti. Ma la sua ampia diffusione, ovviamente, non può essere facilitata solo dalla chiusura di un quartiere dei divertimenti. Insieme a New Orleans, St. Louis, Kansas City e Memphis hanno svolto fin dall'inizio un ruolo importante nello sviluppo del jazz. Il Ragtime ebbe origine a Memphis nel XIX secolo, da dove si diffuse poi in tutto il continente nordamericano nel periodo 1890-1903.

D'altra parte, gli spettacoli di menestrelli, con il loro mosaico eterogeneo di tutti i tipi di movimenti musicali del folklore afroamericano, dai jig al ragtime, si diffusero rapidamente ovunque e aprirono la strada all'arrivo del jazz. Molte future celebrità del jazz hanno iniziato la loro carriera negli spettacoli di menestrelli. Molto prima della chiusura di Storyville, i musicisti di New Orleans andarono in tournée con le cosiddette compagnie di "vaudeville". Jelly Roll Morton fece regolarmente tournée in Alabama, Florida e Texas dal 1904. Dal 1914 aveva un contratto per esibirsi a Chicago. Nel 1915, anche l'orchestra Dixieland bianca di Thom Browne si trasferì a Chicago. La famosa "Creole Band", guidata dal cornettista di New Orleans Freddie Keppard, fece anche importanti tournée di vaudeville a Chicago. Dopo essersi separati dall'Olympia Band, gli artisti di Freddie Keppard già nel 1914 si esibirono con successo nel miglior teatro di Chicago e ricevettero un'offerta per realizzare una registrazione sonora delle loro esibizioni anche prima dell'Original Dixieland Jazz Band, che, tuttavia, Freddie Keppard miope respinto. L'area coperta dall'influenza del jazz fu notevolmente ampliata dalle orchestre che suonavano sui piroscafi da diporto che risalivano il Mississippi.

Dalla fine del 19° secolo, sono diventati popolari i viaggi fluviali da New Orleans a St. Paul, prima per un fine settimana e poi per un'intera settimana. Dal 1900, le orchestre di New Orleans si esibiscono su questi battelli fluviali e la loro musica è diventata l'intrattenimento più attraente per i passeggeri durante i tour fluviali. La futura moglie di Louis Armstrong, la prima pianista jazz Lil Hardin, iniziò in una di queste orchestre “Suger Johnny”. Un altro pianista, l'orchestra fluviale di Fates Marable, comprendeva molte future star del jazz di New Orleans.

I battelli a vapore che viaggiavano lungo il fiume spesso si fermavano nelle stazioni di passaggio, dove le orchestre organizzavano concerti per il pubblico locale. Furono questi concerti a diventare il debutto creativo di Bix Beiderbeck, Jess Stacy e molti altri. Un altro famoso percorso correva attraverso il Missouri fino a Kansas City. In questa città, dove, grazie alle forti radici del folklore afroamericano, il blues si è sviluppato e ha finalmente preso forma, gioco virtuosistico I jazzisti di New Orleans trovarono un ambiente eccezionalmente fertile. All'inizio degli anni '20, Chicago divenne il centro principale per lo sviluppo della musica jazz, dove, attraverso gli sforzi di molti musicisti riuniti da diverse parti degli Stati Uniti, fu creato uno stile che fu soprannominato Chicago jazz.

Grandi band

La forma classica e consolidata delle big band è nota nel jazz dall'inizio degli anni '20. Questa forma rimase rilevante fino alla fine degli anni Quaranta. I musicisti che si univano alla maggior parte delle big band, di regola, quasi nell'adolescenza, suonavano parti molto specifiche, memorizzate durante le prove o dalle note. Attente orchestrazioni abbinate ad ampie sezioni di ottoni e legni hanno fatto emergere ricche armonie jazz e creato un suono sensazionalmente forte che divenne noto come "il suono della big band".

La big band divenne la musica popolare del suo tempo, raggiungendo l'apice della fama a metà degli anni '30. Questa musica divenne la fonte della mania del ballo swing. I leader delle famose orchestre jazz Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnett hanno composto o arrangiato e registrato una vera e propria hit parade di brani che sono stati ascoltati non solo su alla radio, ma anche ovunque nelle balere. Molte big band hanno messo in mostra i loro solisti improvvisatori, che hanno portato il pubblico in uno stato quasi isterico durante le ben pubblicizzate "battaglie tra band".
Molte big band hanno dimostrato i loro solisti improvvisatori, che hanno portato il pubblico in uno stato vicino all'isteria
Sebbene la popolarità delle big band diminuì significativamente dopo la seconda guerra mondiale, le orchestre guidate da Basie, Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, Harry James e molti altri andarono in tournée e registrarono frequentemente nei decenni successivi. La loro musica si è gradualmente trasformata sotto l'influenza delle nuove tendenze. Gruppi come gli ensemble guidati da Boyd Rayburn, Sun Ra, Oliver Nelson, Charles Mingus e Tad Jones-Mal Lewis hanno esplorato nuovi concetti di armonia, strumentazione e libertà di improvvisazione. Oggi le big band sono lo standard nell’educazione jazz. Orchestre di repertorio come la Lincoln Center Jazz Orchestra, la Carnegie Hall Jazz Orchestra, la Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra e il Chicago Jazz Ensemble suonano regolarmente arrangiamenti originali di composizioni di big band.

Jazz del Nordest

Sebbene la storia del jazz sia iniziata a New Orleans con l'avvento del 20° secolo, la musica decollò davvero all'inizio degli anni '20 quando il trombettista Louis Armstrong lasciò New Orleans per creare nuova musica rivoluzionaria a Chicago. La migrazione dei maestri del jazz di New Orleans a New York, iniziata poco dopo, segnò una tendenza al costante movimento dei musicisti jazz dal sud al nord.

Louis Armstrong

Chicago ha preso la musica di New Orleans e l'ha resa calda, aumentandone l'intensità non solo con lo sforzo ensemble famosi Hot Five e Hot Seven di Armstrong, ma anche altri, tra cui maestri come Eddie Condon e Jimmy McPartland, la cui troupe della Austin High School contribuì a far rivivere la scuola di New Orleans. Altri importanti abitanti di Chicago che hanno ampliato i confini del classico stile jazz di New Orleans includono il pianista Art Hodes, il batterista Barrett Deems e il clarinettista Benny Goodman. Armstrong e Goodman, che alla fine si trasferirono a New York, crearono lì una sorta di massa critica che aiutò la città a trasformarsi in una vera capitale mondiale del jazz. E mentre Chicago rimase principalmente un centro per la registrazione del suono nel primo quarto del XX secolo, anche New York divenne uno dei principali centri di registrazione del suono. sede di concerti jazz, con club leggendari come Minton Playhouse, Cotton Club, Savoy e Village Vanguard, oltre ad arene come la Carnegie Hall.

Stile Kansas City

Durante l'era della Grande Depressione e del Proibizionismo, la scena jazz di Kansas City divenne una mecca per i suoni nuovi della fine degli anni '20 e '30. Lo stile che fiorì a Kansas City era caratterizzato da brani sinceri e con sfumature blues eseguiti sia da big band che da piccoli gruppi swing che presentavano assoli ad alta energia eseguiti per gli avventori degli speakeasy che vendevano liquori. Fu in queste zucchine che si cristallizzò lo stile del grande Count Basie, che iniziò a Kansas City nell'orchestra di Walter Page e successivamente con Benny Mouthen. Entrambe queste orchestre erano rappresentanti tipici dello stile di Kansas City, la cui base era una forma peculiare di blues, chiamata "urban blues" e formata dall'esecuzione delle orchestre sopra menzionate. La scena jazz di Kansas City si distingueva anche per un'intera galassia di eccezionali maestri del vocal blues, il cui "re" riconosciuto era il solista di lunga data dell'orchestra Count Basie, il famoso cantante blues Jimmy Rushing. Il celebre sassofonista contralto Charlie Parker, nato a Kansas City, al suo arrivo a New York, fece largo uso dei caratteristici “trucchi” blues che aveva imparato nelle orchestre di Kansas City e che poi costituirono uno dei punti di partenza degli esperimenti bopper in gli anni '40.

Jazz della costa occidentale

Gli artisti coinvolti nel movimento cool jazz degli anni '50 lavorarono a lungo negli studi di registrazione di Los Angeles. In gran parte influenzati dal nonetto di Miles Davis, questi artisti con sede a Los Angeles svilupparono quello che oggi è noto come "West Coast Jazz". Il jazz della West Coast era molto più soft del furioso bebop che lo aveva preceduto. La maggior parte del jazz della West Coast è stato scritto in grande dettaglio. Le linee di contrappunto spesso usate in queste composizioni sembravano far parte dell'influenza europea che aveva permeato il jazz. Tuttavia, questa musica lasciava molto spazio a lunghe improvvisazioni lineari da solista. Sebbene il West Coast Jazz fosse eseguito principalmente in studi di registrazione, club come il Lighthouse di Hermosa Beach e l'Haig di Los Angeles spesso presentavano i suoi maggiori maestri, tra cui il trombettista Shorty Rogers, i sassofonisti Art Pepper e Bud Schenk, il batterista Shelley Mann e il clarinettista Jimmy Giuffre. .

Diffusione del jazz

Il jazz ha sempre suscitato interesse tra musicisti e ascoltatori di tutto il mondo, indipendentemente dalla loro nazionalità. Basta ripercorrere i primi lavori del trombettista Dizzy Gillespie e la sua sintesi delle tradizioni jazz con la musica dei neri cubani negli anni '40 o la successiva combinazione del jazz con la musica giapponese, euroasiatica e mediorientale, famosa nel lavoro del pianista Dave Brubeck, così come il brillante compositore e leader del jazz - la Duke Ellington Orchestra, che ha unito il patrimonio musicale dell'Africa, dell'America Latina e dell'Estremo Oriente.

Dave Brubeck

Il jazz ha costantemente assorbito non solo le tradizioni musicali occidentali. Ad esempio, quando diversi artisti iniziarono a provare a lavorare con elementi musicali indiani. Un esempio di questi sforzi può essere ascoltato nelle registrazioni del flautista Paul Horne al Taj Mahal, o nel flusso di "world music" rappresentato, ad esempio, nel lavoro del gruppo dell'Oregon o nel progetto Shakti di John McLaughlin. La musica di McLaughlin, precedentemente in gran parte basata sul jazz, iniziò a utilizzare nuovi strumenti di origine indiana come il khatam o tabla, ritmi intricati e l'uso diffuso della forma raga indiana durante il suo periodo con Shakti.
Mentre la globalizzazione del mondo continua, il jazz continua ad essere influenzato da altre tradizioni musicali
L'Art Ensemble of Chicago è stato uno dei primi pionieri nella fusione delle forme africane e jazz. Il mondo più tardi conobbe il sassofonista/compositore John Zorn e le sue esplorazioni della cultura musicale ebraica, sia all'interno che all'esterno dell'Orchestra Masada. Questi lavori hanno ispirato interi gruppi di altri musicisti jazz, come il tastierista John Medeski, che ha registrato con il musicista africano Salif Keita, il chitarrista Marc Ribot e il bassista Anthony Coleman. Il trombettista Dave Douglas incorpora con entusiasmo le influenze balcaniche nella sua musica, mentre l'Asian-American Jazz Orchestra è emersa come uno dei principali sostenitori della convergenza del jazz e delle forme musicali asiatiche. Mentre la globalizzazione del mondo continua, il jazz continua a essere influenzato da altre tradizioni musicali, fornendo foraggio maturo per la ricerca futura e dimostrando che il jazz è veramente una musica mondiale.

Jazz in URSS e Russia

Il primo gruppo jazz di Valentin Parnakh nella RSFSR

La scena jazz emerse nell'URSS negli anni '20, contemporaneamente al suo periodo di massimo splendore negli Stati Uniti. La prima orchestra jazz del Russia sovietica fu creata a Mosca nel 1922 dal poeta, traduttore, ballerino, personaggio teatrale Valentin Parnakh e fu chiamata "La prima eccentrica orchestra di gruppi jazz di Valentin Parnakh nella RSFSR". Il compleanno del jazz russo è tradizionalmente considerato il 1 ottobre 1922, quando ebbe luogo il primo concerto di questo gruppo. Il primo ensemble jazz professionale ad esibirsi alla radio e a registrare un disco è considerata l'orchestra del pianista e compositore Alexander Tsfasman (Mosca).

I primi gruppi jazz sovietici erano specializzati nell'esecuzione di danze alla moda (foxtrot, Charleston). Nella coscienza di massa, il jazz iniziò a guadagnare ampia popolarità negli anni '30, in gran parte grazie all'ensemble di Leningrado guidato dall'attore e cantante Leonid Utesov e dal trombettista Ya. B. Skomorovsky. La popolare commedia con la sua partecipazione “Jolly Guys” (1934) era dedicata alla storia del musicista jazz e aveva una colonna sonora corrispondente (scritta da Isaac Dunaevskij). Utesov e Skomorovsky formarono lo stile originale del “thea-jazz” (teatro jazz), basato su una miscela di musica con teatro, operetta, numeri vocali e l'elemento della performance ha giocato un ruolo importante in esso. Un notevole contributo allo sviluppo del jazz sovietico è stato dato da Eddie Rosner, compositore, musicista e direttore d'orchestra. Dopo aver iniziato la sua carriera in Germania, Polonia e altri paesi europei, Rosner si trasferì in URSS e divenne uno dei pionieri dello swing in URSS e il fondatore del jazz bielorusso.
Nella coscienza di massa, il jazz iniziò a guadagnare ampia popolarità nell'URSS negli anni '30.
Atteggiamento autorità sovietiche nei confronti del jazz era ambiguo: gli artisti jazz nazionali, di regola, non erano banditi, ma la dura critica del jazz in quanto tale era diffusa, nel contesto della critica alla cultura occidentale nel suo insieme. Alla fine degli anni '40, durante la lotta al cosmopolitismo, il jazz in URSS attraversava un periodo particolarmente difficile, quando i gruppi che eseguivano musica “occidentale” venivano perseguitati. Con l'inizio del Disgelo cessarono le repressioni contro i musicisti, ma le critiche continuarono. Secondo una ricerca di un professore di storia e cultura americana Penny Van Eschen, Il Dipartimento di Stato americano ha cercato di utilizzare il jazz come arma ideologica contro l'URSS e contro l'espansione dell'influenza sovietica nei paesi del terzo mondo. Negli anni '50 e '60. A Mosca, le orchestre di Eddie Rosner e Oleg Lundstrem hanno ripreso le loro attività, sono apparse nuove composizioni, tra cui spiccavano le orchestre di Joseph Weinstein (Leningrado) e Vadim Ludvikovsky (Mosca), nonché la Riga Variety Orchestra (REO).

Le big band hanno creato un'intera galassia di talentuosi arrangiatori e solisti-improvvisatori, il cui lavoro ha portato il jazz sovietico a un livello qualitativamente nuovo e lo ha avvicinato agli standard mondiali. Tra loro ci sono Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexey Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolay Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin. Lo sviluppo del jazz da camera e da club inizia in tutta la diversità delle sue stilistiche (Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golshtein, Nikolay Gromin, Vladimir Danilin, Alexey Kozlov, Roman Kunsman, Nikolay Levinovsky, German Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexey Kuznetsov, Victor Fridman, Andrey Tovmasyan, Igor Bril, Leonid Chizhik, ecc.)

Jazz club "Blue Bird"

Molti dei suddetti maestri del jazz sovietico hanno iniziato la loro carriera creativa sul palco del leggendario jazz club di Mosca "Blue Bird", che esisteva dal 1964 al 2009, scoprendo nuovi nomi di rappresentanti della moderna generazione di star del jazz russo (fratelli Alexander e Dmitry Bril, Anna Buturlina, Yakov Okun, Roman Miroshnichenko e altri). Negli anni '70 divenne ampiamente noto il trio jazz "Ganelin-Tarasov-Chekasin" (GTC), composto dal pianista Vyacheslav Ganelin, dal batterista Vladimir Tarasov e dal sassofonista Vladimir Chekasin, che esisteva fino al 1986. Negli anni '70 e '80 erano famosi anche il quartetto jazz dell'Azerbaijan “Gaya” e gli ensemble vocali e strumentali georgiani “Orera” e “Jazz Chorale”.

Dopo un calo di interesse per il jazz negli anni '90, ha ripreso a guadagnare popolarità nella cultura giovanile. Ogni anno a Mosca si tengono festival di musica jazz come “Usadba Jazz” e “Jazz in the Hermitage Garden”. Il locale jazz più popolare di Mosca è il jazz club "Union of Composers", che invita artisti jazz e blues di fama mondiale.

Il jazz nel mondo moderno

Il mondo moderno della musica è tanto vario quanto il clima e la geografia che sperimentiamo attraverso i viaggi. Eppure, oggi assistiamo alla mescolanza di un numero crescente di culture del mondo, avvicinandoci costantemente a ciò che, in sostanza, sta già diventando “world music” (world music). Il jazz di oggi non può più fare a meno di essere influenzato dai suoni che penetrano in esso da quasi ogni angolo del globo. Lo sperimentalismo europeo con sfumature classiche continua a influenzare la musica di giovani pionieri come Ken Vandermark, un sassofonista d'avanguardia free jazz noto per il suo lavoro con contemporanei importanti come i sassofonisti Mats Gustafsson, Evan Parker e Peter Brotzmann. Altri musicisti giovani e più tradizionali che continuano a cercare la propria identità includono i pianisti Jackie Terrasson, Benny Green e Braid Meldoa, i sassofonisti Joshua Redman e David Sanchez e i batteristi Jeff Watts e Billy Stewart.

L'antica tradizione del suono viene portata avanti rapidamente da artisti come il trombettista Wynton Marsalis, che lavora con un team di assistenti, sia nei suoi piccoli gruppi che nella Lincoln Center Jazz Orchestra, che dirige. Sotto il suo patrocinio, i pianisti Marcus Roberts ed Eric Reed, il sassofonista Wes “Warmdaddy” Anderson, il trombettista Marcus Printup e il vibrafonista Stefan Harris sono diventati grandi musicisti. Anche il bassista Dave Holland è un grande scopritore di giovani talenti. Le sue numerose scoperte includono artisti come il sassofonista/bassista M Steve Coleman, il sassofonista Steve Wilson, il vibrafonista Steve Nelson e il batterista Billy Kilson. Altri grandi mentori di giovani talenti includono il pianista Chick Corea, il defunto batterista Elvin Jones e la cantante Betty Carter. Le potenziali opportunità per l'ulteriore sviluppo del jazz sono attualmente piuttosto ampie, poiché le modalità di sviluppo del talento e i mezzi della sua espressione sono imprevedibili, moltiplicandosi per gli sforzi congiunti di vari generi jazz incoraggiati oggi.

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Kornev Petr Kazimirovich. Il jazz nello spazio culturale del XX secolo: tesi... candidato in studi culturali: 24.00.01 / Kornev Petr Kazimirovich; [Luogo di protezione: San Pietroburgo. stato Università della Cultura e delle Arti] - San Pietroburgo, 2009. - 191 p.: ill. RSL OD, 61 09-24/77

introduzione

Capitolo I. L'arte del jazz: dalla massa all'élite 11

1.1. Sviluppo del jazz nella prima metà del XX secolo 11

1.2. Caratteristiche della cultura jazz 27

1.3. Sottocultura jazz 49

Conclusioni al primo capitolo 67

Capitolo II. Dinamiche di sviluppo del jazz nella cultura artistica del XX secolo 71

2.1. Cambiamento storico degli stili (stride, swing, bebop) 71

2.2. Musicisti jazz della prima metà del XX secolo 84

2.3. Compenetrazione e influenza reciproca del jazz e delle altre arti 122

Conclusioni al capitolo secondo 136

Conclusione 138

Elenco della letteratura utilizzata 142

Applicazioni 156

Introduzione all'opera

La rilevanza della ricerca. Nel corso del XX secolo il jazz ha suscitato enormi polemiche e discussioni nella cultura artistica mondiale. Per una migliore comprensione e un'adeguata percezione delle specificità del luogo, del ruolo e del significato della musica nella cultura moderna, è necessario studiare la formazione e lo sviluppo del jazz, che è diventato un fenomeno fondamentalmente nuovo non solo nella musica, ma nel vita spirituale di diverse generazioni. Il jazz ha influenzato la formazione di una nuova realtà artistica nella cultura del XX secolo.

Numerosi studi dedicati allo stile della musica jazz esaminano tradizionalmente il periodo degli anni '20 -'30, per poi esplorare il jazz degli anni '40 -'50. Il periodo più importante - gli anni '30 e '40 - si è rivelato una lacuna nei lavori di ricerca. La saturazione dei cambiamenti degli anni '20 ('30-'40) è un fattore importante per l'apparente "non mescolanza" degli stili su entrambi i lati di questa "colpa" epocale. Il ventennio in questione non è stato specificamente studiato come un periodo della storia della cultura artistica, in cui furono gettate le basi degli stili e dei movimenti che divennero la personificazione della cultura musicale dei secoli XX-XXI, nonché come punto di svolta nell'evoluzione del jazz da fenomeno della cultura di massa ad arte d'élite. Va inoltre notato che lo studio del jazz, della stilistica e della cultura dell'esecuzione e della percezione della musica jazz è necessario per creare la comprensione più completa della cultura del nostro tempo.

Il grado di sviluppo del problema. Ad oggi, si è sviluppata una certa tradizione nello studio del patrimonio musicale culturale, compreso lo stile della musica jazz del periodo in esame. La base della ricerca era materiale accumulato nel campo degli studi culturali, della sociologia, della psicologia sociale, della musicologia, nonché studi fattorelogici che coprivano la storiografia della questione. Importanti per lo studio sono state le opere di S. N. Ikonnikova sulla storia della cultura e le prospettive per lo sviluppo della cultura, V. P. Bolshakov sul significato della cultura, il suo sviluppo, sui valori culturali, V. D. Leleko, dedicato all'estetica e alla cultura di tutti i giorni vita, le opere di S. T. Makhlina sulla storia dell'arte e la semiotica della cultura, N. N. Suvorov sulla coscienza d'élite e di massa, sulla cultura del postmodernismo, G. V. Skotnikova sugli stili artistici e la continuità culturale, I. I. Travina sulla sociologia della città e dello stile di vita, che analizzare le caratteristiche e la struttura della cultura artistica moderna, il ruolo dell'arte nella cultura di una certa epoca. Nelle opere di scienziati stranieri J. Newton, S. Finkelstein, p. Bergerot considera soprattutto i problemi della continuità delle generazioni

l'importanza di varie sottoculture diverse dalla cultura della società, lo sviluppo e la formazione di una nuova arte musicale nella cultura mondiale.

Le opere di scienziati domestici hanno dato un contributo significativo allo studio del jazz: E. S. Barban, A. N. Batashov, G. S. Vasyutochkin, Yu. T. Vermenich, V. D. Konen, V. S. Mysovsky, E. L. Rybakova, V.B. Feyertag. Tra le pubblicazioni di autori stranieri meritano un'attenzione particolare I. Wasserberg, T. Lehmann, in cui vengono discussi in dettaglio la storia, gli interpreti e gli elementi del jazz, nonché i libri di Y. Panasier e W. Sargent pubblicati in russo nel Anni '70 -'80. Le opere di I. M. Bril e Yu. N. Chugunov, pubblicate nell'ultimo terzo del XX secolo, sono dedicate ai problemi dell'improvvisazione jazz e all'evoluzione del linguaggio armonico del jazz. Dagli anni '90 in Russia sono state difese oltre 20 tesi di laurea sulla musica jazz. I problemi del linguaggio musicale di D. Brubeck (A. R. Galitsky), improvvisazione e composizione nel jazz (Yu. G. Kinus), problemi teorici di stile nella musica jazz (O. N. Kovalenko), il fenomeno dell'improvvisazione nel jazz (D. R. Livshits), l'influenza del jazz sulla composizione professionale dell'Europa occidentale nella prima metà del XX secolo (M. V. Matyukhina), il jazz come fenomeno socioculturale (F. M. Shak); I problemi della moderna danza jazz nel sistema di educazione coreografica degli attori sono considerati nel lavoro di V. Yu Nikitin. I problemi dell'educazione stilistica e dell'armonia sono considerati nelle opere “Jazz Swing” di I. V. Yurchenko e nella tesi di A. N. Frisher “Harmony in African American Jazz

periodo di modulazione dello stile: dallo swing al bebop." Una grande quantità di materiale fattuale corrispondente al tempo di comprensione e al livello di sviluppo del jazz è contenuta in pubblicazioni nazionali di riferimento ed enciclopediche.

Una delle pubblicazioni di riferimento fondamentali, The Oxford Encyclopedia of Jazz (2000), fornisce una descrizione dettagliata di tutti i periodi storici del jazz, degli stili, dei movimenti, del lavoro degli strumentisti, dei cantanti, evidenzia le caratteristiche della scena jazz e la diffusione di jazz in vari paesi. Numerosi capitoli della Oxford Encyclopedia of Jazz sono dedicati agli anni 20-30, e poi agli anni 40-50, mentre allo stesso tempo gli anni 30-50 non sono sufficientemente rappresentati: ad esempio, non ci sono caratteristiche comparative del jazz pianisti di questo periodo.

Oggetto di studioè l'arte del jazz nella cultura del XX secolo.

Materia di studio- specificità e significato socioculturale del jazz degli anni '30 e '40 del XX secolo.

Scopo del lavoro: studiare le specificità e il significato socioculturale del jazz degli anni '30 e '40 nello spazio culturale del XX secolo.

Per raggiungere questo obiettivo è necessario risolvere i seguenti problemi di ricerca:

considerare la storia e le caratteristiche del jazz nel contesto delle dinamiche dello spazio culturale del XX secolo;

individuare le ragioni e le condizioni grazie alle quali il jazz si è trasformato da fenomeno della cultura di massa in arte d'élite;

introdurre nella circolazione scientifica il concetto di sottocultura jazz; determinare la gamma di utilizzo di segni e simboli, termini della sottocultura jazz;

identificare le origini dell'emergere di nuovi stili e movimenti: stride, swing, bebop negli anni '30 del XX secolo;

dimostrare l'importanza dei risultati creativi dei musicisti jazz, e in particolare dei pianisti, negli anni '30 e '40 per la cultura artistica mondiale;

caratterizzano il jazz degli anni '30 e '40 come un fattore che ha influenzato la formazione della cultura artistica moderna.

Base teorica la ricerca di tesi è un approccio culturale completo al fenomeno del jazz. Ti consente di sistematizzare le informazioni accumulate dalla sociologia, dalla storia culturale, dalla musicologia, dalla semiotica e, su questa base, determinare il posto del jazz nella cultura artistica mondiale. Per risolvere i problemi sono stati utilizzati i seguenti metodi: integrativo, che prevede l'utilizzo di materiali e risultati della ricerca di un complesso di discipline umanistiche; analisi di sistema, che consente di individuare le relazioni strutturali delle tendenze stilistiche multidirezionali nel jazz; un metodo comparativo che promuove la considerazione delle composizioni jazz nel contesto della cultura artistica.

Novità scientifica della ricerca

è stato determinato il circolo delle condizioni esterne ed interne per l'evoluzione del jazz nello spazio culturale del XX secolo; è stata rivelata la specificità del jazz della prima metà del XX secolo, che ha costituito la base non solo di tutta la musica popolare, ma anche di nuove e complesse forme artistiche e musicali (teatro jazz, lungometraggi con musica jazz, balletto jazz, film documentari sul jazz, concerti di musica jazz in prestigiose sale da concerto, festival, programmi di spettacoli, progettazione di dischi e manifesti, mostre di musicisti jazz - artisti, letteratura sul jazz, concerti jazz - musica jazz scritta in forme classiche (suite, concerti);

viene evidenziato il ruolo del jazz come componente più importante della cultura urbana degli anni '30 e '40 (piste da ballo comunali, cortei e spettacoli di strada, una rete di ristoranti e caffè, jazz club chiusi);

il jazz degli anni '30 e '40 è caratterizzato come un fenomeno musicale che ha in gran parte determinato le caratteristiche della moderna cultura d'élite e di massa, in

industrie dello spettacolo, del cinema e della fotografia, della danza, della moda, della cultura quotidiana;

il concetto di sottocultura jazz è stato introdotto nella circolazione scientifica, sono stati identificati criteri e segni di questo fenomeno sociale; viene definita la gamma di utilizzo dei termini verbali e dei simboli e segni non verbali della sottocultura jazz;

è stata determinata l'originalità del jazz del 30 ° secolo, sono state studiate le caratteristiche del jazz per pianoforte (stride, swing, bebop), le innovazioni degli artisti che hanno influenzato la formazione del linguaggio musicale della cultura moderna;

il significato dei risultati creativi dei musicisti jazz è dimostrato, è stato compilato un diagramma originale dell'attività creativa dei principali pianisti jazz, che hanno determinato lo sviluppo delle principali tendenze del jazz negli anni '30 e '40.

Principali provvedimenti presentati a difesa

Il jazz nello spazio culturale del XX secolo si è sviluppato in due direzioni. Il primo si è sviluppato nell'ambito dell'industria dell'intrattenimento commerciale, all'interno della quale esiste ancora oggi il jazz; la seconda direzione è quella di un'arte indipendente, indipendente dalla musica popolare commerciale. Queste due direzioni hanno permesso di determinare il percorso di sviluppo del jazz da fenomeno della cultura di massa a arte d'élite.

Nella prima metà del XX secolo, il jazz entrò a far parte degli interessi di quasi tutti gli strati sociali. Negli anni '30 e '40 il jazz si affermò finalmente come una delle componenti più importanti della cultura urbana.

La considerazione del jazz come sottocultura specifica si basa sulla presenza di una terminologia speciale, sulle caratteristiche dei costumi di scena, sugli stili di abbigliamento, sulle scarpe, sugli accessori, sul design dei manifesti jazz, sulle custodie dei dischi del grammofono, sull'originalità della comunicazione verbale e non verbale nel jazz.

Il jazz degli anni '30 -'40 ha avuto un grave impatto sul lavoro di artisti, scrittori, drammaturghi, poeti e sulla formazione del linguaggio musicale della cultura moderna, compresi quelli quotidiani e festivi. Sul sistema operativo-

Il nuovo jazz ha visto la nascita e lo sviluppo della danza jazz, del tip tap, dei musical e di nuove forme di industria cinematografica.

Gli anni '30 e '40 del XX secolo furono il periodo di nascita di nuovi stili di musica jazz: stride, swing e bebop. La complicazione del linguaggio armonico, delle tecniche tecniche, degli arrangiamenti e il miglioramento delle capacità esecutive portano all'evoluzione del jazz e influenzano lo sviluppo dell'arte jazz nei decenni successivi.

Molto significativo è il ruolo delle capacità esecutive e della personalità dei pianisti nei cambiamenti stilistici del jazz e nel conseguente cambiamento degli stili jazz del periodo in studio: stride - J. P. Johnson, L. Smith, F. Waller, swing - A. Tatum , T. Wilson, J. Stacy al bebop - T. Monk, B. Powell, E. Haig.

Significato teorico e pratico della ricerca

I risultati della ricerca di tesi potranno essere utilizzati nell'insegnamento dei corsi universitari di “storia della cultura”, “estetica del jazz”, “interpreti eccezionali del jazz”.

Approvazione del lavoro ha avuto luogo in relazioni a conferenze scientifiche interuniversitarie e internazionali “Problemi moderni della ricerca culturale” (San Pietroburgo, aprile 2007), presso l’Accademia Bavarese di Musica (Marktoberdorf, ottobre 2007), “Paradigmi della cultura del 21° secolo nella ricerca di giovani scienziati” (San Pietroburgo, aprile 2008), presso l’Accademia musicale bavarese (Marktoberdorf, ottobre 2008). Materiali per la tesi

utilizzato dall'autore durante l'insegnamento del corso "Outstanding Performers in Jazz" presso il Dipartimento di Arte Musicale dell'Università Statale di Cultura e Cultura di San Pietroburgo. Il testo della tesi è stato discusso durante le riunioni del Dipartimento di arte musicale di varietà e del Dipartimento di teoria e storia della cultura dell'Università statale di cultura e cultura di San Pietroburgo.

Sviluppo del jazz nella prima metà del XX secolo

Un'impennata creativa in molte forme d'arte ha “accolto” l'approccio del XX secolo. Il jazz strumentale ha avuto origine nelle profondità della scrittura di canzoni negre, ma la fine del XIX secolo in uscita fu segnata da una simbiosi tra la focosa e vibrante danza della passeggiata della torta e la musica insolitamente adatta ad essa: i primi ragtime. Nel frattempo, sia nella pittura che nella musica classica, che aveva una storia ed esperienza più lunga, tutto si sviluppò in modo inaspettato e rivoluzionario. Tutti i tipi di arte stanno cominciando a liberarsi dai canoni classici.

Nel 1874 a Parigi, un gruppo di giovani artisti innovativi organizzò una mostra. Le opere esposte utilizzavano una tecnica speciale di tratti separati, mezzitoni e ombre colorate che trasmettevano l'impermanenza e la fugacità delle impressioni. La nuova direzione artistica fu chiamata “impressionismo” e i suoi rappresentanti più importanti – Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pizarro, Edgar Degas, Alfred Sisley e Paul Cezanne – furono chiamati “impressionisti”. Le opere dell’olandese Vincent Van Gogh, Oskar Kokoschka (Austria), Edvard Munch (Norvegia) hanno aperto la strada all’”espressionismo”. Ben presto iniziarono ad apparire nuove tendenze nella scultura, nella letteratura, nell'architettura e nella musica. Ma c'è stato anche un feedback. L'allontanamento dalle leggi classiche dell'armonia fu associato al nome del compositore francese Claude Debussy, di cui il mondo della musica iniziò a parlare negli anni '90 del XIX secolo. Le opere di Claude Debussy e Maurice Ravel trasmettevano sentimenti sottili, ariosi, privi di sentimenti specifici e portavano l'estetica dell'impressionismo. Anche altri compositori hanno sviluppato questa direzione e hanno sperimentato il ritmo: Arnold Schoenberg, Igor Stravinsky, Bela Bartok. Gli scultori nelle loro opere dell'inizio del XX secolo, come i pittori, cercavano di spostarsi dal concreto all'astratto (Constantin Brancusi, Henry Moore). L’estetica dell’architettura modernista, che Frank Lloyd Wright (1869-1959) implementò nei suoi edifici, si basava sullo stile dell’“architettura organica”, completa unità con il paesaggio circostante.

Come ogni cosa nuova, il jazz durante il suo periodo di crescita è stato mobile e comunicativo, influenzando altre forme d'arte e assorbendo ogni impulso creativo. Molte opere d'arte dell'inizio del XX secolo sono intrise di jazz. Possiamo sentire questi stati d'animo "jazz" nella pittura: linee, contorni, giochi di colori (ad esempio, il lavoro di P. Picasso si riflette nelle composizioni di D. Ellington; il cubismo e l'arte astratta sono "in sintonia" con le opere di T. Monk, C. Mingus, O. Colman); in letteratura - il ritmo delle frasi di E. Hemingway “spinge” a comprendere lo stile bebop, il lusso e la ricchezza delle frasi di F. S. Fitzgerald formano un tutt'uno con la musica della “Golden Age” del jazz - swing. Sta emergendo un'intera coorte di compositori europei e americani, contemporanei dello sviluppo del jazz, inclini alla ricerca di un nuovo linguaggio e di nuove tecniche. Il jazz influenza indirettamente attraverso la musica accademica (ad esempio, C. Debussy) e il balletto classico. L'emergere di nuove arti e movimenti plastici è “spinto” dalla connessione nascosta di queste arti (nell'opera di Vaslav Nijinsky - “ Riposo pomeridiano fauno"). Motivi jazz compaiono anche nei costumi basati sugli schizzi di Lev Bakst - nelle linee, nelle combinazioni di colori; nei primi manifesti jazz, pubblicità e progettazione di nuovi spartiti. Il surrealismo di S. Dalì, R. Magritte e H. Mirro, così come i suoni languidi e i testi del blues, sono implicati nella motivazione sessuale subconscia, che fu proclamata al mondo intero nei suoi studi dell'inizio del XX secolo. secolo dallo psicoanalista e scienziato Z. Freud. L’emergere del jazz e l’emergere del “freudismo” coincidono sorprendentemente nel tempo.

I primi passi del jazz erano caratterizzati da eccentricità, frivolezza e carattere danzante. La musica jazz si diffuse rapidamente in diversi paesi e si diffuse. Così il jazz nei primi decenni divenne un prodotto di largo consumo. E si è scoperto che il jazz è il fenomeno a cui mancava così tanto la pienezza della vita.

Durante gli anni '20 e '30 del XX secolo, il jazz divenne uno dei preferiti del mondo, un "bambino", una manifestazione della cultura di massa. I rappresentanti di tutti gli strati sociali erano appassionati di musica jazz, e questo ci permette di considerare il jazz come un fenomeno con segni di universalità. Questa musica diventa parte integrante della vita artistica della società insieme a quella accademica, da camera, musica folk, balletto.

I gusti delle masse hanno successivamente dettato le specificità (partecipazione di massa, carattere di danza, attributi esterni, stile di comportamento) dello sviluppo e dell'espansione del repertorio jazz. Così, negli anni '30, le danze veloci erano popolari e le orchestre gareggiavano in esibizioni infuocate delle stesse melodie. Oppure l'altro estremo: i ballerini stanchi avevano bisogno di suonare qualcosa di più calmo; in questo caso, il repertorio della big band includeva ballate - brani lenti in cui il cantante si esibiva più spesso da solo. C'erano anche molte orchestre che suonavano musica dolce da salotto - "sweet-band". Un numero enorme di queste band è caduto nell'oscurità. Questo fu un vero e proprio fenomeno della cultura di massa negli anni '30 e '40.

Il segreto del successo del jazz sta nella sua straordinaria pulsazione, nella brillantezza del suono, nella composizione degli strumenti, nel ruolo mutevole di ciascuno di essi e nel nuovo stile dei cantanti principali. L'impatto di una grande orchestra sullo spettatore è sorprendente non solo per la qualità del materiale musicale, ma anche per la disposizione insolita dei musicisti sul palco. Molto spesso questo è un semicerchio e lo spettatore si sente nell'epicentro dell'attenzione e della tensione sonora, dove tutti gli artisti dell'orchestra jazz lavorano per il pubblico. Ciò è facilitato dalle pose speciali degli artisti. Vengono messi in scena i movimenti "disegnati" delle campane degli strumenti a fiato: le ali dei tromboni oscillano da un lato all'altro in sincronia con il ritmo, i trombettisti alzano i loro strumenti al cielo, i sassofonisti combinano vari giri e "passi", il pianista gesticola e sorride, il contrabbassista suona in modo deliberatamente dimostrativo, e il batterista, seduto “sopra tutti” i membri dell'orchestra, fa miracoli di ritmo e talvolta di giocoleria.

Il carattere consolidato di massa e di danza della musica jazz ha spinto gli uomini d'affari del mondo dell'intrattenimento a creare un'intera industria del jazz. Sulla base di campioni (hit) di successo e comprovati, i loro "gemelli" sono stati creati e replicati: melodie, canzoni, melodie, organizzate in schemi ritmici. Era un cliché del repertorio jazz. Il periodo dalla fine degli anni '20 all'inizio degli anni '40 è una sorta di record di interesse per la musica jazz, non solo per l'America, ma anche per i paesi europei. Ciò è stato facilitato buona combinazione i seguenti fattori, la presenza di una sorta di "catena": orchestre (il "collegamento" dell'esecuzione) - ballerini (il "collegamento" attivo dei consumatori) - dischi del grammofono (un "collegamento" che aumenta notevolmente il numero di fan - un numero enorme di negozi vendevano dischi in tutto il mondo) - trasmissioni radiofoniche (“il "link" che distribuisce la musica jazz istantaneamente e a qualsiasi distanza, ampliava il pubblico degli ascoltatori grazie ai miglioramenti tecnici) - pubblicità (questo "link" era ampiamente utilizzato e coinvolgeva designer di talento nell'arte di creare manifesti e manifesti). Questo record per tutta la durata di interesse sarà battuto solo dalla musica rock degli anni '60 e '90.

Nel periodo degli anni '30 e '40, tra centinaia di orchestre spiccavano leader e arrangiatori di big band, che cercavano la propria strada, cercando di sbarazzarsi del destino commerciale del repertorio. Queste orchestre sono state eliminate dall'elenco delle big band da ballo (ad esempio, D. Ellington). Anche il "re" dello swing della fine degli anni '30, B. Goodman, notò nelle sue memorie che suonare in una grande orchestra non portava la soddisfazione creativa che si otteneva suonando con un piccolo ensemble. Suonare con una grande orchestra significava “suonare per ballare”. Considerando le attività delle grandi orchestre negli anni '30 e '40, è necessario notare le sue direzioni principali: suonare in enormi sale da ballo; spettacoli in grandi club con palco e attrezzature e decorazioni adeguate; lavorare in piccoli caffè e ristoranti, dove era difficile ospitare un'orchestra; concerti in sale prestigiose, società filarmoniche; tournée in America e tournée nei paesi europei.

Caratteristiche della cultura jazz

L'emergere del jazz fu percepito con vigore da teorici e ricercatori che credevano che le alte virtù del jazz fossero danneggiate dall'intelligenza e dalla civiltà. È stato definito sia “primitivo” che “barbaro” con una punta di elogio, anche se in realtà il jazz è stato creato principalmente da neri in condizioni di schiavitù. Un altro malinteso era la teoria secondo cui alti livelli di tecnica strumentale o arte della composizione fossero dannosi per il vero jazz. Era anche generalmente accettato che il jazz fosse una "svolta completa" tra tutta la musica precedente, o, più precisamente, tutta la musica occidentale.

Un'opinione comune tra gli studiosi di jazz è che venga tracciata una pista dal jazz alla musica africana. Molti di coloro che hanno ascoltato molte registrazioni di tamburi e canti africani vedono in esse somiglianze con il jazz e costruiscono varie teorie senza notare la differenza. Possiamo quindi dire che la musica europea riconduce anche al canto gregoriano, che a sua volta affonda le sue radici nella musica asiatica, greca ed ebraica.

"Il jazz non è musica africana", come può dire chiunque conosca "Joe Turner Blues" di Johnny Dods, "Knocking a Jug" di Louis Armstrong o "High Society" di Kid Ory, e come quei pezzi si collegano alla batteria africana o alla voce nera. ... idee?

Il termine "afro-americano" è particolarmente popolare tra i teorici del jazz. Usare un termine così ibrido significa implicare che ci siano due Americhe. Oltre agli afroamericani, ci sono angloamericani, irlandesiamericani, ebreiamericani, italoamericani e altri. La musica jazz combina elementi presi in prestito da altre culture: inni europei, canzoni popolari francesi, canti e danze spagnole, canti e danze degli altipiani. E come risultato dell'unificazione, è nata una nuova, fresca arte musicale, che riflette la vita emotiva, sociale, i dolori e la rabbia delle persone reinsediate nel continente americano come schiave. Dopo l'abolizione della schiavitù, i neri furono limitati nell'ottenere professioni di base, istruzione, libertà di movimento e libertà di movimento diritti civili, “per lavoro” salari bassi e trasferimento nel ghetto. Nel processo di lotta per la libertà, sono state create la storia, le tradizioni e la cultura delle persone. La musica creata dal popolo nero (spirituali, blues e jazz) si diffuse ampiamente come musica originale. La teoria secondo cui il jazz è musica “primitiva”, così diffusa negli anni '40, oggi non può essere accettata non solo dagli ascoltatori, ma anche dai musicisti. La parola “primitivo” nella maggior parte dei casi viene interpretata erroneamente dai ricercatori come sinonimo di società primitiva. L'uomo primitivo è stato un creatore grazie alle circostanze, grazie alle quali abbiamo ricevuto le basi della comunicazione linguistica, gli inizi della comunicazione musicale e artistica e i primi strumenti.

Insolite sono anche alcune opere degli anni '20, ad esempio "La storia di un soldato" di I. Stravinsky, scritta durante la guerra. In questo lavoro, come in altri del dopoguerra, c’è una consapevole insistenza nel raggiungere una somiglianza “primitiva” con i tamburi africani. Di conseguenza, il compositore riesce ad avvicinarsi al “ritmo” della fonte originale rispetto a quanto avviene nel jazz.

La teoria del “subconscio” è un altro postulato fuorviante. Il jazz non è il prodotto di una sola mente. “Il jazz è la crescita dell’emozione in un viaggio musicale di consapevole abilità, gusto, abilità artistica e intelligenza. Tuttavia, il jazz non può essere definito pura improvvisazione, solo perché in alcune eccezioni è stato creato da musicisti che non sapevano leggere la musica. Il processo di improvvisazione è fondamentale nel jazz e non è così sorprendentemente diverso dai processi che avvengono nella mente del compositore. Scrivere musica occupa un posto importante nella storia del jazz, nello sviluppo dei musicisti jazz e nello sviluppo delle loro capacità creative. Il raggiungimento di un’elevata padronanza in quest’arte sta facendo progressi significativi oggi.”

Il jazz è cambiato costantemente nel corso della sua storia. E in ogni periodo di sviluppo continua ad essere musica eccezionale. Quando sul percorso del creatore del jazz sono comparsi nuovi problemi e ostacoli nella vita, ciò ha causato anche cambiamenti nella musica. Ma il processo di sviluppo, cambiamento, esplorazione di nuovi materiali ed emozioni è alla base non solo del jazz, ma di tutta la musica esistente.

“Sotto la pressione di numerosi divieti e restrizioni, i neri sono riusciti a creare arte, che, prima di tutto, era una distrazione dalle difficoltà della vita, arte “per se stessi”. Inaspettatamente, quest'arte si è rivelata un intrattenimento già pronto "per tutti". Le persone hanno creato musica di fenomenale insolita e bellezza. Molte persone nel mondo iniziarono ad ammirare questa musica”. Il jazz dovrebbe essere considerato un grande contributo al patrimonio culturale mondiale.

Una delle caratteristiche del jazz è il suo suono insolito. La musica negra nel 19° secolo era immatura. Il musicista negro, creatore di meravigliose forme musicali americane, quasi sempre abbandonato e solo, non attribuendo molta importanza alle accuse che gli cadevano in testa, era definito il dissoluto "genio della sua razza". Dopo la guerra civile, nuovi strumenti furono adattati alla nuova qualità della musica. Strumenti dell'esercito confederato: trombe, cornette, tromboni, clarinetti, tube, contrabbassi, banjo (poi chitarra), tamburi apparvero nelle orchestre di strada. Il pianoforte iniziò ad essere utilizzato negli spettacoli di varietà grazie alle proprietà ritmico-percussive di questo strumento. Apparve una musica comune per danze e sfilate, in cui ogni strumento aveva la propria “voce”, ma erano tutti intrecciati tra loro con linee melodiche e in seguito venne chiamata “musica di New Orleans”.

Cambiamento storico degli stili (stride, swing, bebop)

Parlando dell'emergere del passo, dovremo tornare indietro di un decennio, fino agli anni '20. Questo stile deve la sua nascita a New York. Era qui che la figura di un pianista single era richiesta in ogni “festa”, in un ristorante, bar, albergo. Il musicista poteva eseguire qualsiasi nuova canzone, una melodia alla moda, spesso trasformando il materiale della canzone secondo i suoi gusti. Questo pianista era, in sostanza, una "orchestra individuale". La mano sinistra fungeva da sezione ritmica, mentre la mano destra decorava e completava la melodia e la sua interpretazione con varie tecniche. La tecnica "Striding" nella mano sinistra ("walking bass") deriva dal ragtime (basso - accordo - basso - accordo), ma il modo di suonare della mano destra è cambiato in modo significativo. Questo stile di suonare fu in seguito chiamato "Harlem Stride Piano" o semplicemente "stride".

Partendo dal ragtime, lo stride iniziò la sua formazione durante la Prima Guerra Mondiale, ma soprattutto dopo la sua fine. Questo stile - energico, pieno di impulso - era in sintonia con l'apparizione di un numero crescente di meccanismi e vari dispositivi (automobili, aeroplani, telefoni) che cambiavano la vita delle persone e rifletteva il nuovo ritmo della città, come altri tipi di moderni arte (pittura, scultura, coreografia).

Tempi veloci e intensità (densità del suono) hanno portato i pianisti da passo a un'interazione densa e attiva delle mani. La tecnica della mano destra faceva avanzare il ritmo di accompagnamento nella mano sinistra. Questo stile si distingueva per un diverso livello di intensità ritmica, rapidi cambi di accordi e un metro più allineato linearmente. Mentre la base per la mano destra doveva preservare la figura e la versatilità, la linea melodica a una sola voce fu sempre più utilizzata e divenne la norma. I pianisti stride aggiungevano anche note blues al loro modo di suonare, mentre questa tecnica era estremamente rara nel ragtime. Questi cambiamenti stilistici parlavano della consapevolezza e dell'educazione dei musicisti. Stride ha assorbito molto dai suoi "predecessori": ragtime e stile di New Orleans. Dividiamo condizionatamente il passo in "presto", un rappresentante di spicco di cui era J. P. Johnson, e quello "tardivo", in cui F. Waller era la figura dominante. È stato lo stile di Waller a spingere lo sviluppo dello stile “swing” e a contribuire all’emergere di maestri come T. Wilson e A. Tatum.

I migliori artisti del passo erano concentrati negli Stati Uniti orientali, a New York, e lo stile era più spesso chiamato passo "Harlem". J.P. Johnson (J.P. Johnson) lo era figura centrale, e i suoi predecessori furono Luckey Roberts, Eubie Blake, Richard "Abba Labba" McLean.

Notiamo alcuni tratti caratteristici di questi periodi. Pertanto, nel primo periodo, i migliori pianisti da passo avevano una mano sinistra “incredibile” ed erano in grado di suonare a tempi molto veloci. Gli accordi e le progressioni armoniche migliorarono e l'improvvisazione divenne la norma per questo stile, in contrasto con il ragtime. La tecnica della mano sinistra è simile a quella utilizzata nel regg classico, ma gli accordi e le progressioni sono più completi e raffinati. L'uso degli effetti blues distingueva lo stride piano dal ragtime. I primi pianisti stride suonavano con un intenso movimento ritmico - "drive", come gli artisti di New Orleans. La loro improvvisazione era costruita su abbellimenti e variazioni.

La figura più popolare del periodo "tardo" fu Fats Waller. Il suo tocco sullo strumento (tocco) era più leggero di quello di J.P. Johnson e F. Waller era una figura di transizione dallo stile falcata allo stile swing.

F. Waller costruisce il suo modo di suonare e le sue composizioni su “motivi”. I motivi sono brevi idee melodiche, ritmiche o melodico-ritmiche, che possono poi essere variate più volte. I motivi, per la loro brevità, erano facili da ricordare. Questo era tipico non solo delle tradizioni blues, ma anche della musica classica. Le caratteristiche del passo comprendono anche: accompagnamento continuo con la mano sinistra; la linea ritmica della mano sinistra si è fatta più complessa; la tecnica di utilizzare le note blues in una linea melodica; l'uso di frasi ripetute - riff di pianoforte e trilli nella mano destra; improvvisazione di accordi su più battute; suonare accordi con la mano sinistra su ciascun quarto, senza utilizzare note basse separate, a un tempo veloce; Gli artisti con il passo ritardato, complicando la tecnica pianistica, furono costretti ad alleggerire il tocco; dinamica costante durante tutta la rappresentazione.

Gli anni Trenta furono anche l'inizio dello stile “boogie-woogie”, creato da pianisti che suonavano il blues quadrato, semplice nella forma e nell'armonia, con figure di riff ricche e ritmicamente ripetute nella mano sinistra. Prendendo il nome da una danza diffusa nel Sud tra i neri, lo stile del “boogie-woogie” marciò verso il Nord degli Stati Uniti con la potente migrazione della popolazione nera dopo la Prima Guerra Mondiale. Già a metà degli anni '20, il “boogie-woogie” cominciò a diffondersi sui “race records” (record per i neri). Ecco i nomi dei primi interpreti: Clay Custer, Jimmy Blyth, Pine Top Smith. Il disco potrebbe anche contenere istruzioni di ballo.

Considerando la formazione dello stile swing nel primo jazz, è necessario notare la sua evoluzione su due livelli: in un piccolo ensemble e nella musica per pianoforte solista. A metà degli anni '30 gli ensemble cambiarono. Gli ensemble jazz crebbero in ampiezza, diventando orchestre. Era una fusione, un “ibrido” tra un combo jazz e una grande orchestra da ballo degli anni '20. Durante il periodo di transizione dai piccoli gruppi a quelli grandi, mentre nella musica avveniva il processo di "ammorbidimento", emergeva anche un nuovo stile pianistico.

L'esempio di una sezione ritmica swing è stata l'orchestra di C. Basie. I musicisti della sezione ritmica (chitarra, contrabbasso, pianoforte, batteria) hanno suonato tutti e quattro i tempi di ciascuna misura d'un fiato e con una tale pulsazione che sembravano suonare come un unico strumento.

I pianisti swing sembravano divisi tra due mondi. L'oscillazione richiedeva un tocco leggero e un senso di ritardo; gli accenti pungenti dello stride piano erano attenuati. Studiando le caratteristiche dello swing basato sul lavoro di T. Wilson, notiamo quanto segue. Come nei primi stili, la mano sinistra manteneva in gran parte il ritmo, suonando su ogni quarto di battuta. La pesante pulsazione della mano sinistra dei pianisti è stata sostituita da un metro costantemente rilassato. C'era anche una differenza nel modo in cui i pianisti swing modificavano la tecnica della mano sinistra. La maggior parte delle linee di camminata erano estese su una battuta, ma c'erano anche lunghe sequenze allungate su due o più battute. T. Wilson era caratterizzato da un attaccamento a linee morbide e levigate, più sottili e aggraziate di quelle dei pianisti stride. Negli anni '20 L. Armstrong, così come E. Hines, preparò il terreno per questo approccio all'improvvisazione. Sebbene Teddy Wilson rappresentasse al meglio lo stile swing, Art Tatum (1910-1956) riassunse tutti gli stili del pianoforte jazz nel suo modo di suonare, ispirando la successiva generazione di musicisti bebop jazz. Uno dei musicisti più straordinari mai vissuti, A. Tatum era quasi cieco, ma possedeva una tecnica così brillante da ispirare stupore in molti famosi pianisti classici. Ha trasformato le armonie dei brani in modi inaspettati e spesso ha scritto o improvvisato progressioni di accordi diritte che sono ancora sorprendentemente moderne oggi. Il modo di suonare di Tatum rimaneva ancora in qualche modo nello stampo del ragtime, ma lui "andò in profondità", esplorando il pianoforte jazz più di chiunque altro prima di lui. Il picco dell’improvvisazione nel gioco di A. Tatum è piuttosto controverso. Alcuni critici considerano la sua interpretazione del materiale musicale originale eccessivamente decorata e ornamentale. Nonostante queste critiche, la verità è che Tatum era un notevole improvvisatore anche perché manipolava il materiale offerto in modi unici e creativi. Non era un improvvisatore lineare e stravagante come T. Wilson, ma improvvisava molto più di T. F. Waller.

La fine dell'era dello swing costrinse i direttori d'orchestra a riconsiderare seriamente il loro repertorio. Molte orchestre emerse suonando nello stile del “rhythm and blues” hanno utilizzato tutte le scoperte dei fondatori del boogie-woogie. Non solo i nuovi arrivati, ma anche noti big band (D. Ellington, C. Basie, L. Milinder, C. Calloway, W. Bradley, ecc.) Hanno introdotto spettacoli ritmici infuocati nel loro repertorio. Verso la fine dell'era dello swing (primi anni '40), i pianisti iniziarono a esplorare nuovi approcci al modo di suonare. Dopo il virtuosismo senza precedenti di Art Tatum, dove potrebbe andare la performance pianistica jazz? Il tempo aspettava nuovi artisti. Questi rivoluzionari del jazz dei primi anni quaranta suonavano con molta meno enfasi ritmica nella linea di accompagnamento e con una linea di improvvisazione più spigolosa e imprevedibile. I pianisti jazz degli anni '40 trovarono un nuovo modo: cambiò il modo di suonare della mano destra in un ensemble con batteria e contrabbasso. I famosi suonatori di stride sono stati ora sostituiti dai moderni trii di pianoforte jazz.