Descrizione Raffaello ritratto di Eleonora Gonzaga. Rafael Sanzio è un grande pittore rinascimentale. Affresco "La Cacciata di Eliodor dal Tempio"

09.07.2019

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Elisabetta Gonzaga(Italiana Elisabetta Gonzaga; 9 febbraio 1471 - 28 gennaio 1526) - Duchessa di Urbino, moglie di Guidobaldo da Montefeltro, sorella di Francesco II Gonzaga; prozia della poetessa Vittoria Colonna.

Biografia

Dalla famiglia dei marchesi Gonzaga, figlia di Federico I e Margherita di Baviera. Nel febbraio 1488 Elisabetta sposò il duca di Urbino, Guidobaldo da Montefeltro. Dal 1502, quando Cesare Borgia si impadronì dei possedimenti di Guidobaldo, visse con il marito a Mantova, per poi tornare ad Urbino (1503). Si trasferì nuovamente a Mantova nel 1516 a causa di un conflitto tra il nipote del marito, Francesco Maria della Rovere, e papa Leone X. Tornò nel 1521: dopo la morte di papa Francesco Maria, riconquistò facilmente Urbino.

Un'amica intima di Elisabetta Gonzaga era la moglie di suo fratello, Isabella d'Este.

Importanza nella storia culturale

Una delle donne più colte del suo tempo, Elisabetta Gonzaga trasformò la corte di Urbino in un importante centro della cultura rinascimentale. Della cerchia di umanisti che qui si formò facevano parte Baldassarre Castiglione e Pietro Bembo. Di tanto in tanto Raffaello, che era il preferito di tutti, veniva a Urbino.

Elisabetta Gonzaga nel Libro di Corte di Castiglion

Un ritratto elogiativo di Elisabetta Gonzaga è contenuto nel libro di dialoghi "Sul cortigiano" ( Il Cortegiano) Baldassarre Castiglione. Quando il libro fu pubblicato, lei non era più viva.

L'anima di ognuno di noi si riempiva di straordinaria felicità ogni volta che ci riunivamo al cospetto della Signora Duchessa... Per la castità e la dignità insite in tutte le azioni, parole e gesti della Signora Duchessa, i suoi scherzi e le sue risate, rendevano anche coloro che non l'avevo mai vista prima per riconoscere in lei la grande imperatrice. ( Per. DI. Kudryavtseva)

Appunti

Castiglione B. Del cortigiano // Esperienza del Millennio. Medioevo e Rinascimento. Vita, costumi, ideali. M., 1992. P. 481

Materiali parzialmente utilizzati dal sito http://ru.wikipedia.org/wiki/

artista ingegnoso Raffaele Sanzio nacque nella piccola città italiana di Urbino nel 1483. Come la maggior parte delle città italiane dell'epoca, Urbino era uno stato indipendente governato dal duca Federigo de Montefeltro, famoso per il suo amore per l'arte e la scienza. Suo figlio Guidobaldo da Urbino fece della sua corte il centro delle menti più illustri d'Italia. Urbino non fu una città eccezionale sotto questo aspetto. L'amore per le scienze e l'arte fu un segno distintivo di tutte le città italiane del Rinascimento.

Rafael Sanzio proviene dalla famiglia di un piccolo commerciante, l'artigiano Giovanni Sanzio. Giovanni aveva una propria bottega, nella quale si dipingevano immagini, finivano mobili, selle, doravano oggetti vari. I concetti di artigiano e artista allora non erano separati: tutti gli oggetti artigianali erano, in misura maggiore o minore, opere d'arte, tutto veniva creato sulla base di elevate esigenze di bellezza delle cose. Rafael ha partecipato ai lavori della bottega di suo padre fin dall'infanzia. Avendo mostrato una precoce inclinazione per il disegno, iniziò a studiare con il padre, il quale, se non un meraviglioso pittore, capiva e apprezzava la pittura. Nella sua giovinezza, quando Giovanni fece un periodo di apprendistato, viaggiò spesso e scrisse molto. E ora le sue opere sono ancora conservate (ad esempio, “Madonna circondata da santi” nella chiesa di Santa Croce a Fano).

Urbino non era a quel tempo il centro di alcuna scuola di pittura, come Perugia, Firenze o Siena, ma la città era spesso visitata da molti artisti che eseguivano singoli ordini e influenzavano i pittori urbinati con le loro opere. Urbino fu visitato da Paolo Uchelo, Piero della Francesca e Melozzo da Forlì, che realizzarono per la corte urbinate quattro allegorie delle Arti Libere, un'opera piena di maestosa pacatezza.

Nel 1494, quando Raffaello aveva solo undici anni, suo padre morì. La famiglia Sanzio a quel tempo era composta da Bernardina, la seconda moglie di Giovanni (la madre di Raffaello, morta quando aveva otto anni), due sorelle Giovanni, il piccolo Raffaello, lo zio, il monaco Bartolomeo, nominato tutore del futuro artista. I membri della famiglia non andavano molto d'accordo tra loro. Raffaello visse nella sua famiglia fino al 1500. Questo periodo della vita di Raffaello è meno conosciuto. In ogni caso, è noto che Raffaello per tutto questo tempo fu impegnato nella pittura e fu allievo dell'artista Timoteo Viti, che lavorò alla corte di Federigo de Montefeltro.

Nel 1500 Raffaello si recò nella città più vicina di Urbino, Perugia, famosa per i suoi maestri della pittura. A Perugia visse il pittore più famoso da quelle parti, Pietro Vannucci, meglio conosciuto con questo nome. Il Perugino aveva una sua bottega, un gran numero di allievi, e con lui in Umbria gareggiava in gloria solo il Signorelli, che in quel tempo viveva nella città di Cortona, poco più da Urbino che da Perugia.

Perugia era il centro di tutta l'Umbria. Situata su un altopiano roccioso, la città è stata un monumento vivente di molte epoche. Tutto in questa città respirava arte: dalle antiche mura, alle porte di epoca etrusca, alle torri e ai bastioni di epoca feudale, per finire con la fontana di Giovanni Pisano, entrata nella storia dell'arte, e il Cambio, in cui si riunì la locale corporazione dei banchieri. Perugia visse una vita tempestosa; Fondamentalmente, la vita scorreva sulla piazza: qui si risolvevano controversie, si tenevano festeggiamenti, si discutevano i meriti di governanti e guerrieri, si discutevano edifici e dipinti. La vita della città era piena di contrasti: crimini e virtù, cospirazioni, omicidi, crudeltà, umiltà, buona natura e sincera allegria convivevano facilmente fianco a fianco. Perugia era governata da un legato pontificio che non godeva di autorità ed era costantemente minacciato di assassinio. E non solo gli omicidi segreti, ma anche quelli palesi non sono stati particolarmente condannati. Proprio in questo periodo la città diede ordine al maestro Perugino di affrescare la locale Borsa "Cambio". Nascono così la "Trasfigurazione", l'"Adorazione dei Magi" e altre opere del Perugino, alle quali lavorò per più di sette anni.

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Adorazione dei Magi

Trasfigurazione

Michelangelo trovava l'arte del Perugino noiosa e antiquata. Questa valutazione era dovuta al fatto che a Perugia erano ancora vive le tradizioni più conservatrici del Quattrocento (nella storia della cultura italiana c'è una periodizzazione per secoli; pertanto, il Rinascimento è condizionatamente suddiviso nei seguenti periodi: Trocento - XIV secolo, Quattrocento - XV secolo e Cinquecento - XVI secolo .). Gli artisti hanno creato qui composizioni, in qualche modo vicine all'arte antica. La primitività era il loro segno distintivo. Di solito questi dipinti aderivano strettamente ai testi scritturali. Gli artisti non erano ancora in grado di individuare le idee che li eccitavano, di separare con la dovuta comprensione il necessario dall'accidentale. I dipinti di molti quattrocentisti - e gli artisti perugini furono più di altri - sono sovraccarichi di dettagli, di figure, la trasmissione pittorica del tema biblico era in essi piuttosto ingenua.

La scuola umbra si sviluppò sotto l'influenza dei senesi. Gli artisti senesi che vagavano per città e villaggi lasciarono negli altari e sui muri delle chiese le loro creazioni ingenue, caratterizzate da un certo arcaismo epico e monotonia iconografica. La sublime convenzionalità di questi dipinti iconici distingueva i senesi dalle altre scuole italiane. La scuola senese migliorò gli ideali patriarcali medievali e, sebbene raggiungesse un'elevata abilità nelle sue icone e fosse famosa per la purezza e la finezza dei contorni, la tenerezza e la completezza dell'esecuzione, non andò oltre i tradizionali oggetti delle immagini. Pertanto, i senesi prestavano poca attenzione alla natura, tutte le loro composizioni erano costruite sullo sfondo di un'architettura fantastica, ma in Umbria amavano molto il delicato azzurro dei loro dipinti e la stessa convenzionalità e monotonia tradizionale. Molti artisti umbri si svilupparono sotto l'influenza dei senesi.

Perugia non era estranea all'arte di Firenze, che a quel tempo era il centro della vita artistica e assorbiva tutti i più brillanti e talentuosi. Firenze ha influenzato la complessità e la novità dei suoi compiti artistici, la sua audace comprensione umanistica della bellezza. I più grandi artisti dell'Umbria - Luca Signorelli, Perugino e Pinturicchio hanno semplicemente creato le loro meravigliose opere perché si affidavano non solo alla tradizione senese, ma anche alla tradizione fiorentina. Se Signorelli fu più influenzato da Firenze, che attirò la sua attenzione sul corpo umano nudo, plasmando il suo carattere già severo e diretto verso la massima logica e franchezza, allora Perugino è più vicino ai senesi con il loro patriarcato e conservatorismo artistico.

Il Perugino viaggiò molto; studiò anche a Firenze, lavorando sotto la guida di Piero della Francesca, e anche insieme a Leonardo da Vinci alla scuola del Verrocchio. Nonostante ogni tipo di influenza, il Perugino rimase, nel suo spirito, un artista prettamente umbro che ama i contorni morbidi e delicati e le immagini toccanti della Madre di Dio. I volti sognanti-spirituali delle sue Madonne costituiscono ancora oggi la gloria della scuola umbra. Quando il giovane Raffaello entrò nel Perugino, quest'ultimo era all'apice della sua fama. In quel periodo ricoprì di affreschi le sale del Cambio. Si ritiene che Raffaello abbia preso parte all'opera del Perugino da studente, ma è impossibile stabilirlo con certezza.

Inizialmente Raffaello lavorò sotto l'influenza del Perugino. Il maestro di quel tempo non si prefiggeva il compito di sviluppare l'individualità dello studente, ma lo informava solo della tecnica della maestria. Gli studenti spesso dipingevano gli schizzi del maestro, realizzavano parti meno importanti delle opere e talvolta l'opera intera, ad eccezione della composizione generale e della finitura finale. Il Perugino, essendo un artista popolare, era così sovraccarico di ordini che molto spesso li affidava completamente ai suoi allievi.

Le Madonne di Raffaello, che occuperanno poi un posto importante nell'opera dell'artista, recano tracce dell'influenza del primo periodo dei suoi studi perugini. Perugino. Alcune di queste Madonne furono disegnate dal Perugino o dal suo assistente Pinturicchio. Tale è la collezione della Madonna del Sale (Madonna con bambino e libro): è una creazione tutta perugina, realizzata dalla mano timida di uno studente (è attribuita al 1501). Nota Madonna Conestabile della Stoffa, scritta da Raffaello nello stesso periodo. Questa Madonna è insolitamente ingenua e toccantemente aggraziata; in esso Raffaello è già sentito come un artista indipendente, nonostante i disegni sopravvissuti mostrino che furono realizzati dal Perugino o dal Pinturicchio.

Madonna della Collezione Sulli (Madonna con Bambino e Libro)

Madonna Conestabile della Stoffa

Nel 1503, dopo la partenza del Perugino a Firenze, Raffaello ricevette il primo grande ordine indipendente: dipingere il dipinto "L'Incoronazione della Vergine" per la chiesa del monastero francescano di Perugia. Raffaello riceve già numerosi ordini come maestro dalla città di Città di Castello.

Incoronazione della Vergine

Nel 1504 Raffaello tornò in patria, a Urbino, come maestro indipendente. Viene ricevuto nel palazzo del duca di Guidobaldo, gli procurano patronato. Qui incontra le persone più interessanti e colte del suo tempo. Alla corte del duca Guidobaldo, Raffaello dipinge un piccolo dipinto "San Giorgio", così come "L'Arcangelo Michele" sotto forma di valoroso cavaliere, che incarna la vittoria del bene sul male. Il giovane artista era molto apprezzato a corte; il duca credeva che Raffaello fosse perfettamente in grado di diventare uno dei migliori artisti e di creare opere che non fossero inferiori a qualsiasi cosa fosse stata creata prima di lui in pittura.

San Giorgio

L'Arcangelo Michele rovescia il demone

San Giorgio che uccide il drago

Raffaello rimase a Urbino solo sei mesi e, munito di lettere di raccomandazione, si recò a Firenze. La Repubblica Fiorentina era in quel periodo un fiorente centro di vita artistica. In una città allo stesso tempo si riunirono geni che crearono opere di pittura e scultura che rimangono ancora insuperate. Maestri, architetti e pittori fiorentini erano conosciuti sia in Turchia che a Mosca.

E nonostante tutti vivessero d'arte e tra l'arte, gli artisti erano molto apprezzati, anche se non come artisti, ma come artigiani che facevano bene il loro lavoro. Artisti e architetti pagati mensilmente o per metro di affresco! È vero che a Firenze i confini tra arte e artigianato erano già delineati. La maggior parte degli artisti proveniva dall'ambiente popolare. La loro educazione era solitamente limitata alla conoscenza di argomenti biblici. Dopo aver superato il corso di studi, erano più impegnati in lavori accessori che in lavori artistici diretti. Sebbene non disponiamo di informazioni precise sulla vita di Raffaello durante i suoi anni da studente, non c'è motivo di ritenere che li trascorse diversamente. Le eccezionali capacità di Raffaello lo aiutarono a superare rapidamente il corso di apprendistato, solitamente molto lungo (spesso fino a quindici anni), ma lo stesso maestro Perugino non poteva dare più di quello che sapeva. Pertanto, quando Raffaello si immerse nella vita artistica di Firenze, nella quale le arti erano ad alto livello - qui la prospettiva era aperta, qui si studiava l'anatomia, il corpo umano nudo era conosciuto e amato - si sentì di nuovo uno studente, che ha bisogno di guardare attentamente ciò che lo circonda e trarne conoscenza. A Perugia Raffaello aveva già allievi ed era conosciuto come maestro, ma qui era considerato un artista alle prime armi e non gli dava commissioni pubbliche.

Raffaello si recava spesso a Perugia, supervisionava il lavoro dei suoi studenti, dipingeva quadri e finalizzava ordini, ma viveva e studiava a Firenze. A Firenze Raffaello si immerge nello studio della natura, della natura, della teoria degli angoli, della prospettiva, dei problemi anatomici. Qui si forma anche la composizione dei suoi dipinti: madonne semplici, ma sorprendentemente armoniose e semplici. Queste opere di Raffaello - Madonna con il cardellino, Madonna in un prato, Madonna con l'agnello, ecc. - hanno già perso il carattere schematico della scuola umbra, esprimono in modo abbastanza realistico l'ideale alto e tenero, piuttosto terreno, della maternità.

Maria con il Bambino, Giovanni Battista e Gesù Cristo Bambino (Madonna Terranova)

Madonna Del Granduca

Madonna col Bambino in trono e S. Giovanni Battista e Nicola di Myra

Piccola Madonna Cowper

Madonna nel verde (Vergine Maria nel prato)

Madonna con garofani

Madonna col Bambino, santi e angeli (Madonna col baldacchino)

Madonna con un cardellino

Madonna d'Orléans

Madonna col Bambino e Giovanni Battista in un paesaggio (Il bellissimo giardiniere)

Leggendo Madonna

Nel 1508 Raffaello ha solo venticinque anni, ma ha già realizzato più di cinquanta dipinti da cavalletto, un affresco nel monastero di San Severo e un'infinità di disegni e schizzi. Poiché Raffaello raggiunse una grande perfezione nella sua arte, la sua fama negli ambienti fiorentini crebbe costantemente. L'artista ha padroneggiato la grande chiarezza del disegno, migliorando i campioni elevati; non si è fermato nemmeno prima di rielaborare i suoi dipinti incompiuti secondo idee nuove e più elevate sulla bellezza. Seguendo il consiglio di Leonardo, Raffaello, raffigurando le sue Madonne, evita dettagli e decorazioni inutili che erano di gran moda in Umbria e lavora sul paesaggio. Probabilmente, a quel tempo, Raffaello conosceva già il Trattato sulla pittura di Leonardo da Vinci, scritto nel 1498. Sta già superando le tradizioni dei Quattrocentisti: scompare la rigidità dei modi e l'incapacità di scartare i dettagli, un realistico più generalizzato appare la nobilitazione dell'immagine, una composizione rigorosa. La creatività di Raffaello non nasce da idee vaghe, emozioni sfuggenti e osservazioni ingenue: l'atto creativo diventa profondamente pensato, costruito su una chiara conoscenza e comprensione della realtà. I suoi dipinti acquisiscono una nobile semplicità, mostrano il desiderio dell'artista di incarnare in modo logico ed estremamente espressivo il suo ideale di persona nella pittura. Raffaello si liberò dal sistema artistico chiuso adottato in Umbria con il suo accenno di provincialismo, e introdusse nell'arte l'ideale di una bella persona, l'armonia dell'alta conoscenza e idee più complesse sulla pittura.

Affresco di Raffaello e Perugino nella Cappella San Severo a Perugia

Allegoria (Sogno di un cavaliere)

Crocifissione con la Vergine Maria, santi e angeli

Il fidanzamento della Vergine Maria con S. Giuseppe

Tre Grazie

Benedizione di Cristo

Sacra Famiglia sotto una palma

Posizione nella bara

Santa Caterina

sacra Famiglia

Non importa quanto originali fossero le città italiane, ognuna delle quali era un centro indipendente e viveva una vita propria e unica, Roma si distingueva tra queste come una città insolita e speciale. All'inizio del XVI secolo. Roma è il centro dello Stato pontificio, il centro della vita cattolica in tutta Europa; in un certo senso era anche il centro politico dell'Europa.

Papa Giulio II, uno dei Padri della Chiesa più militanti, condusse la politica soprattutto con sangue e ferro. Negli atti dei papi si rifletteva in modo particolarmente chiaro la duplice natura del Rinascimento. Da un lato, i papi erano le persone più colte del loro tempo, raggruppavano attorno a sé le persone più interessanti del loro tempo ed erano intrisi delle tendenze umanistiche del secolo. D'altra parte, erano anche gli organizzatori dell'Inquisizione, incitando al fanatismo religioso. Quest'epoca, che credeva soprattutto nel genio e nella forza dell'uomo, ha dato alla luce sovrani: sottili conoscitori delle arti e allo stesso tempo mostruosi assassini, brillanti e talentuosi, e spesso allo stesso tempo moralmente brutti. Una di queste persone era Giulio II. Passò alla storia come uno dei più grandi mecenati d'arte, che amò sinceramente l'arte e contribuì al suo sviluppo. Sotto Giulia furono iniziati a Roma lavori grandiosi, ad esempio la costruzione della famosa Cattedrale di San Pietro, a Roma lavorarono gli artisti più famosi d'Italia: Perugino, Peruzzio, Signorelli, Botticelli, Bramantino‚ Bazzi, Pinturicchio, Michelangelo. Qui si concentrarono i più ricchi monumenti dell'architettura e della pittura, da Giotto e Alberti a Michelangelo e Bramante. Inaspettatamente per se stesso, Raffaello fu invitato da Giulio II in questa città mondiale per prendere parte alla pittura delle sale-stazioni vaticane. Raffaello aveva già iniziato a lavorare a Roma prima del settembre 1508. A Giulio piacquero così tanto i progetti di Raffaello che liberò gli artisti precedentemente invitati e gli affidò l'esecuzione di tutta l'opera. In breve tempo Raffaello, che aveva un carattere dolce e socievole ed era già famoso per i suoi successi in Vaticano, ricevette così tante commesse che dovette prendere per sé assistenti e allievi, in altre parole fu costretto ad aprire una officina. Raffaello dovette, prima di tutto, affrescare la "Firma" - la sala dove il Papa firmò le sue carte.

Il primo affresco vaticano di Raffaello, noto come “La Disputa”, è dedicato alla glorificazione della religione; la seconda, posta di fronte alla “Disputa”, raffigura l'elogio della filosofia come libera scienza “divina”. Sopra la finestra, Raffaello raffigurò il Parnaso e, in basso, ai lati della finestra, Alessandro Magno, che ordinò che il manoscritto di Omero fosse collocato nella tomba di Achille, il loro imperatore Augusto, che proibì agli amici di Virgilio di bruciare l'Eneide. Sopra un'altra finestra, Raffaello raffigura figure femminili allegoriche, personificanti la cautela, l'astinenza, ecc., Ai lati della finestra sono raffigurate la consacrazione del diritto civile da parte di Giustiniano e la consacrazione delle leggi ecclesiastiche da parte di papa Gregorio IX.Imperatori, filosofi, papi , mercanti e dei, che Raffaello dipinse nei suoi affreschi, erano veri popoli d'Italia nel XVI secolo. È vero, Raffaello ha già una certa tendenza ad ammorbidire, appianare la loro nitidezza e originalità. Sceglie le sue immagini e idealizza le persone meno violente e impetuose; l'essenza del realismo di Raffaello è che rivela un certo desiderio di rappresentare stati d'animo calmi e tranquilli, personaggi equilibrati e non situazioni acute. Pertanto, le sue composizioni a volte soffrono di astrazione. I singoli volti e figure in queste composizioni producono un'impressione realistica più vivida dell'atmosfera dell'intera immagine nel suo insieme. Il residuo della fede ingenua dell'artista, già entrato nella brillante età del Cinquecento, ma ancora direttamente connesso con le tradizioni del Quattrocento, potrebbe dare vita ad immagini simili a quelle raffigurate nella Disputa. Nel modo in cui viene eseguito il “Discorso dei Santi Padri della Chiesa sui sacramenti dell'Eucaristia” (“Disputa”) si vede qualcos'altro della pittura quattrocentista. Il layout è un netto contrasto tra cielo e terra. I santi e Dio si trovano in cielo, meccanicamente separati dalla terra. L'intera interpretazione delle persone e delle posizioni, la disposizione gerarchica degli attori: tutto ricorda il XV secolo. Di carattere particolarmente umbro è la parte superiore dell'affresco raffigurante il Cielo e i Santi. Eppure questa prima grande composizione di Raffaello lo mostrò come un maestro eccezionale e maturo. Raffaello riunì qui tutti i filosofi scolastici i cui nomi sono diventati sacri alla chiesa: qui ci sono Tommaso d'Aquino, Giovanni Scott, Agostino, oltre a Dante e Savonarola.

Scuola ateniese

Far uscire di prigione l'apostolo Pietro

Battaglia di Ostia

Incoronazione di Carlo Magno da parte di papa Leone III nell'800

Incendio a Borgo

Stanza della Senyatura

trionfo della legge

Ora, in seguito alla "Disputa", Raffaello dipinge "La Scuola di Atene", un affresco, brillante nella composizione. Raffaello raffigurò su quell'affresco tutti i meravigliosi filosofi greci, ponendo al centro le due figure che guidano la filosofia greca: Platone e Aristotele, ciascuno con le proprie composizioni tra le mani. Platone punta il dito della mano alzata verso l'alto, come se sostenesse che la verità è proprio lì, in paradiso. Aristotele, personificando la visione empirica delle cose, indica la terra come base di ogni conoscenza e pensiero. La "Scuola di Atene" è una delle creazioni più interessanti di Raffaello. In questo Raffaello ha già raggiunto l'apice del suo talento, si sente tutto ciò che di nuovo Raffaello ha acquisito a Roma - nella Roma di Leone X (successore di Giulio II dal 1513) con la sua secolare corte umanistica, in quella Roma in cui una persona veniva intesa senza un involucro mistico-religioso, nella pienezza della sua vera vitalità e capacità. In questo affresco tutte le persone sono individui indipendenti, eccelsi, dotati di un perfetto magazzino spirituale e fisico. Con una composizione classica rigorosa e generale, il significato di ciascuna figura individualmente non viene diminuito e ogni figura è artisticamente indipendente e individuale.

Nell'affresco "La Scuola di Atene", nonostante il desiderio di Raffaello di dare ai volti un pathos di pensiero troppo solenne, nonostante la composizione simmetrica vincolante, i tipi di filosofi, i loro volti e le loro posture conservano ancora il potere della veridicità. Questi sono i volti della gente comune, ispirati da un pensiero divorante, dal desiderio di risolvere questioni entusiasmanti. Alcune figure raggiungono una vivacità quasi di genere; come un gruppo di pensatori che controlla con un compasso la correttezza di una figura tracciata con il gesso su una tavola di ardesia, e la figura di un giovane appoggiato ad una colonna e in una posizione scomoda, intento a scrivere qualcosa sul suo taccuino. I volti del gruppo, situato sul lato sinistro sui gradini inferiori del tempio, sono appassionatamente tesi; particolarmente interessante è il volto del vecchio pensatore, che cerca di guardare oltre le spalle del suo vicino nel libro che tiene tra le mani.

In una tale idealizzazione del potere e della forza dell'uomo, l'apogeo della filosofia umanistica. Qui, però, è già ben visibile l'altro lato dell'opera di Raffaello: è facile notare che il tema dell'opera e la sua esecuzione sono vicini alla cultura umanistica della corte romana con i suoi interessi accademici rivolti a questioni di stile, forma e retorica. A Roma l'artista cessò di essere un maestro umbro o fiorentino. Raffaello acquisì tutto lo splendore e il realismo della sua opera nella Firenze repubblicana, ma con la sua natura morbida e malleabile, Raffaello si rivelò il più romano degli artisti rinascimentali.

Nonostante tutta la loro nobiltà, i volti sono spesso completamente popolari: non hanno una raffinatezza deliberata, non sono separati dalla vita. È vero, Rafael idealizza, ma idealizza, creando queste persone, abbracciate da un unico impulso elevato, la vita reale. Ecco i volti giovani e teneri, ancora ricoperti di lanugine, e le brutte teste degli anziani. Molta varietà nei movimenti, nelle espressioni facciali e nelle posture. Tutto è pieno di vita e di verità. L'artista non ricorre a esagerazioni non plausibili, pose esagerate, per mostrare un'immagine bella e maestosa del trionfo, la celebrazione del pensiero umano.

Raffaello viene spesso rimproverato di essere freddo e accademico, soprattutto nelle sue opere di epoca romana. Negli affreschi della Sala di Eliodoro in Vaticano, ovvero della Sala di &laqborder: 0px none;border: 0px none;text-align: center;text-align: center;uo;L'Incendio di Borgo, l'idealizzazione assume un'aria di formalità. C'è già qualcosa di operistico nella Cacciata di Eliodoro. La disposizione stessa delle figure è teatrale: a destra un gruppo di ladri del tempio e un cavaliere inviato dal cielo, che salutano Eliodoro, già gettato a terra, a sinistra i credenti, colpiti dal castigo celeste, spaventati e toccato. La disposizione volutamente corretta delle figure distrae dal significato interiore. Non c'è calore nella composizione, nessuna concretezza della sensazione di vivere la realtà; c'è qualcosa di artificiale nelle figure, disposte in modo così bello, come se la preoccupazione principale dell'artista fosse quella di fornire una piacevole impressione visiva. Lo stesso si può dire degli affreschi “Messa di Bolsena”, “Atilla si fermò alle porte di Roma”. Tutti questi affreschi, così come gli affreschi "L'incendio di Borgo", "La Liberazione di San Pietro dal carcere", avrebbero dovuto glorificare la gerarchia, la grandezza della chiesa e il potere dei papi. Argomenti storici o biblici hanno acquisito un'interpretazione d'attualità. Nonostante la struttura drammatica dell'affresco "La cacciata di Eliodoro", in generale l'immagine fa un'impressione fredda.

L'affresco "Messa di Bolsena" fa rivivere l'antico mito per glorificare la fermezza della fede di Papa Giulio II e intimidire, rimproverare non solo i laici in quest'epoca difficile per la religione, ma anche richiamare all'ordine i preti sfacciati che osano dubitare i "sacramenti miracolosi" della Chiesa. Eppure i singoli volti di questo affresco sono realizzati magnificamente. Sul lato destro ci sono i soldati delle guardie del papa o dei suoi facchini. Si accorsero più tardi degli altri del miracolo avvenuto e lo trattarono con una certa indifferenza. Ovviamente l'artista non era molto desideroso di includerli nell'atmosfera generale del dipinto. Sono profili calmi e chiari di persone abbastanza mondane che sono lontane da ciò che sta accadendo. La caratteristica principale dei loro volti è una calma nobiltà, che ricorda i volti delle migliori figure dei maestri fiorentini.

Attila si fermò alle porte di Roma

Esilio di Eliodoro

Gli affreschi vaticani di Raffaello si trovano in quattro sale: "Firma", Eliodora, "Fuoco di Borgo", Costantino. Nelle sale della Segnatura e dell'Eliodoro Raffaello dipinse personalmente tutti gli affreschi, avvalendosi solo di scarso aiuto da parte degli allievi; nella sala di Borgo Incendio Raffaello dipinse solo un affresco, da cui prende il nome tutta la sala - i suoi allievi presero gran parte nella il resto degli affreschi: Giovanni sì Oudinot, Giulio Romano e Francesco Penny. Nella Sala di Costantino nessuno degli affreschi fu dipinto dallo stesso Raffaello. Raffaello preparò dei cartoncini, che i suoi studenti trasferirono sui muri. Nell'anno della morte di Raffaello, il più significativo degli affreschi di questa stanza, La Vittoria di Costantino, non era ancora stato iniziato. Questa è la rappresentazione più grandiosa di una battaglia nell'intera storia della pittura.

Mentre lavorava agli affreschi vaticani, Raffaello, con l'energia di un vero uomo del Rinascimento, lavorò a una serie di altre opere. In questi stessi anni nascono le sue Madonne migliori. Dal 1509 al 1520 ne scrisse più di venti. Le cosiddette "Madonne di epoca romana" si distinguono per una grande maturità di talento e per la chiarezza dell'ideale in esse espresso. Raffaello creò un tipo di donna-madre, ricca di fascino straordinario. I volti delle sue Madonne, conservando sempre la loro straordinaria spiritualità terrena, sono infinitamente vari nell'espressione in ogni singola immagine.

Madonna Di Foligno

Madonna Loreto

MadonnaAlba

Madonna col Bambino e S. Giovanni Battista, S. Elisabetta e S. Caterina

Estasi di S. Ceciliani

Portare la Croce

Negli stessi anni, un ricco banchiere romano, amante dell'arte, commissionò a Raffaello Sanzio di dipingere nella sua villa "Farnesina" gli affreschi "Il Trionfo di Galatea" e il mito di Psiche e Amore. L'artista ha ritratto Galatea concentrandosi sulla poesia di Angelo Poliziano: il poeta di corte Lorenzo il Magnifico ha espresso in questi versi il suo acuto senso del pittoresco esterno. La Galatea di Raffaello poggia su una grande conchiglia trainata da delfini imbrigliati. La figura e la posa di Galatea sono tratte da monumenti antichi. È quasi nuda, i suoi vestiti sventolano al vento e permettono di ammirare le adorabili forme di una giovane fanciulla. C'è molto movimento nell'immagine, tutte le figure sono presentate in turni irrequieti. La sensazione di movimento dovrebbe essere intensificata dagli amorini ancora in bilico tra le nuvole, mirando da ogni lato a Galatea che galleggia sulle onde. Ma, nonostante l'abbondanza di movimento, i volti di tutte le figure, compresa Galatea, sono immobili e poco espressivi. La decoratività dell'immagine è esaltata dal mare stranamente dipinto. Il dipinto è stato restaurato più volte e il mare è stato semplicemente sottoposto alla "lavorazione" più spietata. Ciò ha cambiato in modo significativo l'intero carattere dell'immagine, sebbene la cosa principale - la sua decoratività modellata - ovviamente sia rimasta.

Villa Farnesina

Trionfo di Galatea

Cupido e le Tre Grazie

Cupido e Giove parlano di Psiche

Venere su un carro trainato da colombe

Venere, Cerere e Giunone

Psiche trasporta una nave su Venere

Psiche dà a Venere un vaso

Celebrazione del matrimonio di Amore e Psiche

consiglio degli dei

Inoltre Raffaello affrescò la volta di una delle stanze della Villa Farnesina e un'intera galleria di logge. La trama di questi affreschi Raffaello prese scene dal mito di Amore e Psiche nella forma in cui questo mito è sviluppato nelle Metamorfosi di Ovidio, e in parte da Apuleio e Teocrito. Queste scene, dieci in tutto, raffigurano la storia di Amore e Psiche, con la partecipazione di Venere e di molte altre divinità dell'Olimpo. I cartoni per questi affreschi furono dipinti nel 1518, cioè all'epoca in cui Raffaello era già impegnato in architettura, supervisionava la costruzione della Cattedrale di San Pietro, la ricerca archeologica, la tutela dei monumenti antichi e il restauro dell'antica Roma. Raffaello era estremamente interessato alle opere d'arte del mondo classico antico e mostrò la sua conoscenza della scultura antica raffigurando un ciclo di scene su Amore e Psiche. In questi anni Raffaello realizzò solo cartone, di tanto in tanto dipingendo e correggendo le figure principali. Gli affreschi della Farnesina sono famosi per la loro rappresentazione eccezionalmente interessante di divinità greco-romane.

Le graziose scene quotidiane, le allusioni simboliche e i dettagli giocosi di questi affreschi somigliano poco ai maestosi dei della Grecia classica. Psiche, la più bella delle donne mortali, che ha suscitato la gelosia della dea stessa della bellezza, Raffaello ha una meravigliosa fanciulla sana che sta attraversando le difficili vicissitudini di una storia d'amore: è emozionata tra le braccia del furbo ragazzo Cupido, poi si reca con Mercurio sull'Olimpo, con il volto illuminato da un sorriso di vittoria e di trionfo.

Gli affreschi sembrano quasi idilliaci, raffiguranti Venere che mostra Cupido di persone, o Cupido che cerca simpatia dalle tre Grazie e affida loro Psiche per proteggerle da Venere. Tutta questa serie si conclude con un grande pannello “La Festa degli Dei”, che raffigura trenta divinità riconciliate con l’invasione della bellezza mortale Psiche in mezzo a loro. Nonostante l'abbondanza di figure, l'immagine dà un'impressione sorprendentemente solida, quindi sono ben posizionate. In questo pannello è estremamente chiara l'idea decorativa dell'artista, che ha raffigurato il rumoroso divertimento olimpico. C'è qualcosa di pastorale nella finta serietà di Giove, e in effetti in tutti gli dei leggiadri e allegri, sui quali si riversa una pioggia di fiori e creature angeliche con ali di farfalla. Questi non sono i potenti titani di Michelangelo, non i maestosi dell'Olimpo di Omero, ma i personaggi manieratamente nobilitati delle Metamorfosi di Ovidio: tutto è troppo sensuale, acuto, tempestoso, ammorbidito e calmato. In questo straordinario dipinto decorativo, Raffaello esprime l'essenza della sua epoca più che in altri dipinti.

Papa Leone X era inesauribile nelle sue esigenze e non riconosceva i limiti della fantasia creativa e della semplice fatica fisica dell'artista. Subito dopo il completamento degli affreschi della Farnesina, Raffaello, su incarico del Papa, dovette affrescare il secondo ordine delle logge adiacenti al cortile Vaticano. Per decorare queste logge Raffaello dipinse cinquantadue cartoni decorativi e ricoprì un'enorme distesa di pareti con ornamenti decorativi e motivi architettonici. Raffaello creò una straordinaria varietà di dipinti, motivi e ornamenti, che insieme costituiscono un insieme affascinante. Tutto è armonizzato, sembra un potente accordo artistico. Raffaello dipinse i suoi affreschi secondo motivi biblici (creazione del mondo, cacciata dal paradiso, apparizione di Dio a Isacco, ecc.) E mitologici (dei, geni, animali straordinari), senza abbandonare i temi della vita moderna. Quindi, su uno degli affreschi, ha raffigurato artisti al lavoro.

Gli affreschi delle logge vaticane sono tutt'altro che uguali nel loro valore artistico. Si ritiene che alcuni di essi fossero addirittura in cartone creato dai suoi studenti. Già dieci anni dopo la loro esecuzione, molti furono rovinati dall'azione delle intemperie, perché furono dipinti in un loggiato, che fu vetrato solo nel XIX secolo. Questi affreschi ci interessano come testimonianza dell'inesauribile genio creativo di Raffaello, della straordinaria capacità di lavoro e della versatilità del suo talento. L'artista, senza approfondire il contenuto delle leggende bibliche, ha realizzato questi affreschi, chiamati "Bibbie di Raffaello". Dio si libra liberamente nello spazio senz'aria e crea senza sforzo tutto ciò che dovrebbe: abisso e firmamento, cielo e luna. È raffigurato come un vecchio allegro, sano e barbuto; la sua testa è ricoperta da una folta calotta di capelli grigi. The Making of Eve ha una sorta di genere; Dio su di lei è un uomo vecchio profondo, ma forte, e giovane, con forme semi-infantili, Eva è molto toccante nella sua innocenza.

Contemporaneamente Raffaello lavorò a numerosi dipinti, decorando i palchi vaticani, realizzando le sue Madonne, dipingendo ritratti, restaurando l'antica Roma e componendo sonetti, molto poetici e lirici. Raffaello ha mostrato in molte opere la sua sottile conoscenza dell'arte antica romana. Particolarmente interessante a questo proposito è il dipinto nel bagno del cardinale Bibiena. È eseguito in stile tardo antico, su fondo rosso scuro, con scene tratte dalla mitologia antica.

Leone X decise di decorare le parti della Cappella Sistina libere da affreschi con ricchi tappeti tessuti in oro e incaricò Raffaello di scrivere dei cartoni per questi tappeti. Doveva tessere dieci tappeti, con sopra l'immagine di varie gesta degli apostoli. Sui bordi dei tappeti, tessuti in bronzo, erano raffigurati episodi della vita del pontefice. Per tre anni i tappeti furono tessuti nelle fabbriche e quando furono appesi nella Cappella Sistina fecero un'impressione sorprendente. In effetti, i cartoni di Raffaello raffiguranti le gesta degli apostoli sono assolutamente straordinari per forza e semplicità. Come già accennato in precedenza, tutta l’opera di Raffaello del periodo romano è caratterizzata da una certa pomposità, bellezza ufficiale e squisita perfezione. Solo i suoi ritratti e le sue Madonne sono in gran parte sfuggiti a questo sigillo; lo stesso si può dire del cartone. Si tratta di cartoni, e non di tappeti, perché questi ultimi hanno sofferto così tanto del tempo e degli incidenti, per non parlare dell’impossibilità di trasmettere nel tessuto tutte le sottigliezze delle intenzioni dell’artista, che è molto difficile giudicare Raffaello da essi. Anche il destino del cartone non fu molto felice. Furono lasciati in una fabbrica di Bruxelles dove si tessevano tappeti e nessuno si occupava della loro conservazione. Alcuni cartoni sono scomparsi; sopravvissuto - solo nel XVII secolo. furono scoperti casualmente da Rubens, che convinse il re inglese Carlo I ad acquistarli.

I più interessanti in termini di tema e sua risoluzione sono i tappeti “Wonderful Catch” e “Feed My Sheep”. Come in altri tappeti, qui colpiscono la sorprendente semplicità e l'interpretazione realistica della trama. Vediamo una campagna ordinaria: un paesaggio si estende in lontananza, facendo da sfondo all'intero quadro e raffigurando una collina su cui si trovano villaggi, boschetti, chiese. Il primo piano è occupato dalle figure degli apostoli. Sia Cristo che i suoi discepoli non hanno nulla di religioso in loro, il che è particolarmente chiaro nel tappeto "Wonderful Catch", che raffigura essenzialmente la normale pesca dei contadini italiani. I corpi sani e forti degli apostoli sono vestiti con un abito corto che scopre quasi tutto il corpo e mette in mostra muscoli e muscoli; i volti dei due studenti che tirano le reti esprimono tensione, così come le mani affaccendate. L'apprendista alla guida della barca è appassionato del suo lavoro; la sua figura era piegata in una posizione scomoda per mantenere la barca in equilibrio. Gli apostoli Paolo e Andrea, esprimendo la loro fede e gratitudine, piacere e tenerezza a Cristo, sono semplici nel loro aspetto nazionale. L'interpretazione realistica del tema religioso è libera, non vincolata ad alcuna tradizione. Tutto ciò dimostra che Raffaello non cerca gli effetti della bellezza esteriore. Cristo siede a poppa in posa calma; differisce dagli apostoli nell'abbigliamento e in un'espressione più sottile e spirituale. Tre gru sono raffigurate in primo piano nel dipinto. Gli uccelli fanno un'impressione un po' strana in così stretta vicinanza alle persone. Si è discusso molto se Raffaello stesso abbia dipinto questi uccelli o se qualche studente li abbia aggiunti successivamente. Comunque sia, va detto che gli uccelli non fanno altro che rafforzare l'impressione di un momento straordinario, avvicinandosi con fiducia alle persone, allungando la testa verso di loro.

Di grande interesse è il cartone "Pasci le mie pecore" per la sua straordinaria profondità e chiarezza delle caratteristiche psicologiche. Cristo, un bell'uomo biondo, snello, dal volto maestoso e biondo, si tiene un po' più lontano, in disparte dal gruppo degli apostoli, e si rivolge a Pietro dandogli la preferenza. Interessanti i volti degli apostoli: alcuni esprimono sentimenti di gioia e di riverenza; altri, che stanno più lontano, sono colpiti da un improvviso pensiero scettico che fa riflettere, o semplicemente infastiditi e arrabbiati. L'ultimo apostolo del gruppo stringe al petto un libro, simbolo della conoscenza, non della fede, e sta per andarsene.

Nel dipinto “La guarigione dello zoppo dei Santi Pietro e Giovanni”, oltre ad un'interessante composizione decorativa, di eccezionale interesse è la figura di un mendicante storpio, situata presso la colonna destra del tempio. Sullo sfondo di colonne, riccamente e magnificamente decorate, intrecciate con ghirlande di foglie d'uva con amorini abilmente intrecciati in esse, vengono presentati mendicanti e storpi, brutti ed esausti dalla vecchiaia e dalle malattie. Un'espressione indicibile ha il volto di uno storpio, che assiste da dietro le colonne al “miracolo” della guarigione dello storpio. Sfiducia e speranza, invidia e indifferenza scettica: su questo volto si rifletteva un'intera gamma di sentimenti. Appoggia le mani ancora forti sul bastone, una posa brutta, ma molto vivace. La vegetazione rada gli copre il viso e la testa. Il volto malizioso del mendicante esprime il massimo grado di sorpresa, il labbro superiore è morso. Nel XVI secolo. l'arte potrebbe ancora creare un ritratto del genere, privo di false idealizzazioni, rimanendo nel quadro di un calmo realismo veritiero, ma libero da inutili dettagli naturalistici.

La carta “Morte di Anania” trasmette il momento della leggenda biblica quando Pietro disse ad Anania, che aveva trattenuto i soldi dalla terra venduta: “Non hai mentito all'uomo, ma a Dio! "E, dopo aver udito queste parole, Anania cadde a terra senza vita e tutti furono presi da una grande paura ..." I volti individuali degli apostoli e le persone giuste della folla sono belli. I volti degli apostoli sono semplici, rude. Sono realisticamente vitali, queste persone potenti nello spirito, piene di dignità e di forza morale. La straordinaria ricchezza delle caratteristiche del ritratto, il senso di grandezza dei personaggi collocano i cartoni di Raffaello tra quelle migliori creazioni del XVI secolo, che completano gli ideali dell'arte rinascimentale.

Morte di Anania

cattura meravigliosa

Vittima a Listra

Guarigione dello zoppo da parte dei Santi Pietro e dei Santi Giovanni

La punizione di Elim

Pasci le mie pecore

Sermone di San Paolo

arazzi

I cartoni di Raffaello sono definiti i marmi del Partenone dei tempi moderni, la più alta manifestazione del genio dell'epoca. Sono paragonati all'Ultima Cena di Leonardo e alla Cappella Sistina di Michelangelo. Tuttavia, va notato che questa alta opinione dei tappeti di Raffaello è giusta se parliamo solo di singole immagini, che senza dubbio rappresentano capolavori dell'arte mondiale. Nelle composizioni, anche i tappeti sono soggetti a quell'armonia “classica”, che spesso toglie loro calore e vitalità. Quindi, in una linea meravigliosamente curva di un'ellisse, le figure si trovano attorno al centro compositivo di Anania, dimenandosi nelle convulsioni. Le pieghe dei mantelli degli apostoli sono disposte in modo decorativo, che insieme rappresentano una sorta di spettacolo teatrale. L'esemplare correttezza della composizione conferisce all'intero quadro un carattere retorico. Pochi tappeti sono sfuggiti alla stampa di una fredda composizione classica: a quelli va attribuito innanzitutto “The Miraculous Catch”.

Ma in queste opere Raffaello è già piuttosto un artista del nuovo tempo, ha lasciato l'ingenuità dei primi artisti italiani. Il soggetto religioso in Raffaello, come i migliori quattrocentisti e soprattutto i grandi artisti del Cinquecento, diventa qualcosa di secondario. Nella sua pittura vivono e agiscono persone con stati d'animo completamente terreni: pensierose, come la Madonna Sistina, o gioiose, come Psiche, ispirate dal pensiero, come i filosofi della scuola ateniese, o arrabbiate, come gli apostoli ne La morte di Anania. Il progresso nella sua arte è quello, come un tipico rappresentante dell'Alto Rinascimento italiano del XVI secolo. in particolare (con la sua speciale chiarezza di gusto classico) - coltiva un inizio rigoroso. È vero, sotto l'influenza dell'umanesimo romano, la chiarezza e la disciplina privano l'immagine del calore vitale.

A Roma Raffaello raggiunse grandi traguardi nel campo della ritrattistica. Durante il suo soggiorno a Firenze l'artista dipinse diversi ritratti. Ma erano ancora lavori studenteschi, che portavano tracce di molte influenze. A Roma Raffaello realizzò più di quindici ritratti. Ovviamente per primo fu dipinto il ritratto di papa Giulio II. Non è noto se l'originale sia stato conservato alle Gallerie Pitti e agli Uffizi, perché in entrambe le gallerie si trovano copie identiche di ritratti attribuiti a Raffaello. In ogni caso, questi ritratti raffigurano in modo molto realistico un vecchio pallido, dall'aspetto malaticcio, con un berretto rosso e un corto mantello rosso; il vecchio siede in poltrona, appoggiando le mani ricoperte di anelli sui braccioli della poltrona. Le mani di papà sono espressive, non senilmente deboli e volitive, ma piene di vita ed energia.

Ritratto di Leone X con i cardinali Giuliano de' Medici e Luigi Rossi

Ritratto di Francesco Maria Della Rovere (Ritratto di giovane con una mela)

Ritratto di Elisabetta Gonzaga

Gestante

signora con unicorno

Ritratto di Maddalena Doni

Ritratto di una giovane donna

Ritratto di un cardinale

Raffaello. auto ritratto

Il lunedì molti musei di Mosca sono chiusi. Ma questo non significa che il pubblico non abbia l'opportunità di conoscere il bello. Soprattutto per il lunedì, la redazione del sito ha lanciato una nuova sezione "10 Unknowns", in cui vi presentiamo dieci opere d'arte mondiale provenienti dalla collezione dei musei di Mosca, accomunate da un tema. Stampa la nostra guida e sentiti libero di portarla al museo.

Il 13 settembre il Museo statale di belle arti Pushkin inaugurerà una mostra di undici opere di uno degli artisti più importanti della storia dell'arte europea, Raffaello Santi.

Galleria fotografica

L'esercito indiano ha distrutto un satellite spaziale in orbita terrestre bassa durante un test missilistico, ha annunciato il primo ministro Narendra Modi in un discorso alla nazione.1 di 10

Raffaello Santi "Angelo", 1500

Vedere le opere di Raffaello a Mosca è un'occasione unica per conoscere l'opera di uno degli artisti più importanti della storia della pittura mondiale. Ci sono solo due dei suoi dipinti in Russia ed entrambi sono conservati nell'Ermitage di Stato. La pittura ad olio all'inizio del XVI secolo non aveva ancora acquisito lo status di tecnica artistica principale, quindi Raffaello aveva solo un centinaio di dipinti ad olio, il resto erano affreschi e disegni. Gli affreschi sono dipinti murali che per definizione non possono viaggiare alle mostre e la grafica non è così spettacolare. L'esposizione di otto dipinti e tre disegni provenienti dai musei italiani costituisce quindi un evento senza precedenti anche per gli stessi musei italiani.

Raffaello Santi "Madonna del Granduca", 1505

Perché il nome Rafael Santi suscita stupore tra gli storici dell'arte? Perché è considerato uno dei tre “titani” del Rinascimento italiano, insieme a Leonardo da Vinci e Michelangelo. Questi tre artisti capovolsero il mondo della pittura, gettando le basi per tutto ciò che nell'arte fu inventato dopo di loro. La portata del loro lavoro, le invenzioni tecnologiche dalla sovrapposizione di vernici alle teorie sui colori, le tecniche e l'atteggiamento innovativo nei confronti della prospettiva sono solo un piccolo elenco dei loro meriti.

Raffaello Santi "Ritratto di Elisabetta Gonzaga", 1506

Raffaello morì all'età di 37 anni, come Alexander Pushkin, solo che nessuno lo uccise in duello. L'artista nacque il 28 marzo 1483 a Urbino, città dell'Italia orientale, da sempre considerata il centro culturale della regione, e morì il 6 aprile 1520 a Roma. Nonostante la religiosità della pittura, Raffaello condusse uno stile di vita secolare. Vasari - il principale ricercatore della sua opera, contemporaneo dell'artista - scrisse che Raffaello morì "dopo aver trascorso un tempo ancora più promiscuo del solito".

Raffaello Santi "Ritratto di Agnolo Doni Strozia", 1505-1506

Raffaello iniziò i suoi studi di pittura all'età di 18 anni con un artista del primo Rinascimento, cioè con una persona che apparteneva alla generazione che precedette i “titani”. Il suo maestro fu Pietro Perugino di Prugia. Ben presto l'artista si trasferì a Firenze, il principale centro culturale d'Italia. Qui uno dei suoi primi clienti fu Agnolo Doni Strozzi. Il ritratto che Raffaello dipinse per Agnolo fu ovviamente realizzato sotto la forte impressione della Gioconda di Leonardo, che già a quel tempo catturava l'immaginazione dello spettatore.

Rafael Santi "Ritratto di Maddalena Strozia", 1505-1506

Raffaello dipinse anche il ritratto della moglie del suo mecenate. Le immagini sono accoppiate, cosa evidente anche dalla composizione: se sono appese una accanto all'altra, gli sposi saranno rivolti l'uno verso l'altro di tre quarti, ma allo stesso tempo i loro occhi saranno fissi sull'artista e sullo spettatore. .

Raffaello Santi "Muto", 1507

A Firenze Raffaello guadagnò rapidamente ampia popolarità. La voce sul suo talento raggiunse anche il Vaticano, dopo di che il Papa stesso iniziò a ordinare all'artista pale d'altare e il suo ritratto. Raffaello dipinge un numero enorme di ritratti della nobiltà fiorentina illuminata, che, un secolo dopo, Rubens e Rembrandt copieranno. La gloria di Raffaello raggiunse anche il nord Europa e costrinse lo stesso Dürer a venire a Roma per conoscere il grande artista.

Raffaello Santi "L'Estasi di Santa Cecilia con i Santi Paolo, Giovanni Evangelista, Agostino e Maria Maddalena", 1515

Nonostante il carico di lavoro in Vaticano, dove Raffaello, per ordine del Papa, realizzò un'intera serie di affreschi per il Palazzo Apostolico, l'artista continuò a eseguire ordini per chiese in tutta Italia. Santa Cecilia con santi è una delle pale d'altare realizzate nel culmine dell'attività creativa dell'artista. Una caratteristica: una natura morta con strumenti musicali ai piedi di Cecilia è assolutamente unica per l'opera di Raffaello e non si trova da nessun'altra parte. Cecilia è considerata la protettrice della musica, di cui questa natura morta simboleggia.

Raffaello Santi "Testa di donna di profilo", 1507

Ad oggi si conoscono circa quattrocento disegni di Raffaello sopravvissuti. Sono molto più audaci nella composizione rispetto agli affreschi e ai dipinti. Qui, indipendentemente dall'ordine, l'artista poteva provare, scegliere e sperimentare tecniche artistiche.

Raffaello Santi "Madonna col Bambino"

Alcuni disegni divennero schizzi preparatori per opere a grandezza naturale. Ad esempio, questa "Madonna col Bambino" è considerata un disegno per la "Madonna Granduk". In generale, le Madonne divennero uno dei principali "generi" nella pittura di Raffaello. Mentre era a Roma dipinse più di dieci "Madonne", la più famosa delle quali fu la Sistina, che ora si trova alla Galleria di Dresda. Disegni con "Madonne" Rafael ne ha creati ancora di più.

Raffaello Santi "Giovane donna di profilo", 1505

I ritratti femminili nell'opera di Raffaello sono un capitolo a parte. Potrebbero trattarsi sia di ordini privati che di donne ad immagine della Madonna. Del resto da 500 anni il mondo intero custodisce la storia d'amore di Raffaello con la bella Fornarina, i cui ritratti sono anche tra i dipinti del grande maestro.

Raffaello morì il 6 aprile 1520, piuttosto giovane, e nessuno oggi dirà cosa avrebbe creato il grande artista se fosse vissuto ancora mezzo secolo. Sulla sua tomba nel Pantheon è inciso un epitaffio: "Qui giace il grande Raffaello, durante la cui vita la natura ebbe paura di essere sconfitta, e dopo la sua morte ebbe paura di morire".

Dama con feronniere di scorpione

Una scoperta straordinaria: finalmente ho trovato informazioni su una misteriosa signora con un feronniere a forma di scorpione!!!

In generale, stavo raccogliendo informazioni sui libri a forma di cuore: sto preparando un post dettagliato per San Valentino, ma all'improvviso, in modo del tutto inaspettato, ho trovato quello che cercavo da molto tempo, infastidendo tutti coloro che hanno anche il minimo rapporto con la storia e l'arte con domande. :))) Apparentemente, era così in superficie che non poteva nemmeno venire in mente alle persone esperte cosa voglio sapere esattamente, cosa, in effetti, chiedo! :)))

(Se ho capito bene, questa è una copia dei suoi gioielli: uno scorpione nero tiene tra le zampe una gemma verde (smeraldo?) in una cornice d'oro. Non sono forte in queste cose e non so esattamente cosa possa significare! )

Allora, confesso la mia ignoranza, quella stessa misteriosa dama del ritratto di Raffaello, presumibilmente appassionata di scienze occulte e quindi con indosso una feronniere con pendente a forma di scorpione, la dama il cui sguardo duro mi colpì mentre vagavo per la Galleria degli Uffizi -questa è Elisabetta Gonzaga!
Uno mi piace: ricordavo ancora correttamente che questo è Rafael. Non ho trovato subito questa foto. :))))))))))

Non ho visto niente del genere: di solito le feronnieres avevano ancora la forma di una grande pietra preziosa o di una rosetta di pietre.

Un fatto che ho letto da Hermann Weiss parla a favore della versione dei segni magici: durante il Rinascimento era di moda decorare gli abiti con una sorta di rifinitura con motivi a lettere. Cito dal suo libro "Alto Rinascimento. Rinascimento italiano": "A volte le maniche larghe e lunghe, a imitazione della moda borgognone-francese, erano rifinite all'esterno con costosi ricami d'oro o di perle, riproducendo qualche detto scelto arbitrariamente". Ma sono lettere o qualche altro simbolo? Cito un'altra fonte (il libro "Il cortigiano" di Baltasar Castiglione), che descrive uno dei suoi abiti: "un abito di velluto nero ricamato a forma di simboli". Forse questo è l'abito mostrato nella foto? Tuttavia, c'è una discrepanza: l'abito descritto fu indossato nel 1506, il quarto giorno delle celebrazioni nuziali in onore del matrimonio di Lucrezia Borgia, che accompagnò Elisabetta, e l'epoca del ritratto era il 1504. Inoltre, Weiss descrive le lettere come inerenti alla moda dei secoli XIV e XV e il ritratto è stato creato all'inizio del XVI secolo. Anche se, forse, tali ricami non potrebbero passare di moda.

Ho anche guardato dei bellissimi gigli dorati (?), con decorazioni aggiuntive sotto forma di pietre rosse e nere - forse è un giglio fiorentino? Anche se è dubbio ... Tutto ciò può indicare indirettamente che tutti i suoi gioielli abbiano un significato occulto? Notò anche le catene: una specie di medaglione dietro il corpetto?

Ho deciso di provare a indagare su questa storia misteriosa e indovinare cosa potrebbe significare.

Supponiamo che questo scorpione significasse il suo impegno nell'occulto, quindi qui cito: "Lo scorpione è sempre stato considerato un attributo invariabile di stregoni e streghe". nel cristianesimo è negativo - "Nella Bibbia, lo scorpione, come un serpente, è un simbolo delle forze demoniache. Nell'Apocalisse di Giovanni il Teologo, è chiamato uno degli animali che vivono negli inferi. Nell'arte medievale, il lo scorpione fungeva spesso da simbolo di Giuda, cioè da simbolo di tradimento, invidia e odio." Eccone uno per te! Questa donna potrebbe sfidare così apertamente - dicono, sono una strega e non mi interessa cosa ne pensi? O era un avvertimento per i suoi nemici?

(Non posso garantire che questa sia una fotografia esattamente dell'originale del suo ritratto, ma è possibile - le riproduzioni mi sembravano troppo scure, ricordo che è più chiara - sia i capelli che gli occhi ).

Inoltre, c'è un altro fatto: lo scorpione simboleggiava l'Africa, cito: “In Africa, si credeva che lo scorpione stesso stanziasse fondi contro il suo veleno, quindi il suo simbolismo è sia negativo che positivo: era un simbolo di guarigione sul da un lato e un simbolo di omicidio dall'altro. Nel Medioevo, lo scorpione era considerato l'emblema dell'Africa, come parte della terra. " Ma cosa potrebbe avere a che fare un aristocratico italiano con l’Africa? Hai letto gli scritti degli storici romani, hai trovato qualcosa di speciale lì?

Tuttavia, in Oriente e in Egitto, lo scorpione non era considerato del tutto cattivo - gli scorpioni custodivano Iside, per esempio... o qui, cito ancora: "Lo scorpione è un simbolo del male, dell'autodistruzione, della morte, della punizione, punizione, vendetta, tradimento, ma anche una profonda comprensione del mondo: a volte lo scorpione funge da talismano e amuleto: Paracelso consigliava di indossarlo alle persone che soffrivano di malattie del sistema riproduttivo. (Ho letto che suo marito aveva dei problemi, ma non suoi...) Ho anche letto di sfuggita da qualche parte che veniva indossato anche come protezione dalle forze del male. Di più:

Suo marito, Guidobaldo da Montefeltro, duca di Urbino, fu gravemente malato fin da giovane di gotta, che "avvelenò le sue gioie familiari", ma Elisabetta probabilmente amava il coetaneo marito e non divorziò - Guidobaldo, con il suo fisico debolezza, fu un uomo intelligente e colto, filantropo, mecenate di artisti e scrittori, fondatore dell'università. La sua corte fu una delle più brillanti e raffinate di quell'epoca d'oro del Rinascimento! Perché Elisabetta non dovrebbe preferire l'amore spirituale - per una persona, a giudicare dal ritratto, raffinata, sovrana di un'interessante società di persone istruite - dopo tutto, lei stessa era molto istruita? Dopotutto non si è mai sposata una seconda volta, nonostante fosse ancora giovane - 36 anni - e c'erano proposte di matrimonio?

Ciò che è più interessante è che lo scorpione era considerato anche un simbolo della Logica, cioè forse c'è un accenno alle "Sette Arti Libere" - tanto più che è a questa donna che è stato dedicato il libro "Il Cortigiano", che è stato costruito come le sue risposte ad alcune domande.

Simboleggiava anche la Terra e il potere reale. Cito da Il Cortegiano: "...L'animo di ciascuno di noi si riempiva di straordinaria felicità ogni volta che ci riunivamo al cospetto della Signora Duchessa... Per la castità e la dignità insita in tutte le azioni, parole e gesti della Signora Duchessa , i suoi scherzi e le sue risate, costrinsero anche chi non l'aveva mai vista prima a riconoscere in lei la grande imperatrice. ( Per. DI. Kudryavtseva) Ci sono moltissime opzioni ed è difficile per me scegliere cosa potrebbe significare esattamente questo segno: è possibile che siano tutti insieme. :)

Ancora una volta il suo ritratto, di un colore diverso...

Cercherò anche di considerare la versione astrologica con cui abbiamo discusso: dopo tutto, non sono un astrologo professionista e ho dimenticato quasi tutto ciò che ho insegnato. :) Lo Scorpione non potrebbe essere il suo segno solare, perché. è nata il 9 febbraio. Se lo Scorpione è in ascendente, ciò influisce sull'aspetto - ecco una delle descrizioni: "Le labbra sono piccole e spesse. Il naso è ben definito e il ponte del naso è alto e ossuto o con una gobba. Tu hanno uno sguardo penetrante e ardente. Ciò è particolarmente evidente quando uno scorpione è in ascendente. il viso è per lo più di forma quadrata, gli occhi sono molto distanziati, anche la mascella inferiore è quadrata e pesante. le orecchie sono piccole e premute sulla testa . la bocca è grande, con tubi pieni e sensuali, e i loro angoli sono abbassati." - si adatta? Non sono sicuro. Purtroppo ho perso la lezione. in cui è stato descritto questo particolare ascendente, ma non ricordo a memoria - dopo tutto, sono passati 6 anni dalla mia laurea alla scuola di astrologia e dal momento in cui ho smesso di dedicarmi all'astrologia.

Notizie dal mondo dell'arte

Raffaele Santi. Frammento dell'opera "Madonna Granduk", 1504, Palazzo Pitti, Firenze

Museo statale di belle arti intitolato ad A.S. Pushkin presenterà a settembre la prima mostra in Russia di alcuni capolavori di Raffaello Santi. La mostra aprirà il 13 settembre e durerà fino all’11 dicembre 2016. A Mosca saranno esposte undici opere di uno dei più grandi maestri del Rinascimento italiano: otto dipinti e tre fogli grafici, provenienti dalle collezioni dei musei italiani, tra cui la Galleria degli Uffizi.
Gli organizzatori, nonostante l'esiguo numero di opere presenti in mostra, hanno cercato di selezionarle in modo tale da riflettere appieno i diversi periodi dell'opera di Raffaello.

Abbinato a uno schizzo, mostreranno la Madonna col Bambino (Madonna Granduk) della Galleria degli Uffizi, scritta poco dopo il trasferimento di Raffaello a Firenze e relativa al primo periodo della sua opera. Si ritiene che in questo quadro si leggano particolarmente chiaramente i collegamenti con la maniera di Leonardo da Vinci, e divenne noto alla fine del XVIII secolo, quando il direttore della Galleria degli Uffizi, Tommaso Puccini, informò il sovrano della Toscana, Il Granduca Ferdinando III di Lorena, sull'opportunità di acquisire l'opera di Raffaello. Rimase così colpito dal dipinto che lo collocò nella sua camera da letto, così divenne la "Madonna del Granduca".

Raffaele Santi. Madonna Granuk, 1504

La pinacoteca si aprirà con un piccolo "Autoritratto" di Raffaello, eseguito all'età di 23 anni, e proseguirà con i ritratti cerimoniali di Agnolo Doni e della moglie Maddalena Strozzi, un ritratto di Elisabetta Gonzaga (tutti del sec. Galleria degli Uffizi) e un ritratto femminile detto "Muto" proveniente dalla Galleria Nazionale delle Marche (Urbino).

Raffaele Santi. Autoritratto, 1504-1506

Raffaele Santi. Ritratto di Agnolo Doni, 1506

Raffaele Santi. Ritratto di Maddalena Doni, 1506

Raffaele Santi. Ritratto di Elisabetta Gonzaga, 1505

Raffaele Santi. Ritratto di donna (muta), 1507

Il Museo Puškin presenterà anche due pale d'altare dell'artista: il dipinto "Santa Cecilia", realizzato per la chiesa di San Giovanni in Monte a Bologna (ora conservato alla Pinacoteca Nazionale di Bologna) e "Testa d'angelo" - uno dei le tre parti superstiti dell'altare "L'Incoronazione di San Nicola", commissionato da Andrea Baronci per la sua cappella domestica della Chiesa di San Agostinho a Città di Castello. Risale al 1501 ed è la prima opera di Raffaello esposta alla mostra di Mosca, mentre "Santa Cecilia", al contrario, è l'ultima.

Raffaele Santi. Estasi di Santa Cecilia, 1517

Raffaele Santi. Santa Maria Maddalena, frammento dell'altare "L'Estasi di Santa Cecilia"

"Angelo" sarà portato dalla Pinacoteca Tosio Martinengo di Brescia.

Raffaele Santi. Angelo, 1501

Nel 2020 si celebrerà ampiamente in tutto il mondo il 500° anniversario della morte di Raffaello Santi. Mostra al Museo Pushkin im. A. S. Pushkin sarà il primo di una serie di eventi significativi dedicati a questa data. L'allestimento della mostra di Raffaello avviene sotto il patrocinio dell'Ambasciata d'Italia nella Federazione Russa e personalmente dell'Ambasciatore Cesare Maria Ragaglini.
"Difficilmente riusciremo a ripetere qualcosa di simile questa mostra nei prossimi cinque anni, alcuni dei dipinti non sono mai usciti dall'Italia. Mi sembra che a livello scientifico la mostra sarà la più grande e importante mostra del Raffaello nel mondo. Diventerà una tappa importante della nostra diplomazia culturale in Russia", ha affermato Cesare Maria Ragaglini, Ambasciatore d'Italia presso la Federazione Russa.

In precedenza, solo alcune delle opere dell'artista erano esposte al Museo Pushkin im. A. S. Pushkin nell'ambito di varie mostre. Nel 1989 il Museo Pushkin espone "Donna Velata" di Rafael Santi dalla collezione della Galleria Palatina (Palazzo Pitti, Firenze). Nel 2004, questa tela è stata nuovamente portata a Mosca nell'ambito della mostra "Italia - Russia".

Raffaele Santi. Donna Velata, ritratto di Fornarina, 1516