Biografia P. Cezanne’a. Paul Cezanne i jego słynna góra Sainte-Victoire. Lata nauki i kształtowania charakteru

25.02.2019

Biografia

Pracuje

Dziedzictwo artystyczne Cezanne’a obejmuje ponad 800 dzieł olejnych, nie licząc akwareli i innych dzieł. Ilu dzieł zniszczonych przez samego artystę na przestrzeni lat swojej wieloletniej twórczości nie sposób zliczyć jako niedoskonałych. ścieżka twórcza. Na paryskim Salonie Jesiennym w 1904 r. całą salę poświęcono wystawie obrazów Cézanne'a. Wystawa ta stała się pierwszym prawdziwym sukcesem, a ponadto triumfem artysty.

Indywidualność

Prace Cezanne’a noszą piętno wewnętrznego życia artysty. Są wypełnione wewnętrzną energią przyciągania i odpychania. Sprzeczności były początkowo wpisane zarówno w świat mentalny artysty, jak i jego artystyczne aspiracje. W codziennym życiu Cezanne’a południowy temperament łączył się z odosobnieniem i ascezą, pobożnością – z próbami wyzwolenia się z ograniczeń swego temperamentu. tradycje religijne. Ufny w swój geniusz, Cézanne miał jednak wiecznie obsesję na punkcie strachu, że nie znajdzie dokładnego środka, aby wyrazić za pomocą malarstwa to, co widział i chciał wyrazić na obrazie. Zawsze mówił o swojej niezdolności do „zrealizowania” własną wizję, cały czas zwątpiłam, że dam radę i co Nowe zdjęcia stało się zarówno zaprzeczeniem, jak i potwierdzeniem tego.

Cezanne miał oczywiście wiele lęków i fobii, a jego niestabilny charakter znajdował schronienie i wybawienie w twórczości malarza. Być może właśnie ta okoliczność posłużyła główny powód taka fanatyczna twórczość Cezanne’a na jego obrazach. Podejrzliwy i nietowarzyski Cezanne stał się integralną częścią jego twórczości i silny mężczyzna. Twórczość uzdrowiła go z własnych nierozwiązanych duchowych sprzeczności, tym intensywniej i trwale.

W dojrzałe lata poczucie własnej psychologicznej sprzeczności i niespójności otaczającego świata zostało u Cezanne’a stopniowo zastąpione poczuciem nie tyle niespójności, ile tajemniczej złożoności świata. Sprzeczności schodzą na dalszy plan, a na pierwszy plan wysuwa się zrozumienie zwięzłości samego języka istnienia. Ale jeśli ten język jest lakoniczny, istnieje szansa wyrażenia go w określonej liczbie podstawowych znaków lub form. To właśnie na tym etapie wyłoniły się najlepsze, najgłębsze i najbardziej znaczące dzieła Cézanne’a.

Wczesne prace

Wczesne prace Cézanne’a charakteryzują się temperamentem, mrocznymi scenami i oznakami nieobecności Szkoła zawodowa. Ze względu na fabułę można je zaliczyć do romantyzmu, jednak sam wybór fabuły niewątpliwie wiąże się z poważnymi problemami psychicznymi autora. Wszystko to razem wzięte: zarówno tematyka prac, jak i szczerze mówiąc słaba szkoła rysunku i malarstwa, przesądziły o niemożliwości zarówno wystawiania, jak i sprzedaży tych prac. Warto jednak zauważyć, którzy artyści wywarli wpływ na Cézanne'a w tym okresie. Są to Paolo Veronese, Tintoretto, Eugene Delacroix i Honore Daumier. Malarzy tych łączy temperamentny styl, który był atrakcyjny dla młodego Cezanne'a, którego wyróżniały nagłe zmiany nastroju i wyraźne oznaki złożonych i wysoce dramatycznych przeżyć emocjonalnych.

Krajobrazy Cezanne’a

Następnie znajomość i współpraca z Camille Pizarro doprowadziło do tego, że paleta Cezanne’a stała się znacznie jaśniejsza, a pociągnięcia pędzla stały się bardziej rozdzielone. Wpływ Pizarro znalazł odzwierciedlenie w tym, że pejzaże zajęły kluczowe miejsce w twórczości Cezanne’a. Trudno powiedzieć, że Cézanne nie doszedłby do tego bez Pizarro. Najprawdopodobniej przyszedłby, ale być może znacznie później i nie tak zdecydowanie. W pejzażach Pizarro Cézanne'a urzekła umiejętność autora w zakresie organizacji przestrzeni. Cecha ta okazała się pokrewna wewnętrznym dążeniom samego Cezanne’a. Ale wpływ Pizarro nie doprowadził do pojawienia się w malarstwie Cezanne’a głównych zainteresowań impresjonistów: światła i powietrza. Cezanne podążał własną, szczególną ścieżką, podyktowaną swoimi cechami osobistymi. Nie interesowała go zmienność, ale stałość zestawień kolorów i kształtów w przyrodzie. Stał się niejako impresjonistą na odwrót. Gdyby impresjoniści szukali niezliczonych możliwości zmian, a tymczasowość, natychmiastowość w ich dziełach czołowe miejsce Cezanne szukał wieczności, czegoś, co nie podlega czasowi i zawsze pozostaje takie samo.

Charakterystyczna w tym sensie jest zasadnicza różnica między pejzażami Cezanne’a i pejzażami Pizarro. W ogóle nie interesują ich Cezanne różne plany przestrzeń. Wszystkie plany wciąga w jedno obrazowe pole, starając się wyrazić nie wielość przestrzeni, ale jej integralność i niepowtarzalność. Poszczególne perspektywy w pejzażach Cézanne’a zdają się nakładać na siebie. Cézanne często używa perspektywy odwróconej i sferycznej, aby sprawiać wrażenie spojrzenia w przestrzeń z zewnątrz, skądś z innego wymiaru. W pejzażach Cezanne'a prawie nie ma absolutnie prostych linii: albo wyginają się, albo mają nachylenie.

Styl Cezanne’a

Artysta kosztem tytanicznych wysiłków próbował w swojej twórczości pogodzić klasykę z nowoczesnością, Poussina z naturą, prawami wielkiego stylu i prawem do indywidualnego wyboru. Oczywiście w dobie triumfu indywidualnego wyboru żaden styl nie mógł już być wzorem dla artystów, z których każdy swobodnie wybierał teraz własną drogę w sztuce, kierując się wyłącznie wewnętrznymi właściwościami swojej duszy, a nie wymaganiami społeczność artystyczną. Dlatego zadanie, jakie postawił przed sobą Cezanne, było w zasadzie niewykonalne, co z góry przesądziło o ciągłych wątpliwościach artysty. Nie da się jednocześnie afirmować wolności i kanonów. Jednak specyficzne rezultaty artystyczne, jakie Cézanne osiągnął w swojej twórczości, były na tyle imponujące, że wzbudziły szacunek wśród przedstawicieli najwybitniejszych różne kierunki w malarstwie.

Obrazy Cezanne’a przypominały wszystkim eksperymentatorom, że połączenie klasyki z nowoczesnością jest podstawą, aby sztuka kolorów i form nie utraciła w procesie swojego rozwoju kryteriów artyzmu, zastępując je całkowitą dowolnością malarzy, dla których priorytetem jest wyłącznie oryginalność zamiast praw harmonii i piękna. To nie przypadek, że jednym z artystów, których twórczość wywarła ogromny wpływ na Cezanne'a, był Nicolas Poussin, największy przedstawiciel klasycyzmu. Klasycyzm niósł w sobie prawa stabilności i równowagi, które w dużej mierze odpowiadały rzeczywistej naturze rzeczy, prawom istniejący świat. Rysunki Poussina, surowe i wytrawne, zrównoważone i harmonijne kompozycje były zbliżone do tego, czego sam Cezanne poszukiwał w naturze i malarstwie. Cézanne wierzył, podobnie jak przedstawiciele renesansu i klasycyzmu, że podstawą istnienia jest porządek, a nie chaos, a siła twórcza wszystko porządkuje, budując harmonię z chaosu. Cezanne'a wiązał także z barierami ochronnymi, jakie klasycyzm stawiał na drodze arbitralnego podejścia do rozwiązywania problemów obrazowych i problemów wyrażania formy.

Ekspresja jako cel sam w sobie, ekspresja dla wyrazistości, użycie pewnego techniki malarskie dla uzyskania takiego czy innego efektu wyrazistego zaprzeczały poglądom Cezanne’a, dla którego malarstwo było przede wszystkim nie sztuką, ale środkiem poznania, dającym człowiekowi możliwość bezpośredniego zetknięcia się z pewnymi podstawami twórczości wszechświat. Historycznie rzecz biorąc, takie podejście wyrażało oczywiście pragnienie powrotu ducha europejskiego do pewnego podłoże religijne i w tym sensie można porównać z malarstwem Cezanne'a sztuka religijna różne epoki. Cezanne miał negatywny stosunek do malarstwa wielu swoich współczesnych - innowatorów, takich jak Gauguin, Van Gogh, Seurat i innych, właśnie dlatego, że widział w ich pracach przewagę arbitralności, indywidualnej interpretacji świata nad poszukiwaniem podstawowe prawa jego realnego istnienia, które miało ostatecznie wyrazić malarstwo samego Cezanne’a. Z tego samego powodu Cezanne był przeciwnikiem dekoracyjnego podejścia w malarstwie, gdyż dekoracyjność odbierała malarstwu objętość, pozbawiając przestrzeń obrazu trójwymiarowości. I chociaż trójwymiarowość jest obraz- sztucznie stworzona iluzja, Cezanne uznał tę iluzję za największe osiągnięcie malarstwa renesansowego, ponieważ obraz objętości przybliżał malarstwo do rzeczywistości, z punktu widzenia Cezanne'a. Dlatego Cézanne nazwał dzieła Gauguina „malowanymi chińskimi obrazami”. Sam Cezanne wierzył, że formy natury ostatecznie tworzą organiczną jedność i że ostatecznie podstawą wszystkiego, co istnieje, jest pewna ograniczona liczba form podstawowych.

Malarstwo Cezanne'a w pewnym sensie stało się odrodzeniem w sztuce starożytnych tradycji pitagorejskich, choć Cezanne oczywiście jedynie odczuwał zbieżność swoich ostatecznych poglądów z tą tradycją i nie podążał świadomie za pitagoreizmem. Można tu raczej powiedzieć, że pitagoreizm z kolei wyrażał jedynie pewne spostrzeżenia, charakterystyczne dla ludzi o odmiennych poglądach. epoki historyczne, niezależnie od tego, czy ci ludzie znają poglądy pitagorejczyków, czy nie. Oznacza to, że Cezanne najpierw sam doszedł do swoich wierzeń, a dopiero potem zorientował się, z jaką tradycją są one powiązane. Cezanne ostatecznie stał się twórcą malarstwa form w Sztuka europejska, którego jednym z kierunków, wkrótce po Cezanne’u, stał się kubizm. Jednak kubizm, nawet w osobie Picassa, okazał się uboższy merytorycznie od malarstwa Cezanne’a, gdyż utracił owe czysto malarskie walory, bogactwo barwy, wielowarstwowość pisma, jakie Cezanne osiągnął dzięki ciężkiej pracy. Co więcej, kubizm dla Picassa był tylko sceną, świadomym eksperymentem, gra artystyczna, a nie poprzez poszukiwanie podstaw bytu, dlatego wewnętrzna treść dzieł Picassa epoki kubizmu jest znacznie uboższa treściowo najlepsze prace Cezanne’a.

Z biegiem czasu, gdy Cezanne zainteresował się akwarelami, przyjął niektóre techniki Malarstwo akwarelowe w malarstwie olejnym: zaczął malować na białych, specjalnie niezagruntowanych płótnach. W rezultacie warstwa farby na tych płótnach stał się lżejszy, jakby oświetlał od wewnątrz. Cezanne zaczął ograniczać się do trzech kolorów: zielonego, niebieskiego i ochry, zmieszanych naturalnie z białym kolorem samego płótna. Cézanne potrzebował takiego podejścia do doboru kolorów, aby przy minimalnych środkach uzyskać jak najbardziej znaczącą treść. wynik artystyczny. W tym okresie rzeźbienie form na płótnie, a także ich uogólnianie, stało się bardziej lakoniczne.

Wyniki twórczości Cezanne’a

Rezultatów twórczości Cezanne’a nie da się wyrazić w żadnych jednoznacznych sformułowaniach. Wiele zależy od tradycji, w ramach której interpretowane są te wyniki. Jeśli pojmiemy te wyniki w kontekście nie paneuropejskim, ale konkretnie francuskim tradycja artystyczna, to możemy powiedzieć, że Cezanne poszukiwał i potrafił połączyć w swoim dziele dwa wiodące Tradycje francuskie: klasycyzm i romantyzm, inteligencja i pasja, opanowanie i impuls, harmonia i żywiołowość uczuć.

W historii sztuki to płodność prób Cezanne'a w stworzeniu nowego wielkiego stylu, a nie sam styl Cezanne'a jako kanonu artystycznego, złożyła się na jego sławę. Jest to tym bardziej prawdziwe, że z twórczości Cezanne’a można wyciągnąć różnorodne wnioski artystyczne. Są wielowymiarowe, co samo w sobie jest charakterystyczne dla wielu wybitnych dzieł różnych epok, jednak wielowymiarowość w dobie swobodnych poszukiwań artystycznych nabiera szczególnego znaczenia. Każdy może z dzieł Cezanne’a wziąć dla siebie to, co chce, a nie to, co narzucał wcześniej kanon artystyczny. Dlatego dzieło Cezanne’a pozostaje wyjątkowe” spiżarnia artystyczna„dla współczesnych artystów.

Najważniejsze w odbiorze obrazów Cezanne’a jest to, aby nie ulegać pokusie budowania na ich podstawie jakiejkolwiek teorii artystycznej czy filozoficznej. Sam Cezanne nigdy nie miał żadnych teorii. Precyzyjnie określił istotę swojego podejścia jako brak teoretycznego zapośredniczenia pomiędzy artystą a naturą rzeczy. Bezpośrednie spojrzenie, bezpośrednie wchłanianie i przekazywanie reakcji natury na płótno były dla niego naturalnym podejściem do malarstwa, które Cézanne uważał za sposób bezpośredniego kontaktu z prawdą, nie mieszczący się w ramach myśli i słowa.

Dziewczyna przy fortepianie (Uwertura do Tannhäusera). OK. . Ermitaż w Petersburgu
Bukiet kwiatów w niebieskim wazonie. - . Ermitaż w Petersburgu
Most na Marnie w Creteil (Brzegi Marny). - . Muzeum Puszkina im. A. S. Puszkin, Moskwa
Palący. - . Ermitaż w Petersburgu
Góra Św. Wiktoria. - . Ermitaż w Petersburgu

Cezanne’a o sztuce

„Artyści powinni całkowicie poświęcić się studiowaniu natury i starać się tworzyć obrazy o charakterze instruktażowym. Mówienie o sztuce jest prawie bezużyteczne. Praca, która pomaga człowiekowi osiągnąć sukces w biznesie, jest wystarczającą rekompensatą za brak zrozumienia okazywany przez głupców. Pisarz wyraża się poprzez abstrakcje, artysta konkretyzuje swoje uczucia i spostrzeżenia poprzez rysunek i kolor. Artysta nie powinien być ani zbyt skrupulatny, ani zbyt szczery, ani zbyt zależny od natury; artysta jest w większym lub mniejszym stopniu panem swojego modelu, a przede wszystkim środków wyrazu.”

„Mój wiek i stan zdrowia nie pozwolą mi spełnić marzenia, do którego dążyłem przez całe życie. Ale zawsze będę wdzięczny tym inteligentnym miłośnikom sztuki, którzy pomimo moich wahań zrozumieli, co próbowałem osiągnąć, aby zaktualizować moją sztukę. Wierzę, że nie zastępuje się przeszłości swoją sztuką, a jedynie dodaje do niej nowe ogniwo.”

„Trzeba iść w stronę klasyki, ale przez naturę, czyli poprzez sensację”.

„Moją metodą jest nienawiść fantastyczny obraz. Piszę tylko prawdę.”

„Kolor to punkt, w którym nasz mózg styka się ze wszechświatem”.

„Chcę uderzyć Paryż marchewką i jabłkiem”.

„Pracować, nie oglądając się na nikogo i nabierać sił – oto cel artysty. I nie przejmuj się wszystkim innym!”

„Kiedy poczynisz choćby niewielkie postępy w swojej pracy, będzie to wystarczająca nagroda za to, że głupcy cię nie rozumieją”.

Tłumaczenie: „Praca, która czyni cię dobrym w swoim rzemiośle, jest wystarczającą nagrodą za niezrozumienie przez głupców”.

Inna opcja tłumaczenia: „Dzieło artysty, dzięki któremu osiąga doskonałość w swoim rzemiośle, jest wystarczającą nagrodą za to, że głupcy go nie rozumieją”.

„Aprobata innych działa pobudzająco; czasami należy się jej strzec. Świadomość własnej mocy czyni człowieka pokornym”.

„Odniosłem pewien sukces. Dlaczego tak późno i dlaczego z takim trudem? Czy sztuka rzeczywiście jest kapłaństwem wymagającym czyste dusze którzy całkowicie mu się oddali?”

„W sztuce nie mam nic do ukrycia. Tylko pierwotna siła, czyli temperament, może doprowadzić człowieka do celu, który musi osiągnąć.

„Czuję, że robię postępy każdego dnia, choć bardzo powoli”.

„Nawet przy małym temperamencie możesz być prawdziwym malarzem i możesz dobrze malować, nie będąc specjalnym kolorystą i bez bardzo subtelnego rozumienia harmonii. Wystarczy mieć poczucie artystyczne i to właśnie uczucie jest straszydłem dla całej burżuazji. Instytuty, stypendia, wyróżnienia wymyślono tylko dla głupców, bufonów i łajdaków. Przestań krytykować i zacznij malować. W niej jest zbawienie.”

Nie ma linii ani kształtów, są tylko kontrasty. Kontrasty te nie są generowane przez czerń i biel, ale przez wrażenie koloru. Formę tworzy precyzyjna relacja tonów. Kiedy tony zostaną zestawione harmonijnie i bez pominięć, obraz tworzy się sam.

Efekt kolorystyczny jest najważniejszy na obrazie, sprawia, że obraz stanowi jedną całość, porządkuje go; efekt ten powinien opierać się na jednej dominującej plamie barwnej.

Wzór i kolor są nierozłączne; Pisząc, rysujesz, a im bardziej harmonijny staje się kolor, tym dokładniejszy staje się rysunek. Kiedy kolor osiągnie największe bogactwo, formularz staje się kompletny. Kontrasty i relacje tonalne to cały sekret rysowania i modelowania.

„Obraz jest tutaj, w środku” – powiedział, uderzając się w czoło.

Maslenica

Ten obraz Cezanne’a ma także inną tradycyjną nazwę – „Pierrot i Arlekin”. Cezanne pracował nad nim dwa lata, co bynajmniej nie było dla artysty rzadki przypadek. Dlatego modele w pracach, które się przeciągają przez długi czas, zwykle byli to znajomi i krewni artysty: nikt inny nie zgodziłby się na pozowanie dziesiątki lub setki razy. Oczywiście po pierwszych sesjach Cezanne mógł pisać z pamięci, ale zasady artystyczne Cezanne całkowicie odrzucił to podejście. Artysta musiał widzieć to, co maluje, aby nie ulec pokusie przypadkowości, podporządkowanej pragnieniu wyrazistości i interpretacji natury. Jego syn Paul pozował dla Cézanne'a w kostiumie arlekina, a przyjaciel jego syna Louis Guillaume pozował w kostiumie Pierrota.

Żywa fabuła tego dzieła Cezanne’a od dawna sprawia, że krytycy sztuki i nieprofesjonalni odbiorcy chcą przypisać mu jakąś szczególną ideę lub szczególne znaczenie. Ale tutaj tak naprawdę nic takiego nie ma. Cezanne jak zawsze próbował w Maslenicy znaleźć odpowiedzi na pytania czysto artystyczne, zmysłowe, odpowiedzi, których nie da się wyrazić słowami. Tak, ruchy Pierrota i Arlekina, jeśli przyjrzeć się bliżej, są napięte i przerywane, jak gdyby ci ludzie byli marionetkami sterowanymi ręką niewidzialnego lalkarza, ale błędem jest sądzić, że tak było plan ideologiczny artysta: oryginalny lub dojrzały w procesie pracy. Cezanne nigdy nie nadawał swoim dziełom tak bezpośredniego, symbolicznego znaczenia.

Uwagę zwraca nie „zewnętrzna” warstwa eventowa dzieła, czyli to, co i kto jest na niej przedstawiony, ale to, jak dokładnie jest ona przedstawiona. Przede wszystkim jest to dziwna nieregularność perspektywy dla ujęcia linearnego: postacie Pierrota i Arlekina istnieją jakby w różnych wymiarach przestrzennych. Bohaterowie obrazu jadą razem na wakacje, ale w przestrzeń artystyczna prace wydają się być podzielone na różne układy współrzędnych. Nie jest to przypadkowe, ale w żaden sposób nie wiąże się z ideą ludzkich marionetek leżących na powierzchni dla zewnętrznego obserwatora. Cezanne tak długo pracował nad Maslenitsą tylko dlatego, że chciał poczuć i zmysłowo doświadczyć czegoś ważnego dla siebie. Dla Cézanne’a w tym okresie ważna była chęć zobaczenia, jak funkcjonuje świat w jego przestrzennym „eidos”. Próba rozwikłania cech przestrzeni ukształtowanej przez samą naturę doprowadziła do przerywanych i pełnych napięcia ruchów bohaterów obrazu. Dzieło, podobnie jak wiele innych kluczowych dzieł Cezanne'a, jest w zasadzie niedokończone, chociaż w jego zewnętrznej warstwie prawie nie ma to odzwierciedlenia: fabuła jest wyrażona, kompozycja wydaje się skończona. Ale kompletność poszukiwań, nawet w ramach małego kroku, w jednym dziele, była w ogóle czymś absolutnie niezwykłym dla Cézanne’a, który był w ciągły ruch do artystycznie wyrażonej prawdy. Z tego punktu widzenia Cezanne w zasadzie nie może mieć ukończonych dzieł, więc „Maslenitsa” po prostu nie wykracza poza ogólną zasadę Cezanne’a.

Galeria

Literatura

Yavorskaya N.V. Cezanne’a. - M., 1936.
Perryucho A. Cezanne’a. Za. z francuskiego - M., 1966.
komp. Yavorskaya N.V. Paul Cézanne: Korespondencja. Wspomnienia współczesnych. - M., 1972.
komp. Barskaja A. L. Paul Cezanne: Album. - 1975.
Lindsay J. Paula Cezanne’a. Za. z angielskiego = J. Lindsay. Cezanne: jego życie i sztuka . - L.: Evelyn, Adams i Mackay, 1969. - M.: Art, 1989. - s. 416 s. - ISBN 5-210-00021-4
Venturi l. V. 1-2 // Cezanne, syn sztuka, syn dzieło. - Paryż, 1936.
Rewald J. Męka Paula Cezanne’a. - Londyn, 1950.
Nowotnyj F. Cezanne i das Ende wissenschftlicher Perspektive. - Wiedeń, 1938.
Badta K. Die Kunst Cezannes. - Monachium, 1956.

Spinki do mankietów

Paul Cézanne (Francuz Paul Cézanne; 1839-1906) - Artysta francuski-malarz, jasny przedstawiciel postimpresjonizm.

BIOGRAFIA ARTYSTY

Paul Cezanne urodził się 19 stycznia 1839 roku w starożytnym francuskim mieście Aix-en-Provence. Jedyny syn niegrzecznego i chciwego ojca, Paweł, jako dziecko nie miał praktycznie nic wspólnego z malarstwem, ale otrzymał bardzo dobre wykształcenie w innych dziedzinach. Nauka była dla niego łatwa i skuteczna. Stale otrzymywał nagrody szkolne z łaciny i greki oraz z matematyki.

Rysunek i malarstwo wchodziły w zakres dyscyplin obowiązkowych, jednak w młodości Paweł nie zdobył w tej dziedzinie żadnych szczególnych laurów. Warto dodać, że coroczna uczelniana nagroda za rysunek trafiła do kolegi z klasy młodego Cézanne’a, przyszłego klasycysty Emila Zoli. Warto dodać, że dwóm wybitnym Francuzom udało się utrzymać silną przyjaźń z dzieciństwa przez całe życie. Tak i wybór ścieżka życia Przyjazna rada Emila niemal całkowicie mnie zdeterminowała.

W 1858 roku Cézanne zdał egzaminy licencjackie na uniwersytecie w Aix, wstępując do działającej przy uniwersytecie szkoły prawniczej. Całkowicie pozbawiony zainteresowania prawem młody Paul został do tego zmuszony pod naciskiem swego apodyktycznego rodzica. W tej szkole „cierpiał” przez dwa lata i w tym czasie mocno podjął decyzję o poświęceniu się malarstwu.

Synowi i ojcu udało się dojść do kompromisu – Ludwik Auguste wyposażył syna w pracownię, w której pomiędzy praktyką prawniczą mógł poświęcić czas na naukę umiejętności artystyczne pod kierunkiem lokalnego artysty Josepha Giberta.

Mimo to w 1861 roku ojciec wysłał syna do Paryża na prawdziwe szkolenie malarskie. Wrażliwy Paul Cezanne, odwiedzając Atelier Suisse, pod wpływem lokalnych artystów szybko odszedł od akademickiego maniery i zaczął szukać własny styl. Wracając na krótko do Aix, Paul następnie ponownie poszedł za swoim przyjacielem Zolą do stolicy. Próbuje dostać się do Ecole de Bozar, ale egzaminatorzy uznali nadesłaną przez niego pracę za zbyt „brutalną”, co jednak nie odbiegało aż tak bardzo od rzeczywistości.

Jednak 23 lata to wiek pełen nadziei, a niezbyt zdenerwowany Cezanne kontynuował pisanie. Co roku prezentował swoje kreacje na Salonie. Jednak wymagające jury odrzuciło wszystkie obrazy artysty. Zraniona duma zmusiła Cezanne’a do coraz głębszego zagłębiania się w swoją twórczość, stopniowo rozwijając własny styl. Cézanne zyskał uznanie, podobnie jak inni impresjoniści, w połowie lat 70. Kilku zamożnych mieszczan zakupiło kilka jego dzieł.

W 1869 roku żoną Pawła została Maria-Hortensia Fike. Mieszkali razem przez czterdzieści lat. Cezanne, jego żona i syn Paul nieustannie przenosili się z miejsca na miejsce, aż w końcu w 1885 roku Ambroise Vollard zorganizował wystawa osobista artysta. Jednak długi związane ze śmiercią matki zmuszają artystę do sprzedaży rodzinnego majątku. Na przełomie wieków otwiera własne studio, kontynuując niestrudzoną pracę do 22 października 1906 roku, zapalenie płuc przerywa jego złożoną i owocną ścieżkę życiową.

KREACJA

Wcześnie zbliżywszy się do Camille'a Pissarro, Édouarda Maneta i Claude'a Moneta, Cézanne brał udział w wystawach impresjonistów w 1874 i 1877, ale już w tym okresie kształtował się jego własny system malarski. Odbiegając zasadniczo od tej epoki od metody impresjonizmu, Paul Cézanne interesował się nie dynamiką środowiska świetlno-powietrznego i zmiennością koloru w atmosferze, ale stabilnymi wzorami kombinacji kolorów i form, materialnością tematu I światy przyrody(„Dom Wisielca w Auvers”, 1872-1873, Muzeum Orsay, Paryż).

Nieustannie rozumiejąc te prawa, Cézanne spędził dużo czasu rozwijając ten sam motyw w poszukiwaniu konstruktywności strukturalnej naturalne formy(liczne wizerunki Góry Świętej Wiktorii, m.in. w Instytucie Cortholda w Londynie 1887 r.; w Ermitażu w Petersburgu ok. 1900 r. oraz w innych zbiorach).

Operując przede wszystkim gradacją trzech barw podstawowych (zielonego, niebieskiego i żółtego), czasem cienkich i przezroczystych, czasem ostro kontrastujących, nakładanych gęstą kreską bryłową, posługiwał się nimi do wskazania planów przestrzennych i stopnia oświetlenia. Materialny ciężar kolorowej faktury harmonijnie łączy się w pracach Cezanne’a z odważnym, lakonicznym designem, strukturalnie wyraźną, plastycznie uogólnioną formą rzeźbiarską i wyraźnym balansem kompozycyjnym („Autoportret”, 1879-1885, „Pierrot i Arlekin” , 1888, „Brzoskwinie i gruszki”, 1895, - wszystko w Muzeum Puszkina w Moskwie).

W krajobrazach obejmujących szeroki, panoramiczny krajobraz wypełniony światłem, Cézanne tworzy majestatyczną epopeję („Brzegi Marny”, 1888, Muzeum Państwowe Sztuk Pięknych w Moskwie).

W martwych naturach, podkreślających strukturę przedmiotu, jakby go obciążając kolorową fakturą i użyciem czystego koloru, artysta ujawnia materialność i ścisłą plastyczność obiektywny świat(„Garnek z geranium i owocami”, 1890-1894, Metropolitan Museum of Art; „Martwa natura z draperią”, 1898-1899, Państwowe Muzeum Ermitażu, Sankt Petersburg). Twórczość Cezanne’a, jednego z głównych mistrzów postimpresjonizmu, który dążył do stworzenia swego rodzaju sztuka klasyczna pozbawiony wszystkiego, co przemijające i ulotne, ku ujawnieniu niezmiennej wielkości i harmonijnej równowagi natury, organicznej jedności jej form, wywarł ogromny wpływ zarówno na wielu artystów XX wieku, jak i na całe ruchy Dzieła wizualne, który z reguły rozwijał poszczególne aspekty dziedzictwa Cezanne’a (kubizm, rayonizm, tzw. malarstwo symultaniczne itp.).

Cezanne ostatecznie stał się twórcą malarstwa form w sztuce europejskiej, której jednym z kierunków, wkrótce po Cezanne’u, stał się kubizm. Jednak kubizm, nawet w osobie Picassa, okazał się uboższy merytorycznie od malarstwa Cezanne’a, gdyż utracił owe czysto malarskie walory, bogactwo barwy, wielowarstwowość pisma, jakie Cezanne osiągnął dzięki ciężkiej pracy. Poza tym kubizm dla Picassa był jedynie sceną, świadomym eksperymentem, artystyczną grą, a nie poszukiwaniem podstaw bytu, dlatego też wewnętrzna treść dzieł Picassa epoki kubizmu jest znacznie uboższa od treści najlepszych dzieł Cézanne’a .

Z czasem, gdy Cezanne zainteresował się akwarelą, przeniósł część technik malarstwa akwarelowego na malarstwo olejne: zaczął malować na białych, specjalnie niezagruntowanych płótnach. W rezultacie warstwa farby na tych płótnach stała się jaśniejsza, jakby świeciła od wewnątrz. Cezanne zaczął ograniczać się do trzech kolorów: zielonego, niebieskiego i ochry, zmieszanych naturalnie z białym kolorem samego płótna. Cézanne potrzebował takiego podejścia do doboru kolorów, aby przy minimalnych środkach osiągnąć jak najbardziej znaczący efekt artystyczny. W tym okresie rzeźbienie form na płótnie, a także ich uogólnianie, stało się bardziej lakoniczne.

Dziedzictwo artystyczne Cezanne’a obejmuje ponad 800 dzieł olejnych, nie licząc akwareli i innych dzieł. Nie sposób zliczyć dzieł zniszczonych jako niedoskonałe przez samego artystę na przestrzeni lat jego długiej drogi twórczej. Na paryskim Salonie Jesiennym w 1904 r. całą salę poświęcono wystawie obrazów Cézanne'a. Wystawa ta stała się pierwszym prawdziwym sukcesem, a ponadto triumfem artysty.

Prace Cezanne’a noszą piętno wewnętrznego życia artysty. Są wypełnione wewnętrzną energią przyciągania i odpychania. Sprzeczności były początkowo wpisane zarówno w świat mentalny artysty, jak i jego artystyczne aspiracje. W życiu codziennym Cezanne’a południowy temperament łączył się z odosobnieniem i ascezą, pobożnością – z próbami uwolnienia się od ograniczających jego temperament tradycji religijnych. Ufny w swój geniusz, Cézanne miał jednak wiecznie obsesję na punkcie strachu, że nie znajdzie dokładnego środka, aby wyrazić za pomocą malarstwa to, co widział i chciał wyrazić na obrazie. Zawsze mówił o swojej niemożności „zrealizowania” własnej wizji, zawsze wątpił, czy da radę, a każdy nowy obraz stawał się zarówno zaprzeczeniem, jak i potwierdzeniem tego.

Cezanne miał oczywiście wiele lęków i fobii, a jego niestabilny charakter znajdował schronienie i wybawienie w twórczości malarza. Być może właśnie ta okoliczność była główną przyczyną fanatycznej pracy Cezanne’a nad jego obrazami. Podejrzliwy i nietowarzyski Cezanne stał się w swojej twórczości całą i silną osobą. Twórczość uzdrowiła go z własnych nierozwiązanych duchowych sprzeczności, tym intensywniej i trwale.

OŚWIADCZENIA ARTYSTY O SZTUCE

„Artyści powinni całkowicie poświęcić się studiowaniu natury i starać się tworzyć obrazy o charakterze instruktażowym. Mówienie o sztuce jest prawie bezużyteczne. Praca, która pomaga człowiekowi osiągnąć sukces w biznesie, jest wystarczającą rekompensatą za brak zrozumienia okazywany przez głupców. Pisarz wyraża się poprzez abstrakcje, artysta konkretyzuje swoje uczucia i spostrzeżenia poprzez rysunek i kolor. Artysta nie powinien być ani zbyt skrupulatny, ani zbyt szczery, ani zbyt zależny od natury; artysta jest w większym lub mniejszym stopniu panem swojego modelu, a przede wszystkim środków wyrazu.”

„Mój wiek i stan zdrowia nie pozwolą mi spełnić marzenia, do którego dążyłem przez całe życie. Ale zawsze będę wdzięczny tym inteligentnym miłośnikom sztuki, którzy pomimo moich wahań zrozumieli, co próbowałem osiągnąć, aby zaktualizować moją sztukę. Wierzę, że nie zastępuje się przeszłości swoją sztuką, a jedynie dodaje do niej nowe ogniwo.”

„Trzeba iść w stronę klasyki, ale przez naturę, czyli poprzez sensację”.

„Moją metodą jest nienawiść do fantastycznego obrazu. Piszę tylko prawdę.”

„Kolor to punkt, w którym nasz mózg styka się ze wszechświatem”.

„Chcę uderzyć Paryż marchewką i jabłkiem”.

„Pracować, nie oglądając się na nikogo i nabierać sił – oto cel artysty. I nie przejmuj się wszystkim innym!”

„Kiedy poczynisz choćby niewielkie postępy w swojej pracy, będzie to wystarczająca nagroda za to, że głupcy cię nie rozumieją”.

Tłumaczenie: „Praca, która czyni cię dobrym w swoim rzemiośle, jest wystarczającą nagrodą za niezrozumienie przez głupców”.

Inna opcja tłumaczenia: „Dzieło artysty, dzięki któremu osiąga doskonałość w swoim rzemiośle, jest wystarczającą nagrodą za to, że głupcy go nie rozumieją”.

„Aprobata innych działa pobudzająco, czasami należy się przed nią strzec. Świadomość własnej siły czyni człowieka pokornym.”

„Odniosłem pewien sukces. Dlaczego tak późno i dlaczego z takim trudem? Czy sztuka rzeczywiście jest kapłaństwem wymagającym czystych dusz, które całkowicie się jej oddają?

„W sztuce nie mam nic do ukrycia. Tylko pierwotna siła, czyli temperament, może doprowadzić człowieka do celu, który musi osiągnąć.

„Czuję, że robię postępy każdego dnia, choć bardzo powoli”.

„Nawet przy małym temperamencie możesz być prawdziwym malarzem i możesz dobrze malować, nie będąc specjalnym kolorystą i bez bardzo subtelnego rozumienia harmonii. Wystarczy mieć poczucie artystyczne i to właśnie uczucie jest straszydłem dla całej burżuazji. Instytuty, stypendia, wyróżnienia wymyślono tylko dla głupców, bufonów i łajdaków. Przestań krytykować i zacznij malować. W niej jest zbawienie.”

Nie ma linii ani kształtów, są tylko kontrasty. Kontrasty te nie są generowane przez czerń i biel, ale przez wrażenie koloru. Formę tworzy precyzyjna relacja tonów. Kiedy tony zostaną zestawione harmonijnie i bez pominięć, obraz tworzy się sam.

Efekt kolorystyczny jest najważniejszy na obrazie, sprawia, że obraz stanowi jedną całość, porządkuje go; efekt ten powinien opierać się na jednej dominującej plamie barwnej.

Wzór i kolor są nierozłączne; Pisząc, rysujesz, a im bardziej harmonijny staje się kolor, tym dokładniejszy staje się rysunek. Kiedy kolor osiągnie swoje największe bogactwo, forma staje się kompletna. Kontrasty i relacje tonalne to cały sekret rysowania i modelowania.

„Obraz jest tutaj, w środku” – powiedział, uderzając się w czoło.

BIBLIOGRAFIA

Yavorskaya N.V. Cezanne. - M., 1936
Perrucho A. Cezanne’a. Za. z francuskiego - M., 1966
komp. Yavorskaya N.V. Paul Cezanne: Korespondencja. Wspomnienia współczesnych. - M., 1972
komp. Barskaya A. L. Paul Cezanne: Album. - 1975
Lindsay J. Paul Cezanne. Za. z angielskiego = J. Lindsay. Cezanne: jego życie i sztuka . - L.: Evelyn, Adams i Mackay, 1969. - M.: Sztuka, 1989
Venturi L. V. 1-2 // Cezanne, syn sztuka, syn dzieło. - Paryż, 1936
Rewald J. Męka Paula Cezanne’a. - Londyn, 1950
Novotny F. Cezanne i das Ende wissenschftlicher Perspektive. - Wiedeń, 1938
Badt K. Die Kunst Cezannes. - Monachium, 1956
Murina Elena. Cezanne’a. - M.: Sztuka - XXI wiek, 2014

Podczas pisania tego artykułu wykorzystano materiały z następujących stron:pl.wikipedia.org ,

Jeśli znajdziesz jakieś nieścisłości lub chcesz coś dodać do tego artykułu, prześlij nam informację na adres adres e-mail admin@site, my i nasi czytelnicy będziemy Ci bardzo wdzięczni.

Paul Cézanne (1839–1906) to znany francuski artysta, jeden z przedstawicieli postimpresjonizmu.

Paula Cezanne’a. Autoportret

Biografia Paula Cezanne’a

wczesne lata

Artysta urodził się w 1839 roku w miejscowości Aix-en-Provence na południu Francji. Jego ojciec był znanym lichwiarzem, chociaż wielu uważało go za chciwego i złego. W dzieciństwie Cezanne'a wcale nie interesowało malarstwo, studiował inne nauki. Ukończył szkołę średnią, a następnie poszedł na studia, gdzie otrzymał tradycyjne wykształcenie. On był pilny uczeń, był znakomity w wielu naukach, za niektóre otrzymał nawet nagrody. Do końca życia pisał wiersze.

Artysta od najmłodszych lat interesował się sztuką, ale nie wiedział, jak cokolwiek zrobić. W liceum rysunek znalazł się na liście przedmiotów obowiązkowych, bardzo go to pociągało i od 15. roku życia uczył się w Szkoła Artystyczna, ale nigdy nie otrzymał nagrody rocznej za najlepsze rysunki. Pierwsze prace Cezanne'a wyróżniają się mrocznością i oczywistymi brakami w technice rysunkowej, co świadczy o jego braku profesjonalizmu. Fabułę obrazów można przypisać bardziej romantyzmowi, ale idee takich fabuł są z nimi kojarzone stan psychiczny artysta.

Dom Wisielca

Życie i sztuka

Pracuje Paula Cezanne’a zawierają jego cząstki wewnętrzny świat. Obrazy przyciągają, ale jednocześnie odpychają. Malarza często dręczyły sprzeczne uczucia. Artysta był zbyt pewny siebie, ale jednocześnie zawsze bał się, że nie będzie w stanie wiernie oddać swojego pomysłu na obrazie. Zawsze był niezadowolony, że nie potrafi sobie wyobrazić, czego chce na płótnie, często w siebie wątpił. Paweł miał roztrzęsione nerwy i ciągle się czegoś bał. Malarstwo pomogło mu znaleźć spokój. Praca pomogła mu odnaleźć siebie. Z biegiem lat jego niekonsekwencja ustąpiła miejsca myślom o tajemnicy i niezrozumiałości świata.

W swoich pracach Cezanne desperacko próbował mieszać klasykę i Sztuka współczesna. Tego zadania nie dało się wykonać i to było przyczyną jego frustracji. Ale nawet te dzieła, które stworzył, wymuszone wielka ilość widzowie i inni artyści zaczynają go szanować. Obrazy artysty przypominały innym, że w każdej chwili należy pamiętać o klasyce i choć trochę utrzymywać z nią kontakt.

Biografia Paula Cezanne’a aktualizacja: 12 września 2017 r. przez: Walentyna

Paul Cézanne (Francuz Paul Cézanne; 1839-1906) to francuski artysta-malarz, wybitny przedstawiciel postimpresjonizmu.

Cézanne urodził się 19 stycznia 1839 roku w Aix-en-Provence. Był jedynym synem dominującego ojca i dorastał w cichym Aix-en-Provence, dawnej stolicy prowincji Południowa Francja, 15 mil w głąb lądu od Marsylii. Ojciec artysty, pewny siebie i stanowczy Louis-Auguste Cezanne, wyjechał do Paryża, aby studiować handel kapeluszami. Wracając do Aix po kilku latach praktyki, zainwestował swoje oszczędności w sprzedaż hurtową i handel detaliczny kapelusze, udało mu się to i z czasem zaczął pożyczać pieniądze producentom filcu kapeluszowego. Wkrótce ten „niegrzeczny i chciwy” człowiek – tak go zapamiętali przyjaciele Cezanne’a z dzieciństwa – stał się odnoszącym największe sukcesy lichwiarzem w Aix.

Jako dziecko Cézanne nie miał pojęcia o dobrym malarstwie, ale pod wieloma innymi względami otrzymał doskonałe wykształcenie. Po ukończeniu studiów Liceum Uczęszczał do szkoły św. Józefa, a następnie w wieku 13–19 lat studiował w Collège Bourbon. Jego wychowanie było w pełni zgodne z tradycją oraz wymogami społecznymi i religijnymi tamtych czasów. Cezanne dobrze się uczył i otrzymał wiele nagród z matematyki, łaciny i Języki greckie. Przez całe dalsze życie czytał z zapałem autorów klasycznych, pisał poezję łacińską i francuską, a wcześniej ostatnie dni potrafił z pamięci zacytować całe strony Apulejusza, Wergiliusza i Lukrecjusza.

Z wczesne lata Cezanne'a pociągała sztuka, ale na pierwszy rzut oka nie miał wyraźnych talentów. Rysunek był przedmiotem obowiązkowym zarówno w szkole św. Józefa, jak i w Collège Bourbon, a w wieku 15 lat rozpoczął naukę w bezpłatnej akademii rysunku. Cezanne nigdy jednak nie otrzymał na studiach dorocznej nagrody za rysunek – otrzymał ją w 1857 roku najlepszy przyjaciel młody Paweł – Emil Zola.

Dziedzictwo artystyczne Cézanne’a obejmuje ponad 800 dzieł olejnych, nie licząc akwareli i innych dzieł. Nie sposób zliczyć dzieł zniszczonych jako niedoskonałe przez samego artystę na przestrzeni lat jego długiej drogi twórczej. Na paryskim Salonie Jesiennym w 1904 r. całą salę poświęcono wystawie obrazów Cézanne'a. Wystawa ta stała się pierwszym prawdziwym sukcesem, a ponadto triumfem artysty.

Prace Cezanne’a noszą piętno wewnętrznego życia artysty. Są wypełnione wewnętrzną energią przyciągania i odpychania. Sprzeczności były początkowo wpisane zarówno w świat mentalny artysty, jak i jego artystyczne aspiracje. W życiu codziennym Cezanne’a południowy temperament łączył się z odosobnieniem i ascezą, pobożnością – z próbami uwolnienia się od ograniczających jego temperament tradycji religijnych. Ufny w swój geniusz, Cézanne miał jednak wiecznie obsesję na punkcie strachu, że nie znajdzie dokładnego środka, aby wyrazić za pomocą malarstwa to, co widział i chciał wyrazić na obrazie. Zawsze mówił o swojej niemożności „zrealizowania” własnej wizji, zawsze wątpił, czy da radę, a każdy nowy obraz stawał się zarówno zaprzeczeniem, jak i potwierdzeniem tego.

Cezanne’a cechowało oczywiście wiele lęków i fobii, a jego niestabilny charakter znalazł schronienie i wybawienie w twórczości malarza. Być może właśnie ta okoliczność była główną przyczyną fanatycznej pracy Cezanne’a nad jego obrazami. Podejrzliwy i nietowarzyski Cezanne stał się w swojej twórczości całą i silną osobą. Twórczość uzdrowiła go z własnych nierozwiązanych duchowych sprzeczności, tym intensywniej i trwale.

W dojrzałych latach poczucie własnych psychologicznych sprzeczności i niespójności otaczającego świata stopniowo zastępowało u Cezanne’a poczucie nie tyle niespójności, co tajemniczej złożoności świata. Sprzeczności schodzą na dalszy plan, a na pierwszy plan wysuwa się zrozumienie zwięzłości samego języka istnienia. Ale jeśli ten język jest lakoniczny, istnieje szansa wyrażenia go w określonej liczbie podstawowych znaków lub form. To właśnie na tym etapie wyłoniły się najlepsze, najgłębsze i najbardziej znaczące dzieła Cézanne’a.

To jest część artykułu w Wikipedii używanego na licencji CC-BY-SA. Pełny tekst artykuły tutaj →

	Portal "Sztuka"
	Paula Cezanne’a w Wikicytatach
	Paula Cezanne’a na Wikimedia Commons