Malarstwo w Rosji XIX wieku jest bogate i interesujące.
Wiek XIX nazywany jest zwykle „złotym wiekiem kultury rosyjskiej”. Malarstwo rosyjskie przeżyło niezwykły rozkwit.
Co jakiś czas na niebie pojawiała się nowa, jasna, oryginalna gwiazda, tworząc konstelacje utalentowanych artystów. Każdy z nich miał swój indywidualny charakter pisma, którego nie sposób było nie rozpoznać i nie pomylić.
Artysta z „niedźwiedziej Rosji”
Orest Adamovich Kiprensky (24 marca 1782 - 17 października 1836) Czcigodni włoscy profesorowie malarstwa początkowo nie wierzyli, że portrety wykonane w doskonałej technice, oddające charakter, nastrój i stan psychiczny przedstawianej osoby, nie należą do nikogo sławny artysta Orest Kiprensky z dzikiej Rosji.
Malarstwo w Rosji XIX wieku
Mistrzostwo malarstwa Kiprensky'ego, nieślubnego syna właściciela ziemskiego i chłopki pańszczyźnianej, w niczym nie ustępowało takim mistrzom jak Rubens czy Van Dyck. Malarz ten słusznie uważany jest za najlepszego portrecistę XIX wieku. Szkoda, że we własnym kraju nie został doceniony tak, jak na to zasługiwał. Portret A.S. Puszkina autorstwa Kiprensky'ego został wydrukowany w takim wydaniu, jakiego być może nie miał żaden inny artysta.
Malarz życia ludowego
Aleksey Gavrilovich Venetsianov (18 lutego 1780 - 16 grudnia 1847), zmęczony dwunastoletnim kopiowaniem obrazów akademickich w Ermitażu, wyjechał do wsi Safonkowo w prowincji Twer. Zaczyna pisać życie chłopów na swój własny, niepowtarzalny sposób. Obfitość światło słoneczne, przepływ powietrza, niezwykła lekkość na płótnach twórcy rosyjskiego malarstwa gatunkowego i pejzażowego.
Malarstwo w Rosji XIX wieku
Rosyjskie otwarte przestrzenie i spokój znane obrazy„Na ziemi uprawnej. Wiosna” i „W żniwa. Lato". „Karol Wielki” Tak nazywano uczniów i wielu współczesnych wielkiego rosyjskiego artysty, przedstawiciela malarstwa monumentalnego, Karola Pawłowicza Bryulłowa (23 grudnia 1799 r. - 23 czerwca 1852 r.). Jego obrazy nazywano uderzającym zjawiskiem w malarstwie XIX wieku. Jego najsłynniejszy obraz „Ostatni dzień Pompejów” stał się triumfem sztuki rosyjskiej. A arystokratyczna „Kobieta” lub cała wiejska dziewczyna przesiąknięta słońcem na obrazie „Włoskie popołudnie” podnieca i budzi romantyczne uczucia.
„Rzymski samotnik”
Aleksander Andriejewicz Iwanow (28 lipca 1806 - 15 lipca 1858) to kontrowersyjne zjawisko w malarstwie rosyjskim. Pisał w sposób ściśle akademicki. Tematyka jego obrazów jest biblijna i starożytne mity. Najbardziej znanym z nich jest „Pojawienie się Chrystusa ludowi”. To płótno o imponujących rozmiarach wciąż przyciąga widza i nie pozwala mu po prostu spojrzeć i odejść.
Malarstwo w Rosji XIX wieku
Na tym polega geniusz tego malarza, który przez ćwierć wieku nie opuszczał swojego rzymskiego warsztatu, obawiając się utraty wolności osobistej i niezależności artysty w związku z powrotem do ojczyzny. Wyprzedził nie tylko współczesnych, ale i kolejne pokolenia, swoją umiejętnością mistrzowskiego przekazywania treści nie tylko zewnętrznych, ale i wewnętrznych. Od Iwanowa nici ciągłości rozciągają się na Surikowa, Ge, Vrubela, Korina.
Jak ludzie żyją na świecie...
Piosenkarz gatunek codzienny- tak można określić twórczość artysty Pawła Andriejewicza Fedotowa (4 lipca 1815 r. - 26 listopada 1852 r.), który żył bardzo krótkim, ale bardzo owocnym życiem. Tematyka wszystkich jego nielicznych obrazów to dosłownie jedno wydarzenie, często dość krótkie w czasie. Ale można za jego pomocą napisać całą historię nie tylko o teraźniejszości, ale także o przeszłości i przyszłości.
Malarstwo w Rosji XIX wieku
I to pomimo faktu, że obrazy Fiedotowa nigdy nie były przeładowane szczegółami. Tajemnica teraźniejszości utalentowany artysta! I smutny tragiczny los gdy prawdziwe uznanie przychodzi dopiero po śmierci.
Czas nazmianę
Zmiany zachodzące w społeczeństwo rosyjskie drugiej połowy XIX wieku, powołanej do życia nie tylko nowej ruchy polityczne, ale także trendy w sztuce. Realizm zastępuje akademizm. Po wchłonięciu wszystkich najlepszych tradycji swoich poprzedników, nowe pokolenie malarzy woli pracować w stylu realizmu.
Rebelianci
9 listopada 1863 roku czternastu absolwentów Akademii Sztuk Pięknych protestowało przeciwko odmowie umożliwienia im pisania konkurencja działa NA wolny temat, opuścił Akademię. Inicjatorem buntu akademickiego był Iwan Nikołajewicz Kramskoj (8 czerwca 1837 r. - 5 kwietnia 1887 r.), znakomity portrecista i autor niezwykłego płótna filozoficzno-moralnego „Chrystus na pustyni”. Powstańcy zorganizowali własne „Stowarzyszenie Objazdowych Wystaw Sztuki”.
Malarstwo w Rosji XIX wieku
Skład społeczny „Pierowiżników” był bardzo zróżnicowany – plebs, synowie chłopów i rzemieślników, emerytowani żołnierze, kościelni wiejscy i drobni urzędnicy. Starali się służyć swemu ludowi mocą swego talentu. Wasilij Grigoriewicz Perow (21 grudnia 1833 - 29 maja 1882) ideolog i przewodnik duchowy„Pierwiżniki”.
Jego obrazy są pełne tragedii trudnych losów ludzi, „Widzenia umarłych”, a jednocześnie tworzy płótna przepełnione humorem i miłością do natury. („Odpoczywający myśliwi”) Aleksiej Kondratiewicz Sawrasow w 1871 r. namalował niewielki obraz „Przybyły gawrony” i stał się założycielem rosyjskiego malarstwa pejzażowego. Słynny obraz wisi w jednej z sal Galerii Trietiakowskiej i jest uważany za obrazowy symbol Rosji.
Nowa era malarstwa rosyjskiego
Świat potrzeby, bezprawia i ucisku pojawia się przed widzem w obrazach wielkiego rosyjskiego artysty Ilji Efimowicza Repina (5 sierpnia 1844 - 29 września 1930).Jego słynne „Woźnicy barek na Wołdze” to nie tylko obraz katorżnicza, ciężka praca, ale także celebracja siły i mocy ludu, jego buntowniczego charakteru. Izaak Iljicz Lewitan (30 sierpnia 1860 - 4 sierpnia 1900) nadal pozostaje skończony mistrz Rosyjski krajobraz.
Malarstwo w Rosji XIX wieku
Uczeń Savrasova zupełnie inaczej postrzega i przedstawia przyrodę. Obfitość słońca, powietrza i niekończące się otwarte przestrzenie o każdej porze roku na płótnach Lewitana tworzą nastrój ciszy, spokoju i cichego szczęścia. Dusza odpoczywa od tych uroczych rosyjskich zakoli rzek, wodnych łąk i jesiennych lasów.
Kronikarze
Tematyka historyczna przyciągała malarzy dramatyzmem, intensywnością namiętności i chęcią ukazywania znanych postaci historycznych. Nikołaj Nikołajewicz Ge (27.02.1831 - 13.06.1894), malarz wyjątkowy, niezwykle szczery, artysta, myśliciel i filozof, złożony, sprzeczny i bardzo emocjonalny.
Malarstwo w Rosji XIX wieku
Malarstwo postrzegał jako misję o wysokiej moralności, otwierającą drogę do wiedzy i historii. Uważał, że artysta nie jest zobowiązany dawać widzowi jedynie przyjemności, ale musi potrafić doprowadzić go do płaczu. Jaka siła, jaka tragedia, jaka siła namiętności w jego samym sławny obraz, przedstawiający scenę, w której Piotr I przesłuchuje swojego syna Aleksieja!
Malarstwo w Rosji XIX wieku
W. Surikow maluje zdjęcie Przejście przez Alpy Suworowa
Wasilij Iwanowicz Surikow (24 stycznia 1848 - 19 marca 1916) dziedziczny kozak, syberyjski. Studiował w Akademii Sztuk Pięknych u kupca i filantropa z Krasnojarska. Jego wielki talent malarza wynikał z głębokiego patriotyzmu i wysokiego obywatelstwa. Dlatego jego płótna o tematyce historycznej zachwycają nie tylko kunsztem i wysoką techniką, ale także napełniają widza dumą z odwagi i waleczności narodu rosyjskiego.
Malarstwo w Rosji XIX wieku
Wiktor Michajłowicz Wasniecow (15 maja 1848 - 23 lipca 1926), znany malarz, poszukiwał w swoich pracach łączenia tematów baśniowych, mitycznych cechy narodowe Rosjanie. Nazywał siebie gawędziarzem, pisarzem epickim i malowniczym guslarem. Dlatego zarówno „Alyonushka”, jak i „Trzej bohaterowie” od dawna stały się symbolami narodu rosyjskiego i Rosji.
Interesujący fakt
Legendarną Budenovkę i płaszcz z długim rondem bojowników 1. Armii Kawalerii Budionnego wynalazł artysta Wiktor Wasniecow. Nakrycie głowy przypominało hełm starożytnych rosyjskich wojowników, a płaszcz „z rozmowami” (naszyte poprzeczne paski na piersi) przypominał kaftan Streltsy.
Na jednym z etapów swojego rozwoju osoba porzuciła cel działania wyłącznie dla funkcjonalności i wygody i zaczęła zwracać uwagę na piękno. Tak pojawiła się sztuka - coś, co rozjaśnia codzienność, budzi emocje i zapamiętuje na wieki. Sztuka jest sposobem przekazywania historii z pokolenia na pokolenie.
Wśród dużej liczby gałęzi każdy gatunek wyróżnia się własnymi cechami i niuansami, sposobami wywoływania wrażeń, oryginalnością i niezależnością. Podobnie jest z malarstwem, które od wieków cieszy ludzkie oko. Obejmuje wiele stylów i trendów, co pozwala mówić o malarstwie jako o niewyczerpanym źródle inspiracji i głębokich emocji. Patrząc na obraz, każdy odnajduje w nim coś własnego, zauważa drobnostki, w których być może autor nie nadał żadnego znaczenia. Taka jest wartość sztuki wizualnej.
Obrazy XIX-wieczne, podobnie jak współczesne, potrafią wywołać różnorodne, często sprzeczne emocje, które uderzają w mózg i wywracają do góry nogami zwykły sens rzeczy.
Malarstwo XIX w
Koniec XVIII - początek XIX wieku odbija się w historii jako dominacja wysoki klasycyzm we wszystkich dziedzinach sztuki, łącznie z malarstwem. Okres ten przepełniony jest przez artystów pragnieniem przekazania w swoich dziełach romantyzmu, wyjątkowości i indywidualności piękna. Obrazy XIX wieku są czymś, co sprawia, że przy każdym pociągnięciu przykuwa się wzrok i podziwia się je jako część dużego, żywego płótna. Tym razem ponownie odsłonił światu piękno portretu, jego zdolność ukazania nie tylko indywidualnych cech przedstawianej osoby i nowych technik malarskich, ale także części samego artysty, sposobu, w jaki widzi świat.
Również obrazy z XIX wieku wypełnione są gradacją dwóch kolorów o zbliżonym odcieniu, co dodało obrazom życia i rzeczywistości. Później, w latach 50., wzniosłość i romantyzm obrazów zmieniła się w odbicie życia bez przesady i upiększeń - w realizm. Jednak mimo panujących trendów artyści malowali to, co widzieli, co czuli i co chcieli przekazać. Nie miała na nie wpływu rama czasowa popularnego gatunku czy priorytetowa technika, bo człowieka twórczego, mistrza w swoim rzemiośle trudno wcisnąć w określony format.
Obrazy Iwana Aiwazowskiego
Jeśli powiesz tylko dwa słowa - „morze” i „malarstwo”, to pierwszym, który przyjdzie na myśl, będzie Iwan Aiwazowski. Sposób, w jaki przekazywał żywioł wody, nie może być z niczym porównywany. W jego obrazach woda, podobnie jak człowiek, jest wypełniona myślami, emocjami i przeżyciami. Każdy z jego obrazów to obraz świata XIX wieku, gdzie statki zmagają się z żywiołami, gdzie światło i ciemność odnajdują swój kontrast w każdym zakątku życia, gdzie przelewają się uczucia, jakby dzień ostatni już nadszedł.
Jego prace, takie jak „Bitwy”, „Burza i wrak”, „Krym i okolice”, są portalem, przez który można dostać się do miejsca ukazanego na płótnie i stać się jego integralną częścią. Poświęcając wiele wysiłku i czasu krajobrazom, Iwan Aiwazowski tworzył także portrety. Niektóre z nich to „Portret wiceadmirała posła Łazariewa”, „Portret A. I. Kaznacheeva” i inne.
Karl Bryullov i jego twórczość
Malarstwo rosyjskie XIX wieku to zbiór najpiękniejszych dzieł dużej liczby mistrzów, wśród których Karl Bryullov wyróżnia się szczególną miłością do sztuki. Otrzymawszy od ojca umiejętność doceniania piękna, Karl nawet od dzieciństwa znacznie przewyższał umiejętnościami wielu swoich kolegów z klasy. W swoich działaniach posługiwał się dużą listą technik. Olej, akwarela, sepia czy rysunek – w jego obrazach widać było niegasnące zainteresowanie autora wszystkimi dziedzinami sztuki.
Bryullova, zainspirowany dziełami najlepsi mistrzowie wszechczasów potrafił przekazać plastyczność, szczególne wyczucie formy i indywidualne rozumienie malarstwa. Najważniejszym dziełem tego artysty jest monumentalny obraz historyczny „Ostatni dzień Pompejów”, którego powstanie trwało sześć lat. Wszystko dziedzictwo twórcze Bryullov zalicza się do „złotego funduszu” nie tylko malarstwa rosyjskiego, ale także światowego.
Wiktor Wasniecow i jego obrazy z XIX wieku
W szkole ludzie zapoznają się z wieloma dziełami Wiktora Wasniecowa. Artysta ten został zauważony dzięki swojej pasji folklor, historyczne i baśniowe, znaczenie historia narodowa. „Bogatyry”, „Rycerz na rozdrożu”, „Car Iwan Wasiljewicz Groźny” - wszystkie te dzieła, niczym miejsca koncentracji energii figuratywnej, wywołują silny impuls wewnętrzny.
W obrazach Wasnetsowa ważna jest scena i fabuła, a kolor odgrywa rolę wprawdzie drugorzędną, ale niezwykle ważną, bo to właśnie dzięki precyzyjnemu doborowi barw i słodkiej dreszczyce, duchowemu pięknu tego, co jest przedstawiane, jego obrazy potrafią napełnić duszę przyjemnym ciepłem i podziwem.
Malarstwo Arkhipa Kuindzhiego
Proste, ale ekscytujące; wydawało się mało wymagające, ale efektowne - taka jest sztuka XIX wieku. Obrazy Arkhipa Kuindzhiego doskonale wpisują się w klimat tamtych czasów. Brak fabuły w jego pracach powinien był obniżyć ich wartość i odebrać entuzjastyczne zainteresowanie, z jakim się je ogląda, a mimo to obrazy te chwytają i przenoszą w odległe głębiny świadomości.
Wszystko zależy od koloru. Pełnia, z jaką Arkhip Kuindzhi oddaje prostotę swojego otoczenia, sprawia, że nie sposób nie podziwiać jego dzieł. „Śnieżne szczyty”, „Wschód słońca”, „Las” – wszystko to żywe przykłady wysokich umiejętności Arkhipa Iwanowicza, dzięki którym można dostrzec piękno i harmonię otaczającego nas świata.
Świat oczami Izaaka Lewitana
Wszystkie obrazy artystów XIX wieku są na swój sposób ekscytujące i wzruszające, a wśród nich swoje miejsce zajmują dzieła Izaaka Lewitana. W ramach jednego płótna artysta eksponował wiele odcieni, dzięki czemu uzyskał szczególną zmysłowość swoich obrazów.
Artysta z pasją kochał życie i wszystkie jego oblicza. Jego prace to proste i na pierwszy rzut oka bezpretensjonalne pejzaże, jak „Nad wiecznym pokojem”, „Zalesiony brzeg”, ale to w ich zwięzłości kryje się emocjonalna ekspresja.
Wiek XIX pozostawił niezatarte ślady we wszystkich formach sztuki. To czas zmieniających się norm i wymagań społecznych, kolosalnego postępu w architekturze, budownictwie i przemyśle. W Europie aktywnie przeprowadzane są reformy i rewolucje, powstają organizacje bankowe i rządowe, a wszystkie te zmiany bezpośrednio dotknęły artystów. Artyści zagraniczni Wiek XIX wyniósł malarstwo na nowy, bardziej nowoczesny poziom, stopniowo wprowadzając takie nurty, jak impresjonizm i romantyzm, które musiały przejść wiele prób, zanim zostały uznane przez społeczeństwo. Artyści minionych stuleci nie spieszyli się z obdarzaniem swoich bohaterów gwałtownymi emocjami, ale przedstawiali ich jako mniej lub bardziej powściągliwych. Ale impresjonizm miał w swoich cechach nieokiełznaną i odważną fantastyczny świat, co zostało jasno połączone z romantyczną tajemnicą. W XIX wieku artyści zaczęli myśleć nieszablonowo, całkowicie odrzucając przyjęte schematy, a ten hart ducha wyrażał się w nastroju ich dzieł. W tym okresie działało wielu artystów, których nazwiska do dziś uważamy za wspaniałe, a ich dzieła niepowtarzalne.
Francja
Hiszpania
Półwysep Iberyjski dał nam także wiele znanych nazwisk, m.in.:
Holandia
Vincent van Gogh to jeden z najwybitniejszych Holendrów. Jak wszyscy wiedzą, Van Gogh cierpiał na poważną chorobę psychiczną, ale nie wpłynęło to na jego wewnętrzny geniusz. Wykonane niezwykłą techniką jego obrazy zyskały popularność dopiero po śmierci artysty. Najsławniejszy: " Noc Gwiazd”, „Irysy”, „Słoneczniki” znajdują się na liście najdroższych dzieł sztuki na całym świecie, chociaż Van Gogh nie miał specjalnego wykształcenia artystycznego.
Norwegia
Edvard Munch pochodzi z Norwegii i słynie z malarstwa. Twórczość Edvarda Muncha wyraźnie wyróżnia się melancholią i pewną lekkomyślnością. Śmierć matki i siostra Już w dzieciństwie dysfunkcyjne relacje z kobietami miały ogromny wpływ na styl malarski artysty. Na przykład wszyscy słynne dzieło„Krzyk” i równie popularna „Chora dziewczyna” niosą ze sobą ból, cierpienie i ucisk.
USA
Kent Rockwell jest jednym ze słynnych amerykańskich malarzy pejzażystów. Jego prace łączą w sobie realizm i romantyzm, co bardzo trafnie oddaje nastrój przedstawianej osoby. Można godzinami patrzeć na jego pejzaże i za każdym razem inaczej interpretować symbole. Niewielu artystom udało się przedstawić zimową przyrodę w taki sposób, że patrzący na nią ludzie naprawdę odczuwają chłód. Nasycenie kolorów i kontrast to rozpoznawalny styl Rockwella.
Wiek XIX jest bogaty w wybitnych twórców, którzy wnieśli swój wkład ogromny wkład w sztukę. Zagraniczni artyści XIX wieku otworzyli drzwi kilku nowym ruchom, takim jak postimpresjonizm i romantyzm, co w rzeczywistości okazało się trudnym zadaniem. Większość z nich niestrudzenie udowadniała społeczeństwu, że ich twórczość ma prawo istnieć, ale wielu udało się to niestety dopiero po śmierci. Ich nieokiełznany charakter, odwaga i gotowość do walki łączą się z wyjątkowym talentem i łatwością percepcji, jaką im daje wszelkie prawo zajmują znaczącą i znaczącą komórkę.
Malarstwo rosyjskie pierwszej połowy XIX wieku.
Rosyjską sztukę piękną charakteryzował romantyzm i realizm. Jednak oficjalnie uznaną metodą był klasycyzm. Akademia Sztuk Pięknych stała się instytucją konserwatywną i bezwładną, utrudniającą wszelkie próby wolności twórczej. Domagała się ścisłego przestrzegania kanonów klasycyzmu i zachęcała do malowania o tematyce biblijnej i mitologicznej. Młodzi utalentowani rosyjscy artyści nie byli zadowoleni z ram akademizmu. Dlatego częściej zwracali się ku gatunkowi portretowemu.
Obraz ucieleśniał romantyczne ideały epoki powstania narodowego. Odrzucając surowe, niezachwiane zasady klasycyzmu, artyści odkryli różnorodność i niepowtarzalność otaczającego ich świata. Znalazło to odzwierciedlenie nie tylko w znanych już gatunkach - portrecie i krajobrazie - ale także dało impuls do narodzin malowanie domu, która stała się przedmiotem uwagi mistrzów drugiej połowy stulecia. Na razie prymat pozostał przy gatunku historycznym. Była to ostatnia ostoja klasycyzmu, jednak i tutaj, za formalnie klasyczną „fasadą”, kryły się romantyczne idee i tematy.
Romantyzm - (francuski romantyzm), ruch ideowo-artystyczny w europejskiej i amerykańskiej kulturze duchowej końca XVIII - I połowy. XIX wiek Odzwierciedlające rozczarowanie skutkami rewolucji francuskiej końca XVIII wieku, ideologią oświecenia i postępem społecznym. Romantyzm przeciwstawiał utylitaryzmowi i zrównaniu jednostki z aspiracjami do nieograniczonej wolności i „nieskończoności”, pragnieniem doskonałości i odnowy oraz patosem niezależności osobistej i obywatelskiej. Podstawą jest bolesna rozbieżność między rzeczywistością idealną a społeczną romantyczny światopogląd i sztuka. Potwierdzenie wewnętrznej wartości życia duchowego i twórczego jednostki, wizerunek silne namiętności, obraz silnych namiętności, uduchowiony i uzdrawiająca natura dla wielu romantyków bohaterowie protestu czy walki współistnieją z motywami „światowego smutku”, „światowego zła”, „nocnej” strony duszy, odzianych w formy ironii, groteski, poetyki dwóch światów. Zainteresowanie przeszłością narodową (często jej idealizacją), tradycjami folkloru i kultury własnej i obcych narodów, chęć stworzenia uniwersalnego obrazu świata (przede wszystkim historii i literatury), idea syntezy sztuk znalazł wyraz w ideologii i praktyce romantyzmu.
W sztuki piękne Romantyzm najwyraźniej objawiał się w malarstwie i grafice, mniej wyraźnie w rzeźbie i architekturze (np. fałszywy gotyk). Większość narodowych szkół romantyzmu w sztukach pięknych powstała w walce z oficjalnym klasycyzmem akademickim.
W głębi oficjalnej kultury państwowej zauważalna jest warstwa kultury „elitarnej”, służącej klasie panującej (arystokracji i dworowi królewskiemu) i charakteryzującej się szczególną otwartością na zagraniczne innowacje. Wystarczy przypomnieć romantyczny obraz O. Kiprensky'ego, V. Tropinina, K. Bryullova, A. Iwanowa i innych główni artyści XIX wiek
Kiprensky Orest Adamowicz, rosyjski artysta. Wybitny mistrz rosyjskiej sztuki romantycznej, znany jako wspaniały portrecista. W obrazie „Dmitrij Donskoj na polu Kulikowo” (1805, Muzeum Rosyjskie) wykazał się pewną znajomością kanonów akademickiego malarstwa historycznego. Jednak na początku obszarem, w którym jego talent ujawnił się w najbardziej naturalny i łatwy sposób, był portret. Jego pierwszy portret malarski („A.K. Schwalbe”, 1804, ibid.), napisany w stylu „Rembrandta”, wyróżnia się wyrazistą i dramatyczną strukturą światłocienia. Z biegiem lat jego kunszt – przejawiający się w umiejętności tworzenia przede wszystkim niepowtarzalnych, indywidualnie charakterystycznych obrazów, doboru specjalnych środków plastycznych dla podkreślenia tej cechy – urósł. Pełen imponującej żywotności: portret chłopca A. A. Chelishcheva (ok. 1810–1811), sparowane wizerunki małżonków F. V. i E. P. Rostopchina (1809) oraz V. S. i D. N. Chwostowa (1814, całość - Galeria Trietiakowska). Artysta coraz częściej bawi się możliwościami koloru oraz kontrastami światła i cienia, tłem krajobrazu i detalami symbolicznymi („E. S. Avdulina”, ok. 1822, tamże). Artysta wie, jak nawet duże portrety ceremonialne wykonać lirycznie, niemal intymnie zrelaksowanym („Portret życia pułkownika husarskiego Evgrafa Davydova”, 1809, Muzeum Rosyjskie). Jego portret młodego A. S. Puszkina, pokryty poetycką chwałą, jest jednym z najlepszych w tworzeniu romantycznego wizerunku. W twórczości Kiprensky'ego Puszkin wygląda uroczyście i romantycznie, w aurze poetyckiej chwały. „Pochlebiasz mi, Orestesie” - westchnął Puszkin, patrząc na gotowe płótno. Kiprensky był także wirtuozem rysownika, który tworzył (głównie przy użyciu włoskiej techniki ołówka i pasteli) przykłady kunsztu graficznego, często przewyższającego swoje malowane portrety otwartą, ekscytująco lekką emocjonalnością. Są to typy codzienne („Ślepy muzyk”, 1809, Muzeum Rosyjskie; „Kałmyczka Bayausta”, 1813, Galeria Trietiakowska) oraz słynna seria ołówkowych portretów uczestników Wojna Ojczyźniana 1812 (rysunki przedstawiające E. I. Chaplitsa, A. R. Tomilowa, P. A. Olenina, ten sam rysunek z poetą Batiuszkowem i innymi; 1813-15, Galeria Trietiakowska i inne zbiory); heroiczny początek nabiera tu szczerej konotacji. Z dużej liczby szkiców i dowodów tekstowych wynika, że artysta przez cały swój dojrzały okres skłaniał się ku stworzeniu dużego (według niego w moich własnych słowach z listu do A.N. Olenina z 1834 r.), „obraz spektakularny lub po rosyjsku uderzający i magiczny”, którego skutki miały zostać przedstawione w formie alegorycznej Historia Europy, a także cel Rosji. „Czytelnicy gazet w Neapolu” (1831, Galeria Trietiakowska) – z pozoru tylko portret zbiorowy – w rzeczywistości kryje się w nim potajemnie symboliczna odpowiedź wydarzenia rewolucyjne w Europie.
Jednak najbardziej ambitna z obrazowych alegorii Kiprensky'ego pozostała niezrealizowana lub zniknęła (jak „Grobowiec Anakreona”, ukończony w 1821 r.). Te romantyczne poszukiwania miały jednak kontynuację na szeroką skalę w twórczości K. P. Bryulłowa i A. A. Iwanowa.
Styl realistyczny znalazł odzwierciedlenie w twórczości V.A. Tropinina. Wczesne portrety Tropinina, malowane w powściągliwych kolorach ( portrety rodzinne Hrabiowie Morkow, 1813 i 1815, oba w Galerii Trietiakowskiej), nadal całkowicie należą do tradycji epoki oświecenia: model w nich jest bezwarunkowym i stabilnym centrum obrazu. Później kolor obrazu Tropinina staje się intensywniejszy, bryły są zwykle rzeźbione wyraźniej i rzeźbiarsko, ale co najważniejsze, sugestywnie rośnie czysto romantyczne poczucie poruszającego się elementu życia, którego bohater portretu wydaje się być tylko część, fragment („Bułachow”, 1823; „K.G. Ravich”, 1823; autoportret, ok. 1824 r.; wszystkie trzy - w tym samym miejscu). Taki jest A. S. Puszkin na słynnym portrecie z 1827 r. (Ogólnorosyjskie Muzeum A. S. Puszkina, Puszkin): poeta, kładąc rękę na stosie papieru, jakby „słuchał muzy”, słuchał twórczy sen, otaczając obraz niewidzialną aureolą. Namalował także portret A.S. Puszkina. Przed widzem pojawia się mądry człowiek doświadczenie życiowe, niezbyt szczęśliwa osoba. W portrecie Tropinina poeta czaruje w swojski sposób. Z prac Tropinina emanuje szczególne, staro-moskiewskie ciepło i komfort. Do 47. roku życia przebywał w niewoli. Pewnie dlatego twarze na jego płótnach są tak świeże i inspirujące zwykli ludzie. A młodość i urok jego „Koronkarki” są nieograniczone. Najczęściej V. A. Tropinin zwracał się do wizerunku ludzi z ludu („Koronkarka”, „Portret syna” itp.).
Poszukiwania artystyczne i ideologiczne języka rosyjskiego myśl społeczna oczekiwanie na zmianę znalazło odzwierciedlenie w malarstwie K.P. Bryullowa „Ostatni dzień Pompejów” i A. A. Iwanow „Pojawienie się Chrystusa ludowi”.
Wielkim dziełem sztuki jest obraz „Ostatni dzień Pompejów” Karola Pawłowicza Bryulłowa (1799-1852). W 1830 r. podczas wykopalisk starożytne miasto Rosyjski artysta Karl Pawłowicz Bryullov odwiedził Pompeje. Spacerował po starożytnych chodnikach, podziwiał freski, a w jego wyobraźni powstała tragiczna noc sierpnia 79 r. n.e. e., kiedy miasto pokryło się gorącym popiołem i pumeksem przebudzonego Wezuwiusza. Trzy lata później obraz „Ostatni dzień Pompejów” odbył triumfalną podróż z Włoch do Rosji. Artysta znalazł niesamowite kolory, aby przedstawić tragedię starożytnego miasta, umierającego pod lawą i popiołem wybuchającego Wezuwiusza. Obraz jest przesiąknięty wysokimi ideałami humanistycznymi. Pokazuje odwagę ludzi, ich poświęcenie, okazane podczas straszliwej katastrofy. Bryullov był we Włoszech w podróży służbowej do Akademii Sztuk Pięknych. Ta instytucja edukacyjna zapewniła dobre wykształcenie w zakresie technik malarskich i rysunkowych. Akademia jednak wyraźnie skupiła się na starożytne dziedzictwo i bohaterskie motywy. Dla malarstwo akademickie Charakterystyczny był dekoracyjny pejzaż i teatralność całości kompozycji. Sceny z Nowoczesne życie, zwykły rosyjski krajobraz uznano za niegodny pędzla artysty. Klasycyzm w malarstwie nazywano akademizmem. Bryullov był związany z Akademią całą swoją twórczością.
Miał potężną wyobraźnię, bystre oko i wierną rękę – dzięki temu zrodził żywe twory zgodne z kanonami akademizmu. Rzeczywiście, dzięki wdziękowi Puszkina, potrafił uchwycić na płótnie piękno nagości Ludzkie ciało i drżenie promienia słońca na zielonym liściu. Jego płótna „Jeździec”, „Batszeba”, „Włoski poranek”, „Włoskie popołudnie”, liczne ceremonie i intymne portrety. Artysta zawsze jednak skłaniał się ku dużej tematyce historycznej, ku ukazaniu znaczących wydarzeń historia ludzkości. Wiele jego planów w tym zakresie nie zostało zrealizowanych. Bryullov nigdy nie porzucił pomysłu stworzenia epickiego płótna opartego na fabule z historii Rosji. Rozpoczyna obraz „Oblężenie Pskowa przez wojska króla Stefana Batorego”. Przedstawia kulminację oblężenia w 1581 r., kiedy wojownicy pskowscy i. Mieszczanie rzucają się, by zaatakować Polaków, którzy wdarli się do miasta, i wrzucić ich za mury. Ale obraz pozostał niedokończony, a zadanie stworzenia prawdziwie narodowych obrazów historycznych wykonał nie Bryulłow, ale kolejne pokolenie rosyjskich artystów. W tym samym wieku co Puszkin Bryulłow przeżył go o 15 lat. W ostatnich latach chorował. Z namalowanego wówczas autoportretu przedstawiający czerwonawego mężczyznę z subtelne rysy twarz i spokojne, zamyślone spojrzenie.
W pierwszej połowie XIX w. Żył i pracował artysta Aleksander Andriejewicz Iwanow (1806-1858). Wszystkie moje twórcze życie poświęcił ideę duchowego przebudzenia ludu, urzeczywistniając ją w obrazie „Pojawienie się Chrystusa ludowi”. Przez ponad 20 lat pracował nad obrazem „Pojawienie się Chrystusa ludziom”, w który włożył całą moc i jasność swojego talentu. Na pierwszym planie jego okazałego płótna wzrok przykuwa odważna postać Jana Chrzciciela, wskazująca ludziom zbliżającego się Chrystusa. W oddali widoczna jest jego postać. Jeszcze nie przyjechał, nadchodzi, na pewno przyjdzie – mówi artysta. A twarze i dusze tych, którzy czekają na Zbawiciela, rozjaśniają się i stają jasne. Na tym zdjęciu pokazał, jak później powiedział I. E. Repin, „uciskany naród tęskniący za słowem wolności”.
W pierwszej połowie XIX w. Malarstwo rosyjskie obejmuje tematy codzienne.
Jednym z pierwszych, którzy zwrócili się do niego, był Aleksiej Gawrilowicz Venetsianov (1780–1847). Swoją twórczość poświęcił przedstawieniu życia chłopów. Pokazuje to życie w wyidealizowanej, upiększonej formie, oddając hołd modnemu wówczas sentymentalizmowi. Jednak obrazy Venetsianova „Młocarnia”, „W żniwach. Lato”, „Na gruntach ornych. Wiosna”, „Chłopka z chabrami”, „Zacharka”, „Poranek właściciela ziemskiego”, odzwierciedlające piękno i szlachetność zwykłego Rosjanina, służyły utwierdzeniu godności człowieka, niezależnie od jego statusu społecznego.
Jego tradycje kontynuował Paweł Andriejewicz Fiedotow (1815–1852). Jego płótna są realistyczne, przepełnione treściami satyrycznymi, eksponującymi kupiecką moralność, życie i obyczaje elity społeczeństwa („Major’s Matchmaking”, „Świeży kawaler” itp.). Rozpoczął swoją karierę jako artysta satyryczny jako oficer straży. Potem zrobił zabawne, przewrotne szkice z życia armii. W 1848 roku na wystawie akademickiej zaprezentowano jego obraz „Świeży kawaler”. Była to śmiała kpina nie tylko z głupiej, zadowolonej z siebie biurokracji, ale także z tradycji akademickich. Brudna szata, w którą ubrany był główny bohater obrazu, bardzo przypominała antyczną togę. Bryulłow stał długo przed płótnem, po czym powiedział do autora pół żartem, pół serio: „Gratulacje, pokonałeś mnie”. Inne filmy Fiedotowa („Śniadanie arystokraty”, „Major's Matchmaking”) również mają charakter komediowy i satyryczny. Jego ostatnie obrazy są bardzo smutne („Kotwica, więcej kotwicy!”, „Wdowa”). Współcześni słusznie porównali P. A. Fiedotowa w malarstwie z N. W. Gogolem w literaturze. Ujawnianie bolączek feudalnej Rosji jest głównym tematem twórczości Pawła Andriejewicza Fiedotowa.
Malarstwo rosyjskie drugiej połowy XIX wieku.
Druga połowa XIX wieku. charakteryzował się rozkwitem rosyjskiej sztuki pięknej. Stała się naprawdę wielką sztuką, przesiąknięta patosem walki wyzwoleńczej ludu, odpowiadała na wymagania życia i aktywnie wkraczała w życie. W sztukach pięknych ostatecznie ugruntował się realizm - prawdziwe i wszechstronne odzwierciedlenie życia ludzi, chęć odbudowania tego życia na zasadach równości i sprawiedliwości.
Świadomy zwrot nowego malarstwa rosyjskiego w stronę realizmu demokratycznego, narodowości i nowoczesności nastąpił pod koniec lat 50. sytuacja rewolucyjna w kraju, wraz z dojrzewaniem społecznym różnych inteligencji, z rewolucyjnym oświeceniem Czernyszewskiego, Dobrolubowa, Saltykowa-Szczedrina, z miłującą ludzi poezją Niekrasowa. W „Esejach Okres Gogola Czernyszewski napisał: „Jeśli malarstwo jest obecnie ogólnie w dość opłakanym położeniu, główny powód Trzeba też wziąć pod uwagę alienację tej sztuki od współczesnych aspiracji. Tę samą myśl prezentowano w wielu artykułach w czasopiśmie „Sovremennik”.
Motyw przewodni sztuka stała się ludem, nie tylko uciskanym i cierpiącym, ale także człowiekiem - twórcą historii, człowiekiem-wojownikiem, twórcą wszystkiego, co najlepsze w życiu.
Ugruntowanie realizmu w sztuce nastąpiło w wyniku zaciętej walki z oficjalnym kierunkiem, którego przedstawicielem było kierownictwo Akademii Sztuk Pięknych. Liderzy akademii zaszczepili swoim studentom przekonanie, że sztuka jest czymś więcej niż życie, a dla twórczości artystów przedstawiali wyłącznie wątki biblijne i mitologiczne.
Ale malarstwo zaczynało już łączyć się z nowoczesnymi aspiracjami - przede wszystkim w Moskwie. Szkoła Moskiewska a dziesiąta nie korzystała z przywilejów Akademia w Petersburgu sztuki, ale w mniejszym stopniu opierała się na swoich zakorzenionych dogmatach, atmosfera w niej była bardziej ożywiona. Chociaż nauczycielami w Szkole są w większości akademicy, akademicy są wtórni i chwiejni - nie tłumili swoim autorytetem tak bardzo, jak w Akademii F. Bruni, filaru starej szkoły, który kiedyś konkurował z malarstwem Bryullova „ Miedziany wąż”.
W 1862 r. Rada Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu podjęła decyzję o zrównaniu praw wszystkich gatunków, znosząc prymat malarstwa historycznego. Złoty medal był teraz przyznawany niezależnie od tematu obrazu, biorąc pod uwagę wyłącznie jego zalety. Jednak „swobody” w murach akademii nie trwały długo.
W 1863 r. młodzi artyści biorący udział w konkursie naukowym złożyli petycję „o pozwolenie na swobodny wybór tematów na wybrane przez siebie tematy, poza zadanym tematem”. Rada Akademii odmówiła. To, co wydarzyło się później, w historii sztuki rosyjskiej nazywa się „buntem czternastu”. Czternastu uczniów klasy historycznej nie chciało malować obrazów na zaproponowany temat z mitologii skandynawskiej – „Uczta w Valgaal” i dosadnie złożyła petycję o opuszczenie akademii. Znajdując się bez warsztatów i pieniędzy, rebelianci zjednoczyli się w rodzaj komuny - podobnej do typu gmin opisanych przez Czernyszewskiego w powieści „Co robić?” - Artel Artystów, na którego czele stoi malarz Iwan Nikołajewicz Kramskoj . Pracownicy artelu przyjmowali zlecenia na wykonanie różnych dzieł artystycznych, mieszkali w tym samym domu i gromadzili się we wspólnym pokoju, aby rozmawiać, omawiać obrazy i czytać książki.
Siedem lat później Artel się rozwiązał. W tym czasie, w latach 70., z inicjatywy artysty Grigorija Grigoriewicza Myasoedowa, powstało stowarzyszenie - „Stowarzyszenie Artystycznych Wstawek Mobilnych”, zawodowe i komercyjne stowarzyszenie artystów o podobnych stanowiskach ideologicznych.
Stowarzyszenie Wędrowców, w przeciwieństwie do wielu późniejszych stowarzyszeń, działało bez żadnych deklaracji i manifestów. Jej statut stanowił jedynie, że członkowie Partnerstwa powinni sami zarządzać swoimi sprawami materialnymi, niezależni w tym zakresie od nikogo, a także sami organizować wystawy i zabierać je do różnych miast („przemieszczać się” po Rosji) w celu zapoznania się z krajem Sztuka rosyjska. Obydwa te punkty miały istotne znaczenie, potwierdzając niezależność sztuki od władzy i wolę artystów szerokiego komunikowania się z ludźmi nie tylko w stolicy. Główną rolę w powstaniu Partnerstwa i opracowaniu jego statutu odegrali, oprócz Kramskoja, Myasoedov, Ge - z Petersburga i Moskali - Perow, Pryanishnikov, Savrasov.
Pieriewiżnicy zjednoczyli się w odrzuceniu „akademizmu” poprzez jego mitologię, dekoracyjne krajobrazy i pompatyczna teatralność. Chcieli portretować żyjąc życiem. Wiodące miejsce w ich twórczości zajmowały sceny rodzajowe (codzienne). Chłopstwo cieszyło się szczególną sympatią „Wędrowców”. Pokazali jego potrzebę, cierpienie, ucisk. W tamtym czasie – w latach 60-70. XIX wiek - ideologiczna strona sztuki była ceniona wyżej niż estetyczna. Dopiero z biegiem czasu artyści przypomnieli sobie o wewnętrznej wartości malarstwa.
Być może największy hołd ideologii złożył Wasilij Grigoriewicz Perow (1834–1882). Wystarczy przypomnieć takie jego obrazy, jak „Przybycie szefa śledztwa”, „Przyjęcie herbaciane w Mytishchi”. Niektóre dzieła Perowa przesiąknięte są prawdziwą tragedią („Trojka”, „Starzy rodzice przy grobie syna”). Perow namalował wiele portretów swoich słynnych współczesnych (Ostrowskiego, Turgieniewa, Dostojewskiego).
Niektóre obrazy „Wędrowców”, malowane na żywo lub inspirowane prawdziwymi scenami, wzbogaciły nasze wyobrażenia o życiu chłopskim. Film S. A. Korovina „Na świecie” ukazuje starcie na wiejskim zgromadzeniu pomiędzy bogatym i biednym człowiekiem. V. M. Maksimov uchwycił wściekłość, łzy i smutek podziału rodziny. Uroczyste święto pracy chłopskiej znajduje odzwierciedlenie w obrazie „Kosiarki” G. G. Myasoedova.
Portrety zajmowały główne miejsce w twórczości Kramskoya. Pisał Goncharowa, Saltykowa-Szczedrina, Niekrasowa. Jest właścicielem jednego z najlepszych portretów Lwa Tołstoja. Wzrok pisarza nie schodzi z widza, niezależnie od tego, z jakiego punktu patrzy na płótno. Jednym z najpotężniejszych dzieł Kramskoya jest obraz „Chrystus na pustyni”.
Pierwsza wystawa „Wędrowców”, otwarta w 1871 r., przekonująco pokazała istnienie nowego kierunku, który kształtował się przez całe lata 60. XX wieku. Eksponatów było tylko 46 (w przeciwieństwie do uciążliwych wystaw Akademii), ale starannie wybranych i choć wystawa nie była celowo programowa, ogólny, niepisany program wyłaniał się dość wyraźnie. Reprezentowane były wszystkie gatunki - historia, życie codzienne, portrety krajobrazowe - a widzowie mogli ocenić, co nowego przynieśli im „Wędrowcy”. Pechowa była tylko rzeźba (była jedna, i to już dość niezwykła rzeźba F. Kamenskiego), ale tego typu sztuka „pechowa” była przez długi czas, właściwie przez całą drugą połowę stulecia.
Już na początku lat 90. wśród młodych artystów szkoły moskiewskiej znaleźli się jednak tacy, którzy godnie i poważnie kontynuowali tradycję objazdową obywatelską: S. Iwanow ze swoim cyklem obrazów o imigrantach, S. Korovin – autor m.in. obraz „Na świecie”, w którym ciekawie i w przemyślany sposób ukazane są dramatyczne (naprawdę dramatyczne!) konflikty przedreformacyjnej wsi. Ale nie nadawali tonu: zbliżało się wejście na czoło „Świata Sztuki”, równie odległego od Wędrowców, jak i od Akademii. Jak wyglądała wówczas Akademia? Jej dotychczasowe, rygorystyczne postawy artystyczne zanikły, nie obstawała już przy rygorystycznych wymaganiach neoklasycyzmu, przy osławionej hierarchii gatunków, była dość tolerancyjna wobec gatunku codziennego, wolała jedynie, aby był on „piękny” niż „chłopski” (przykład „pięknych” dzieł pozaakademickich - sceny z starożytnego życia popularnego wówczas S. Bakalowicza). W przeważającej części produkcja pozaakademicka, podobnie jak w innych krajach, była salonem mieszczańskim, a jej „pięknem” była wulgarna uroda. Ale nie można powiedzieć, że nie przedstawiła talentów: wspomniany G. Semiradsky był bardzo utalentowany, V. Smirnov, który zmarł wcześnie (któremu udało się stworzyć imponujący Duży obraz„Śmierć Nerona”); Nie można odmówić pewnych walorów artystycznych obrazów A. Svedomsky'ego i V. Kotarbinsky'ego. Z aprobatą wypowiadał się o tych artystach, uważając ich za nosicieli „ducha helleńskiego”. późniejsze lata Repin, zaimponowali Vrubelowi, podobnie jak Aivazovsky - także artysta „akademicki”. Z drugiej strony nikt inny jak Semiradski podczas reorganizacji Akademii zdecydowanie opowiedział się za gatunkiem codziennym, wskazując jako pozytywne przykłady Perowa, Repina i W. Majakowskiego. Było więc wystarczająco dużo punktów zbieżności między „Wędrowcami” a Akademią, co zrozumiał ówczesny wiceprezes Akademii I. I. Tołstoj, z którego inicjatywy powołani zostali czołowi „Wędrowcy” do nauczania.
Ale najważniejsze, że nie pozwala nam całkowicie pominąć roli Akademii Sztuk Pięknych, przede wszystkim jako instytucja edukacyjna, w drugiej połowie stulecia, jest prostym faktem, że z jego murów wyłoniło się wielu wybitnych artystów. Są to Repin, Surikow, Polenow i Wasnetsow, a później - Serow i Vrubel. Co więcej, nie powtórzyli „buntu czternastu” i najwyraźniej skorzystali na swojej praktyce zawodowej.
Szacunek dla rysunku, dla skonstruowanej formy konstruktywnej jest zakorzeniony w sztuce rosyjskiej. Ogólna orientacja kultury rosyjskiej na realizm stała się przyczyną popularności metody Czistyakowa - w ten czy inny sposób rosyjscy malarze, aż do Sierowa, Niestierowa i Vrubela włącznie, czcili „niezmienne, wieczne prawa formy” i obawiali się „dematerializacji” ” lub podporządkowanie kolorowego, amorficznego elementu, niezależnie od tego, jak bardzo kochali kolor.
Wśród Pieredwiżników zaproszonych do Akademii było dwóch malarzy pejzażu - Szyszkin i Kuindzhi. To właśnie w tym czasie rozpoczęła się i w jaki sposób hegemonia krajobrazu w sztuce niezależny gatunek, gdzie królował Lewitan, i jako równorzędny element malarstwa codziennego, historycznego i częściowo portretowego. Wbrew przewidywaniom Stasowa, który uważa, że rola krajobrazu będzie malała, w latach 90. wzrosła ona bardziej niż kiedykolwiek. Przeważał liryczny „krajobraz nastrojów”, którego korzenie sięgają Savrasowa i Polenowa.
Grupa Pieredwiżników dokonała prawdziwych odkryć w malarstwie pejzażowym. Aleksiej Kondratiewicz Savrasow (1830–1897) zdołał pokazać piękno i subtelny liryzm prostego rosyjskiego krajobrazu. Jego obraz „Przybyły gawrony” (1871) skłonił wielu współczesnych do świeżego spojrzenia na rodzimą przyrodę.
Fiodor Aleksandrowicz Wasiliew (1850-1873) żył krótko. Jego twórczość, przerwana na samym początku, wzbogaciła malarstwo rosyjskie o szereg dynamicznych, ekscytujących pejzaży. Artysta szczególnie dobrze radził sobie ze stanami przejściowymi w przyrodzie: od słońca do deszczu, od spokoju do burzy.
Pieśniarzem rosyjskiego lasu, epickiej szerokości rosyjskiej przyrody, został Iwan Iwanowicz Szyszkin (1832–1898). Arkhipa Iwanowicza Kuindzhi (1841-1910) urzekła malownicza gra światła i powietrza. Tajemnicze światło księżyca w rzadkich chmurach, czerwone odbicia świtu na białych ścianach ukraińskich chat, skośne poranne promienie przedzieranie się przez mgłę i zabawa w kałużach na błotnistej drodze – te i wiele innych malowniczych odkryć uwiecznia na swoich płótnach.
Rosyjski w szczytowym okresie pejzaż XIX wiek osiągnął w twórczości ucznia Sawrasowa Izaaka Iljicza Lewitana (1860-1900). Lewitan to mistrz spokojnych, cichych krajobrazów.Człowiek bardzo nieśmiały, nieśmiały i wrażliwy, umiał odpoczywać jedynie w samotności, przesiąknięty nastrojem ulubionego krajobrazu.
Pewnego dnia przybył nad Wołgę, aby malować słońce, powietrze i przestrzenie rzeczne. Ale nie było słońca, niekończące się chmury pełzały po niebie i przestały padać tępe deszcze. Artysta denerwował się, dopóki nie wciągnął się w tę pogodę i nie odkrył szczególnego uroku kolory liliowe Rosyjska zła pogoda. Od tego czasu Górna Wołga i prowincjonalne miasto Ples mocno zakorzeniły się w jego twórczości. W tych stronach stworzył swoje „deszczowe” prace: „Po deszczu”, „Ponury dzień”, „Nad wiecznym pokojem”. Malowano tam także spokojne wieczorne pejzaże: „Wieczór nad Wołgą”, „Wieczór. Złoty Zasięg”, „Wieczorne dzwonienie”, „Cicha chata”.
W ostatnich latach życia Lewitan zwrócił uwagę na twórczość francuskich artystów impresjonistów (E. Maneta, C. Moneta, C. Pizarro). Uświadomił sobie, że ma z nimi wiele wspólnego, że ich poszukiwania twórcze poszły w tym samym kierunku. Podobnie jak oni wolał pracować nie w studiu, ale w powietrzu (jak mówią artyści, w plenerze). Podobnie jak oni rozjaśnił paletę, wypędzając ciemne, ziemiste kolory. Podobnie jak oni starał się uchwycić ulotność istnienia, oddać ruchy światła i powietrza. W tym posunęli się dalej niż on, ale prawie rozpuścili formy wolumetryczne (domy, drzewa) w strumieniach lekkiego powietrza. Unikał tego.
„Na obrazy Lewitana trzeba patrzeć powoli” – pisał wielki znawca jego twórczości K. G. Paustovsky – „Nie razią oka. Są skromne i precyzyjne, jak opowieści Czechowa, ale im dłużej się im przyglądasz, tym słodsza staje się cisza prowincjonalnych miasteczek, znajomych rzek i wiejskich dróg.
Na drugim połowa XIX V. musieć twórczy rozkwit T. E. Repin, V. I. Surikov i V. A. Serov.
Ilya Efimovich Repin (1844–1930) urodził się w mieście Czuguew, w rodzinie osadnika wojskowego. Udało mu się wstąpić do Akademii Sztuk Pięknych, gdzie jego nauczycielem był P. P. Chistyakov, który wyszkolił całą plejada znanych artystów (V. I. Surikov, V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel, V. A. Serov). Repin również wiele się nauczył od Kramskoya. W 1870 roku młody artysta podróżował wzdłuż Wołgi. Liczne szkice przywiezione z podróży wykorzystał do obrazu „Przewoźnicy barek na Wołdze” (1872). Zrobiła duże wrażenie na opinii publicznej. Autor natychmiast awansował na rzesze najsłynniejszych mistrzów.
Repin był artystą bardzo wszechstronnym. W jego pędzlu znajduje się wiele monumentalnych obrazów rodzajowych. Być może nie mniejsze wrażenie niż „Przewoźnicy barek” robi „Procesja religijna w Kurski obwód" Jasny niebieskie niebo, kłęby pyłu drogowego przebite przez słońce, złoty blask krzyży i szat, policja, zwykli ludzie i kaleki – wszystko mieści się na tym płótnie: wielkość, siła, słabość i ból Rosji.
Wiele filmów Repina poruszało tematy rewolucyjne („Odmowa spowiedzi”, „Nie spodziewali się”, „Aresztowanie propagandysty”). Rewolucjoniści na jego obrazach zachowują się prosto i naturalnie, unikając teatralnych póz i gestów. Na obrazie „Odmowa zeznań” wydaje się, że skazany na śmierć celowo ukrył ręce w rękawach. Artysta wyraźnie sympatyzował z bohaterami swoich obrazów.
Powstało wiele obrazów Repina tematy historyczne(„Iwan Groźny i jego syn Iwan”, „Kozacy piszący list do tureckiego sułtana” itp.). Repin stworzył całą galerię portretów. Malował portrety naukowców (Pirogowa i Sieczenowa), pisarzy Tołstoja, Turgieniewa i Garszyna, kompozytorów Glinki i Musorgskiego, artystów Kramskoja i Surikowa. Na początku XX wieku. otrzymał zamówienie na obraz „Uroczyste posiedzenie Rady Państwa”. Artystce udało się nie tylko umieścić tak dużą liczbę obecnych na płótnie kompozycyjnie, ale także wielu z nich nadać charakter psychologiczny. Wśród nich były następujące znane postacie, jak S. Yu Witte, K. P. Pobedonostsev, P. P. Semenov Tian-Shansky. Mikołaj II na zdjęciu jest ledwo zauważalny, ale jest przedstawiony bardzo subtelnie.
Wasilij Iwanowicz Surikow (1848-1916) urodził się w Krasnojarsku, w r. Kozacka rodzina. Rozkwit jego twórczości przypadł na lata 80., kiedy stworzył trzy najsłynniejsze obrazy historyczne: „Poranek Streltsy wykonanie”, „Mienszykow w Berezowie” i „Boyarina Morozowa”.
Surikow dobrze znał życie i zwyczaje minionych epok i był w stanie nadać żywe cechy psychologiczne. Ponadto był znakomitym kolorystą (mistrzem koloru). Wystarczy przypomnieć sobie olśniewająco świeży, lśniący śnieg w filmie „Boyaryna Morozova”. Jeśli zbliżysz się do płótna, śnieg wydaje się „kruszyć” w niebieskie, jasnoniebieskie i różowe pociągnięcia. Ten technika malownicza, kiedy dwa lub trzy różne pociągnięcia łączą się na odległość i dają pożądany kolor, był szeroko stosowany przez francuskich impresjonistów.
Walentin Aleksandrowicz Sierow (1865-1911), syn kompozytora, malował pejzaże, płótna o tematyce historycznej, pracował jako artysta teatralny. Ale to przede wszystkim portrety przyniosły mu sławę.
W 1887 r. 22-letni Sierow spędzał wakacje w Abramcewie, daczy filantropa S.I. Mamontowa pod Moskwą. Wśród wielu swoich dzieci młody artysta był swoim własnym człowiekiem, uczestnikiem ich hałaśliwych zabaw. Pewnego dnia po obiedzie w jadalni przypadkowo zatrzymały się dwie osoby – Serow i 12-letnia Verusha Mamontova. Usiedli przy stole, na którym stały brzoskwinie, a podczas rozmowy Verusha nie zauważyła, jak artystka zaczęła szkicować swój portret. Praca trwała miesiąc, a Wierusza była zła, że Anton (jak nazywano w domu Sierow) kazał jej godzinami siedzieć w jadalni.
Na początku września ukończono realizację „Dziewczyny z brzoskwiniami”. Obraz, mimo niewielkich rozmiarów, utrzymany w różowozłotej tonacji, sprawiał wrażenie bardzo „przestrzennego”. Było w nim dużo światła i powietrza. Dziewczyna, która przez chwilę siedziała przy stole i wpatrywała się w widza, była oczarowana swoją jasnością i duchowością. A całe płótno pokryte było czysto dziecinnym postrzeganiem życia codziennego, kiedy szczęście nie jest samo w sobie świadome, a przed nami całe życie.
Mieszkańcy domu Abramcewa oczywiście zrozumieli, że na ich oczach wydarzył się cud. Ale dopiero czas daje ostateczną ocenę. Umieściło „Dziewczynę z brzoskwiniami” wśród najlepszych prace portretowe w malarstwie rosyjskim i światowym.
W następnym roku Sierowowi udało się prawie powtórzyć swoją magię. Namalował portret swojej siostry Marii Simonović („Dziewczyna oświetlona przez słońce”). Nazwa jest trochę nietrafiona: dziewczyna siedzi w cieniu, a promienie porannego słońca oświetlają polanę w tle. Ale na zdjęciu wszystko jest tak zjednoczone, tak zjednoczone - poranek, słońce, lato, młodość i piękno - że trudno wymyślić lepszą nazwę.
Serow stał się modnym portrecistą. Przed nim pozowali znani pisarze, aktorzy, artyści, przedsiębiorcy, arystokraci, a nawet królowie. Najwyraźniej nie każdemu, co pisał, zależało na tym. Niektóre portrety z wyższych sfer, pomimo filigranowej techniki wykonania, okazały się zimne.
Przez kilka lat Sierow wykładał w Moskiewskiej Szkole Malarstwa, Rzeźby i Architektury. Był wymagającym nauczycielem. Przeciwnik zamrożonych form malarskich Sierow uważał jednocześnie, że poszukiwania twórcze powinny opierać się na solidnym opanowaniu technik rysunku i pisma obrazkowego. Wielu wybitnych mistrzów uważało się za uczniów Sierowa. To jest M.S. Saryan, K.F. Yuon, P.V. Kuzniecow, K.S. Petrov-Vodkin.
Wiele obrazów Repina, Surikowa, Lewitana, Sierowa i „Wędrowców” trafiło do kolekcji Tretiakowa. Paweł Michajłowicz Tretiakow (1832-1898), przedstawiciel starożytnej Moskwy rodzina kupiecka, był niezwykłą osobą. Szczupły i wysoki, z gęsta broda i cichym głosem brzmiał bardziej jak święty niż kupiec. Kolekcjonerstwo obrazów artystów rosyjskich rozpoczął w 1856 roku. Jego hobby stało się głównym zajęciem jego życia. Na początku lat 90. zbiory osiągnęły poziom muzealny, pochłaniając niemal cały majątek kolekcjonera. Później stał się własnością Moskwy. Galeria Trietiakowska stała się światowa słynne muzeum Rosyjskie malarstwo, grafika i rzeźba.
W 1898 r. Otwarto Muzeum Rosyjskie w Petersburgu, w Pałacu Michajłowskim (twórstwo K. Rossiego). Otrzymał prace rosyjskich artystów z Ermitażu, Akademii Sztuk i niektórych pałaców cesarskich. Otwarcie tych dwóch muzeów zdawało się być zwieńczeniem osiągnięć malarstwa rosyjskiego XIX wieku.