Pomimo faktu, że nazwa gatunku w języku francuskim oznacza „martwą naturę”. Dlaczego więc w ustach holenderskich kompozycji z przedmioty nieożywione, barwnie ukazany na płótnie, oznaczał życie? Tak, te obrazy były tak jasne, niezawodne i wyraziste, że nawet najbardziej niedoświadczeni koneserzy podziwiali realizm i namacalność szczegółów. Ale to nie tylko to.
Holenderska martwa natura to próba opowiedzenia o tym, jak żywo i dokładnie każdy przedmiot, każda część tego świata jest wpleciona w złożony świat człowieka i uczestniczy w nim. Holenderscy mistrzowie tworzyli pomysłowe kompozycje i potrafili tak wiernie oddać kształt, przelewanie kolorów, objętość i fakturę przedmiotów, że zdawało się, że zachowują dynamikę ludzkich działań. Oto pióro z błyszczącą kroplą atramentu, który jeszcze nie wystygł z ręki poety, oto pokrojony granat, wodnisty sokiem z rubinu, a oto bułka ugryziona i rzucona na zmiętą serwetkę… I jednocześnie jest to zaproszenie do podziwiania i cieszenia się wspaniałością i różnorodnością przyrody.
Motywy i obrazy obrazkowe
Holenderska martwa natura jest niewyczerpana w obfitości motywów. Jednych malarzy połączyło zamiłowanie do kwiatów i owoców, inni specjalizowali się w surowej wiarygodności kawałków mięsa i ryb, inni z miłością tworzyli przybory kuchenne na płótnie, a jeszcze inni poświęcali się tematowi nauki i sztuki.
Holenderska martwa natura z początku XVII wieku wyróżnia się przywiązaniem do symboliki. Przedmioty są ściśle pewne miejsce i znaczenie. Jabłko w centrum obrazu mówi o upadku pierwszego człowieka, pokrywająca je kiść winogron mówi o zadość czyniącej ofierze Chrystusa. Pusta skorupa, która kiedyś była domem dla morskiego mięczaka, mówi o kruchości życia, więdnących i zaschniętych kwiatach – o śmierci, a motyl, który wyfrunął z kokonu, zwiastuje zmartwychwstanie i odnowę. Balthazar Ast pisze w ten sposób.
Artyści nowej generacji zaproponowali już nieco inną holenderską martwą naturę. Malarstwo „oddycha” ulotnym pięknem, które kryje się w zwykłych rzeczach. Do połowy wypełniona szklanka, porozrzucane na stole dania, owoce, pokrojony tort – autentyczność detali doskonale oddaje kolor, światło, cienie, refleksy i refleksy, przekonująco połączone z fakturą tkaniny, srebra, szkła i jedzenia. To są płótna Pietera Claesza Hedy.
Na początku XVIII wieku martwa natura holenderska skłaniała się ku imponującej estetyce detali. Królują tu pełne wdzięku pozłacane porcelanowe misy, kielichy z misternie skręconych muszli i owoce kunsztownie ułożone na półmisku. Nie da się patrzeć na płótna Willema Kalfa czy Abrahama van Beierena bez blaknięcia. Holenderscy mistrzowie odciśnięci ręką stają się niezwykle powszechni, mówią specjalnym, zmysłowym językiem i komunikują się obraz harmonia i rytm. Obecne w martwych naturach linie, sploty i odcienie łodyg, pąków, otwartych kwiatostanów zdają się tworzyć skomplikowaną symfonię, która sprawia, że widz nie tylko podziwia, ale także z ekscytacją doświadcza niepojętego piękna świata.
Pieter Klass „Śniadanie z szynką” 1647
Eksperci twierdzą, że każda martwa natura ma swoje ukryte znaczenie, które było zrozumiałe dla współczesnych. I możemy tylko zgadywać, co i komu artysta chciał powiedzieć.
G Holenderska martwa natura z XVII wieku charakteryzuje się wąską specjalizacją mistrzów niderlandzkich w obrębie gatunku. Temat „Kwiaty i owoce” obejmuje z reguły różnorodne owady. „Trofea myśliwskie” to przede wszystkim trofea myśliwskie – martwe ptaki i zwierzyna łowna. „Śniadania” i „Desery”, a także wizerunki ryb – żywych i uśpionych, różnych ptaków – to tylko część najbardziej znane tematy martwe natury.
W całości, te pojedyncze działki charakteryzują bliskie zainteresowanie Holendrów działkami Życie codzienne oraz ich ulubione rozrywki i zamiłowanie do egzotyki dalekich krain (w kompozycjach pojawiają się dziwaczne muszle i owoce). Często w pracach z motywami natury „żywej” i „martwej” kładzie się symboliczny podtekst, który jest łatwo zrozumiały dla wykształconego widza XVII wieku.
Tak więc zestawienie poszczególnych przedmiotów mogło być wskazówką kruchości ziemskiej egzystencji: więdnące róże, kadzielnica, świeca, zegarek; lub związane z moralnie potępionymi nawykami: pochodnie, fajki; lub wskazał romans; pisanie, instrumenty muzyczne, piecyk. Nie ulega wątpliwości, że wymowa tych kompozycji jest znacznie szersza niż ich symboliczna treść.
Holenderskie martwe natury przyciągają przede wszystkim swoimi wyrazistość artystyczna kompletność, zdolność do ujawnienia uduchowionego życia obiektywnego świata.
W przeciwieństwie do Flamandów, preferujących duże obrazy z obfitością wszelkiego rodzaju przedmiotów, malarze holenderscy ograniczają się do kilku obiektów kontemplacji, dążąc do ostatecznej jedności kompozycyjnej i kolorystycznej. Martwa natura („Stilleven” - co w języku niderlandzkim oznacza „spokojne życie”) to specyficzna i dość popularna gałąź Malarstwo holenderskie.
Holenderska martwa natura z XVII wieku
Pieter Klass „Rura i kocioł” 1636
Balthasar van der Ast „Martwa natura z owocami”
Balthasar van der Ast „Talerz z owocami i muszlami” 1630
Melchior de Hondekuter „Ptaki w parku”
Bartłomieja van der Helsa nowy rynek w Amsterdamie" 1666
Willem Klass Hedp „Śniadanie z krabem” 1648
Ferdinand Bol „Zła gra”
Abraham Mignon „Owoce”
Melchior de Hondekuter „Trofea myśliwskie”
Johannes Lemans „Polowanie na martwą naturę”
Martin Bullema de Stomme. „Martwa natura z pucharem Nautilusa”
Willem Heda. „Martwa natura z szynką”. 1656
Jana Brueghela Starszego. „Kwiaty w drewnianym wazonie”. 1606/07
Ambrosius Bosshart Starszy. „Bukiet kwiatów w niszy”. 1618
Balthasara van der Asta. „Koszyk kwiatów”. 1622
Hansa Bollongiera. „Martwa natura z kwiatami”. 1639
Mikołaj Gillis. „Nakryty stół”. 1611
Floris van Dijk. „Martwa natura z serem”. OK. 1615
Jacob van Huelsdonk. Martwa natura z karczochami, rzodkiewkami, szparagami, śliwkami i brzoskwiniami w koszu. 1608-1647
Klara Peters. „Stolik serwowany”. 1611
Willem Claesz Heda. „Martwa natura ze srebrnym dzbanem i ciastem”. 1645
Piotr Klas. „Martwa natura z solniczką”. OK. 1644
Gerrit Willems Heda. „Martwa natura z glinianym dzbanem”
Floris Gerrits van Schoten. Martwa natura z owocami, warzywami i sceną wieczerzy w Emaus. 1630
Cornelisa Delffa. „Martwa natura w kuchni” 1610-1620
Wraz z pejzaż martwa natura, która wyróżniała się intymnym charakterem, była szeroko rozpowszechniona w Holandii w XVII wieku. Artyści holenderscy wybierali różnorodne tematy do swoich martwych natur, umieli je doskonale komponować, wydobywać cechy każdego tematu i jego życie wewnętrzne nierozerwalnie związany z życiem człowieka.
XVII-wieczni malarze holenderscy Pieter Claesz (ok. 1597-1661) i Willem Heda (1594-1680/1682) malowali liczne warianty „śniadań”, przedstawiające szynki, rumiane bułeczki, placki z jeżynami, kruche szklane kieliszki do połowy wypełnione winem, z niesamowitym umiejętnym oddaniem koloru, objętości, faktury każdego elementu. Niedawna obecność człowieka jest wyczuwalna w nieładzie, przypadkowym układzie rzeczy, które przed chwilą mu służyły. Ale to zaburzenie jest tylko pozorne, ponieważ kompozycja każdej martwej natury jest dokładnie przemyślana i znaleziona. Dyskretna szaro-złota, oliwkowa gama tonalna jednoczy tematy i nadaje szczególnego brzmienia tym czystym kolorom, które podkreślają świeżość świeżo ściętej cytryny lub miękki jedwab niebieskiej wstążki.
Z czasem „śniadania” mistrzów martwej natury, malarzy Claesa i Hedy, ustępują miejsca „deserom” holenderskich artystów Abrahama van Beijerena (1620/1621-1690) i Willema Kalfa (1622-1693). Martwe natury Beierena są surowe w kompozycji, bogate emocjonalnie, kolorowe. Willem Kalf przez całe życie pisał w sposób swobodny i demokratyczny „kuchnie” – garnki, warzywa i arystokratyczny wybór wykwintnych drogocennych przedmiotów, martwe natury pełne powściągliwa szlachta, jak srebrne naczynia, kielichy, muszle nasycone wewnętrznym wypalaniem kolorów.
W dalszym rozwoju martwa natura podąża tymi samymi drogami, co cała sztuka holenderska, tracąc swoją demokrację, swoją duchowość i poezję, swój urok. Martwa natura zamienia się w ozdobę domu wysoko postawionych klientów. Przy całej dekoracyjności i umiejętności wykonania późne martwe natury zapowiadają upadek malarstwa holenderskiego.
Degeneracja społeczna, dobrze znana arystokratyzacja burżuazji holenderskiej w ostatniej tercji XVII wieku, dają początek tendencji do zbliżenia się z poglądy estetyczne Francuska szlachta prowadzi do idealizacji obrazy artystyczne, ich mielenie. Sztuka traci związki z tradycją demokratyczną, traci swoje realistyczne podstawy i wkracza w okres długiego schyłku. Wyczerpana wojnami z Anglią Holandia traci pozycję wielkiej potęgi handlowej i największego ośrodka artystycznego.
Praca Fransa Halsa i holenderski portret pierwszego połowa XVII wiek.
Fransa Halsa(holenderski. Fransa Halsa, MPA: [ˈfrɑns ˈɦɑls]) (1582/1583, Antwerpia – 1666, Haarlem) – wybitny portrecista tzw. złotego wieku sztuki niderlandzkiej.
- 1 Biografia
- 2 Interesujące fakty
- 3 Galeria
- 4 notatki
- 5 Literatura
- 6 Linków
Biografia
« Portret rodzinny Izaaka Massy i jego żony
Hals urodził się około 1582-1583 jako syn flamandzkiego tkacza François Frans Hals van Mechelen i jego drugiej żony Adriantje. W 1585 roku, po upadku Antwerpii, rodzina Halsów przeniosła się do Haarlemu, gdzie artysta spędził całe swoje życie.
W latach 1600-1603 młody artysta studiował u Karela van Mandera, choć wpływów tego przedstawiciela manieryzmu nie da się odnaleźć w późniejszych dziełach Halsa. W 1610 Hals został członkiem cechu św. Łukasza i rozpoczyna pracę jako konserwator zabytków w gminie miejskiej.
Hals stworzył pierwszy portret w 1611 roku, ale sławę przyniósł Halsowi obraz „Uczta oficerów kompanii strzelców św. Jerzego” (1616).
W 1617 ożenił się z Lisbeth Rainers.
„Wczesny styl Halsa charakteryzuje się upodobaniem do ciepłych tonacji, wyraźnym modelowaniem form za pomocą ciężkich, gęstych pociągnięć. W latach dwudziestych XVII wieku Hals malował obok portretów sceny rodzajowe i kompozycje o tematyce religijnej” („Ewangelista Łukasz”, „Ewangelista Mateusz”, ok. 1623-1625)”.
„Cygański” Luwr w Paryżu
W latach 1620-1630. Hals namalował szereg portretów, które przedstawiają przedstawicieli tzw zwyczajni ludzie(„Błazen z lutnią”, 1620-1625, „Wesoły towarzysz picia”, „Malle Babbe”, „Cygan”, „Mulatto”, „Chłopiec-rybak”; całość ok. 1630).
Jedyny portret w pełna wysokość jest „Portret Willema Heithuissena” (1625-1630).
„W tym samym okresie Hals radykalnie zreformował portret grupowy, zrywając z konwencjonalnymi systemami kompozycji, wprowadzając do prac elementy sytuacji życiowych, które zapewniają bezpośredni związek między obrazem a widzem („Bankiet oficerów kompanii strzeleckiej im. Adriana”, ok. 1623-27; „Bankiet oficerów kompanii strzelców św. Jerzego”, 1627, „Portret grupowy kompanii strzelców św. Adriana”, 1633; „Oficerowie kompanii strzelców św. Jerzego", 1639)." Nie chcąc opuszczać Haarlemu, Hals odmówił wykonania rozkazów, jeśli wymagało to udania się do Amsterdamu. Jedyny portret grupowy, który rozpoczął w Amsterdamie, musiał zostać ukończony przez innego artystę.
W latach 1620-1640, okresie największej popularności, Hals dużo pisał podwójne portrety pary małżeńskie: po lewej mąż, po prawej żona. Jedynym obrazem, na którym małżonkowie są przedstawieni razem, jest „Portret rodzinny Izaaka Massy i jego żony” (1622).
„Regenci domu opieki”
W 1644 Hals został prezesem cechu św. Łukasz. W 1649 ukończył portret Kartezjusza.
„Charakterystyka psychologiczna pogłębia się w portretach z lat czterdziestych XVII wieku. („Regents of the Hospital of St. Elizabeth”, 1641, portret młodzieńca, ok. 1642-50, „Jasper Schade van Westrum”, ok. 1645); w kolorystyce tych prac zaczyna dominować ton srebrnoszary. Później działa Khalsa są wykonane w sposób bardzo swobodny i rozwiązane w oszczędnej kolorystyce, zbudowanej na kontrastach czerni i bieli („Mężczyzna w czerni”, ok. 1650-52, „V. Cruz”, ok. 1660); u niektórych z nich przejawiało się poczucie głębokiego pesymizmu („Regents of the Azyl”, „Regents of the Asylum”, oba - 1664).”
„Na starość Hals przestał otrzymywać zamówienia i popadł w biedę. Artysta zmarł w przytułku w Haarlemie 26 sierpnia 1666 roku.
Największa kolekcja obrazów artysty znajduje się w Muzeum Halsa w Haarlemie.
Założycielem niderlandzkiego portretu realistycznego był Frans Hals (Hals) (ok. 1580-1666), którego artystyczne dziedzictwo, swoją ostrością i siłą ogarniania wewnętrznego świata człowieka, wykracza daleko poza narodową kulturę holenderską. Artysta o szerokich horyzontach, śmiały innowator, zburzył wypracowane przed nim kanony portretu stanowego (szlacheckiego) XVI wieku. Interesowała go nie osoba ukazana zgodnie z jej pozycją społeczną w majestatyczno-podniosłej pozie i ceremonialnym stroju, ale osoba w całej swojej naturalnej istocie, charakterystyczna, ze swoimi uczuciami, intelektem, emocjami. Na portretach Halsa reprezentowane są wszystkie warstwy społeczne: mieszczanie, strzelcy, rzemieślnicy, przedstawiciele niższych klas społecznych, po stronie tych ostatnich szczególne sympatie, a w ich obrazach ukazał głębię potężnej pełni -krwawy talent Demokratyzm jego sztuki wynika z powiązań z tradycjami epoki rewolucji holenderskiej. Hals przedstawiał swoich bohaterów bez upiększeń, z ich bezceremonialnymi manierami, potężną miłością życia. Hals rozszerzył zakres portretu o wprowadzenie elementy fabuły, uchwycenie portretów w akcji, w konkretnej sytuacji życiowej, uwypuklenie mimiki twarzy, gestów, pozycji, uchwyconych błyskawicznie i dokładnie. Artysta poszukiwał emocjonalnej siły i witalności cech portretowanych, przekazania ich niepohamowanej energii. Hals nie tylko zreformował portrety indywidualne i grupowe, ale był twórcą portretu z pogranicza gatunku codziennego.
Hals urodził się w Antwerpii, następnie przeniósł się do Haarlemu, gdzie mieszkał przez całe życie. Był osobą pogodną, towarzyską, życzliwą i beztroską. Twórcze oblicze Khals ukształtowało się na początku lat 20. XVII wieku. Powszechną popularność przyniosły mu portrety grupowe oficerów kompanii strzeleckiej św. Jerzego (1627, Harlem, Muzeum Fransa Halsa) oraz kompanii strzeleckiej św. Adriana (1633, tamże). Podczas uczty przedstawiani są silni, energiczni ludzie, którzy brali czynny udział w walce wyzwoleńczej przeciwko hiszpańskim najeźdźcom. Wesoły, z domieszką humoru nastrój jednoczy funkcjonariuszy o różnych charakterach i obyczajach. Nie ma tu głównego bohatera. Wszyscy obecni są równymi uczestnikami uroczystości. Hals przezwyciężył czysto zewnętrzną więź postaci, charakterystyczną dla portretów jego poprzedników. Jedność asymetrycznej kompozycji uzyskuje się dzięki żywej komunikacji, nieskrępowanej swobodzie układania figur, które łączy falowy rytm.
Energiczny pędzel artysty z błyskotliwością i siłą rzeźbi tomy form. strumienie światło słoneczne suną po twarzach, błyszczą w koronkach i jedwabiu, błyszczą w okularach. Barwną gamę, w której dominują czarne garnitury i białe kołnierzyki, ożywiają dźwięczne złoto-żółte, liliowe, niebieskie i różowe baldachy oficerskie. Pełni świadomości własnej godności, a jednocześnie swobodnie, naturalnie, gestykulując, pojawiają się holenderscy mieszczanie z portretów Halsa, przekazując stan natychmiastowego ogarnięcia. Z rękami na biodrach oficer w kapeluszu z szerokim rondem uśmiecha się żarliwie (1624, Londyn, kolekcja Wallace). Naturalność i żywotność pozy, ostrość cech, najwyższa umiejętność operowania kontrastem bieli i czerni w malarstwie zwyciężają.
Portrety Halsa są zróżnicowane tematycznie i obrazowo. Ale portretowanych łączy wspólne cechy: integralność natury, miłość do życia. Hals jest malarzem śmiechu, pogodnego, zaraźliwego uśmiechu. Artysta iskrzącą się radością ożywia twarze przedstawicieli zwykłych ludzi, bywalców tawern i ulicznych chłopców. Jego bohaterowie nie zamykają się w sobie, zwracają wzrok i gestykulują w stronę widza.
Miłujący wolność oddech podsyca wizerunek „Cygana” (ok. 1630, Paryż, Luwr). Hals podziwia dumne lądowanie jej głowy w aureoli puszystych włosów, uwodzicielski uśmiech, dziarski błysk w oczach, wyraz niezależności. Wibrujący zarys sylwetki, ślizgające się promienie światła, biegnące chmury, na tle których przedstawiona jest Cyganka, napełniają obraz dreszczykiem życia. Portret Malle Babbe (początek lat 30. XVII w., Berlin - Dahlem, Galeria Sztuki), właściciel tawerny, nieprzypadkowo nazywany „wiedźmą z Harlemu”, rozwija się w małą scenę rodzajową. Brzydka stara kobieta o płonącym chytrym spojrzeniu, gwałtownie się obracająca i uśmiechająca szeroko, jakby odpowiadała jednemu ze stałych bywalców jej tawerny. Złowroga sowa wyłania się w ponurej sylwetce na jej ramieniu. Uderza ostrość, wizje artysty, ponura siła i żywotność obrazu, który stworzył. Asymetria kompozycji, dynamika, soczystość kanciastego pociągnięcia pędzla potęgują niepokój sceny.
W połowie XVII wieku wyraźnie zaznaczono zmiany, jakie zaszły w społeczeństwie holenderskim; w miarę umacniania się w niej pozycji burżuazji, która utraciła kontakt z masami, staje się ona coraz bardziej konserwatywna. Zmienił się stosunek burżuazyjnych klientów do artystów realistów. Stracił swoją popularność i Khals, sztuka demokratyczna która stała się obca odrodzonej burżuazji, pędzącej za arystokratyczną modą.
Afirmujący życie optymizm mistrza został zastąpiony przez głęboką refleksję, ironię, gorycz, sceptycyzm. Jego realizm stał się bardziej psychologicznie głęboki i krytyczny, jego umiejętności bardziej wyrafinowane i doskonałe. Kolorystyka Halsa również się zmieniła, zyskując większą powściągliwość; w dominującej srebrnoszarej, zimnej tonacji, wśród czerni i bieli szczególnego brzmienia nabierają drobne, precyzyjnie odkryte plamki różowawej lub czerwonej barwy. Uczucie goryczy, rozczarowania wyczuwalne jest w „Portrecie mężczyzny w czerni” (ok. 1660 r., Petersburg, Ermitaż), w którym najwspanialsze barwne odcienie twarzy zostają wzbogacone i ożywają obok powściągliwej, niemal monochromatyczne odcienie czerni i bieli.
Najwyższym osiągnięciem Halsa są jego ostatnie portrety grupowe regentów i regentów (powierników) domu opieki, wykonane w 1664 roku, na dwa lata przed śmiercią artysty, który ukończył samotnie ścieżka życia w schronisku. Pełen próżności, zimny i zdruzgotany, żądny władzy i dumny, siedzący przy stole starego powiernika z grupy „Portret Regentów Zakładu dla Starców” (Harlem, Muzeum Fransa Halsa). Ręka starego artysty bezbłędnie trafnie stosuje swobodne, szybkie pociągnięcia. Kompozycja stała się spokojna i surowa. Oszczędność przestrzeni, rozmieszczenie postaci, wręcz rozproszone światło, równomiernie oświetlające wszystkie przedstawione, sprzyjają skupieniu się na charakterystyce każdej z nich. Kolorystyka jest lakoniczna z przewagą czerni, bieli i szarości. Późniejsze portrety Halowie stoją obok najwybitniejszych dzieł światowego portretu: swoim psychologizmem zbliżają się do portretów największego z holenderskich malarzy – Rembrandta, który podobnie jak Hals przetrwał dożywotnią chwałę, wchodząc w konflikt z mieszczańską elitą społeczeństwa holenderskiego.
Frans Hals urodził się około 1581 roku w Antwerpii w rodzinie tkacza. W młodości przybył do Haarlemu, gdzie mieszkał niemal bez przerwy aż do śmierci (w 1616 odwiedził Antwerpię, a w połowie lat 30. XVII wieku Amsterdam). Niewiele wiadomo o życiu Halsa. W 1610 wstąpił do cechu św. Łukasza, aw 1616 - do izby mówców (aktorów-amatorów). Hals szybko stał się jednym z najsłynniejszych portrecistów w Haarlemie.
W XV-XVI wieku. w malarstwie niderlandzkim istniała tradycja malowania portretów wyłącznie przedstawicieli środowisk rządzących, sławni ludzie i artystów. Sztuka Khalsa jest głęboko demokratyczna: na jego portretach możemy zobaczyć arystokratę, bogatego obywatela, rzemieślnika, a nawet osobę z samego dna. Artysta nie próbuje idealizować przedstawionych, najważniejsze dla niego jest ich naturalność i oryginalność. Jego szlachcice zachowują się równie nieskrępowanie, jak przedstawiciele niższych warstw społecznych, którzy na obrazach Halsa przedstawiani są jako ludzie pogodni, nie pozbawieni poczucia własnej wartości.
wspaniałe miejsce w twórczości artysty jest portret grupowy. Najlepszymi dziełami tego gatunku były portrety oficerów kompanii strzelców św. Jerzego (1627) i kompanii strzelców św. Adriana (1633). Każda postać na obrazkach ma swoją własną jasna osobowość, a jednocześnie prace te wyróżniają się integralnością.
Hals malował też na zamówienie portrety, na których zamożni mieszczanie i ich rodziny umieszczani są w swobodnych pozach („Portret Izaaka Massy”, 1626; „Portret Hethuisena”, 1637). Obrazy Halsa są żywe i dynamiczne, wydaje się, że osoby na portretach rozmawiają z niewidzialnym rozmówcą lub zwracają się do widza.
Przedstawiciele środowiska ludowego na portretach Halsa wyróżniają się żywą ekspresją i bezpośredniością. W obrazach ulicznych chłopców, rybaków, muzyków, bywalców tawern czuć sympatię i szacunek autora. Jego „Cygan” jest niezwykły. Uśmiechnięta młoda kobieta wydaje się zaskakująco żywa, a jej chytre spojrzenie skierowane jest na niewidzialnego dla widzów rozmówcę. Hals nie idealizuje swojego modela, ale wizerunek wesołej, rozczochranej Cyganki zachwyca swoim dziarskim wdziękiem.
Bardzo często portrety Halsa zawierają elementy sceny rodzajowej. Są to zdjęcia dzieci śpiewających lub bawiących się instrumenty muzyczne(„Śpiewający chłopcy”, 1624-1625). W tym samym duchu wystawiono słynne „Malle Babbe” (pocz. Artysta niemal groteskowo przedstawił kobietę z ogromnym kuflem piwa i sową na ramieniu.
w latach czterdziestych XVII wieku Kraj wykazuje oznaki punktu zwrotnego. Od zwycięstwa rewolucji minęło zaledwie kilkadziesiąt lat, a burżuazja przestała już być klasą postępową, opartą na demokratycznych tradycjach. Prawdziwość malarstwa Halsa nie przyciąga już bogatych klientów, którzy chcą widzieć się na portretach lepszymi niż są w rzeczywistości. Ale Hals nie porzucił realizmu, a jego popularność gwałtownie spadła. Na obrazie z tego okresu pojawiają się nuty smutku i rozczarowania („Portret mężczyzny w kapeluszu z szerokim rondem”). Jego paleta staje się ostrzejsza i spokojniejsza.
W wieku 84 lat Hals tworzy dwa ze swoich arcydzieł: portrety grupowe regentów (powierników) i regentów domu opieki (1664). Te ostatnie prace Holenderscy mistrzowie wyróżniają się emocjonalnością i jasną indywidualnością obrazów. Z wizerunków regentów - starców i kobiet - tchnie smutkiem i śmiercią. Wrażenie to podkreśla również kolorystyka, utrzymana w tonacji czerni, szarości i bieli.
Hals zmarł w 1666 roku w głębokiej nędzy. Jego prawdziwa, afirmująca życie sztuka wywarła wielki wpływ na wielu holenderskich artystów.
Obraz Rembrandta.
| Rembrandt Harmensz van Rijn (1606-1669) był holenderskim malarzem, rysownikiem i rytownikiem. Dzieło Rembrandta, przepojone pragnieniem głęboko filozoficznego zrozumienia życia, wewnętrznego świata człowieka z całym bogactwem jego duchowych doświadczeń, stanowi szczyt rozwoju sztuki holenderskiej XVII wieku, jeden ze szczytów na świecie kultura artystyczna. Dziedzictwo artystyczne Rembrandta jest niezwykle różnorodne: malował portrety, martwe natury, pejzaże, sceny rodzajowe, obrazy o tematyce historycznej, biblijnej, mitologicznej, Rembrandt był skończony mistrz rysowanie i trawienie. Po krótkich studiach na uniwersytecie w Leiden (1620) Rembrandt postanowił poświęcić się sztuce i studiował malarstwo u J. van Swanenbürcha w Leiden (ok. 1620-1623) i P. Lastmana w Amsterdamie (1623); w latach 1625-1631 pracował w Leiden. Obrazy Rembrandta z okresu Lejdy naznaczone są poszukiwaniem niezależności twórczej, choć wciąż widać na nich wpływy Lastmana i mistrzów holenderskiego karawagizmu („Bringing to the Temple”, ok. 1628-1629, Kunsthalle, Hamburg). W obrazach „Apostoł Paweł” (ok. 1629-1630, Muzeum Narodowe, Norymberga) i „Symeon w świątyni” (1631, Mauritshuis, Haga) po raz pierwszy użył światłocienia jako środka wzmacniającego duchowość i emocjonalną ekspresję obrazy. W tych samych latach Rembrandt ciężko pracował nad portretem, studiując mimikę ludzkiej twarzy. W 1632 roku Rembrandt przeniósł się do Amsterdamu, gdzie wkrótce ożenił się z zamożną patrycjuszką Saskią van Uylenburgh. 1630 - okres szczęście rodzinne i ogromny sukces artystyczny Rembrandta. Obraz „Lekcja anatomii doktora Tulpa” (1632, Mauritshuis, Haga), w którym artysta w innowacyjny sposób rozwiązał problem portret grupowy, dający kompozycję życie beztroskie i jednoczący jedną akcją osoby portretowane, przyniosły Rembrandtowi szeroką sławę. W portretach malowanych licznymi zamówieniami Rembrandt van Rijn starannie przekazywał rysy twarzy, ubrania, biżuterię (obraz „Portret burgrabiego”, 1636, Galeria Drezno). | ||||
| W latach czterdziestych XVII wieku narastał konflikt między twórczością Rembrandta a ograniczonymi wymaganiami estetycznymi współczesnego społeczeństwa. Wyraźnie objawiło się to w 1642 roku, kiedy to obraz „Straż nocna” (Rijksmuseum, Amsterdam) wywołał protesty klientów, którzy nie akceptowali głównej idei mistrza – zamiast tradycyjnego portretu grupowego stworzył on heroicznie wzniosłą kompozycję ze sceną występ gildii strzelców na alarm, tj. zasadniczo obraz historyczny, który przywołuje wspomnienia walki wyzwoleńczej Holendrów. Napływ zleceń od Rembrandta słabnie, na jego losy kładzie się cień śmierci Saskii. Dzieło Rembrandta traci swoją zewnętrzną popisowość i towarzyszące mu wcześniej nuty durowe. Maluje spokojne, ciepłe i intymne sceny biblijne i rodzajowe, ukazujące subtelne niuanse ludzkich przeżyć, uczuć duchowej, rodzinnej bliskości („Dawid i Jonatan”, 1642, „Święta Rodzina”, 1645, oba w Ermitażu, św. Petersburgu). |
| Najwspanialsza gra światłocienia, która tworzy szczególną, dramatyczną, emocjonalnie intensywną atmosferę, nabiera coraz większego znaczenia zarówno w malarstwie, jak i w grafice Rembrandta (monumentalna karta graficzna „Chrystus uzdrawiający chorych” lub „Liść stu guldenów”, ok. 1646; pełen powietrza i dynamiki światła pejzaż „Trzy drzewa”, akwaforta, 1643). Lata pięćdziesiąte XVII wieku były dla Rembrandta pełne ciężkich czasów życiowe próby, otwierają okres twórczej dojrzałości artysty. Rembrandt coraz częściej zwraca się ku gatunkowi portretowemu, przedstawiając najbliższe mu osoby (liczne portrety drugiej żony Rembrandta, Hendrickje Stoffels; „Portret starej kobiety”, 1654, Państwowe Muzeum Ermitażu, Sankt Petersburg; „Syn Tytus czytający”, 1657 w Kunsthistorisches Museum w Wiedniu). |
| W połowie lat pięćdziesiątych XVII wieku Rembrandt nabył dojrzałego warsztatu malarskiego. Elementy światła i koloru, niezależne, a nawet częściowo przeciwstawne we wczesnych pracach artysty, teraz łączą się w jedną połączoną całość. Gorąca czerwono-brązowa, to migocząca, to blednąca, rozedrgana masa świetlistej farby potęguje emocjonalną ekspresję dzieł Rembrandta, jakby ocieplając je ciepłym ludzkim uczuciem. W 1656 r. Rembrandt ogłosił upadłość, cały jego majątek został sprzedany na aukcji. Przeniósł się do żydowskiej dzielnicy Amsterdamu, gdzie spędził resztę życia w skrajnie ciasnych warunkach. Stworzony przez Rembrandta w latach 60. XVII wieku kompozycje biblijne podsumuj swoje refleksje na temat znaczenia życie człowieka. W odcinkach wyrażających zderzenie ciemności i światła w ludzka dusza(„Assur, Haman i Estera”, 1660, Muzeum Puszkina, Moskwa; „Upadek Hamana” lub „Dawid i Uriasz”, 1665, Państwowe Muzeum Ermitażu, Sankt Petersburg), bogata, ciepła skala, elastyczny impastowy pędzel, intensywna gra cienia i światła, złożona faktura kolorowej powierzchni służy ujawnieniu złożonych konfliktów i przeżyć emocjonalnych, afirmacji triumfu dobra nad złem. |
| Poważny dramat i bohaterstwo nasycone obraz historyczny„Spisek Juliusa Civilisa” („Spisek Batawów”, 1661, zachował się fragment, Muzeum Narodowe, Sztokholm). W ostatnim roku życia Rembrandt stworzył swoje główne arcydzieło - monumentalny obraz „Powrót syn marnotrawny” (ok. 1668-1669, Państwowe Muzeum Ermitażu, Sankt Petersburg), który zawierał wszystkie kwestie artystyczne, moralne i etyczne późna twórczość artysta. Z niesamowitą wprawą odtwarza w nim całą gamę złożonych i głębokich ludzkie uczucia, podwładni środki artystyczne odsłaniając piękno ludzkiego zrozumienia, współczucia i przebaczenia. Punktem kulminacyjnym przejścia od napięcia uczuć do rozwiązania namiętności są ucieleśnione w rzeźbiarsko-ekspresyjnych pozach, wrednych gestach, w emocjonalnej strukturze koloru, który jasno rozbłyskuje w centrum obrazu i zanika w zacienionej przestrzeni tła. Wielki holenderski malarz, rysownik i rytownik Rembrandt van Rijn zmarł 4 października 1669 roku w Amsterdamie. Wpływ sztuki Rembrandta był ogromny. Wpłynęło to nie tylko na twórczość jego bezpośrednich uczniów, z których Karel Fabritius był najbliższy zrozumienia nauczyciela, ale także na sztukę każdego mniej lub bardziej znaczącego holenderskiego artysty. Sztuka Rembrandta wywarła głęboki wpływ na rozwój całego świata sztuka realistyczna następnie. |
Rembrandt Harmenszoon van Rijn(holenderski. Rembrandt Harmenszoon van Rijn[ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə (n) soːn vɑn ˈrɛin], 1606-1669) - Holenderski malarz, rysownik i rytownik, Wielki mistrzświatłocień, największy przedstawiciel złotego wieku malarstwa holenderskiego. Udało mu się ucieleśnić w swoich pracach całą gamę ludzkich doświadczeń z takim bogactwem emocjonalnym, jakiego sztuka piękna nie znała przed nim. Dzieła Rembrandta, niezwykle zróżnicowane gatunkowo, otwierają przed widzem ponadczasowość świat duchowy ludzkich przeżyć i uczuć.
- 1 Biografia
- 1.1 Lata praktyki
- 1.2 Wpływ Lastmana i karawagistów
- 1.3 Warsztaty w Leiden
- 1.4 Generacja własny styl
- 1.5 Sukces w Amsterdamie
- 1.6 Dialog z Włochami
- 1.7 Straż nocna
- 1.8 Okres przejściowy
- 1.9 Późny Rembrandt
- 1.10 Ostatnie prace
- 2 Kwestie atrybucji
- 3 uczniów Rembrandta
- 4 Pośmiertna chwała
- 5 W kinie
- 6 Notatki
- 7 Linków
Biografia
Lata praktyki
Rembrandt Harmenszoon („syn Harmena”) van Rijn urodził się 15 lipca 1606 r. (według niektórych źródeł w 1607 r.) w wielodzietnej rodzinie zamożnego właściciela młyna Harmena Gerritszoon van Rijna w Lejdzie. Rodzina matki pozostała wierna wierze katolickiej nawet po rewolucji holenderskiej.
„Alegoria muzyki” z 1626 roku – przykład wpływu Lastmana na młodego Rembrandta
W Lejdzie Rembrandt uczęszczał do szkoły łacińskiej na uniwersytecie, ale największe zainteresowanie wykazywał w malarstwie. W wieku 13 lat został wysłany na studia sztuki piękne do malarza historycznego z Leiden, Jacoba van Swanenbürcha, katolika z wiary. Prace Rembrandta z tego okresu nie zostały przez badaczy zidentyfikowane, a kwestia wpływu Swanenbürcha na kształtowanie się jego stylu twórczego pozostaje otwarta: zbyt mało dziś wiadomo o tym lejdeńskim artyście.
W 1623 roku Rembrandt studiował w Amsterdamie u Pietera Lastmana, który kształcił się we Włoszech i specjalizował się w badaniach historycznych, mitologicznych i historie biblijne. Po powrocie do Lejdy w 1627 roku Rembrandt wraz ze swoim przyjacielem Janem Lievensem otworzył własny warsztat i zaczął rekrutować uczniów. W ciągu kilku lat zyskał znaczną sławę.
Unikalne zjawisko kulturowe XVII wieku nazywana holenderską martwą naturą kwiatową, która wywarła znaczący wpływ na cały dalszy rozwój malarstwa w Europie.
Artyści z miłością i starannością odkrywali piękno natury i świata rzeczy, ukazywali ich bogactwo i różnorodność. Bukiety róż, niezapominajek i tulipanów Ambrosiusa Bosschaerta Starszego, który stał się twórcą martwej natury jako nurtu niezależnego, zachwycają i przyciągają wzrok.
ABROSIUS BOSHART STARSZY 1573-1621
Bosschaert rozpoczął karierę w Antwerpii w 1588. Od 1593 do 1613 pracował w Middelburgu, następnie w Utrechcie (od 1616) iw Bredzie.
Płótna Bosschaerta często przedstawiają motyle lub muszle obok bukietów kwiatów. W wielu przypadkach kwiaty dotknięte są więdnięciem, co wprowadza do płócien Bossharta alegoryczny motyw kruchości bytu ( próżność)
Tulipany, róże, białe i różowe goździki, niezapominajki i inne kwiaty w wazonie.
Na pierwszy rzut oka bukiety wydają się być namalowane z natury, jednak po bliższym przyjrzeniu się widać, że składają się z roślin kwitnących w inny czas.Wrażenie naturalności i prawdopodobieństwa wynika z faktu, że obrazy poszczególnych kolorów są oparte na indywidualnych „studjach” przyrodniczych
Powiększony fragment szkicu Jana Van Huysuma w posiadaniu Met.
Jan Baptiste von Fornenbruch. Środek XVII wiek
To była zwykła metoda pracy malarzy martwej natury. Artyści wykonywali skrupulatne rysunki akwarelą i gwaszem, rysując kwiaty z życia, pod różnymi kątami iw różnym oświetleniu, a rysunki te służyły im potem wielokrotnie – powtarzały je na obrazach.
Jakub Morrel. „Dwa tulipany”
Materiałem roboczym były także rysunki innych artystów, ryciny ze zbiorów drukowanych oraz atlasy botaniczne.
Klienci, szlachta i mieszczanie cenili w martwych naturach to, że przedstawiane kwiaty były „jak żywe”. Ale te obrazy nie były naturalistyczne. Są romantyczne, poetyckie. Natura w nich jest przekształcana przez malarstwo.
Martwa natura z kwiatami w wazonie 1619
„Portrety” kwiatów, malowane na pergaminie akwarelą i gwaszem, powstały z myślą o albumach florystycznych, w których ogrodnicy starali się uwiecznić dziwaczne rośliny. Szczególnie liczne obrazy tulipanów. Prawie każda holenderska martwa natura zawiera tulipany.
Ambrosius Bosschaert „Kwiaty w wazonie” 1619.Rijksmuseum w Amsterdamie.
w XVII wieku w Holandii był prawdziwy tulipanowy boom, czasami dom był zastawiany pod hipotekę rzadkiej cebulki tulipana.
Tulipany przybyły do Europy w 1554 roku. Do Augsburga wysłał ich ambasador Niemiec na dworze tureckim Busbek. Podczas swojej podróży po kraju fascynował go widok tych delikatnych kwiatów.
Wkrótce tulipany rozprzestrzeniły się na Francję i Anglię, Niemcy i Holandię. Właścicielami cebulek tulipanów byli w tamtych czasach ludzie naprawdę bogaci - osoby królewskiej krwi lub osoby im bliskie. W Wersalu odbyły się specjalne uroczyste uroczystości na cześć hodowli nowych odmian.
Martwa natura z kwiatami.
Nie tylko holenderska szlachta, ale i zwykli mieszczanie mogli sobie pozwolić na posiadanie pięknych martwych natur.
Liczba holenderskich martwych natur z kwiatami jest ogromna, ale to ich nie umniejsza. wartość artystyczna. Po licytacjach, kiedy sytuacja gospodarcza w Holandii nie była najlepsza, malownicze kolekcje z domów mieszczańskich trafiały do pałaców europejskich szlachciców i królów.
Bukiet kwiatów 1920
W środku tego bukietu widzimy krokusa, ale jest on ogromny.Niektóre informacje o tym kwiacie znamy.
Krokus to roślina lecznicza, afrodyzjak i barwnik. Z jej pręcików tworzą cudowną przyprawę - szafran, który dodaje się do orientalnych słodyczy. Ojczyzną krokusów jest Grecja i Azja Miniejsza. Podobnie jak hiacynty i lilie, krokusy stały się bohaterami mitów starożytnych Greków, przedstawianych w scenach malowideł ściennych pałaców.
Według starożytnej legendy ziemia była pokryta hiacyntami i krokusami na wesele i noc poślubną Hery i Zeusa.
Inna legenda opisuje historię młodzieńca o imieniu Crocus, który swoją urodą przyciągnął uwagę pewnej nimfy, ale pozostał obojętny na jej urodę. Wtedy bogini Afrodyta zamieniła młodzieńca w kwiat, a nimfę w powój, tworząc w ten sposób nierozerwalny związek.
Kwiaty w szklanym wazonie.
Chęć artystów do urozmaicenia kompozycji swoich bukietów skłoniła ich do podróży różne miasta i wykonuję naturalne rysunki w ogrodach miłośników kwiatów w Amsterdamie, Utrechcie, Brukseli, Haarlemie, Leiden. Artyści musieli również czekać na zmianę pór roku, aby uchwycić właściwy kwiat.
Kwiaty. 1619
Kwiaty w chińskiej wazie.
Kwiaty w koszu.
Martwa natura z kwiatami w niszy.
Kwiaty w niszy.
W owocowych i kwiatowych martwych naturach pozornie przypadkowa kombinacja pozornie niepowiązanych przedstawicieli flory i fauny pośrednio ucieleśniała ideę śmiertelnej grzeszności wszystkiego, co ziemskie, a wręcz przeciwnie, niezniszczalności prawdziwej cnoty chrześcijańskiej.
Prawie każda „postaci” martwej natury trudny język symbole oznaczały pewną ideę: śmiertelność wszystkiego, co ziemskie (na przykład jaszczurki czy ślimaki), głupią grzeszność i kruchość ludzkiego życia, którą symbolizować mógł zwłaszcza tulipan.
Kwiaty w szklanym wazonie.1606
Zgodnie z ideami Flamandów i Holendrów, to delikatny kwiat był nie tylko widocznym ucieleśnieniem szybko przemijającego piękna, ale jego uprawa była postrzegana przez wielu jako jeden z najbardziej próżnych i samolubnych zawodów);
Egzotyczne muszle zagraniczne, które były modnymi przedmiotami kolekcjonerskimi, wskazywały na stratę pieniędzy; Małpa z brzoskwinią jest tradycyjnie uważana za symbol grzechu pierworodnego.
Martwa natura z kwiatami w zielonej szklanej butelce.
Z drugiej strony mucha na tej samej brzoskwini lub róży budziła zwykle skojarzenia z symboliką śmierci, zła i grzechu; winogrona i połamane orzechy włoskie - nawiązywały do Upadku i jednocześnie zadośćuczynienia Chrystusa na krzyżu, Czerwone jagody dojrzałych wiśni - symbol Bożej miłości, a trzepoczący motyl - uosabia zbawioną duszę sprawiedliwego.
Kosz.
Kierownictwo artystyczne Ambrosiusa Bosschaerta rozwijali jego trzej synowie – Ambrosius Bosschaert Młodszy, Abraham Bosschaert i Johannes Bosschaert, a także jego zięć Balthasar van der Ast. Ich prace, na ogół bardzo liczne, niezmiennie cieszą się popytem w aukcje sztuki.
Źródła.
Najpopularniejszymi „holenderskimi martwymi naturami” były martwe natury z kwiatami. Inspirowały widza do refleksji na tematy moralne i religijne. Złożona z pięknych i różnorodnych kwiatów (tulipany, irysy, róże, ostróżki, fiołki - "bratki", goździki, maki, zawilce, hiacynty, żonkile, dzwonki, konwalie, niezapominajki, stokrotki, orliki, tatsety) , bukiet był malowniczym hymnem piękna boskiego stworzenia, a przez nie mądrości i hojności Pana, który pozwolił uchwycić to piękno na zawsze.
Na pierwszy rzut oka bukiety wydają się być namalowane z natury, ale po bliższym przyjrzeniu się staje się oczywiste, że składają się z roślin kwitnących w różnym czasie. Wrażenie naturalności i iluzjonistycznej realności wynika z faktu, że obrazy poszczególnych kolorów są oparte na indywidualnych studiach przyrodniczych. To była zwykła metoda pracy malarzy martwej natury. Artyści wykonywali skrupulatne rysunki akwarelą i gwaszem, rysując kwiaty z życia, pod różnymi kątami iw różnym oświetleniu, a rysunki te służyły im potem wielokrotnie – powtarzały je na obrazach. Materiałem roboczym były także rysunki innych artystów, ryciny ze zbiorów drukowanych oraz atlasy botaniczne.
Jan Baptiste von Fornenbruch. Środek XVII wiek
Balthasara van der Asta. „Tulipan”.1690. Paryż.
Gerarda van Spaendo. "Bukiet".
Jakub Morrel. „Dwa tulipany”
Tulipany.
http://picasaweb.google.com/manon.and.gabrielle/m NpGmI#
Klienci, szlachta i mieszczanie cenili w martwych naturach to, że przedstawiane kwiaty były „jak żywe”. Ale te obrazy nie były naturalistyczne. Są romantyczne, poetyckie. Natura w nich jest przekształcana przez malarstwo.
„Portrety” kwiatów, malowane na pergaminie akwarelą i gwaszem, powstały z myślą o albumach florystycznych, w których ogrodnicy starali się uwiecznić dziwaczne rośliny. Szczególnie liczne obrazy tulipanów. Prawie każda holenderska martwa natura zawiera tulipany. w XVII wieku w Holandii był prawdziwy tulipanowy boom, czasami dom był zastawiany pod hipotekę rzadkiej cebulki tulipana.
Tulipany przybyły do Europy w 1554 roku. Do Augsburga wysłał ich ambasador Niemiec na dworze tureckim Busbek. Podczas swojej podróży po kraju fascynował go widok tych delikatnych kwiatów. Wkrótce tulipany rozprzestrzeniły się na Francję i Anglię, Niemcy i Holandię. Właścicielami cebulek tulipanów byli w tamtych czasach ludzie naprawdę bogaci - osoby królewskiej krwi lub osoby im bliskie. W Wersalu odbyły się specjalne uroczyste uroczystości na cześć hodowli nowych odmian.
Nie tylko holenderska szlachta, ale i zwykli mieszczanie mogli sobie pozwolić na posiadanie pięknych martwych natur. Liczba holenderskich martwych natur z kwiatami jest ogromna, ale nie umniejsza to ich wartości artystycznej. Po licytacjach, kiedy sytuacja gospodarcza w Holandii nie była najlepsza, malownicze kolekcje z domów mieszczańskich trafiały do pałaców europejskich szlachciców i królów.
Chęć artystów do urozmaicenia kompozycji swoich bukietów sprawiła, że podróżowali do różnych miast i wykonywali naturalne rysunki w ogrodach miłośników kwiatów w Amsterdamie, Utrechcie, Brukseli, Haarlemie, Lejdzie. Artyści musieli również czekać na zmianę pór roku, aby uchwycić właściwy kwiat.