Le opere più famose al mondo. II. Dieci compositori viventi. Aria di Toreador Escamillo dall'opera Carmen di Bizet. Cantata da Claudio Sgura

Gli appassionati di musica classica sono sicuramente interessati alla domanda su quali siano le opere più famose al mondo oggi. Tra l'enorme numero di capolavori creati dai compositori nel corso di diversi secoli, è difficile individuare quelli più popolari. Tuttavia, tra tutti è possibile identificare i leader indiscussi che rientrano nella top ten presentata di seguito. Queste opere sono state tradotte in diverse lingue e vengono regolarmente rappresentate sui palcoscenici dei migliori teatri del mondo.

Vincenzo Bellini

(Vincenzo Bellini) apre l'elenco delle opere più apprezzate al mondo. È una tragedia lirica in due atti, basata sull'opera di A. Sume "Norma, o Infanticide". L'opera fu presentata per la prima volta a Milano e quasi immediatamente ottenne ampia popolarità tra gli amanti dell'opera. La parte del titolo è considerata una delle più difficili nel repertorio del soprano. "Norma" è stata scritta dal compositore nel 31° anno del 19° secolo e gode ancora di popolarità in tutto il mondo.

P. I. Čajkovskij

(P. I. Tchaikovsky) - l'opera più famosa di un compositore russo di fama mondiale. L'opera è stata creata sulla base del romanzo omonimo di Alexander Sergeevich Pushkin e su libretto di Konstantin Shilovsky. L'opera è stata presentata al grande pubblico al Teatro Maly di Mosca. Čajkovskij, prima di scrivere il suo capolavoro, era a lungo alla ricerca di una trama d'opera che fosse un forte dramma. La trama, per coincidenza, è stata ispirata dal compositore dalla cantante Lavrovskaya.

W.A.Mozart

"Nozze Figaro"(W. A. ​​​​Mozart) - un'opera popolare di un compositore virtuoso austriaco, che ha ricevuto fama mondiale. Basato sull'opera omonima di Beaumarchais. Mozart iniziò a scrivere un'opera musicale nell'86esimo anno del XVIII secolo. La creazione della partitura è durata cinque mesi. Dopo la prima presentazione al pubblico, non ha guadagnato molta popolarità. Gloria e allori arrivarono dopo che l'opera fu rappresentata a Praga. L'opera fu tradotta per la prima volta in russo da Pyotr Ilyich Chukovsky. L'opera è composta da quattro atti in totale. La trama dell'opera è legata alla preparazione del matrimonio della cameriera Susanna e del cameriere Figaro.

W.A.Mozart

« magico flauto"(W. A. ​​​​Mozart) - una delle migliori opere del mondo, scritta dal compositore in due atti. Fu presentato per la prima volta al pubblico nel 1791 a Vienna. Al centro della trama c'è il principe Tamino, che deve affrontare molte difficoltà e prove per essere degno di stare vicino alla sua amata, la figlia della regina della notte. Goethe fu così entusiasta di quest'opera che tentò di scrivere una continuazione di questo libretto.

Gioacchino Rossini

« Siviglia barbiere" (Gioacchino Rossini) è una delle migliori opere che ha guadagnato popolarità in tutto il mondo. Comprende due atti creati sulla base della commedia omonima di Pierre Boramshe. Inizialmente il libretto si chiamava "Almaviva, or Precauzione vana". L'azione dell'opera musicale si svolge a Siviglia nel XVIII secolo. L'opera inizia con l'apparizione del conte Almaviva, che è sotto le finestre della sua amata. Per lei esegue una piccola aria d'opera "Presto l'oriente risplenderà luminoso di un'alba dorata". Il tutore dell'amata non le permette di uscire sul balcone, quindi i tentativi di Alvamiva sono vani.

Giacomo Puccini

"(Giacomo Puccini) - uno dei capolavori musicali del mondo, presentato al pubblico nel 1896. L'opera comprende quattro atti. Era basato sull'opera di Henri Murger "Scene della vita di Boemia". L'azione nel libretto si svolge a Parigi negli anni '30 del XIX secolo. Il primo atto inizia con il fatto che il povero poeta Rudolph e il suo amico artista Marcel trascorrono la serata accanto al caminetto freddo, che non ha nulla da accendere. L'artista vuole bruciare l'ultima sedia, ma Rodolfo lo ferma sacrificando uno dei suoi manoscritti. L'azione si conclude con l'incontro del poeta con il suo amore.

G. Donizetti

"Lucia di Lammermoor» (G. Donizetti) è inserita nell'elenco delle opere più apprezzate al mondo. Il brano musicale tragico del compositore italiano è eseguito in tre atti. Il libretto è basato sul romanzo "La sposa di Lammermoor" di W. Scott. Poco dopo, il compositore scrisse anche una versione francese dell'opera. Ha tuonato in tutto il mondo, diventando una delle migliori. La trama del romanzo fu utilizzata prima di Donizetti da diversi compositori, ma la sua creazione soppiantò completamente tutte le precedenti. Il libretto è ambientato in Scozia nel XVIII secolo. In totale, l'opera comprende due parti: "Partenza" e "Contratto di matrimonio".

Georges Bizet

(Georges Bizet) apre le tre opere più importanti del mondo, scritte dal compositore sulla base del racconto omonimo di Prosper Mérimée. Singole bozze della partitura apparvero nel 74esimo anno del XIX secolo. La prima ha avuto luogo per la prima volta in Francia, dove è stato un completo fiasco. Non riconosciuta dal pubblico e dalla critica francese, l'opera lasciò le scene per molto tempo e tornò sulle scene solo nel 1983, dopo aver conquistato la fama mondiale. Lo stesso Čajkovskij ha affermato che si tratta di un vero capolavoro, che dopo qualche tempo acquisirà fama su larga scala.

S. Prokofiev

« Guerra e mondo"(S. Prokofiev) - una delle opere più famose che ha tuonato in tutto il mondo. Basato sul romanzo omonimo scrittore eccezionale Lev Nikolaevich Tolstoj del XIX secolo. In totale, l'opera comprende tredici dipinti. L'opera inizia con l'apparizione sul palco di Bolkonsky, che sta visitando la tenuta del conte Rostov. Sente la voce della figlia del conte, Natasha, che lo impressiona con il suo bellissimo canto. La tredicesima immagine finale racconta i resti dell'esercito in ritirata di Bonaparte. Idee su cui scrivere un'opera basata famoso romanzo il compositore coltivava da molto tempo. I primi schizzi apparvero nel 1941 e tuonarono sul palco del Teatro Bolshoi nel 1959, diventando una delle migliori opere del mondo.

GiuseppeVerdi

(Giuseppe Verdi) completa l'elenco delle migliori opere del mondo. Tradotta in russo, la parola traviata significa “perduta” o “caduta”. Per scriverlo il compositore si è ispirato al romanzo di Alexandre Dumas La signora delle camelie. La Traviata, presentata al pubblico per la prima volta, subì un completo fiasco, ma dopo una radicale revisione ottenne popolarità mondiale. Una caratteristica di quest'opera è la scelta insolita dell'eroina per quel tempo: una donna caduta sul letto di morte. L'azione de "La Traviata" si svolge a Parigi a metà del XIX secolo. Al centro dell'attenzione c'è una cortigiana, rifiutata dalla società e non necessaria a nessuno. Tre atti sono inclusi nella partitura originale.

Nata come imitazione dei modelli occidentali, l'opera russa ha dato un prezioso contributo al tesoro dell'intera cultura mondiale.

Apparsa nell'era del periodo di massimo splendore delle opere francesi, tedesche e italiane, l'opera russa nel XIX secolo non solo raggiunse le scuole d'opera nazionali classiche, ma le superò anche. È interessante notare che i compositori russi tradizionalmente sceglievano soggetti di carattere puramente popolare per le loro opere.

"La vita per lo zar" Glinka

L'opera "Una vita per lo zar" o "Ivan Susanin" racconta gli eventi del 1612: la campagna polacca della nobiltà contro Mosca. L'autore del libretto, tuttavia, divenne il barone Yegor Rosen Tempo sovietico per ragioni ideologiche, la redazione del libretto fu affidata a Sergei Gorodetsky. La prima dell'opera ebbe luogo al Teatro Bolshoi di San Pietroburgo nel 1836. Per molto tempo la parte di Susanin è stata interpretata da Fyodor Chaliapin. Dopo la rivoluzione, La vita per lo zar lasciò la scena sovietica. Ci furono tentativi di adattare la trama alle esigenze del nuovo tempo: così Susanin fu accettata nel Komsomol, e le battute finali suonavano come "Gloria, gloria, sistema sovietico". Grazie a Gorodetsky, quando l'opera fu rappresentata al Teatro Bolshoi nel 1939, il "sistema sovietico" fu sostituito dal "popolo russo". Dal 1945, il Teatro Bolshoi apre tradizionalmente la stagione con varie produzioni di Ivan Susanin di Glinka. La produzione più su larga scala dell'opera all'estero è stata realizzata, forse, alla Scala di Milano.

"Boris Godunov" di Musorgskij

L'opera, in cui lo zar e il popolo sono scelti come due personaggi, fu iniziata da Mussorgsky nell'ottobre 1868. Per scrivere il libretto, il compositore ha utilizzato il testo dell'omonima tragedia di Pushkin e materiali tratti dalla Storia dello Stato russo di Karamzin. Il tema dell'opera era il regno di Boris Godunov poco prima del periodo dei guai. Mussorgskij completò la prima edizione dell'opera Boris Godunov nel 1869, che fu presentata al comitato teatrale della Direzione dei Teatri Imperiali. Tuttavia, i revisori rifiutarono l'opera, rifiutandosi di metterla in scena a causa della mancanza di un ruolo femminile brillante. Mussorgsky ha introdotto nell'opera l'atto "polacco" della linea d'amore di Marina Mniszek e False Dmitry. Ha anche aggiunto una scena monumentale di una rivolta popolare, che ha reso il finale più spettacolare. Nonostante tutti gli aggiustamenti, l'opera fu nuovamente respinta. Andò in scena solo 2 anni dopo, nel 1874, sul palco del Teatro Mariinsky. All'estero, la prima dell'opera ebbe luogo al Teatro Bolshoi della Grand Opera di Parigi il 19 maggio 1908.

La dama di picche di Čajkovskij

L'opera fu completata da Čajkovskij all'inizio della primavera del 1890 a Firenze e la prima produzione ebbe luogo nel dicembre dello stesso anno al Teatro Mariinsky di San Pietroburgo. L'opera fu scritta dal compositore su ordine del Teatro Imperiale, e per la prima volta Čajkovskij rifiutò di accettare l'ordine, adducendo il suo rifiuto per la mancanza di una "adeguata presenza scenica" nella trama. È interessante notare che nella storia di Pushkin il protagonista ha il cognome Hermann (con due "n" alla fine), e nell'opera il personaggio principale è un uomo di nome Herman - questo non è un errore, ma un cambiamento deliberato da parte dell'autore . Nel 1892 l'opera fu rappresentata per la prima volta fuori dalla Russia, a Praga. Poi - la prima produzione a New York nel 1910 e la prima a Londra nel 1915.

"Principe Igor" Borodin

La base del libretto era il monumento dell'antica letteratura russa "Il racconto della campagna di Igor". L'idea della trama è stata suggerita a Borodin dal critico Vladimir Stasov in uno dei serate musicali a Shostakovich. L'opera è stata creata in 18 anni, ma non è mai stata completata dal compositore. Dopo la morte di Borodin, i lavori sull'opera furono completati da Glazunov e Rimsky-Korsakov. C'è un'opinione secondo cui Glazunov è stato in grado di ripristinare dalla memoria l'esecuzione dell'autore dell'ouverture dell'opera che aveva ascoltato una volta, tuttavia, lo stesso Glazunov ha confutato questa opinione. Nonostante Glazunov e Rimsky-Korsakov abbiano realizzato la maggior parte del lavoro, hanno insistito sul fatto che Il principe Igor era interamente un'opera di Alexander Porfiryevich Borodin. La prima dell'opera ebbe luogo al Teatro Mariinsky di San Pietroburgo nel 1890, dopo 9 anni fu vista da un pubblico straniero a Praga.

"Il galletto d'oro" di Rimsky-Korsakov

L'opera Il gallo d'oro è stata scritta nel 1908 sulla base dell'omonima fiaba di Pushkin. Quest'opera è stata l'ultima opera di Rimsky-Korsakov. I teatri imperiali si rifiutarono di mettere in scena l'opera. Ma non appena il pubblico l'ha vista per la prima volta nel 1909 al Teatro dell'Opera di Mosca di Sergei Zimin, l'opera è stata rappresentata al Teatro Bolshoi un mese dopo, e poi ha iniziato la sua processione trionfale in tutto il mondo: Londra, Parigi, New York, Berlino, Breslavia.

"Lady Macbeth del distretto di Mcensk" di Shostakovich

L'idea dell'opera venne da Alexander Dargomyzhsky nel 1863. Tuttavia, il compositore dubitava del suo successo e considerava l'opera come una "ricognizione" creativa, "divertimento sul Don Giovanni di Pushkin". Ha scritto la musica sul testo di Pushkin de L'ospite di pietra senza cambiarvi una sola parola. Tuttavia, i problemi cardiaci non hanno permesso al compositore di finire il lavoro. Morì, chiedendo nel suo testamento ai suoi amici Cui e Rimsky-Korsakov di completare l'opera. L'opera fu presentata per la prima volta al pubblico nel 1872 sul palco del Teatro Mariinsky di San Pietroburgo. La prima straniera ebbe luogo solo nel 1928 a Salisburgo. Quest'opera è diventata una delle “pietre fondanti”, senza saperlo è impossibile comprendere non solo la musica classica russa, ma anche la cultura generale del nostro Paese.

Nelle ultime cinque stagioni 2005/6 - 2009/10 sono state consegnate più di 1005 opere di compositori. Nella tabella sono riportati i dati dei compositori e delle opere presentate al programma (non necessariamente eseguite). I primi tre compositori: Verdi, Mozart e Puccini sono notevolmente superiori ai seguenti compositori.

Benjamin Britten è l'unico compositore tra i venti compositori più famosi nato già nel XX secolo. Il compositore "più anziano" della lista è Georg Friedrich Handel (1685 - 1759)

I compositori più popolari (eseguiti) degli ultimi 5 anni.

*Statistiche accurate sono rilevanti per l’Europa e Nord America, i dati per gli altri paesi potrebbero essere approssimativi.

Elena Vasilievna Obraztsova - Cantante lirica sovietica e russa, mezzosoprano. Artista popolare dell'URSS, vincitore del Premio Lenin, eroe del lavoro socialista. Uno dei cantanti famosi del nostro tempo. Elena Vasilievna Obraztsova è nata il 7 luglio 1939 a Leningrado. Durante la Grande Guerra Patriottica, insieme alla sua famiglia fu evacuata da Leningrado a Ustyuzhna. La musica è stata parte integrante dell'infanzia di Elena, suo padre, ingegnere di professione, aveva un bellissimo baritono e, inoltre, suonava bene il violino - ricordava sempre le serate familiari musicali. Nel 1948-1954 cantò nel coro dei bambini del Palazzo dei Pionieri di Leningrado. AA. Zhdanova (capo del coro - M.F. Zarinskaya). Nel 1954-1957, in connessione con il trasferimento ufficiale di suo padre, la famiglia visse a Taganrog, dove Elena studiò alla P.I. Čajkovskij con l'insegnante Anna Timofeevna Kulikova. SU concerto di segnalazione alla scuola di musica, Obraztsova è stata ascoltata dal direttore del Rostov Musical College M.A. Mankovskaya, e su sua raccomandazione nel 1957 Elena fu ammessa immediatamente alla scuola per il 2° anno. Un anno dopo, nell'agosto del 1958, dopo aver superato con successo un'audizione, entrò nel dipartimento preparatorio della LGK. SUL. Rimskij-Korsakov. Nel 1962 vinse il primo premio al Concorso per cantanti dell'All-Union. MI. Glinka e una medaglia d'oro al Festival Mondiale della Gioventù e degli Studenti di Helsinki. Il 17 dicembre 1963, studentessa al conservatorio, E. Obraztsova fece il suo debutto sul palco del Teatro Bolshoi nel ruolo di Marina Mniszek nell'opera Boris Godunov di M. P. Mussorgsky. Nel 1964 si diplomò al Conservatorio statale di Leningrado intitolato a I. SUL. Rimsky-Korsakov nella classe del professor A.A. Grigorieva (lezione d'opera di A.N. Kireev). Il presidente del comitato di laurea, Sofya Petrovna Preobrazhenskaya, ha assegnato a Elena Obraztsova 5 più, un voto che non veniva assegnato al Conservatorio di Leningrado da circa 40 anni. Nello stesso anno diventa solista stabile del Teatro Bolshoi. La natura ha generosamente dotato Elena Obraztsova. Ha una voce di rara bellezza nel timbro, vellutata, ricchezza di suono d'organo, un aspetto scenico luminoso che conferisce alle sue eroine dell'opera un raro sollievo artistico ed espressività, il talento di una vera attrice drammatica. Nel 1964, Elena Obraztsova, come parte della compagnia del Teatro Bolshoi, si esibì sul palco della Scala come Martha nell'opera Khovanshchina e come Marie nell'opera Guerra e pace. Le esibizioni di Obraztsova in Italia furono un grande successo e nel 1977 fu invitata ad aprire la stagione del 200° anniversario della Scala nel ruolo della Principessa Eboli nell'opera Don Carlos di G. Verdi. Nel 1975, Elena Obraztsova, insieme al Teatro Bolshoi, andò in tournée negli Stati Uniti. Durante lo spettacolo "Boris Godunov" Obraztsova, che interpretava il ruolo di Marina Mnishek, è stata chiamata sul palco cinque volte da spettatori entusiasti, lo spettacolo ha dovuto essere interrotto. Il trionfo di Elena Obraztsova negli Stati Uniti l'ha finalmente confermata nello status di star dell'opera mondiale. Pochi mesi dopo, Elena Obraztsova si esibì ne Il trovatore, spettacolo che aprì la stagione dell'Opera di San Francisco, i suoi partner furono Luciano Pavarotti e Joan Sutherland. Nel 1976, Obraztsova, già solista ospite del Metropolitan Opera, fece scalpore con la sua interpretazione di Amneris nell'Aida di Verdi. Nel 1977, Obraztsova si esibì nel ruolo di Delilah al Metropolitan. Thor Eckert, critico del New York Times, scrisse poi: "Dubito che abbiamo ascoltato Delilah, che riuscirebbe così facilmente a padroneggiare due ottave e mezza - Obraztsova esegue questa parte più difficile senza ombra di tensione". È stata invitata da Franco Zeffirelli a interpretare il ruolo di Santuzzi in L'onore rurale (1982). "Nella mia vita", ha scritto Zeffirelli, "ci sono stati tre shock: Anna Magnani, Maria Callas ed Elena Obraztsova, che hanno fatto un miracolo durante le riprese del film Rural Honor". In totale, il repertorio di Elena Obraztsova comprende 86 ruoli in opere del repertorio classico russo e straniero, nonché in opere di compositori del 20 ° secolo, molti dei suoi ruoli sono diventati classici viventi del palcoscenico operistico moderno: Marina Mnishek ("Boris Godunov ", 1963), Governante, Polina, Milovzor ( 1964), Contessa (1965, "La regina di picche"), Lyubasha ("La sposa dello zar", 1967), Konchakovna ("Il principe Igor", 1968), Marfa (" Khovanshchina", 1968). Lyubava ("Sadko", 1979), Amneris ("Aida", 1965), Azuchena ("Troubadour", 1972), Eboli ("Don Carlos", 1973), Santuzza ("Country Honor", 1977), Ulrika (" Ballo in maschera, 1977), La principessa di Buglione (Adrienne Lecouvrere, 1977), Adalgisa (Norma, 1979), Giovanna Seymour (Anna Bolena, 1982), Orfeo (Orfeo ed Euridice, 1984), Neris ("Medea", 1989), Leonora ("Favorite", 1992), Duchessa ("Sorella Angelica", 1992), Carmen ("Carmen", 1972), Charlotte ("Werther", 1974), Dalila (" Sansone e Dalila", 1974), Erodiade ( "Erodiade", 1990), Oberon ("Sogno di una notte di mezza estate" di B. Britten, 1965), Zhenya Komelkova ("Le albe qui sono tranquille" di K. Molchanova, 1975), Judit ("Il castello del duca Barbablù" di B Bartok, 1978), Giocasta (“Oedipus Rex” di I. Stravinskij, 1980), Eudosia (“La Fiamma” di O. Respighi, 1990); S. Prokofiev: Frosya ("Semyon Kotko", 1970), Principessa Marya (1964), Helen Bezukhova (1971), Akhrosimova (2000, "Guerra e pace"), Nonna ("Giocatore", 1996), Conte Orlovsky (" Pipistrello", 2003) e altri. Oltre ai ruoli d'opera, Elena Obraztsova è attiva attività concertistica in Russia e nel mondo. Il repertorio dei suoi concerti da solista comprende la musica di oltre 100 compositori russi e stranieri: M.I. Glinka, A.S. Dargomyzhsky, N.A. Rimsky-Korsakov, M.P. Mussorgsky, P.I. Tchaikovsky, S.V. Rakhmaninov, S.S. Prokofiev, G.F. Handel, W.A. Brahms, K. Weil, G. Mahler, G. Donizetti, G. Verdi, G. Puccini, P. Mascagni, J. Bizet, J. Massenet, C Saint-Saens e altri, così come canzoni russe e vecchi romanzi. Ha partecipato all'esecuzione di oratori, cantate, messe, opere di musica sacra russa. Le composizioni jazz hanno aggiunto nuovi tocchi brillanti al suo talento. Nel 1986, ha debuttato come regista, mettendo in scena l'opera "Werther" di J. Massenet al Teatro Bolshoi. Il cantante ha recitato nei ruoli principali in televisione film musicali"La vedova allegra", "La mia Carmen", "L'onore nazionale" e "Tosca", ecc. Dal 1973 al 1994 Elena Obraztsova ha insegnato al Conservatorio statale Čajkovskij di Mosca. Dal 1984 - professore. Dal 1992 insegna alla Musashino Tokyo Academy of Music; tiene masterclass in Europa e Giappone, presso l'Accademia dei giovani cantanti lirici del Teatro Mariinsky di San Pietroburgo. È stata ed è membro di giuria di numerosi concorsi internazionali, tra cui il Concorso Internazionale intitolato a P.I. Čajkovskij a Mosca, il Concorso vocale internazionale di Marsiglia, il Concorso internazionale intitolato a N.A. Rimsky-Korsakov a San Pietroburgo, il Concorso Internazionale Ferruccio Tagliavini a Deutschlandsberg, il Concorso Internazionale per cantanti lirici Montserrat Caballe. Nel settembre 1999, a San Pietroburgo, si è tenuto il 1o Concorso internazionale per giovani cantanti lirici Elena Obraztsova, nel 2011 l'8o Concorso. Elena Esemplare ha registrato più di 50 dischi, tra cui opere, oratori, cantate, dischi solisti con opere di musica da camera e d'opera. Negli ultimi anni sono state rilasciate "registrazioni dal vivo" di particolare pregio. Dal giugno 2007 all'ottobre 2008 è stata direttrice artistica del Teatro dell'Opera Mikhailovsky (ex Teatro dell'Opera e del Balletto Mussorgsky di San Pietroburgo). Ora a San Pietroburgo gestisce un centro culturale che porta il suo nome, dove lavora con giovani artisti. Il 24 ottobre 1981 fu scoperto il pianeta minore n. 4623, che ricevette il nome "Obraztsova".

Rita Streich (18 dicembre 1920 - 20 marzo 1987) - una delle cantanti liriche tedesche più venerate e registrate degli anni '40 e '60 del XX secolo, soprano. Rita Streich è nata a Barnaul, Altai Krai, Russia. Suo padre Bruno Streich, caporale dell'esercito tedesco, fu catturato sui fronti della prima guerra mondiale e fu avvelenato a Barnaul, dove conobbe una ragazza russa, futura mamma cantante famoso Vera Alekseev. Il 18 dicembre 1920 Vera e Bruno ebbero una figlia, Margarita Shtreich. Presto Autorità sovietica permise ai prigionieri di guerra tedeschi di tornare a casa e Bruno, insieme a Vera e Margarita, andò in Germania. Grazie alla madre russa, Rita Streich parlava e cantava bene in russo, il che le fu molto utile per la carriera, allo stesso tempo, a causa del suo tedesco "non puro", all'inizio ci furono alcuni problemi con il regime fascista. Le capacità vocali di Rita furono scoperte presto, fin dalle scuole elementari fu protagonista di concerti scolastici, in uno dei quali fu notata e portata a studiare a Berlino dalla grande cantante lirica tedesca Erna Berger. Tra i suoi insegnanti figurarono in tempi diversi anche il famoso tenore Willi Domgraf-Fasbender e il soprano Maria Ifogyn. Il debutto di Rita Streich sul palcoscenico operistico avvenne nel 1943 nella città di Ossig (Aussig, oggi Usti nad Labem, Repubblica Ceca) con il ruolo di Zerbinetta nell'opera Ariadne auf Naxos di Richard Strauss. Nel 1946 Rita fece il suo debutto all'Opera di Stato di Berlino, nella compagnia principale, con la parte di Olympia ne I racconti di Hoffmann di Jacques Offebach. Successivamente iniziò la sua carriera teatrale, che durò fino al 1974. Rita Streich rimase all'Opera di Berlino fino al 1952, poi si trasferì in Austria e trascorse quasi vent'anni sul palco dell'Opera di Vienna. Qui si sposò e nel 1956 diede alla luce un figlio. Rita Streich possedeva un brillante soprano di coloratura e eseguiva facilmente le parti più difficili del repertorio operistico mondiale, era chiamata "l'usignolo tedesco" o "usignolo viennese". Durante la sua lunga carriera, Rita Streich si è esibita anche in molti teatri del mondo: ha avuto contratti con la Scala e la radio bavarese a Monaco, ha cantato al Covent Garden, all'Opera di Parigi, così come a Roma, Venezia, New York, Chicago, San Francisco, ha viaggiato in Giappone, Australia e Nuova Zelanda, si è esibito ai festival dell'opera di Salisburgo, Bayreuth e Glyndebourne. Il suo repertorio comprendeva quasi tutti i ruoli operistici significativi per soprano: era conosciuta come la migliore interprete dei ruoli della Regina della Notte nel "Flauto Magico" di Mozart, Annchen nel "Free Gunner" di Weber e altri. Il suo repertorio comprendeva, tra le altre cose, opere di compositori russi, che ha eseguito in russo. Era considerata anche un'eccellente interprete del repertorio dell'operetta e delle canzoni popolari e romanze. Ha lavorato con le migliori orchestre e direttori d'orchestra d'Europa e ha registrato 65 dischi importanti. Dopo aver terminato la sua carriera, Rita Streich è professoressa all'Accademia di musica di Vienna dal 1974, ha insegnato in una scuola di musica a Essen, ha tenuto corsi di perfezionamento e ha diretto il Centro per lo sviluppo dell'arte lirica a Nizza. Rita Streich morì il 20 marzo 1987 a Vienna e fu sepolta nel vecchio cimitero della città accanto al padre Bruno Streich e alla madre Vera Alekseeva.

Elina Garanca è una cantante lettone (mezzosoprano), una delle principali cantanti liriche del nostro tempo. Elina Garancha è nata il 16 settembre 1976 a Riga in una famiglia di musicisti, suo padre è un direttore di coro e sua madre, Anita Garancha, è professoressa all'Accademia lettone di musica, professoressa associata all'Accademia lettone di cultura e insegnante di canto all'Opera Nazionale Lettone. Nel 1996, Elina Garancha è entrata all'Accademia lettone di musica di Riga, dove ha studiato canto con Sergey Martynov, e dal 1998 ha continuato i suoi studi con Irina Gavrilovich a Vienna, e poi con Virginia Zeani negli Stati Uniti. Uno degli eventi più profondi che hanno influenzato Elina durante i suoi studi è stata l'interpretazione nel 1998 della parte di Jane Seymour dall'opera Anna Bolena di Gaetano Donizetti - Garancia ha imparato il ruolo in dieci giorni e ha trovato una profonda simpatia per il repertorio del bel canto. Dopo la laurea, Garancha ha fatto il suo debutto sul palcoscenico operistico professionale nel Teatro di Stato La Turingia meridionale a Meiningen, in Germania, con il ruolo di Ottaviano ne Il Cavaliere della Rosa. Nel 1999 ha vinto il Concorso Vocale Miriam Helin a Helsinki, Finlandia. Nel 2000 vinse Elina Garancha Gran Premio nel Concorso Nazionale Lettone, poi è stata accettata nella troupe e ha lavorato all'Opera di Francoforte, dove ha interpretato i ruoli della Seconda Signora ne Il Flauto Magico, Hansel nell'opera di Humperdinck Hansel e Gretel e Rosina ne Il Barbiere di Siviglia. Nel 2001 è diventata finalista al prestigioso Concorso Internazionale di Canto di Cardiff e ha pubblicato il suo album di debutto da solista con un programma di arie d'opera. Il successo internazionale della giovane cantante è arrivato nel 2003 al Festival di Salisburgo, quando ha cantato la parte di Annio nella produzione di Mozart di Titus' Mercy diretta da Nikolaus Harnoncourt. Questa performance è stata seguita da successi e numerosi impegni. Il luogo di lavoro principale è stata l'Opera di Stato di Vienna, nella quale Garancha ha interpretato i ruoli di Charlotte in "Werther" e Dorabella in "Everybody Does It So" nel 2003-2004. In Francia, è apparsa per la prima volta al Théâtre des Champs Elysées (Angelina nella Cenerentola di Rossini) e poi all'Opera di Parigi (Opera Garnier) nel ruolo di Ottaviano. Nel 2007, Elina Garanca si è esibita per la prima volta sul palcoscenico principale della sua città natale, Riga, all'Opera Nazionale Lettone nel ruolo di Carmen. Nello stesso anno ha debuttato all'Opera di Stato di Berlino (Sext) e al Royal Theatre "Covent Garden" di Londra (Dorabella), e nel 2008 - al Metropolitan Opera di New York con il ruolo di Rosina in " Barbiere di Siviglia" e all'Opera Bavarese di Monaco (Adalgisa). Attualmente, Elina Garancha si esibisce sui palcoscenici dei principali teatri d'opera e sale da concerto del mondo come una delle stelle musicali più brillanti grazie alla sua bella voce, musicalità e talento drammatico convincente. I critici hanno notato la facilità, la velocità e la comodità con cui Garancha ha esercitato la sua voce e il successo con cui ha applicato la tecnica vocale moderna al complesso repertorio rossiniano dell'inizio del XIX secolo. Elina Garancha ha una solida collezione di registrazioni audio e video, inclusa quella pluripremiata premio musicale Registrazione "Grammy" dell'opera "Bayazet" di Antonio Vivaldi diretta da Fabio Biondi, dove Elina ha interpretato la parte di Andronico. Elina Garancha è sposata con il direttore d'orchestra inglese Karel Mark Chichon e la coppia aspetta il loro primo figlio alla fine di ottobre 2011.

Irina Konstantinovna Arkhipova - cantante lirica sovietica e russa, mezzosoprano, solista del Teatro Bolshoi (1956-1988), artista popolare dell'URSS (1966), detentrice dell'Ordine di Lenin (1971, 1976, 1985), vincitrice di il Premio Lenin (1978), Eroe del lavoro socialista (1984), vincitore del Premio di Stato della Russia (1996). Irina Konstantinovna Arkhipova è nata il 2 gennaio 1925 a Mosca. Già all'età di otto anni entrò alla Scuola Centrale di Musica del Conservatorio di Mosca, ma a causa di una malattia improvvisa non poté studiare lì. Più tardi, Irina entrò nella Gnessin School. Durante la Grande Guerra Patriottica, fu evacuata con la sua famiglia a Tashkent, dove entrò all'Istituto di Architettura di Mosca, anch'esso evacuato lì. Dopo la laurea, lavora alla progettazione e costruzione di una serie di strutture nella capitale, incluso un nuovo complesso di edifici dell'Università statale di Mosca sulle Colline dei Passeri, parallelamente alle lezioni di canto con N.M. Malysheva, e successivamente studiò al Conservatorio di Mosca nella classe di canto di L.F. Savransky. Nel 1953 si diplomò al conservatorio. Nel 1954-1956 fu solista del Teatro dell'Opera e del Balletto di Sverdlovsk. Dal 1956 al 1988 è stata solista del Teatro Bolshoi. Ha ricevuto l'esecuzione della parte di Carmen nell'opera omonima di Georges Bizet riconoscimento mondiale. Era caratterizzata da una profonda rivelazione interiore dell'immagine e dalla premurosità dell'interpretazione. Aveva il dono della trasformazione scenica. Dal 1955 effettua tournée all'estero (Austria, Polonia, Germania dell'Est, Finlandia, Italia, Ungheria, Romania, Cecoslovacchia, Bulgaria, USA, Giappone, Francia, Canada). Nel 1967 e nel 1971 canta al Teatro alla Scala (Martha e Marina Mnishek). Dal 1975 insegna al Conservatorio di Mosca, dal 1984 è professore. Negli anni '80 si esibisce con il ciclo di concerti "Antologia del romanticismo russo". Nel 1966 è stata invitata alla giuria del Concorso Čajkovskij e dal 1967 è presidente permanente della giuria del Concorso Glinka. Da allora è stata membro della giuria di numerosi concorsi prestigiosi nel mondo, tra cui la "Voce Verdiana" e il nome di Mario del Monaco in Italia, il Concorso Regina Elisabetta in Belgio, il nome di Maria Callas in Grecia, il nome di Francisco Viñas in Spagna, il concorso vocale a Parigi, il concorso vocale a Monaco. Dal 1974 (ad eccezione del 1994) è presidente permanente della giuria del Concorso Čajkovskij nella sezione "canto solista". Nel 1997, su invito del presidente dell'Azerbaigian Heydar Aliyev e del ministro della Cultura dell'Azerbaigian, Pallad Bul-Bul Ogly, Irina Arkhipova ha presieduto la giuria del concorso Bul-Bul, organizzato in occasione del centenario della sua nascita . Dal 1986, IK Arkhipova è il presidente della All-Union Musical Society, che alla fine del 1990 è stata trasformata nell'Unione internazionale delle figure musicali. Dal 1983 - Presidente della Fondazione Irina Arkhipova. Dottore onorario dell'Accademia Nazionale di Musica intitolata a Musichesku della Repubblica di Moldova (1998), Presidente della Società di Amicizia "Russia - Uzbekistan". Era un deputato Consiglio Supremo URSS della 6a convocazione. Deputato del popolo dell'URSS (1989-1991). Autore dei libri: "Le mie muse" (1992), "Musica della vita" (1997), "Marchio chiamato "I"" (2005). Il marito del cantante è l'artista popolare dell'URSS Vladislav Piavko. Figlio - Andrea. Pronipote - Irina. Il 19 gennaio 2010, Irina Konstantinovna Arkhipova è stata ricoverata in ospedale con patologie cardiache presso il Botkin City Clinical Hospital. L'11 febbraio 2010 il cantante è morto. È stata sepolta il 13 febbraio 2010 a Cimitero di Novodevichy A mosca.

Ekaterina Lyokhina - cantante lirica russa, soprano. Ekaterina Lekhina è nata il 15 aprile 1979 a Samara. Mentre studiava a scuola, ha combinato pattinaggio artistico e lezioni presso la scuola di musica n. 10 a Samara. Le piaceva di più il pattinaggio artistico, ma i suoi genitori, non i musicisti stessi, sua madre è un ingegnere, suo padre è un operaio, hanno insistito per continuare a studiare musica. Dopo essersi diplomata in una scuola di musica, Ekaterina è entrata nel dipartimento di direzione e coro di Scuola di Musica prende il nome da D.G. Shatalov, che si è laureata con lode. Nel 1998 si è trasferita a Mosca e ha continuato la sua formazione presso l'Accademia di arte corale, dove ha anche conseguito un master in canto lirico (classe del professor S. Nesterenko). Dopo l'accademia, ha lavorato per un breve periodo alla Novaya Opera di Mosca, in rappresentazioni minori. Il primo successo arrivò con la vittoria al concorso vocale di San Pietroburgo nel 2005, che fu notato e apprezzato dagli esperti europei. Da allora, è molto più conosciuta dal pubblico mondiale che da quello russo. Nel 2006 Ekaterina Lekhina ha debuttato alla Volksoper di Vienna nel ruolo di Madame Hertz ne Il direttore del teatro di Mozart. Il suo ruolo successivo alla Volksoper di Vienna è stato quello della Regina della Notte nel Flauto Magico di Mozart, con questo ruolo è apparsa anche al teatro Gartnerplatz di Monaco, in due teatri di Berlino - l'Opera di Stato tedesca e la Deutsche Oper, così come nei teatri Hannover, Düsseldorf, Treviso, Hong Kong e Pechino. Nel 2007 Ekaterina Lekhina ha vinto uno dei più prestigiosi tornei internazionali concorsi vocali- "Operalia", avvenuta quell'anno a Parigi. Nella finale del concorso si è verificato un piccolo incidente: l'organizzatore del concorso, il maestro Placido Domingo, non ha mostrato all'orchestra l'introduzione e il finale dell'aria di Lakme, Ekaterina ha cantato in completo silenzio. Durante la consegna del premio principale, il direttore d'orchestra ha spiegato: "Capisci, ho sentito per caso, e quindi non ho avuto il tempo di mostrare l'introduzione all'orchestra". Nel 2008, Lekhina ha fatto il suo debutto alla Royal Opera House, Covent Garden, con il ruolo di Olympia da I racconti di Hoffmann, questa performance le è valsa il plauso della critica e un grande successo. Nel 2011, Ekaterina Lekhina ha ricevuto il prestigioso premio Grammy dall'American Recording Academy nella nomination per la migliore registrazione d'opera. Ekaterina ha interpretato il ruolo principale: la principessa nell'opera "Love from afar" della compositrice finlandese Kaya Saari-Aho. Direttore Kent Nagano, Orchestra Sinfonica Tedesca di Berlino, Coro della Radio di Berlino, solisti - Daniel Belcher e Marie-Ange Todorovic. Attualmente, il cantante lavora sotto contratto in vari teatri in tutto il mondo.

Maria Callas (inglese) Maria Callas ; il nome sul certificato di nascita è Sophia Cecelia Kalos Sophia Cecelia Kalos, battezzata come Cecilia Sophia Anna Maria Kalogeropoulos - greca. Μαρ?α Καλογεροπο?λου; 2 dicembre (4), 1923, New York - 16 settembre 1977, Parigi) - Cantante lirica americana (soprano). Maria Callas è tra i riformatori dell'opera come Richard Wagner e Arturo Toscanini. La cultura della seconda metà del XX secolo è indissolubilmente legata al suo nome. All'inizio degli anni Cinquanta, alla vigilia del fenomeno del postmodernismo, quando l'opera ottocentesca divenne un anacronismo estetico, Maria Callas riportò l'arte dell'opera in cima all'Olimpo scenico. Dopo aver fatto rivivere l'era del bel canto, Maria Callas non si è limitata alla virtuosistica coloratura nelle opere di Bellini, Rossini e Donizetti, ma ha trasformato la sua voce nel principale mezzo di espressione. È diventata una cantante versatile con un repertorio che spazia dalle serie operistiche classiche come le Vestali di Spontini alle ultime opere di Verdi, dalle opere veriste di Puccini ai drammi musicali di Wagner. L'ascesa della carriera di Callas a metà del XX secolo fu accompagnata dall'apparizione di un LP in registrazione sonora e dall'amicizia con una figura di spicco della casa discografica EMI, Walter Legge. L'avvento sui palcoscenici dei teatri d'opera di una nuova generazione di direttori d'orchestra come Herbert von Karajan e Leonard Bernstein e di registi come Luchino Visconti e Franco Zeffirelli ha reso ogni rappresentazione con la partecipazione di Maria Callas un evento. Ha trasformato l'opera in un vero teatro drammatico, facendo sì che anche "i trilli e le scale esprimano gioia, ansia o desiderio". Maria Callas è nata a New York da genitori immigrati greci. Nel 1936, la madre di Mary, Evangelia, tornò ad Atene per continuare l'educazione musicale di sua figlia. La madre voleva incarnare nella figlia i suoi talenti falliti e iniziò a portarla alla Biblioteca di New York sulla Fifth Avenue. Maria ha iniziato ad ascoltare musica classica all'età di tre anni, ha preso lezioni di piano a cinque e di canto all'età di otto. All'età di 14 anni, Maria iniziò a studiare al Conservatorio di Atene sotto la guida dell'ex cantante spagnola Elvira de Hidalgo. Nel luglio 1941, nell'Atene occupata dai tedeschi, Maria Callas fece il suo debutto all'Opera di Atene nel ruolo di Tosca. Nel 1945 Maria Callas tornò a New York. Ne seguirono una serie di battute d'arresto: non fu presentata a Toscanini, si rifiutò di cantare Cio-Cio-San al Metropolitan Opera a causa del suo grande peso e spera nella rinascita della Lyric Opera di Chicago, dove sperava di cantare, crollato. Nel 1947 la Callas debuttò sul palcoscenico dell'Anfiteatro dell'Arena di Verona nell'opera La Gioconda di Ponchielli diretta da Tullio Serafina. L'incontro con Serafin è stato, nelle parole della stessa Kallas: "Il vero inizio di una carriera e il più grande successo della mia vita". Tullio Serafin introduce la Callas nel mondo della grande opera. Alla fine del 1948 canta le prime parti dell'Aida di Verdi e della Norma di Bellini. All'inizio del 1949, nel giro di una settimana, le parti vocalmente incompatibili di Brünnhilde nella Valchiria di Wagner ed Elvira ne I Puritani di Bellini crearono un fenomeno creativo per la cantante Maria Callas. Ha cantato sia parti liriche, drammatiche e coloratura, che è stato un miracolo canoro: "quattro voci in una gola". Nel 1949, Callas andò in tournée in Sud America. Nel 1950 cantò per la prima volta alla Scala e divenne la "regina delle primedonne italiane". Nel 1953, la EMI pubblicò le prime registrazioni complete di opere con Maria Callas. Nello stesso anno perde 30 chilogrammi. La Callas trasformata conquista il pubblico sui palcoscenici d'Europa e d'America nelle opere: Lucia di Lammermoor di Donizetti, Norma di Bellini, Medea di Cherubini, Il trovatore e Macbeth di Verdi, Tosca di Puccini. Nel settembre 1957, a Venezia, ad un ballo in onore del compleanno della giornalista Elsa Maxwell, Maria Callas incontrò per la prima volta Aristotele Onassis. Nella primavera del 1959 a Venezia si incontrarono di nuovo ad un ballo. Successivamente, Onassis andò a Londra per il concerto della Callas. Dopo questo concerto, ha invitato lei e suo marito sul suo yacht. Alla fine di novembre 1959, la moglie di Onassis, Tina, chiese il divorzio e Callas e Onassis in quel momento apparvero apertamente nella società insieme. La coppia litigava quasi costantemente e nel 1968 Maria Callas apprese dai giornali che Aristotele Onassis aveva sposato la vedova del presidente degli Stati Uniti Jacqueline Kennedy. Nel 1959 avviene la svolta decisiva in una carriera di successo. Ciò è stato facilitato dalla perdita della voce, da una serie di scandali, dal divorzio, dalla rottura con il Metropolitan Opera, dalla partenza forzata dalla Scala, dall'amore infelice per Aristotele Onassis e dalla perdita di un figlio. Un tentativo di tornare sul palco nel 1964 si conclude con un altro fallimento. A Verona Maria Callas incontrò l'industriale locale Giovanni Batista Meneghini. Aveva il doppio della sua età e amava appassionatamente l'opera. Ben presto Giovanni confessò il suo amore a Maria, vendette completamente la sua attività e si dedicò alla Callas. Nel 1949 Maria Callas e Giovanni Meneghini si sposarono. È diventato tutto per Maria: un marito fedele, un padre amorevole, un manager devoto e un produttore generoso. Nel 1969, il regista italiano Pier Paolo Pasolini invitò Maria Callas a interpretare il ruolo di Medea nel film con lo stesso nome. Sebbene il film non abbia avuto successo commerciale, è di grande interesse cinematografico, come tutto il resto dell'opera di Pasolini. Il ruolo di Medea era per Maria Callas l'unico ruolo al di fuori dell'opera. Gli ultimi anni della sua vita, Maria Callas visse a Parigi, praticamente senza lasciare il suo appartamento, dove morì nel 1977. Fu cremata e sepolta nel cimitero di Père Lachaise. Successivamente le sue ceneri furono sparse nel Mar Egeo. I foniatri italiani Franco Fussi e Nico Paolillo hanno stabilito la causa più probabile della morte della diva dell'opera Maria Callas, scrive La Stampa (traduzione in inglese dell'articolo pubblicata da Parterre Box). Secondo i risultati del loro studio, Callas morì di dermatomiosite, una rara malattia del tessuto connettivo e della muscolatura liscia. Fussi e Paolillo sono giunti a questa conclusione dopo aver studiato le registrazioni della Callas effettuate in diversi anni e analizzato il progressivo deterioramento della sua voce. L'analisi spettrografica delle registrazioni in studio e delle esibizioni concertistiche ha mostrato che alla fine degli anni '60, quando divenne evidente il deterioramento delle sue capacità vocali, l'estensione vocale della Callas cambiò effettivamente da soprano a mezzosoprano, il che spiegò il cambiamento nel suono delle note alte. nella sua esibizione, i video dei suoi ultimi concerti hanno rivelato che i muscoli della cantante erano significativamente indeboliti: il suo petto praticamente non si sollevava durante la respirazione e durante l'inspirazione la cantante sollevava le spalle e tendeva i muscoli deltoidi, cioè, in effetti, faceva l'errore più comune con il supporto del muscolo vocale. La causa della morte di Maria Callas non è nota con certezza, ma si ritiene che la cantante sia morta per arresto cardiaco. Secondo Fussy e Paolillo, i risultati del loro lavoro indicano direttamente che l'infarto miocardico che ha portato a ciò era una complicazione della dermatomiosite. È interessante notare che questa diagnosi (dermatomiosite) fu fatta alla Callas poco prima della sua morte dal suo medico Mario Giacovaczo (questo divenne noto solo nel 2002). Ruoli lirici di Maria Callas Santuzza - L'onore rurale di Mascagni (1938, Atene) Tosca - Tosca di Puccini (1941, Opera di Atene) Gioconda - La Gioconda di Ponchielli (1947, Arena di Verona) Turandot - Turandot di Puccini (1948, Carlo Felice (Genova) Aida - Aida di Verdi (1948, Metropolitan Opera, New York) Norma - Norma di Bellini (1948, 1956, Metropolitan Opera; 1952, Covent Garden), Londra; 1954, Lyric Opera, Chicago) Brunnhilde - Valchiria di Wagner (1949-1950, Metropolitan Opera ) Elvira - Puritani di Bellini (1949-1950, Metropolitan Opera) Elena - Vespri Siciliani » Verdi (1951, La Scala, Milano) Kundry - Parsifal di Wagner (La Scala) Violetta - La Traviata di Verdi (La Scala) Medea - Medea di Cherubini (1953 , La Scala) Julia - La Vestale di Spontini (1954, La Scala) Gilda - Rigoletto di Verdi (1955, La Scala) Madama Butterfly (Cio-Cio-san) - Madama Butterfly di Puccini (La Scala) Lady Macbeth - "Macbeth" Fedora di Verdi - "Fedora" Giordano Anna Bolena - "Anna Bolena" Donizetti Lucia - "Lucia di Lammermoor" Donizetti Amina - "Sonnambulo" Bellini Carmen - "Carmen" Bizet

Diana Damrau è una cantante lirica e concertista tedesca, soprano di coloratura. Diana Damrau è nata il 31 maggio 1971 a Günzburg, Baviera, Germania. Si dice che il suo amore per la musica classica e l'opera sia stato risvegliato all'età di 12 anni, dopo aver visto un bellissimo film-opera di Franco Zeffirelli "La Traviata" (G. Verdi) con Placido Domingo e Teresa Strates nei ruoli principali. All'età di 15 anni si è esibita nel musical "My Fair Lady" in un festival nella vicina città di Offingen. Ha ricevuto la sua educazione vocale presso la Scuola Superiore di Musica di Würzburg, dove ha studiato con la cantante rumena Carmen Hanganu, e durante i suoi studi ha studiato anche a Salisburgo con Hanna Ludwig e Edith Mathis. Dopo essersi diplomata con lode al conservatorio nel 1995, Diana Damrau ha stipulato un contratto di due anni con il teatro di Würzburg, dove ha fatto il suo debutto teatrale professionale nel ruolo di Eliza "My Fair Lady" e un debutto operistico con la parte di Barbarina da "Le nozze di Figaro", seguita dai ruoli di Annie ("La tiratrice magica"), Gretel ("Hansel e Gretel"), Marie ("Lo zar e il falegname"), Adele ("Il pipistrello") , Valenciennes ("La vedova allegra") e altri. Poi ci furono contratti biennali con il Teatro Nazionale di Mannheim e l'Opera di Francoforte, dove interpretò le parti di Gilda (Rigoletto), Oscar (Un ballo in maschera), Zerbinetta (Ariadne auf Naxos), Olympia (I racconti di Hoffmann) e Regine della notte ("Flauto magico"). Nel 1998/99 è apparsa come Regina della Notte come ospite ai Teatri dell'Opera di Berlino, Dresda, Amburgo, Francoforte e all'Opera Bavarese come Zerbinetta. Nel 2000, la prima rappresentazione di Diana Damrau fuori dalla Germania ebbe luogo all'Opera di Stato di Vienna nel ruolo della Regina della Notte. Dal 2002, il cantante lavora come libero professionista in diversi teatri, nello stesso anno debutta oltreoceano con un concerto negli USA, a Washington. Da allora ha lavorato sui palcoscenici più importanti del mondo, i momenti salienti della carriera di Damrau sono i debutti al Covent Garden (2003, Queen of the Night), nel 2004 alla Scala in occasione dell'inaugurazione dopo il restauro del teatro nel il ruolo principale nell'opera Recognized Europe di Antonio Salieri", nel 2005 al Metropolitan Opera (Zerbinetta, "Ariadne auf Naxos"), nel 2006 al Festival di Salisburgo, concerto con Placido Domingo sotto la direzione di cielo aperto allo Stadio Olimpico di Monaco in onore dell'apertura della Coppa del Mondo nell'estate del 2006. Il repertorio operistico di Diana Damrau è molto vario, lavora sia in ruoli di soprano classico in opere italiane, francesi e tedesche, sia in opere compositori contemporanei, e all'inizio di una carriera in musical e operette. Il bagaglio dei suoi ruoli operistici raggiunge già quasi cinquanta e, oltre a quelli già citati, comprende Marceline (Fidelio, Beethoven), Leila (I Cercatori di Perle, Bizet), Norina (Don Pasquale, Donizetti), Adina (Pozione d'Amore, Donizetti ) , Lucia ("Lucia di Lammermoor", Donizetti), Rita ("Rita", Donizetti), Marguerite de Valois ("Ugonotti", Meyerbeer), Servilia ("La misericordia di Tito", Mozart), Costanza e Bionda ("Rapimento dal Serraglio", Mozart), Suzanne ("Le nozze di Figaro", Mozart), Pamina ("Il flauto magico", Mozart), Rosina ("Il barbiere di Siviglia", Rossini), Sophie ("Il cavaliere del Roses", Strauss), Adele ("Il pipistrello", Strauss), Woglind ("L'oro del Reno" e "Il crepuscolo degli dei", Wagner) e molti altri. Oltre ai suoi successi nell'opera, Diana Damrau si è affermata come una delle migliori concertiste del repertorio classico. Esegue oratori e canzoni di Bach, Handel, Mozart, Vincenzo Righini, Beethoven, Robert e Clara Schumann, Meyerbeer, Brahms, Fauré, Mahler, Richard Strauss, Zemlinsky, Debussy, Orff, Barber, si esibisce regolarmente alla Filarmonica di Berlino, Carnegie Hall , Wigmore Hall, Sala d'Oro della Filarmonica di Vienna, nonché ospite regolare della Schubertiade, Monaco, Salisburgo e altri festival. Il suo CD con canzoni di Richard Strauss (Poesie) con la Filarmonica di Monaco è stato premiato con l'ECHO Klassik nel 2011. Diana Damrau vive a Ginevra, nel 2010 ha sposato il basso-baritono francese Nicolas Teste, alla fine dello stesso anno Diana ha dato alla luce un figlio, Alexander. Dopo la nascita del bambino, la cantante è tornata sul palco e continua la sua carriera attiva. Foto: Tanja Niemann

Maria Nikolaevna Kuznetsova è una cantante lirica (soprano) e ballerina russa, una delle cantanti più famose della Russia pre-rivoluzionaria. Solista principale del Teatro Mariinsky, partecipante alle Stagioni russe di Sergei Diaghilev. Ha lavorato con N.A. Rimsky-Korsakov, Richard Strauss, Jules Massenet, ha cantato in tandem con Fyodor Chaliapin e Leonid Sobinov. Dopo aver lasciato la Russia nel 1917, continuò ad esibirsi con successo all'estero. Maria Nikolaevna Kuznetsova è nata nel 1880 a Odessa. Maria è cresciuta in un'atmosfera creativa e intellettuale, suo padre Nikolai Kuznetsov era un artista e sua madre proveniva dalla famiglia Mechnikov, gli zii di Maria erano il biologo premio Nobel Ilya Mechnikov e il sociologo Lev Mechnikov. Pyotr Ilyich Tchaikovsky ha visitato la casa dei Kuznetsov, che hanno attirato l'attenzione sul talento della futura cantante e hanno composto per lei canzoni per bambini, fin dall'infanzia Maria sognava di diventare un'attrice. I suoi genitori la mandarono in una palestra in Svizzera, tornata in Russia, studiò danza classica a San Pietroburgo, ma rifiutò di ballare e iniziò a studiare canto con l'insegnante italiano Marty, e successivamente con il baritono e il suo compagno di scena I.V. Tartakov. Tutti hanno notato la sua bellezza pura come soprano lirico, il notevole talento di attrice e la bellezza femminile. Igor Fyodorovich Stravinsky la descrisse come "... un soprano drammatico che poteva essere visto e ascoltato con lo stesso appetito". Nel 1904, Maria Kuznetsova fece il suo debutto sul palcoscenico del Conservatorio di San Pietroburgo nel ruolo di Tatiana nell'Eugene Onegin di Čajkovskij e sul palcoscenico del Teatro Mariinsky nel 1905 nel ruolo di Marguerite nel Faust di Gounod. Solista del Teatro Mariinsky, con una breve pausa, Kuznetsova rimase fino alla rivoluzione del 1917. Nel 1905, a San Pietroburgo furono pubblicati due dischi di grammofono con la registrazione delle sue esibizioni e in totale fece 36 registrazioni durante la sua carriera creativa. Una volta, nel 1905, poco dopo il debutto di Kuznetsova al Mariinsky, durante la sua rappresentazione a teatro, scoppiò una lite tra studenti e ufficiali, la situazione nel paese era rivoluzionaria e nel teatro iniziò il panico. Maria Kuznetsova ha interrotto l'aria di Elsa dal "Lohengrin" di R. Wagner e ha cantato con calma l'inno russo "God Save the Tsar", i cicalini sono stati costretti a fermare la lite e il pubblico si è calmato, lo spettacolo è continuato. Il primo marito di Maria Kuznetsova fu Albert Albertovich Benois, da famosa dinastia Architetti, artisti, storici Benois russi. Nel pieno della sua carriera, Maria era conosciuta con il doppio cognome Kuznetsova-Benoit. Nel suo secondo matrimonio, Maria Kuznetsova era sposata con il produttore Bogdanov, nel terzo con il banchiere e industriale Alfred Massenet, nipote del famoso compositore Jules Massenet. Nel corso della sua carriera, Kuznetsova-Benois ha partecipato a numerose prime d'opera europee, comprese le parti di Fevronia in "La leggenda della città invisibile di Kitezh e della fanciulla Fevronia" di Rimsky-Korsakov e Cleopatra dall'opera omonima di J. Massenet. , che il compositore ha scritto appositamente per lei. E anche sul palcoscenico russo ha presentato per la prima volta il ruolo di Vogdolina nell'"Oro del Reno" di R. Wagner, Cio-Cio-san in "Madama Butterfly" di G. Puccini e molti altri. Ha effettuato tournée in città in Russia, Francia, Gran Bretagna, Germania, Italia, Stati Uniti e altri paesi con la Compagnia dell'Opera Mariinsky. Tra i suoi ruoli migliori: Antonida ("La vita per lo zar" di M. Glinka), Lyudmila ("Ruslan e Lyudmila" di M. Glinka), Olga ("La sirena" di A. Dargomyzhsky), Masha ("Dubrovsky" di E . Napravnik), Oksana ("Cherevichki" di P. Tchaikovsky), Tatyana ("Eugene Onegin" di P. Tchaikovsky), Kupava ("La fanciulla di neve" di N. Rimsky-Korsakov), Giulietta ("Romeo e Giulietta" di Ch. Gounod), Carmen ("Carmen" Zh Bizet), Manon Lesko ("Manon" J. Massenet), Violetta ("La Traviata" G. Verdi), Elsa ("Lohengrin" R. Wagner) e altri. Nel 1914 , Kuznetsova se ne andò temporaneamente Teatro dell'Opera Mariinsky e insieme al "Balletto Russo" di Sergei Diaghilev si è esibito a Parigi e Londra come ballerina, sponsorizzando anche parzialmente la loro esibizione. Ha ballato nel balletto "La leggenda di Joseph" di Richard Strauss, il balletto è stato preparato dalle star del loro tempo: il compositore e direttore d'orchestra Richard Strauss, il regista Sergei Diaghilev, il coreografo Mikhail Fokin, i costumi e le scene Lev Bakst, il primo ballerino Leonid Myasin . Era un ruolo importante e una buona compagnia, ma fin dall'inizio la produzione ha dovuto affrontare alcune difficoltà: c'era poco tempo per le prove, Strauss era di cattivo umore, poiché le ballerine ospiti Ida Rubinstein e Lydia Sokolova si rifiutavano di partecipare, e Strauss non ha voluto partecipare. non gli piaceva lavorare con musicisti francesi e litigava costantemente con l'orchestra, e Diaghilev era ancora preoccupato per la partenza del ballerino Vaslav Nijinsky dalla troupe. Nonostante i problemi dietro le quinte, il balletto ha debuttato con successo a Londra e Parigi. Oltre a cimentarsi nel balletto, Kuznetsova si è esibita in diversi spettacoli operistici, tra cui la produzione di Borodin del Principe Igor a Londra. Dopo la rivoluzione del 1918, Maria Kuznetsova lasciò la Russia, come si conviene a un'attrice, lo fece con una bellezza drammatica: nei panni di un mozzo si nascose sul ponte inferiore di una nave diretta in Svezia. Divenne cantante lirica all'Opera di Stoccolma, poi a Copenaghen e poi alla Royal Opera House, Covent Garden di Londra. Per tutto questo tempo venne costantemente a Parigi e nel 1921 si stabilì finalmente a Parigi, che divenne la sua seconda casa creativa. Negli anni '20 Kuznetsova organizzò concerti privati ​​​​dove cantò canzoni, romanzi e opere russe, francesi, spagnole e gitane. In questi concerti ballava spesso danze popolari spagnole e flamenco. Alcuni dei suoi concerti erano di beneficenza per aiutare l'emigrazione russa bisognosa. Divenne la star dell'opera parigina, essere accettata nel suo salone era considerato un grande onore. "Il colore della società", ministri e industriali si affollavano nella sua anticamera. Oltre ai concerti privati, ha spesso lavorato come solista in molti teatri d'opera in Europa, compresi quelli al Covent Garden, all'Opera di Parigi e all'Opéra Comique. Nel 1927, Maria Kuznetsova, insieme al principe Alexei Tsereteli e al baritono Mikhail Karakash, organizzò la compagnia privata Russian Opera a Parigi, dove invitarono molti cantanti lirici russi che avevano lasciato la Russia. L'Opera russa ha messo in scena Sadko, La storia dello zar Saltan, La storia della città invisibile di Aquilone e della fanciulla Fevronia, La fiera di Sorochinskaya e altre opere e balletti di compositori russi e sono stati rappresentati a Londra, Parigi, Barcellona, ​​Madrid, Milano e nella lontana Buenos Aires. L'"Opera russa" durò fino al 1933, dopo di che Maria Kuznetsova iniziò a dare meno spettacoli. Maria Kuznetsova morì il 25 aprile 1966 a Parigi, Francia.

Angela Gheorghiu (in rumeno Angela Gheorghiu) è una cantante lirica rumena, soprano. Uno dei cantanti lirici più famosi del nostro tempo. Angela Georgiou (Burlacu) è nata il 7 settembre 1965 nella piccola città di Ajud, in Romania. Fin dalla prima infanzia era ovvio che sarebbe diventata una cantante, il suo destino era la musica. Ha studiato in una scuola di musica a Bucarest e si è laureata presso l'Università Nazionale di Musica di Bucarest. Il suo debutto operistico professionale ha avuto luogo nel 1990 nel ruolo di Mimi ne La bohème di Puccini a Cluj, e nello stesso anno ha vinto il concorso vocale internazionale Hans Gabor Belvedere a Vienna. Il cognome Georgiou le è rimasto dal primo marito. Angela Georgiou ha fatto il suo debutto internazionale nel 1992 alla Royal Opera House, Covent Garden, in La Boheme. Nello stesso anno ha debuttato al Metropolitan Opera di New York e all'Opera di Stato di Vienna. Nel 1994, alla Royal Opera House, Covent Garden, cantò per la prima volta il ruolo di Violetta ne La Traviata, in questo momento avvenne la "nascita di una stella", Angela Georgiou iniziò a godere di un successo costante nei teatri d'opera e nelle sale da concerto di tutto il mondo. mondo: a New York, Londra, Parigi, Salisburgo, Berlino, Tokyo, Roma, Seul, Venezia, Atene, Monte Carlo, Chicago, Filadelfia, San Paolo, Los Angeles, Lisbona, Valencia, Palermo, Amsterdam, Kuala Lumpur, Zurigo, Vienna, Salisburgo, Madrid, Barcellona, ​​Praga, Montreal, Mosca, Taipei, San Juan, Lubiana. Nel 1994 conosce il tenore Roberto Alagna, che sposerà nel 1996. La cerimonia nuziale si è svolta al Metropolitan Opera di New York. La coppia Alanya-Georgiou è stata a lungo l'unione familiare creativa più brillante sul palcoscenico dell'opera, ora sono divorziati. Il suo primo contratto discografico esclusivo è stato firmato nel 1995 con la Decca, dopo di che ha pubblicato diversi album all'anno, ora ha circa 50 album, sia opere in scena che concerti da solista. Tutti i suoi CD hanno ricevuto il plauso della critica e hanno ricevuto numerosi premi internazionali, tra cui il premio della rivista Gramophone, il premio tedesco Echo, il francese Diapason d'Or e Choc du Monde de la Musique, e molti altri. Per due volte, nel 2001 e nel 2010, i "Classical BRIT Awards" britannici l'hanno nominata "Miglior cantante femminile dell'anno". La gamma di ruoli di Angela Georgiou è molto ampia, ama soprattutto le opere di Verdi e Puccini. Il repertorio italiano, forse a causa della relativa somiglianza delle lingue rumena e italiana, se la cava in modo eccellente, alcuni critici notano che l'opera francese, tedesca, russa e inglese viene eseguita in modo più debole. I ruoli più importanti di Angela Gheorghiu: Bellini "Sleepwalker" - Amina Bizet "Carmen" - Michaela, Carmen Cilea "Adriana Lecouvreur" - Adriana Lecouvreur Donizetti "Lucia di Lammermoor" - Lucia Donizetti "Lucrezia Borgia" - Lucrezia Borgia Donizetti "Pozione d'Amore" " - Adina Gounod "Faust" - Marguerite Gounod "Romeo e Giulietta" - Giulietta Massenet "Manon" - Manon Massenet "Werther" - Charlotte Mozart "Don Giovanni" - Zerlina Leoncavallo "Pagliacci" - Nedda Puccini "La Rondine" - Magda Puccini "La Boheme" - Mimi Puccini "Gianni Schicchi" - Loretta Puccini "Tosca" - Tosca Puccini "Turandot" - Liu Verdi Troubadour - Leonora Verdi "La Traviata" - Violetta Verdi "Luise Miller" - Luisa Verdi "Simon Boccanegra" - Maria Angela Gheorghiu continua ad esibirsi attivamente e si trova al vertice dell'Olimpo dell'opera. I prossimi impegni includono vari concerti in Europa, America e Asia, Tosca e Faust alla Royal Opera House, Covent Garden.

Annette Dasch è una cantante lirica e soprano tedesca. Uno dei principali cantanti lirici tedeschi contemporanei. Annette Dasch è nata il 24 marzo 1976 a Berlino. I genitori di Annette, il padre, il giudice e la madre hanno studiato medicina, hanno amato la musica e hanno instillato questo amore nei loro quattro figli. A casa, tradizionalmente, tutti i membri della famiglia suonavano e cantavano insieme, essendo maturati, tutti i bambini sono diventati musicisti professionisti: figlia più grande- un pianista, fratelli minori - uno - un cantante, basso-baritono, membro del quintetto pop classico "Adoro", il secondo - un insegnante di musica. Fin dall'infanzia, Annette si è esibita nell'ensemble vocale della scuola e sognava di diventare una cantante rock. Era anche una scout attiva e le piacciono ancora le escursioni e le escursioni. Nel 1996, Annette si è trasferita a Monaco per studiare canto all'accademia di Monaco Scuola superiore musica e teatro. Nel 1998/99 ha inoltre seguito i corsi di musica e teatro presso l'Università di Musica e Teatro di Graz (Austria). Il successo internazionale arrivò nel 2000 quando vinse tre importanti concorsi vocali internazionali: il Concorso Maria Callas di Barcellona, ​​il Concorso di scrittura di canzoni Schumann a Zwickau e il concorso di Ginevra. Da allora, si è esibita sui migliori palcoscenici d'opera in Germania e nel mondo: all'Opera di Stato bavarese, a Berlino, a Dresda, all'Opera di Parigi e agli Champs Elysees, alla Scala, al Covent Garden, all'Opera di Tokyo, al Metropolitan Opera e molti altri. . Nel 2006, 2007, 2008 si è esibita al Festival di Salisburgo, nel 2010, 2011 al Festival Wagner di Bayorot. La gamma di ruoli di Annette Dasch è piuttosto ampia, compresi i ruoli di Armida ("Armida", Haydn), Gretel ("Hansel e Gretel", Humperdinck), Goose Girls ("Royal Children", Humperdinck), Fiordiligi ("Everybody Fa così" , Mozart), Elvira ("Don Giovanni", Mozart), Elvira ("Idomeneo", Mozart), Contessa ("Le nozze di Figaro", Mozart), Pamina ("Il flauto magico", Mozart), Anthony ("I racconti di Hoffmann", Offenbach), Liu ("Turandot", Puccini), Rosalind ("Il pipistrello", Strauss), Freya ("L'oro del Reno", Wagner), Elsa ("Lohengrin", Wagner) e Annette Dasch non è solo una cantante d'opera, esegue anche oratori e tiene concerti. Il suo repertorio comprende brani di Beethoven, Britten, Haydn, Gluck, Handel, Schumann, Mahler, Mendelssohn e altri. Loro concerti recenti il cantante si è esibito in tutte le principali città europee (ad esempio, a Berlino, Barcellona, ​​Vienna, Parigi, Londra, Parma, Firenze, Amsterdam, Bruxelles), si è esibito ai festival Schubertiade di Schwarzenberg, festival di musica antica a Innsbruck e Nantes , così come altri festival prestigiosi . Dal 2008, Annette Dasch conduce il suo famosissimo programma musicale di intrattenimento televisivo "Dash Salon", il cui nome in tedesco è in consonanza con la parola "lavanderia" (Waschsalon). Nella stagione 2011/2012 Annete Dasch ha aperto una tournée europea con recital, i prossimi impegni operistici includono il ruolo di Elvira nel Don Giovanni al Metropolitan Opera nella primavera del 2012, poi il ruolo di Madame Pompadour a Vienna, una tournée con l'Opera di Vienna in Giappone con un ruolo in La vedova allegra", anche un'altra esibizione al festival di Bayorot.

Ekaterina Shcherbachenko - cantante lirica russa (soprano), solista del Teatro Bolshoi. Ekaterina Nikolaevna Shcherbachenko (nata Telegina) è nata il 31 gennaio 1977 a Ryazan. Nel 1996 si è laureata al Ryazan Musical College. G. e A. Pirogov, avendo ricevuto la specialità "direttore di coro". Nel 2005 si è diplomata al Conservatorio statale Čajkovskij di Mosca. PI Tchaikovsky (insegnante - Professoressa Marina Alekseeva) e lì ha continuato i suoi studi post-laurea. IN studio dell'opera Il Conservatorio ha cantato la parte di Tatiana nell'opera "Eugene Onegin" di P. Tchaikovsky e la parte di Mimi nell'opera "La Boheme" di G. Puccini. Nel 2005 è stata tirocinante solista della Compagnia d'Opera del Teatro Musicale Accademico di Mosca. K.S. Stanislavskij e V.I. Nemirovich-Danchenko. In questo teatro ha interpretato le parti di Lidochka nell'operetta "Mosca, Cheryomushki" di D. Shostakovich e la parte di Fiordiligi nell'opera "All Women Do This" di W. A. ​​​​Mozart. Nel 2005 al Bolshoi ha interpretato il ruolo di Natasha Rostova nella prima di Guerra e pace di S. Prokofiev (seconda versione), dopo di che ha ricevuto un invito al Teatro Bolshoi come membro permanente della compagnia d'opera. Il suo repertorio al Teatro Bolshoi comprendeva i seguenti ruoli: Natasha Rostova ("Guerra e pace" di S. Prokofiev) Tatiana ("Eugene Onegin" di P. Tchaikovsky) Liu ("Turandot" di G. Puccini) Mimi ("La Boheme " di G. Puccini) Mikaela ("Carmen" di G. Bizet) Iolanta ("Iolanta" di P. Tchaikovsky) Nel 2004 ha interpretato il ruolo di Lidochka nell'operetta "Mosca, Cheryomushki" all'Opera di Lione (direttore d'orchestra Alexander Lazarev ). Nel 2007, in Danimarca, ha partecipato all'esecuzione della cantata di Rachmaninov "The Bells" con l'Orchestra Sinfonica della Radio Nazionale Danese (direttore Alexander Vedernikov). Nel 2008 ha cantato la parte di Tatiana al Teatro dell'Opera di Cagliari (Italia, direttore Mikhail Yurovsky, regia di Moshe Leiser, Patrice Corrier, messa in scena del Teatro Mariinsky). Nel 2003 ha conseguito il diploma al Concorso Internazionale “Nuove Voci” di Gütersloh (Germania). Nel 2005 ha vinto il 3° Premio al Concorso Lirico Internazionale di Shizuoka (Giappone). Nel 2006 - III premio del Concorso Vocale Internazionale intitolato a. Francisco Viñas a Barcellona (Spagna), dove ha ricevuto anche un premio speciale come " Miglior interprete della Musica Russa", il Premio Sabadell degli Amici dell'Opera e il Premio dell'Associazione Musicale di Catania (Sicilia). Nel 2009, è diventata la vincitrice del concorso BBC Singer of the World a Cardiff, e le è stato anche assegnato lo Youth Grant del Triumph Premio.

Permiano teatro accademico Opera e balletto intitolati a P.I. Čajkovskij è uno dei teatri più antichi della Russia. Per più di un secolo della sua storia, il Teatro dell'Opera e del Balletto di Perm è rimasto invariabilmente il più grande centro musicale del paese, che ospita eventi creativi significativi. Nel teatro, spesso chiamato Casa Čajkovskij, sono state messe in scena tutte le opere teatrali del grande compositore. Il "fondo d'oro" del repertorio preserva con cura le opere classiche di Borodin, Mussorgsky, Rimsky-Korsakov. Il teatro restituisce al pubblico tele musicali immeritatamente dimenticate. Per la prima volta in Russia, al teatro sono state messe in scena le opere: “Foam of Days” di E. Denisov, “Cleopatra” di J. Massenet, “Lolita” di R. Shchedrin basata sul romanzo di V. Nabokov, “Alcina "di G.F. Handel, "Orfeo" di C. Monteverdi, "Cristo" di A. Rubinstein. La terza Mecca del balletto, dopo Mosca e San Pietroburgo, si chiama Perm, dove, oltre al corpo di balletto accademico, c'è una rinomata scuola coreografica. Dagli anni '70, il Balletto di Perm è nell'orbita dell'attenzione instancabile di un vasto pubblico. L'unità dello stile esecutivo dei solisti e del corpo di ballo è una caratteristica del collettivo. Il Balletto di Perm è forse l'unica compagnia presente Federazione Russa, che è composto interamente da diplomati di una scuola. Per più di un decennio, il palco degli Urali è stato una sorta di "trampolino di lancio" per molti artisti conosciuti ben oltre i confini della Russia. È iniziato il Teatro Perm biografia creativa tante "stelle di prima grandezza" della capitale e di altri grandi teatri del Paese e del mondo. I nomi di ballerini di fama mondiale - Galina Ragozina-Panova, Lyubov Kunakova, Nadezhda Pavlova, Olga Chenchikova, Marat Daukaev, Yuri Petukhov, Galina Shlyapina, Svetlana Smirnova - hanno glorificato il territorio di Perm. La partecipazione dei suoi cantanti lirici e ballerini a festival internazionali ha portato fama al Teatro di Perm. Il Teatro dell'Opera e del Balletto di Perm è il promotore e l'organizzatore del Concorso Aperto di Balletto Russo Arabesque e delle Stagioni di Diaghilev: Festival Internazionale delle Arti di Perm-Pietroburgo-Parigi. Gli spettacoli di opera e balletto del Teatro di Perm sono diventati più volte nominati e vincitori del Festival teatrale nazionale tutto russo "Maschera d'oro". I principali solisti del Teatro di Perm hanno visitato diversi continenti del mondo con spettacoli e programmi di concerti. Dal 1973, la troupe di Perm è entrata in pieno vigoreè stato in tournée in Austria, Italia, Jugoslavia, Bulgaria, Cecoslovacchia, Germania, Polonia, Belgio, Paesi Bassi, Australia e Nuova Zelanda, Giappone e Corea del Sud, Inghilterra, Irlanda, Olanda, Spagna, Cina, Stati Uniti. In Francia e Cuba, Cambogia e Canada, Tailandia ed Egitto, Nicaragua, India e Stati Uniti, ovunque gli artisti si siano esibiti, hanno ricevuto il plauso della critica e hanno trovato amici e fan fedeli. Il Teatro accademico dell'opera e del balletto di Perm è stato creato nel XIX secolo su iniziativa del pubblico della regione di Kama, con la partecipazione del circolo musicale amatoriale della città, che comprendeva la famosa famiglia Diaghilev. La data ufficiale di fondazione del teatro è il 24 novembre 1870. La prima rappresentazione è l'opera "Una vita per lo zar" di M. Glinka. “A Perm il teatro come istituzione esiste da molto tempo. All'inizio c'era un teatro in legno in via Obvinskaya, ma bruciò nel 1863. Successivamente fu costruito un teatro in legno, successivamente smantellato ... Per la prima volta, gli abitanti della città di Perm videro una buona troupe e, inoltre, un'opera nell'inverno 1879/80 nel teatro di pietra ancora incompiuto. La troupe era tenuta dal successivamente noto imprenditore P.P. Medvedev... Nel 1896 iniziò un'intera epoca nella storia del Teatro di Perm. Viene preso sotto la sua diretta cura dalle vocali della duma cittadina, che decidono di condurre affari teatrali a spese della città; per la gestione diretta del teatro viene scelta la direzione cittadina, che si occupa di invitare gli artisti. Si è deciso di sostenere la compagnia d'opera a spese della città. VS Verkholantsev Breve saggio storico e statistico "La città di Perm, il suo passato e il suo presente" 1913 La prima stagione "municipale" si aprì... con la produzione di "Aida". In totale, la direzione ha trascorso sei stagioni, di cui una era un dramma, una era un'opera e un dramma, il resto erano opere. Iniziavano a settembre e terminavano prima della Quaresima. Durante la stagione si sono svolte fino a cento o più rappresentazioni, il repertorio annuale comprendeva oltre trenta opere. Sono stati messi in scena principalmente classici russi: "Eugene Onegin", "La regina di picche", "Mazepa" di P. Tchaikovsky, "Il principe Igor" di A. Borodin, "Boris Godunov" di M. Mussorgsky, "Il demone" di A Rubinstein. Oltre a loro, ci sono ospiti così rari sul palcoscenico dell'opera moderna come "The Enemy Force" di A. Serov, "May Night" di N. Rimsky-Korsakov, "The Stone Guest" di A. Dargomyzhsky e altri. Dalla metà degli anni '90 del XIX secolo, Perm ha fatto conoscenza arte coreografica. Il 5 novembre 1896 ebbe luogo la rappresentazione del piccolo balletto di Zannenfeld "Il campo degli zingari ungheresi". Nel gennaio 1897, Il flauto magico di R. Drigo, poi La fata delle bambole di I. Bayer videro la luce sul palco di Perm... L'esistenza del teatro nei primi due decenni del XX secolo fu irregolare, ma l'opera continuò a vivere. Gli imprenditori hanno sostenuto l'interesse del pubblico per l'opera e il livello delle esibizioni affidandosi a cantanti di prima qualità. A. Nezhdanova, P. Petrova-Zvantseva, N. Figner, M. Maksakov, L. Sobinov e altri cantanti eccezionali si sono esibiti a Perm in diverse stagioni. Il 20 agosto 1921 aprì la prima dopo la guerra civile stagione teatrale. Nei manifesti: "Demon", "Faust", "Aida", "Eugene Onegin", "Boris Godunov", "Rigoletto", "Il barbiere di Siviglia". Entro la fine degli anni '20, Perm divenne uno di quei centri dell'arte operistica, dove vengono volentieri cantanti eccezionali e direttori d'orchestra di talento. Così nella stagione 1925/26, i Permiani ammirarono l'inimitabile Carmen F. Mukhtarova e la stagione successiva - Lensky I. Kozlovsky. Per tutta la primavera del 1929, S. Lemeshev fece parte dello staff del teatro. Nel 1925 fu fondato a Perm il primo studio teatrale, che iniziò a formare ballerini classici, nonché ballerini di teatro, coro e orchestra. Il 2 febbraio 1926, lo studio mise in scena il balletto di A. Adam "Giselle". Il 20 ottobre 1931 ebbe luogo la prima di Swan Lake (coreografo O. Chaplygin). Negli anni prebellici, la compagnia di balletto era guidata da coreografi di tendenze e scuole diverse. I balletomani di Perm ricordarono a lungo N. Goncharova, R. Minaeva, B. Korshunova, A. Bronsky, A. Ezersky e altri ballerini nelle esibizioni di quegli anni. Durante gli anni della guerra, uno sfollato si esibì a Perm sul palco del teatro Teatro di Leningrado opera e balletto Kirov. La troupe di Perm non ha smesso di lavorare nelle città della regione ... Perché l'ex teatro Mariinsky è finito a Perm, poi Molotov? ... L'idea è stata del direttore d'orchestra A. Pazovsky, che qui ha mosso i suoi primi passi nella grande arte... Autorità locali ha accolto questa proposta con comprensione. Gli abitanti di Leningrado hanno lavorato qui per tre inverni e due estati: un momento di storia cultura musicale una città considerevole... A Perm finì anche la scuola del balletto Mariinsky di fama mondiale, che successivamente contribuì alla creazione della Scuola coreografica di Perm... basato sul libro di M. Stepanov, Y. Silin “125 anni . Teatro accademico dell'opera e del balletto di Perm. PI. Čajkovskij” nel 1995. Nel 1931 il teatro di Perm fu nominato “2a Opera di Stato degli Urali”. Negli anni del dopoguerra, il principale principi creativi Teatro di Perm, stabilito da tutta la sua preistoria. Uno dei principi fondamentali è il rinnovamento del repertorio a scapito delle opere raramente rappresentate sul palco. La rinascita di ciò che non è familiare, dimenticato, per vari motivi non accettato dal palcoscenico russo è tipica di tutti i periodi della vita del teatro. Il Teatro di Perm ha aperto al pubblico le grandi opere di S. Prokofiev: nella stagione 1981-82. ha eseguito la versione in due serate dell'autore dell'opera "Guerra e pace" di S. Prokofiev e per la prima volta in URSS ha dato vita scenica all'opera "Fiery Angel" (1984). L'apertura di molti tagli dell'opera "Guerra e Pace" si è ampliata, ha ampliato la linea nazionale-patriottica dell'opera, la drammaturgia dell'insieme è diventata più armoniosa e logica, i caratteri di alcuni dei personaggi principali sono diventati più sfaccettati. Questa produzione è passata alla storia e ha ricevuto il Premio di Stato della Federazione Russa. MI Glinka. Un altro principio vita creativa teatro - lavoro sulle opere di compositori contemporanei. A Perm, hanno ricevuto un biglietto per la vita dell'opera Masquerade di D. Tolstoj e Le sorelle di D. Kabalevskij, i balletti Fiore di pietra» A. Fridlinder, “Bela” e “Grushenka” di B. Mashkov, “La Costa della Felicità” di A. Spadavecchia. Tra i principi creativi più interessanti del teatro c'è il tentativo di padroneggiare l'intero patrimonio di opera e balletto di P.I. Čajkovskij, originario della regione di Kama. Nel 1974, il Teatro accademico di Perm intitolato a P.I. Čajkovskij ha invitato i migliori solisti di molti teatri del paese e tutti i suoi spettatori al Primo Festival dell'Opera e del Balletto di Čajkovskij. Questa festa è stata ripetuta con successo nel 1983 e nel 1988. Il Teatro Perm è diventato una vera Casa Čajkovskij. "L'età d'oro" Balletto di Perm , generosamente donato da N. Boyarchikov (capo coreografo del teatro, allievo dei famosi coreografi russi F. Lopukhov e B. Fenster) agli spettatori degli anni '70, è diventato un'emozionante leggenda per le generazioni successive. Tra le sue produzioni ci sono diverse varietà di linguaggio visivo come "Il meraviglioso mandarino" di B. Bartok, "Tre carte", "Romeo e Giulietta", "Lo zar Boris" di S. Prokofiev, "Orfeo ed Euridice" di A. Zhurbin. N. Pavlova, O. Chenchikova, G. Shlyapina, M. Daukaev, L. Fominykh, R. Kuzmicheva, Yu. Petukhov, G. Sudakov, L. Shipulina, K. Shmorgoner, O. Levenkov, V. Dubrovin. Nel 1965, il Teatro dell'Opera e del Balletto di Perm prese il nome da P.I. Čajkovskij e nel 1969 lo status di teatro "accademico". I principi creativi formatisi negli anni del dopoguerra determinarono la strategia artistica del teatro nei difficili anni '90. Nel Teatro dell'Opera e del Balletto di Perm risuonavano opere rare per il palcoscenico russo: Lucia di Lammermoor di Donizetti, che non veniva messa in scena da molti decenni, V.-A. Mozart, L'olandese volante di R. Wagner, l'opera Kashchei the Deathless di N. Rimsky-Korsakov, che praticamente non sta accadendo nel paese. Nel 1996, come direttore principale del teatro, G. Isahakyan ha messo in scena l'opera originale "Three Faces of Love", che comprendeva opere in un atto "Master Pedro's Raek" di M. de Falla, "Breasts of Tiresias" di F. Poulenc e "Maddalena", la prima opera del ventenne S. Prokofiev, il cui linguaggio scenico determinò in gran parte l'immagine moderna "opera" di Perm. A Perm, per la prima volta, l'opera di Alexander Tchaikovsky Le tre sorelle Prozorov, basata su A.P. Chekhov, e il suo balletto in un atto La regina di picche, una parafrasi della musica di P. Tchaikovsky, hanno visto le luci della ribalta. Le produzioni congiunte con coreografi, registi e artisti americani provenienti da Germania, Spagna, Svizzera e altri paesi e continenti sono diventate una buona tradizione. "Peer Gynt" di E. Grieg è stato messo in scena dal coreografo americano Ben Stevenson, "Concerto barocco" di J.S. Bach è un dono della Fondazione G. Balanchine. La produzione russo-spagnola dell'opera Salome di R. Strauss divenne un evento notevole al Festival Internazionale di Madrid nell'autunno del 1995. L'opera russa Il gallo d'oro di N. Rimsky-Korsakov è stata messa in scena dal regista svizzero D. Kagi e dall'artista tedesco S. Pasterkamp. Per il 200° anniversario dell'A.S. Pushkin, è stato preparato un programma unico "Opera Pushkiniana". Il gruppo di registi che ha lavorato all'Opera Pushkiniana ha ricevuto nel 1999 il Premio di Stato russo nel campo della letteratura e dell'arte. Nell'ambito delle stagioni Diaghilev 2005, opere basate sulle trame di Piccole tragedie di A. S. Pushkin (" Cavaliere avaro", "L'ospite di pietra", "Mozart e Salieri", "Pri durante la peste") e "Boris Godunov", che componevano questo ciclo, sono andati avanti per un'intera giornata senza interruzioni. Nel 1990 si è tenuto il primo Concorso Open Arabesque Ballet, i cui direttori artistici erano Vladimir Vasiliev ed Ekaterina Maksimova. Da 20 anni, ogni due anni, ballerini provenienti da tutto il mondo si riuniscono a Perm per prendere parte a una competizione di balletto. Giovani cantanti da tutto il mondo hanno partecipato al Primo Concorso Internazionale per giovani cantanti d'opera, tenutosi a Perm nel 1993. Uno dei membri della giuria del concorso erano O. Borodina e D. Hvorostovsky, vincitori del Primo Concorso tutto russo per giovani cantanti lirici, tenutasi a Perm nel 1987. Nazionale premio teatrale La "Maschera d'oro" per il miglior ruolo femminile e maschile nel 1996 è stata assegnata a Tatyana Kuindzhi e Anzor Shomakhia - interpreti dei ruoli principali nella produzione di Perm dell'opera "Don Pasquale" di G. Donizetti. Nel 1998, questo prestigioso premio è stato ricevuto per la scenografia dell'opera teatrale La regina di picche. Oggi il teatro è diretto da: direttore artistico - detentore dell'Ordine dell'Amicizia, vincitore del Premio Teatrale Nazionale "Maschera d'Oro" Teodor Currentzis, direttore principale - Artista onorato della Russia, Artista popolare della Repubblica del Bashkortostan Valery Platonov, ospite principale direttore d'orchestra - Artista onorato della Russia, vincitore del Premio di Stato della Repubblica di Bielorussia, vincitore del Premio teatrale nazionale "Maschera d'oro" Alexander Anisimov, coreografo capo - Alexei Miroshnichenko, maestro del coro - Dmitry Batin, capo designer - Elena Solovieva. Famosi scenografi della Russia e del mondo collaborano con il teatro: Y. Ustinov, I. Akimova, V. Okunev, Y. Kharikov, A. Kozhenkova, E. Heydebrecht, Y. Cooper e molti altri. Il "fondo d'oro" del repertorio del teatro, come prima, sono i classici, le produzioni vengono costantemente aggiornate, preservando non il museo, ma il moderno forma d'arte. I classici russi sono rappresentati dalle opere di A. Borodin "Il principe Igor", "La sposa dello zar" di N. Rimsky-Korsakov, "La fanciulla di neve". Opere popolari di G. Verdi, V.A. Mozart, R. Leoncavallo. In collaborazione con la Fondazione George Balanchine, continua il progetto russo-americano a lungo termine "Coreografia di George Balanchine sul palco di Perm". Il pubblico di Perm ha anche conosciuto la coreografia del suo giovane contemporaneo, l'eccezionale coreografo americano Jerome Robbins. Nell'ambito del progetto culturale russo-americano "George Balanchine's Choreography on the Perm Stage", i balletti in un atto "Somnambula" di V. Rieti, "Donizetti Variations" (2001), "Ballet Imperial" sulla musica del Sono stati messi in scena il Secondo Concerto per pianoforte di P. Čajkovskij (2002), il Concerto Barocco sulla musica di un concerto per due violini e orchestra d'archi di I.S. Bach e "Serenade" sulla musica di "Serenade for String Orchestra" di P. Tchaikovsky "Ballet Imperial" nel 2004 è diventato il vincitore del festival "Golden Mask" come miglior spettacolo di balletto. Nel 2005, insieme alla società olandese Stardust, è stato realizzato il progetto unico "Il lago dei cigni più grandioso del mondo". A cavallo del millennio, il teatro conferma sempre più la sua autorità di pioniere, continuando e arricchendo le tradizioni del “moderno laboratorio operistico”. Nel 2001 ha avuto luogo la prima dell'opera "Cleopatra" di J. Massenet, che non è mai stata rappresentata in Russia ed è quasi sconosciuta nel mondo. Nel 2004, per la prima volta in Russia, a opera magica"Alcina" di G. F. Handel, la prima esperienza di esecuzione di un'opera antica al Teatro di Perm, ha aperto nuove sfaccettature agli straordinari solisti dell'opera. Nel 2007, nell'anno del 400 ° anniversario dell'opera "Orfeo" di C. Monteverdi, quest'opera è stata rappresentata sul palco di Perm. Secondo il critico moscovita Dmitry Morozov, “Georgy Isahakyan ha messo in scena, forse, la sua migliore interpretazione e ha fatto una vera svolta artistica. Orfeo non è solo la prima produzione del capolavoro di Monteverdi in Russia, ma anche il primo successo del nostro teatro sul campo dell'opera antica. ... "Orpheus" si è rivelata la performance musicale migliore e sicuramente più armoniosa dell'anno. Nell'ambito del festival Diaghilev Seasons 2007, l'opera di N. Sidelnikov The Chertogon è stata rappresentata per la prima volta al mondo, suscitando grande interesse tra gli ospiti del festival, i musicisti professionisti e la critica. Eventi significativi degli ultimi anni sono la rappresentazione a Mosca su invito del Teatro delle Nazioni degli spettacoli "Lolita" e "Cleopatra", l'esibizione sul famoso palco del Teatro Mariinsky con il programma di balletto di J. Balanchine. Nel 2004, la troupe d'opera si è esibita al festival di arte contemporanea "SAKRO ART" a Lokkum con la prima mondiale dell'opera di A. Shchetinsky "Il Bestiario". Lo spettacolo è stato presentato anche al Teatro delle Nazioni di Mosca e al festival teatrale a Jaroslavl'. Nella primavera del 2006 e del 2007, le rappresentazioni del Teatro di Perm - "Carmen" di J. Bizet, "L'usignolo" di I. Stravinsky, "Cenerentola, o il racconto di Cenerentola" di J. Massenet e "... con il nome della Sirenetta" di A. Dvorak - divennero nuovamente candidati per la Maschera d'Oro. Le esibizioni in tournée della troupe a Mosca e San Pietroburgo ricevono un grande riscontro. Partecipazione degli artisti di Perm al festival Stelle delle Notti Bianche sul palco del Teatro Mariinsky, a festival musicali"Le stagioni baltiche" a Kaliningrad, "Panorama dei teatri d'opera russi" a Omsk, "Crescendo" nella capitale, sul palco del Teatro Bolshoi russo, hanno accresciuto la gloria del teatro di Perm. Nel gennaio 2008, la tournée dell'Opera di Perm in America sul palco della famosa Carnegie Hall, che un tempo si apriva al suono di un'orchestra diretta da Pyotr Tchaikovsky, è stata un enorme successo. Ora il Teatro di Perm intitolato a P. I. Tchaikovsky ha presentato il concerto "Tchaikovsky conosciuto e sconosciuto" con arie e scene di opere del grande compositore come "La regina di picche", "Cherevichki", "La pulzella d'Orleans", "Eugene Onegin ", "Iolanta", "Oprichnik", "Ondine", "Incantatrice", "Mazepa". Le esibizioni della troupe di Perm hanno ricevuto un'accoglienza molto calorosa da parte dell'esigente pubblico newyorkese e hanno ricevuto un'ampia risposta dalla stampa americana. Perm ospita tradizionalmente il Concorso Arabesque Open di ballerini russi, diretto da Vladimir Vasiliev ed Ekaterina Maksimova. Nel 2003, sotto il patrocinio dell'UNESCO, si è tenuto il primo Festival Internazionale "Le stagioni di Diaghilev:" Perm - San Pietroburgo - Parigi ". Uno dei primi festival in Russia, unendo tipi diversi arte sotto il segno della creatività e dell'ispirazione. La prima première della 137a stagione è stata l'opera spirituale "Cristo" di A. Rubinstein (dir. Georgy Isahakyan), messa in scena per la prima volta sul palcoscenico russo. Nel febbraio 2009 ha avuto luogo la prima dell'opera "Otello" diretta da V. Petrov, che ha debuttato come regista di teatro musicale. La prima russa e mondiale dell'opera Un giorno nella vita di Ivan Denisovich, apparsa grazie alla collaborazione creativa di G. Isahakyan e del compositore A. Tchaikovsky e alla buona volontà di A. I. Solzhenitsyn, ha avuto luogo nell'ambito delle IV Stagioni di Diaghilev Festival. Questa produzione ha aperto all'arte operistica il tema del "campo", che prima era appena stato toccato. Alla fine di marzo si sono svolte le prime di due balletti moderni in un atto: Medea (coreografo Y. Possokhov) e Ring (coreografo A. Miroshnichenko). I balletti della coreografia classica di M. Fokine, uno dei leggendari coreografi delle Stagioni russe di Diaghilev, sono stati ripresi appositamente per Le Stagioni di Diaghilev: Danze Polovtsiane e il balletto in miniatura La Visione della Rosa. Sono state queste esibizioni che sono state presentate dagli artisti di Perm al Teatro Bolshoi in occasione della celebrazione del centenario delle Stagioni russe di Diaghilev, avvenuta il 30 maggio. Il Teatro dell'Opera e del Balletto di Perm ha preso parte al Festival del Teatro Nazionale "Golden Mask-2009" con lo spettacolo di balletto "Corsair" (coreografia di Marius Petipa, aggiornata dal regista di San Pietroburgo V. Medvedev) e l'opera "Orpheus" ( regista G. Isahakyan), presentato in anteprima nel novembre 2007. "Orfeo" ha ricevuto due Maschere d'Oro: per la migliore regia (regista G. Isahakyan) e per la migliore scenografia (scenografo Ernst Heydebrecht). Un anno dopo, il teatro ha preso parte al festival con lo spettacolo di balletto Medea (coreografo Yuri Posokhov) e l'opera One Day in the Life of Ivan Denisovich (direttore Georgy Isahakyan). Quest'ultimo ha ricevuto la "Maschera d'oro" nella nomination "Il miglior lavoro di un direttore d'orchestra", il premio è stato consegnato al direttore principale del teatro Valery Platonov. Fonte: sito ufficiale di Tetra

Il Teatro Mikhailovsky è un teatro dell'opera e del balletto di San Pietroburgo, situato in un edificio storico in Piazza delle Arti. Il Teatro Imperiale Mikhailovsky fu inaugurato nel 1833 con decreto dell'imperatore Nicola I. Il teatro deve il suo nome al Granduca Mikhail, il figlio più giovane di Paolo I: il Palazzo Mikhailovsky, situato in Piazza delle Arti, fungeva da residenza del Granduca, e il teatro divenne palcoscenico da camera, che riceveva ospiti di alto rango della famiglia imperiale e stretti collaboratori. L'edificio del teatro fu eretto secondo il progetto di A.P. Bryullov con la partecipazione di A.M. Gornostaev. L'architetto è riuscito a inserire organicamente la facciata nell'insieme della piazza creata da C. Rossi. Bryullov ha creato una scatola magica: il fatto che dietro una facciata modesta si nasconda un teatro può essere intuito solo dal tetto, dove dietro la cupola sopra l'auditorium è visibile un palco alto. All'interno è racchiuso tutto lo splendore del teatro imperiale: argenti e velluti, specchi e cristalli, dipinti e stucchi. Nel 1859, a seguito della ricostruzione secondo il progetto di A. Cavos, il palco fu ampliato e la sala fu ampliata di un ordine, gli interni del teatro furono integrati con pittoreschi plafoni, ricchi stucchi e figure di cariatidi, che adornano ancora oggi il portale sopra il proscenio. Prima della rivoluzione, il Teatro Mikhailovsky non aveva una troupe permanente, né un repertorio specifico. La troupe del Teatro Alexandrinsky si esibiva nei locali del teatro, artisti francesi e talvolta tedeschi erano costantemente in tournée. Tra le sue mura si tenevano anche spettacoli d'opera. Dopo la ricostruzione del 1859, i francesi compagnia teatrale. Le operette francesi, come quella di Offenbach, erano frequenti, ma le rappresentazioni di opere liriche erano rare e venivano organizzate principalmente dall'Opera Imperiale Russa (Teatro Mariinsky). L'eccezione avvenne alcuni anni a metà degli anni Novanta dell'Ottocento, quando i locali del Mariinsky furono chiusi per riparazioni e le opere sul palco Mikhailovsky furono rappresentate settimanalmente. Tra coloro che si sono esibiti sul palco del Teatro Mikhailovsky in diversi anni, si può notare l'orchestra diretta da Johann Strauss, Lucien Guitry, Matilda Kshesinskaya, Fyodor Chaliapin e la troupe di Sarah Bernhardt. COME. Pushkin, V.A. Zhukovsky, L.N. Tolstoj, P.I. Čajkovskij. Dal 1918 il teatro ha una compagnia permanente. Nel 20 ° secolo, nel teatro lavoravano personaggi della cultura conosciuti non solo in Russia, ma in tutto il mondo. Tra loro ci sono i direttori d'orchestra E. Grikurov e Y. Temirkanov; registi V. Meyerhold, B. Zon, N. Smolich, I. Shlepyanov; coreografi F. Lopukhov, J. Balanchine, Yu. Grigorovich, I. Chernyshev, N. Boyarchikov. Nel corso della sua storia, il teatro ha cambiato più volte nome. Teatro dell'Opera e del Balletto Maly - Leningrado e poi Pietroburgo. Dal 1989 il teatro è intitolato a M.P. Mussorgsky, e dal 2001 al teatro è stato restituito il suo nome storico: Teatro Mikhailovsky. Nel 2007 S.L. Gaudasinsky (Artista popolare russo, vincitore dei Premi di Stato della Russia, professore al Conservatorio) è stato sostituito dal noto uomo d'affari russo V.A. Kehman è il presidente del consiglio di amministrazione della società di importazione di frutta JFC. Kekhman ha anche dichiarato che lavorerà con S.L. Gaudasinsky, che resterà il direttore artistico del teatro. Dopo di che, però, introdusse le posizioni di direttori individuali per le compagnie d'opera e di balletto. La compagnia di balletto era guidata dal famoso ballerino russo Farukh Ruzimatov. Il direttore artistico della compagnia d'opera era Elena Obraztsova, che ha lasciato il suo incarico nel settembre 2008 per poi passare a lavorare come consigliere del direttore generale del Teatro Mikhailovsky su questioni artistiche: la cantante ha spiegato la sua decisione con il fitto programma di i suoi progetti creativi e le sue attività itineranti. Il direttore ospite principale del teatro era Daniele Rustioni. La compagnia di balletto del teatro, la cui prima tournée a Londra ha avuto luogo nel 2008, è stata nominata per il British Critics' Award nella sezione Miglior compagnia internazionale. Nel 2009 il maestro Peter Feranec è stato nominato Direttore Principale - direttore musicale teatro e Mikhail Messerer divenne il capo coreografo del teatro. Nell'ottobre 2009, Farukh Ruzimatov ha annunciato la ripresa della sua carriera da attore e ha lasciato l'incarico di direttore artistico della compagnia di balletto del teatro. Nel luglio 2010 è stato annunciato che dal 1 gennaio 2011 il coreografo spagnolo Nacho Duato sarà a capo della compagnia di balletto del teatro.

Il Teatro Carlo Felice è il principale teatro lirico di Genova, in Italia. Il teatro si trova nel centro della città, vicino a Piazza Ferrari ed è uno dei simboli della città: davanti al teatro è installato il monumento equestre a Giuseppe Garibaldi. La decisione di costruire un nuovo teatro d'opera a Genova fu presa nel 1824, quando divenne chiaro che i teatri cittadini esistenti non soddisfacevano le esigenze della città. Il nuovo teatro avrebbe dovuto stare nella stessa fila e competere con i migliori teatri d'opera d'Europa. Fu indetto un concorso di architettura, in cui fu scelto il progetto dell'edificio del teatro dell'opera dall'architetto locale Carlo Barbarino, poco dopo il famoso milanese Luigi Canonica, che aveva già partecipato a diversi grandi progetti- restauro della Scala, costruzione di teatri a Milano, Cremona, Brescia, ecc. Per il teatro fu scelto un luogo sul quale sorgevano l'ex convento domenicano e la chiesa di San Domenico. Questo complesso monastico, fin dal XIII secolo, era famoso per la sua grandiosità architettonica e preziose opere d'arte di decorazione d'interni. Alcuni sostengono che il monastero sia stato “sacrificato” al teatro, ma ciò non è vero. Ai tempi del “Regno d'Italia” di Napoleone, nel monastero si trovavano le caserme e i magazzini del suo esercito. Il complesso era molto fatiscente e nel 1821, secondo il piano di ricostruzione della città, fu completamente demolito e nel 1824 fu presa la decisione di costruire un teatro. La prima pietra del nuovo edificio fu posta il 19 marzo 1826. L'inaugurazione ebbe luogo il 7 aprile 1828, anche se la costruzione e la decorazione non erano del tutto finite. La prima opera sulla scena teatrale è stata "Bianca e Fernando" di Vincenzo Belinni. Il teatro è intitolato al duca Carlo Felice di Savoia, sovrano di Genova. La sala a cinque livelli poteva ospitare circa 2500 spettatori. Negli anni successivi il teatro fu restaurato più volte, nel 1852 fu installata l'illuminazione a gas, nel 1892 quella elettrica. Per quasi quarant'anni, a partire dal 1853, Giuseppe Verdi trascorse gli inverni a Genova e mise più volte in scena le sue opere al Teatro Carlo Felice. Nel 1892, dopo la ricostruzione per la celebrazione del 400° anniversario della scoperta dell'America da parte di Cristoforo Colombo (Genova contesta il diritto di essere considerata piccola patria Colombo), a Verdi fu chiesto di comporre un'opera adatta per questo evento e di metterla in scena in teatro, ma egli rifiutò, adducendo la sua età avanzata. Il teatro Carlo Felice fu costantemente aggiornato e rimase in buono stato fino alla seconda guerra mondiale. Il primo danno avvenne nel 1941, quando il tetto dell'edificio fu distrutto dai bombardamenti delle truppe alleate e il singolare dipinto del soffitto dell'auditorium fu gravemente danneggiato. Poi nell'agosto del 1943, dopo essere stati colpiti da una bomba incendiaria, i locali del backstage bruciarono, le scene e i camerini furono distrutti, ma l'incendio non colpì la sala principale, purtroppo in quel periodo il teatro soffrì maggiormente di ladri che rubarono molte cose preziose. Finalmente, nel settembre del 1944, dopo un bombardamento aereo, del teatro rimasero praticamente solo le mura. Il teatro, riparato frettolosamente, continuò la sua attività per tutto questo tempo e vi si esibì anche Maria Callas. I piani per un importante restauro dell'edificio teatrale iniziarono nel 1946. Nel 1951 fu selezionato un progetto sulla base di un concorso, ma non venne mai realizzato. Il teatro fu chiuso all'inizio degli anni '60 a causa del degrado. Nel 1963 il famoso architetto Carlo Scarpa fu incaricato di elaborare un progetto di ricostruzione, ma ritardò i lavori e il progetto fu pronto solo nel 1977, tuttavia, a causa della morte inaspettata dell'architetto nel 1978, il progetto fu interrotto. Il progetto successivo fu adottato nel 1984, Aldo Rossi fu scelto come architetto principale del nuovo teatro Carlo Felice. Il filo conduttore principale degli sviluppatori è stata la combinazione di storia e modernità. Sono state lasciate le pareti del vecchio teatro e la facciata con bassorilievi, così come alcuni elementi della decorazione interna, che sono riusciti ad inserirsi nei nuovi interni, tuttavia, per la maggior parte il teatro è stato ricostruito ex novo. Il 7 aprile 1987 fu posta la prima pietra del nuovo teatro. Dietro il vecchio teatro, è stato aggiunto un nuovo grattacielo che ospita palchi, controlli di piattaforme mobili, sale prove e camerini. L'auditorium stesso si trova nel teatro "vecchio", l'obiettivo degli architetti era ricreare l'atmosfera dell'antica piazza del teatro, quando gli spettacoli si tenevano in strada nel centro della città. Pertanto, sulle pareti dell'atrio sono state realizzate finestre e balconi, imitando le pareti esterne degli edifici, e il soffitto è punteggiato da un "cielo stellato". Il 18 ottobre 1991 si alzò finalmente il sipario del Teatro Carlo Felice, il primo spettacolo di apertura della stagione fu Il trovatore di Giuseppe Verdi. Il Teatro Carlo Felice è uno dei teatri d'opera più grandi d'Europa, con una capienza di 2000 posti nella sala principale.

Teatro Regio (Torino) Il Teatro Regio è un teatro d'opera di Torino. Uno dei teatri più antichi e prestigiosi d'Italia. Costruito nel 1740, distrutto da un incendio nel 1936 e ricostruito nel 1973. La stagione teatrale dura da ottobre a giugno con 8-9 opere e da 5 a 12 rappresentazioni ciascuna. Fino alla metà del XVIII secolo a Torino non esisteva un teatro d'opera specializzato, le rappresentazioni d'opera si tenevano in vari altri teatri o in spazi aperti. Nel 1713 il duca Vittorio Amedeo II di Savoia incaricò il celebre architetto Filippo Yuvara di progettare e costruire un nuovo grande teatro lirico nell'ambito di una trasformazione generale. centro storico Torino. Il suo intento però si realizzò solo nel 1738 quando il nuovo duca Carlo Emanuele III di Savoia decise di affidare la realizzazione di questo progetto all'architetto Benedetto Alfieri, con l'obbligo di progettare un teatro di grande prestigio. Il Teatro Regio di Torino fu costruito nel tempo record di due anni e inaugurato il 26 dicembre 1740. Era una lussuosa sala a cinque ordini per un totale di 2500 posti a sedere e ogni anno venivano composte due serie d'opera appositamente per il teatro. per l'apertura della stagione. Dal 1792 al 1798 il teatro rimase chiuso. Dopo la riapertura nel 1798 durante le guerre napoleoniche e l'occupazione francese di Torino, il teatro venne ribattezzato " Teatro Nazionale", poi al" Gran Teatro delle Arti "e nel 1804 al" Teatro Imperiale ". Il repertorio del teatro fu modificato e adattato ai gusti francesi. L'imperatore Napoleone lo visitò tre volte. Nel 1814, il teatro tornò in possesso dei Duchi di Savoia e riacquistò l'antico nome di "Teatro Reale". Nel 1870 divenne teatro municipale. E sebbene Torino non potesse competere in fama operistica con Milano, Venezia o Roma, tuttavia nel teatro lavorarono molti compositori famosi. Nel 1895-1898, il direttore principale del teatro era Arturo Toscanini, sotto la sua guida ebbero luogo diverse prime italiane di Richard Wagner. Nel 1905, il teatro fu ricostruito, il 4° e il 5° ordine furono rimossi e l'anfiteatro fu ampliato. Oltre a Toscanini e Wagner, altri importanti compositori lavorarono nel teatro: Giacomo Puccini e Richard Strauss tennero diverse prime delle loro opere al "Teatro Regio". Durante la prima guerra mondiale, il teatro fu chiuso per diversi anni e riaperto nel 1919. la notte tra l'8 e il 9 febbraio 1936, l'intero teatro, tranne la facciata, fu distrutto da un forte incendio, e ci vollero quasi quarant'anni per restaurarlo. Dopo l'incendio furono banditi diversi concorsi per il restauro del Teatro Regio. Nel 1965 l'amministrazione comunale affidò i lavori agli architetti Carlo Mollino e Marcello Zavelani Rossi. I lavori iniziarono all'inizio di settembre 1967 e furono completati all'inizio del 1973. Il nuovo Teatro Regio, con uno straordinario design moderno degli interni nascosto dietro una facciata storica, è stato inaugurato il 10 aprile 1973. Nuova sala dispone di 1750 posti. Il teatro svolge un ruolo importante nella moderna vita culturale di Torino, oltre alle opere e ai balletti, offre sedi per una vasta gamma di arti artistiche ed è il centro della vita artistica e culturale a Torino e non solo.

Il Teatro Mariinsky è un teatro d'opera e balletto a San Pietroburgo, Russia. Inaugurato nel 1860, un eccezionale teatro musicale russo. Sul suo palco si sono svolte le prime dei capolavori di Čajkovskij, Mussorgskij, Rimskij-Korsakov e molti altri compositori. Il Teatro Mariinsky ospita compagnie d'opera e di balletto e l'Orchestra Sinfonica del Teatro Mariinsky. Direttore artistico e direttore principale Valery Gergiev. Nel corso di più di due secoli della sua storia, il Teatro Mariinsky ha regalato al mondo molti grandi artisti: qui ha prestato servizio l'eccezionale basso, il fondatore della scuola d'opera russa, Osip Petrov, grandi cantanti come Fyodor Chaliapin, Ivan Ershov, Medea e Nikolai Figner hanno affinato le loro capacità e hanno raggiunto le vette della gloria. , Sofia Preobrazhenskaya. I ballerini brillavano sul palco: Matilda Kshesinskaya, Anna Pavlova, Vatslav Nijinsky, Galina Ulanova, Rudolf Nureyev, Mikhail Baryshnikov, George Balanchine hanno iniziato il suo viaggio nell'arte. Il teatro ha assistito al fiorire del talento di brillanti decoratori come Konstantin Korovin, Alexander Golovin, Alexander Benois, Simon Virsaladze, Fedor Fedorovsky. E molti, molti altri. È da tempo consuetudine che il Teatro Mariinsky tracci la sua discendenza, contando il secolo dal 1783, quando il 12 luglio fu emanato un decreto che approvava un comitato teatrale "per gestire spettacoli e musica", e il 5 ottobre il Teatro Bolshoi Kamenny in Piazza della Giostra è stato solennemente aperto. Il teatro ha dato un nuovo nome alla piazza: è sopravvissuto fino ad oggi come Teatralnaya. Costruito secondo il progetto di Antonio Rinaldi, il Teatro Bolshoi stupì l'immaginazione con le sue dimensioni, la maestosa architettura e un palcoscenico dotato delle ultime tecnologie teatrali dell'epoca. In occasione dell'inaugurazione è stata rappresentata l'opera Il Mondo della luna di Giovanni Paisiello. La troupe russa si è esibita qui alternativamente con quella italiana e francese, sono state messe in scena rappresentazioni drammatiche e sono stati organizzati anche concerti vocali e strumentali. Pietroburgo era in costruzione, il suo aspetto cambiava costantemente. Nel 1802-1803, Thomas de Thomon, brillante architetto e disegnatore, effettuò un'importante riorganizzazione della disposizione interna e della decorazione del teatro, modificandone notevolmente l'aspetto e le proporzioni. Con il suo nuovo aspetto cerimoniale e festoso, il Teatro Bolshoi divenne uno dei monumenti architettonici della capitale della Neva, insieme all'Ammiragliato, alla Borsa e alla Cattedrale di Kazan. Tuttavia, la notte del 1 gennaio 1811, scoppiò un enorme incendio al Teatro Bolshoi. Per due giorni la ricca decorazione interna del teatro perì nell'incendio e la sua facciata fu gravemente danneggiata. Thomas de Thomon, che elaborò un progetto per restaurare la sua amata idea, non visse abbastanza per vederne la realizzazione. Il 3 febbraio 1818, il Teatro Bolshoi riaperto riaprì con il prologo "Apollo e Pallade nel Nord" e il balletto "Zefiro e Flora" di Charles Didelot sulla musica del compositore Katarino Cavos. Ci stiamo avvicinando al "periodo d'oro" del Teatro Bolshoi. Il repertorio dell'era "post-incendio" comprende Il Flauto Magico, Il Ratto dal Serraglio, La Misericordia di Tito di Mozart. Il pubblico russo resta affascinato da Cenerentola, Semiramide, La gazza ladra, Il Barbiere di Siviglia di Rossini. Nel maggio 1824 ebbe luogo la prima di "Free Gunner" di Weber, un'opera che significò così tanto per la nascita del russo opera romantica . Vengono suonati vaudeville di Alyabyev e Verstovsky; una delle opere più amate e di repertorio è Ivan Susanin di Kavos, che durò fino alla comparsa dell'opera di Glinka sulla stessa trama. La figura leggendaria di Charles Didelot è associata alla nascita della fama mondiale del balletto russo. Fu durante questi anni che Pushkin frequentò il Bolshoi di San Pietroburgo, catturando il teatro in poesie immortali. Nel 1836, per migliorare l'acustica, l'architetto Alberto Cavos - figlio di un compositore e maestro di banda - sostituì il soffitto a cupola della sala del teatro con uno piatto, e sopra di esso furono collocati un laboratorio artistico e una sala per la decorazione. Alberto Cavos rimuove nell'auditorium le colonne che ostruivano la vista e falsavano l'acustica, dà alla sala la consueta forma a ferro di cavallo, ne aumenta la lunghezza e l'altezza, portando il numero degli spettatori a duemila. Il 27 novembre 1836, le rappresentazioni del teatro ricostruito ripresero con la prima rappresentazione dell'opera di Glinka Una vita per lo zar. Per caso, e forse non senza buone intenzioni, la prima di Ruslan e Lyudmila, la seconda opera di Glinka, ebbe luogo esattamente sei anni dopo, il 27 novembre 1842. Basterebbero queste due date perché il Teatro Bolshoi di San Pietroburgo entri per sempre nella storia della cultura russa. Ma, naturalmente, c'erano anche capolavori della musica europea: opere di Mozart, Rossini, Bellini, Donizetti, Verdi, Meyerbeer, Gounod, Aubert, Thomas ... Nel tempo, le esibizioni della compagnia d'opera russa furono trasferite sul palco del Teatro Alexandrinsky e del cosiddetto Teatro del Circo, situato di fronte al Bolshoi (dove continuavano le esibizioni della compagnia di balletto, così come l'opera italiana). Quando il Teatro del Circo bruciò nel 1859, al suo posto fu costruito un nuovo teatro dallo stesso architetto Alberto Cavos. Fu lui a ricevere il nome Mariinsky in onore dell'imperatrice regnante Maria Alexandrovna, moglie di Alessandro II. La prima stagione teatrale nel nuovo edificio si aprì il 2 ottobre 1860 con l'opera Una vita per lo zar di Glinka sotto la direzione del capobanda dell'Opera russa Konstantin Lyadov, padre del futuro famoso compositore Anatoly Lyadov. Il Teatro Mariinsky ha rafforzato e sviluppato le grandi tradizioni del primo palcoscenico musicale russo. Con l'avvento di Eduard Napravnik nel 1863, che sostituì Konstantin Lyadov come capobanda, iniziò un'era gloriosa nella storia del teatro. Il mezzo secolo donato da Napravnik al Teatro Mariinsky è stato caratterizzato dalle prime delle opere più significative della storia della musica russa. Per citarne solo alcuni: Boris Godunov di Mussorgsky, La serva di Pskov, La notte di maggio, La fanciulla di neve di Rimsky-Korsakov, Il principe Igor di Borodin, La pulzella d'Orleans, L'incantatrice, La dama di picche, Iolanthe » Čajkovskij, «Demone » Rubinstein, «Oresteya» Taneyev. All'inizio del XX secolo, il repertorio del Teatro dell'Opera di Wagner (tra cui la tetralogia "L'Anello dei Nibelunghi"), "Elettra" di Richard Strauss, "La leggenda della città invisibile di Kitezh" di Rimsky-Korsakov, "Khovanshchina" di Mussorgsky. Marius Petipa, che guidò la compagnia di balletto del teatro nel 1869, continuò le tradizioni dei suoi predecessori Jules Perrot e Arthur Saint-Leon. Petipa ha conservato con zelo spettacoli classici come Giselle, Esmeralda, Le Corsaire, sottoponendoli solo ad un attento montaggio. La Bayadère da lui messa in scena ha portato per la prima volta sul palcoscenico del balletto il respiro di una grande composizione coreografica, in cui "la danza è diventata come la musica". Il felice incontro tra Petipa e Čajkovskij, il quale sosteneva che “il balletto è la stessa sinfonia”, portò alla nascita de La Bella Addormentata, un vero e proprio poema musicale e coreografico. Nella comunità di Petipa e Lev Ivanov è nata la coreografia de Lo Schiaccianoci. Già dopo la morte di Čajkovskij, il Lago dei cigni ha trovato una seconda vita sul palco del Teatro Mariinsky - e ancora nella coreografia congiunta di Petipa e Ivanov. Petipa ha rafforzato la sua reputazione di coreografo e sinfonista mettendo in scena il balletto Raymonda di Glazunov. Le sue idee innovative furono raccolte dal giovane Mikhail Fokin, che mise in scena al Teatro Mariinsky il Padiglione Armida di Tcherepnin, Il cigno di Saint-Saëns, Chopiniana sulla musica di Chopin, nonché balletti creati a Parigi - Scheherazade sulla musica di Rimsky-Korsakov, L'uccello di fuoco e Petrushka di Stravinskij. Il Teatro Mariinsky è stato ricostruito più volte. Nel 1885, quando la maggior parte degli spettacoli furono trasferiti sul palco del Mariinsky prima della chiusura del Teatro Bolshoi, Viktor Schreter, l'architetto capo dei teatri imperiali, aggiunse un edificio a tre piani all'ala sinistra dell'edificio per il teatro. officine, sale prove, una centrale elettrica e un locale caldaia. Nel 1894, sotto la guida di Schroeter, le travi di legno furono sostituite con acciaio e cemento armato, furono costruite ali laterali e gli atri per gli spettatori furono ampliati. Anche la facciata principale fu ricostruita e acquisì forme monumentali. Nel 1886, gli spettacoli di balletto, che fino a quel momento avevano continuato ad essere messi in scena al Teatro Bolshoi Kamenny, furono trasferiti al Teatro Mariinsky. E sul sito di Bolshoy Kamenny fu eretto l'edificio del Conservatorio di San Pietroburgo. Con un decreto governativo del 9 novembre 1917, il Teatro Mariinsky fu dichiarato Teatro di Stato e trasferito sotto la giurisdizione del Commissariato popolare per l'Istruzione. Nel 1920 iniziò a chiamarsi Teatro accademico statale dell'opera e del balletto (GATOB) e dal 1935 prese il nome da S. M. Kirov. Insieme ai classici del secolo scorso, negli anni '20 e all'inizio degli anni '30 apparvero sul palcoscenico teatrale opere moderne: L'amore per le tre arance di Sergei Prokofiev, Wozzeck di Alban Berg, Salome e Der Rosenkavalier di Richard Strauss; nascono balletti che affermano una nuova direzione coreografica popolare da decenni, il cosiddetto balletto drammatico - Il papavero rosso di Reinhold Gliere, Le fiamme di Parigi e La fontana di Bakhchisarai di Boris Asafiev, Laurencia di Alexander Crane, Romeo e Giulietta di Sergei Prokofiev, ecc. L'ultima prima dell'opera prebellica del Teatro Kirov fu il Lohengrin di Wagner, la cui seconda rappresentazione terminò nella tarda sera del 21 giugno 1941, ma le rappresentazioni previste per il 24 e 27 giugno furono sostituite da Ivan Susanin. Durante la Grande Guerra Patriottica, il teatro fu evacuato a Perm, dove ebbero luogo le prime di numerosi spettacoli, inclusa la prima del balletto Gayane di Aram Khachaturian. Al ritorno a Leningrado, il teatro aprì la stagione il 1 settembre 1944 con l'opera Ivan Susanin di Glinka. Negli anni 50-70. il teatro ha messo in scena balletti famosi come Shurale di Farid Yarullin, Spartacus di Aram Khachaturian e I dodici di Boris Tishchenko con la coreografia di Leonid Yakobson, Il fiore di pietra di Sergei Prokofiev e Legend of Love di Arif Melikov con la coreografia di Yuri Grigorovich, La sinfonia di Leningrado di Dmitry Shostakovich nella coreografia di Igor Belsky, insieme alla messa in scena di nuovi balletti, i classici del balletto sono stati accuratamente preservati nel repertorio del teatro. Opere di Prokofiev, Dzerzhinsky, Shaporin, Khrennikov sono apparse nel repertorio operistico insieme a Čajkovskij, Rimsky-Korsakov, Mussorgsky, Verdi, Bizet. Nel 1968-1970. Secondo il progetto di Salome Gelfer fu eseguita una ricostruzione generale del teatro, a seguito della quale l'ala sinistra dell'edificio fu “allungata” e acquisì la forma attuale. Una tappa importante nella storia del teatro negli anni '80 è stata la produzione delle opere di Čajkovskij "Eugene Onegin" e "La regina di picche", realizzata da Yuri Temirkanov, che diresse il teatro nel 1976. In queste produzioni, che sono ancora conservate nel repertorio del teatro, si afferma una nuova generazione di artisti. Nel 1988 Valery Gergiev divenne il direttore principale del teatro. Il 16 gennaio 1992 il teatro fu restituito al suo splendore nome storico-Marinskij. E nel 2006, la troupe e l'orchestra del teatro hanno avuto a loro disposizione la sala da concerto costruita su iniziativa del direttore artistico del Teatro Mariinsky Valery Gergiev in via Dekabristov 37. Fonte: Teatro Mariinsky

Il Teatro Massimo (italiano: Il Teatro Massimo Vittorio Emanuele) è un teatro dell'opera a Palermo, in Italia. Il teatro è intitolato al re Vittorio Emanuele II. Tradotto dall'italiano, Massimo significa il più grande, il più grande: il complesso architettonico del teatro è il più grande tra gli edifici dei teatri d'opera in Italia e uno dei più grandi d'Europa. A Palermo, la seconda città più grande del Sud Italia, si parla da tempo della necessità di un teatro lirico in città. Nel 1864, il sindaco di Palermo, Antonio Rudini, bandì un concorso internazionale per la costruzione di un importante teatro lirico, che avrebbe dovuto abbellire l'aspetto della città e innalzare l'immagine della città alla luce della recente unità nazionale d'Italia. Nel 1968, a seguito di un concorso, venne selezionato un architetto molto noto in Sicilia, Giovanni Battista Filippo Basile. Per il nuovo teatro fu determinato un luogo sul quale si trovavano la chiesa e il monastero di San Giuliano, che, nonostante le proteste delle suore francescane, furono demoliti. Secondo la leggenda, "L'Ultima Madre Superiora" vaga ancora per le sale del teatro, e chi non crede in lei inciampa sempre su un gradino ("passo di suora") all'ingresso del teatro. La costruzione iniziò con una solenne cerimonia di posa della prima pietra il 12 gennaio 1875, ma progredì lentamente, con una costante mancanza di finanziamenti e scandali, nel 1882 fu congelata per otto anni e ripresa solo nel 1890. Nel 1891 morì l'architetto Giovanni Basile prima dell'inaugurazione del suo progetto, i lavori furono continuati dal figlio Ernesto Basile. Il 16 maggio 1897, 22 anni dopo l'inizio dei lavori, il teatro aprì le sue porte agli amanti dell'opera, la prima opera messa in scena sul suo palco fu il Falstaff di Giuseppe Verdi diretto da Leopoldo Mugnone. Giovani Basile si ispirò all'antica architettura siciliana e così il teatro fu costruito in stile neoclassico. stile semplice con elementi di antichi templi greci. La scalinata monumentale che conduce al teatro è ornata da leoni di bronzo che portano sul dorso statue di donne: le allegoriche "Opera" e "Tragedia". L'edificio è coronato da una grande cupola semicircolare. Rocco Lentini, Ettore de Maria Begler, Michele Kortegiani, Luigi di Giovanni hanno lavorato alla decorazione interna del teatro, progettata nello stile del tardo Rinascimento. Un ampio vestibolo conduce all'auditorium, la sala stessa è a forma di ferro di cavallo, un tempo era a 7 ordini e destinata a più di 3000 spettatori, ora con cinque ordini di palchi e un loggione può ospitare 1381 posti. Le prime stagioni hanno avuto molto successo. Grazie al più grande uomo d'affari e senatore Ignazio Florio, che sponsorizzò il teatro e cercò di fare di Palermo la capitale dell'opera, la città attirò molti ospiti, comprese le teste coronate, che visitavano costantemente il teatro. Al Teatro si sono esibiti direttori d'orchestra e cantanti di spicco, a cominciare da Enrico Caruso, Giacomo Puccini, Renata Tebaldi e tanti altri. Nel 1974 il Teatro Massimo fu chiuso per un restauro completo, ma a causa degli scandali di corruzione e dell'instabilità politica, il restauro fu ritardato di 23 anni. Il 12 maggio 1997, quattro giorni prima del centenario, il teatro fu riaperto con la rappresentazione della Seconda Sinfonia di G. Mahler, ma il restauro non era ancora del tutto completato e nel 1998 si tenne la prima rappresentazione dell'opera - "Aida" di Verdi, e la stagione lirica regolare è iniziata nel 1999.

L'Opera de Lille (Opera de Lille, Francia), fu costruita tra il 1907 e il 1913. e inaugurato ufficialmente nel 1923. Nel 1903, il vecchio edificio dell'Opera di Lille bruciò in un incendio. Concorso per miglior progetto Il nuovo teatro fu vinto dall'architetto Louis-Marie Cordonnier, ispirato all'architettura dell'Opéra Garnier di Parigi e ai teatri italiani. L'edificio dell'Opéra de Lille fu costruito in stile neoclassico. Il frontone raffigura il mecenate delle arti, Apollo, circondato da muse, le sculture sono realizzate da Hippolyte Lefebvre. A sinistra del gruppo c'è una rappresentazione allegorica della Musica di Amedeo Cordonnier, e a destra c'è la scultura "Tragedia" di Hector Lemaire. La scala interna è in opulento stile Luigi XIV. L'enorme sala "italiana" (una delle ultime costruite in Francia) può ospitare più di 1000 spettatori. All'inizio della Prima Guerra Mondiale, nel luglio 1914, l'edificio ancora incompiuto del teatro fu occupato dalle truppe tedesche. Durante i quattro anni di occupazione il teatro ospitò un centinaio di rappresentazioni. Dopo la guerra, l'edificio fu restaurato e nel 1923 vi ebbe luogo la "prima francese". Nel 1998, lo stato del teatro ha richiesto una chiusura straordinaria di metà stagione. La ristrutturazione è diventata progetto ambizioso per migliorare la funzionalità del teatro dell'opera. La ricostruzione è stata effettuata dagli architetti Patrice Nerink e Pierre-Louis Carlier. Questo progetto è stato completato alla fine del 2003 e nel 2004 è stata dichiarata Lille capitale culturale Europa.

Il Grand Theatre di Bordeaux (Grand Theatre de Bordeaux, Francia) fu inaugurato il 17 aprile 1780 con la prima dell'Afalia di Racine. L'edificio del teatro è stato costruito in Piazza della Commedia. Fu in questo teatro che il giovane Marius Petipa mise in scena alcuni dei suoi primi balletti. Il teatro fu progettato dall'architetto Victor Louis (1731-1800), vincitore del famoso Gran Premio di Roma. Louis progettò anche le gallerie che circondano i giardini del Palais Royal e il teatro Comédie-Française di Parigi. La costruzione dell'edificio del Gran Teatro di Bordeaux con una sala da 1000 posti ebbe luogo dal 1773 al 1780. Il Gran Teatro di Bordeaux è stato concepito come un tempio delle arti e della luce, con una facciata neoclassica dotata di un portico di 12 colossali colonne in stile corinzio che sostengono una trabeazione su cui si ergono 12 statue rappresentanti le nove muse e tre dee (Giunone, Venere e Minerva). L'altezza dell'edificio è di 88 metri. Nel 1871 il teatro fu per un breve periodo sede del Parlamento francese. L'interno del teatro è stato restaurato nel 1991, la sala è stata in gran parte rifatta, i colori originali del suo interno sono il blu, il bianco e l'oro. Le facciate dell'edificio sono state restaurate e dotate di illuminazione. Oggi il teatro ospita l'Opera Nazionale di Bordeaux e il Balletto Nazionale di Bordeaux. Ospita spesso anche concerti sinfonici eseguiti dall'Orchestra Nazionale di Bordeaux e d'Aquitania. Il Grand Théâtre de Bordeaux è considerato uno dei più bei teatri francesi.

Il Gran Teatro La Fenice ("Phoenix") (Gran Teatro La Fenice) è un teatro d'opera di Venezia, più volte distrutto da un incendio e ricostruito. Il teatro è la sede del Festival Internazionale di Musica Contemporanea. Il Teatro La Fenice fu costruito tra il 1790 e il 1792. Il nome "Phoenix" riflette il fatto che il teatro è "rinato dalle ceneri" due volte. Nel 1774 il principale teatro d'opera veneziano dell'epoca, il San Benedetto, fu raso al suolo. La società di gestione lo restaurò, ma perse in tribunale la controversia con il proprietario e perse nuovamente il teatro. Di conseguenza, la compagnia ha deciso di costruire il proprio nuovo teatro dell'opera. La costruzione iniziò nel giugno 1790 e fu completata nel maggio 1792. Il teatro venne denominato "La Fenice", a testimonianza della rinascita. Fu inaugurato il 16 maggio 1792 con l'opera di Paisiello I Giochi di Agrigentum. Il 13 dicembre 1836 il teatro fu distrutto da un incendio, ma subito restaurato secondo il modello originario, sotto la direzione degli architetti Tommaso e Giambattista Medun. Un anno dopo, nel 1837, il teatro riaprì i battenti. Nell'Ottocento la Fenice divenne sede delle prime di molte opere di importanti autori italiani, in particolare Gioacchino Rossini (Tancredi, 1813, Semiramide, 1823), Vincenzo Bellini (Capuleti e Montecchi, 1830, Beatrice di Tandi, 1833) . ) e Giuseppe Verdi (Ernani, 1843, Attila, 1846, Rigoletto, 1851, La Traviata, 1853, Simon Boccanegra, 1857). La prima di La Traviata è stata inizialmente fischiata dal pubblico a Phoenix. Nel 1930 la Biennale di Venezia diede vita al primo festival internazionale di musica contemporanea. Nel 1937 il teatro fu ricostruito su progetto di Eugenio Miozzo. Le prime eccezionali del 20 ° secolo furono le produzioni dell'opera The Rake's Progress di I. Stravinsky (1951) e The Turn of the Screw di B. Britten. Il 29 gennaio 1996 l'edificio del teatro fu nuovamente distrutto da un incendio, appiccato dall'elettricista Enrico Carella, che cercava di evitare penalità contrattuali per ritardi nei lavori. Con il sostegno dello Stato, il teatro è stato restaurato e inaugurato solennemente il 14 dicembre 2003. In apertura si sono esibiti il ​​coro e l'orchestra della Scala, diretti da Muti. Nel programma delle celebrazioni in occasione della rinascita della Fenice figuravano le migliori orchestre del mondo, tra cui l'Orchestra Filarmonica di San Pietroburgo diretta da Yuri Temirkanov, che ha eseguito opere di Čajkovskij e Stravinskij.

La Royal Opera House "Covent Garden" (Royal Opera House "Covent Garden") è un teatro a Londra, Regno Unito, che funge da sede per spettacoli di opera e balletto, palcoscenico della London Royal Opera e del London Royal Ballet. Si trova nella zona di Covent Garden, da cui ha preso il nome. Inizialmente, c'erano diverse compagnie indipendenti al Covent Garden, insieme a spettacoli drammatici, musicali e di balletto e venivano organizzati spettacoli circensi. Entro la metà del XVIII secolo, il posto principale sul palco del teatro era occupato da spettacoli musicali, e dal 1847 vengono messe in scena solo opere e balletti. Il moderno edificio del teatro è il terzo consecutivo, situato in questo sito. Fu costruito nel 1858 e ha subito una radicale ristrutturazione negli anni '90. La Royal Opera Hall può ospitare 2268 spettatori ed è composta da quattro livelli. La larghezza del boccascena è di 12,2 m, l'altezza è di 14,8 m. su iniziativa del regista e impresario John Rich e inaugurato il 7 dicembre 1732 con uno spettacolo basato sull'opera teatrale di William Congreve "Così fa il mondo" (Ing. The Way of il mondo). Prima dello spettacolo, gli attori sono entrati nel teatro in una solenne processione, portando Rich in braccio. Per quasi un secolo, il Covent Garden Theatre è stato uno dei due di Londra teatri di prosa, perché nel 1660, il re Carlo II consentì la messa in scena di spettacoli drammatici solo in due teatri (il secondo era il non meno famoso Drury Lane Theatre). Nel 1734, il primo balletto, Pigmalione, fu messo in scena al Covent Garden, con Marie Salle nel ruolo principale, che ballava, contrariamente alla tradizione, senza corsetto. Alla fine del 1734, l'opera cominciò ad essere rappresentata a Covent Garden - principalmente le opere di George Frideric Handel, l'ex direttore musicale del teatro: la sua prima opera, anche se pesantemente rivista, Il pastore fedele (italiano: Il pastor fido) fu messa in scena per prima, poi nel gennaio 1735 seguirono una nuova opera, Ariodant, e altre. Nel 1743 qui fu eseguito l'oratorio "Il Messia" di Handel, e in seguito l'esecuzione di oratori su temi religiosi durante la Grande Quaresima divenne una tradizione nel teatro. Qui sono state rappresentate per la prima volta le opere del compositore Thomas Arn e quelle di suo figlio. Nel 1808 il primo teatro di Covent Garden fu distrutto da un incendio. Il nuovo edificio teatrale fu eretto nei primi nove mesi del 1809 secondo il progetto di Robert Smork e inaugurato il 18 settembre con una rappresentazione di Macbeth. La direzione del teatro ha aumentato il prezzo dei biglietti per recuperare il costo del nuovo edificio, ma per due mesi il pubblico ha interrotto gli spettacoli con continue urla, applausi e fischi, a seguito dei quali la direzione del teatro è stata costretta a riportare i prezzi al livello precedente. Nella prima metà del XIX secolo, opere, balletti, produzioni drammatiche con la partecipazione degli eccezionali tragediografi Edmund Keane e Sarah Siddons, pantomime e persino clownerie (eseguite qui famoso clown Giuseppe Grimaldi). La situazione cambiò dopo che, nel 1846, a seguito di un conflitto all'Her Majesty's Theatre, la London Opera House, una parte significativa della sua compagnia, guidata dal direttore d'orchestra Michael Costa, si trasferì a Covent Garden; la sala fu ricostruita e il 6 aprile 1847 il teatro riaprì sotto il nome di Royal Italian Opera con una produzione dell'opera Semiramide di Rossini. Tuttavia, meno di nove anni dopo, il 5 marzo 1856, il teatro bruciò per la seconda volta. Il terzo teatro di Covent Garden fu costruito nel 1857-1858. progettato da Edward Middleton Barry e inaugurato il 15 maggio 1858 con una produzione di Les Huguenots di Meyerbeer. Durante la Prima Guerra Mondiale il teatro fu requisito e utilizzato come magazzino. Durante la seconda guerra mondiale l'edificio del teatro era dotato di una sala da ballo. Nel 1946, l'opera tornò tra le mura del Covent Garden: il 20 febbraio il teatro aprì con La bella addormentata nel bosco di Čajkovskij in una stravagante produzione di Oliver Messel. Allo stesso tempo iniziò la creazione di una compagnia d'opera, per la quale il Covent Garden Theatre sarebbe diventato un palcoscenico, il 14 gennaio 1947, la Covent Garden Opera Company (la futura Royal Opera House di Londra) presentò qui l'opera Carmen di Bizet .

Il Teatro accademico di opera e balletto di Samara è un teatro musicale a Samara, in Russia. Il Teatro accademico dell'opera e del balletto di Samara è uno dei più grandi teatri musicali russi. L'inaugurazione del teatro ebbe luogo il 1 giugno 1931 con l'opera Boris Godunov di Mussorgsky. All'inizio c'erano eccezionali musicisti russi: uno studente di Taneyev e Rimsky-Korsakov, il direttore d'orchestra e compositore Anton Eikhenvald, il direttore del Teatro Bolshoi Ariy Pazovsky, il famoso direttore d'orchestra russo Isidor Zak, il direttore del Teatro Bolshoi Iosif Lapitsky. Maestri come i direttori d'orchestra Savely Bergolts, Lev Ossovsky, il regista Boris Ryabikin, i cantanti Alexander Dolsky, l'artista popolare della SSR ucraina Nikolai Poludyonny, l'artista popolare russo Viktor Chernomortsev, l'artista popolare della RSFSR, futura solista del Teatro Bolshoi Natalya Shpiller, Larisa Boreiko e molti altri. La compagnia di balletto era guidata da Evgenia Lopukhova, solista del Teatro Mariinsky, partecipante alle leggendarie stagioni di Diaghilev a Parigi. Ha aperto una serie di brillanti coreografi di San Pietroburgo che in diversi anni hanno diretto il balletto Samara. I maestri di ballo del Teatro Samara erano la talentuosa coreografa, allieva di Agrippina Vaganova Natalya Danilova, la leggendaria ballerina di San Pietroburgo Alla Shelest, solista del Teatro Mariinsky Igor Chernyshev, artista popolare dell'URSS Nikita Dolgushin. Il teatro sta rapidamente guadagnando repertorio. Le produzioni degli anni '30 comprendevano classici dell'opera e del balletto: opere di Čajkovskij, Glinka, Rimsky-Korsakov, Borodin, Dargomyzhsky, Rossini, Verdi, Puccini, balletti di Čajkovskij, Minkus, Adana. grande attenzione, secondo le esigenze dell'epoca, il teatro si dedica anche al repertorio moderno. Nel periodo prebellico, le opere La steppa di A. Eikhenwald, Tanya di Kreitner, La bisbetica domata di Shebalin e altre furono messe in scena per la prima volta nel paese. Nei suoi manifesti sono presenti decine di titoli, dai classici del '700. (“Medea” di Cherubini, “Il matrimonio segreto” di Cimarosa) e opere poco eseguite di compositori russi del XIX secolo. ("Servilia" di Rimsky-Korsakov, "L'Incantatrice" di Čajkovskij, "L'Elka" di Rebikov) all'avanguardia europea del XX secolo. (“Il Nano” di von Zemlinsky, “Le nozze” di Stravinskij, “Arlekino” di Busoni). Una pagina speciale nella vita del teatro è la co-creazione con autori domestici moderni. Gli eccezionali compositori russi Sergei Slonimsky e Andrei Eshpay, Tikhon Khrennikov e Andrei Petrov hanno affidato le loro opere al nostro palco. La prima mondiale dell'opera Visions of Ivan il Terribile di Slonimsky, eseguita dal grande musicista del XX secolo Mstislav Rostropovich in collaborazione con l'eccezionale regista Robert Sturua e l'artista Georgy Aleksi-Meskhishvili, è stato un evento significativo ben oltre la vita culturale di Samara. All'inizio della Grande Guerra Patriottica, la situazione culturale della città stava cambiando radicalmente. Nell’ottobre 1941 il Teatro Bolshoi di Stato dell’URSS fu evacuato a Kuibyshev/Samara (“capitale di riserva”). L'iniziativa artistica passa ai più grandi maestri della scena lirica e di balletto sovietica. Per il 1941-1943 Il Teatro Bolshoi ha mostrato 14 opere e balletti a Samara. Cantanti di fama mondiale Ivan Kozlovsky, Maxim Mikhailov, Mark Reizen, Valeria Barsova, Natalya Shpiller, la ballerina Olga Lepeshinskaya si sono esibiti sul palco di Samara, diretti da Samosud, Fire, Melik-Pashaev. Fino all'estate del 1943, il collettivo del Teatro Bolshoi visse e lavorò a Kuibyshev. In segno di gratitudine per l'aiuto dei residenti locali in questo momento difficile, i suoi artisti vennero sul Volga più di una volta dopo la guerra con le loro nuove opere, così come con il repertorio storico in tempo di guerra. Nel 2005, in commemorazione del 60° anniversario della Vittoria nella Grande Guerra Patriottica, lo staff del Teatro Bolshoi russo ha offerto al pubblico di Samara nuovo incontro con la tua arte. Le esibizioni e i concerti del tour (il balletto di Shostakovich "The Bright Stream", l'opera di Mussorgsky "Boris Godunov", la grande Sinfonia della Vittoria - la Settima Sinfonia di Shostakovich, un concerto di una banda di ottoni e solisti d'opera) furono un successo trionfante. Come ha osservato il direttore generale del Teatro Bolshoi russo A. Iksanov: “Per l'intero staff del Teatro Bolshoi, queste visite guidate sono un'altra opportunità per esprimere la loro profonda gratitudine alla gente di Samara per il fatto che il Teatro Bolshoi ha trovato una seconda casa qui nel tempo di guerra più difficile”. L'apice della vita musicale di Samara nel XX secolo, un evento davvero storico, è stata l'esecuzione della Settima Sinfonia ("Leningrado") di Dmitri Shostakovich sul palco del Teatro dell'Opera di Samara. La grande opera, che riflette i tragici eventi del tempo di guerra, trasmettendo tutta la grandezza dell'impresa dei soldati sovietici, fu completata dal compositore nel dicembre 1941 durante l'evacuazione di Samara ed eseguita dall'Orchestra del Teatro Bolshoi sotto la direzione di Samuil Samosud a marzo 5, 1942. Il teatro vive una vita intensa. La ricostruzione è in fase di completamento, nuovi nomi compaiono sul poster, cantanti e ballerini vincono prestigiosi concorsi internazionali e tutta russi, nuove forze creative si stanno riversando nella troupe. La squadra teatrale può essere orgogliosa della concentrazione di individui creativi talentuosi e brillanti. Gli artisti onorati della Russia Mikhail Gubsky e Vasily Svyatkin sono solisti non solo al Teatro Samara, ma anche al Teatro Bolshoi della Russia e al Teatro dell'Opera Novaya di Mosca. Anatoly Nevdakh prende parte alle rappresentazioni del Teatro Bolshoi, Andrey Antonov si esibisce con successo sui palcoscenici dei teatri russi e stranieri. Il livello della compagnia d'opera è dimostrato anche dalla presenza di un gran numero di cantanti "titolati": 5 artisti popolari, 8 artisti onorati, 10 vincitori di premi internazionali e competizioni tutte russe. Ci sono molti giovani di talento nella troupe, con i quali la vecchia generazione di artisti condivide volentieri i segreti della maestria. Dal 2008, la compagnia di balletto del teatro ha alzato significativamente il livello. La troupe teatrale era guidata dall'artista onorato della Russia Kirill Shmorgoner, che per lungo tempo aveva onorato la compagnia di balletto del Teatro di Perm. K. Shmorgoner ha invitato a teatro un folto gruppo di suoi studenti, diplomati di una delle migliori istituzioni educative del paese: la Scuola coreografica di Perm. I giovani ballerini Ekaterina Pervushina e Viktor Malygin sono diventati vincitori del prestigioso concorso internazionale Arabesque, un intero gruppo di ballerini di Samara si è esibito con successo al festival tutto russo Giochi delfici. Negli ultimi anni il teatro ha ospitato diverse prime che hanno riscosso un grande riscontro di pubblico: le opere "Mozart e Salieri" di Rimsky-Korsakov, "Mavra" di Stravinskij, "La serva" di Pergolesi, "Eugene Onegin" di Čajkovskij, "Rigoletto" di Verdi, "Madama Butterfly" di Puccini, cantata coreografica "Le nozze" di Stravinsky, balletto di Hertel "Vain Precaution". Il teatro collabora attivamente a queste produzioni con i maestri di Mosca del Teatro Bolshoi, dell'Opera Novaya e di altri teatri in Russia. Molta attenzione è riservata alla messa in scena di fiabe musicali per bambini. Sul palco del concerto si esibiscono anche artisti dell'opera e del balletto. Tra i percorsi di tournée del teatro ci sono Bulgaria, Germania, Italia, Spagna, Cina, città russe. L'intensa pratica itinerante del teatro ha permesso di conoscere le ultime opere e gli abitanti della regione di Samara. Una pagina luminosa nella vita del teatro sono i festival. Tra questi ci sono il Festival del balletto classico Alla Shelest, festival internazionale"Basso del XXI secolo", "Cinque sere a Togliatti", festival d'arte lirica "Primavera di Samara". Grazie alle iniziative del festival del teatro, il pubblico di Samara ha potuto conoscere l'arte di dozzine dei più grandi maestri dell'opera e del balletto nazionali e stranieri. I piani creativi del teatro comprendono le produzioni dell'opera "Il principe Igor", i balletti "Don Chisciotte", "La bella addormentata". Entro l'80 ° anniversario, il teatro prevede di mostrare l'opera Boris Godunov di Mussorgsky, tornando così alle radici in una nuova fase del suo sviluppo storico. Un imponente edificio grigio si erge sulla piazza centrale della città - secondo gli storici dell'arte, "un grandioso monumento del tardo" stile pilonade "a cui si aggiungono i classici brutali", "un vivido esempio dell'architettura degli anni '30". Gli autori del progetto sono gli architetti di Leningrado N.A. Trotsky e N.D. Katseleneggbogen, che nel 1935 vinse il concorso per la realizzazione del Palazzo della Cultura. Il teatro era situato nella parte centrale dell'edificio. Nell'ala sinistra per qualche tempo c'era una biblioteca regionale, nell'ala destra - scuola sportiva e un museo d'arte. Nel 2006 è iniziata la ricostruzione dell'edificio, che ha comportato lo sgombero della scuola sportiva e del museo. Nel 2010, stagione dell'anniversario del teatro, la ricostruzione è stata completata.

Ecco un elenco di 10 compositori che dovresti conoscere. Si può dire con certezza di ciascuno di essi che è il più grande compositore che sia mai esistito, anche se in realtà è impossibile, e anzi impossibile, confrontare la musica scritta nel corso di diversi secoli. Tuttavia, tutti questi compositori si distinguono tra i loro contemporanei come compositori che hanno composto musica di altissimo livello e che hanno cercato di spingere i confini della musica classica verso nuovi limiti. L'elenco non contiene alcun ordine, ad esempio importanza o preferenza personale. Semplicemente 10 grandi compositori che dovresti conoscere.

Ogni compositore è accompagnato da un fatto citabile della sua vita, ricordandolo sembrerai un esperto. E cliccando sul link ai nomi, scoprirai la sua biografia completa. E, naturalmente, puoi ascoltare una delle opere significative di ogni maestro.

La figura più importante della musica classica mondiale. Uno dei compositori più eseguiti e rispettati al mondo. Ha lavorato in tutti i generi esistenti al suo tempo, tra cui l'opera, il balletto, la musica per spettacoli drammatici e le composizioni corali. Le opere strumentali sono considerate le più significative della sua eredità: sonate per pianoforte, violino e violoncello, concerti per pianoforte e violino, quartetti, ouverture, sinfonie. Il fondatore del periodo romantico nella musica classica.

Fatto interessante.

Beethoven volle per primo dedicare la sua terza sinfonia (1804) a Napoleone, il compositore rimase affascinato dalla personalità di quest'uomo, che a molti all'inizio del suo regno sembrava un vero eroe. Ma quando Napoleone si proclamò imperatore, Beethoven cancellò la sua dedica sul frontespizio e scrisse solo una parola: "Eroico".

"Sonata al chiaro di luna" di L. Beethoven, Ascoltare:

2. (1685-1750)

Compositore e organista tedesco, rappresentante dell'epoca barocca. Uno di i più grandi compositori nella storia della musica. Durante la sua vita Bach scrisse più di 1000 opere. Nella sua opera sono rappresentati tutti i generi significativi dell'epoca, ad eccezione dell'opera; ha riassunto le conquiste dell'arte musicale del periodo barocco. Antenato della più famosa dinastia musicale.

Fatto interessante.

Durante la sua vita Bach fu così sottovalutato che furono pubblicate meno di una dozzina delle sue opere.

Toccata e fuga in re minore di J.S. Bach, Ascoltare:

3. (1756-1791)

Il grande compositore, strumentista e direttore d'orchestra austriaco, rappresentante della Scuola Classica di Vienna, virtuoso violinista, clavicembalista, organista, direttore d'orchestra, possedeva un fenomenale orecchio per la musica, memoria e capacità di improvvisare. Come compositore che ha eccelso in ogni genere, è giustamente considerato uno dei più grandi compositori della storia della musica classica.

Fatto interessante.

Ancora bambino, Mozart memorizzò e trascrisse il Miserere (cat. canto sul testo del 50° Salmo di David) dell'italiano Grigorio Allegri, dopo averlo ascoltato una sola volta.

"Piccola serenata notturna" di W. A. ​​Mozart, Ascoltare:

4. (1813-1883)

Compositore, direttore d'orchestra, drammaturgo, filosofo tedesco. Ha avuto un impatto significativo su Cultura europea fine dei secoli XIX-XX, in particolare il modernismo. Le opere di Wagner stupiscono per la loro grandiosità e i loro eterni valori umani.

Fatto interessante.

Wagner prese parte alla fallita rivoluzione del 1848-1849 in Germania e fu costretto a nascondersi dall'arresto di Franz Liszt.

"Cavalcata delle Valchirie" dall'opera "Valchiria" di R. Wagner, Ascoltare

5. (1840-1893)

compositore italiano, figura centrale Scuola d'opera italiana. Verdi aveva il senso della scena, un temperamento e un'abilità impeccabile. Non ha negato le tradizioni dell'opera (a differenza di Wagner), ma piuttosto le ha sviluppate (le tradizioni dell'opera italiana), ha trasformato l'opera italiana, l'ha riempita di realismo, le ha dato l'unità del tutto.

Fatto interessante.

Verdi era un nazionalista italiano e fu eletto al primo parlamento italiano nel 1860, dopo l'indipendenza dell'Italia dall'Austria.

Ouverture dall'opera di D.Verdi "La Traviata", Ascoltare:

7. Igor Fëdorovich Stravinskij (1882-1971)

Compositore, direttore d'orchestra, pianista russo (americano - dopo l'emigrazione). Uno dei compositori più importanti del Novecento. Il lavoro di Stravinskij è stato unito nel corso della sua carriera, anche se in periodi diversi lo stile delle sue opere era diverso, ma sono rimaste il nucleo e le radici russe, che si sono manifestate in tutte le sue opere, è considerato uno dei principali innovatori del 20 ° secolo. Il suo uso innovativo del ritmo e dell'armonia ha ispirato e continua a ispirare molti musicisti, e non solo nella musica classica.

Fatto interessante.

Durante la prima guerra mondiale, i doganieri romani sequestrarono un ritratto di Stravinskij di Pablo Picasso mentre il compositore lasciava l'Italia. Il ritratto è stato dipinto in modo futuristico e i doganieri hanno scambiato questi cerchi e linee per una sorta di materiale segreto crittografato.

Suite dal balletto "L'uccello di fuoco" di I.F. Stravinskij Ascoltare:

8. Johann Strauss (1825-1899)

Compositore austriaco musica leggera, direttore d'orchestra e violinista. "King of Waltzes", ha lavorato nel genere della musica da ballo e dell'operetta. Il suo patrimonio musicale comprende più di 500 valzer, polke, danze di piazza e altri tipi di musica da ballo, oltre a numerose operette e balletti. Grazie a lui il valzer divenne estremamente popolare a Vienna nel XIX secolo.

Fatto interessante.

Anche il padre di Johann Strauss è Johann ed è anche un famoso musicista, quindi il "re dei valzer" è chiamato il minore o figlio, anche i suoi fratelli Joseph ed Eduard erano famosi compositori.

Valzer di I. Strauss "Sul bel Danubio blu", Ascoltare:

9. Sergei Vasilyevich Rahmaninov (1873-1943)

Compositore austriaco, uno dei eminenti rappresentanti Scuola di musica classica viennese e uno dei fondatori del romanticismo in musica. Per me vita breve Schubert ha dato contributi significativi all'orchestra, alla camera e musica per pianoforte che influenzò un'intera generazione di compositori. Tuttavia, il suo contributo più sorprendente fu lo sviluppo dei romanzi tedeschi, di cui creò più di 600.

Fatto interessante.

Gli amici e i colleghi musicisti di Schubert si riunivano e suonavano la musica di Schubert. Questi incontri furono chiamati "Schubertiads" (Schubertiads). Alcuni primi fan club!

"Ave Maria" di F. P. Schubert, Ascoltare:

Continuando il tema dei grandi compositori che dovreste conoscere, nuovo materiale.

"Opera "Boris Godunov"" - Atteggiamento nei confronti della personalità di Boris Godunov. Monologo di Boris. Musorgskij. Il passato è nel presente. Russia. Chaliapin nel ruolo di Boris Godunov. Scena nella Cattedrale di San Basilio. Scena con rintocchi. Cenere fredda. Tentativo di identità. Figura dello zar Boris. Boris. Interpretazione della personalità di Boris Godunov. Atteggiamento.

"Opera" Sadko "" - Il potere dell'arte. Il compositore è un narratore. Meraviglie d'oltremare o meraviglie del mondo sottomarino. L'opera epica "Sadko" di Rimsky-Korsakov. Ogni ospite elogia il suo paese. L'opera "Sadko" è un capolavoro della musica classica russa. Gli autori di "Sadko". Il miracolo dell'opera. Scene dall'opera Sadko. Nell'opera "Sadko", come in ogni fiaba, ci sono molti miracoli.

"Opera cinese" - Severità. Ferocia. Riferimenti ad eroi mitici. Esistono diverse teorie sull'origine del trucco. Magnifico comandante. Arte. Blu e verde. Facce bianche. Prestazione. Tipo di trucco. Storia del trucco. Il trucco nell'opera cinese.

"Opera Prince Igor" - Negli anni '60 dell'Ottocento. Pietroburgo era impegnata in attività scientifiche, pedagogiche e sociali. A.P. Borodin. I. Glazunov "Due principi". Cesare Antonovich Cui. Mily Alekseevich Balakirev. Nel 1856 si laureò all'Accademia medico-chirurgica. Dal 1858 dottore in medicina. A causa del pesante carico di lavoro scientifico e pedagogico, Borodin scrisse lentamente.

"L'opera è un genere musicale" - Un genere di arte musicale. Scene dell'opera - epica "Sadko". L'opera Orfeo di Claudio Monteverdi. "Moulin Rouge". Musica lirica. "Teatro dell'Opera Mariinskii". Teatro dell'Opera San Carlo di Napoli. Opera – Bylina “Sadko” N.A. Rimsky – Korsakov. Operetta. "Carnegie-Hall". Palcoscenico del Teatro Bolshoi. Opera "Il Barbiere di Siviglia" di Gioachinno Rossini.

"Opera Snow Maiden" - Domanda 2. Sulla base di quale opera letteraria è stata creata l'opera "Snow Maiden"? 1. in russo racconto popolare 2. basato sulla fiaba di A. Ostrovsky 3. basato sulla fiaba di A.S. Puškin. Domanda 7. Quale strumento dell'orchestra sinfonica imita il suono del corno del pastore di Lel nell'opera? 1. flauto 2. clarinetto 3. tromba. Opera "Snegurochka" (prova).

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