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La tecnica del belcanto fu coltivata da molti compositori, tra cui Alessandro Scarlatti, Giovanni Battista Pergolesi, George Frideric Handel e Johann Adolf Hasse. In molti solfeggi di Scarlatti basta aggiungere del testo per trasformarli in arie, e viceversa.

Nei primi decenni dell'Ottocento gli aspetti estetici e stilistici del belcanto verranno progressivamente abbandonati fino a scomparire quasi del tutto intorno alla metà dell'Ottocento (le ultime tracce di questo aspetto del belcanto si trovano in primi lavori GiuseppeVerdi).

Ma per l'aspetto tecnico-vocale la situazione è diversa. Il bel canto italiano, essendo una tecnica di produzione fisiologica naturale libera del suono, idealmente sintonizzato dal punto di vista acustico, rappresenta l'essenza del canto, è stata la direzione principale delle più grandi scuole e cantanti fino agli anni '30. Enrico Caruso, Aureliano Pertile, Giacomo Lauri-Volpi, Beniamino Gigli e Tito Schipa sono i suoi artisti più rappresentanti famosi. La loro tecnica vocale può essere considerata a pieno titolo belcantistica. Più precisamente, stiamo parlando di una tecnica che lavora profondamente con la natura della voce e rende possibile la sintesi degli opposti: tenerezza del suono e potenza, penetrante e rotondità, brillantezza e morbidezza, legato fluido e accento drammatico, declamazione e flessibilità della voce. suono.

Dall'inizio degli anni '30 del XX secolo iniziarono a diffondersi in Italia nuove tecniche basate su altri principi, contribuendo così al declino del belcanto italiano.

Fasi dello sviluppo del Belcanto

• la nascita dell'opera italiana (C. Monteverdi);
• l'ascesa della “scuola napoletana” (Alessandro Scarlatti);
• periodo attività creativa V. Bellini e G. Donizetti;
• creatività di G. Verdi
• Scuola verista (Puccini, Leoncavallo, Mascagni, ecc.)

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Appunti

Letteratura

• Antonio Juvarra, "I segreti del belcanto. Storia delle tecniche e dei metodi vocali dal "700 ai nostri giorni", Curci, 2006
• Matilde Marchesi, Bel Canto: un metodo vocale teorico e pratico, Dover, 1970 - ISBN 0-486-22315-9
• James A. Stark Bel Canto, University of Toronto Press, 2003 - ISBN 0-8020-8614-4
• Leonardo Ciampa Il crepuscolo del Belcanto, Casa d'Autore, 2ª ed. 2005 - ISBN 1-4184-5956-9
• Cornelius L. Reid, Bel Canto: principi e pratiche, Casa musicale di Joseph Patelson, 1950 - ISBN 0-915282-01-1
• Morozov V.P. L'arte del canto sonoro. Fondamenti di teoria e tecnologia della risonanza. - M.: MGK, Centro "Arte e Scienza", 2008. - 596 p.

Collegamenti

Estratto che descrive il Bel Canto

Entrò silenziosamente nella stanza. La principessa, grassoccia, dalle guance rosee, con il lavoro tra le mani, sedeva su una poltrona e parlava incessantemente, ripercorrendo ricordi di Pietroburgo e persino frasi. Il principe Andrei si avvicinò, le accarezzò la testa e le chiese se si fosse riposata dalla strada. Lei rispose e continuò la stessa conversazione.
Sei dei passeggini erano davanti all'ingresso. Fuori era una buia notte autunnale. Il cocchiere non vide il palo della carrozza. Sotto il portico si affaccendavano persone con le lanterne. L'enorme casa bruciava di luci grandi finestre. La sala era gremita di cortigiani che volevano salutare il giovane principe; Nell'ingresso c'erano tutti i domestici: Mikhail Ivanovich, m lle Bourienne, la principessa Marya e la principessa.
Il principe Andrej fu chiamato nell'ufficio di suo padre, che volle salutarlo in privato. Tutti aspettavano che uscissero.
Quando il principe Andrej entrò nell'ufficio, il vecchio principe, con gli occhiali da vecchio e la sua veste bianca, nella quale non riceveva nessuno tranne suo figlio, era seduto al tavolo e scriveva. Si guardò indietro.
-Stai andando? - E ricominciò a scrivere.
- Sono venuto a salutarti.
"Bacia qui", mostrò la guancia, "grazie, grazie!"
- Per cosa mi ringrazi?
"Non ti aggrappi alla gonna di una donna per non essere in ritardo." Il servizio viene prima di tutto. Grazie grazie! - E continuò a scrivere, tanto che gli schizzi volavano dalla penna scoppiettante. - Se devi dire qualcosa, dillo. Posso fare queste due cose insieme”, ha aggiunto.
- A proposito di mia moglie... mi vergogno già di lasciartela tra le tue braccia...
- Perché menti? Dì quello di cui hai bisogno.
- Quando tua moglie arriva il momento di partorire, manda a Mosca a chiamare un ostetrico... In modo che sia qui.
Il vecchio principe si fermò e, come se non capisse, fissò suo figlio con occhi severi.
"So che nessuno può aiutare a meno che la natura non aiuti", ha detto il principe Andrei, apparentemente imbarazzato. – Sono d’accordo che su un milione di casi uno è sfortunato, ma questa è la sua e la mia immaginazione. Glielo hanno detto, l'ha visto in sogno e ha paura.
“Hm... hm...” si disse il vecchio principe continuando a scrivere. - Lo farò.
Tirò fuori la firma, all'improvviso si voltò rapidamente verso suo figlio e rise.
- È brutto, eh?
- Cosa c'è che non va, padre?
- Moglie! – disse brevemente e significativamente il vecchio principe.
"Non capisco", disse il principe Andrei.
"Non c'è niente da fare, amico mio", disse il principe, "sono tutti così, tu non ti sposerai." Non avere paura; Non lo dirò a nessuno; e lo sai tu stesso.
Gli afferrò la mano con la manina ossuta, la strinse, guardò dritto in faccia il figlio con i suoi occhi veloci, che sembravano vedere attraverso l'uomo, e rise di nuovo con la sua risata fredda.
Il figlio sospirò, ammettendo con questo sospiro che suo padre lo capiva. Il vecchio, continuando a piegare e stampare lettere, con la sua solita velocità, afferrò e lanciò ceralacca, sigillo e carta.
- Cosa fare? Bellissimo! Farò tutto. "Stai in pace", disse all'improvviso mentre scriveva.
Andrei rimase in silenzio: era allo stesso tempo contento e spiacevole che suo padre lo capisse. Il vecchio si alzò e consegnò la lettera a suo figlio.
“Senti”, mi ha detto, “non preoccuparti per tua moglie: quello che si può fare, sarà fatto”. Ora ascolta: consegna la lettera a Mikhail Ilarionovich. ti scrivo per dirtelo buoni posti l'ho usato e non l'ho tenuto a lungo come aiutante: una brutta posizione! Digli che mi ricordo di lui e lo amo. Sì, scrivi come ti riceverà. Se sei bravo, servi. Il figlio di Nikolai Andreich Bolkonsky non servirà nessuno per pietà. Bene, ora vieni qui.
Parlò in modo così rapido che non finì metà delle parole, ma suo figlio si abituò a capirlo. Condusse suo figlio al comò, sollevò il coperchio, aprì il cassetto e tirò fuori un taccuino coperto dalla sua calligrafia ampia, lunga e condensata.
"Devo morire prima di te." Sappi che i miei appunti sono qui, per essere consegnati all'Imperatore dopo la mia morte. Ora ecco un biglietto di pegno e una lettera: questo è un premio per chi scrive la storia delle guerre di Suvorov. Invia all'Accademia. Ecco le mie osservazioni, dopo che avrò letto tu stesso, troverai beneficio.
Andrei non disse a suo padre che probabilmente sarebbe vissuto a lungo. Capì che non c'era bisogno di dirlo.
"Farò tutto, padre", ha detto.
- Bene, adesso arrivederci! “Si lasciò baciare la mano da suo figlio e lo abbracciò. "Ricorda una cosa, principe Andrej: se ti uccidono, farà del male al mio vecchio..." Tacque improvvisamente e all'improvviso continuò ad alta voce: "e se scopro che non ti sei comportato come il figlio di Nikolai Bolkonsky, mi vergognerò...!” – strillò.
“Non devi dirmelo, padre”, disse il figlio sorridendo.
Il vecchio tacque.
“Volevo anche chiedervi”, continuò il principe Andrej, “se mi uccidono e se ho un figlio, non lasciatelo andare da voi, come vi ho detto ieri, affinché possa crescere con voi... Per favore."
- Non dovrei darlo a mia moglie? - disse il vecchio e rise.
Rimasero in silenzio uno di fronte all'altro. Gli occhi vivaci del vecchio erano fissi direttamente negli occhi di suo figlio. Qualcosa tremò nella parte inferiore del volto del vecchio principe.

Quaderno di un insegnante-cantante: sui cantanti, tecnica del belcanto, problemi di pedagogia vocale.

DALLA STORIA DELL'ARTE VOCALE

Il primo libro di testo sul canto solista fu pubblicato all'Accademia di Parigi nel 1803. Il metodo di insegnamento è stato formato sulla base dell'antica scuola bolognese dei secoli XVII-XVIII. Una vocale conveniente era la A. Si credeva che le voci basse maschili e femminili avessero due registri: petto e testa; quelle femminili acute hanno tre registri (petto, medio e testa).

Professore di canto solista al Conservatorio di Parigi (1842-1850) J. Dupre promuove un altro metodo di formazione dei cantanti, che si baserà su un suono coperto. Vocale comoda - W. Dupre introduce l'idea della necessità di formare un registro misto e un registro superiore coperto. Dupre fu chiamato un riformatore. Dupre in seguito sottolineò l'abbassamento della laringe per una voce dal suono migliore; allo stesso tempo, il concetto di tre registri e voci basse: maschio e femmina. Dupre chiamò il registro superiore registro principale. La costruzione della voce inizia dal centro. Ha introdotto il concetto di voce “di testa”.

Anche M. Garcia (figlio), professore all'Accademia di Parigi (1840-1850), divide tutte le voci in tre registri: petto, falsetto (innaturale) e testa. Garcia consiglia di impostare voci minuscole e non voci di conversazione. La scuola Garcia è scientifica. Garcia non oppone il suo metodo alla scuola Dupré o alla pratica della scuola italiana, ma cerca di dare spiegazione scientifica tutti fenomeni legati alla costruzione della voce e al suo controllo. Da saggio scienziato, il professor Garcia non chiude le questioni sulla voce con il suo metodo, ma invita a risolvere i problemi attraverso la fisica e la biologia.

Ma ci sono anche altri insegnanti i cui metodi differiscono da quelli generalmente riconosciuti in Italia.

I metodi di I. Corradetti e Masetti hanno direzioni comuni: molte vocalizzazioni ed esercizi complessi. Corradetti dice che la “vecchia” scuola si distingueva per una gola ben allenata”. La gola del cantante era come uno strumento, perché quella era la musica. Era necessario un lungo periodo di formazione, a partire dall'età di 15 anni o addirittura da prima infanzia(per castrati). Ciò ha creato una gola molto speciale per i soprani, i virtuosi della voce. Era una ginnastica straordinaria per la laringe, ma secondo noi c'era poca arte. Ciò ha portato al declino del canto.

Gli studenti cantano molte vocalizzazioni, caratterizzate da un sistema tonale complesso e da un suono dissonante. Tutto questo è molto più difficile sia per l'udito che per il canto, il tono e il suono, poiché devono essere cantati non in modo accademico, ma in modo diverso. Ci sono studenti eccellenti che non sanno fare questa musica... Dopotutto, brevi canti o vocalizzazioni sono una cosa, melodie vere e dettagliate con parole sono un'altra. Due anni di preparazione non sono sufficienti per questo.

M. Garcia ha formato cantanti per il palcoscenico in un anno!

“Le vocalizzazioni sono materiale essenziale per lo sviluppo delle abilità tecniche vocali”, scrive Mazetti a proposito del suo metodo. Masetti considerava il suono vocale A il più conveniente. Dopo la A si passa alla O e alla E. Gli esercizi vocali di Mazetti sono complessi e non sempre logici. Perché confondere la tua voce con i vocalizzi se le opere avranno un suono completamente diverso? Si scopre quindi che il metodo sia di Coradetti che di Masetti è un'eco della vecchia scuola. Poiché le tesi di Masetti differivano da quelle di Garcia, che escludeva lo studio delle vocalizzazioni, i metodi di Masetti e Coradetti furono piuttosto individuali. L'atteggiamento dell'esperta insegnante sovietica Blagovidova (Odessa) nei confronti dei vocalizzi è indicativo. Dapprima li trasformò in opere, poi cominciò a usarli sempre meno.

"La base del canto classico è il canto coperto", ha scritto Dupre in metà del 19 secolo.

"La vocale principale è U", concordava con lui Garcia. “Abbiamo sempre cantato così!” hanno dichiarato i maggiori maestri italiani.

Queste indicazioni non hanno toccato il Maestro A. Budi (Bologna), maestro di Mazetti. Per quattro anni (!) Mazetti ha cantato vocalizzazioni ed è stato uno dei migliori studenti di A. Budi. In realtà non ha intrapreso la carriera di cantante, è stato musicista, pianista, compositore... Tuttavia, è stato invitato a insegnare al Conservatorio di Mosca. Le magnifiche cantanti russe A. Nezhdanova e N. Obukhova sono considerate allieve di Mazetti. Ma il merito di Mazetti per lo sviluppo delle loro capacità vocali, considerato quanto sopra, è altamente dubbio.

A quei tempi i cantanti avevano diversi insegnanti. L'insegnante il cui metodo ebbe più successo gettò le basi per la voce.

Maria Callas nell'aria di Lauretta ha aperto sia G che LA al centro, ma oltre: le note B e C non suonavano. Per questo è stata molto criticata dal suo insegnante Hidalgo. Dove è sottile, è lì che si rompe. Devi conoscere questi luoghi sottili.

Trasmissione su Sutherland

Il cantante fu subito notato da un bravo musicista e regista, la sposò e le dedicò la vita. L'ha formata per essere un'eccellente cantante di bel canto: coloratura drammatica e lirica.

Opera “Cenerentola” di G. Rossini, Italia, Pesaro

Cenerentola - Sonia Panassi, mezzo. Durante l'esecuzione della Cavatina nel registro, il soprano muove intensamente i muscoli facciali. (Berganza canta questa Cavatina, come per scherzo.) Clorinda - Ekaterina Morozova, cantante russa della provincia. A Mosca si è diplomata al conservatorio, ha lavorato in " Nuova Opera", cantava la Regina della Notte; Al Bolshoi ha interpretato Violetta ed è andata all'estero. Il principe in questa produzione è stato cantato da Juan Diego Floris, un tenore lirico.

"M. Callas ha dimostrato che Violetta può essere cantata da una sola voce, e non da due diverse nel primo e nel quarto atto." (Critico musicale)

È difficile rispondere a affermazioni così assurde da parte di critici uomini, perché non si può biasimarli per non aver potuto verificarlo con la propria voce.

Nel 19° secolo, i compositori lavoravano alle opere consultandosi con cantanti e cantanti.

Herbert von Karajan, il regista (marito della cantante Elisabeth Schwarzkopf), ammirava la Callas, ed Elisabeth non voleva cantare le parti eseguite dalla Callas. Herbert von Karajan sapeva “seguire la voce”, cosa così necessaria per i cantanti.

In Italia non è consuetudine parlare di tecniche del belcanto. La tecnica del bel canto lo è Tesoro nazionale, mistero.

La prima registrazione di Gioconda fece scalpore: era impossibile credere che una cantante con una voce così profonda e drammatica potesse cantare Lucia.

I critici sono sorpresi, ma tu ed io cantanti sappiamo che qui non c'è nulla di cui stupirsi: questo è normale!

Nella performance berlinese, M. Callas canta sempre con la voce di una “bambina” con un suono aperto e slanciato. Non “aperto”, ma dal suono leggero e questo è normale!

Ma, sfortunatamente, i critici hanno trovato in questo suono uno "stato indebolito" della voce del cantante, e non l'adempimento del compito di recitazione, e hanno sentito i primi segni di sbiadimento della voce.

Ebbene, cosa si concedono questi critici? Cosa capiscono delle voci femminili?

Mario del Monaco ha cantato con la Callas in Norma. Si è lamentato del signor Callas che lo ha picchiato e allontanato dal pubblico.

Tali eccentricità sono perdonabili nei tenori lirici, ma Mario del Monaco, tenore drammatico, è quasi un baritono. Non solido!

Libro di Jurgen Kesting “Maria Callas”

Il libro non parla solo di Callas, riguarda i musicisti, i cantanti.

“Ha insistito per cantare tutto, e lo ha fatto. Oggi quasi tutti i cantanti cercano di seguire le sue orme, ma sfortunatamente senza successo”. (Renata Tebaldi su Maria Callas.)

“Il signor Callas fu un riformatore nell'arte del canto”, Lauri-Volpi.

Ha incorporato nella sua tecnica tutte le conquiste del XIX secolo, il secolo del bel canto.

M. Garcia ha scritto: “Studia biologia e fisiologia per comprendere le voci”.

Ma le persone amano fantasticare così tanto e non vedono ciò che è ovvio, e tendono a vedere ciò che non esiste e non può esistere. Ogni cantante ha il suo destino.

Soprano drammatico - Nina Fomina, solista del Teatro Bolshoi, ha cantato Norma con una voce spessa, e Oksana di Cherevichki - brillante, tenera, lirica,

Puccini aveva interesse per "l'immenso dolore delle piccole anime".

Guarda dentro e rimani inorridito.

L'esecuzione della musica verista non è apprezzata (in Italia) tanto quanto la musica e la tecnica di esecuzione della musica di Rossini, Donizetti, Bellini e Verdi.

Nel registro superiore ci sono (note) sonorità graduali e ci sono note di “decollo”. Questo deve essere preso in considerazione. Quindi il mezzosoprano va a Sol-La, e “decolla” a Do, perché Anche il “movimento” nella voce è importante (secondo Garcia).

Dupre, Barr e Garcia hanno la “copertura”. "Abbiamo sempre cantato così (in U)" - l'opinione degli insegnanti italiani.

Cantare "con un sorriso" viene utilizzato per contrarre attivamente i muscoli quadrati del viso, ma la posizione principale per la guida vocale è verticale, "quando sono orizzontali, i muscoli si stancano", come notò una volta Barra. Questo fatto non si trova nella nostra letteratura.

La copertura non è solo una tecnica, ma un modo di cantare classico (secondo Dupre). La copertina è "otto dalle labbra - 8" (secondo Barra), se la bocca verticale è 0, e non "un berretto in cima", come credeva un insegnante domestico.

Problema: come bilanciare la posizione alta della voce e la posizione bassa della laringe?

La risposta è la mobilità. E una posizione alta non è costantemente alta, viene immediatamente corretta; e la posizione della laringe non è sempre bassa: cambia. Ma spesso viene presentato dagli insegnanti come se la posizione alta del suono e la posizione bassa della laringe non dovessero cambiare. Il controllo vocale avviene in una frazione di secondo.

W. Mozart (XVIII secolo) fu un compositore di stile strumentale, ma era anche molto interessato alla nuova direzione stilistica della musica vocale. Lui, come i suoi contemporanei, ha sviluppato un nuovo stile. G. Rossini (nel XIX secolo) scrisse “Cavatina Figaro” nello stile dell'”Aria con Champagne” di Don Giovanni. È così che il genio di Mozart fece il suo ingresso nel XIX secolo. Nella musica operistica di Mozart siamo lieti di trovare arie scritte in stile belcantistico!

Masterclass con Renata Scotto.

Il primo aspirante cantante aveva un'intonazione strisciante. R. Scotto ha provato a raddrizzare la voce, ma è stato inutile: insieme alla melodia discendente, anche la voce della cantante è “scivolata” verso il basso. La grande cantante Renata Scotto abbandonò la lezione e ritornò tristemente al suo posto. Ben presto R. Scotto fu invitato di nuovo a trovarci. Una ragazza dalla voce profonda cantava un pezzo di belcanto, ma in uno stile strano. R. Scotto ha detto con un'espressione triste sul viso: "Non hai la tecnica di canto di base per eseguire un pezzo di belcanto così complesso".

I problemi in natura si risolvono a livello fisico. Questo è ciò che dicono gli scienziati. M. Garcia è quindi arrivato al nocciolo del problema, spiegando la scuola vocale italiana dal punto di vista della fisica, perché l'uomo è parte della natura.

Ma è difficile capire la scuola Garcia, perché... a molti cantanti non piacciono: la fisica, la biologia, l'algebra, ma piace davvero fantasticare da zero.

"Le arie di Farlaf, Gorislava, Lyudmila sono state scritte da Glinka come se fossero semplici, ma in realtà si è scoperto che erano molto difficili da cantare liberamente e naturalmente", - Irina Arkhipova.

C'è un problema qui, ma ecco la mia opinione. L'aria di Farlaf è puro bel canto ("patter" - secondo Rossini), l'aria di Gorislava è canto italiano rigorosamente verticale. Ma la Cavatina di Lyudmila (così come la Cavatina di Antonida) sono scritte nello stile strumentale della vecchia scuola. Pertanto, solo i soprani di coloratura leggera possono gestire questi ruoli con il minor rischio di indebolire la loro voce.

Anche l'aria della fanciulla di neve "Camminando per le bacche con gli amici" di N. Rimsky-Korsakov, come l'aria della principessa del cigno, richiede un'esecuzione rigorosamente verticale. I giovani cantanti di solito non sanno cosa fare con i requisiti di una buona dizione e procedono distorcendo l'intonazione, ad es. deterioramento del suono della voce.

“Maria Guleghina - mezzosoprano (?) (Conservatorio di Odessa) si è dichiarata soprano al concorso Čajkovskij e ha cantato arie per mezzosoprano; e nella Cavatina Rosina ha inserito cadenze di soprano, cosa non consentita dalle norme del concorso. (Dalle notizie culturali.)

Infatti Maria Guleghina è un soprano drammatico.

“Da dove hai preso questa vecchia scuola veneziana? Dove hai preso questa scuola di recitazione napoletana?» - hanno posto domande a Irina Arkhipova in Italia.

In Italia forse non conoscono la nostra storia culturale, ma dobbiamo ricordarla!

In una discussione sulla scuola vocale russa, in risposta alle aspre critiche, il cantante P. ha detto: "Sì, siamo diversi".

PI Čajkovskij, come altri compositori russi del XIX secolo, scrisse musica corretta per cantanti, come era consuetudine in Europa. Gli insegnanti italiani lavoravano nei conservatori russi e i cantanti venivano addestrati al corretto controllo della voce.

La scuola italiana in Russia - insegnanti e cantanti del XIX-XX secolo.

Insegnanti: K. Everardi (allievo di M. Garcia), Polina Viardot-Garcia, A. Dodonov, Usatov (allievo di Everardi), Druzhinina (allievo di Viardot), Kondaurova, Rebrikov, Shatrova...

Cantanti: D. Smirnov, N. Khanaev, S. Lemeshev, F. Shalyapin, I. Tartakov, F. Stravinsky, M. Bocharov, G. Nisson-Saloman, Pavlovsky, Slavina, Deisha-Sionitskaya, Bragina, Zarudnaya, Baturin, Noreika, Preobrazhenskaya.

Questa non è una lista completa!

Nel registro inferiore il soprano drammatico ha tre toni. Anche il tenore drammatico ha tre toni, ne ha scritto Enrico Caruso. Possiamo parlare a lungo della tavolozza dei colori delle voci classiche. Ti consiglio di ascoltare con più attenzione e studiare le registrazioni di grandi cantanti. Puoi discutere a lungo su qualsiasi argomento e non trovare la verità. E tutte le verità sono nella scuola di fisica Garcia. Abbiamo materiale teorico, ma nessuna descrizione pratica. È vero, c'è una descrizione della scuola napoletana nei materiali di L.B. Dmitriev e B.M. Lushin. Queste sono scuole molto vicine.

Un soprano leggero è la “voce di una bambina” (in termini di timbro) e se parliamo di voce di un uomo, allora “la voce di un ragazzo o di un giovane” (ma non stiamo parlando di falsetto). Queste voci giovani vivono sia separatamente che all'interno di ciascuna voce più consolidata. Che trucco! Ed è anche importante preservare e amare questa voce giovane, perché la bellezza e il volume della tua voce spessa dipendono dalla sonorità di quella piccola. La principale insegnante sovietica Blagovidova (Odessa) non ha nemmeno la metodologia per costruire questa voce leggera e acuta.

Il successo per un cantante quando un soprano drammatico si sviluppa da una voce grossa (mezzo), è più difficile quando da un soprano. Storicamente, molti ruoli per soprani in Russia Tempo sovietico eseguito con voci lirico-coloratura. Pertanto, molte persone percepiscono la parola "soprano" come una voce femminile leggera. In Italia, la voce “soprano” è spesso un soprano drammatico, viene ascoltata come un mezzosoprano acuto e tutte le parti delle opere sono sempre state scritte per queste voci.

I russi hanno cantato magnificamente canzoni folk FI Chaliapin. È un miracolo quanto fossero belle le canzoni russe eseguite da S.Ya. Lemeshev e N.A. Obukhova! E poi, possedevano tutti una scuola italiana!

I giovani cantanti si sono rivolti a N.A. Obukhova: “Quando ci insegnerai a cantare così, Nadezhda Andreevna? “Oh, che astuzia! - rispose ridendo. "Voglio cantare anche io!" E cantò fino alla fine dei suoi giorni. Ha capito che la scuola del belcanto è molto difficile e, se ti impegni in attività didattiche, devi immergerti completamente in questo lavoro. (Dalle memorie di E.M. Shatrova.)

L'aria di Michaela era spesso cantata da soprani lirici. Qui c'è un problema serio per un soprano grosso: il Do acuto cade sulla vocale non vocale Mi. L'esecuzione dell'aria di Michaela con testo russo può provocare una temporanea perdita della voce.

La “Scena Elvira” dell'“Ernani” di G. Verdi è pericolosa per un grande soprano se il cantante non padroneggia una tecnica speciale della scuola italiana. Questa tecnica è utilizzata ne La Traviata e in altre opere.

Quando risolvi un frammento vocale complesso, devi scegliere una soluzione al problema. Non esiste sempre una sola soluzione.

Kurt Honolka - "Grandi dive".

Prima Donna era il nome della principale solista del teatro napoletano degli inizi del XVIII secolo.

Diva assoluta - canta di tutto, in tutti gli stili.

Maria Callas - diva del 20 ° secolo.

L'originale ha sempre più valore della copia. Ma in arte vocale Non esiste e non può esserci una copia pura, quindi è molto utile per un cantante ascoltare le registrazioni di grandi cantanti, imparando così la voce da loro. Ma solo con voci affini nel tipo!

DALLA STORIA DELLO SVILUPPO DELL'ARTE VOCALE

"Dafne" di Jacopo Peri - la prima opera (1597).

Il padre del famoso scienziato G. Galileo era famoso musicista. Kurt Honolka scrive di lui.

Il credo di Galileo: la parola è l'assoluta maestra dell'armonia. È così che è nata l'arte vocale solista. Si trattava di una sfida aperta all’alta cultura della polifonia presente nell’opera di Palestrina. La parola era annegata in una complessa polifonia, nell'abile intreccio di linee musicali.

Presto il dramma musicale apparve in Italia, come nuovo genere, dove spiccava una voce, capace di pronunciare parole, la voce di una persona (spesso una donna).

Le arie di Monteverdi, del XVII secolo, sono l'inizio, la culla dell'opera e della voce. Questo è uno stile strumentale, andante, formazioni d'onda.

Per noi che viviamo nel 21 ° secolo, quando fin dall'infanzia ascoltiamo la musica brillante di Rossini e Čajkovskij, cantare le arie di Monteverdi non è interessante: il ritmo della vita non è lo stesso. Ma è così che è nata l’arte vocale.

Il XVIII secolo è il secolo delle riforme nell'arte vocale. Gluck, Scarlatti, Mozart e altri sono alla ricerca di un nuovo stile vocale. Le primedonne e le primedonne capricciose richiedono ai compositori di scrivere musica vocale che sia comoda per la voce.

Castrati - "virtuosi vocali", a giudicare dai film di quel tempo, maledicono sia le loro vite che la "musica che devono cantare".

Il compositore Gluck è definito un riformatore; è stato il primo a intuire di cosa avevano bisogno i cantanti: corrette formazioni d'onda e formazioni di raggi associate al linguaggio umano. I compositori non impongono la loro musica, cercano di accontentare i cantanti e lavorano sulle opere vocali in stretta collaborazione con i cantanti.

Fiorisce lo stile barocco. Lo stile barocco passa gradualmente, attraverso la selezione, in un nuovo stile preferito dai cantanti, che successivamente viene chiamato stile Bel Canto. Gli stessi cantanti hanno notato che una melodia comoda per la voce, con un cambio di tempo verso l'accelerazione, diventa più elegante e magica. Questo stile veloce veniva chiamato bel canto (“patter” secondo Rossini - XIX secolo).

La vecchia scuola vocale per coltivare una “speciale laringe flessibile” per i cantanti, vale a dire i castrati, che eseguivano straordinarie melodie virtuosistiche, divenne semplicemente superflua con l'avvento del bel canto, la sua necessità scomparve insieme all'abbandono di questa operazione selvaggia per i ragazzi di strada . Lo sguardo dei musicisti era rivolto a Cantanti italiani, che ha fornito incessantemente giovani meravigliosi cantanti in mezzo a loro. Cantanti esperti insegnavano ai giovani “con la voce”.

Nel XIX secolo, il professore dell'Accademia di Parigi M. Garcia creò una scuola vocale fisica basata sulla scuola napoletana. M. Garcia accetta saggiamente tutte le riforme di J. Dupre, così la “scuola Garcia” diventa la più forte e popolare del XIX secolo. Ma il fatto che J. Dupre non abbia preso sul serio la Scuola Garcia parla della sua complessità, perché la Scuola Garcia richiede uno sguardo speciale alla voce cantata utilizzando le conoscenze della fisica, della biologia, della matematica e persino della medicina.

La scuola di Garcia non “ricostruisce” la voce, ma la riaccorda affinché funzioni correttamente, come un maestro accorda un pianoforte. Le competenze corrette vengono approfondite e rinforzate, mentre quelle sbagliate vengono dimenticate. La voce deve essere aggiustata ogni volta. I cantanti professionisti accordano la loro voce in diversi modi: alcuni - attraverso esercizi, altri - attraverso opere e altri - mentre cantano.

I futuri solisti differiscono nettamente dai futuri coristi per la loro indipendenza: non si limitano a studiare, ma cercano avidamente di imparare tutto da soli e di capirlo.

I modesti insegnanti di canto sovietici erano attenti e attenti con le loro voci.

L'insegnante Shatrova (una studentessa di Druzhinina) ha sviluppato attivamente le voci e il repertorio è stato "avanzato". Opere selezionate discusse con lo studente, mostrando nella sua voce...

La musica classica è fisiologica. (Opinione degli scienziati.)

A. L’aria di Mozart “Come scoglio” è puro belcanto al livello delle arie di Verdi. Ma questo non è Verdi, questo è Mozart!

Apparentemente, i ruoli di Antonida e Lyudmila nelle opere di M. Glinka nelle prime produzioni non erano cantati da soprani drammatici, come era consuetudine in Occidente, ma da coloratura leggera. Quindi le arie strumentali sono rimaste non elaborate per l'esecuzione da parte di soprani drammatici. In epoca sovietica questi ruoli venivano sempre interpretati da soprani leggeri. Questo, a quanto pare, era il desiderio del Leader, che visitava spesso il Bolshoi. Nel teatro moderno questa rigida selezione dei cantanti per le opere di Glinka è stata dimenticata e l'esecuzione, soprattutto delle due cavatine, è diventata un problema per le voci femminili. Lo stile strumentale delle due cavatine non è indicativo della musica russa del XIX secolo; anzi, si tratta di una sfortunata eccezione.

C'è un altro problema. Penso che non valesse la pena trasferire il problema dei castrati sul suolo russo, perché in Russia non esisteva questo fenomeno. Il partito di Vanya, e soprattutto quello di Ratmir, deve essere rielaborato per i voti maschili. Riportare i partiti maschili agli uomini è un problema che talvolta in Occidente viene risolto a favore degli uomini. N. Rimsky-Korsakov ha anche parti maschili che possono essere cantate da uomini: Lel, Nezhata.

Dal libro di A. Parin “Sul canto, sull'opera, sulla fama”.

Opinione del cantante A.: “Lyubasha, una peccatrice, ma una forte natura femminile che valorizza l'amore al di sopra della fede in Dio. Uccide Marfa non per gelosia, ma perché Marfa non ama Gryaznoy.

Molto strano! Secondo me, solo la moglie maggiore del khan nell'harem può pensarla così.

"Zara Dolukhanova considerava volgare, cantata la storia d'amore "Shine, Shine, My Star" ..."

Non possiamo essere d'accordo con questo. La romanza viene spesso cantata perché è scritta bene ed è confortevole per la voce. Risveglia una sorta di sogno nella persona che canta. E qui non c'è volgarità: una storia d'amore amata dalla gente.

"A Parigi, E.V. Obraztsova veniva chiamata "l'ultima regina della voce russa".

Perché “ultimo”?! Non avremo insegnanti nostri, chiameremo gli italiani o studieremo dalle registrazioni di grandi cantanti.

L'abitudine di cantare melodie nello stile corretto dà al cantante il gusto per la musica scritta secondo le leggi della natura, ad es. si sviluppa l'abitudine alle costruzioni logiche nella musica vocale. Le costruzioni illogiche sono spiacevolmente sorprendenti. Ma dobbiamo eseguire anche questa musica. Penso che ora sia più facile per i cantanti del belcanto affrontare lo stile barocco che per i cantanti del XVIII secolo, che non conoscevano ancora le costruzioni corrette del belcanto.

“Le origini dello stile di Rossini sono che, conoscendo poche melodie, si può già intuire cosa seguirà dopo. Il male sta nella correttezza della musica di Rossini”, scrive Stendhal.

Questo non è “malvagio”, questa è gioia per il cantante e questa è la natura fisiologica dello stile! E un grande mistero per i non cantanti.

Stendhal:

Per la musica italiana sono importanti la melodia e l'armonia, ma per la musica tedesca basta la bellezza dei suoni, anche quelli senza melodia.

Stendhal lo spiega con le peculiarità dei caratteri nazionali. Spesso infatti osserviamo che il suono della musica tedesca dipende dalla bellezza del timbro della voce del cantante.

Stendhal:

Una volta a Roma tutti all’unanimità dichiararono che gli stranieri esaltano troppo le opere di Mozart.

Non tutte le opere di Mozart sono capolavori. Ma quanti capolavori sono stati realizzati dai compositori del periodo di transizione (per non parlare di quello tardo)? A. Mozart ha scritto molte arie in un nuovo stile: il bel canto, quindi la sua musica vivrà per sempre.

Stendhal:

Le difficoltà nell'esecuzione non sono vantaggi molto significativi della musica.

A quel tempo (inizi del XIX secolo) il “Don Giovanni” “non esisteva” per gli italiani; era troppo difficile da imparare a causa del suo stile strumentale.

Naturalmente i brani strumentali per voce umana (le arie di Donna Anna) sono molto difficili. È un peccato che il grande Mozart non sia riuscito ad adattarsi completamente al nuovo stile, semplicemente non aveva abbastanza vita per riscrivere queste arie. Ma qui c'è un'aria meravigliosa per Don Juan - "Aria con Champagne", in un nuovo stile - Bel Canto! Questo è il XVIII secolo...

Stendhal:

In quale abisso di banalità è solito scendere il compositore tedesco quando cerca di creare musica allegra!

M. Callas - “assoluto”.

"Absoluta" è una cantante che canta tutti i capolavori dei classici mondiali. Ha cantato tutto ciò che è scritto per soprano drammatico, tutti i capolavori, in tutti gli stili. Era la regina del bel canto! Lo ha rianimato Stile XIX secolo, e ora gli insegnanti italiani non mancheranno!

Presentatori: Pavel Tokarev, Boris Ignatov, Alexey Parin.

M. Callas una volta cantò l'aria (mezzo) di Orfeo, usando i bassi da contralto della sua voce per singhiozzare. Il pubblico ha accolto il cantante con gioia. (Registrazione dei suoni.)

La donna canta la parte dell'uomo e tutti sono felicissimi. Questo piacere non mi è del tutto chiaro!

Nel partito di Ratmir sarebbe preferibile vedere e sentire un uomo.

IN Teatro per bambini Lelya ha cantato il tenore con successo.

Per aumentare il volume sonoro dell'onda, è necessario prestare attenzione alla respirazione, ad es. sviluppare la respirazione toracica.

Sorgono continuamente domande sulle pause nella notazione musicale e sulle pause nelle frasi vocali. Pianisti e insegnanti richiedono pause anche quando cantano in modo dinamico. Nella maggior parte dei casi, le pause nella notazione musicale coincidono con le pause nelle frasi vocali, ma...

Devi capire che il fraseggio vocale è collegato alla respirazione del cantante, alla dinamica dello sviluppo della frase, al risparmio energetico, ai calcoli del cantante e a molte "piccole cose" legate alla tecnica del canto.

Un musicista non può conoscere tutte le specificità del controllo vocale e non può controllare il cantante tanto da dirgli sempre dove respirare.

Il cantante stesso deve saperlo, l'insegnante deve insegnarglielo. Per eseguire perfettamente gli acuti senza soffocare, il cantante deve calcolare tutto esattamente, come fanno gli atleti.

Il cantante stesso è responsabile della qualità della performance. Perdere il respiro è molto dannoso. Cantare in piccole frasi è stancante. Dicono questo: nel canto non c'è staccato, non c'è legato. Non legato: è quando il cantante fa degli intervalli sonori, ma non interrompe il respiro, cioè è lo stesso se cantasse legato.

La stessa indipendenza del cantante si manifesta nella durata delle singole note. Il cantante riduce le note fuori tempo, non le calcola, la stessa cosa spesso sono le ultime note di una frase. Se ha bisogno di prendere fiato tra le frasi, ma non c'è pausa, espande lo spazio tra le frasi, riducendo la durata delle note su entrambi i lati per avere il tempo di riprendere fiato.

Le note del cantante servono solo a indicare la frase e tutti i frammenti del fraseggio. Ma mentre canta, il cantante non ha note nella sua coscienza e non dovrebbe averle. Rappresenta e controlla l'onda sonora.

Ecco perché non bisogna entrare in rapporti subordinati con gli accompagnatori: non capiscono i problemi dei cantanti.

Il rapporto con il direttore d'orchestra è molto importante per il cantante.

Come dovrebbe reagire una cantante alle recensioni entusiastiche della sua interpretazione di capolavori di arte vocale?

Con calma o anche con una certa ansia. Ti fissano una “asticella”, come nello sport, al di sotto della quale non puoi più scendere. Ma non tutte le opere sono capolavori.

Un cantante può vincere solo eseguendo perfettamente capolavori di classici vocali noti e universalmente riconosciuti. Un'opera sconosciuta, anche se ben scritta e perfettamente eseguita, può rimanere incomprensibile alla maggioranza del pubblico, come ci insegna la storia dell'arte vocale.

DEL SOPRANO

Solo un soprano profondo può eseguire la “Cavatina di Rosina” registrata per mezzosoprano. Le parti liriche per soprano possono essere eseguite da qualsiasi soprano: drammatica, lirica e coloratura. Un esempio potrebbe essere: M. Callas, R. Scotto, J. Sutherland e molti altri. Mantenere lo “spessore” nella voce è molto importante per un cantante che esegue un repertorio lirico. Qui non si tratta di mantenere un timbro costantemente grosso, anzi sono contrario ad un timbro costante.

È importante mantenere il centro della voce in modo che la densità del suono nei toni estremamente acuti non scompaia. È nostra consuetudine valutare il tipo di voce in base al repertorio, ma questo è sbagliato! Cantanti: i soprani drammatici, a quanto pare, lo hanno dimostrato molto tempo fa, ma continuano gli errori nella valutazione delle voci.

I cantanti neri hanno eseguito l’opera “Porgy and Bess” con voci classiche così dignitosamente che era difficile credere che non si trattasse di una “messa in scena”. Ma è stata loro insegnata la cultura del canto classico. Insegnato! E hanno insegnato.

Prima delle riforme di Dupré, il registro superiore delle voci era indefinito: la transizione avveniva solo con un attacco morbido, e nelle voci maschili il registro superiore era spesso in falsetto, cioè in falsetto. con chiusura incompleta dei legamenti. Dupre ha scritto che una voce spessa e forte deve essere portata dal basso in un timbro, il più alto possibile con un attacco deciso.

In epoca sovietica, tentarono di attuare una riforma della pedagogia vocale in Russia, ma decisero che sarebbe stato molto difficile. Abbiamo deciso di studiare l'esperienza della scuola italiana.

Un noto controtenore ha promesso di cantare la parte di Cio-Cio-san. In Occidente è ormai di moda. Dicono che in Italia esiste una scuola per formare i controtenori. Penso che gli uomini insegnino questo, perché... In Italia è consuetudine insegnare a voce.

Ho letto una frase divertente nel libro “100 opere” nel libretto dell'opera “Carmen” di J. Bizet: “La canzone di un marito terribile” (!), la seguidilla e il duetto di Carmen e Jose creano un'immagine sfaccettata di un zingara amante della libertà”.

Sospetto che “La canzone di Zemfira” (la zingara) dal poema di Pushkin “Gli zingari”, scritto da P. Čajkovskij, sia entrata nell'opera francese per volontà dell'autore: “ vecchio marito, formidabile marito, tagliami, bruciami: sono forte, non ho paura né del fuoco né della spada!

Maria Callas era una cantante-attrice. Ha usato ampiamente i colori della sua voce. Gilda era stata precedentemente eseguita da cantanti con voci liriche. M. Callas ha cantato questa parte con una voce profonda, cambiando il carattere debole della ragazza in uno forte. Raramente usava solo la pittura del soprano, sapendo come i critici lo trattavano ingiustamente, considerandolo una debolezza della voce del cantante.

La cantante belcantista Renata Scotto ha un soprano lirico dal timbro opaco (secondo le registrazioni), una coloratura lirica leggera con una squillo penetrante. Una volta ha detto che stava preparando un'infornata di Aida. "È sorprendente", ho pensato, "R. Scott ha davvero un soprano drammatico?" Certamente! Ben presto la sentii cantare in un duetto con un tenore drammatico e la forza della sua voce non era in alcun modo inferiore a quella di lui.

Il nostro critico ha definito Beverly Seales un soprano lirico leggero. B. Seales è chiamata la regina americana dell'opera. Ma per essere chiamati Queen bisogna essere dei cantanti molto forti: se soprano, allora solo drammatici.

M. Plisetskaya parla in modo molto interessante del balletto. “Non tutto nella danza è cosciente, ci sono anche movimenti e gesti subconsci, per questo devi sentire la musica. In qualche modo l'avevo fatto gesto breve mano. Qualcuno ha ammirato questo gesto. Ci ho pensato e basta: il gesto è scomparso”.

Questo mi è molto chiaro. Cosa accomuna queste due forme d’arte? Movimento! L’insegnante Shatrova ha detto: “L’arte vocale è difficile, ma il balletto è più difficile... in termini di attività fisica”.

J. Sutherland ha cantato il soprano lirico-drammatico nell'opera di Donizetti Queen Elizabeth. In termini di timbro vocale, è più vicina a M. Caballe. Ci sono anche frasi di contralto in questa parte. E la nota finale è mi3! Queste sono le possibilità di un soprano drammatico!

Il musicologo Volkov scrisse nel suo libro che Manuel Garcia il padre era un tenore mellifluo... e cantava Otello! Chiaramente era un tenore drammatico e poliedrico!

A quanto pare, la tenacia del padre spinse il figlio M. Garcia a studiare attentamente la scuola napoletana. Mio padre cantava con Rossini ed era appassionato di belcanto. Suo figlio era accanto a lui e cantava con una voce di basso. Ben presto si rese conto che studiare nella scuola italiana (napoletana) era serio, sereno e gioioso.

Quindi, la scuola di Garcia è una scuola italiana di belcanto, intesa da uno scienziato (è diventato professore), dal punto di vista della scienza: fisica (meccanica), biologia (fisiologia).

Kurt Honolka "Grandi Dive"

Maria Felicita Malibran (Garcia) è stata una diva per dieci anni. Temperamento artistico pazzesco. La migliore Desdemona, che non si sottomise a Otello. Prendeva tre ottave, sapeva cantare sia il contralto che il soprano: Norma e Zerlina. Un temperamento focoso spinse il fragile corpo di Malibran alle azioni più disperate. Sul palco cadde in preda all'isteria e al tumulto mentale.

All'età di 28 anni, Malibran cadde da cavallo, danneggiandosi le viscere. Cantò un concerto e morì 9 giorni dopo, il 23 settembre 1837.

Maria Malibran ha ereditato la sua musicalità, talento e amore per il teatro da suo padre, Manuel del Popolo Garcia. M. Garcia è un tenore di importanza mondiale. Fu amico e cantò con G. Rossini e fu il suo primo Almaviva. Suo figlio Manuel fu il miglior insegnante del suo tempo (morì nel 1906 all'età di 106 anni).

Pauline Viardot (Garcia) è nata nel 1821. Polina aveva una voce da mezzosoprano, ma cantava anche ruoli di soprano (Donna Anna e Norma). Una volta, mentre ero a San Pietroburgo, ho provato a cantare Lyudmila.

Se Viardot avesse cantato Donna Anna, il ruolo barocco, allora, come le sembrava, avrebbe potuto facilmente cantare Lyudmila. È vero, qui l'autore scrive che soffriva di "deplezione dei legamenti". Da un'altra fonte: ha preso un raffreddore. I nostri soprani hanno spesso sofferto e continuano a soffrire per i ruoli sia di Lyudmila che di Antonida.

Pauline Viardot ha cantato 150 volte l'Orfeo di Gluck, l'Alceste di Gluck. sono stato portato via Musica tedesca. È stata amica di Turgenev per 40 anni, fino al giorno della sua morte. “Regina delle regine” furono le sue ultime parole. Polina morì nel 1910.

Nel libro di Kurt Honolk, in un articolo su Maria Callas, leggiamo: "Callas ha trasformato la sua vita in una danza su una corda senza rete di sicurezza".

"Renata Tebaldi ha scioccato Arturo Toscanini con la sua voce angelica."

E M. Callas e R. Tebaldi cantarono entrambi Aida, Santucia, Butterfly, Mimì, Tosca. Ma non possono essere considerate vere e proprie concorrenti: la Tebaldi non ha cantato Medea o Lucia, ecc., e la sua Violetta era in fiore, stupisce con la ricca pienezza del suo soprano.

Tebaldi non prese affatto sul serio la musica moderna, trovandola non vocale e addirittura distruttiva per la voce. (Kurt Honolka)

La prima cantante del mondo: Maria Guleghina, russa. Ha studiato a Odessa. Tutti cantano in Italia repertorio drammatico e nelle opere del belcanto.

I.A. Moiseev è il creatore del teatro danza. Ha chiesto che il ballerino semplicemente non balli tecnicamente, ma spiritualizzi ogni movimento. Il ritmo è spiegato in modo semplificato.

Cantanti! Devi spiegarti il ​​ritmo in modo semplificato.

Placido Domingo. Un tenore che "era originariamente un baritono". Direttore di due teatri. Conduce “competizioni di Domingo” e organizza giovani cantanti.

Secondo me non c'è nulla di sorprendente nel fatto che Domingo abbia cantato in un baritono.

Placido Domingo- grande tenore il nostro tempo.

La cantante russa Olga Borodina (mezzosoprano) afferma di aver cantato il bel canto fin dalla giovane età, per natura. Irina Arkhipova si guardò in bocca e chiese: "Come fai a farlo?"

Per imitazione si può imparare a cantare anche nello stile del belcanto, ma non tutti riescono a comprendere questa tecnica. Ancora una volta puoi essere convinto che il belcanto è uno stile perfetto, ma non artificiale e non estraneo a noi russi.

Il bel canto è come uno scioglilingua: denso e leggero. Un grande soprano, tecnicamente attrezzato, si sforza di padroneggiare la tecnica sia della coloratura drammatica che della coloratura lirica. Un esempio di questo è Maria Guleghina.

"Opera Club", stazione radio "Eco di Mosca".

Akimo Freier è un direttore di produzione tedesco. Mette in scena Il Flauto Magico all'Opera Novaya. Alla domanda: “Chi è più importante: la star o il regista?”, ha detto che non ci sono problemi con le star, solo con i vecchi cantanti. “Le star amano lavorare e cantare meglio di chiunque altro. Cantare è un’acrobazia!”

Ogni cantante o cantante costruisce il suo rapporto con il direttore d'orchestra, oppure se ne va...

Ai conduttori, ovviamente, non piace parlare di questo.

Anna Netrebko

Una bellissima cantante dalla voce brillante. Soprano drammatico. Anna lamenta che fin da piccola le è stato spesso detto che non aveva voce e, nonostante l’ostilità della gente, è diventata una cantante. Lavora duro, canta in Occidente e al Teatro Mariinsky.

Anna Netrebko mancava di tecnica nella sua prima giovinezza, quindi è stato molto difficile ampliare l'intero repertorio del soprano drammatico. Ha cantato principalmente repertorio lirico.

Gli insegnanti devono pensare di più alla tecnica di canto. E amate i vostri studenti...

Olga Gurikova, in qualità di soprano drammatico, è scomparsa dall'orizzonte dei cantanti moscoviti, sfinita dal ruolo di Elvira nell'Ernani di Verdi. Ricordi come la voce del cantante scorreva in un'onda potente?

Avendo conosciuto l'aria, ho subito sentito la sua complessità e il pericolo di un sovraccarico muscolare. Qui, come nella Traviata, esiste una tecnica difensiva speciale.

R. Scotto conosce questa tecnica protettiva, come tutti i cantanti italiani, ma dobbiamo in qualche modo intuirla da soli ascoltando le loro registrazioni. Hai letto come E. Obraztsova ha imparato dai grandi per diventare lei stessa grande? È vero, la tecnica del soprano è la più difficile.

Ninel Tkachenko

Ninel Tkachenko ha cantato al Bolshoi - un soprano drammatico, conosceva tutte le tecniche italiane! Tuttavia, forse non lo sapeva, ma lo ha fatto.

Qui guardo il suo record: il prezzo è di 1 rublo e 45 centesimi. Orchestra del Teatro Bolshoi dell'URSS, direttore M. Ermler e F. Mansurov. Chi è Ninel Tkachenko? Ha cantato in italiano e francese. Leggo: Tosca, Mimì, Cio-Cio-San, Abigail, Aida e poi: Carmen ed Eboli! E, credetemi, ha cantato magnificamente! Ma non c'è una parola su di lei nel verbale.

"Opera Club", stazione radio "Eco di Mosca".

Domande per il direttore d'orchestra americano James Conollon. Sulla musica dell'era del Bel Canto e sui cantanti, sulla musica russa e sui cantanti russi. Il musicista americano risponde e convince a non preoccuparsi: il belcanto continua a vivere, e la musica lirica russa è interessante in Occidente, e ci sono abbastanza cantanti belcantistici, ed è difficile distinguere i cantanti russi da quelli non russi!

La tradizione delle opere del belcanto deve essere continuata.

Patricia Choppe, soprano lirico, ha cantato la parte di Violetta in un teatro del West con molta grazia e tragicità, ma la regia, dove Violetta è una ragazza di strada, non era degna di un'opera verdiana.

Al concerto di N. Baskov il 15 ottobre 2006, il grande M. Caballe era presente e ha diretto la giovane cantante, sua allieva. Prima della nota alta, il cantante si è fatto il segno della croce. Colpisce le note alte, ma non le tiene a lungo. Non sempre raggiunge il punto di risonanza. Non c'è argento in "ubriaco". Tuttavia cominciò a cantare meglio. Ha cantato l'aria perfettamente.

Duetto di Dmitry Hvorostovsky e Renee Fleming

Dmitrij nel ruolo di Germont è un po' più morbido di prima, ma comunque cinico ed eccessivamente crudele.

Nel ruolo di Onegin, è depresso, ma non ti dispiace davvero per lui, perché, a quanto pare, è molto coraggioso.

Renee è affascinante nel ruolo di Tatiana.

Dmitry nel ruolo di Don Juan è sicuramente molto convincente.

Zerlina (nell'opera) è una ragazza astuta che sta cercando di "superare" Don Juan e sposare il maestro con se stessa. Zerlina (Rene) è una ragazza dalla mentalità semplice.

"C'è solo una scuola", ha detto Galina Vishnevskaya.

C'è una sola scuola, ma è difficile. Due tecniche per due voci in una: una voce corposa e una voce leggera e squillante. Due voci in una, quindi due metodi.

Grande concerto di varietàè stato dedicato al 30° anniversario di Nikolai Baskov

I nostri cantanti di spicco, in tempi difficili giovane cantante tempo, non lo ha sostenuto, per qualche motivo non riconoscendolo come cantante classico. Lev Leshchenko, un cantante pop universalmente riconosciuto e amato che sa cantare in modo classico, ha difeso Nikolai, dicendo: "Se solo ci fosse una voce, ma puoi cantare in modi diversi".

Scandalo al Bolshoi

Galina Vishnevskaya era presente alla nuova rappresentazione di "Eugene Onegin". Non le piaceva la nuova direzione dell'opera, in cui una volta brillava nei panni di Tatiana. Dicono che abbia detto con indignazione: "Non verrò più nel tuo bordello!"

Concerto dedicato alla cantante Galina Vishnevskaya

Canto: Vladimir Chernov - baritono, Larisa Dyatko. La cantante ha sorpreso cambiando la melodia nella scena “Martha’s Fortune Telling”, apparentemente a causa della nota alta. Makvala Kasrashvili ha cantato Tosca. Sono state mostrate scene di opere con la partecipazione di Galina Vishnevskaya.

"Lavorerò con un cantante se sa cantare", dice G. Vishnevskaya.

Galina Vishnevskaya ha lasciato il palco all'età di 45 anni. "La felicità del canto è scomparsa, il libro è chiuso."

Il cantante è venuto all'opera dall'operetta. Nell'operetta, la voce della prima dovrebbe essere brillante, forte con diversi colori timbrici, perché l'artista dell'operetta non solo canta, ma balla e parla ad alta voce.

"Si canta allo stesso modo in cui si suona su uno strumento: sempre più alto o sempre più basso...", dice G. Vishnevskaya.

Maxim Mironov - il tenore lirico stesso ha sintonizzato la sua voce sullo stile del belcanto (ascoltando attentamente le registrazioni dei cantanti del belcanto). Lavora all'estero.

M. Callas e R. Scotto hanno sempre cercato una varietà di timbri per poter essere attrici Teatro dell'opera e preservare le immagini nell'arte vocale. Per amore dell'arte vocale rischiavano sempre di essere irriconoscibili.

Spettacolo basato sull’opera “Don Giovanni” di W. Mozart

Dmitry Hvorostovsky canta entrambe le parti: Don Giovanni e Leporello. La voce del cantante si è arricchita di nuovi colori. Anche "Aria with Champagne" suonava più brillante. E nel duetto con Zerlina la voce della cantante è diventata irriconoscibile: morbida, gentile.

Bartoli è un mezzosoprano e cantante di belcanto appassionato di opere barocche.

Il tenore Jose Carreras dà concerti musica lirica. Tale musica non sovraccarica il cantante e calma gli ascoltatori.

Anna Netrebko ha cantato Violetta prima in chiave lirica, poi in Occidente l'ha cantata come soprano drammatico e, secondo lei, era molto stanca. Questa parte non è per un cantante principiante.

Dicono del soprano drammatico Maria Guleghina, che canta in Occidente e qui al Teatro Mariinsky: grande e leggero.

"Si diplomano al conservatorio, ma non sanno cantare in russo", G. Vishnevskaya.

Pronuncia una frase con un'espressione, rivolgendoti a qualcuno in modo specifico: "TI AMO!" Quindi canta la stessa frase, rivolgendoti nuovamente alla stessa persona. Nell'esecuzione precisa, questo sarà discorso vocale (vedi “Dizionario degli errori nella pedagogia vocale”).

Zara Dolukhanova: “Preferisco il talento alla perfezione vocale”.

Spesso è difficile separare l'eccellenza vocale dal talento, ad es. dove può essere se non ha talento? Eseguire brillantemente la Cavatina di Cenerentola è la cosa più difficile pezzo vocale, - questo è sia talento che perfezione vocale. Un'altra cosa è che un cantante possa raggiungere intuitivamente questa perfezione vocale, ma questo è talento!

"Non avevo bisogno che mi insegnassero la voce: tutto è andato da solo", ha detto Z. Dolukhanova ad A. Parin e... ha fatto una conclusione inaspettata: "Per massimizzare l'auto-rivelazione del cantante, dobbiamo cercare di convincerlo che tutto è facile."

No, questo è tutt'altro che vero! La produzione spontanea di una voce classica come quella di Zara Dolukhanova è ancora un'occasione rara e felice.

"La scuola russa di canto espressivo è sempre stata osteggiata dalla scuola occidentale di pura voce", scrive Alexey Parin.

C'è stato un tempo: il maestro Rebrikov insegnava alla scuola italiana, tutti i cantanti di Mosca lo sapevano. E allora nei teatri cantavano meglio, e quanti cantanti dilettanti c'erano, perché avevamo più di un maestro del genere!

"Opera Club", stazione radio "Eco di Mosca".

Anna Netrebko, una giovane cantante russa, ha provato a cantare Elvira in “The Puritans” e Amina in “Somnambulist” in Italia, ma le mancava la tecnica.

Irina Arkhipova

“La parte difficile di Eboli nel “Don Carlos” di G. Verdi. Era un piacere toccare ogni volta le note più alte, eseguire passaggi e vincere, come se stessi tirando alle dieci”.

Grande! Bravo! Solo le tecniche della scuola italiana evocano tali sensazioni! Qui non stiamo parlando di espressività, ma di sensazioni fisiologiche, come nello sport.

Alla fine, E. Obraztsova ha ammesso che G. Vishnevskaya inizialmente l'ha aiutata con le tecniche di canto. Non si sa in quale occasione E.V. per dirla così: “Dobbiamo aiutare i forti”. La frase si adatta esattamente a questa occasione!

“Non ho mai seguito l’esempio del regista! Mai!" - E. Obraztsova.

"In Italia è molto apprezzata la continuità dell'esecuzione (senza cuciture) delle frasi vocali (più frasi)" - R. Scotto.

Nel programma" Scatola reale"ha mostrato le registrazioni di Anna Netrebko. Ha un bell'aspetto. Canta molto. Impara molti giochi. Si stanca e si impegna molto. Dice con tristezza che “in Germania è invitata ovunque, ma non in Italia”. Canta con difficoltà pezzi di belcanto e in Italia non piace. Il Bel Canto è una tecnica speciale, Anna non la conosce, non le è stata insegnata (a quel tempo).

A San Pietroburgo si svolge un concorso di giovani cantanti. Le voci sono bellissime, ma la performance è strana. Così, la famosa storia d'amore di N. Rimsky-Korsakov “Catturato dalla rosa, l'usignolo...” il cantante ha cantato con una voce profonda (per la prima volta, a quanto pare, nella storia della voce russa), e la vocalizzazione era in un delicato soprano di coloratura. Scusa, ma questo non è un numero pop, vero? Speravi davvero di sorprendere qualcuno con il fatto che un soprano grosso possa cantare con una voce leggera?

Concerto di Zaur Tutov

Un bellissimo baritono lirico canta dolcemente e teneramente belle romanze, canzoni italiane, a volte alla maniera di un tenore lirico. Forse ora è uno dei migliori interpreti di romanzi e canzoni. Un tempo si è diplomato alla Gnessin Academy e crede che la scuola sia eccellente.

Dalla storia di cantanti venuti dall'Europa

La Corea del Sud è un paese ricco. Molte persone sono interessate all'opera. L’Europa è piena di coreani che studiano canto classico.

Nel concerto “Tre Stelle”, Anna Netrebko ha cantato con tenori famosi: il maestro del bel canto Placido Domingo e il giovane e brillante tenore Rollando Villazon.

Attualmente Anna canta il repertorio lirico. Vero successo per soprano drammatico inizia con arie del bel canto o arie cantabili (G. Verdi).

Anna Netrebko e Rollando Villazon cantano la scena "Mimi con Rudolph". All'inizio Anna canta con voce profonda, ma improvvisamente cambia timbro e continua a cantare con voce squillante. Perché tale negligenza? Mimi, una ragazza dalla salute cagionevole, i suoi cantanti cantavano sempre con una voce lirica e sonora.

La cantante Mirella Freni in Russia era chiamata soprano lirico, ma... Nel 2002, la cantante venne a Mosca con un concerto. Ha cantato molte arie drammatiche in modo brillante, potente, dimostrando chiaramente di avere un'eccellente padronanza della sua voce forte: un soprano drammatico! Mirella Freni è attivamente coinvolta nell'attività didattica.

Il giovane tenore lirico Juan Diego Flores possiede un'ottima padronanza della tecnica del belcanto (canta le parti del Conte Almaviva e del Principe di Cenerentola).

Alexander Malinin si è esibito con l'orchestra nella Sala Grande del Conservatorio

A. Malinin è una cantante pop brillante che ha sempre avuto grande successo dal pubblico. Molti non avevano idea che la sua voce fosse quella di un tenore, perché sul palco sia un tenore che un baritono possono suonare allo stesso modo. E sebbene Alexander abbia ripetutamente sottolineato di essere un tenore, a nessuno verrebbe in mente di paragonarlo a N. Baskov. Nikolai Baskov ha il suo posto individuale, la sua storia, che non si è ancora sviluppata in tutta la sua forza.

A. Malinin ha la sua immagine, il suo posto, il suo amore per il pubblico.

Alexey Parin parla con Renata Scotto, una cantante eccezionale del nostro tempo.

In Russia, le registrazioni di Renata Scotto sono apparse prima delle registrazioni di Sutherland, quindi la voce di Renata era una voce da belcanto e la sua brillantezza si accordava perfettamente con il registro acuto del soprano.

Dichiarazioni di R. Scotto:

“Maria Callas appariva ogni volta diversa. Il suono dipende dalla natura dell’immagine.”

“Ho studiato a Milano con gli stessi insegnanti (della Callas).”

"Callas e Sutherland hanno reso il bel canto romantico una proprietà del mondo dell'opera moderna."

“I maestri del belcanto sono sopravvissuti (in Italia) e si sono preservati. La tecnica vocale per il bel canto e la musica di Mozart è lo sviluppo della voce, l'essere mobile, il cantare in fila dalle note basse a quelle alte, la capacità di controllare la respirazione ampia, passare facilmente dalla tessitura alta a quella bassa. La voce deve essere allenata. Non puoi cantare basandoti esclusivamente sulle tue capacità naturali”.

“I cantanti hanno dimenticato come cantare con stile.”

“Gli insegnanti osservavano con sacralità le alleanze del passato”.

“Puoi cantare il repertorio verista solo se hai la tecnica del belcanto.”

"A volte abbiamo visto una completa disorganizzazione del canto nelle masterclass di Mosca."

“Ma ciò che i russi non hanno è il senso dello stile, la comprensione di cosa sia la tecnica del belcanto. La colpa è degli insegnanti... La scuola non voleva trasformarsi...”

“Ho la sensazione che la colpa di tutto sia della cortina di ferro”.

A. Parin: “Mi sembra che il problema sia molto più complicato. I nostri insegnanti di canto sono troppo conservatori”.

A. Parin afferma che il romanticismo classico sta scomparendo.

Quindi parte della nostra cultura russa sta scomparendo?! È impossibile essere d'accordo con questo. Il romanticismo urbano se ne stava andando, ma arrivò il brillante Lyubov Kazarnovskaya e il romanticismo tornò. Credo che il classico romanticismo tornerà! Finché il popolo russo sarà vivo, non permetterà che la cultura dei nostri grandi antenati cada e muoia.

Nel 19° secolo, la Russia aveva una cultura europea.

Maria Guleghina

Sul palco Maria Guleghina è molto diversa. Maria ha studiato molto con il professor E. N. Ivanov (Odessa). Maria Guleghina è considerata da tempo all’estero una “prima donna assoluta”. A Mosca lo sentiamo molto raramente. M. Guleghina ha cantato quasi tutte le opere di Verdi. Canta in opere di Puccini, Bellini, Giordano, Mascagni.

“Pazienza e lavoro” è il motto di Maria.

I nostri tre baritoni cantano in Occidente: Sergei Leiferkus, Dmitry Hvorostovsky e Vladimir Chernov.

Vladimir Chernov ha cantato al Teatro Mariinsky, ma non è stato accettato al Teatro Bolshoi. "Sono venuto al concerto di stato, ho ricevuto un altro rifiuto, ma un incontro casuale - ho incontrato i manager... Una carriera operistica fa parte del business dell'opera e un capriccio del caso."

Dmitry Hvorostovsky sognava di diventare un tenore: il tenore più fama. Il padre di D. Hvorostovsky canta molto. Il figlio ha imparato a cantare ascoltando suo padre.

Nikolai Putilin – baritono, diplomato al Conservatorio di Krasnoyarsk, classe del professor Ioffel. Ha cantato a Kazan, Mosca e San Pietroburgo al Teatro Mariinsky. Il primo insegnante è Fomin.

La cantante Elena Prokina dice:

“In Occidente c’è più scelta. In Russia, purtroppo, non è così. Qui a teatro c'è sempre il principale, e tutta la politica è subordinata solo a lui. Non c’è niente tra cui scegliere.”

Ha iniziato a studiare canto a Odessa, nella classe di Blagovidova. Una scuola meravigliosa, semplice, molto vicina all'italiano. Tutti gli esercizi hanno raggiunto rapidamente lo studente. La respirazione è stata stabilita, la gamma sviluppata. Dovevi solo cantare tutto ad alta voce. Ho studiato per 5 anni.

Anche Elena Prokina ha studiato a Leningrado: al Conservatorio, come assistente. Sono andato al Teatro Mariinsky. Ho cantato con Domingo.

Elena Zelenskaya - soprano drammatico. Canta al Teatro Bolshoi. Canta anche in Occidente, in opere di Verdi e Puccini.

Marina Meshcheryakova - soprano. Il debutto sul palco del Teatro Bolshoi ebbe luogo nel 1991. Ha cantato Antonida(!) in “Una vita per lo zar” e credeva che questo ruolo le si addicesse molto bene(?). A. Parin: “Antonida non è il più semplice dei ruoli operistici, diciamocelo”.

Stanno accadendo trasformazioni sorprendenti ai nostri cantanti e alle cantanti: gli insegnanti non spiegano loro qual è lo stile di un pezzo e mettono tutto insieme.

M. Meshcheryakova inizialmente “attaccò” la sua voce alla parte strumentale di Antonida, ma dopo aver conosciuto la musica vocale italiana, improvvisamente fece un'affermazione sorprendente: “Non ho la voce giusta per sentirmi più organicamente nel repertorio russo... Forse non sono proprio un cantante russo "

Forse ha sofferto così tanto facendo il gioco di Antonida che ha deciso che fosse il russo canto classico- è questa la tortura?

Con il direttore d'orchestra Andrei Chistyakov il giovane cantante ha preparato Marfa e... Norma. Ha già cantato Norma a Stoccolma!

La lingua russa non è vocale come l’italiano, quindi è necessario cantare “secondo l’onda sonora”, cioè la pronuncia è il secondo problema, ma non il primo.

Compositori molto competenti lavorarono nell'arte vocale russa nel XIX secolo; crearono alto livello Cultura occidentale: Glinka, Dargomyzhsky, Čajkovskij, Borodin, Mussorgsky, Rimsky-Korsakov. Questa è una grande cultura vocale!

C'erano alcuni difetti: Antonida e Lyudmila: queste parti sono state scritte in uno stile strumentale. Ma è stata scritta molta musica meravigliosa, meravigliosi romanzi classici. Ci sono parti irragionevolmente complesse: Marfa (“La sposa dello zar”), Snegurochka, La principessa del cigno.

In Occidente c'è anche molta musica complessa, e non tutta è belcanto.

Boris Pokrovskij - famoso regista, che lavorava al Bolshoi, dice. "Non canterò, mi annoio", ha detto Galina Vishnevskaya sulla scena di "Lettere di Tatyana". L'ha rimproverata.

Pokrovsky: “Volevamo leccare Stalin e mettere in scena un'opera sulla vita rurale e mostrarla al leader. Ma a Stalin non piaceva. Ha chiesto: "Quanto tempo fa è stata messa in scena la Dama di Picche?" E ci siamo lavati..."

Marina Domašenko

Mezzosoprano, ha iniziato la sua carriera all'estero. Ha studiato musica a Kemerovo. Ha studiato al Conservatorio di Ekaterinburg con S.V. Zaliznyak. Sono andato ad un concorso a Praga e ho ricevuto sei premi!

"Opera Club", stazione radio "Eco di Mosca".

Musica barocca

La musica barocca è la musica del periodo pre-belcantese. Fondamentalmente è uno stile strumentale. Non tutti i cantanti riescono a cantare magnificamente questa musica, tanto meno ad amarla.

Cecilia Bartoli è appassionata di musica barocca e ha aperto ruoli in 10 opere di Antonio Vivaldi. Qui la cantante è subordinata alla musica orchestrale, ma le piace.

“È possibile comprendere la libera capacità del cantante di volare tra le nuvole?” - A. Parin su C. Bartoli.

“Dobbiamo imparare a lavorare sulla qualità del suono e ad apprezzare il canto” - C. Bartoli.

Naturalmente, i cantanti traggono grande piacere dal cantare, altrimenti non lo farebbero, ma la cosa principale è che gli altri si divertano ad ascoltarlo. Bartoli, possedendo una meravigliosa voce da mezzosoprano, spesso entra nella sfera della voce di qualcun altro - il soprano, dove non riesce a raggiungere l'apice.

Nella produzione dell'opera di W. Mozart “Everyone Does This”, Bartoli ha cantato il ruolo di soprano. E, poiché la parte della viola è stata eseguita da un cantante dalla voce forte, nei duetti Bartoli non si è sentito. La meravigliosa opera ha perso il suo suono. Inoltre nell'opera questa parte è scritta per un forte soprano drammatico, di cui Bartoli evidentemente non tiene conto.

Bartoli si comporta come una prima donna, ma nel 21° secolo questo atto non funziona.

Per qualche ragione, A. Parin paragona la voce di O. Guryakova ai soprani di coloratura: Nezhdanova, Zabella-Vrubel. O. Guryakova ha eseguito brillantemente la parte di Elvira (Ernani di G. Verdi) sul palco del teatro di Mosca - una parte molto difficile per un soprano drammatico, che richiede una tecnica vocale da belcanto acuto.

Giuseppe Kaley

Tenore lirico canta in Germania, repertorio: Bellini e Puccini. Scuola di Mario del Monaco (scuola di tenore drammatico?). Non parla con voce brillante, il che è molto dannoso per un tenore.

Canta “Il Lamento di Federico” con un timbro molto bello, ma non sempre coglie nel segno.

La voce del cantante è sfocata, colpa della scuola del Monaco, quest'ultimo venne criticato anche per mancanza di lirismo. Un tenore lirico ha bisogno di cantare con un attacco morbido e monitorare costantemente la sonorità della sua voce, e Mario del Monaco era un tenore drammatico. Devi imparare il tenore lirico da una voce simile, ad es. il tenore lirico!

E.V. Obraztsova è venuta sabato sera per vedere i cantanti pop, ad es. a Nikolai Baskov.

Lei gli disse: "Nella voce classica, non è tanto la tecnica che è importante, ma l'anima, affinché ci sia qualcosa da dire".

Nikolai ha un'anima, ma per cantare come tenore drammatico ci vuole TECNICA.

"Opera Club", stazione radio "Eco di Mosca".

Maxim Mironov - cantante, tenore lirico. Ha cantato a Helikon. Lascia la Russia per gli Stati Uniti.

Canta il ruolo del principe in Cenerentola. Nato a Tula, ha studiato chimica e biologia. Ha studiato alla Gnessin School. Ho ascoltato molto i tenori del bel canto e ho capito che anch'io potevo cantare così. Ho frequentato la scuola privata di Vladimir Devyatov. Il cantante è molto serio e lavora molto. Viaggia in tutto il mondo.

Bryn Festival

Bryn Toffel - basso-baritono. A volte canta arie da tenore, ma con una tessitura da baritono, a volte anche cambiando la melodia per adattarla alla sua voce. Secondo me questo non è interessante e non rispetta nemmeno il lavoro del compositore. Ciò è consentito nelle nostre canzoni popolari e nei romanzi urbani, cioè nel genere leggero. Ma è possibile distorcere le arie classiche popolari preferite da tutti?

Nel frattempo canta superbamente arie per basso-baritono!

Renee Fleming si è esibita al concerto. Ha cantato tutte le arie per soprano in modo sorprendentemente bello, ma con un timbro denso, anche Zerlina. E ovunque c'era la magnifica Renee Fleming!

Dicono che Maria Guleghina non si possa definire una cantante russa, perché... Tutto il suo lavoro si svolge all'estero. Chi lo dice? Di chi è questa opinione? E non conta nemmeno il fatto che abbia studiato in Russia? Molti cantanti russi hanno lavorato e lavorano all'estero. Il grande Chaliapin ha lavorato molto all'estero!

In Russia, le voci sul belcanto sono sempre state avvolte nel mistero, come se la formazione di questo stile fosse avvenuta in tempi antichi e non ai tempi di Pushkin.

Penso che sia ingenuo credere che l'umanità sia così ignorante e primitiva da non cercare di trovare le chiavi del mistero della civiltà classica. voce cantata(e al bel canto).

Jesy Norman è una donna nera che canta con una voce classica, bella e forte: un soprano drammatico.

Ogni cantante meraviglioso ha la sua storia.

Il tenore Zurab Sotkilava parla di una tecnica seria che sviluppa la voce. Sotkilava crede che né Domingo né Pavarotti potrebbero cantare al Bolshoi, perché qui bisogna cantare, non gridare. Ma Sotkilava ama lamentarsi...

"Opera Club", stazione radio "Eco di Mosca".

Il miglior bel canto del mondo - Renata Scotto.

Renata Scotto ha studiato come mezzosoprano. Ha coperto l'intero repertorio del soprano drammatico ed è una cantante molto brillante in tutti gli stili.

In onda su "Cultura". L'opera di Donizetti "Figlia del reggimento" in Tyrrol. La performance si è svolta ad alto livello. Ma dopo lo spettacolo, Zurab Sotkilava ha parlato e ha detto di non essere rimasto impressionato (!) dal tenore Jose Flores. Gli piacciono: Pavarotti, Correras, Domingo - veri tenori! Scambia Flores “per un giovane la cui mutazione non è ancora del tutto passata”. Questa non può essere definita altro che arroganza ingiustificata!

José Flores è un tenore lirico del bel canto riconosciuto come uno dei migliori tenori al mondo.

5 maggio 2007 Anna Netrebko è stata riconosciuta quest'anno come una persona russa popolare, insieme al giocatore di scacchi e politico G. Kasparov. A Kovengardan Anna ha cantato Gilda nel Rigoletto, tre Violetta a Monaco e a Salisburgo - Donna Anna. Anna viene accolta in Germania e in America.

Anna si definisce una zingara (da suo padre). Canta spesso in duetto con Rollando Villazon.

Anna Netrebko elogia la scuola di canto russa, ma a volte per qualche motivo si sente triste... Non vuole cantare Tatyana.

Anna Samuil canta con cura Violetta, Musetta e altre arie in chiave lirica e, a quanto pare, sarà una cantante stabile.

"Opera Club", stazione radio "Eco di Mosca".

Il grande tenore Luciano Pavarotti. Si sentono le arie del periodo pre-Belcant. Qui la voce non trova occasioni per dispiegarsi in tutto il suo splendore. Successivamente suonano: l'aria di Tonio da "La figlia del reggimento" di Donizetti, l'aria di Richard Recardo da "Un ballo in maschera" di Verdi, l'aria di Manrico da "Il Trovatore".

Provi un vero piacere dal suono della bellissima voce riccamente colorata di Pavarotti nelle opere del bel canto. Confronta e senti la differenza.

All'estero, soprattutto in Italia, è forte l'opinione che a Mosca non si insegni la voce classica.

Cultura del canale televisivo. Vladimir Chernov parla di se stesso.

Ha studiato al Conservatorio di Mosca. Era molto obbediente. L'insegnante lo convinse che era un tenore, ma il tempo dimostrò che era ancora un baritono. Canta all'estero: Figaro, Shelkalova.

In natura si trovano tre tipi di baritoni: lirico, drammatico e lirico-drammatico. La voce è determinata dal suo “centro di gravità”. Il baritono è la voce centrale.

Il baritono lirico canta spesso la parte del tenore nel coro, poiché non è quasi diversa nel timbro dal tenore. È anche gentile, lirico e più affidabile.

Di solito ci sono molti baritoni drammatici (forti e brillanti), ma i baritoni lirico-drammatici sono rari. Forse, a causa della loro giovinezza, vengono scambiati per tenori e quindi rallentano lo sviluppo della loro natura?

Il principale insegnante di Chernov, secondo lui, è il grande Chaliapin.

Secondo me questo non è molto corretto, perché... questa pratica può “appesantire” la voce del cantante. È meglio imparare dai baritoni morbidi.

Che strano! Ma è molto gentile e parla piano, sussurrando come Chumak. Così lezioso e civettuolo, come un tenore lirico. Ha menzionato una specie di scarabocchio in bocca, non ho capito. E lui subito ha detto: “Non capisci? E non capirai mai!” Ha elogiato gli insegnanti e ha anche pianto.

Una volta abbiamo trasmesso l'opera "Eugene Onegin" da Parigi, dove V. Chernov ha cantato con Olga Guryakova. La messa in scena dell'opera era in qualche modo strana. Olga era una Tatiana molto convincente, e Chernov era un insolito Onegin con una voce morbida e capelli folti. Ma nell'ultimo atto ha sofferto così tanto da farci credere che quello fosse il vero Onegin!

Anche nella nostra letteratura hanno scritto che in Russia lavoravano insegnanti italiani che sapevano “impostare” le voci “da zero”.

"Abbiamo perso, abbiamo perso", ha ripetuto tristemente V. Chernov.

Qualcuno perde e qualcuno trova!

In Italia custodiscono e proteggono con cura i segreti del belcanto; lì non è loro permesso parlarne.

Anna Netrebko dice che cerca di non interpretare se stessa, ma non tiene conto del fatto che il colore principale dell'immagine è il timbro della sua voce. Se una cantante canta tutte le parti con lo stesso timbro, nessuno immaginerà che non stia suonando se stessa. Tutte le eroine differiranno poco l'una dall'altra.

È morta Zara Dolukhanova (all'età di 89 anni). A volte non capiva davvero la sua voce. Hanno ricordato e mostrato come all'improvviso ha sentito che il suo bellissimo mezzosoprano si era trasformato in un soprano. Colpisce con attenzione una nota alta con timbro di soprano, ma è solo LA (il soprano va molto più alto). Il tipo di voce non è determinato dal timbro.

Zara Dolukhanova aveva una voce unica: un bellissimo mezzosoprano, produzione naturale, palato acuto, forte vibrato (su richiesta del cantante), un bellissimo trillo. Dicono che fosse una persona infantilmente ingenua. Ha cantato molto sul palco, alla radio ed è stata molto in tournée. Successivamente ha lavorato come insegnante presso l'Istituto Gnessin.

Zara Dolukhanova era una persona sincera. La sua voce era magica quando cantava la Cenerentola di Rossini e la Capanna di Grieg. Sono rimaste le registrazioni della sua meravigliosa voce.

Aleksandr Vedernikov

Alexander Vedernikov parla della sua vita creativa. Per la prima volta, il cantante e insegnante ha alzato il sipario sulla vita dei cantanti classici sovietici. Ha parlato delle difficoltà dell'insegnamento del canto, dei rapporti difficili con gli insegnanti e poi con i direttori d'orchestra nei teatri.

Il cantante ha avuto la fortuna di ottenere uno stage alla Scala. I nostri giovani cantanti sono andati in Italia, in cambio dell'insegnamento del balletto a ballerini italiani tramite i nostri insegnanti, cioè. è stato uno scambio culturale.

Vedernikov si rese conto che non era necessario cantare con la gola, ma con "l'aria".

Sono state riprodotte le registrazioni della sua registrazione: Susanin, Boris, Farlaf: tutto è eccellente, tutto è irriconoscibile ad alto livello. Il cantante ha sempre cantato Varlaam in un modo vicino al folk, il che è abbastanza giustificato, ma altre registrazioni non suonavano o suonavano molto raramente, e c'era un'opinione sbagliata sulla voce del cantante come non del tutto classica.

Mi è piaciuto molto il trucco di Boris: era un volto straordinariamente accurato dello zar russo.

Vedernikov lasciò addirittura il Teatro Bolshoi perché... Non potevo essere d'accordo con il conduttore. Nessuno dei nostri cantanti è stato così franco e onesto.

Evgeniy Nesterenko canta arie con “aria” e canzoni russe con una dizione chiara.

Ora esiste un tale hobby: insegnare ai bambini la voce classica. A un ragazzo di 14 anni si può insegnare a cantare voce maschile, ma... Insegnare la voce classica richiede molta indipendenza e maturità. Il cantante non riesce a sentire se stesso! E una persona così “sordo” può offendersi molto facilmente. A questa età non è ancora in grado di capire chi ha ragione e chi ha torto. Ed è persino pericoloso!

Spesso non ci piacciono i giovani talenti, li considerano degli emergenti e li invidiano. Esempio: N. Baskov. Non tutti possono sopportare tale pressione.

Successo dentro gioventù Ti ispirano e piccoli fallimenti - anche solo bugie e disattenzione da parte degli adulti - smascherano e feriscono dolorosamente la tua anima ancora fragile.

Nikolai ha finalmente cantato con tutta la forza della sua voce, senza paura delle note alte! Lensky lo impressiona.

Nikolai Baskov è stato molto criticato per il suo canto pop. È come se non ricordassero le esibizioni del bel cantante pop ceco Karel Gott, un tenore dalla voce assolutamente classica. Ha cantato canzoni pop magnificamente, ha eseguito brillantemente canzoni italiane in modo classico e altro ancora. Una volta ad un concerto ha eseguito al basso la canzone popolare russa "Along Po Piterskaya"! E rideva continuamente: "Beh, questo è il mio carattere!"

Gennaio 2008 Anna Netrebko e Rollando Villazon cantano.

Rollando Villazon è un tenore brillante e canta tutto ad un livello elevato.

Il valzer di Giulietta viene cantato inizialmente dalla cantante come se fosse il valzer di Anna - con un timbro denso; presto la cantante passa al soprano lirico e canta facilmente questa graziosa aria.

La scena di “Iolanta” è molto sorprendente con il suo difetto. A quanto pare, Anna non ha capito l'immagine della ragazza cieca: all'inizio interpreta la sua innocenza e ingenuità, ma nel primo duetto cambia improvvisamente il carattere della ragazza con quello abituale: il suo: il carattere forte e deciso di Anna Netrebko .

L'immagine di Mimi in un timbro denso è molto inferiore rispetto al delicato timbro lirico accettato nel mondo dell'arte, raffigurante una ragazza sognante e gentile in cattive condizioni di salute.

L'8 gennaio 2008, V. Vinokur e il suo ensemble si sono esibiti in televisione con un numero satirico su come "il cantante e la ballerina classica sono stati gettati sul palco".

Anniversario (70 anni) di Evgeniy Nesterenko.

Cantava sempre magnificamente con il suo basso ampio e ricco, soprattutto nelle arie italiane. Ma, essendo diventato insegnante, ha scritto una tesi sul tema della dizione. E ora canta canzoni russe, enfatizzando ogni parola. Ricordo che qualcuno definì con precisione tale canto come “il movimento della Statua del Comandante”.

Anna Netrebko viene spesso al Teatro Mariinsky per cantare nelle opere: "Don Giovanni", in "La Traviata". Anna canta molto diligentemente la parte strumentalmente complessa di Donna-Anna, preparando l '"Album russo di Anna Netrebko" con romanzi classici.

Anniversario di A. Vedernikov.

A. Vedernikov ne parla nuova produzione opera "Boris Godunov". Non gli piace davvero questa produzione. A. Vedernikov ritiene che i registi "alla moda" non dovrebbero lavorare nel teatro principale. Tutta la produzione lavora verso la distruzione. Inoltre non mi piace la produzione dell'opera "Eugene Onegin". Il regista si mette addosso la coperta. C'è una lotta in teatro per il primo cast.

Il cantante parla di sé. Si è esibito molto nei concerti, ha preparato autonomamente la parte di Boris e altre parti e ha cercato spettacoli. Cantava molta musica sacra, anche quando era punibile.

Nella nuova produzione dell'opera “Otello” al Teatro Mariinsky, il moro Otello strangola Desdemona non mentre è sdraiato, ma in piedi, usando una tecnica da gangster.

Nikolai Baskov ha cantato il ruolo di Canio dall'opera Pagliacci con grande successo in uno dei teatri d'Europa. A 32 anni, i tenori non hanno mai cantato un ruolo drammatico così complesso!

Recital di Rollando Villazon

"Io sono lo strumento completo, non solo la mia voce", dice il cantante. Eseguendo l'aria di Werther, soffre così tanto che il suo viso diventa bello e molto sensuale. Canta dedicandosi completamente alla musica con grande gioia. Questa sua gioia viene trasmessa al pubblico. Dopo aver eseguito l'aria corre nel camerino e... salta, salta. "È così che mi rilasso, allevia la tensione", dice il cantante, rallegrandosi come un bambino.

Villazon: sei un miracolo!

"Opera Club", stazione radio "Eco di Mosca".

Salisburgo. Festival. Anna Netrebko canta Donna Anna nel Don Giovanni e Suzanne nelle Nozze di Figaro. "Suzanne's Serenade" è molto apprezzata qui, e Anna la canta dolcemente, non in modo denso e in modo molto bello. Ciò significa che Anna può cantare con timbri diversi.

Italiano bel canto, belcanto, lett. - canto meraviglioso

Uno stile di canto brillante, leggero e aggraziato, caratteristico dell'arte vocale italiana dalla metà del XVII alla prima metà dell'Ottocento; in un senso moderno più ampio: la melodiosità dell'esecuzione vocale.

Il bel canto richiede che il cantante abbia una tecnica vocale perfetta: cantilena impeccabile, diradamento, coloratura virtuosa, tono di canto emotivamente ricco, bel canto.

L'emergere del bel canto è associato allo sviluppo dello stile omofonico della musica vocale, la formazione Opera italiana(inizio XVII secolo). Successivamente, pur mantenendo le sue basi artistiche ed estetiche, il belcanto italiano si è evoluto e si è arricchito di nuove tecniche artistiche e colori. Presto, cosiddetto lo stile patetico e belcantistico (opere di C. Monteverdi, F. Cavalli, A. Cesti, A. Scarlatti) si basa su una cantilena espressiva, testo poetico elevato, piccole decorazioni di coloratura introdotte per aumentare l'effetto drammatico; La performance vocale si è distinta per sensibilità e pathos.

Tra gli eccezionali cantanti di belcanto della seconda metà del XVII secolo. - P. Tosi, A. Stradella, F. A. Pistocchi, B. Ferri ed altri (la maggior parte di loro erano sia compositori che insegnanti di canto).

Entro la fine del XVII secolo. Già nelle opere di Scarlatti le arie cominciano a essere costruite su un'ampia cantilena di carattere bravura e sull'uso di coloratura espansa. cosiddetto lo stile bravura del bel canto (comune nel XVIII secolo e durato fino al primo quarto del XIX secolo) è uno stile virtuosistico brillante in cui predomina la coloratura.

L'arte del canto durante questo periodo era subordinata principalmente al compito di identificare le capacità vocali e tecniche altamente sviluppate del cantante: la durata della respirazione, l'abilità di assottigliarsi, la capacità di eseguire i passaggi più difficili, cadenze, trilli (vi sono erano 8 tipi); i cantanti gareggiavano nella forza e nella durata del suono con la tromba e gli altri strumenti dell'orchestra.

Nello “stile patetico” del bel canto, il cantante doveva variare la seconda parte nell'aria da capo, e il numero e l'abilità nell'eseguire le variazioni servivano da indicatore della sua abilità; Le decorazioni delle arie dovevano essere cambiate ad ogni rappresentazione. Nello “stile bravura” del bel canto, questa caratteristica divenne dominante. Pertanto, oltre alla perfetta padronanza della voce, l'arte del belcanto richiedeva un ampio sviluppo musicale e artistico da parte del cantante, la capacità di variare la melodia del compositore e di improvvisare (ciò continuò fino alla comparsa delle opere di G. Rossini, che cominciò lui stesso a comporre tutte le cadenze e le colorature).

Entro la fine del XVIII secolo. L'opera italiana diventa l'opera delle “star”, completamente soggetta ai requisiti di dimostrazione delle capacità vocali dei cantanti.

Rappresentanti di spicco del belcanto furono: i cantanti castrati A. M. Bernacchi, G. Crescentini, A. Uberti (Porporino), Caffarelli, Senesino, Farinelli, L. Marchesi, G. Guadagni, G. Paciarotti, G. Velluti; cantanti - F. Bordoni, R. Mingotti, C. Gabrielli, A. Catalani, C. Coltelini; cantanti - D. Gizzi, A. Nozari, J. David e altri.

I requisiti dello stile del belcanto determinavano un certo sistema di formazione dei cantanti. Come nel XVII secolo, i compositori del XVIII secolo. furono anche insegnanti di canto (A. Scarlatti, L. Vinci, G. Pergolesi, N. Porpora, L. Leo, ecc.). L'istruzione veniva condotta nei conservatori (che erano istituti scolastici e allo stesso tempo dormitori dove gli insegnanti vivevano con gli studenti) per 6-9 anni, con lezioni giornaliere dalla mattina fino a tarda sera. Se il bambino avesse voce eccezionale, poi è stato sottoposto a castrazione nella speranza di mantenere la sua precedente qualità vocale dopo la mutazione; con un po' di fortuna, i cantanti risultanti avevano voci e tecnica fenomenali (vedi Castrati Singers).

La scuola vocale più significativa fu quella bolognese di F. Pistocchi (aperta nel 1700). Delle altre scuole le più famose sono: romana, fiorentina, veneziana, milanese e soprattutto napoletana, nella quale operarono A. Scarlatti, N. Porpora, L. Leo.

Un nuovo periodo nello sviluppo del bel canto inizia quando l'opera riacquista la sua integrità perduta e riceve un nuovo sviluppo grazie al lavoro di G. Rossini, S. Mercadante, V. Bellini, G. Donizetti. Sebbene le parti vocali nelle opere siano ancora sovraccariche di abbellimenti di coloratura, ai cantanti è già richiesto di trasmettere realisticamente i sentimenti dei personaggi viventi; aumentare la tessitura delle parti, b O La maggiore ricchezza dell'accompagnamento orchestrale pone alla voce maggiori esigenze dinamiche. Bel Canto si arricchisce di una tavolozza di nuovi timbri e colori dinamici. Cantanti eccezionali di questo periodo sono G. Pasta, A. Catalani, le sorelle (Giuditta, Giulia) Grisi, E. Tadolini, G. Rubini, G. Mario, L. Lablache, F. e D. Ronconi.

La fine dell'era del bel canto classico è associata alla comparsa delle opere di G. Verdi. Scompare la predominanza della coloratura, caratteristica dello stile belcantistico. Le decorazioni nelle parti vocali delle opere di Verdi rimangono solo nel soprano, e nelle ultime opere del compositore (come più tardi nei veristi - vedi verismo) non si trovano affatto. La cantilena, continuando a occupare il posto principale, si sviluppa, diventa fortemente drammatizzata e si arricchisce di sfumature psicologiche più sottili. La tavolozza dinamica complessiva delle parti vocali cambia verso una maggiore sonorità; Il cantante deve avere un'estensione di due ottave di voce morbida con forti note alte. Il termine “bel canto” perde il suo significato originario; comincia a denotare la perfetta padronanza dei mezzi vocali e, soprattutto, della cantilena.

Eccezionali rappresentanti del belcanto di questo periodo sono I. Colbran, L. Giraldoni, B. Marchisio, A. Cotogni, S. Gaillarre, V. Morel, A. Patti, F. Tamagno, M. Battistini, poi E. Caruso, L. Bori, A. Bonci, G. Martinelli, T. Schipa, B. Gigli, E. Pinza, G. Lauri-Volpi, E. Stignani, T. Dal Monte, A. Pertile, G. Di Stefano, M. Del Monaco, R. Tebaldi, D. Semionato, F. Barbieri, E. Bastianini, D. Guelfi, P. Siepi, N. Rossi-Lemeni, R. Scotto, M. Freni, F. Cossotto, G. Tucci, F Corelli, D. Raimondi, S. Bruscantini, P. Capucilli, T. Gobbi.

Lo stile del belcanto ha influenzato la maggior parte delle scuole vocali nazionali europee, incl. in russo. Molti rappresentanti dell'arte del belcanto hanno fatto tournée e insegnato in Russia. La scuola vocale russa, sviluppandosi in modo originale, scavalcando il periodo di entusiasmo formale per il canto sonoro, ha utilizzato i principi tecnici del canto italiano. Pur rimanendo artisti profondamente nazionali, gli eccezionali artisti russi F. I. Shalyapin, A. V. Nezhdanova, L. V. Sobinov e altri parlavano correntemente l'arte del bel canto.

Il Bel Canto italiano contemporaneo continua ad essere lo standard bellezza classica tono di canto, cantilena e altri tipi di scienza del suono. L'arte si basa su questo migliori cantanti pace (D. Sutherland, M. Callas, B. Nilsson, B. Hristov, N. Gyaurov, ecc.).

Letteratura: Mazurin K., Metodologia del canto, vol.1-2, M., 1902-1903; Bagadurov V., Saggi sulla storia della metodologia vocale, vol. I, M., 1929, edizione. II-III, M., 1932-1956; Nazarenko I., L'arte del canto, M., 1968; Lauri-Volpi J., Paralleli vocali, trans. da Italiano, L., 1972; Laurens J., Belcanto et mission italien, P., 1950; Duey Ph. A., Il Belcanto nel suo periodo d'oro, N.U., 1951; Maragliano Mori R., I maestri del belcanto, Roma, 1953; Valdornini U., Belcanto, P., 1956; Merlino A., Il belcanto, P., 1961.

L. B. Dmitriev

COMPOSITORI DELL'ERA DEL BELCANTO.

BELCANTO. ITALIA. MUSICA LIRICA. Un paese verde e allettante sotto l'abisso, cielo blu, circondato su quasi tutti i lati da un mare caldo e dolce... E il suo nome è meraviglioso: morbido e melodioso, come se fosse pieno di aria profumata e fresca - I-ta-li-ya. Associamo questa parola alle opere di grandi artisti del Rinascimento, alla magnifica architettura e, ovviamente, alla musica. La musicalità degli italiani è leggendaria. Heinrich Heine scriveva: "La musica è l'anima di questo popolo, la loro causa nazionale. Qui in Italia la musica è diventata il popolo". Canzones e serenate, siciliane e canzoni comiche con la loro melodia e ritmo originali risuonavano costantemente sotto il cielo alto di questo bellissimo paese.

A cavallo tra il XVI e il XVII secolo, l'Italia mostrò al mondo un genere nuovo, sorprendentemente voluminoso: l'opera, che combina armoniosamente musica e parole, movimento e danza e l'arte della decorazione. Il fiorire dell'opera italiana è associato ai nomi dei compositori del XIX secolo: Rossini, Verdi, Leoncovallo, Donizetti. Originario della Sicilia, Vincenzo Bellini è un musicista ereditario che ha vissuto una vita brevissima (34 anni). La sua musica è piena di melodia accattivante e profonda espressività, soprattutto nel trasmettere stati d'animo sognanti e tristi. Dalla prima dell'opera "Norma" di Bellini nel 1831, che racconta l'epoca precristiana, i costumi dei Druidi, l'amore e la fedeltà, l'aria della protagonista dell'opera Norma "Casta Diva" (bella fanciulla) ha deliziato e ispirato le persone a compiere azioni meravigliose.

Ivan Aleksandrovich Goncharov considerava quest'aria la migliore composizione della musica mondiale. Il suo eroe Ilya Ilyich Oblomov sperimenta le delizie dei sentimenti, scopre il suo amore per Olga proprio durante la sua interpretazione di "CastaDiva": "Mio Dio, cosa si sente in questo canto. Speranze, una vaga paura dei temporali, gli stessi temporali e raffiche di felicità "... Era esausto, tratteneva con difficoltà le lacrime, ed era ancora più difficile per lui soffocare il grido di gioia che era pronto a scoppiare dalla sua anima." Compositori russi, in tempo diverso Coloro che hanno viaggiato e vissuto in Italia hanno conservato nell'anima un piccolo angolo luminoso di questo Paese per tutta la vita, e hanno ricordato con gioia la sua natura, la sua gente che sapeva lavorare e divertirsi altruisticamente. Questi ricordi sono stati trasformati in musica per pianoforte PI. Čajkovskij e S.V. Rachmaninov, nel ciclo dei romanzi italiani di M.I. Glinka.

Il belcanto è uno stile di canto leggero e aggraziato, nato in Italia nel XVII secolo, durante la formazione dell'opera italiana. Il bel canto richiede che il cantante abbia una tecnica vocale perfetta: cantilena impeccabile, diradamento, coloratura virtuosa, bel tono di canto. L'emergere del bel canto è associato alla formazione dell'opera italiana all'inizio del XVII secolo. Successivamente il bel canto si arricchì di nuove tecniche artistiche. Presto, cosiddetto lo stile patetico del bel canto (opere di C. Monteverdi, F. Cavalli, A. Scarlatti) si basa su una cantilena espressiva, un testo poetico sublime e piccole decorazioni di coloratura; la performance vocale è stata sensibile e patetica. Entro la fine del XVII secolo. Già nelle opere di Scarlatti, le arie cominciano a essere costruite su un'ampia cantilena di carattere bravura, utilizzando un'ampia coloratura. T.N. bravura in stile belcantistico, comune nel XVIII secolo. e durò fino al primo quarto del XIX secolo, è uno stile brillante e virtuosistico. Entro la fine del XVIII secolo. L'opera italiana diventa un'opera di “star”, soggetta ai requisiti di dimostrazione delle capacità vocali dei cantanti.

I requisiti dello stile del belcanto determinavano un certo sistema di formazione dei cantanti. La scuola più significativa fu quella bolognese di F. Pistocchi. Delle altre scuole, le più famose sono: romana, fiorentina, veneziana, milanese e soprattutto napoletana, nella quale operarono Scarlatti, N. Porpora e altri.Un nuovo periodo nello sviluppo del belcanto inizia grazie all'opera di G. Rossini , V. Bellini, G. Donizetti. Sebbene le parti vocali nelle opere siano ancora sovraccariche di abbellimenti di coloratura, ai cantanti è già richiesto di trasmettere realisticamente i sentimenti dei personaggi viventi. La fine dell'era del bel canto classico è associata alla comparsa delle opere di G. Verdi. La dominanza della coloratura scompare. Le decorazioni nelle parti vocali rimangono solo per il soprano e non si trovano affatto nelle sue opere successive. Lo stile del belcanto ha influenzato la maggior parte delle scuole vocali europee, incluso il russo. Il bel canto italiano moderno continua ad essere lo standard della bellezza classica del tono del canto, della cantilena e di altri tipi di studi sul suono. Su di esso si basa l'arte dei migliori cantanti del mondo (D. Sutherland, M. Callas, B. Nilsson, N. Gyaurov, ecc.). http://www.krugosvet.ru/ Diamo un'occhiata alla definizione di bel canto dalla Wikipedia in lingua inglese: “Il canto del bel canto è caratterizzato dall'equalizzazione della voce in tutti i registri, legato morbido, leggerezza del registro superiore , straordinaria mobilità e flessibilità e uno speciale timbro di suono morbido e "lirico".Il Bel canto è caratterizzato da virtuosismo e riccamente decorato numeri vocali, richiedendo velocità di scale e cadenze. Nello stile del Bel Canto la tecnica è più importante del volume del suono. Un esempio di belcanto è un esercizio in cui un cantante può avvicinare alle labbra una candela accesa e cantare senza che la fiamma si muova." Gioachino Rossini (1792 - 1868)

Italiano compositore d'opera, autore dell'immortale Barbiere di Siviglia. Nato il 29 febbraio 1792 a Pesaro. Il padre è un trombettista cittadino, in seguito membro dell'orchestra di una piccola compagnia teatrale; la madre è una cantante. Dotato di una voce di rara bellezza, il piccolo Rossini canta nei cori delle chiese di Pesaro e Lugo. Inizia lo studio sistematico della musica all'età di 12 anni sotto la guida di A. Thesea (armonia e contrappunto). All'età di 14 anni Rossini divenne direttore d'orchestra e maestro di coro della compagnia d'opera, e all'età di 16 anni divenne autore di una cantata. Tra i compositori italiani dell'Ottocento. Rossini occupa un posto speciale. L'inizio della sua carriera creativa avvenne in un momento in cui l'arte operistica italiana, che non molto tempo fa dominava in Europa, cominciò a perdere la sua posizione. L'opera buffa stava affogando in un intrattenimento insensato, e l'opera seria degenerò in una rappresentazione artificiosa e priva di significato. Rossini non solo ha fatto rivivere e riformato l'opera italiana, ma ha anche avuto un enorme impatto sullo sviluppo dell'intera arte operistica europea del secolo scorso. "Divino maestro": così chiamava il grande Compositore italiano G. Heine, che vide in Rossini “il sole d'Italia, che sparge i suoi raggi squillanti in tutto il mondo”.

Con Il Barbiere di Siviglia la fama del compositore valica i confini nazionali. Il brillante stile rossiniano rinfrescò l'arte europea con allegria esuberante, arguzia frizzante, passione spumeggiante. “Il mio “Barbiere” riscuote ogni giorno sempre più successo”, scrive Rossini, “ed è riuscito a leccare così tanto anche gli oppositori più incalliti della nuova scuola che, contro la loro volontà, iniziano ad amare questo ragazzo intelligente. sempre più." "Guglielmo Tell" ha completato l'opera musicale e teatrale di Rossini. Il successivo silenzio operistico del geniale maestro, che aveva alle spalle circa 40 opere, fu definito dai suoi contemporanei il mistero del secolo, circondando questa circostanza con ogni sorta di speculazione. Lo stesso compositore scrisse più tardi: "Quanto presto, appena maturo, cominciai a comporre, altrettanto presto, prima di quanto si potesse prevedere, smisi di scrivere. Questo accade sempre nella vita: chi comincia presto deve, secondo il le leggi della natura, finiscono presto." Gaetano Donizetti (1797 - 1848) Nato il 29 novembre 1797 a Bergamo. Nella sua giovinezza, Donizetti dovette resistere al divieto dei genitori di scegliere una professione e, per perseguire il suo obiettivo, si arruolò nell'esercito austriaco. Qui ebbe abbastanza tempo libero per dedicarsi alla composizione e persino scrivere la sua prima opera (1818).

Il successo della produzione della quarta opera permise al compositore di andarsene servizio militare, e poi per molti anni si guadagnò da vivere componendo opere per vari teatri italiani. Nel 1835 Donizetti iniziò a insegnare polifonia al Real Collegio di Musica di Milano e due anni dopo divenne il direttore di questa istituzione. Successivamente visse a Parigi; nel 1845 fu colpito da paralisi. Il compositore fu trasportato in Italia per cure, ma gli insegnamenti dei medici non ebbero successo. Donizetti morì a Bergamo l'8 aprile 1848. Delle 65 opere e operette di Donizetti, le più famose sono L'Elisir d'amore (1832), Lucia di Lammermoor (1835); Figlia del reggimento (La Fille du rgiment, 1840); Linda di Chamounix (1842) e Don Pascuale (1843). La Tragica Lucia è l'apice della creatività del compositore, e Don Pasquale e L'elisir d'amore sono eccellenti opere comiche. L'eredità di Donizetti comprende anche due messe e numerose opere sacre, 12 opere per quartetto d'archi, diverse cantate, canzoni, opere orchestrali e per pianoforte. Vincenzo Bellini (1801 - 1835) Nato il 3 novembre 1801 nella città di Catania (Sicilia) nella famiglia di un musicista. Si è diplomato al Conservatorio di Napoli nella classe del compositore N. Zingarelli. Debuttò con l'opera “Adelson e Salvini” (1825), poi l'opera “Bianca e Fernando” (1826) sul palcoscenico del Teatro San Carlo di Napoli; nel 1827 scrisse l'opera "Il Pirata" per il teatro La Scala di Milano. Entrambi gli ultimi lavori hanno avuto successo e hanno portato il giovane autore al riconoscimento da parte di un vasto pubblico italiano. Tra le ulteriori opere operistiche del compositore vanno segnalate: "Lo straniero" (Milano, 1829), "Capuleti e Montecchi" (Venezia, 1830), "Somnambula" e "Norma" (entrambe Milano, 1831), "Beatrice di Tenda" (Venezia, 1833). 1833-1834 viaggio: Bellini visita Londra, poi Parigi, dove crea la sua ultima opera, “I Puritani” (Theatre italien, 1835). Il compositore morì prematuramente il 24 settembre 1835 a Puteaux (vicino a Parigi), all'apice del suo straordinario talento. Lirismo leggero e aggraziato, eccitazione romantica, contemplazione, beatitudine, sogno - caratteristiche arte di Bellini. Seguente tradizioni nazionali stile belcantistico, essendo - insieme ad A. Scarlatti e G. Rossini - maestro consumato di questo stile, il compositore affascina con le sue melodie affascinanti e ispirate; Molti musicisti, incluso F. Chopin, non sono sfuggiti alla loro influenza.

Giuseppe Verdi (Verdi) (1813 - 1901) Il brillante compositore d'opera italiano Giuseppe Verdi è l'ultimo grande classico nella storia di tre secoli dell'opera italiana. Non esiste teatro musicale al mondo che non metta in scena le opere di Verdi. "Rigoletto", "La Traviata", "Aida" e altri appartengono alle opere più popolari e sono amate dalle più ampie masse di ascoltatori. Molte melodie delle opere di Verdi sono diventate famose in tutto il mondo e nella patria del compositore, l'Italia, vengono cantate come canzoni popolari.

Verdi ha attraversato un lungo percorso creativo. Ha creato ventisei opere in quasi sessant'anni, dagli anni '30 agli anni '90 del XIX secolo. ...Divenuto gloria nazionale d'Italia, venerato ancor più come figura di stato che come figura musicale, Verdi fu destinato ad un invidiabile e quasi costante successo di pubblico per tutta la sua lunga vita e lo stesso fama postuma, che non diminuisce affatto. Frederica von Stade canta "Voi che sapete" di Cherubino

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Significato della parola belcanto

bel canto nel dizionario delle parole crociate

Nuovo dizionario esplicativo della lingua russa, T. F. Efremova.

bel canto

Mercoledì parecchi

1. Uno stile di esecuzione vocale caratterizzato da facilità, grazia, melodiosità e bellezza del suono.

agg. unismo. Distinto per leggerezza, grazia, melodiosità e bellezza del suono (sullo stile dell'esecuzione vocale).

Dizionario enciclopedico, 1998

bel canto

Il BEL CANTO (bel canto italiano, lett. - bel canto) è uno stile vocale (che ha avuto origine in Italia nel XVII secolo), caratterizzato da melodiosità, leggerezza, bellezza del suono, perfezione della cantilena, grazia e virtuosismo della coloratura.

Bel Canto

(bel canto italiano, letteralmente ≈ bel canto), uno stile di esecuzione vocale sviluppato in Italia verso la metà del XVII secolo. e costituendo la base della scuola vocale italiana. B. è caratterizzato dalla bellezza e plasticità della vocalizzazione, estrema leggerezza, flessibilità e libertà di canto, transizioni fluide da suono a suono (vedi Legato), grazia e brillantezza virtuosa dell'esecuzione. Questi caratteristiche specifiche, inerenti alla scuola vocale italiana in tutte le fasi del suo sviluppo, sono associati alla colorazione del suono e alle caratteristiche strutturali della lingua italiana, nonché alle tradizioni dei canti popolari. Pur mantenendo le sue basi artistiche ed estetiche, il B. si arricchì di nuove tecniche esecutive. Le fasi principali dello sviluppo di B. sono: la nascita dell'opera italiana, l'opera di C. Monteverdi, il fiorire della “scuola napoletana” (A. Scarlatti), il periodo dell'attività creativa di V. Bellini e G. Donizetti (il cosiddetto classico B.), opera di G. Verdi, scuola verista.

B. influenzò altre scuole vocali nazionali. A volte per B. si intende la cultura vocale italiana nel suo insieme, la melodiosità di ogni esecuzione vocale.

VV Timokhin.

Wikipedia

Bel Canto

Bel Canto- una tecnica di canto virtuosistico, caratterizzata da una transizione graduale da un suono all'altro, una produzione del suono rilassata, una colorazione bella e ricca del suono, uniformità della voce in tutti i registri, facilità di controllo del suono, che è preservata in tecnicamente flessibile e sofisticati luoghi del pattern melodico. Nel Bel Canto la voce è lo strumento del cantante.

Esempi dell'uso della parola belcanto in letteratura.

bel canto

Il discorso di Heidegger era percepito come un'aria filosofica bel canto, e l'ovazione è stata spiegata dal fatto che ha toccato le note più alte, tanto amate negli anni Cinquanta.

Contro la scuola italiana bel canto La scuola francese, guidata da J., si ribellò.

Bellini ha fatto la storia cultura musicale come un maestro eccezionale bel canto, che in italiano significa bel canto.

Al contrario, hanno sempre ispirato la mia narrativa e il mio bel canto, per non parlare della fluidità dei movimenti a cui hanno sempre contribuito!