Buduar to pokój należący do kobiety, garderoba czy w ogóle sypialnia, coś do czego nie każdy ma dostęp, coś bardzo intymnego. Fotografia prywatnej, intymnej strony życia staje się obecnie jednym z największych rozwijających się rynków fotograficznych w segmencie portretów nowoczesnej branży fotograficznej. Ludzie chcą pokazać, na czym im zależy, jak pracują, żyją i chcą, żeby to wszystko wyglądało pięknie i stylowo. Jednocześnie dni jasnych, błyszczących zdjęć wykonanych w trybie high-key schodzą na dalszy plan. Kobiety zaczęły rozumieć, jak wyglądają zdjęcia drukowane w błyszczących magazynach, publikowane na blogach modowych i w zasobach internetowych, takich jak Pinterest. Jeśli idziesz z duchem czasu, to już teraz powinieneś być gotowy na wejście na ten rynek i stopniowe odchodzenie od połysku.
Jak często fotografujesz profesjonalne modele? Jak często zatrzymują się w Twoim studiu? Zgadza się, nie tak często. Większość naszych klientów to zwykli ludzie, którzy chcą mieć w swoim albumie profesjonalne zdjęcia, ale jednocześnie nie wiedzą, jak pozować przed aparatem. Zadaniem fotografa jest wyzwolenie ich i sprawienie, by poczuli się na swoim miejscu. Jako mężczyzna w średnim wieku rozumiem, jak czasochłonny jest to proces. Po 25 latach pracy w branży modowej mogę szczerze powiedzieć, że widziałem ogromną różnorodność typów ciała i twarzy, a co najważniejsze, osobowości ludzi.
A pierwszą rzeczą, którą robię przed rozpoczęciem sesji zdjęciowej, jest spotykanie się z ludźmi, opowiadanie o sobie, pokazywanie moich prac. Jednocześnie staram się wyglądać tak niezgrabnie, a nawet trochę idiotycznie, jak to możliwe. To rozwiązuje dwa problemy. Klienci przestają się denerwować, zaczynają zachowywać się swobodnie i co najważniejsze, przestają bać się, że wyjdą głupio. Gdzieś na poziomie podświadomości rozumieją, że nie ma ludzi idealnych i aby uzyskać wysokiej jakości zdjęcia, wystarczy się zrelaksować i być sobą. Pamiętaj o tym, Twoje zachowanie pomoże zrelaksować klienta.
Spróbujmy teraz przyjrzeć się głównym błędom podczas fotografowania dowolnego portretu nieprzygotowanego „modela”.
Na tym zdjęciu białka oczu mocno się wyróżniają, a dłoń leży jakoś niezgrabnie. Dziewczyna wygląda na spiętą i zakłopotaną. Poza tym biodra są zbyt pełne. Osobiście nie jestem zadowolony z tego strzału.
W kolejnym ujęciu dziewczyna opuściła ręce nieco niżej, odwróciła głowę i oczy w stronę kamery, odsunęła biodra od kadru i tak się stało. Niby małe zmiany, ale jak podnosi się kultura fotografii i jak staje się ona atrakcyjniejsza.
Wybierz odpowiedni kąt, ponieważ może albo poprawić Twoje zdjęcie, albo je zrujnować.
Bardzo często klientki starają się podnieść podbródek wyżej, aby rozciągnąć skórę, usunąć podwójny podbródek i ogólnie wyglądać bardziej efektownie. Ale jak to zwykle bywa, wynik jest zupełnie odwrotny. Na kolejnym zdjęciu modelka po prostu uniosła lekko brodę i od razu pojawia się napięcie w jej sylwetce i spojrzeniu, dla widza jest absolutnie jasne, że dziewczyna czuje się w tej pozycji zupełnie niekomfortowo.
Spróbujmy trochę obniżyć podbródek. Jak widać na kolejnym zdjęciu, z urodą dziewczyny nic się nie stało, ale to właśnie ten drobny niuans nadał zdjęciu odrobinę tajemniczości i sprawił, że modelka wyglądała na zrelaksowaną!
Obserwuj pozycję swojej ręki.
Dłonie to kolejny ważny szczegół, który może zrujnować zdjęcie. Następny strzał jest dobry, dopóki nie zaczniesz patrzeć na ręce. Przed wykonaniem rzutu karnego ustawiają się jak bramkarz piłki nożnej. W tym przypadku dłoń na górze wygląda na większą niż dłoń na dole.
Następne zdjęcie wydaje się być lepsze. Ale modelka nadal wygląda w tej pozie jakoś niewygodnie i nieestetycznie. Mam wrażenie, że jedna ręka rośnie w złym kierunku, a druga tylko przeszkadza i jest zupełnie nie na miejscu.
Zmieńmy pozycję, uwalniając bliższą rękę, umieszczając ją na podłokietniku sofy, co również ukryje pewne szczegóły. A drugą wskazówkę ułożymy wzdłuż ciała, co jedynie podkreśli gładkie linie sylwetki modelki.
Myśl nieszablonowo.
Czasami jesteśmy tak zafascynowani stojącą przed nami modelką, że zapominamy o wszystkim i bezmyślnie naciskamy spust migawki aparatu. Ale co może być prostszego niż wyjście poza normalne myślenie. Po prostu rozejrzyj się wokół siebie. Szukaj korzystnych kątów, korzystaj z otaczających obiektów.
Wykonując kolejne ujęcie skorzystałem z okna, a raczej fotografowałem stojąc za oknem. Szczerze mówiąc, długo kręciłem się przy tym oknie, zastanawiając się, jak mógłbym je z zyskiem wykorzystać. Chciałem stworzyć coś niezwykłego. Po ustawieniu ekspozycji „wywołałem” odbicia na szkle, a następnie dopasowałem model i odbicia, aby stworzyć oszałamiający obraz.
Wiem, że teraz wiele z Was myśli sobie: „...wszystko w porządku, ale łatwo jest uczyć, pracując z profesjonalną modelką...”. Tak, to prawdziwa modelka, ale często modele nie są idealne, kiedy je widzisz po raz pierwszy. Dokładnie tak wygląda moja bohaterka na co dzień.
Fotograf Kevin Focht
Doszedłem do tego wniosku stosunkowo niedawno, kiedy zacząłem systematyzować cały swój materiał filmowy. Sortowałem zdjęcia, układałem je w teczki, układałem w odpowiedniej kolejności, przeglądałem je w nieskończoność, kadrowałem, obracałem, myślałem... Do tej pory nie scharakteryzowałem w żaden sposób swoich fotografii . Obraz psychologiczny? Kto wie, te dziewczyny nie mają więcej niż 16 lat. Nie są gwiazdami rocka, aktorami ani osobami publicznymi. Zwykłe dziewczyny, które chodzą do szkoły. Chodzą, odrabiają lekcje i znowu spacerują. Można je spotkać na co dzień na ulicy. Ale bez filtra Instagrama i rozmycia w Photoshopie ich nie rozpoznasz. Nawet nie zwracaj uwagi. W sieciach społecznościowych każdy wygląda inaczej niż w prawdziwym życiu. W zwykłym codziennym życiu wszystko jest prostsze. To skandalicznie prostsze. A współcześni ludzie nie są tam zainteresowani. Nudny. I to jest dla mnie świetne! Jestem szczęśliwy. Ponieważ jestem tam jedyny.
Miałem szczęście - kilka lat temu przyjechałem do jednej ze wspaniałych agencji modelek w Moskwie i poprosiłem o wykonanie testów. Uśmiechnęli się do mnie i już następnego dnia pracowałem z dziewczyną. Nazywa się je „nową twarzą”. Nowa twarz. Dziewczyny pochodzą z różnych regionów. Z Niżnego Tagila do Samary. Robią kilka sesji z różnymi fotografami, a następnie oceniają, czy może być na nie popyt na Zachodzie. Jeśli na dany typ jest zapotrzebowanie, jest wysyłana na przykład do Japonii. Dziewczyna jest stale pod nadzorem agencji, bez opieki i usług - tylko na filmach lub pokazach. Po kilku miesiącach wraca z pieniędzmi, niesamowitym portfolio i niezapomnianymi wrażeniami. Brawo!
Moje modele mają nie więcej niż 16 lat. Miałem szczęście - złapałem ich na tym etapie, kiedy jeszcze nie mieli pojęcia, jak przebiegają zdjęcia i nie psuły ich „choreograficzne” ruchy i spojrzenie. Złapałem je całkowicie czyste. Zarówno wewnątrz, jak i na zewnątrz. Rozmawiałam z kilkoma dziewczynami, zainteresowałam się ich życiem, hobby i nadziejami. W tym samym czasie nagrywałem. Byli też tacy, z którymi nie mogłem zamienić ani słowa. Po prostu siedzieliśmy i patrzyliśmy na siebie. I znowu nakręciłem. Nie ma żadnych sztuczek poza jednym – zawsze byliśmy razem.
Kiedy kręcę, prawie zawsze jestem niezadowolony z tego, co kręcę. Wewnętrznie, oczywiście. Modelka nie powinna niczego podejrzewać. Inaczej w ogóle nic nie wyjdzie. Patrząc wstecz, chcę zauważyć, że jest to pewny znak udanej pracy. Ciągle jestem w stanie wewnętrznej walki. Z czym dokładnie - nie wiem. Ale czuję się z tym świetnie. Jestem zły na siebie, na modelkę, na światło, na aparat, na wszystko. Przeklinam każdą drobnostkę. W każdej chwili mogę pęknąć i wtedy wszystko staje się katharsis.
Bez względu na to, jak dziwne może to być, pytanie „jak pracować z modelem” nadal pozostaje aktualne. Powiem ci. Słuchać. To bardzo proste – pozwól jej robić, co chce. Bez wyjątku. Chce przerzucić nogę przez głowę – śmiało! Usiądź na szczelinie między gałęziami drzewa - zaczynaj, filmuję! Czy wierci się i nigdy nie przyjmuje właściwej pozycji? Tak właśnie powinno być, uwierz mi. Po co walczyć z modelką i zmuszać ją do czegoś? Nikt nie lubi być zmuszany. Po prostu kipi w niej energia, przytłacza ją i prosi o wyjście. Więc pozwól jej odejść spokojnie. Gdy tylko to się stanie – i od razu to zrozumiesz – jest twoja. W pełni. Bez śladu. Zrób z nią, co chcesz. Teraz będzie pochłaniał tylko to, co emitujesz. Oddaj się jej! Nie bądź chciwy. Pod koniec pracy będziesz pusty. Nie bój się. Tak powinno być. Czy strzeliłeś, co chciałeś? Jestem pewien, że tak.
Kiedy zaczynałem zajmować się fotografią, bardzo dręczyła mnie kwestia technologii. Nie wiedziałem, jaki obiektyw wybrać, żeby uzyskać wymaganą ostrość, myślałem o liczbie megapikseli w aparacie i starałem się robić zdjęcia wyłącznie w studiu, aby kontrolować światło. Wierzyłem w magiczny przycisk w najdroższym aparacie. Szukałem jej. Ech... Teraz jestem zupełnie inny. Mam standardowy obiektyw dołączony do mojej amatorskiej lustrzanki cyfrowej i zapomniałem o całym zamieszaniu z megapikselami. Bo to wszystko bzdury. Kompletny. Jeśli jesteś artystą, co obchodzi Cię pędzel? Twój obraz jest zapisany w Twojej głowie, a pędzel jest tylko narzędziem, które pozwala przenieść Twoje fantazje na płótno. Jeśli nadal mi nie wierzycie, to przytoczę cytat Francesco Bonamiego: „Sztuka istnieje dla tych (i przede wszystkim dla tych), którzy nie mają pieniędzy, ale potrafią marzyć – i nie potrzebują do tego niczego innego. Ten."
Najtrudniejszą rzeczą po zdjęciach jest dla mnie selekcja. Zbyt mocne wrażenia szczątkowe mogą przeszkodzić i możesz nie zauważyć twarzy za pięknym zdjęciem. W tym przypadku oglądam jakiś fajny film, gotuję obiad lub idę na spacer. Trzeba przerwać stare wrażenia porcją nowych. To jest bardzo ważne. Nie lubię zostawiać 10 zdjęć. Jedna, maksymalnie dwie fotografie mają sens. To w nich powinno nastąpić odkrycie. Jeśli go tam nie ma, to szukam dalej w duplikatach, albo odkładam zdjęcia na lepsze czasy. Może muszę dorosnąć do tych zdjęć.
Lubię być sam. Kiedy ludzie się spotykają, stają się niesamowicie nudni. Rozpoczyna się wymiana drobiazgów i problemów. Nie jestem zainteresowany omawianiem problemów. Znaczenia, idee, odkrycia są dla mnie ważne. Musisz zostać sam, w ciszy. Rozwijaj indywidualne cechy danej osoby. To oni tworzą osobowość. I cisza. Cisza.
Istnieje opinia, że \u200b\u200bw trakcie strzelania należy prowadzić dialog z osobą, w przeciwnym razie nie będzie on mógł się zrelaksować. Będzie w stanie. Bez sensu. Jestem tego pewien. Skieruj na niego obiektyw. Tak, więcej. I patrz. Bezgłośnie. Na początku się zdenerwuje, może nawet zacznie pozować. Ale ty, fotograf, stoisz w bezruchu, co jeszcze bardziej cię dezorientuje. Jak to? Gdzie jest zespół? Gdzie się zwrócić? Teraz ta osoba nie wie już, co robić. Najważniejsze, żeby nie puścić jego wzroku. Pewnie cię obserwuje. Myśli, że ma nad tobą kontrolę. Stale. Jego wzrok jest utkwiony w Tobie. W obiektyw. Czekasz na niego. Wejdź! Co? Kliknij! Dziękuję, byłeś świetny.
Oczywiście, że używam Photoshopa! Nie ma w tym żadnej tajemnicy, podobnie jak w tym, że wszyscy z niej korzystają. Z jego pomocy uciekają się nawet zagorzali wrogowie programów graficznych i idealiści „czystej” fotografii. Ale cała wskazówka kryje się w tym słowie - „pomoc”. To nie jest remake zdjęcia. Nie przerysowuję światłem. To nie jest plastikowa zmiana. Ostatni szlif, autorski zalot, autograf. Nazywaj to jak chcesz. Wydaje mi się, że gdyby Leonardo miał Photoshopa, dokończenie uśmiechu Giocondy zajęłoby mu znacznie mniej czasu, zamiast 13 lat. Poważny termin. Photoshop pomaga mi zidentyfikować te rysy twarzy, których nie zauważają nasze oczy, a tym bardziej aparat. Dla mnie twarz to nie para oczu i usta, to cała architektura, krajobraz. Wydaje mi się, że twarz to nie tylko portret duszy, ale samej duszy, odwróconej na lewą stronę. I nieskończenie się cieszę, że nie umie pozować.
Wydaje mi się, że portret w fotografii to coś magicznego. To nie jest tylko wiarygodnie uchwycona twarz w dziesięciomegabajtowym pliku, to nie jest kłębek zmarszczek czy zamkniętych oczu, ani nawet Twoje wrażenia na temat danej osoby. To jest coś trzeciego. Jesteś ty, twój portret i to, trzecie. Pewna substancja, która wchłonęła część Ciebie, modela, Twojego nastroju, zewnętrznej atmosfery, a potem przez jakiś czas trawiła ją i wypuszczała do druku. Procedura jest gorsza niż jakakolwiek fotosynteza! Rodzaj soi, którą wypełniasz dodatkami w trakcie pracy. Kłótnia podczas kręcenia filmu? Proszę trochę pieprzu! Problemy ze światłem? Liść laurowy i trochę soli! Brak kontaktu modelki z fotografem? I dodaj więcej owoców morza! To nie jest „100 najlepszych przepisów”. To już oryginalna kuchnia. Eksperyment. Dodaj swoje, pożycz od kogoś innego. Jesteś artystą, co oznacza, że jesteś trochę złodziejem. W dobrym tego słowa znaczeniu, oczywiście.
Za późno zdałem sobie sprawę, kim chcę być.
Jak każdy pracowity młody człowiek, po szkole poszedłem na studia. Ekscytujące wydarzenie, prawda? U mnie było to samo. Około roku. Dwa tuziny doskonałych egzaminów, zwiększone stypendium i spokój ducha. I tyle. Nie, nie, nie rzuciłem szkoły jak wszystkie fajne dzieciaki z Doliny Krzemowej. Skończyłem studia. Z żalem.
Dlaczego? Zdjęcie. Pochłonęła mnie. Opętał mnie. Mocno. Figlarka. Nie mogłam już chodzić na nudne wykłady. Włóczyłem się po ulicach. Nakręcony. Wszyscy się zgodzą. A potem spojrzałem. Porównywać. Powtarzający się. Próbowałem lepiej. Prawie bezmyślnie. Prawie.
To jest moja szkoła. Szkoła fotografii. Jest mało prawdopodobne, że będą Cię uczyć przy biurku. Trzeba znaleźć. Ja. Przemyśl i spróbuj. A wtedy wszystko ci się ułoży. Po prostu pozwól mu zaparzyć.
Kompozycja to podstawa kreowania obrazu. Jest to relacja przestrzenna pomiędzy wszystkimi częściami obrazu. Ogólnie rzecz biorąc, jak powiedział jeden z moich wspaniałych artystów: „Wszystko powinno być na swoim miejscu”. Oto jak to zrozumieć – czy wszystko jest na swoim miejscu – czy to kwestia czasu, czy instynktu. Jeśli masz czas, oglądaj zdjęcia, filmy, czytaj literaturę i obserwuj życie. A ci, którzy nie mają czasu, zwykle mają instynkt. Ja wiem. Czasami to czuję.
Artysta nie musi wyjaśniać swojej twórczości. Jestem o tym przekonany. Wydaje mi się, że nie do końca słuszne jest narzucanie widzowi znaczenia, które wniosłeś jako artysta. W końcu to najfajniejsza rzecz – obserwować, jak widz rozszyfrowuje Twoją pracę. Szuka powiązań, metafor, porównuje, kręci się, mruży oczy, podziwia lub nie rozumie. Częściej jednak to widz decyduje, czy może powtórzyć to w ten sam sposób, czy nie. Jeśli zrozumie, że da radę, z radością przystępuje do kolejnego zadania, a jeśli nie, zgaśnie światło – zacznie się zastanawiać, na jakiej patelni to było smażone, ile dodali pieprzu i po co nie dodało soli. Może zamiast podpisu autora zostawić przepis pod pracą? No wiecie, jak w starych, odrywanych kalendarzach. Każdego dnia. Nieźle.
Wykonuję portrety intymne.
Nie zawsze jest to portret komplementarny, bo nie staram się ozdabiać danej osoby; jest to zupełne przeciwieństwo portretu psychologicznego, ponieważ nie pokazuję osoby „jako siebie”; i wreszcie nie jest to zindywidualizowany obraz osoby, bo mnie nie interesuje moment podobieństwa. To całkowicie osobisty, nieznany stan człowieka, w który wnikam pod pretekstem fotografowania go i od pewnego czasu patrzę na świat innymi oczami. Taki właśnie jest portret intymny. To wtedy możesz bezwstydnie wtulić się w drugą osobę i spojrzeć na siebie jej oczami.
Kwestia światła pozostaje niezmiennie istotna. Z ilu źródeł korzystasz w swojej pracy? Czy często zmieniasz światło podczas fotografowania? Jakich schematów oświetlenia używasz?
W lutym w RIA Novosti odbył się wykład otwarty Jurija Norszteina („Jeż we mgle”). Temat wystąpienia brzmiał: „Sztuka wolności, wolność w sztuce”. Opowiadał o swojej pracy, przebiegu zdjęć, sukcesach i porażkach. Ale jego najważniejsza idea, z którą później znalazłem skrzyżowania, polegała na tym, że kiedy sztuka narzuca ci pewne ograniczenia, twoja praca staje się bardziej produktywna. To tyle w skrócie.
Wróćmy do kwestii światła. Zdarza się, że przychodzisz na sesję i wydaje się, że wszystko jest super. Jesteś w świetnym nastroju, aparat jest nastawiony na arcydzieło, modelka jest piękna, ale... Brakuje światła. Te źródła światła, które były przeznaczone dla Ciebie, zabrał inny, ważniejszy klient (wszystko się może zdarzyć), albo przepaliło się światło pulsacyjne, a ze stałego wypaliła się tylko lampka kontrolna. To smutne, prawda? Ale na szczęście w tej chwili rozumiesz, że to są właśnie ograniczenia, przez które sztuka chce przetestować twoją wytrzymałość. I w tym momencie entuzjazm staje się jeszcze większy! W takich przypadkach brałem albo lampę modelującą, albo lampę stołową, albo cokolwiek mniej lub bardziej świecącego i fotografowałem. Uwaga! - sfilmowany. I zadziałało. I często znacznie lepiej niż w idealnych warunkach. Życzę Ci tego samego.
Nie ma co robić ze studia kultowego. To tylko narzędzie. Jednak nie jest zły.
Fotografia to kosztowna przyjemność. Podobnie jak taniec towarzyski. Chociaż nie wiadomo jeszcze, co jest lepsze. Kiedy zaczynałem pracować, zawsze dążyłem do świetnego wyniku. A żeby to osiągnąć potrzebny jest zespół wspaniałych ludzi. Wizażysta i stylista są uważani za osoby, o których udziale nawet się nie dyskutuje! Wszyscy wiedzą, że są potrzebni. Jeśli jest szorstko, makijażysta wykona makijaż, a stylistka go ubierze. Wszystko, co musisz zrobić, to strzelać. Cud!
Dzień strzelaniny. Model się porusza, a część opisanej powyżej drużyny spadła w otchłań niedostępnej strefy. Nie ma żadnego z nich. I nie jest to oczekiwane. Nie mniej, awaryjne. Ale nie tylko cechy osobiste powstrzymują ludzi przed odwołaniem sesji. Biorę więc model i jedziemy z nim z Metropolis. No wiesz, ten na Wojkowskiej. Duże centrum handlowe. Piękne miejsce! Po krótkiej wędrówce można tam spokojnie pomalować model, ale najważniejsze jest to, po co tam pojechaliśmy – żeby strzelać. Jest tam mnóstwo ubrań. Mnóstwo. Idź do dowolnego sklepu, weź dowolne ubrania i zdejmij je. Gdzie? W przymierzalniach. Uwierz mi, jest wystarczająco dużo miejsca. Czy to możliwe? Bóg wie. Nie pytałem, bo jestem tylko fotografem.
Konsekwentnie i każdego dnia wyznaję jedną zasadę – rób to, co kochasz. Absolutnie nie przejmuję się wszelkimi sprzeciwami i protestami – one istnieją tylko w naszych głowach. Jeśli nie znalazłeś jeszcze tego, co kochasz, szukaj dalej. Niestrudzenie. Codziennie. W każdym zakamarku. Będziesz wiedział tylko, że to jest to, kiedy to znajdziesz. Nie popadaj w samozadowolenie. Najważniejszą rzeczą – a to nawet więcej niż połowa sukcesu – jest podjęcie kilku kroków. To wszystko jest nieskończenie banalne i każdy o tym wie, ale... Są jeszcze „ale”, prawda? Miej odwagę znaleźć swoją pasję. Może tak być – i najczęściej tak się dzieje! - wcale nie to, czego się uczyłeś. Nikt nie może ci powiedzieć, co to jest, tylko ty.
Wykonuję portrety intymne.
Nigdy nie strzelałem na czas. Nie mam timera, który włącza się po trzech godzinach i mówi: „Stop! Zdjęliśmy swoje. Czas wracać do domu”. Strzelam dokładnie tyle, ile podpowiada mi instynkt. Jeśli czuję, że brakuje mi 300 klatek, usuwam oryginalną część sesji i idę dalej. Jeśli w 30. klatce zobaczę, że szaleję na punkcie dziewczyny, to mam dość. Nigdy nie próbuję zapełnić całej karty pamięci. Udało się – jestem zadowolony. Jeśli nie wtedy...
Kiedy filmowałem jedną dziewczynę, ona i ja śmialiśmy się szaleńczo przez całą sesję. Nie wiem dlaczego. Nie rozśmieszyłem jej. Rozmawialiśmy, śmialiśmy się i wydawało się, że jesteśmy sobie tak bliscy, że byłem gotowy na coś więcej niż tylko filmowanie. Ale wszystko potoczyło się znacznie lepiej. Przestała się śmiać, spojrzała na mnie i powiedziała: "To wszystko. Teraz ty. Daj mi aparat!" A ja musiałem zająć jej miejsce. Teraz mnie filmowała. Nie wiedziałem gdzie iść. Ściskał, uśmiechał się, a nawet próbował tańczyć. I filmowała.
To bardzo satysfakcjonujące doświadczenie. Czasami trzeba wejść w buty drugiej osoby, żeby ją zrozumieć. Nie można patrzeć na świat z jednego punktu widzenia, trzeba spróbować przyjąć czyjeś doświadczenie, czyjś punkt widzenia. Jak mówią, otwórz swój umysł. W tym momencie wykonałem kilka moich najlepszych portretów.
Nigdy nie przygotowuję się do sesji zdjęciowej. W tym sensie, że nie buduję scenerii, nie wybieram tła, nie zabieram ze sobą mnóstwa rzeczy. NIE. Używam tylko tego, co mam pod ręką. Jest róg pokoju – cudownie! Będziemy tam filmować. Jest odrapane krzesło - to tylko bajka! Czarne tło, matowa ściana, linoleum – to nie robi żadnej różnicy. Wnętrze nie jest absolutnie istotne. Absolutnie. Ludzie dostosowują się do wszystkiego. A więc karaluchy. W ten sposób dziewczyny i ja przyzwyczajamy się do każdej atmosfery. I my ją lubimy. I nie jest to już dla nas ważne. Zapominamy o sobie. A my po prostu patrzymy. Na sobie, za oknem, na ścianie. W pustkę. Uruchommy swoją wyobraźnię. Marzymy. Odpocznijmy. Nie ma innego miejsca. Wokół jest mnóstwo zamieszania. I my dwoje. Milczymy i patrzymy. Pozostajemy cicho i marzymy. I znowu milczymy.
Nigdy nie wiadomo, co siedzi w głowach tych kobiet.
Zawsze fascynował mnie światopogląd kobiet. Ten niesamowity wewnętrzny świat, którego nie można rozwiązać. Tajemnica owiana baśnią. Wiele myśli kryje się za magicznym wyglądem. Zderzenie piękna wewnętrznego i zewnętrznego. Urodzeni flirtują, podążając za swoimi pragnieniami. Niezachwiana pewność siebie. Absolutnie otwarte uczucia, absolutnie urzekająca pasja. Imponujące i prostota. Niezachmurzone oczy i wielkie serce. Cudowny.
Jak można tego nie zauważyć? To wszystko jest na widoku! Stale. Tuż przed twoim nosem! Otwórz już oczy! I spójrz. Patrzeć. Kiedy to wszystko zobaczyłem, nie mogłem przestać. I zacząłem oglądać raz po raz. Tylko przez kamerę. Jest bardziej niezawodny.
Jak powiedział kiedyś Żwanecki: „Musisz pisać, kiedy nie możesz powstrzymać się od pisania”.
Dokładnie tę samą zasadę kieruję się w fotografii. Nie filmuję tylko po to, żeby filmować. To nie jest właściwe podejście. Zasadniczo nie jest to prawda. Jakieś oszustwo. Przede wszystkim siebie. A fotografia karze oszustów. Ona to czuje. Musisz być szczery w swoich pragnieniach i swoich działaniach. Nie ma potrzeby mówić, jeśli nie ma nic do powiedzenia. Nie zaszkodzi najpierw posłuchać. A potem pomyśl jeszcze trochę. I nie tylko nad tym, co zostało powiedziane. Jestem zbyt sceptyczny wobec takich rozmówców. I jestem całkowicie nieufny wobec tych, którzy mówią: „Dlaczego milczysz? Powiedz mi coś”. Jak to „coś” się dzieje? Nie wiem jak o tym rozmawiać. I nie wiem jak. Dlatego milczę. Słucham, co masz do powiedzenia. To o wiele bardziej interesujące. I bardziej edukacyjne. Chociaż bardzo rzadkie.
Szczerze mówiąc, nie wiem, ile kroków trzeba wykonać, aby uzyskać dobry portret.
Kąt, tło, emocja, moment... Obecnie literatury, lekcji, przykładów „jak to robić, żeby było dobrze”, jest obecnie całkiem sporo. Jest ich naprawdę dużo. To era cyfrowa. Absolutnie każdą wiedzę można uzyskać w domenie publicznej. I zastosuj je. I zdobądź coś. Tak naprawdę nie trzeba wiele, żeby zostać artystą. Ktoś powiedział, że aby to zrobić, musisz albo zrobić to samo, co wszyscy, albo przekonać innych, że jesteś artystą poprzez swoją pracę. Pierwszy sposób jest niezwykle prosty. I dostępne. Wszyscy. To drugie jest całkowicie nieznane. I dokąd to prowadzi – nikt nie wie. Loteria. Czy jesteś szczęśliwy?
Najbardziej oczywistym przykładem są artyści Arbatu. Ile razy przechodziłem obok nich i obserwowałem – wszyscy wiedzą, jak rysować. Niektóre są lepsze, inne trochę gorsze. Ale każdy może to zrobić. Mają wykształcenie akademickie. Umieszczone ręcznie. Mocny i niewzruszony.
Prawdziwy artysta musi przełamać te fundamenty. Uczył się, ale uczy się na nowo. Ja. Jak chce. I nie przejmuj się zasadami. A potem jest nadzieja. A czasem arcydzieło. Ale to później.
W swoich pracach nie zastanawiam się nad niczym.
Wydaje mi się, że sztuce celowo podniesiono ją do rangi czegoś magicznego. Wyglądałoby to jak czarny kwadrat. No tak, kwadrat. A ja bym narysował taki. A potem patrzysz - tak, to nie jest całkiem kwadratowe. Proporcje nie są geometrycznie dokładne. Hmm... I myślisz. Znowu na niego patrzysz. Ale w zupełnie inny sposób, nie jak kwadrat, ale jak sakrament. Co tam ukrywasz? Zapamiętujesz, analizujesz, porównujesz... Spójrz jeszcze raz. Pewno! Wszystko jest bardzo proste. Powiem ci. W tajemnicy. Oscar Wilde mi o tym powiedział. A dokładniej nic nie powiedział, zostawił notatkę. I nie tylko to zostawiłem – ukryłem to. I znalazłem to. Zatem: „Życie w znacznie większym stopniu naśladuje sztukę niż sztuka naśladuje życie”.
To wszystko.
Co mnie kieruje w mojej pracy?
Mam kilka zasad, których się trzymam. Co zaskakujące, wielkie Apple również je zna i niezmiennie je stosuje! To prawda, w Cupertino. A ja jestem tutaj, obok ciebie.
Oto więc:
"Rób to co kochasz." Trzymanie się tego bez względu na wszystko wymaga dużej odwagi.
„Wstrząśnij umysłem”. Kreatywność to proces łączenia rzeczy w całość. Szeroki wachlarz doświadczeń poszerza rozumienie ludzkiego doświadczenia.
„Powiedz nie tysiącu rzeczy”. Prostota jest najtrudniejszą rzeczą.
Czy znasz ludzi, którzy realizują swoją pasję? Czy masz hobby i zainteresowania poza pracą? Jak wysoko stawiasz sobie cel? Wydaje się, że pytania są proste, ale dają tak wiele odpowiedzi.
Powodzenia!
Jak odróżnić dobre zdjęcie od złego? Miałem to samo pytanie. I to jest słuszne. Powinno być. Celem fotografii i samego fotografowania jest znalezienie odpowiedzi. A to jest nieskończenie ważne! To jedna z rzeczy, które kocham w fotografii. Nic na świecie nie da dokładniejszej odpowiedzi niż sam proces wyszukiwania. Prostota jest najtrudniejszą rzeczą. Pamiętać? Kiedy przeanalizujesz tysiąc opcji, z wielu będziesz musiał zrezygnować. Jeśli masz tylko jedną opcję, będziesz się jej trzymać. Ale jest mało prawdopodobne, że będzie to dokładnie to, czego szukasz.
Wróćmy do pytania. Przerywa mi Aleksiej Brodowicz... No cóż, oddajmy mu głos. „Przeglądaj tysiące zdjęć i zapisuj je w pamięci. Jeśli później zobaczysz w wizjerze coś, co przypomni Ci fotografie, które widziałeś, nie rób tego”.
Dziękuję.
Nie należę do tych fotografów, którzy z góry wymyślają temat, a potem zaczynają nad nim pracować. NIE. U mnie jest odwrotnie – najpierw pracuję, potem strzelam. Odkładam to. zbieram. Powoli to zbieram. A potem siadam i zaczynam myśleć o tym materiale. I wszystko układa się samo. Oczywiście nie następuje to natychmiast. To wymaga czasu. Jedna myśl ustępuje drugiej, jedno stwierdzenie zamienia się w drugie. To bardzo ważne – sposób, w jaki wyobrażałeś sobie swoją pracę na początku podróży, powinien się radykalnie zmienić na końcu. Uzyskaj zupełnie inny wektor rozwoju. Ostatecznie powinieneś dojść do zupełnie innego rezultatu. Bezwiednie. Intuicyjnie. Bardzo trudno jest poruszać się za pomocą dotyku. Ale to jest najbardziej intrygujące - na pewno do czegoś dojdziesz. To, jak do tego dojdziesz, będzie w dużej mierze zależeć od tego, co zobaczyłeś po drodze. To jak konserwowanie słoików z ogórkami – nigdy nie wiadomo, czy któryś z nich nie eksploduje.
Bardzo się cieszę, gdy dziewczyny przychodzą w dobrym lub złym humorze. W pierwszym przypadku pod koniec strzelaniny zmieni się to dla nich radykalnie, w drugim powiedzą, kto im to zrujnował. Nie oznacza to, że celowo chcę zrujnować ich doświadczenia. Zupełnie nie. Ważne jest dla mnie przepracowanie całego spektrum kobiecej kondycji i wyciągnięcie tego, które jest najbardziej charakterystyczne w konkretnym przypadku.
Najciekawsze w tym wszystkim jest to, że nie ma żadnego schematu. Nie ma jednego idealnego wzoru dla każdej dziewczynki! Każda dziewczyna wymaga innego podejścia. Sztuczka, która pozwoliła ci zrobić świetne zdjęcie ostatnim razem, tym razem nie zadziała. Musimy na nowo opracować taktykę. Zapomnij o wszystkim, czego używałeś wcześniej i poszukaj czegoś nowego. Tylko tam możesz coś odkryć i nie powtarzać tego. I to jest główne zadanie artysty.
Apetyt pojawia się wraz z jedzeniem.
Zasada ta dotyczy także fotografii. Poważnie. Nie wymyślam niczego z góry. Dokładnie do pierwszego wyzwolenia migawki nie wiem, jak będę fotografował. Ale zaraz po zrobieniu pierwszej klatki ważne jest, aby nie tłumić swojej wyobraźni i inspiracji. Trzeba kierować się intuicją i instynktem. Strzelaj dotykiem, zmieniaj lokalizację (jeśli to możliwe), podążaj za głosem serca, ono powie Ci, gdzie się poruszać.
Jednocześnie ważne jest, aby nie stać się niewolnikiem wzorca, bo w takim momencie jesteś jak dziecko pionier, które nie wie, dokąd iść, a zdeterminowany model może przejąć Twoją inicjatywę. Przyjmuj to, co daje, ale przetwarzaj to na swój własny sposób. Przestudiuj swój model, zwróć uwagę na plastyczność, emocje i kondycję. I nie zapomnij dać jej wskazówek. Skieruj jej myśli w pożądanym kierunku.
Niewątpliwie artysta powinien wszystko przeanalizować.
I to jest jedna z cech, które musisz w sobie wytrenować. A najlepsze jest to, że nie musisz kupować, pożyczać, zbierać ani budować niczego, aby to zrobić. Wszystko, co musisz zrobić, to usiąść i patrzeć. I stopniowo to, przez co tak uparcie mijamy każdego dnia, wyjdzie na jaw. Ale wokół nas jest tyle piękna.
Portret i rysunek opowiadają historię człowieka, jego piękna, charakteru i aspiracji. Artysta portretowy zajmuje się charakterem człowieka, jego złożoną indywidualnością. Aby zrozumieć człowieka, zrozumieć jego istotę po wyglądzie, potrzeba dużego doświadczenia życiowego i zawodowego.Od artysty wymaga się głębokiej wiedzy o przedstawianej osobie.Oprócz indywidualnych cech portretowanej osoby, ważne jest także ważne jest, aby przekazać te cechy, które narzuca mu środowisko zawodowe.
Portret(portret francuski - obraz) - gatunek sztuki przedstawiający jedną osobę lub grupę osób. Oprócz zewnętrznego, indywidualnego podobieństwa artyści starają się w portrecie oddać charakter osoby, jej duchowy świat.
Istnieje wiele rodzajów portretów. Gatunek portretu obejmuje: portret półmetrowy, popiersie (w rzeźbie), portret pełnometrażowy, portret grupowy, portret wewnętrzny, portret na tle krajobrazu. Ze względu na charakter obrazu wyróżnia się dwie główne grupy: portrety ceremonialne i kameralne. Z reguły portret ceremonialny obejmuje pełnowymiarowy wizerunek osoby (na koniu, stojącej lub siedzącej). W portrecie kameralnym używany jest obraz do pasa, klatki piersiowej i ramion. W portrecie ceremonialnym postać ukazana jest najczęściej na tle architektonicznym lub krajobrazowym, a w portrecie kameralnym częściej na tle neutralnym.
Ze względu na liczbę obrazów na jednym płótnie, oprócz zwykłych, indywidualnych, wyróżnia się portrety podwójne i grupowe. Portrety malowane na różnych płótnach nazywane są sparowanymi, jeśli są spójne pod względem kompozycji, formatu i koloru. Najczęściej są to portrety małżonków. Portrety często tworzą całe zespoły - galerie portretów.
Portret, na którym osoba jest przedstawiona w formie postaci alegorycznej, mitologicznej, historycznej, teatralnej lub literackiej, nazywany jest portretem kostiumowym. W tytułach takich portretów zwykle pojawiają się słowa „w formie” lub „na obrazie” (np. Katarzyna II w postaci Minerwy).
Portrety wyróżniają się także wielkością, np. miniaturą. Możesz także wyróżnić autoportret - przedstawienie siebie przez artystę. Portret oddaje nie tylko indywidualne cechy portretowanej osoby czy, jak mówią artyści, modela, ale także odzwierciedla epokę, w której żyła przedstawiana osoba.
Sztuka portretu sięga kilku tysięcy lat. Już w starożytnym Egipcie rzeźbiarze tworzyli dość dokładne podobieństwo wyglądu zewnętrznego człowieka. Posągowi nadano podobieństwo portretowe, aby po śmierci człowieka jego dusza mogła się w nim przenieść i łatwo znaleźć swojego właściciela. Temu samemu celowi służyły także malownicze portrety fajumskie, wykonane techniką enkaustyczną (malowanie woskiem) w I-IV wieku. Wyidealizowane portrety poetów, filozofów i osób publicznych były powszechne w rzeźbie starożytnej Grecji. Starożytne rzymskie rzeźbiarskie popiersia portretowe wyróżniały się prawdziwością i precyzyjnymi cechami psychologicznymi. Odzwierciedlały charakter i osobowość konkretnej osoby.
Przedstawianie twarzy człowieka w rzeźbie lub malarstwie zawsze przyciągało artystów. Gatunek portretu rozkwitł szczególnie w okresie renesansu, kiedy za główną wartość uznano humanistyczną, efektywną osobowość człowieka (Leonardo da Vinci, Rafael, Giorgione, Tycjan, Tintoretto). Mistrzowie renesansu pogłębiają treść obrazów portretowych, nadając im inteligencję, duchową harmonię, a czasem wewnętrzny dramat.
W XVII wieku W malarstwie europejskim na pierwszy plan wysuwa się portret kameralny, intymny, w przeciwieństwie do portretu ceremonialnego, oficjalnego, podniosłego. Wybitni mistrzowie tej epoki – Rembrandt, Van Rijn, F. Hals, Van Dyck, D. Velasquez – stworzyli galerię wspaniałych wizerunków prostych, niesławnych ludzi, odkrywając w nich największe bogactwo dobroci i człowieczeństwa.
W Rosji gatunek portretu zaczął się aktywnie rozwijać od początku XVIII wieku. F. Rokotow, D. Levitsky, V. Borovikovsky stworzyli serię wspaniałych portretów szlachetnych ludzi. Wizerunki kobiet namalowane przez tych artystów były szczególnie urocze i urokliwe, przepojone liryzmem i duchowością. W pierwszej połowie XIX w. głównym bohaterem sztuki portretowej staje się marzycielska, a jednocześnie romantyczna osobowość, skłonna do heroicznych impulsów (w obrazach O. Kiprensky'ego, K. Bryullova).
Pojawienie się realizmu w sztuce Wędrowców znalazło odzwierciedlenie w sztuce portretu. Artyści V. Perov, I. Kramskoy, I. Repin stworzyli całą galerię portretów wybitnych współczesnych. Za pomocą charakterystycznej mimiki, póz i gestów artyści oddają indywidualne i typowe cechy portretowanych, ich cechy duchowe. Osoba została ukazana w całej jej psychologicznej złożoności, a także oceniona została jej rola w społeczeństwie. W XX wieku portret łączy w sobie najbardziej sprzeczne trendy - jasne, realistyczne cechy indywidualne i abstrakcyjne, ekspresyjne deformacje modeli (P. Picasso, A. Modigliani, A. Bourdelle we Francji, V. Serov, M. Vrubel, S. Konenkov, M. Nesterov, P. Korin w Rosji).
Portrety przekazują nam nie tylko wizerunki ludzi z różnych epok, odzwierciedlają część historii, ale także mówią o tym, jak artysta widział świat, jak utożsamiał się z portretowaną osobą.
Niewątpliwie wszystkie wskazówki mają na celu uproszczenie i skatalogowanie kreatywności. Z jednej strony to prawda: żeby nie utonąć w oceanie sztuki, trzeba zbudować „brodziki”. Taka definicja nieświadomie wpycha autora w pewne ramy i ograniczenia, bo ludzie przyzwyczajają się do tego, że artysta pracuje w jednej tonacji, a gdy wektor jego rozwoju nieco się zmienia, wywołuje to pewien rezonans niezrozumienia i społeczeństwo domaga się powrócić do korzeni. To jej ułatwia – ma już pewne zrozumienie. Nowe rzeczy zawsze są akceptowane ze strachem i wrogością, ale tylko na początku, z czasem się do tego przyzwyczajają.
Fotografuję dziewczyny i nie potrafię jednoznacznie określić kierunku, w jakim to robię. Spokojnie daje mi to, że nie mam szalonych scenografii, ogromnych pawilonów czy nawet rekwizytów. Mam ludzi i światło, słoneczne lub pulsacyjne. Pod tym względem jestem absolutnie spokojny: żadnego przygotowania, spotykamy się o określonej godzinie, w określonym miejscu i pracy. Robię zdjęcia, ale dziewczyna... nie, wcale nie pozuje: myśli, że pozuje.
A jednak po co portret intymny? „Gdzie jest intymność?” - zapytał mnie kiedyś mój przyjaciel. Naprawdę, gdzie? Dziewczyny nie są półnagie, ich pozy wcale nie są zabawne i zachowują się dość powściągliwie. Tylko niewidomi potrafią tu dostrzec szczerą intymność. Oszukany?!
Podam jedną suchą definicję: „Portret intymny to portret na intymnym, jednolitym tle, ukazujący pełną zaufania relację pomiędzy portretowaną osobą a artystą”. Bingo!
Ludzie (w moim przypadku dziewczyny) są niewyczerpanym źródłem badań. Każdy z modeli jest niesamowicie wyjątkowy: indywidualny charakter, zachowanie, wygląd, styl komunikacji - nic się nie powtarza. Najważniejsze jest, aby zobaczyć i zarejestrować to w odpowiednim czasie, a żeby to zobaczyć, trzeba się do tego zbliżyć. Indywidualna dziewczyna - indywidualne podejście. Wszystko jest proste, nawet zbyt proste.
Pod koniec XIX wieku Van Gogha zafascynował temat chłopów. Mieszkał wśród nich przez jakiś czas i malował obrazy. Ale czym innym jest po prostu obserwować chłopów przy pracy i potem przenieść swoje wrażenia na płótno, a czym innym zostać jednym z nich, myśleć jak jeden z nich i czuć absolutnie to samo, czyli całkowicie integrować się z otoczeniem.
Mam bardzo podobne podejście. Staram się być na równi z dziewczynami, aby zminimalizować wszelkie różnice między nami, zrozumieć ich sposób myślenia, poznać ich doświadczenia i zmartwienia. Oczywiście zadanie jest bardzo trudne, ponieważ światopogląd kobiet jest zupełnie inny i czasami nie da się go zrozumieć. Cóż możemy powiedzieć o wejściu do ich głów! To super zadanie, ale właśnie taki cel sobie postawiłem podczas strzelań. Jeśli chcę mieć na zdjęciu dziewczynę, a nie wizerunek dziewczyny, który wykształcił się w trakcie mojej pracy, muszę stanąć po jej stronie, spojrzeć na świat jej oczami i spróbować poczuć to, co ona czuje. Bardzo ważne jest, aby spojrzeć na siebie oczami fotografowanej osoby, aby stać się jednym z chłopów.
Tak się składa, że dużo łatwiej jest mi dogadać się z dziewczynami niż z męską populacją. Te pierwsze są zbyt nielogiczne, a te drugie zbyt uparte. Wybierając mniejsze zło, zdecydowałem się na pierwsze i miałem rację.
Każda sesja to przygoda, podczas której starasz się dowiedzieć, co niepokoi bohatera, wczuć się w tok jego myśli i uchwycić stan, jaki powstaje między wami. A to wszystko trzeba jakoś utrwalić na fotografii! I nie zapomnij zostawić części siebie jako autora. Inaczej mówiąc, praca z modelem przypomina modelowanie z plasteliny: na początku materiał jest dość twardy i nieustępliwy, ale gdy go trochę rozgrzejesz, przyzwyczaisz się do faktury i ugniatasz w dłoniach, zaczynają wyłaniać się kształty . Pozostaje tylko zdecydować, w jakim kierunku pójść dalej: zacząć od czegoś znajomego, stopniowo to modyfikując, albo od samego początku poruszać się intuicyjnie, dotykiem, nie myśląc o rezultacie. Ostatnia ścieżka jest bardzo intrygująca: albo otworzy się coś nowego, albo wpadniesz na pewien wzór. Ale to jest tego warte!
Najbardziej niebezpieczną rzeczą, która może czyhać podczas sesji, są twoje myśli, potworne, sprzeczne, niespokojne myśli. W Twojej głowie stale będzie krążyć pytanie: czy ten model jest tego wart? Czy ustawienia aparatu są prawidłowe? co mam jej powiedzieć? dlaczego ona tak na mnie patrzy? Ten hałas jest niezwykle niebezpieczny, przez to możesz nie uzyskać ostatecznego kadru, bo krzyknie do Ciebie: „Dobra, dokończ to! Mamy to, czego chcieliśmy. Zajmijmy się tym szybko!” Ten hałas będzie stale dostarczał Ci nowej porcji myśli, uniemożliwiając skupienie się na najważniejszej rzeczy - pracy z modelem, nastroju psychicznym i powrocie emocjonalnym. Czasami bardzo trudno jest zostawić wszystkie codzienne problemy w domu. Jeśli na czas nie zatrzaśniesz odpowiednich drzwi w swojej głowie, będziesz zgubiony. Zdjęcie buduje się w Twojej głowie, a aparat pełni rolę pośrednika pomiędzy głową, sercem i modelką. Uwolnij swój umysł, zanim złożysz oświadczenie, pozwól swojemu sercu cię prowadzić. Później będziesz się kłócić i odrzucać, wszystko będzie w porządku.
Praca z modelem przypomina nieco pracę poskramiacza. Tak, dokładnie! Istnieją dwa rodzaje modeli: aktywne i pasywne. Te pierwsze są niezwykle proaktywne i jeśli nie uspokoisz jej na czas, możesz stracić ster kapitana procesu filmowego. Mówiąc „ustalanie się”, oczywiście trochę przesadzam: modelka powinna czuć Twoją pewność siebie i wiedzę o tym, co chcesz od niej uzyskać, nawet jeśli milczysz. W przeciwnym razie pomyśli, że nie wiesz, co chcesz od niej osiągnąć, dając jej w ten sposób możliwość samodzielnego zarządzania procesem filmowania. Ta droga prowadzi do zupełnie innego rezultatu niż zamierzony. Bądź wystarczająco odważny w swojej pracy i nie pozwól, aby inni kontrolowali Twoje myśli.
Modele pasywne są nieco inne. Przypominają nieco soję: bez nadzienia nie da się jej zjeść. Takie dziewczyny wyraźnie spełniają wszystkie Twoje wymagania, wiedzą, kto tu rządzi. Stań statycznie, podskocz sto razy, pięć kroków do przodu i stań na głowie – pod warunkiem, że powiesz mu, co ma robić. Jest mało prawdopodobne, że dziewczyna będzie się z tobą kłócić: wie, że to jest jej praca.
Nie można pominąć kwestii światła i tutaj zawsze pamiętam Jurija Norshteina, wspaniałego animatora i reżysera. Osoba nieustannie ograniczana przez sztukę tworzy sztukę nieograniczoną!
Opowiedział kiedyś, jak jakiś czas po premierze „Jeża we mgle” został zaproszony do Pixara. Mieszkańcy Kalifornii naprawdę chcieli wiedzieć, jak Norshtein tworzy swoje kreskówki, jakiego sprzętu używa i ile pieniędzy w to inwestuje. Opowiedział, pokazał, a nawet odtworzył na ich oczach fragment komiksu. Czy możecie sobie wyobrazić oczy tych ludzi, gigantów animacji komputerowej, którzy stworzyli Toy Story, kiedy Jurij Norshtein wyjął z walizki szczypce, kalkę i jeża wyciętego z tektury i zaczął to wszystko przenosić na stół. Jeż nie tylko się poruszał, ale także znajdował się we mgle: kalka stworzyła taki efekt. Nie było granic, żeby zaskoczyć, bo oczekiwali od niego czegoś innego, na pewno nie rękodzieła. Norstein był prehistorycznym artystą rockowym epoki komputerowej firmy Pixar i rzemieślnikiem.
Norshtein nie miał drogich komputerów, wielkich studiów filmowych i super sprzętu, miał tylko szczypce, kalkę i karton. To są ograniczenia. Ale miał marzenie - stworzyć kreskówkę, w której mógłby się zakochać, a gdy się zakochasz, sprawisz, że zakochują się w niej inni. To jest sztuka.
Na zakończenie przytoczę słowa krytyka sztuki Francesco Bonamiego: „Sztuka istnieje dla tych (i przede wszystkim dla tych), którzy nie mają pieniędzy, ale potrafią marzyć – i nie potrzebują do tego niczego innego. ”
o autorze
Imię, nazwisko, wiek:Michaił Ryżow, 22 lata.
Technika: Nikona D7000.
Wystawy, nagrody, osiągnięcia:
Uzyskał dyplom III stopnia Międzynarodowego Centrum Fotografii;
Prace portretowe znalazły się w książce „100 rosyjskich fotografów. Portrety czarno-białe”;
Ukończył kursy na wydziale kamery VGIK.
Inspiracja: filmów i literatury.
Najlepsza rada: podróżuj więcej! Podróż jest nagrodą. Fotografia to podróż.
Zainteresowanie człowiekiem ostatecznie doprowadziło utalentowanego malarza do stworzenia wyrazistych, intymnych obrazów, które wyróżniały się siłą towarzyszących im uczuć. Argunow nie doszedł do tego od razu. Z biegiem lat zmieniły się gusta i podejście artysty do swojego modela. Niemal entuzjastyczne podejście na początku twórczej podróży staje się teraz głębsze i bardziej złożone. Artysta nauczył się widzieć nie tylko zewnętrzny wygląd człowieka, ale także przybliżać się do zrozumienia jego wewnętrznego świata. Teraz znajduje czas na malowanie portretów osób, które bardzo lubi, starając się pełniej i głębiej wyrazić swój stosunek do nich. Portrety intymne są zatem szczytem twórczości Iwana Argunowa. W tych pracach był mniej ograniczony konwencjonalnymi normami ceremonialnego przedstawiania, w nich pełniej ujawniły się indywidualne cechy dzieła mistrza - prawdomówność, spontaniczność i głębokie człowieczeństwo.
Pod koniec 1757 r. Iwan Argunow namalował portrety męża i żony Chripunowa, ucieleśniając w nich swoją koncepcję ludzkiej osobowości, związaną z ideałami Oświecenia. Chrypunowowie należeli do niewielkiej rosyjskiej inteligencji w połowie XVIII w. i mieszkali w Petersburgu, wynajmując „do wynajęcia” mieszkanie w kamienicy hrabiego Szeremietiewa przy ulicy Milionowej, w tym samym miejscu, w którym mieszkał sam artysta. Para była znacznie starsza od artysty, ale najwyraźniej połączyły ich wspólne zainteresowania duchowe.
| Portret K.A. Khripunowa |
Kozma Aksentievich Khripunov był tłumaczem i sekretarzem Kolegium Spraw Zagranicznych. Nie był bogaty, ale był znany hrabiemu Szeremietiewowi i być może cieszył się jego przychylnością. Argunow przedstawił go w środowisku domowym, z magazynem lub gazetą w dłoni. Najwyraźniej nieprzypadkowo artysta wybrał małe płótno, prostą kompozycję i skromną gamę tonów. Khripunov siedzi lekko odchylony do tyłu, przez co jego pulchna sylwetka wydaje się jeszcze masywniejsza. Wygląd małych oczu z ciężkimi powiekami jest zamyślony, czoło zmarszczone, o czymś myśli. Artysta zdołał zobaczyć i odsłonić swój wewnętrzny świat w tym starszym i brzydkim mężczyźnie. Guzowata, lekko czerwonawa twarz z dużym, mięsistym nosem, małymi oczami i grubymi ustami, napisana bardzo przekonująco. W obrocie głowy, w geście ręki, w całej postawie wyraźnie wyczuwalna jest godność człowieka inteligentnego i wykształconego.
Portret żony Khripunowa wyróżnia się tą samą wyrazistością. Siedząc na krześle z książką w rękach, uważnie przygląda się widzowi. Szaro-niebieska sukienka z dużym wiewiórczym kołnierzem ukrywa zarys sylwetki.
 |
|
| Portret Khripunowej |
W jego wyglądzie (starannie zaczesane do tyłu włosy) i zachowaniu nie ma cienia kokieterii. To kobieta sprawna wewnętrznie, o silnej woli i zdecydowana, być może raczej sucha. Khripunova swój wolny czas poświęca czytaniu, a ta aktywność stawia ją na szczególnej pozycji wśród kobiet w jej kręgu, ponieważ w połowie XVIII wieku taka rozrywka nie była typowa dla jej współczesnych. Z panią Khripunową młody artysta mógł dużo i chętnie rozmawiać na tematy naukowe.
Kameralny portret XVIII wieku ma swoje własne cechy charakterystyczne, ale nadal silnie odzwierciedla klasową koncepcję osoby.
Wielkim sukcesem twórczym Iana Argunowa jest portret dziewczyny kałmuckiej Annushki. Była ulubioną uczennicą hrabiny Barbary Aleksiejewnej Szeremietiewy. To jeden z najgłębszych portretów artysty, namalowany z wielkim ciepłem.
Na portrecie Annuszki artystka przekazała urok swojej dziecięcej spontaniczności, towarzyskiego i żywego charakteru oraz zgodnie z prawdą, bez egzotyki, pokazała narodową oryginalność swojego wyglądu. Ciemna twarz, płonące, żywe, skośne, czarne oczy o wycięciu w kształcie migdałów, uniesione ku skroniom na sposób orientalny. Hrabina Varvara Alekseevna w przenośni nazwała je „małymi oczami karalucha”. Dziecięcy urok wyraża się w czystych konturach czoła, w kształcie brwi, w delikatnym owalu twarzy z pulchnymi policzkami i dołeczkami w kącikach ust. Dziewczynka ubrana jest w elegancką czerwoną sukienkę, ozdobioną koronką i koronkową czapeczką z niebieskimi kokardkami. Na ciemnoskórej dłoni bransoletka z brązowego aksamitu. Kolczyki w uszach. Otoczona kobietami, jest kochana i ceniona. Wśród bogatych panuje moda na przyjmowanie Kałmuków na swoją służbę, co wynikało z uwagi, jaką poświęcał im dwór cesarski, chcący doprowadzić do całkowitego przyłączenia Kałmuków do Rosji. Kozacy często zabierali ze sobą dzieci kałmuckie, gdy przybywały z odległych stepów do stolicy i obdarowywały królową i jej świtę podarunkami: rybami, kawiorem, wozami i końmi. Takie były kaprysy mądrego i okrutnego stulecia. Kiedy trafiły do rosyjskich rodzin, dziewczęta kałmuckie otrzymywały rosyjskie imiona, ale zwykle nazywano je po prostu „hrabiną kałmucką taką a taką”. Na przykład w liście naszej Annuszki wskazano adres: „Petersburg. Anna Nikołajewna, Kałmuk hrabiny Szeremietiewy”. Obowiązki Annuszki były dość zróżnicowane i zależne od pomysłowości gospodyni. Portret został namalowany po śmierci Barbary Aleksiejewnej. Najwyraźniej hrabia Szeremietiew chciał w ten sposób utrwalić pamięć o swojej żonie i gloryfikować jej działalność edukacyjną i charytatywną. Annuszka trzyma w rękach portret damy, pokazując go widzowi.
Portret kobiety Kałmuckiej został namalowany z wielką miłością i uwagą artysty do modelki, szczerością i ciepłem. Najwyraźniej Annushka należała do najbliższych przyjaciół artysty.
W 1785 r. Iwan Argunow stworzył jedno ze swoich najlepszych dzieł - portret nieznanej chłopki. Wybór modelu najwyraźniej nie był dla artysty przypadkowy. W sztuce drugiej połowy XVIII wieku duże zainteresowanie wzbudziła tematyka chłopska. W tym czasie na łamach książek i czasopism, w dziełach dramatycznych odzwierciedlono szlachetny charakter moralny chłopa, jego uczciwość i ciężką pracę, skontrastowane z lenistwem i bezczynnością szlachty. Argunow stworzył z ludu atrakcyjny wizerunek Rosjanki, oddając jej duchową czystość, życzliwość i skromność.
 |
| Portret nieznanej wieśniaczki |
Twarz kobiety o delikatnych rysach i małych szarych oczach jest pełna ciepła i życzliwości. Na swoim obrazie artysta wyraził swoje wyobrażenie o pięknie i duchowej szlachetności wieśniaczki. Jej sylwetka jest lekko przesunięta w lewo, plastyczne formy młodego, silnego ciała oddane są z niemal rzeźbiarską namacalnością. Wysoka, rzeźbiona szyja przechodzi w gładkie kontury głowy i haftowanego złotem nakrycia głowy. Kolorystyka jest ciepła i bogata: połączenia czerwono-złotego nakrycia głowy, cielistych odcieni twarzy, sznura czerwonych koralików na szyi, białej koszuli i czerwonej sukienki ze złotym haftem tworzą elegancki, a jednocześnie ścisła paleta, nadająca portretowi wyraźną harmonijną kompletność. Na portrecie dominuje kolor czerwony: kolczyki z długimi wisiorkami i guzik przy kołnierzyku mienią się w kamieniach. Artystka ucieleśniała spokój, majestat i wewnętrzną godność Rosjanki z ludu w przebraniu nieznanego modela.
Kim ona jest? Czas nie zachował imienia piękna. Można jednak śmiało powiedzieć, że nie jest to aktorka pańszczyźniana ani towarzyszka ubrana w rosyjski kostium wieśniaczki z prowincji moskiewskiej. Jedynym szczegółem jej ubioru nieprzystającym do zwykłego chłopskiego ubioru jest za duży dekolt koszuli i kolorowy pasek. Najprawdopodobniej nasza bohaterka nie jest wieśniaczką, ale mieszkanką miasta, mieszkającą z panami jako mamka. Podobne wizerunki mamek można znaleźć na obrazach lub portretach rodzinnych innych malarzy, którzy żyli mniej więcej w tym samym czasie co Iwan Argunow. Udało mu się stworzyć wysublimowany, poetycki wizerunek rosyjskiej chłopki, jakiego sztuka XVIII wieku nie znała jeszcze.
W latach 90. XVIII wieku i na początku nowego stulecia Argunow prawie przestał tworzyć. Wiąże się to ponownie z jego wymuszoną, niewolniczą pozycją. W 1788 roku został mianowany zarządcą „Domu Moskiewskiego” Szeremietiewów i członkiem zarządu pańszczyźnianego, który odpowiadał za wszystkie sprawy gospodarcze hrabiego. Po przeprowadzce z Petersburga do Moskwy i najwyraźniej czując, że jego czas mija i zastępuje go nowe pokolenie młodych utalentowanych malarzy, Argunow posłuchał woli swojego mistrza, który teraz po śmierci ojca stał się Mikołajem Pietrowicz Szeremietiew.
Z licznych zachowanych dokumentów wiadomo, jak nieciekawe, a czasem upokarzające stało się życie artysty, który stał się „menadżerem Argunowa”. Syn artysty, Mikołaj, podniósł pędzel, który wypadł z ręki ojca, jednak tworząc piękne portrety ciekawych osobowości, nie prześcignął ojca.
Iwan Pietrowicz Argunow zmarł na początku 1802 roku w wieku 73 lat, poddany hrabiego Szeremietiew.