Pomimo tego, że nazwa gatunku przetłumaczona z francuskiego oznacza „martwą naturę”. Dlaczego w ustach Holendrów kompozycje przedmiotów nieożywionych, barwnie ukazane na płótnie, oznaczały życie? Tak, te obrazy były tak jasne, niezawodne i wyraziste, że nawet najbardziej niedoświadczeni koneserzy podziwiali realizm i namacalność szczegółów. Ale to nie tylko to.
Holenderska martwa natura jest próbą opowiedzenia o tym, jak żywy i blisko jest każdy przedmiot, w który wpleciona jest każda cząstka tego świata złożony świat osobą i uczestniczy w tym. Holenderscy mistrzowie tworzyli genialne kompozycje i potrafili tak dokładnie oddać kształt, odcienie kolorów, objętość i fakturę przedmiotów, że zdawali się przechowywać dynamikę ludzkich działań. Oto pióro, które jeszcze nie ostygło z dłoni poety z błyszczącą kroplą atramentu, oto przecięty granat ociekający rubinowym sokiem, a oto bochenek nadgryziony i rzucony na zmiętą serwetkę... I jest to jednocześnie zaproszenie do czarującego podziwiania i cieszenia się wspaniałością i różnorodnością natury.
Motywy i malownicze obrazy
Holenderska martwa natura jest niewyczerpana pod względem bogactwa tematów. Niektórzy malarze podzielali pasję do kwiatów i owoców, inni specjalizowali się w przybliżonym odwzorowaniu kawałków mięsa i ryb, jeszcze inni z miłością tworzyli przybory kuchenne na płótnie, a jeszcze inni poświęcili się tematyce nauki i sztuki.
Holenderska martwa natura z początku XVII wieku wyróżnia się przywiązaniem do symboliki. Przedmioty są ściśle specyficzne miejsce i znaczenie. Jabłko pośrodku obrazu opowiada historię upadku pierwszego człowieka, natomiast pokrywająca je kiść winogron opowiada historię odkupieńczej ofiary Chrystusa. Pusta muszla, która niegdyś była domem dla mięczaka morskiego, mówi o kruchości życia, więdnących i uschniętych kwiatach – o śmierci, a wylatujący z kokonu motyl zwiastuje zmartwychwstanie i odnowę. W ten sposób pisze Balthasar Ast.
Artyści nowego pokolenia zaproponowali już nieco inne rozwiązanie Holenderska martwa natura. Malarstwo „oddycha” nieuchwytnym urokiem ukrytym w zwykłych rzeczach. Do połowy napełniona szklanka, serwowanie porozrzucanych na stole dań, owoców, pokrojonego ciasta – autentyczność detali doskonale oddają kolor, światło, cienie, refleksy i refleksy, przekonująco kojarzące się z fakturą tkaniny, srebra, szkła i żywność. Są to obrazy Pietera Claesa Hedy.
Na początku XVIII wieku holenderska martwa natura skłaniała się ku imponującej estetyce szczegółów. Królują tu eleganckie porcelanowe misy ze złoceniami, kielichy wykonane z misternie skręconych muszli i przepięknie ułożone na naczyniu owoce. Nie da się patrzeć na płótna Willema Kalfa czy Abrahama van Beyerena bez blaknięcia. Holenderski staje się niezwykle powszechny, ujęty ręką mistrza, mówiący szczególnym, zmysłowym językiem i komunikujący się obraz harmonia i rytm. Obecne w martwej naturze linie, sploty i odcienie łodyg, pąków, otwartych kwiatostanów zdają się tworzyć złożoną symfonię, zmuszając widza nie tylko do podziwiania, ale także do ekscytującego przeżywania niezrozumiałego piękna świata.
Petera Claesa. Martwa natura z kieliszkiem do wina i srebrną misą. lata 30. XVII w
Masz wykształcenie, ale pracujesz w swoim zawodzie? Czy Twoja pierwsza praca jest ostatnią? Czy jesteś żonaty ze swoją pierwszą miłością? Czy mieszkasz w tym samym mieście, w którym się urodziłeś? W domu, który odziedziczyłeś? Czy jesz z tego samego serwisu, co twoi rodzice? Pijesz wino z tego samego kieliszka vintage?
Współczesny człowiek odpowie na wszystkie te pytania – nie. Holender XVII stulecie – tak. Nie byli tak chętni do zmian jak my. Osiedlili się, wierni swoim korzeniom, obowiązkom małżeńskim i biznesowi, w pewnym momencie się pokłócili. Możesz sobie to wyobrazić współczesny artysta Pisałem i pisałem ten sam temat, tę samą fabułę, przez lata, dziesięciolecia, przez całe życie! Mógł to zrobić człowiek z XVII wieku. Setki razy wchodząc do tej samej rzeki. Osiąganie niesamowitych rezultatów.
Petera Claesa. Martwa natura z czaszką. 1628
Dwóch znanych współczesnych, honorowych mieszkańców miasta Haarlem, Pieter Claes i Willem Claes Heda, przez całe życie malowali nie tylko te same martwe natury, malowali... ten sam kieliszek do wina! A Head miał zresztą syna, także artystę, i on, jak można się domyślić, również lubił to szkło. Niesamowite, prawda? To zupełnie inne postrzeganie czasu i wypełnienia własnego życia.
Willema Claesa Hedy. 1631
Zastanawiam się, jak to się stało w ich przypadku? Oto co o swoim kieliszku napisał 30-letni Klas. Mijają dwa lata, myśli sobie, czy nie powinienem napisać jeszcze raz swojego kieliszka? I tak co kilka lat! Szklanka jest po prawej stronie, szklanka jest po lewej stronie, szklanka stoi, szklanka leży. Kieliszek w towarzystwie dziczyzny, w towarzystwie ryby. Z ciastem, z owocami, z czaszką... Może to choroba umysłowa, powszechne w XVII wieku? Rodzaj obsesji. A dzisiaj ludzkość wyzdrowiała... Albo wręcz przeciwnie, jesteśmy tak chorzy, że nie możemy się na niczym poważnie skoncentrować...
Tak więc, podziwiamy holenderską martwą naturę, przygody jednego kieliszka, trudno znaleźć w historii malarstwa coś piękniejszego niż te powściągliwe, niemal monochromatyczne arcydzieła.
Willema Claesa Hedy. 1632
Willema Claesa Hedy. 1632
Petera Claesa. Martwa natura z ostrygami. 1633
Willema Claesa Hedy. 1634
Willema Claesa Hedy. 1634
Willema Claesa Hedy. 1635
Willema Claesa Hedy. 1643
Gerrit Willems Heda (syn). 1645
Petera Claesa. 1647
Willema Claesa Hedy. 1648
Willema Claesa Hedy. 1650
Willema Claesa Hedy. 1657
Petera Claesa. 1660
Peter Klass „Śniadanie z szynką” 1647 g
Eksperci twierdzą, że każda martwa natura ma swoją własną ukryte znaczenie co było zrozumiałe dla współczesnych. I możemy się tylko domyślać, co i komu artysta chciał powiedzieć.
G Holenderskie malarstwo martwej natury z XVII wieku charakteryzuje się wąską specjalizacją holenderskich mistrzów w tym gatunku. Temat „Kwiaty i owoce” zwykle obejmuje różnorodne owady. „Trofea myśliwskie” to przede wszystkim trofea myśliwskie – zabite ptaki i zwierzynę łowną. „Śniadania” i „Desery”, a także wizerunki ryb – żywych i śpiących, różnych ptaków – to tylko niektóre z najbardziej znane tematy martwe natury.
Podsumowując, te poszczególne działki charakteryzują duże zainteresowanie Holendrów tymi działkami Życie codzienne i ich ulubione zajęcia oraz zamiłowanie do egzotyki odległych krain (w kompozycjach pojawiają się dziwaczne muszelki i owoce). Często w pracach z motywami „żywej” i „martwej” natury pojawia się podtekst symboliczny, łatwo zrozumiały dla wykształconego widza XVII wieku.
Zatem zestawienie poszczególnych przedmiotów mogłoby służyć jako wskazówka kruchości ziemskiej egzystencji: więdnące róże, kadzielnica, świeca, zegar; lub związane z nawykami potępionymi przez moralność: drzazgi, fajki; lub wskazał romans; list, instrumenty muzyczne, frytkownica Nie ulega wątpliwości, że znaczenie tych kompozycji jest znacznie szersze niż ich treść symboliczna.
Holenderskie martwe natury przyciągają przede wszystkim swoje ekspresja artystyczna, pełnia, zdolność do objawienia życia duchowego obiektywny świat.
W przeciwieństwie do Flamandów, którzy preferują obrazy wielkoformatowe z dużą ilością wszelkiego rodzaju przedmiotów, malarze holenderscy ograniczają się do kilku obiektów kontemplacji, dążąc do jak największej jedności kompozycyjnej i kolorystycznej. Martwa natura („Stilleven” – co po niderlandzku oznacza – „ spokojne życie") to wyjątkowa i dość popularna gałąź Malarstwo holenderskie.
Holenderska martwa natura z XVII wieku
Peter Klass „Fajka i kociołek” 1636
Balthasar van der Ast „Martwa natura z owocami”
Balthasar van der Ast „Talerz z owocami i muszlami” 1630 g
Melchior de Hondecoeter „Ptaki w parku”
Bartholomeus van der Hels „Nowy Rynek w Amsterdamie” 1666
Willem claes Hedp „Śniadanie z krabem” 1648
Ferdynand Bol „Martwa gra”
Abraham Minion „Owoce”
Melchior de Hondecoeter „Trofea myśliwskie”
Johannes Lemans „Martwa natura z polowania”
Martina Bullema de Stomme. „Martwa natura z filiżanką Nautilusa”
Willema Hedę. „Martwa natura z szynką”. 1656
Jana Brueghela Starszego. „Kwiaty w drewnianej doniczce”. 1606/07
Ambrosius Bosshart Starszy. „Bukiet kwiatów w niszy”. 1618 gr
Balthasara van der Asta. „Kosz kwiatów”. 1622
Hansa Bollongiera. „Martwa natura z kwiatami”. 1639
Nicholasa Gilliesa. „Nakryty stół” 1611
Florisa van Dycka. „Martwa natura z serem”. OK. 1615
Jacoba van Hulsdoncka. „Martwa natura z karczochami, rzodkiewkami, szparagami, śliwkami i brzoskwiniami w koszu”. 1608-1647
Klara Peters. „Stół serwowany” 1611
Willema Claesa Hedy. „Martwa natura ze srebrnym dzbankiem i ciastem”. 1645
Petera Claesa. „Martwa natura z solniczka.” OK. 1644
Gerrita Willemsa Hedy. „Martwa natura z glinianym dzbanem”
Florisa Gerritsa van Schotena. „Martwa natura z owocami, warzywami i sceną kolacji w Emaus”. 1630
Cornelisa Delffa. „Martwa natura w kuchni”. 1610-1620
Pojawienie się gatunku „martwa natura” w Holandii jest darem protestantyzmu. W czasach katolickich głównym odbiorcą artystów był Kościół, a malarstwo ograniczało się oczywiście do tematów religijnych i budujących. Kalwinizm nie uznawał ikon i sztuki kościelnej w ogóle. Szukali malarze nowy rynek sprzedaży i znajdował go w domach karczmarzy, kupców i rolników.
W Holandii obrazy przedstawiające przedmioty nazywano „stilleven”, co można przetłumaczyć zarówno jako „martwa natura, modelka”, jak i „ciche życie”, co bardzo trafnie oddaje specyfikę holenderskiej martwej natury.
Uwaga artystów skierowała się z nieba na ziemię; teraz nie były one zainteresowane pobożnymi refleksjami, ale dokładnym studiowaniem szczegółów świata materialnego. Ale w Stworzeniu szukali Stwórcy.
„Pan dał nam dwie księgi: księgę Pisma Świętego i księgę stworzenia. Z pierwszego dowiadujemy się o Jego miłosierdziu jako Zbawiciela, z drugiego – o wielkości Stwórcy” – pisał średniowieczny filozof Alan z Lille. Stworzenie uczestniczy także w historii zbawienia: człowiek upadł przez jabłko, a przez chleb i wino odzyskuje zbawienie. Symbolika zawarta w obrazie również pozostaje z poprzednich tradycji.
Pierwsze jeszcze nawet są proste – chleb, kieliszek wina, owoce, ryba, bekon. Ale wszystkie znajdujące się w nich przedmioty są symboliczne: ryba jest symbolem Jezusa Chrystusa; mięso - śmiertelne mięso; nóż jest symbolem poświęcenia; cytryna jest symbolem niezaspokojonego pragnienia; kilka orzechów w łupinie - dusza związana grzechem; jabłko przypomina Upadek; wino lub winogrona są symbolem Krwi; chleb jest symbolem Ciała Chrystusa. Owady, ludzkie czaszki, potłuczone naczynia i martwa zwierzyna łowna, często włączana do kompozycji obrazów. Muszla to muszla pozostawiona przez istotę, która kiedyś w niej żyła; zwiędłe kwiaty są symbolem śmierci. Motyl zrodzony z kokonu oznacza zmartwychwstanie.
W wyniku działalności Holenderskiej Kompanii Wschodnioindyjskiej, która wyposażała statki handlowe dla Daleki Wschód przyprawy sprzedawano w holenderskich sklepach, Chińska porcelana, jedwab i inne towary egzotyczne. Ponadto na Przylądku Dobrej Nadziei, w Indonezji, Surinamie, na Antylach i w całej Azji powstały kolonie holenderskie. Kolonie wzbogaciły kraj, a martwe natury zaczęto wypełniać ziemskim bogactwem: obrusami dywanowymi, srebrnymi kielichami, macicą perłową. Proste jedzenie zastąpiono ostrygami, szynką, owoce egzotyczne. Symbolika ustępuje miejsca naiwnemu podziwowi dla stworzenia ludzkich rąk.
Cechą malarstwa holenderskiego była specjalizacja artystów według gatunku. W obrębie gatunku martwej natury nastąpił nawet podział ze względu na konkretne tematy, i w różne miasta mieli swoje ulubione rodzaje martwej natury, a jeśli malarz przeprowadził się do innego miasta, często gwałtownie zmieniał swoją sztukę i zaczynał malować te odmiany gatunku, które były tam popularne.
Haarlem stał się miejscem narodzin charakterystyczny wygląd Holenderska martwa natura - „śniadanie”. Obrazy Petera Claesa przedstawiają nakryty stół z naczyniami i naczyniami. Blaszany talerz, śledź lub szynka, bułka, kieliszek wina, zmięta serwetka, cytryna lub gałązka winogron, sztućce – skromny i precyzyjny dobór elementów sprawia wrażenie zastawionego stołu dla jednej osoby.
Na obecność osoby wskazuje „malowniczy” nieład wprowadzony do układu rzeczy i atmosfera przytulnego wnętrza mieszkalnego, uzyskana poprzez transmisję środowiska świetlno-powietrznego. Dominujący szarobrązowy odcień łączy obiekty w jeden obraz, a sama martwa natura staje się odzwierciedleniem indywidualnych gustów i stylu życia danej osoby.
Inny mieszkaniec Haarlemu, Willem Heda, działał w tym samym duchu co Klas. Kolorystyka jego obrazów jest nadal w większym stopniu podporządkowana jedności tonalnej, dominuje w niej szaro-srebrny ton, podkreślony wizerunkiem srebrnych lub cynowych naczyń. Dla tej kolorowej powściągliwości obrazy zaczęto nazywać „monochromatycznymi śniadaniami”.
W Utrechcie wspaniale i elegancko kwiatowa martwa natura. Jej głównymi przedstawicielami są Jan Davids de Heem, Justus van Huysum i jego syn Jan van Huysum, który szczególnie zasłynął dzięki starannemu pisaniu i jasnej kolorystyce.
Uniwersytet w Lejdzie stworzył i udoskonalił rodzaj filozoficznej martwej natury „vanitas” (marność nad marnościami). Na obrazach Harmena van Steenwijka i Jana Davidsa de Heema przedmioty uosabiające ziemską chwałę i bogactwo (zbroje, książki, atrybuty sztuki, cenne naczynia) lub przyjemności zmysłowe (kwiaty, owoce) zestawione są z czaszką lub klepsydra jako przypomnienie przemijania życia.
W połowie stulecia temat skromnych „śniadań” w twórczości Willema van Elsta, Willema Kalfa i Abrahama van Beyerena przekształcił się w luksusowe „bankiety” i „desery”. Złocone kielichy, chińska porcelana i fajans z Delft, dywanowy obrus, południowe owoce podkreślają zamiłowanie do wdzięku i bogactwa, które zadomowiło się w społeczeństwie holenderskim w połowie stulecia. W związku z tym „monochromatyczne” śniadania zastępowane są soczystym, bogatym kolorystycznie, złoto-ciepłym smakiem.
Holenderscy artyści osiągnęli wielkie osiągnięcia w tworzeniu sztuki realistyczny kierunek, w sposób naturalny przedstawiający rzeczywistość, właśnie dlatego, że na taką sztukę było zapotrzebowanie w społeczeństwie holenderskim.
Dla holenderskich artystów malarstwo sztalugowe było ważne w sztuce. Płótna Holendrów tego czasu nie mają takich samych wymiarów jak dzieła Rubensa i najlepiej rozwiązują zadania nie monumentalno-dekoracyjne; klientami holenderskich malarzy byli wysłannicy rządzącego kierownictwa organizacji, ale także drugiej klasy - mieszczanie i rzemieślnicy.
Jedną z głównych trosk holenderskich malarzy był człowiek i środowisko. Głównym miejscem w malarstwie holenderskim było gatunek codzienny oraz portret, pejzaż i martwa natura. Im lepiej, bezstronnie, głębiej malowali malarze naturalny świat tym bardziej znaczące i wymagające były wątki ich dzieła.
Holenderscy malarze produkowali dzieła na sprzedaż i sprzedawali swoje obrazy na targach. Ich dzieła kupowali głównie ludzie z wyższych warstw społeczeństwa – bogaci chłopi, rzemieślnicy, kupcy i fabrykanci. Prości ludzie nie było na to stać, więc z przyjemnością oglądał i podziwiał obrazy. Ogólny układ sztuki w jej rozkwicie XVII wiek, pozbawiony tak potężnych konsumentów, jak dwór, szlachta i kościół.
Prace powstały w niewielkim formacie, dostosowanym do skromnego i niezbyt dużych rozmiarów wyposażenia holenderskich domów. Jedną z ulubionych rozrywek Holendrów było malarstwo sztalugowe, ponieważ był otwarty na odzwierciedlenie rzeczywistości działań z dużą wiarygodnością i na różne sposoby. Obrazy Holendrów przedstawiają bliską im rzeczywistość swojego kraju, chcieli zobaczyć to, co dobrze im znane – morze i statki, przyrodę swojej krainy, ich dom, przebieg codziennego życia, to, co otaczali ich wszędzie.
Jedna ważna atrakcja w nauce środowisko pojawiły się w malarstwie holenderskim w tak naturalnych formach i z tak wyraźną ciągłością, jak nigdzie indziej w sztuce holenderskiej tamtych czasów. W związku z tym związana jest również głębia jego skali: powstały w nim portrety i pejzaże, martwe natury i gatunki codziennego użytku. Kilka z nich to martwa natura, obraz gospodarstwa domowego To one pierwsze rozwinęły się w Holandii w dojrzałych formach i rozkwitły do tego stopnia, że stały się jedynym przykładem tego gatunku.
W pierwszych dwóch dekadach dominował nastrój poszukiwania głównych artystów holenderskich, przeciwdziałających prawicy kierunki artystyczne, - pociąg do wiernego odwzorowania rzeczywistości, do dokładności jej wyrażenia. Nie przez przypadek holenderscy artyści zainteresowali się sztuką Caravaggia. Działalność tzw. utrechckich karawaggistów – G. Honthorsta, H. Terbruggena, D. Van Baburena – ukazała wpływ na holenderską kulturę artystyczną.
Malarze holenderscy w latach 20. i 30. XVII wieku stworzyli główny typ odpowiedniego malarstwa drobnofigurowego, przedstawiającego sceny z życia prostych chłopów i ich codziennych zajęć. W latach 40. - 50 malowanie domu to jeden z głównych gatunków, którego twórcy w historii zyskali miano „małego Holendra” – czy to ze względu na prostotę fabuły, czy też z powodu niewielkich rozmiarów obrazów, a może z obu powodów. Wizerunki chłopów na obrazach przesiąknięte są cechami dobrodusznego humoru Adriana van Ostade. Był demokratycznym pisarzem życia codziennego i gawędziarzem zabawnym. Jana Steena.
Jednym z najważniejszych malarzy portretowych Holandii, twórcą holenderskiego portretu realistycznego był Franza Halsa. Stworzył własną sławę portrety grupowe cechów strzeleckich, w których wyrażał ideały młodej republiki, poczucie wolności, równości i koleżeństwa.
Szczytem kreatywności holenderskiego realizmu jest Harmensa van Rijna Rembrandta, wyróżniająca się niezwykłą żywotnością i emocjonalnością, głębokim człowieczeństwem obrazów i dużą rozpiętością tematyczną. Malował obrazy historyczne, biblijne, mitologiczne i codzienne, portrety i pejzaże, był jednym z nich najwięksi mistrzowie akwaforta i rysunek. Ale niezależnie od technologii, w której pracował, w centrum jego uwagi zawsze znajdowała się osoba, jego osoba wewnętrzny świat. Często odnajdywał swoich bohaterów wśród holenderskiej biedoty. W swoich pracach Rembrandt łączył siłę i penetrację cechy psychologiczne z wyjątkowym kunsztem malarskim, w którym najważniejszego znaczenia nabierają schludne tony światłocienia.
W pierwszej tercji XVII w. ukształtowały się poglądy na holenderski pejzaż realistyczny, który rozkwitł w połowie stulecia. Pejzaż mistrzów holenderskich nie jest przyrodą w ogóle, jak w malarstwie klasycystów, ale pejzażem narodowym, specyficznie holenderskim: wiatraki, pustynne wydmy, kanały, po których latem pływają łódki, a zimą wrotkarze. Artyści starali się oddać atmosferę pory roku, wilgotnego powietrza i przestrzeni.
Martwa natura rozwinęła się w malarstwie holenderskim i wyróżnia się niewielkimi rozmiarami i charakterem. Petera Claesa I Willema Hedę najczęściej przedstawiały tzw. śniadania: dania z szynką lub pasztetem na stosunkowo skromnie podanym stole. Niedawna obecność człowieka jest wyczuwalna w nieładzie i naturalności, z jaką ułożone są rzeczy, które mu właśnie służyły. Ale to zaburzenie jest tylko pozorne, ponieważ kompozycja każdej martwej natury jest dokładnie przemyślana. W umiejętnym ułożeniu przedmioty są pokazane w taki sposób, że można poczuć wewnętrzne życie rzeczy, nie bez powodu Holendrzy nazywają martwą naturę „still leven” - „ciche życie”, a nie „nature morte” - „ martwa natura”.
Martwa natura. Petera Claesa i Willema Hedy
Subtelność i prawdziwość w rekonstruowaniu rzeczywistości holenderscy mistrzowie łączą z żywym wyczuciem piękna, ujawniającego się w każdym jego zjawisku, nawet tym najbardziej niepozornym i codziennym. Ta cecha holenderskiego geniuszu artystycznego objawiła się chyba najwyraźniej w martwej naturze; nieprzypadkowo ten gatunek był ulubieńcem Holandii.
Holendrzy nazywali martwą naturę „stilleven”, co oznacza „spokojne życie” i słowo to nieporównywalnie trafniej wyraża znaczenie, jakie holenderscy malarze nadawali obrazowaniu rzeczy niż „nature morte” – martwa natura. W obiekty nieożywione zobaczyli coś wyjątkowego ukryte życie związane z życiem człowieka, jego sposobem życia, przyzwyczajeniami, upodobaniami. Malarze holenderscy stworzyli wrażenie naturalnego „bałaganu” w układzie rzeczy: pokazali pokrojony placek, obraną cytrynę ze skórką zwisającą spiralnie, niedokończony kieliszek wina, płonącą świecę, otwartą książkę – zawsze się wydaje że ktoś dotknął tych przedmiotów, po prostu ich użył, zawsze odczuwa się niewidzialną obecność osoby.
Czołowi mistrzowie holenderskiej martwej natury połowa XVII stulecia byli Pieter Claes (1597/98-1661) i Willem Heda (1594-ok. 1680). Ulubionym motywem ich martwych natur są tzw. „śniadania”. W „Śniadaniu z homarem” V. Khedy obiekty różne kształty i materiały - dzbanek do kawy, szkło, cytryna, gliniane naczynie, srebrny talerz itp. - są porównywane ze sobą, aby ujawnić cechy i atrakcyjność każdego z nich. Używając różnorodnych technik, Heda doskonale oddaje materiał i specyfikę ich faktury; Zatem odbicia światła grają inaczej na powierzchni szkła i metalu: na szkle - jasne, o ostrych konturach, na metalu - blade, matowe, na złoconym szkle - błyszczące, jasne. Wszystkie elementy kompozycji łączy światło i kolor - szaro-zielona kolorystyka.
W „Martwej naturze ze świecą” P. Klassa niezwykła jest nie tylko trafność odwzorowania walorów materialnych przedmiotów – kompozycja i oświetlenie nadają im dużej wyrazistości emocjonalnej.
Martwe natury Klassa i Khedy przepełnione są szczególnym nastrojem, który zbliża się do siebie - jest to nastrój intymności i komfortu, rodzący ideę ugruntowanego i spokojnego życia domu mieszczańskiego , gdzie króluje dobrobyt i gdzie we wszystkim wyczuwa się troskę ludzkich rąk i uważne oczy właściciela. Twierdzą holenderscy malarze wartość estetyczna rzeczy, a martwa natura niejako pośrednio gloryfikuje sposób życia, z którym ich istnienie jest nierozerwalnie związane. Dlatego można go uznać za jeden z artystyczne ucieleśnienia ważny temat Sztuka holenderska - tematyka z życia osoby prywatnej. Główną decyzję otrzymała w r obraz gatunkowy.[&&] Rotenberg I. E. Sztuka zachodnioeuropejska XVII wiek Moskwa, 1971;
W drugiej połowie XVII wieku w społeczeństwie holenderskim zaszły zmiany: wzrosło pragnienie burżuazji wobec arystokracji. Skromne „Śniadania” Klasa i Hedy ustępują miejsca bogatym „deserom” Abrahama van Beijerna I Willema Kalfa, na które składały się efektowne naczynia gliniane, naczynia srebrne, cenne kielichy i muszle w martwych naturach. Jest coraz trudniej struktury kompozycyjne, bardziej dekoracyjne - farby. W konsekwencji martwa natura traci swoją demokrację, intymność, duchowość i poezję. Zamienia się w wspaniałą dekorację domów wysokiej rangi klientów. Mimo całej swojej dekoracyjności i umiejętnego wykonania, późne martwe natury zapowiadają upadek wielkiego holenderskiego malarstwa realistycznego, który rozpoczął się w początek XVIII stulecia i spowodowane degeneracją społeczną mieszczaństwa niderlandzkiego w ostatniej tercji XVII w., rozprzestrzenianiem się nowych kierunków w sztuce związanych z pociąganiem mieszczaństwa do gustów francuskiej szlachty. Sztuka holenderska traci związki z tradycją demokratyczną, traci realistyczne podstawy, przegrywa tożsamość narodowa i wchodzi w okres długotrwałego spadku.
Martwa natura („Stilleven” – po niderlandzku „ciche życie”) – to wyjątkowa i dość popularna gałąź malarstwa holenderskiego. Holenderskie malarstwo martwej natury z XVII wieku charakteryzuje się wąską specjalizacją holenderskich mistrzów w tym gatunku. Temat „Kwiaty i owoce” zwykle obejmuje różnorodne owady. „Trofea myśliwskie” to przede wszystkim trofea myśliwskie – zabite ptaki i zwierzynę łowną. „Śniadania” i „Desery”, a także wizerunki ryb – żywych i śpiących oraz różnych ptaków – to tylko niektóre z najbardziej znanych motywów martwych natur. Łącznie te poszczególne tematy charakteryzują żywe zainteresowanie Holendrów tematyką życia codziennego, ulubionymi zajęciami i zamiłowaniem do egzotyki odległych krain (w kompozycjach pojawiają się dziwaczne muszle i owoce). Często w pracach z motywami „żywej” i „martwej” natury pojawia się podtekst symboliczny, łatwo zrozumiały dla wykształconego widza XVII wieku.
Zatem zestawienie poszczególnych przedmiotów mogłoby służyć jako wskazówka kruchości ziemskiej egzystencji: więdnące róże, kadzielnica, świeca, zegar; lub związane z nawykami potępionymi przez moralność: drzazgi, fajki; lub wskazywał na romans; pisanie, instrumenty muzyczne, kocioł. Nie ulega wątpliwości, że znaczenie tych kompozycji jest znacznie szersze niż ich treść symboliczna.
Holenderskie martwe natury przyciągają przede wszystkim artystyczną ekspresją, kompletnością i umiejętnością ukazywania życia duchowego obiektywnego świata. Preferując obrazy wielkoformatowe, z dużą ilością wszelkiego rodzaju obiektów, malarze holenderscy ograniczają się do kilku obiektów kontemplacji, dążąc do jak największej jedności kompozycyjnej i kolorystycznej.
Martwa natura to jeden z gatunków, w których uprawia się język holenderski cechy narodowe pojawił się szczególnie wyraźnie. Martwe natury przedstawiające skromne naczynia, tak powszechne w malarstwie holenderskim i bardzo rzadkie w malarstwie flamandzkim, czy martwe natury z przedmiotami gospodarstwa domowego klas zamożnych. Martwe natury Pietera Claesa i Willema Hedy, spowijane zimnym, rozproszonym światłem, o niemal monochromatycznej kolorystyce, czy późniejsze martwe natury Willema Kalfa, gdzie, zgodnie z wolą artysty, złote oświetlenie ożywia formy i żywe kolory przedmioty ze zmierzchu. Wszystkie mają wspólne cechy narodowe, które nie pozwolą na pomieszanie ich z malarstwem innej szkoły, w tym pokrewnej flamandzkiej. W holenderskiej martwej naturze zawsze panuje atmosfera spokojnej kontemplacji i szczególnego zamiłowania do przekazywania realnych form namacalnie materialnego świata.
De Heem otrzymał powszechne uznanie dzięki jego wspaniałym obrazom kwiatów i owoców. Szczegóły obrazu aż do najdrobniejsze szczegóły w połączeniu z genialnym wyborem zakres kolorów i wyrafinowany smak w składzie. Malował kwiaty w bukietach i wazonach, w których często fruwały motyle i owady, wianki z kwiatów w niszach, okna i wizerunki Madonn w odcienie szarości, girlandy owoców, martwe natury z kieliszkami wypełnionymi winem, winogronami i innymi owocami i przetworami. Hem po mistrzowsku wykorzystał możliwości koloru i osiągnął wysoki stopień przezroczystości, jego obrazy przyrody nieożywionej są całkowicie realistyczne. Płótna jego pędzla znajdują się w prawie wszystkich głównych galerie sztuki. Malarstwo martwej natury, które wyróżniało się swoim charakterem, rozpowszechniło się w XVII-wiecznej Holandii. Holenderscy artyści wybierali do swoich martwych natur najróżniejsze przedmioty, umieli je doskonale zaaranżować, wydobywać cechy charakterystyczne każdego przedmiotu i jego życie wewnętrzne, nierozerwalnie związane z życiem człowieka. XVII-wieczni malarze holenderscy Pieter Claes (ok. 1597 - 1661) i Willem Heda (1594 - 1680/1682) malowali liczne wersje „śniadań”, przedstawiające szynki, rumiane bułeczki, ciasta z jeżynami, kruche szklane kieliszki do połowy wypełnione winem na stole stół, z niesamowitą umiejętnością oddania koloru, objętości i faktury każdego przedmiotu. Niedawna obecność danej osoby jest zauważalna w nieładzie, przypadkowości układu rzeczy, które właśnie jej służyły. Ale to zaburzenie jest tylko pozorne, ponieważ kompozycja każdej martwej natury jest ściśle przemyślana i znaleziona. Powściągliwa szaro-złota, oliwkowa paleta tonalna łączy obiekty i nadaje szczególne brzmienie czystym kolorom, które podkreślają świeżość świeżo ściętej cytryny lub miękkiego jedwabiu niebieskiej wstążki. Z biegiem czasu „śniadania” mistrzów martwej natury, malarzy Claesa i Hedy ustępują miejsca „deserom” holenderskich artystów Abrahama van Beyerena (1620/1621-1690) i Willema Kalfa (1622-1693). Martwe natury Beyerena są surowe pod względem kompozycji, bogate emocjonalnie i kolorowe. Przez całe życie Willem Kalf malował w sposób swobodny i demokratyczne „kuchnie” – garnki, warzywa i arystokratyczne martwe natury w doborze wykwintnych, cennych przedmiotów, pełnych powściągliwa szlachta, jak srebrne naczynia, kubki, muszle nasycone wewnętrznym spalaniem kolorów. W dalszy rozwój martwa natura podąża tymi samymi ścieżkami, co wszyscy inni Sztuka holenderska, tracąc swoją demokrację, swoją duchowość i poezję, swój urok. Martwa natura staje się ozdobą domu wysoko postawionych klientów. Mimo całej swojej dekoracyjności i umiejętnego wykonania, późne martwe natury zapowiadają upadek malarstwa holenderskiego. Degeneracja społeczna i dobrze znana arystokratyzacja burżuazji holenderskiej w ostatniej tercji XVII w. dają początek tendencji do zbliżenia się z poglądy estetyczne Francuska szlachta prowadzi do idealizacji obrazy artystyczne, ich szlifowanie. Sztuka traci związki z tradycją demokratyczną, traci realistyczne podstawy i wkracza w okres długotrwałego upadku. Poważnie wyczerpana wojnami z Anglią Holandia traci pozycję wielkiej potęgi handlowej i głównego ośrodka artystycznego.
Willem Heda (ok. 1594 - ok. 1682) – jeden z pierwszych mistrzów języka niderlandzkiego martwa natura XVII wieku, którego dzieła były wysoko cenione przez współczesnych. Szczególnie popularny w Holandii był ten rodzaj malarstwa zwany „śniadaniem”. Stworzono je z myślą o każdym guście: od bogatych po skromniejsze. Obraz „Śniadanie z Krabem” wyróżnia się nietypowym dla holenderskiej martwej natury charakterem. duży rozmiar(Dodatek I). Ogólna kolorystyka pracy jest zimna, srebrno-szara z kilkoma różowawymi i brązowymi plamami. Kheda znakomicie przedstawiła nakryty stół, na którym w starannie przemyślany nieład ułożone są składniki śniadania. Na talerzu leży krab, przedstawiony ze wszystkimi jego osobliwościami, obok niego żółknąca cytryna, której wdzięcznie wycięta skórka, zwinięta, zwisa. Po prawej zielone oliwki i pyszna bułka z dodatkiem złota skorupa. Szklane i metalowe naczynia dodają martwej naturze solidności, a ich kolor niemal zlewa się z całością.