Literatura włoska w XX wieku. Literatura włoska: najlepsi pisarze i dzieła

Treść artykułu

LITERATURA WŁOSKA rozwinął się dość późno, ponieważ silny wpływ łacina zapobiegł przejawom w literaturze stopniowo rozwijającego się nowego języka ludowego. Jednocześnie stosunki polityczne i handlowe z Francją ułatwiły przenikanie zachodnich wzorców literackich do Włoch, w wyniku czego, naturalnie, pierwszy okres literatury włoskiej rozpoczął się od naśladownictwa.

Od końca XII wieku, a może nawet wcześniej, głównie po wojnach albigensów, trubadurowie pojawiali się na małych dworach książęcych Górnych Włoch, gdzie język prowansalski był zrozumiały, a wkrótce we Włoszech zaczęli pisać niezależni poeci w języku prowansalskim. W środkowych Włoszech na początku XIII wieku. nie było genialnych dziedzińców, a na południu język prowansalski był niezrozumiały. Dlatego tutaj przede wszystkim zwrócono się ku językowi narodowemu i dlatego poezja włoska rozpoczęła się na Sycylii, na dworze cesarza Fryderyka II.

W przeważającej części te dzieła poetyckie są jedynie bladym odbiciem przykładów prowansalskich, pozbawionych indywidualnego charakteru, a tylko nieliczne z nich były oryginalne. Wraz z upadkiem Hohenstaufen Toskania staje się nowym centrum poezji, gdzie Gittone d'Arezzo (Guittone D „arezzo, ok. 1215–1294), jeden z największych włoscy poeci W XIII wieku, pozostając jeszcze pod silnym wpływem prowansalskim w swojej edukacji, został kierownikiem szkoły poetyckiej, co stanowiło etap przejściowy w literaturze włoskiej. I tu po drodze rodzi się nowszy realistyczny trend, szczególnie w osobie Chiaro Davanzatiego. (Chiaro Davanzati, zm. 1304), jeden z najpłodniejszych autorów włoskich przed Dantem: znanych jest co najmniej 122 jego sonetów i 61 ballad.

Wreszcie szkoła sycylijska z Toskanii przechodzi do Bolonii i tu, w przeciwieństwie do niej, powstaje szkoła, która nie wpisywała się w nurt popularnego realizmu, lecz znalazła się pod wpływem naukowym i nabrała charakteru symboliczno-alegorycznego. Jej głową był Guido Gvinitselli (Guido Guinizzelli, zm. 1276). Wkrótce kierunek ten osiągnął swój najwyższy rozwój we Florencji, gdzie wśród jego zwolenników znaleźli się Guido Cavalcanti (Guido Cavalcanti, 1259-1300) i Dante.

Wraz z tym rozwinęła się poezja komiczna i satyryczna. Poezja prowansalska nadal istniała w Górnych Włoszech i zyskała znaczny wpływ. Francuski. Wielu Włochów pisało swoje dzieła po francusku: Brunetto Latini (ok. 1220–1294) jego dzieło encyklopedyczne wielki skarb (Le Tresora), Marco Polo o swoich podróżach itp.

W Górnych Włoszech pod wpływem wędrownych śpiewaków francuskich powstała dość obszerna literatura francusko-włoska. Literatura prozatorska wreszcie zaczyna się także w tym stuleciu. Zachowało się kilka próbek liter w dialekcie bolońskim, wiele tłumaczeń francuskich „powieści przygodowych” oraz tłumaczeń z łaciny.

W XIV wieku Florencja stała się politycznym centrum Toskanii, a dialekt toskański zajął dominujące miejsce w literaturze włoskiej. Na przełomie XIX i XX wieku w literaturze włoskiej pojawia się jedna z największych osobistości tamtych czasów, Dante. Po Dantem pojawili się inni pisarze wczesnego renesansu - Francesco Petrarka, autor liryków i sonetów. Opowiadanie (opowiadanie), zawsze mocny punkt literatury włoskiej, znalazło wówczas wybitnego przedstawiciela, Giovanniego Boccaccio (1313-1375), który zasłużył światowa sława zbiór opowiadań Dekameron.

Patrz sekcja LITERATURA WŁOSKA w artykule LITERATURA ODNOWIENIA

Inna literatura XIV w., po części sąsiadująca z twórczością XIII w., po części naśladownicza, jest raczej nieistotna w porównaniu z twórczością tych trzech pisarzy.

Tak naprawdę tradycja kultury klasycznej nigdy nie została we Włoszech przerwana. W epoce Dantego przejawia się szczególnie gorliwa chęć wskrzeszenia kunsztu klasyków łacińskich. W XV wieku Włoska szlachta i uczeni aktywnie poszukują starożytnych rękopisów greckich i łacińskich. Zrozumiałe jest zatem, że wykształceni ludzie, którzy opuścili Grecję po zdobyciu Konstantynopola przez Turków, spotykają się we Włoszech z ciepłym przyjęciem. Wynalazek druku i chęć dużej liczby drobnych książąt do wzajemnego wspierania mecenatu nad naukami w niezwykły sposób przyczyniły się do rozpowszechnienia nowo nabytej wiedzy klasycznej.

Literatura ludowa w XV wieku początkowo został niemal całkowicie stłumiony przez ten ruch naukowy. Natomiast w Wenecji ludową poezję erotyczną naśladowano w znakomitych canzonettes i strambotto, do których muzyki sam komponował wenecki patrycjusz i humanista Leonardo Giustiniani (Leonardo Giustiniani, ok. 1388-1446).

Ponadto poezja religijna pojawia się w Umbrii w formie sztuk dramatycznych Devozione, we Florencji pod nazwą Sacra Rappresentazione– dramaty duchowe na wzór misteriów, oparte na wątkach Starego i Nowego Testamentu, apokryfach i żywotach świętych. Spektakle miały charakter dydaktyczny, z obowiązkowym karaniem występków i nagrodą za cnotę w finale.

Od drugiej połowy stulecia poezja narodowa ponownie przenika i znajduje dystrybucję w społeczeństwie szlacheckim i dworskim. Powstają trzy ośrodki literackie: Neapol, Ferrara i Florencja. We Florencji Lorenzo Medici(1448-1492) patronował literaturze i sam pisał wiersze na wzór Dantego i Petrarki. Do jego współpracowników i przyjaciół należeli Luigi Pulci (1432-1484) z Florencji i Agnolo Ambroghini, nazywany Poliziano (1454-1494), którzy tworzą swego rodzaju triumwirat florenckich poetów Quattrocento.

Niemal w tym samym czasie co Pulci Matteo Boiardo hrabia Scandiano (Matteo Maria Boiardo, 1434-1494) napisał pierwszy prawdziwy włoski poemat epicki w Ferrerze Zakochany Orlando (Oriando innemorato).

Z poeci liryczni tego okresu należy nazwać neapolitańskim Cariteo (zm. ok. 1515), Serafino d'Aquila (1466-1500), Bernardo Accolti z Arezzo, słynny improwizator, nazywany „L'unico” (zm. ok. 1534) itd.

Z poetów komiksowych i satyrycznych na uwagę zasługuje zwłaszcza Antonio Camelli z Pistoi (Antonio Cammelli, 1440-1502). W dramacie dominowało naśladownictwo starożytnych. Do najważniejszych prozaików należy Leon Battista Alberti (Leon Battista Alberti, 1404–1472), uniwersalny geniusz Wczesny renesans, który pozostawił ślad w niemal wszystkich dziedzinach nauki i sztuki swoich czasów - filologii, matematyce, kryptografii, kartografii, pedagogice, teorii sztuki, literaturze, muzyce, architekturze, rzeźbie, malarstwie - oraz Matteo Palmieri (Matteo Palmieri, 1406-1478 ). Słynny Girolamo Savonarola z Ferrary, który potępiał rozwiązłość dworu Medyceuszy, pisał traktaty, kazania i pochwały.

Do końca XV w w Neapolu pojawia się prozaik, który stworzył nowy nurt literacki; Jacopo Sannazzaro (1458–1530) oprócz dużej liczby wierszy w języku włoskim napisał fantastyczną, bukoliczną powieść Arkadia(Arkadia), która wzbudziła podziw współczesnych i wywarła znaczący wpływ na literaturę europejską.

W XVI wieku oba kierunki – włoska literatura ludowa i humanizm – łączą się w jedną harmonijną całość, dając początek przypływowi literatury włoskiej. Rozpoczyna się heroicznym eposem romantycznym Lodovico Ariosto (1474–1533) Wściekły Roland (Oriando wściekły), co spowodowało cały strumień wierszy heroicznych. Szybko jednak zauważalna jest reakcja, która sprzeciwia się opisowi świata romantycznego za pomocą nielakierowanej, ostrej komedii. Kierownikiem tej szkoły jest Mantuan Teofilo Folengo (1492–1544). Girolamo, Amelunghi, Grazzini należą do tego samego kierunku.

Jednocześnie inna grupa pisarzy nadaje literaturze włoskiej nowy kierunek, wymagając od niej całkowitego naśladowania starożytnych i reprezentowanych przez długie eposy heroiczne oparte na dziedzictwie arystotelesowskim. Głową tego nurtu był Giangiorgio Trissino z Vicenzy (1478–1550), który napisał wiersz pustym wierszem Włochy Liberta dei Goti na podstawie Iliada Homer i tragedia Sofonisba(1515). Do tego zaliczają się także Luigi Alamani z Florencji (1495-1556), Bernardo Tasso (1493-1569), ojciec Torquato Tasso, który w 1575 roku napisał jedno z ostatnich genialnych dzieł późny renesans, poemat epicki Wyzwolona Jerozolima (Gerusalemme liberalata).

W tym stuleciu często naśladowano także poezję dydaktyczną starożytnych. W większości był to model Gruzja Wergiliusz. Liryzm ponownie zbliża się do Petrarki, pomijając jego wychowanych naśladowców z XV wieku. Kierunkowi temu przewodniczył kardynał Pietro Bembo (1470-1547). Bembo ponadto udowodnił zalety dialektu toskańskiego, w którym widział podstawy literackiego języka włoskiego (Rozprawy prozą o języku ludowym).

Michelangelo Buonaroti (1475-1564), bardziej oryginalny od innych Petrarchistów, Luigi Alamanni, Wenecjanin Bernardo Cappello, Torquato Tasso, Bernardo Baldi i wielu innych, stanowił swego rodzaju opozycję do poetów piszących w metrum klasycznym.

Literatura po renesansie.

Jasno świecące renesansowe słońce, choć czasami nieco chłodne, przygasło w XVI wieku. Powody tego były i to dość historyczne. Renesans nie tylko zwiędł, ale się udusił. Włochy utraciły niepodległość, w kraju zapanowało panowanie hiszpańskie. W samej Hiszpanii absolutyzm charakteryzował się skrajnie reakcyjnym, gospodarka była wyczerpana ciągłymi podbojami. Hiszpania zaczęła oddziaływać na Włochy, narzucając im własny model istnienia, co w naturalny sposób doprowadziło do katastrofalnych konsekwencji na płaszczyźnie politycznej i politycznej. sfera społeczna i nie mogło nie wpłynąć na życie intelektualne. Wraz z kontrreformacją powróciła ortodoksja, upór w myśleniu filozoficznym i sztywne standardy moralne, co było niemal zabójcze dla włoskiego geniuszu, który ze swej natury do rozkwitu potrzebował wolności, a nawet sceptycyzmu.

W okresie między Ariosto a Tasso odbył się Sobór Trydencki, co jest bardzo symboliczne; Nie ma lepszej ilustracji wpływu kontrreformacji niż kontrast pomiędzy nimi Wściekły Orlando I Jerozolima wyzwolona. W Tasso rycerze są pod duchowym uciskiem, Krucjaty popełnione bardzo poważnie – są bardziej religijne niż epickie. I to – pomimo pokolenia, które już wiedziało, na czym polega instytucja papiestwa i Imperium Osmańskie zjednoczeni przeciwko krajom chrześcijańskim; Beztroskich fantazji Ariosto już nie ma, a opowieść posuwa się z trudem do przodu, a ulgę przynoszą tylko czasami literackie dygresje, ale są one starannie zaplanowane, aby zmieścić się w granicach tego, co dozwolone. I tylko dzięki temu, że Torquato Tasso był człowiekiem genialnym i szczerym, w Wyzwolonej Jerozolimie panuje melancholijne, smutne piękno, a są tam fragmenty przeplatane scenami zmysłowymi i luksusowymi, ale z przewidzianym ich późniejszym potępieniem. W atmosferze końca XVI w., a tym bardziej XVII w., włoski pisarz nie mógł być szczery nawet wobec samego siebie, jeśli – jak w przypadku Tassa – miał niejasną świadomość dwoistości swojego stanowiska .

Jeśli chodzi o gatunek pasterskiego dramatu masek pasterskich, który pierwotnie należał do literatury eskapistycznej, nie było tam żadnego problemu, dlatego Tasso potrafił tworzyć harmonijne piękno. Amity- pełen wdzięku, doskonały technicznie i zwycięski dramat. Pastor Fido (wierny pasterz, 1590) Giovanni Battista Guarini to kolejne dzieło tego samego gatunku i mniej więcej na tym samym poziomie warsztatu literackiego.

Głównym przedstawicielem szkoły klasycznej był hrabia Giacomo Leopardi (1798–1837). Giacomo Leopardi, ważna postać literatury tego okresu, był przede wszystkim znakomitym przedstawicielem lirycznego pesymizmu. Charakteryzował się siłą intelektualną, głębią i ostrością uczuć oraz erudycją, którą uczciwie można porównać jedynie z Dantem. Leopardi, poeta o szczególnej emocjonalności, był rzecznikiem swoich czasów, dlatego dla współczesnego mu czytelnika był o wiele bardziej zrozumiały i ekscytujący niż Dante. Cykl wierszy Piosenki(Canti) jest najdobitniej wyartykułowanym wyrazem protestu człowieka przeciwko swemu losowi, jaki istniał w literaturze tego okresu. Leopardi odzwierciedla niektóre ze swoich Piosenki prawdziwą tęsknotę za okresem Risorgimento, kiedy toczyła się walka o wyzwolenie narodowe i jedność. W swoich pieśniach osiągnął niezrównaną doskonałość formy i głębię myśli, zarówno w porównaniu ze swoimi współczesnymi, jak i najnowszą poezją włoską. Leopardi wykładał także swoją filozofię w ostrej i energicznej prozie.

Wokół niego skupiło się wielu poetów: Giovanni Torti (1774–1858), autor tekstów Giovanni Berchete (1783–1851), Tomaso Grossi (1791–1853), który oprócz opowiadań wierszem pisał Ildegonda, Ulrico i Lida i wiersze Longobardowie na pierwszej krucjacie (I Lombardi alla prima crociata) powieść Marco Viscontiego; Silvio Pellico (1789–1859), który napisał wiele tragedii i wierszy, ale szczególnie zasłynął z opisów swego uwięzienia ( Le mi prigioni); Giuseppe Nicolini (1788–1855); Luigi Carrere (1801–1850); genialny satyryk polityczny Giuseppe Giusti (1809-1850), który stworzył wiele wspaniałych satyrycznych portretów arystokratów, bankierów, burżuazji, a nawet papieża; Gabriele Rossetti (1783–1854); Massimo d'Azeglio (1798–1886) z Turynu, autor także dwóch powieści: Ettore Fieramosca i Niccoló de'Lapi; Francesco Domenico Guerazzi (1804–1873); Cesare Cantý (ur. 1805) napisał powieść Marherita Pusteria; Genueńczyk Giuseppe Mazzini (1808–1872), krytyk szkoły romantycznej itp.

Powieść historyczna Alessandro Manzoniego Narzeczony (Obiecuję sposi) jest jednym z najwspanialszych przykładów całej literatury romantycznej. Intonacja tego wybitnego dzieła jest jednak patriotyczna, ten sam motyw powtarza się w jego sztukach, na które widać wyraźny wpływ W. Szekspira, a także w tekstach, w których wyczuwalny jest temat głębokiego i wszechogarniającego chrześcijaństwa. Narzeczona do dziś uznawana jest za jedną z najlepszych powieści włoskich; pokazuje wpływ Waltera Scotta, ale Manzoni dodaje do formuły Scotta swój własny, głęboki i spokojny realizm. Gatunek muzyczny powieść historyczna uprawiana przez wielu utalentowanych pisarzy, takich jak Francesco Domenico Guerazzi (1804-1873), Tomaso Grossi (1791-1853) i Massimo d'Azzeglio (1798-1866), autor powieści historycznej, która w swoich czasach była bardzo czytelna Wspomnienia (Mam Miei Ricordi).

Po wyczynach Giuseppe Garibaldiego (1807–1882) i wynalazczych manewrach Cavoura (1810–1861) sprawa walki o niepodległość przeszła w fazę triumfalną, a zdobycie Rzymu w 1870 r. zakończyło zjednoczenie Włoch, które o jakim od dawna marzyli patrioci tego kraju.

Po zjednoczeniu Włoch nastąpił rozkwit wszystkich gatunków literatury włoskiej.

Paolo Giacometti (1817–1882) napisał wiele udanych tragedii i komedii, m.in. Poeta i tancerz (Poeta i baletnica); Leopoldo Marenko pisał tragedie, dramaty, sztuki rycerskie i komedie obyczajowe, które przez pewien czas dominowały na scenie i miały wielu naśladowców. Wiodące miejsce w tragedii słusznie należy do Pietro Kosy (1830–1881): Nerona, Ja Borgia i in. Tragedia Cavalottiego została dobrze przyjęta przez publiczność i czytelników Alcybiades (Alcybiade).

W komedii zaprezentowano dwa kierunki: komiczny i społeczny. Najwybitniejszym przedstawicielem tego pierwszego jest prawnik Tomaso Gherardi del Testa (1815–1881). Paolo Ferrari (1822-1889), który przez całe życie dominował na scenie, należał do kierunku komedii społecznej. Z poetów lirycznych tej epoki najbardziej znani są: Giovanni Prato (1815–1884), poeta liryczno-epicki Luigi Mercantini (1821–1872), poeta patriotyczny, autor znanej i popularnej pieśni Inno di Garidaldi; Giacomo Zanello (zm. 1888); Carducci, Giosue (1835-1907) był największą postacią literacką nowych Włoch zbudowanych w wyniku triumfu Risorgimento. W głębi duszy Carducci jest historykiem, choć nie można powiedzieć, że w jego wierszach nie ma uczucia, ale wyraźnie powstały one pod wpływem inspiracji epickiej, a nie lirycznej. Jego twórczość jest godna uwagi nie tylko ze względu na przejmującą tematykę, ale także ze względu na fakt, że zaadaptował do współczesnego języka włoskiego wiele form wierszy z klasycznego okresu starożytnego. Nie był pierwszym eksperymentatorem tego stylu, ale udoskonalił go, uczynił własnym i wypełnił treścią godną tej formy. Z jego tekstów i dzieła satyryczne przeznaczyć Luvenilia, Levia gravia, Poesie, Nowy odi barbare, Terze odi barbare.

Powieści i opowiadania pisali Antonio Bresciani (1798-1862), Nicolo Tomasseo (1802-1874); autorem powieści bohaterów jest Ippolito Nievo.

W ostatnich dziesięcioleciach XIX w we Włoszech wiele niezwykłych talenty literackie. Wiele uwagi poświęcono powieści, opowiadaniom i poezji lirycznej, ale dramat ukazywał także pragnienie niezależności i wyzwolenia spod wszechmocnego wpływu teatru francuskiego.

Realistyczny kierunek powieści i opowiadania, który był kiedyś ulubionym, był coraz częściej wypierany przez analizę psychologiczną. W porządku chronologicznym najpierw należy wymienić świetnie napisaną powieść psychologiczną. L'anima EA Butty (1893). Interesujące są powieści pisarek Matyldy Serao ( Castigo, 1893) i Emmę Perodi ( Siostra Ludovica, 1894).

Powieść Gabriela d'Annunzio Triumf śmierci (Il trionfo della morte) (1894) opisuje stan psychiczny bohatera, poety Giorgio Aurispy, w ostatnich miesiącach jego życia, z którymi kończy się na skutek dziedzicznych impulsów samobójczych. Kolejna powieść D'Annunzia Le Vergini delle Rocce(1895), pierwszy z cyklu Romanzi del Giglio, zbudowany na źle rozumianych ideach Nietzschego.

Warto wspomnieć Sulla Breccia(1894) Antoinette Giacomelli, a nie powieść we właściwym tego słowa znaczeniu. Książka ta, która przyciągnęła uwagę współczesnych, została napisana przez gorliwą katoliczkę, której szczerym i głębokim zamiarem było zwrócenie ludzkości ku moralności i religii. Jerolama Rovetta napisała piękną powieść o obyczajach La Baraonda(1894), który bezlitośnie demaskuje ciemne stronyświat biznesmenów, finansistów i spekulantów; Rovetta pozostał wierny swojemu kierunkowi w powieści L'idolo(1898). Jego ostatnie dzieło to powieść napisana prosto i żywo. La Signorina, opowiadający o życiu wysokiego społeczeństwa Mediolanu. Realistyczny opis moralności podał w powieści Frederico de Roberto I wiceprezes (1894). Il figlio(1894) Arthur Coluati opisuje podłodę kręgów ministerialnych i bankowych Rzymu oraz wybuchające tam skandale. Wręcz przeciwnie, nierozwiązane problemy i niesprawiedliwość panująca w niższych warstwach włoskiego społeczeństwa stały się tematem powieści pisarza Bruno Speraniego Fabryka (1895).

Powieści Neery (Neera, pseudonim Anna Zuccari-Radius) mają zupełnie inny charakter: wspaniałe dzieło Anima sola(1895), gdzie w formie pisemnego wyznania ukazuje się głębokie życie wewnętrzne boleśnie wrażliwej sławnej artystki, w której wielu próbowało rozpoznać Eleonorę Duse; o cierpieniu serca kobiety i jej najnowszej powieści Mój dom(1900). Powieść Antonio Fogazzaro opublikował w 1895 roku Piccolo mondo antico od chwili powstania królestwa. Również powieść nie pozostała niezauważona przez współczesnych. zdrowaśka(1896) Alfonso Albertazzi, przepojony ideami socjalizmu. Lata te dały literaturze włoskiej wiele nazw, które również zasługują na wzmiankę. Są to Amalcare Lauria, Olivieri Sangiacomo, Sofia Bisi Albini, Jane dela Quercia, Matilda Serao. W 1900 roku, ciesząca się dużym uznaniem powieść d'Annunzio Płomień (Il Fuoco), co wywołało zarówno bezgraniczny podziw, jak i ostrą krytykę.

Z tych, które pojawiły się w latach 90. XIX wieku. zbiorów opowiadań i opowiadań, na uwagę zasługuje trzynaście wspaniałych esejów napisanych z miłością przez wspomnianą już Matyldę Serao: Gli amory(1894), jej trzy historie Donna Paola(1897) i smutny Historia Monaki ten sam rok.

Napisał Luigi Capuana Le Appasionate(1893), zbiór Bracioletto(1897) i siedem krótkich, mocnych artystycznie opowiadań Anime nago(1900). Wśród innych autorów powieści i opowiadań z tego okresu na uwagę zasługują opowiadania Giovanniego Vergi. Don Candeloro i współpracownik(1893), Antonio Fogazzaro z historią Racconti Brevi(1894), Farina z zabawnymi historiami pisanymi prostym językiem Il numero tredici(1895) i Che dira il mondo?(1896). Marco Praga z głęboką wiedzą i wiernością maluje życie włoskich aktorów Historia Palcoscenico(1896). Interesujące są prace Edmonda de Amicise: eseje o wrażeniach z wizyty we włoskich koloniach w Argentynie, W Ameryce kończący się tragiczna historia oraz studia psychologiczne, których fabuła rozgrywa się w wagonie kolei konnej La carozza di tutti(1898). Eduardo Scarfoglio napisał piękny opis podróży do Abisynii, który czyta się jak powieść. Błąd Christiana (1897).

Z bezgranicznej masy lirycznych wierszy tego okresu, zbiór wierszy d'Annunzia pod tytułem Poemat rajski(1893). Tutaj objawia się jego mistrzostwo w muzykalności wiersza, dominacja nad językiem, rytmem i formą.

Twórczość innego poety Arthura Grafa, Doro il tramonto(1893) i meduza przepełniony beznadziejnym pesymizmem. Grafe, który subtelnie rozumie psychologię Leopardiego, należy do najpotężniejszych poetów włoskich tamtego okresu.

Dobra i wiersze Giovanniego Morradiego, zebrane pod nagłówkiem Ricordi lirici(1893) - piękne obrazy natury, pieśni miłosne, elegie pełne smutku. Za nimi podążali ballat nowoczesny (1895).

Mario Rapisardi wygłosił satyryczny wiersz Atlantyda(1894), pisany w oktawach i uznany za porażkę autora, ale dający obraz współczesny autor nauka, literatura i moralność. Bardziej udane jest dzieło Alfredo Baccelli - wiersz społeczny Vittime i Ribelli(1894) i Iride Umana(1898) - historia duszy ludzkiej i spojrzenie w przyszłość. Poeta Giuseppe Carducci, skłonny do umiarkowanego weryzmu, opublikował w latach 1896-1897 kilka od, m.in. Per il monumento di Dante I La Chiesa di Polenta. Giovanni Pascoli opublikowany w 1897 r Poemetti, gdzie śpiewa głównie o toskańskiej przyrodzie. W 1898 r. natchniony-idealistyczny Poesie scelte Antonio Fogazzaro i niemal jednocześnie Vecchie e nujve odi tiberine Domenico Gnoli. Inni poeci tamtych czasów: Vittorio Aganoore, Severino Ferrari, D.M. Witteleskiego. Pisali w różnych lokalnych dialektach: Sarfatti – po wenecku, A. Sindichi, Trilussa, A. Sbrishia – po rzymsku, w Peruginie – R. Torelli, po neapolitanie – Saltore di Giacomo itp.

W dziedzinie literatury dramatycznej twórczość pisarzy włoskich tego okresu jest uboższa i bardziej ograniczona. Wystarczy wymienić czterech głównych dramatopisarzy, wokół których skupiali się autorzy mniej znaczący. Są to przedstawiciele nurtu realistycznego w literaturze: Gerolamo Rovetta, Giuseppe Giacosa, Marco Praga i Giovanni Verga.

Rovetta w 1893 roku napisała komedię w dwóch aktach La cameriera nova i dramat w trzech aktach I disonesti (opublikowany w 1894). Komedia La realtà (1895) odniosła ogromny sukces, a w Principio di secolo Rovetta powraca do zapomnianego we Włoszech dramatu historycznego. Komedia napisana w 1897 r Poeta; subtelne studium psychologiczne - komedia Il ramo d'ulivo i wreszcie w komedii z 1900 roku Le due coscienze.

Giuseppe Giacosa opublikował w 1900 roku zbiór swoich dzieł dramatycznych. To, co najlepsze - dramat jednoaktowy I diritti dell'anima i komedia Chodź le Foglie- trafny obraz obyczajów społecznych, który cieszył się dużym powodzeniem wśród opinii publicznej.

M. Praga pisał wiele, ale żadne z jego dzieł nie przetrwało próby czasu.

Niezwykle interesujące były eksperymenty dramatyczne d'Annunzia, w szczególności jego tragedia w pięciu aktach La citta morta(opublikowane w 1898 r.), które po raz pierwszy ukazało się wraz z E. Duse w Paryżu w 1897 r. w tłumaczeniu francuskim. Krytycy zauważyli jednak, że pomimo doskonałości formy postacie tragedii są martwe i schematyczne. W tym samym roku ukazał się jednoaktowy dramat Il sogno d'un tramonto d'autunno, drugi z serii I sogni delle stagioni raczej monolog, liryczny epilog dramatu o doskonałym rozwoju psychologicznym i błyskotliwej formie.

Wśród innych pisarzy końca XIX w. poeta romantyczny Giovanni Prati (1815–1884), łagodny Silvio Pellico (1789–1854), będący autorem dzieł wzniosłych, w których wybrzmiewały motywy bohatersko-patriotyczne, wyróżniają się jako Moje lochy (Le mi prigioni) i Francesca da Rimini – nie wszystkich jest najwięcej znani pisarze i poeci XIX w. Giuseppe Niccolini (1782–1861) przeszedł do historii jako dramaturg Risorgimento, przedstawiciela poglądów zaawansowanej części rodzącej się burżuazji w pierwszych dekadach XIX wieku. Twórczość Niccolini przepojona jest nienawiścią do despotyzmu politycznego i religijnego oraz marzeniem o stworzeniu zjednoczonych niepodległych Włoch.

Literatura włoska początku XX wieku.

odzwierciedlały wspólne problemy Europy. W miarę upływu czasu możliwa jest retrospektywna krytyczna ocena zarówno nurtów, jak i poszczególnych autorów, za okres począwszy od końca XIX wieku. aż do wybuchu I wojny światowej.

W dziedzinie poezji bezpośrednim następcą Carducciego był Giovanni Pascoli (1853-1912), gdyż wiele jego wierszy powstało pod wpływem muzy historii, która inspirowała także jego słynnego współczesnego. Ale u podstaw inspiracji Pascoliego leży melancholia przypominająca Leopardiego, a nawet Petrarkę. Bardziej imponujący i wszechstronny był wkład Gabriele D „Annunzio (choć być może jego wpływ nie był zbyt długi), który w tym czasie stał się głównym głosem literatury włoskiej. Osobowość i życie twórcze D” Annunzio nadały magii i tajemniczości talent do swojej sławy, wywarł wrażenie zarówno jako poeta, dramaturg i pisarz. Następnym pokoleniom D'Annunzio wydaje się sztuczny, fałszywy, a jednak dzięki temu, jak wielu pisarzy czerpało inspirację z jego twórczości, a nawet z krytyki jego dzieł, należy go uważać za źródło życiodajnej siły nawet w literaturze włoskiej Dzisiaj.

Ruch futurystyczny lat 1909–1914, reprezentowany przez poetów takich jak Corrado Govoni, wyrażał stanowisko antyretoryczne i miał wiele cech wspólnych z D'Annunzio.

Crepuscolari, tj. poetów zmierzchu, Guido Gozzano (1883-1916) i Sergio Corazziniego (1886-1907), można postrzegać jako reakcję na zjawisko d'annunzianizmu; podczas gdy za prekursora uważa się obecnie Dino Campana (1885–1932). nowoczesna szkoła, a także poczuł wpływ D „Annunzio.

Okres ten można określić jako czas dojrzałości powieści włoskiej. Sycylijczyk Giovanni Verga (1840-1922), którego twórczość odzwierciedla stanowisko społeczne i literackie, które ma wiele wspólnego z francuskim naturalizmem, ale jednocześnie nie jest jego kopią. Literatura Vergi różniła się zarówno techniką, jak i inspiracją, która wydawała się świeża i potężna. Na tle innych wyróżnia się twórczość pisarza Italo Svevo (1861-1928) z Triestu. Jego wysoce intelektualne dzieła znacznie wyprzedzały swoją epokę. Inni czołowi powieściopisarze końca XIX i początku XX wieku - to Matylda Serao (1856-1927) z Neapolu, Toskańczyk Federico Tozzi (1883-1920), Grazia Deledda (1878-1936) z Sardynii - wszyscy zaliczani są do pisarzy kierunku prowincjonalnego; nieco sentymentalny Antonio Fogazzaro (1842–1911), Alfredo Panzini (1863–1939), piszący w lekkim, ironicznym stylu; Massimo Bontempelli (1878–1960) i Aldo Palazzeschi (1885–1974), obaj obdarzeni niezwykłym zmysłem fantazji, kojarzeni są z futuryzmem; G. A. Borghese (1882–1952), subtelny krytyk literatury i polityki; Bruno Cicognani (1879–1971); oraz Ricardo Bacchelli (1891–1985), autor słynnej wielkiej trylogii historycznej Młyn nad Padem.

Do najwybitniejszych dramatopisarzy teatralnych tego okresu zalicza się burżuazyjny moralista Giuseppe Giacosa (1847–1906), rozczarowany, ale trzeźwo myślący Marco Praha (1862–1929), płytki, ale bardzo popularny Dario Nicodemi (1874–1934) oraz czarujący Sabatino Lopeza (1867-1951). Wszyscy oni byli na ogół przedstawicielami dramatu społecznego, a duchowe wzniesienie, z jakim pisane były ich dzieła, uczyniło ich bardzo francuskimi. Kolejnym utalentowanym dramaturgiem był neapolitańczyk Roberto Bracco (1862-1943), który zaczynał od naśladowania powierzchownej, wesołej i eleganckiej komedii francuskiej, a później, pod wpływem Ibsena, pisał sztuki pełne realizmu i melancholii, a także Sam Benelli ( 1877-1949), którego sztuki wierszem wyróżniał romantyzm.

Ogromnym właściwie włoskim wkładem w rozwój teatru były dzieła tzw. dramatopisarze groteski, powstałe w drugiej dekadzie XX wieku. w sposób ironiczny i paradoksalny, rozwijając różne tematy, od osobistych, codziennych po społeczne. Luigi Chiarelli (1884–1947) w swoich dziełach dramatycznych zgłębiał ekscentryczne i dziwne zachowania bohaterów. Pionierem w tym gatunku była jego sztuka Maska i twarz (1916), tą samą problematyką poruszał Rosso di San Secondo (1887-1957), jego teatr łączył symbolikę i krytykę społeczną. bardzo główna postać groteskowy był jednak Luigi Pirandello (1867–1936). Jego dzieła dramatyczne są mistrzowsko zbudowane i odznaczają się jasną i precyzyjną prezentacją, niestandardowymi sytuacjami i wieloma nowymi technikami, co zwróciło na jego twórczość uwagę całego świata. Zasadnicza różnica między jego dziełami polega na tym, że wszystkie poruszały i wyprowadzały na scenę bardzo ważne i znaczące problemy filozoficzne, takie jak dwuznaczność osobowości, problem prawdy w opozycji do iluzji, kontrast między konwencjami a szczerością, definicja tożsamość i natura halucynacji. Psychologicznie wysoce intelektualny teatr Pirandello, z czasem szokującą treścią jego sztuk, nie tylko przyciąga, ale także angażuje widza w teatralną akcję. Oryginalność wątków Pirandella, jego odkrycia w dziedzinie inscenizacji przedstawień oraz zjadliwa i pesymistyczna postawa odcisnęły piętno na teatrze światowym; coś z Pirandello można dostrzec u tak różnych pisarzy, jak Sartre, Giraudoux, Beckett, Wilder i Ionesco.

Ponad pół wieku we wszystkich kierunkach działalność literacka pracował słynny Benedetto Croce (1866-1952), wybitny historyk, filozof i krytyk literacki. Krytyka literacka Croce’a, częściowo odzwierciedlająca wpływ Francesco De Sanctisa (1817–1883), autora Klasycznej historii literatury włoskiej, a częściowo Croce kierując się własnymi rygorystycznymi standardami filozoficznymi, pełniła w ten sposób funkcję dyscyplinującą i oczyszczającą, która przebiega jak czerwona nić przez kolejne szkoły literackie i trendy w modzie, które pojawiały się w pierwszych dekadach XX wieku. W tym miejscu na szczególną uwagę zasługuje grupa skupiona wokół dwóch czasopism: La Voce, założonego w 1910 roku przez Giuseppe Prezzoliniego (1882–1982) i Giovanniego Papiniego (1881–1956); oraz „Ronda” („La Ronda”), założona w 1922 roku przez Vincenzo Cardarelliego. Ogólny styl Voche miał charakter eksperymentalny i nie odrzucał wpływów literatury zagranicznej, głównie francuskiej; a magazyn Ronda był konserwatywny. W rzeczywistości jednak obie grupy wniosły swój wkład ogromny wkład pobudzając zapał twórczy pisarzy, dla których idee obu pism były ważne i inspirujące. Z Voche współpracowali tak znani pisarze, jak Ricardo Bacchelli, Antonio Baldini, Piero Jagier, powieściopisarz i poeta Aldo Palazzeschi; poeci tacy jak Corrado Govoni i Giuseppe Ungaretti; krytycy literaccy Giuseppe De Roberti (1888–1963), Emilio Cecchi (1884–966), Pietro Pancrazi (1893–1952) i Renato Serra (1884–1915), którzy wywarli wielki wpływ w latach 1910–1930; a także filozofowie, jak sam Croce, Giovanni Gentile, który zasłynął zwłaszcza dzięki udziałowi w reformie szkolnictwa w czasach reżimu faszystowskiego, czy Guido de Ruggiero (1888–1948).

Vincenzo Cardarelli (1887–1959) złożył podstawy teoretyczne czasopismo „La Ronda”. E. Cecchi, R. Bakchelli, A. Baldini, B. Barilli byli kluczowymi postaciami tego nowego przeglądu literackiego, uważali, że ich główny cel odkryć na nowo prawdziwą włoską tradycję, ale główny nacisk położony jest na styl. Kolejnym włoskim myślicielem, po Croce, który wywarł ogromny wpływ na europejskie nauki polityczne i społeczne, był Antonio Gramsci (1891-1937), uważany za jednego z najważniejszych teoretyków marksistowskich na Zachodzie.

Literatura współczesna.

W okresie nowożytnym (ściśle mówiąc, okresie nowożytnym od II wojny światowej do współczesności) można zauważyć siłę powieści włoskiej, pojawienie się znaczących postaci w poezji, przewagę tematów i problemów społecznych nad czysto akademickimi, oraz znaczący wpływ amerykański, zwłaszcza na prozę. Niektórzy z pisarzy, którzy wnieśli znaczący wkład do literatury współczesnej, pojawili się w okresie powojennym; inni zaczęli pisać w czasie wojny, chociaż panowała faszystowska cenzura. Ignazio Silone (1900–1978) opublikował swoją antyfaszystowską powieść Fontamara(typowe dzieło kierunku prowincjonalizmu o wydźwięku politycznym), przebywając na emigracji. W okresie przedwojennym pracowali tacy pisarze jak D. Borgese, który wydał powieść Filippo Roubaix (Filippo Rube); Corrado Alvaro (1895–1956), który wywarł znaczący wpływ na młodsze pokolenie pisarzy włoskich, napisał powieść antyfaszystowską Człowiek jest silny (L "uomo e forte); Alberto Morawia (1907–1990) - Obojętny(Gli Indyferenti); Elio Vittorini (1908-1966) - Sycylijskie rozmowy(Rozmowa na Sycylii).

Musieli pracować w atmosferze rodzącego się lub już ugruntowanego reżimu faszystowskiego. Alberto Moravia - najsłynniejszy i najbardziej płodny Włoski pisarz swoich czasów. Zbadał nowe terytorium i przedstawił życie klasy średniej w raczej ponurych kategoriach. On, Vittorini, Vasco Pratolini (1913-1991), który rozpoczynał karierę w czasach faszystowskiej dyktatury, i Cesare Pavese (1908-1950), którego twórczość była po prostu przesiąknięta wpływami amerykańskimi, można uważać za awangardę współczesnej włoskiej literatura.

Inni znani pisarze, którzy zdobyli sławę poza granicami kraju, to Dino Buzzati (1906–1972); Giuseppe Marotta (ur. 1957), - jego tematem jest odrodzenie zainteresowania problemami południowych Włoch; Viitaliano Brancati (1907–1954), ironiczny Sycylijczyk; P. A. Quarantotti Gambini (1910–1965) z Triestu, którego pisma kontynuują samodzielną tradycję Italo Svevo wyrażoną w „Svevo Self-Knowing” Zenona. Oryginalne dzieło Guido Piovene (1907-1974), Carlo Emilio Gaddy (1893-1973) i Elsy Morante (1918-1985), których najważniejsze dzieła, pełne wyjątkowej inspiracji, powstały w okresie powojennym.

Szczególną linię zainteresowań psychologicznych, nieco proustowską, kultywował Giorgio Bassani (1916-2000), a swego rodzaju dekadencki kosmopolityzm można odnaleźć w skomplikowanych opowieściach Mario Soldatiego (1906-1999). Bardzo znani pisarze z tego okresu to Alba De Chespedes (1911-1997), której wczesne prace przypadły na okres faszyzmu; Natalia Ginzburg (1916–1991) i Gina Manzini (1896–1974).

Kolejnym pokoleniem tego okresu są prozaicy Italo Calvino (1923-1985), a zwłaszcza jego powieść Jeśli pewnego dnia zimowa noc podróżny (Se una notte d „inverno un viaggiatore); Pier Paolo Pasolini (1922–1975) i Carlo Cassola (1917–1987). W ich twórczości odbijała się fikcja i fantazja, motywy społeczne i polityczne, a także nowy naturalizm gatunku prowincjonalnego.

Szczególną uwagę pisarzy poświęcono południowym Włochom. Sam Neapol stworzył solidną szkołę utalentowanych prozaików, takich jak Michele Prisco (1920–2003), Domenico Rea (1921–1994), Mario Pomilio (1921–1990) i Rafaele La Capria (ur. 1922). Sycylię reprezentuje gęsto napisana proza ​​Leonarda Sciasa (1921–1989), a także twórczość Giuseppe Tomasi de Lampedusa (1896–1957), którego powieść Lampart(Il Gattopardo) jest znana za granicą znacznie lepiej niż jakakolwiek inna włoska powieść ostatnich lat. Kalabrię reprezentują tacy pisarze jak Fortunato Seminar (1903–1984) i Saverio Strati (1924–2014), a Giuseppe Dessi (1909–1977) z Sardynii z takim szacunkiem i przedstawił swoją wyspę, że to na niego przeszedł płaszcz Grazii Deleddy jedynie jego metoda twórcza została zaprojektowana z myślą o bardziej wymagającym i wyrafinowanym czytelniku.

W okresie powojennym wielu pisarzy włoskich starało się zrekonstruować styl tradycyjnej powieści (wprowadzić do niej nuty rewolucyjne). Pisarze tacy jak Oreste Del Buono (1925–2003), Goffredo Parise (1929–1986), Tommaso Landolfi (1908–1979) i Alberto Arbazino (ur. 1930) próbowali nowych, czasem oszałamiających technik. Jednak, paradoksalnie, najzdolniejszym prozaikiem w tej bardzo młodej grupie był prawdopodobnie Fulvio Tomizza (1935–1999), którego pisma łączą wątki historyczne i osobiste, mają w sobie nutę Pavese i Svevo, a struktura i interpretacja mieszczą się w koncepcji tradycyjna powieść.

Do powieściopisarzy tego okresu zaliczają się inni prozaicy, którzy zajmują się twórczością literacką w innym duchu; wypowiadają się raczej na tematy społeczne i polityczne: powierzchowny i cyniczny komentator Curzio Malaparte (1898–1957); Carlo Levi (1902–1975), autor wnikliwej i nowatorskiej powieści Chrystus zatrzymał się w Eboli; Danilo Dolci (1924–1997), który poświęcił swoje życie krucjacie przeciwko społeczna niesprawiedliwość oraz trudną sytuację zwykłych mieszkańców Sycylii i Primo Leviego (1909–1987), który barwnie opisał swoje życie w niemieckim obozie koncentracyjnym i stworzył jeden z najwspanialszych przykładów literatury na ten temat. Do tej grupy zaliczają się z drugiej strony książka Włosi Luigiego Barziniego (1908–1984), bardzo popularna „rozprawa” o charakterze narodowym rodaków, a z drugiej strony twórczość męczennika politycznego Antonio Gramsciego.

Okres powojenny to wejście poezji włoskiej do głównego nurtu europejskiego (mainstreamu europejskiego). Trio „hermetyczne”, tj. zwolennicy kierunku hermetyzmu, do których zaliczali się Eugenio Montale (1896-1981), Giuseppe Ungaretti (1888-1970) i ​​Salvatore Quasimodo (1901-1968), ma swoje korzenie w okresie przedwojennym. „Hermetyzm” podkreśla formalną doskonałość wiersza – wiersza jako samodzielnego przedmiotu. Jednak przedstawiciele tej grupy zyskali szerokie uznanie po wojnie (np. Quasimodo otrzymał Nagrodę Nobla w 1959 r.). Być może do tego samego nurtu można przypisać Umberto Sabę (1883–1957). Drugą generację fokatorów reprezentują Alfonso Gatto (1909–1976) i Mario Luzi (1914–2005); bardziej niezależne tendencje reprezentowane są w twórczości P.P. Pasoliniego i Cesare Pavese.

Najbardziej charakterystycznym, wyjątkowym i wpływowym dramaturgiem okresu nowożytnego jest Eduardo de Filippo (1900-1984), którego dzieła są bardziej neapolitańskie niż włoskie.

W tym samym okresie odżyło zainteresowanie intelektualnym teatrem symbolicznym dramaturgów Hugo Bettiego (1892–1953) i Diego Fabbriego (1911–1980); ten ostatni napisał kilka obiecujących sztuk. Choć postać odpowiadająca osobowości Croce'a nie pojawiała się w krytyce, to jednak dało się zaobserwować pewne ożywienie w tym obszarze. Francesco Flora (1883–1962), Emilio Cecchi (1884–1966), Luigi Russo (1892–1961) i Attilio Momigliano (1883–1952).



Udział Włoch w I wojnie światowej po stronie Ententy pogłębił już ostre sprzeczności w kraju o zacofanej strukturze społeczno-gospodarczej, odwiecznych nierozwiązanych problemach i biedzie, jakim były Włochy końca XIX wieku. To stymuluje ruch rewolucyjny, prestiż partii socjalistycznej. W 1921 roku we Włoszech powstała Partia Komunistyczna. Jednak rok później do władzy doszedł Mussolini i ustanowił w kraju faszystowski reżim dyktatorski, który wszedł do historii Włoch pod nazwą „Czarna Dwudziestka”. Kultura została podporządkowana polityce i totalitaryzmowi, co doprowadziło do polaryzacji inteligencji, większość który nie akceptował faszyzmu. W ciągu długich lat niewoli powstały „Zeszyty Więzienne”. Antonio Gramsciego(1891-1937), który stworzył podstawy kultury demokracji ludowej i estetyki marksistowskiej.

Wielu pisarzy, którzy nie chcieli śpiewać o faszyzmie, kryło się za koncepcjami „czystej sztuki”, tzw. „prozy artystycznej” i obecnego „hermetyzmu” (wł. poesia ermetica), który rozwinął się pod koniec lat dwudziestych. „Hermetycy” skupieni na kameralnych i subiektywnych doświadczeniach, zaszyfrowanej poetyce. Ich prace charakteryzują się prostą formą. Starali się przede wszystkim wyrazić uczucia, a nie myśli, przekazać ukryty świat stanów mentalnych. Dołączone do „uszczelek” Eugeniusz MONTALE(1896-1981) - laureat Nagrody Nobla w 1975 r., Giuseppe UNGARETTI(1888-1970), Umberto SABA(1883-1957).

Zaszyfrowane obrazy skojarzeniowe są typowe dla „Zabawy rozbitków” (1932) i „Poczucia czasu” (1933) Ungarettiego, „Wypadków” (1939) Montale. Ungaretti ma własne linie, które oddają „hermetyczne poczucie świata”:

Ale moje krzyki ranią jak błyskawica. Ochrypły dzwon nieba I załamuję się z przerażenia. (Przetłumaczone przez E. Solonowicza)

klasyczny tradycja narodowa należy do poezji Umberto Saby, jedynego z wielkich artystów, który umknął awangardowym poszukiwaniom. Jest wierny rzeczywistości, szczęśliwym wymiarom tego, czego doświadczył w dzieciństwie. Jasny, bezchmurny werset poety jest rodzajem ochrony osoby, radości i piękna przed „otchłanią” rozpaczy:

Słowa, w których odbijało się kiedyś ludzkie serce - nagie i zdziwione. Chciałbym znaleźć dla siebie zakątek na świecie, żyzną oazę, w której mógłbym łzami oczyścić Cię z zaślepiających kłamstw. I tam i wtedy stopi się, jak śnieg w słońcu, smutek, który na zawsze pozostanie w pamięci. (Przetłumaczone przez E. Solonowicza)

U początków dojrzałej liryki włoskiej – „Pieśni orfickich” wydanych w 1914 roku KAMPANIE Dino(1885-1932), jedyny zbiór poety, zwany „Włoskim Rimbaudem” ze względu na jego włóczęgostwo i chaotyczny tryb życia.

Poeta Salvatore QUASIMODO(1901-1968), laureat Nagrody Nobla w 1959 r., w latach trzydziestych zajął się poezją, podążając zarówno za hermetyzmem, jak i poezją hellenistyczną, którą tłumaczył (zbiory „Woda i Ziemia”, „Erato i Apollo”). Ostry punkt zwrotny zanotowały jego wiersze z okresu ruchu oporu, w których odzwierciedlił się nowy patos walki partyzanckiej („I nagle nastał wieczór”, 1942; „Życie to nie sen”, 1949). Wiersze Quasimodo są zwięzłe i wyraziste:

Noc się skończyła, a księżyc rozpływa się w lazur i odpływa za kanały. Wrzesień jest tu nieustępliwy, na równinie, a jego jesienne łąki są zielone jak południowe wiosenne doliny. Zostawiłem moich towarzyszy i zakopałem serce w starym murze, aby pamiętać ciebie samego. O, jakże dalej jesteś niż księżyc, teraz, gdy w oczekiwaniu na świt zastukały kopyta po chodniku! (Przetłumaczone przez L. Martynova)

Kultura początku stulecia przezwycięża kryzys wartości moralnych, duchowych i estetycznych. Na ruinach romantycznych ideałów Risorgimento i upadku fundamentów pozytywizmu popularyzuje się filozofia idealistyczna, intuicjonizm i agnostycyzm. Asymilacja idei Nietzschego na ziemi włoskiej ma swoją specyfikę. Ideologia nacjonalistyczna przenika kulturę, zabarwia włoską awangardę, zwłaszcza futuryzm. Duże znaczenie w reorientacji całej kultury włoskiej miała koncepcja estetyczna Benedetta CROCE (1866-1952). W oparciu o postulat „sztuka jest czystą intuicją” sytuowała się pomiędzy intuicjonizmem a pozytywizmem.

Włoska dekadencja, zastąpiona przez awangardę, rozwija się dość intensywnie, jakby próbując dogonić inne kraje europejskie. Przeplatają się w nim sprzeczne tendencje: „poezja krwi i żelaza” jako reakcja na XX wiek i chęć ukrycia się przed chaosem stulecia i hukiem armat w spokojnym, prowincjonalnym życiu. Główne mity i maski dekadencji we Włoszech stworzył Gabriele D.ANNUZIO (1863-1938), poeta, prozaik, dramaturg. Jego opowiadania, które ukazały się pod koniec wieku i zostały opublikowane później pod ogólnym tytułem „Powieści Pescari” (1902) charakteryzują się eklektyzmem, można w nich rozpoznać doświadczenie weryzmu i naturalizmu Zoli, analizę psychologiczną Maupassanta i moralno-psychologiczne zderzenia Dostojewskiego, jest w nich wiele okrutnego fanatyzmu i silne pragnienie wyrafinowanych uczuć.

W powieściach D'Annunzia „Triumf śmierci” (1894) i „Płomień” (1900) mit o nadczłowieku i zdobywcy, który wcześniej znalazł miejsce w jego zbiorach poetyckich („Elegie rzymskie”, 1892) , jest akcentowane. Znakomite przykłady tekstów zawierają najlepszą twórczość poetycką pisarza - cykl „Pieśni chwały nieba, morza, ziemi, bohaterów” (1903-1912), składający się z pięciu tomów. W ostatniej powieści D'Annunzia pt. napisany przed wojną „Może tak, może nie” (1910), dość słaby artystycznie, ale istotny dla zrozumienia ewolucji pisarza, wyrażał podziw dla techniki i szybkości. Od „nadczłowieka” rozkoszującego się atakiem torpedowym, przez oficjalnego poetę faszyzmu, któremu rząd Mussoliniego nadał w 1924 r. tytuł księcia, po idola młodzieży nacjonalistycznej.

Literatura włoska VXX wiek

Literatura włoska odgrywa znaczącą rolę w ogólnoeuropejskim procesie literackim XX wieku. Wkład zaawansowanej literatury i sztuki włoskiej w ciągu ostatniego ćwierćwiecza jest szczególnie znaczący: włoski geniusz artystyczny jest reprezentowany we współczesnej kulturze światowej przez takie nazwiska, jak pisarze Alberto Moravia i Vasco Pratolini, dramaturg Eduardo de Filippo, artysta Renato Guttuso, rzeźbiarz Giacomo Manzu, reżyserzy filmowi Roberto Rossellini, Luchino Visconti, Federico Fellini i inni.

Jednak w XX w miejsce literatury włoskiej w ogólnej panoramie Literatury zachodnioeuropejskie znacząco się zmieniło. Wzloty i upadki Włochów proces literacki były ściśle związane z tymi społecznymi wydarzeniami historycznymi, które je determinowały wspólne losy Włochy.

Istnieje podstawa do ustalenia następującej periodyzacji literatury włoskiej XX wieku: od początku lat 90. XX wieku do Wielkiej Rewolucji Październikowej i końca I wojny światowej; 1918-1922; okres „czarnych dwudziestu lat” faszyzmu (1922-1943); epoka ruchu oporu i pierwsze piętnaście lat powojennych; Lata 60-te XX wieku.

Drogi rozwoju literatury włoskiej pierwszej połowy XX wieku. były trudne. Na długo przed I wojną światową proza ​​i poezja włoska zaczęły doświadczać symptomów kryzysu. Od początku stulecia tradycja powieści społecznej stopniowo wymiera; rośnie wpływ dekadencji zachodnioeuropejskiej; literatura reakcji imperialistycznej rodzi się w osobie Gabriele D'Annunzio i jego naśladowców. Włoscy awangardziści, którzy pod koniec lat 90. głośno deklarowali się jako odnowiciele zrujnowanych kanonów literackich, okazali się zwiastunami kultu maszyny, brutalnej siły, idei militarystycznych i zwiastunami faszyzmu.

Wojna 1914-1918 doprowadziło do upadku wielu złudzeń humanistycznych, do szerzących się w kulturze włoskiej tendencji szowinistycznych. Włoska inteligencja twórcza wyszła z tej epoki zdezorientowana, utraciła wiarę w stare wartości moralne i kulturowe, ale nie zyskała nowej perspektywy. Poszukiwania prawd duchowych przez burżuazyjnych pisarzy włoskich ograniczały się w tamtych latach do wąskiej sfery psychologiczno-estetycznej. Tak więc udana powieść pisarza Italo Zvevo (1861–1928) „Świadomość Zenona” (1924) jest w całości zbudowana na introspekcji, zrywa z obrazem prawdziwego świata zewnętrznego.

W najostrzejszej sytuacji społeczno-politycznej początku lat dwudziestych we Włoszech, kiedy siły rewolucyjnego ruchu robotniczego walczyły z rosnącym zagrożeniem faszyzacją kraju, czołowi pisarze włoscy, zjednoczeni wokół wpływowego pisma Ronda, wzywali do opuszczenia kraju od „aktualności”, wracając do tematu i form klasycznych próbek literatury XIX wieku. Dlatego faszyzm, dochodząc do władzy jesienią 1922 r., uznał literaturę włoską za ideologicznie bezbronną. Mussolini i jego klika nie zwlekali z rozpoczęciem prześladowań lewicowej inteligencji demokratycznej. Faszystowskie „ustawy nadzwyczajne” z 1926 r. zakazały działalności młodej Komunistycznej Partii Włoch, wszelkich stowarzyszeń opozycyjnych i organów prasowych, stawiając myśl i kulturę antyfaszystowską na pozycji przestępczych „elementów wywrotowych”.

Dwadzieścia lat dominacji faszyzmu wywarło szkodliwy wpływ na literaturę włoską, odizolowało ją od głównych problemów społecznych, co doprowadziło do fragmentacji i stagnacji. Oficjalna ideologia faszystowska ze swoją reakcyjną demagogią nie była w stanie przyciągnąć utalentowanych sił twórczych. Inteligencja włoska nie chciała iść na służbę faszyzmowi, ale odcięta od życia ludu przeżyła poważny kryzys ideologiczny i twórczy. Nie chcąc śpiewać o faszyzmie, wielu pisarzy zajmuje się „sztuką dla sztuki”. Dla tak zwanej „prozy artystycznej” tamtych lat charakterystyczna jest jedynie umiejętność formalna. W poezji końca lat dwudziestych XX wieku pojawił się tzw. nurt „hermetyzmu”. Nazwa mówi sama za siebie: poezja „hermetyczna” zamknięta jest w kręgu subiektywno-lirycznych przeżyć, zakodowanych w skojarzeniowych obrazach. Do poetów „hermetycznych” zaliczały się wielkie talenty: Eugenio Montale (ur. 1896), Giuseppe Ungaretti (1883–1970), Umberto Saba (1883–1967). Tworzyli wiersze pełne głębokiego liryzmu, tragicznego sensu życia, ale niedostępne dla percepcji szerokiego czytelnika ze względu na złożoność środki wyrazu. Charakterystyczne są już same nazwy niektórych tomików poezji: Radość z wraków statków Ungarettiego, Muszle mątwy Montale’a.

Iluzorycznym sposobem przekształcania „antypoetyckiej” rzeczywistości był kierunek „realizmu magicznego”, na którego czele stał Massimo Bontemnelli (1878-1960). „Realizm magiczny” starał się zasypać granicę między rzeczywistością a fantastycznością, łącząc fantazję z realistycznymi szczegółami.

Weto narzucone przez faszyzm wobec prawdziwego obrazu życia ludowego doprowadziło do zerwania we włoskiej literaturze „Czarnej Dwudziestki” z jedną z najbardziej owocnych tradycji prozatorskich przełomu XIX i XX wieku. - z tzw. szkołą „weryzmu” (vero – prawdomówny, prawdziwy). „Verismo” w osobie swoich najlepszych przedstawicieli – Giuseppe Vergi, Matilde Serao, Grazii Deledd, Luigiego Capuany i innych – realistycznie przedstawił ciężkie życie ludu pracującego we Włoszech. Najważniejszym kontynuatorem tradycji „werystycznej” we włoskiej literaturze XIX wieku był Luigi Pirandello (1867-1936). Jednak w jego twórczości jeszcze przed 1914 r. (zbiór opowiadań „Powieści na rok”, wydawana od 1901 r., powieść „Późno Mattia Pascal”, 1904) narastały ponure, pesymistyczne nastroje, poczucie beznadziejnej samotności.

Bezsens życia, całej ludzkiej egzystencji brzmi jak motyw przewodni powieści Pirandello Przędzenie* (1916). W bolesnej atmosferze faszyzmu pogłębia się tragizm postawy Pirandello: przychodzi pisarz

do koncepcji niepoznawalności życia, nieuchwytności jakiejkolwiek prawdy. Człowiek nie może nawet zrozumieć siebie, ponieważ jego wewnętrzny świat jest zbiornikiem sprzecznych namiętności i impulsów. Ten agnostycyzm, połączony z nienawiścią pisarza do zatęchłego, świętoszkowatego, mieszczańskiego stylu życia, objawia się z wielką intensywnością w oryginalnych sztukach Pirandella, powstałych w latach 1917-1929. Sława dramaturga Pirandella przyćmiła sławę prozaika Pirandella .

Już w pierwszej sztuce nowego okresu Pirandello (zwrócił się do teatru w czasie I wojny światowej) pesymistyczne credo pisarza znalazło pełne odzwierciedlenie. Tytuł tego dramatu – „Tak jest – jeśli tak ci się wydaje” (1917, poprawiony w 1925) – można potraktować jako motto do niemal wszystkich jego kolejnych dramatów. Poprzez usta jednego z bohaterów, pełniącego rolę rzecznika autora, Pirandello pokazuje, że relacji, jakie powstały pomiędzy urzędnikiem Ponzą, jego żoną i teściową, nie da się wytłumaczyć prawdziwą logiką. Ponza i jego teściowa uważają się nawzajem za szaleńców: teściowa uważa swoją żonę za swoją córkę, która według Ponzy zmarła dawno temu. A młoda kobieta jakby nie ma własnego prawdziwego „ja”, nazywając siebie „tą, za którą każda z nich mnie uważa”.

W dramacie Pirandello Sześć postaci w poszukiwaniu autora (1921), który przyniósł mu światową sławę, temat niepoznawalności wewnętrznego świata człowieka łączy się z tematem sztuki. W sześcioosobowej rodzinie życie duchowe każdego z nich jest obce i niezrozumiałe dla pozostałych. Każdy nosi swego rodzaju „maskę uczuć”, odpowiadającą zewnętrznym formom życia. „Każdy z nas na próżno wyobraża sobie siebie niezmiennie jako jeden, cały, podczas gdy pozorów mamy tysiąc i więcej” – mówi ojciec rodziny. Rodzina przychodzi do teatru z prośbą o urzeczywistnienie swojego dramatu na scenie: być może wtedy prawda i prawdziwość zbiegną się, uratuje ich przed tragicznym nieporozumieniem. Wcześniej sztuka okazuje się bezsilna, aby pokazać całą wszechstronność człowieka i zapobiec ponuremu rozwiązaniu rodzinnego dramatu.

Temat separacji, wyobcowania człowieka od siebie i od innych nierozerwalnie łączy się w najlepszych sztukach Pirandella z obrazem okrutnej rzeczywistości społecznej. Złudzenia, jakie tworzy dla siebie bohater Pirandello, okazują się daremną próbą ukrycia się przed fałszywością burżuazyjnej moralności, przed prawdziwą biedą i niesprawiedliwością. Tak więc w sztuce „Naga sukienka” (1922) biedna, samotna dziewczyna Ersilia, oszukana przez ludzi, zdezorientowana i dopuściła się brzydkiego czynu, w którym mocno żałuje, chce umrzeć, pozostawiając po sobie legendę czystości. Jednak szaty pięknego kłamstwa zdzierają z niej ciekawscy, chcący dotrzeć do sedna „prawdy”. Jednocześnie jej oskarżyciele zostają mimowolnie zdemaskowani, ukrywając się także w łachmanach szlachetnych uczuć. Ale ci, którzy mają więcej szczęścia, zachowują spokój ducha, ponieważ każdy z nich zdążył już przystosować się do życia. A Ersilia, odrzucona na bok, wyrzutek, umiera, „nie mogąc się ubrać”.

W tragedii „Henryk IV” (1922) bohater, który przeżył głęboki szok moralny, udaje szaleńca, który wyobraża sobie, że jest cesarzem niemieckim Henrykiem IV. Próbuje ukryć się pod maską średniowiecznego króla, żyć ze swoimi nieistniejącymi już zmartwieniami i uczuciami. Ale nawet to iluzoryczne wyjście zostaje mu odebrane przez dawnych wrogów, którzy w jego „szaleństwie” widzą odbicie prawdziwe fakty. W spektaklu „Życie daję ci” (1923) matka, która utraciła Syna, nie jest w stanie mocą własnego ducha zachować dla siebie obrazu zmarłego.

Bohater Pirandello jest zatem nadal osobą cierpiącą, pędzącą, głęboko wpisaną w codzienność społecznej egzystencji. Ale dla pisarza idealisty ta historycznie zdeterminowana rzeczywistość staje się odwieczną kategorią filozoficzną.

W poszukiwaniu przezwyciężenia ludzkiej alienacji Pirandello raz po raz powraca do tematu sztuki, do teatru. Głęboko niepokoiły go same zasady działania, mające na celu ujawnienie wewnętrznej niekonsekwencji człowieka. Pirandello stworzył swego rodzaju trylogię „teatru w teatrze”, której pierwszą częścią była sztuka „Sześć postaci w poszukiwaniu autora”. W dwóch kolejnych sztukach o teatrze dramatopisarz odnajduje jednak w akcji teatralnej ten środek komunikacji międzyludzkiej, który jest w stanie potwierdzić prawdy moralne. Tak więc w spektaklu „Każdemu na swój sposób” (1924) bohaterowie teatralni pomogli dwóm prawdziwym bohaterom dramatu życiowego uświadomić sobie swoje uczucia, zaakceptować dla siebie wniosek zaproponowany przez aktorów na scenie. „Zrobili to, czego oczekiwała sztuka” – mówi jeden z „widzów” spektaklu.

W jednym ze swoich najbardziej przejmujących i innowacyjnych dramatów „Dziś improwizujemy” (1929) Pirandello powraca z zamkniętego problemy psychologiczne do żywej rzeczywistości - życia ich rodzinnej Sycylii okrutna moralność i uprzedzenia, zniszczony „kodeks honorowy”. Bohaterka, młoda kobieta Mami, marnieje w zamkniętym domu męża, który dręczy ją zazdrością, wyrzuca niemoralne zachowanie jej sióstr, które zostały piosenkarkami. Zabrania mamie śpiewania; ale siła sztuki podbija ten zatęchły świat – wygrywa kosztem życia Mamy. Fabuła spektaklu splata się z ogólnymi wyobrażeniami Pirandella o celach i formach sztuki, jakie formułuje jeden z bohaterów – wyimaginowany reżyser.Aktorzy rzekomo improwizujący, odrywając się od tekstu autorskiego, wprowadzają widza w system aktorski.

Pirandello radykalnie unowocześnił teatr włoski, wprowadził tam głębokie, uniwersalne problemy. Najlepsze dramaty Pirandello to nie filozoficzne abstrakcyjne schematy, ale głębokie tragedie cierpiących ludzi.

Faszyzm na wszelkie możliwe sposoby próbował rościć sobie „prawa własności” do Pirandello, jedynego włoskiego pisarza lat dwudziestych i trzydziestych XX wieku, który zdobył światową sławę. Jednak wewnętrzny patos twórczości Pirandello, jego tęsknota za wartościami humanistycznymi zdeptanymi przez okrutne życie, wiara w oczyszczającą moc sztuki – wszystko to oczywiście nie należało do faszystowskiej demagogii, ale do prawdziwego wysokiego poziomu narodowego kulturę Włoch.

Tylko nieliczni pisarze włoscy w okresie dyktatury faszystowskiej przełamali się do tematu społecznego, co w tych przypadkach niezmiennie wiązało się z potępieniem faszyzmu. To właśnie w tych latach zostały określone główne problemy twórczości jednego z najwybitniejszych współczesnych pisarzy włoskich, Alberta Moravii (ur. 1907). Karierę literacką rozpoczął powieścią Obojętny (1929), która od razu przyniosła sławę jej autorowi.

W tej powieści mistrzostwo analizy psychologicznej właściwe talentowi Moraw nabrało już społecznego, antyfaszystowskiego zabarwienia. „Obojętni” to przedstawiciele uprzywilejowanych warstw włoskiego społeczeństwa, niemoralni, cyniczni, obojętni na dobro i zło. Główny bohater powieści Gino z całkowitą apatią obserwuje upadek swojej siostry, zepsutej przez kochanka swojej matki. Gino nie czuje żadnej urazy, żadnego wstydu (żyje ze środków mężczyzny), żadnej chęci zemsty i buntu. Ukazując tę ​​utratę kryteriów moralnych wśród burżuazyjnej młodzieży lat dwudziestych XX wieku, którą faszystowscy hakerzy wychwalali wówczas jako „pokolenie nowych Rzymian”, Morawy wystąpiły obiektywnie jako demaskujący duchowe zepsucie, jakie niósł ze sobą faszyzm.

W latach trzydziestych Morawy nie poruszał jednak w swojej twórczości konkretnych tematów społeczno-politycznych, zagłębiając się coraz bardziej w psychologię „obojętnych” – burżuazji, intelektualistów, urzędników, piętnując ich oportunizm, duchowy chłód. W tych latach w cyklu alegorycznych opowiadań Morawy (zbiór Epidemia, 1944) można usłyszeć sceptycyzm, niewiarę w postęp społeczny, motyw absurdu świata. Pisarz nie jest w stanie uciec od otaczającej go dusznej atmosfery.

Nastroje antyfaszystowskie zostały wyraźniej wyrażone w literaturze włoskiej pod koniec lat trzydziestych XX wieku pod wpływem walki narodu hiszpańskiego z faszyzmem oraz jako protest przeciwko imperialistycznym działaniom Włoch w Abisynii. Moravia tworzy w tym czasie ostro satyryczną powieść „Maskarada”, w której pewien latynoamerykański dyktator zostaje dość przejrzyście ośmieszony. Powieść została wydrukowana we Francji, gdzie Morawy mieszkały na początku lat 40. XX wieku.

Najwyższym osiągnięciem prozy włoskiej w przededniu II wojny światowej była książka pisarza Elio Vittoriniego (1908-1966) Rozmowy sycylijskie, pisana w latach 1938-1941. W tym oryginalnym w swoim gatunku utworze orientacja antyfaszystowska łączy się ze zwrotem w stronę tematyki ludowej, choć pod wieloma względami nadal ma ona charakter warunkowy. Rozmowy sycylijskie to opowieść o na wpół realnej, na wpół alegorycznej podróży autora-narratora do ojczyzny, na Sycylię, dokąd udaje się z niejasną nadzieją uwolnienia się od poczucia „abstrakcyjnej wściekłości”, jakie napawa go codziennością.

Zwykli ludzie spotykani na swojej drodze stają się symbolicznymi obrazami, które towarzyszą pisarzowi w myślach. Opuszczona, głodująca sycylijska wioska zamienia się w uosobienie ojczyzny, zbezczeszczonej, znieważonej, skrywającej ukryty gniew. Z imponującą siłą zapisano w książce obraz Matki, który zawiera także symboliczne uogólnienie: cierpiąca wieśniaczka jest żywym protestem przeciwko faszyzmowi, który wysyła chłopscy synowie na śmierć w niesprawiedliwej wojnie podboju w Abisynii.

Książka napisana jest „językiem ezopowym”; pisarz ucieka się do podpowiedzi, przeoczeń, pozostawia wiele w podtekście, korzystając z doświadczeń stylistycznych Hemingwaya. Niemniej jednak dla czytelników włoskich protest zawarty w Rozmowach sycylijskich przeciwko faszystowskiej dyktaturze, która w równym stopniu tłumi życie ludu, jak i życie duchowe inteligencji, był jasny. Głębokim zadaniem książki było przede wszystkim rozwiązanie problemu intelektualisty, próba znalezienia na niego wyjścia. I chociaż odpowiedź została podana w „Rozmowach sycylijskich” w formie warunkowej, symbolicznej, to jednak jej znaczenie polega na zdobyciu kontakt duchowy z ludźmi.

W 1937 r. po 11 latach najcięższego więzienia zmarł w faszystowskim lochu założyciel i przywódca Włoskiej Partii Komunistycznej Antonio Gramsci. Dopiero po zakończeniu drugiej wojny światowej naród włoski i cały świat dowiedział się o „Notatnikach więziennych” Gramsciego – studiach historyczno-filozoficznych, literacko-estetycznych, które tworzył w więzieniu. Dzieła literackie Gramsciego, zebrane w tomie „Literatura i życie narodowe”, rozwijają ważne dla kultury włoskiej problemy estetyki marksistowskiej w jej narodowo-historycznej interpretacji.

Gramsci wprowadza do swojej teorii estetycznej pojęcie „ludu narodowego” (nazionale-popolare), rozumiejąc przez to kulturę ściśle związaną z najważniejszymi problemami życia ludowego. „Dzieło sztuki jest popularne, gdy jego treść moralna, kulturowa, psychologiczna jest bliska moralności, kulturze i odczuciom narodu, rozumianego nie jako coś statycznego, ale będącego w ciągłym rozwoju” – pisał. Gramsci podkreślał, że przed Włochami stoi jeszcze zadanie stworzenia takiej prawdziwie ludowo-narodowej literatury i sztuki, gdyż „włoska inteligencja jest daleka od ludu i związana jest z tradycją kastową”.

Z tych stanowisk Gramsci krytykował włoską kulturę burżuazyjną okresu faszyzmu, biczując jej sceptycyzm, oddzielenie od życia ludzkiego, demaskując demagogię faszystowskich hacków z ich niemoralnością i kultem siły jako „nowej wartości”. Powiązał powstanie zaawansowanej kultury włoskiej z nadchodzącym potężnym ruchem ludowym, w oparciu o który zniwelowany zostanie przepaść pomiędzy inteligencją a masami.

Znaczenie idei Gramsciego dla rozwoju współczesnej kultury włoskiej jest ogromne; ich rosnący wpływ znalazł odzwierciedlenie w całym życiu intelektualnym kraju okresu powojennego.

Prawdziwość idei Gramsciego potwierdziła sama historia. Antyfaszystowski opór, który rozwinął się w latach 1943-1945, zakończył się 25 kwietnia 1945 r. ogólnokrajowym powstaniem przeciwko faszystom i hitlerowskim okupantom. Pomógł upadek reżimu Mussoliniego, utworzenie szerokiego frontu ludowego oporu najlepsze siły kulturę włoską, aby wyszła z duchowej tuniki, aby znaleźć źródło inspiracji w ludziach i ich zmaganiach. W walce antyfaszystowskiej zniszczono bariery między narodem a inteligencją, która w przeważającej mierze brała udział w ruchu oporu.

W trudnym codziennym życiu ludzi, oświetlonym płomieniami walki antyfaszystowskiej, pisarze włoscy dostrzegli prawdziwą treść historyczną. Przedstawianie rzeczywistości, otoczenia ludzi, powrót do tematów społecznych, wyzwolenie z formalistycznych kanonów „hermetyzmu” – to główne zmiany estetyczne, jakie epos ruchu oporu wniósł do literatury włoskiej. Zwrot ten znalazł swoje artystyczne ucieleśnienie w dziełach, które ukazały się we Włoszech już w pierwszych latach po zakończeniu wojny, a następnie pogłębił się i utrwalił w latach 59., głównie w bogatej i różnorodnej prozie włoskiej.

W pierwszej powojennej dekadzie do literatury włoskiej wkroczył strumień nowych, młodych sił. To pokolenie poczuło potrzebę opowiedzenia przede wszystkim o doświadczeniu ruchu oporu, o bestialstwie nazistów, o życiu partyzantów. Te tematy zajęły czołowe miejsce w powojennych powieściach i opowiadaniach, w prozie wspomnieniowej i scenariuszach filmowych. Takimi są „Ludzie i nieludzie” Wittorscha (1945), który opowiada o wielkim poświęceniu antyfaszystów przeciwstawiających się „nieludziom”, złym i głupim nazistom. Takie są powieści „Agnese idzie na śmierć” (1949) Renaty Vigano, „Fausto i Anna” (1952) Carlo Caesoli, opowiadanie „Ścieżka pająków” (1949) Italo Calvino, opowiadania Marcello Venturiego i wiele innych. Pisarze sięgali także do obrazu niedawnego, minionego – okresu faszyzmu, próbując ukazać ciężki los ludzi w latach „Czarnej Dwudziestki” i nieustannego ruchu oporu („Chrystus zatrzymał się w Eboli” Carlo Leviego , 1945, „Starzy towarzysze” Carlo Caesoli, 1953, „Speranza” Silvia-Maggi Bonfanti, 1954, Ziemie Sacramento Francesco Iovine, 1950, powieści Vasco Pratoliniego).

Od początku lat pięćdziesiątych temat współczesności, problemy życia i pracy zwykłego narodu włoskiego, „kwestie sumienia”, które nurtują włoską inteligencję w powojennym świecie, coraz bardziej dominują w literaturze włoskiej od początku lat pięćdziesiątych XX wieku. Życie biednych Neapolu poświęcone jest powieściom i opowiadaniom Dome-daco Rea („Co widział Cummeo”, 1956), sztukom Eduardo de Filippo („Milioner Neapolu”, 1945, „Filumena Marturano”, 1947 , „Leży na długich nogach”, 1948 itd.). O losach młodych ludzi pisze K. Kassola w Powojennym małżeństwie (1957); przyczyny nieszczęść chłopskich i miejskich bezrobotnych na Sycylii odkrywa Danilo Dolci w reportażach dokumentalnych „Bandyci w Partiniko” (1955), „Śledztwo w Palermo” (1956). Eseje K. Levy'ego „Słowa-Kamienie” (1955) ukazują wzrost świadomości zwykłych ludzi, którzy powstają, by walczyć o swoje prawa, pokonując zamrożone obyczaje i uprzedzenia. Ostre problemy moralne i etyczne stojące przed inteligencją w kontekście stabilizacji włoskiego kapitalizmu porusza I. Calvino w opowiadaniach Construction Speculation (1957) i Smog Cloud (1958).

Pomimo różnic w poglądach politycznych i sposobie artystycznym, wszystkich tych pisarzy łączy wspólne stanowisko estetyczne i obywatelskie; chęć realistycznego pokazania włoskiej rzeczywistości, oceny teraźniejszości i przeszłości swojego kraju na podstawie losów zwykły człowiek, twórca historii. Tak narodził się we włoskiej literaturze i sztuce na przełomie i pierwszego ruchu oporu. lata powojenne, kierunek neorealizmu. Neorealizm był jednocześnie powrotem do tradycji realistycznej, wywodzącej się z nurtów modernistycznych lat 20. i 30. XX w., które nie były w stanie unieść „ciężaru” ruchu oporu; jednocześnie był realizmem nowych czasów, starając się ukazać nowoczesny mężczyzna i rzeczywistość, która ją kształtuje. Neorealistyczna literatura, kino i sztuki piękne Włoch były ważnym etapem w rozwoju narodowej tradycji realistycznej, wielkim osiągnięciem kultury włoskiej, która umieściła ją na awangardowym miejscu w Kultura zachodnioeuropejska lata powojenne.

Choć włoski neorealizm w literaturze nie był bynajmniej jednorodny ani pod względem artystycznym, ani pod względem teoretycznym, to jednak „wspólne pochodzenie” nadało tej literackiej polifonii pewien ogólny ton.

Włoski neorealizm lat 40. i 50. XX w. można scharakteryzować jako nurt antyfaszystowski, demokratyczny, stwarzający problemy społeczne w ich narodowej, włoskiej odsłonie, przesiąkniętej nastrojem humanistycznym, wiarą w siłę solidarności ludowej, w wysokim cechy duchowe prosta osoba. Pisarze neorealistyczni starali się uwolnić literaturę włoską od klerykalnego obskurantyzmu, od prowincjonalizmu i naśladownictwa, od niejasności języka poetyckiego.

Neorealizm jest autobiograficzny. Dokumentalne autentyczne epizody wojny, okupacji hitlerowskiej, walk partyzanckich zostały ubarwione liryczną intonacją narracji. Historia głównego bohatera opowieści Calvino i Cassoli, Pratoliniego i Bonfantiego w dużej mierze ucieleśniała ścieżkę życia i ewolucję samych autorów w latach ruchu oporu. Taki „dokument liryczny” był wyraźnym narzędziem metodologicznym neorealizmu: bohater, a wraz z nim autor „realizuje się”, wybiera swoją drogę pośród naprawdę strasznych wydarzeń, starć społeczno-historycznych, a nie w wąskim kręgu doświadczeń psychologicznych. „Dokument liryczny” to swego rodzaju znacznik czasu we włoskim neorealizmie, który miał na celu odczuć na nowo, przepuścić przez siebie te wydarzenia z życia ludzkiego, które pozostawały poza literaturą „Czarnej Dwudziestki”.

Neorealizm charakteryzuje się odwołaniem do nowego kręgu bohaterów. Są to prości ludzie, których przedstawia się nie ze smutną litością, ale z poczuciem dumy ze swoich mocnych stron i możliwości. Początkowo obrazy te pojawiały się jedynie na rysunku zewnętrznym, a potem zaczęły nabierać głębi i wszechstronności. Tak więc bohaterka powieści Renaty Viganò, stara wieśniaczka Agnese, która przyszła do oddziału partyzanckiego pod wpływem nagłego impulsu, stopniowo uświadamia sobie wzniosłe cele walkę wyzwoleńczą i bez wahania oddaje w niej swoje życie. Takimi są „starzy towarzysze” z opowieści K. Kassola – podziemni komuniści, którzy w najbardziej ponurych latach faszyzmu nie stracili wiary w nadchodzące zwycięstwo. Bohaterowie esejów Leviego „Słowa-Kamienie”, odważna Speranza z opowiadania Bonfantiego, przeżywają trudną formację charakterów w toku dramatycznych wydarzeń, których są uczestnikami. To prawda, że ​​​​bohater narracji neorealistycznej nie zawsze urasta do skali typowej postaci.

Z pojawieniem się nowego bohatera ściśle wiąże się kolejna cecha neorealizmu – jego humanizm i optymizm, chęć ukazania wielkiej siły solidarności ludowej – temat, który przenika wiele książek o wojnie partyzanckiej i walce o lepszą przyszłość w post-realizmie. wojna, Włochy. Motyw ten wybrzmiewa z wielką siłą w wielu włoskich filmach neorealistycznych z lat 50. (Droga Nadziei, Dziewczyny z Placu Hiszpańskiego, Gorzki ryż, Dwa grosze nadziei).

Neorealizm tchnął nowe życie we wszystkie gatunki literatury. Powieść odrodziła się jako epicka narracja o wydarzeniach i czynach ludzi, a nie jako „strumień świadomości”. Eduardo de Filippo (ur. 1900) w swoich komediach starał się łączyć tradycje włoskiego teatru dialektycznego z dramaturgią psychologiczną Pirandella.

Poezja stopniowo uwalniała się od „hermetycznej” złożoności. Poeta Salvatore Quasimodo (1901-1970), zaczynając jako „hermetyk”, w okresie ruchu oporu zwrócił się do rzeczywistości (zbiór Dzień po dniu, 1947, w którym zebrano jego antyfaszystowskie wiersze z okresu walk wyzwoleńczych ). Quasimodo śpiewa o wyczynie partyzantów, w jego wierszach rozbrzmiewa motyw obywatelski, potwierdza wiarę w autentyczne wartości żywe (zbiory „Życie nie jest snem”, 1949, „Ziemia niezrównana”, 1958). Poeta Pier-Paolo Pasolini (ur. 1922) czerpie nadzieję z życia rzymskich robotników na obrzeżach nadchodzącego wyzwolenia ludu pracującego, całej ludzkości (wiersz „Prochy Gramsciego”, 1957).

Poeta i gawędziarz Gianni Rodari (ur. 1920) tworzy nową literaturę dziecięcą, przepojoną duchem prawdy życiowej, wolną od klerykalnej moralności i drobnomieszczańskiego sentymentalizmu. W poezji Rodariego („Księga wesołych wierszy”, 1951, „Wiersze w niebie i na ziemi”, 1960 itd.) widać bliskość włoskiego folkloru dziecięcego. Jego baśnie Przygody Cipollino (1951), Podróż Błękitnej Strzały (1957) i wiele innych łączą w sobie dowcipny humor, satyrę społeczną i wiarę w lepszą przyszłość dla wszystkich dzieci świata.

Wielkim podbojem neorealizmu była prostota i przejrzystość języka, powszechne użycie mowa ludowa zarówno w prozie, jak i w poezji. To właśnie dzieła neorealistyczne, ze wszystkimi ich zaletami i wadami, wyznaczyły oblicze literatury włoskiej drugiej połowy lat czterdziestych i pięćdziesiątych XX wieku.

Jednym z najwybitniejszych przedstawicieli prozy neorealistycznej jest pisarz Vasco Pratolini (ur. 1913).

Pratolini urodził się we Florencji, w biednej rodzinie, wcześnie rozpoczął życie zawodowe, uczył się z przerwami. Pratolini zaczął pisać pod koniec lat trzydziestych XX wieku, ale prawie nigdy nie publikował w czasach faszyzmu. Talent pisarza, aktywnego uczestnika ruchu oporu, ujawnił się po zakończeniu II wojny światowej.

Twórczość Pratoliniego opierała się na materiale autobiograficznym: życiu biednych w jego rodzinnej dzielnicy, rodzinnym mieście. W okresie ruchu oporu horyzonty pisarza poszerzyły się: temat walki antyfaszystowskiej wpada do „kroniki rodzinnej”, podsycanej liryzmem i poezją, pieśń przyjaźni i solidarności nabiera społecznego patosu.

Pratolini stara się spojrzeć na losy swojego pokolenia w perspektywie historycznej. W powieści Dzielnica (1945) przedstawia życie i trudne ścieżki młodych mężczyzn i kobiet z robotniczej dzielnicy Florencji lat trzydziestych XX wieku, w zatrutej atmosferze faszyzmu. Książka przepojona jest głęboką wiarą w żywotność tej młodzieży, w jej przyszłość, którą – w miarę jak bohaterowie książki stopniowo zaczynają pojmować – będą musieli „pokonywać barykady”, jak powietrze i słońce.

Najlepsza powieść Pratoliniego, Opowieść o biednych kochankach (1947), która przyniosła mu europejską sławę, opowiada o losach jego rodzinnej Florencji w mrocznym okresie otwartego faszystowskiego terroru w latach 1925-1926. Autor rysuje codzienne życie mieszkańców małej uliczki przy Via del Corno, zamieszkanej przez ludzi pracy. W ich smutkach i radościach, uczuciach i czynach wyłania się żywy i piękny obraz narodu, bogaty i wieloaspektowy charakter narodowy, który łączy w sobie ludzką godność, odwagę i dobroć, optymizm i niezłomność. Via del Corno staje się niejako bohaterem zbiorowym, w którym oczywiście są też ciemne strony generowane przez biedę i ignorancję, ale przeważa wysokie poczucie sprawiedliwości i człowieczeństwa. To właśnie nie pozwala Via del Corno zaakceptować faszyzmu z jego ideologią przemocy i skorumpowanej moralności.

Ale w powieści Pratoliniego są bohaterowie wyższego szczebla, w których osobistym losie kondensuje się historyczny los ludu. Przede wszystkim jest to kowal Corrado, nazywany Maciste („siłaczem”), u którego cechy ludowego, narodowego charakteru łączą się z wysokim ideałem społecznym i wolą walki. Maciste jest komunistą, a jego oddanie wielkiej sprawie czyni go zdolnym do bohaterskiego czynu. „Straszna noc” wkracza w codzienne życie Via del Corno: uzbrojeni faszyści przemierzają miasto, rozprawiając się z postępowymi postaciami. Machiste ściga się na motocyklu z ulicy na ulicę, ostrzegając przed niebezpieczeństwem. Czarne koszule zabijają odważnego antyfaszystę. Życie i śmierć Corrado jest przykładem dla innych, dla młodych ludzi z Via del Corno – Hugo i Gesuiny, Mario i Mileny, którzy po „ Straszna noc zrozumieli, po której stronie leży prawda. Przekonanie o ostatecznym zwycięstwie ludu, pomimo chwilowego triumfu sił ciemności, stanowi ideologiczny patos powieści. Epos Ruchu Oporu pomógł pisarzowi spojrzeć na tragiczne wydarzenia z przeszłości z właściwej perspektywy i osiągnąć artystyczne wyżyny realistycznego uogólnienia.

Po kilku utworach poświęconych życiu ludowemu powojennych Włoch Pratolini w powieści Metello (1955) powraca do obrazu przeszłości, próbując ukazać w historii Włoch nosicieli prawdziwego postępu. Bohaterem powieści jest młody robotnik Metello, który na początku XX wieku przewodził generalnemu strajkowi budowlanemu we Florencji. Zarówno temat dzieła, jak i jego centralny charakter były materiałem zupełnie nowym dla literatury włoskiej; Nowatorska była także sama koncepcja tego, co zostało przedstawione – przedstawienie biegu historii poprzez walkę klasy robotniczej i kształtowanie jej samoświadomości. Pomysł ten znalazł przekonujące artystyczne wcielenie w całej powieści. Uroczy jest obraz młodego, pracującego chłopca Metello, który przechodzi przez szkołę życia i solidarności zawodowej na rusztowaniach. Organizowany przez niego strajk kształtuje charakter jego samego, jego żony Ersidii i wielu innych osób. W tym sensie powieść Pratoliniego jest powieścią „edukacji sensorycznej”. Publiczność jest w nim nierozerwalnie związana z osobistymi doświadczeniami, co wnosi bogactwo i kompletność do wewnętrznego świata bohaterów. Wszystkie te niezwykłe dla tradycji włoskiej sukcesy artystyczne na materiale życiowym uczyniły „Metello” pewnym kamieniem milowym w rozwoju literatury lat 50. Wokół powieści rozgorzały dyskusje czytelników i krytyczne.

Ale jednocześnie książka Pratoliniego ujawniła pewne istotne „wrodzone wady” neorealizmu: niemożność powiększenia wydarzeń, odejścia od kroniki. Sam Metello jest bardziej „typem przeciętnym” niż uogólnioną typową postacią. Jego wizerunek jest mniej znaczący niż wizerunek Maciste’a, chociaż zgodnie z intencją autora musiał on ponieść duży ciężar.

„Metello” Pratolini był niejako ucieleśnieniem „sufitu” neorealizmu jako metody, która w drugiej połowie lat 50. wykazywała wyraźne symptomy kryzysu. Zmieniona sytuacja społeczno-historyczna we Włoszech, ugruntowanie się w nich dominacji kapitału monopolistycznego, wymagała od pisarzy postępowych jaśniejszych stanowisk ideologicznych. Ogólny nastrój demokratyczny, wiara w solidarność ludu i siłę podstaw moralnych ludu okazały się niewystarczające dla zrozumienia nowych procesów społecznych. Niejasność poglądów społeczno-politycznych doprowadziła wielu pisarzy neorealistycznych do zamętu, niemożności artystycznego opanowania nowej rzeczywistości; w ich pracy zabrzmiały nuty rozczarowania; niektórzy zaczęli „wzbogacać” swoją paletę technikami modernistycznymi; niektórzy ucichli na chwilę.

Postępowa krytyka włoska słusznie zwracała uwagę, że realistyczna wizja świata nie mieści się już w ramach neorealizmu, że literatura podeszła do poszukiwania nowych sposobów odzwierciedlenia bardziej złożonej rzeczywistości.

Lata sześćdziesiąte XX wieku. pokazało, że neorealizm, który niewątpliwie odegrał ogromną rolę w rozwoju literackim Włoch, nie wyznacza już głównego nurtu literatury.

Problem relacji pomiędzy tzw. społeczeństwem „neokapitalistycznym” a człowiekiem stał się najbardziej dotkliwy w literaturze włoskiej ostatniej dekady. Dylemat ten ujawnia się w literaturze przede wszystkim od wewnątrz, ukazując wewnętrzny świat jednostki. Ten trend w literaturze przejawia się w przeniesieniu zainteresowań na kompleks moralno-psychologiczny współczesnego człowieka. Jednakże, biorąc pod uwagę duchowe wartości ludzkie, realizm włoski na obecnym etapie pozostaje zdecydowanie społeczny. To z pewnością wpływa na „zaczyn” ruchu oporu i doświadczenie neorealistyczne.

Równie ważny dla literatury włoskiej lat 60. był problem moralnej odpowiedzialności człowieka wobec społeczeństwa, wobec swojej epoki. Ten ładunek etyczny można odczuć we wszystkich gatunkach współczesnej literatury włoskiej, czy to w reportażu, powieści filozoficzno-alegorycznej, czy w poezji publicystycznej. Następuje proces intelektualizacji włoskiego realizmu, w poszukiwaniu nowych środków artystycznych. ucieleśnieniem tego złożonego problemu moralnego i społecznego.

Można w sposób ogólny zarysować kilka węzłów tematycznych i problemowych prozy włoskiej ostatniej dekady.

Powieść antyfaszystowska, antywojenna pogłębia się, nawołując do nie zapominania o nieludzkości, do uniemożliwiania powrotu do przeszłości. Najciekawsza pod tym względem jest powieść pisarza Marcello Venturiego (ur. 1925) Biała flaga nad Kefallinią (1963). Opowiada o brutalnej masakrze wojsk hitlerowskich z dywizją włoską, która odmówiła poddania się w 1943 roku, na małej wyspie archipelagu jońskiego. Wskrzeszając realne wydarzenie z przeszłości, pisarz podkreśla nierozerwalny związek przeszłości z teraźniejszością. Nie należy wskrzeszać tej okropnej psychologii „nadczłowieka”, rzekomo mającego prawo do przemocy i morderstwa, wychowanej przez ideologię faszyzmu i nazizmu.

Cała grupa pisarzy, dysponująca wielką siłą satyrycznego przekazu, ukazuje inną – bardziej „nowoczesną” – formę wypaczenia ludzkiej psychiki w okowach „neokapitalizmu” z jego fetyszyzacją technologii i depersonalizującymi formami zarządzania ludźmi. Powieść psychologiczna Libero Bijarettiego Kongres (1964) brzmi ostro, ukazując oportunizm, duchowego renegata byłego postępowego dziennikarza, który poszedł do pracy w wielkim monopolu, tracąc przekonania w zamian za bezpieczną egzystencję.

Groteskowa powieść Goffredo Parise'a Szef (1964) pokazuje, jak duża firma zamienia młodego pracownika w „robota z pomysłami na produkcję”, który kłania się urokowi kwitnącego monopolistycznego przedsiębiorstwa.

Problemy moralne i etyczne naszych czasów uwidoczniły się ze szczególną ostrością w powojennej twórczości Alberta Moravii.

Wydarzenia walki wyzwoleńczej wywarły głęboki wpływ na pisarza, pod wieloma względami zmieniły zakres jego zainteresowań i tematów w latach 50. W zbiorze opowiadań „Opowieści rzymskie” (1953) nawiązuje do codziennego życia zwykłych ludzi, czerpiąc z ich uczuć i doświadczeń, nieszczęść i zwykłego szczęścia, odsłaniając w lakonicznej noweli psychologicznej duchowy świat ludowych bohaterów – robotników i sprzedawczynie, drobni sklepikarze, pracownicy i bezrobotni „wieczne miasto”. Jednak bohaterowie Moraw z reguły są sami, nikt nie wyciągnie do nich pomocnej dłoni. W Opowieściach rzymskich nie ma motywu solidarności ludowej, tak charakterystycznego dla literatury neorealistycznej. "

Hołdem dla ruchu oporu, zdaniem samego autora, była powieść Chocharka (1957). W środku książki prosta kobieta którzy przeżyli okropności wojny i okupacji hitlerowskiej. Morawy pokazały siłę charakter ludowy, potępił wojnę, wypaczając samą naturę człowieka. W powieści pojawił się także nowy bohater Moraw – antyfaszystowski intelektualista, który ginie z rąk najeźdźców. Niemniej jednak ten obraz pokazał oczywistą nieznajomość autora w życiu takich ludzi: jego Michele znów jest samotnikiem.

Jednak od połowy lat pięćdziesiątych Morawy ponownie powróciły do ​​starych tematów, z dużą wrażliwością na analizy psychologiczne, odsłaniając nowe odcienie upadku moralnego włoskiej burżuazji modelu powojennego. W powieści Pogarda (1954) niemal broszurowe obnażenie współczesnej pseudosztuki burżuazyjnej „dla mas” łączy się z tematem alienacji ludzi w wyniku rosnącej siły stosunków monetarnych. Temat ten jest jeszcze bardziej niepokojący w Nudzie Moraw (1960). Słowem „nuda” artysta Dino określa swoją boleśnie odczuwaną izolację od realnego życia, która pozbawia go możliwości tworzenia, artystycznego postrzegania świata. Jego bogata matka uważa taką powściągliwość za normę: fetyszyzowane świeckie związki zastępują naturalne ludzkie uczucia, pieniądze stają się ciałem i krwią. Bohater szuka jednak wyjścia z sytuacji wyłącznie w dziedzinie Erotyki. Łącząc w jeden węzeł seks i alienację, przeciążając powieść opisem erotycznym. scenach Morawy znacząco osłabiły społeczny i artystyczny wydźwięk swojej książki.

W tym miejscu wypada powiedzieć, że we współczesnej literaturze włoskiej coraz trudniej spotkać pozytywnego bohatera. Zniknęły obrazy odważnych i niezłomnych ludzi neorealizmu, do których wyciągało się tak wiele rąk i którzy zwyciężyli swoją śmiercią. Nowa rzeczywistość społeczna najwyraźniej nie została jeszcze dostatecznie „opanowana” przez literaturę włoską lat 60. XX w., która swoim ostrym krytycznym podejściem do porządku burżuazyjnego nie jest w stanie tej straty zrekompensować.

Jednym z nielicznych wyjątków pod tym względem jest Trwałość rozumu Vasco Pratoliniego (1963), napisana przez autora po długim milczeniu i kilku niepowodzeniach twórczych. W Persistence of Mind Pratolini stara się połączyć kilka kierunków swojej twórczości: zainteresowanie młodym bohaterem, spojrzenie na rzeczywistość z perspektywy historycznej i ukazanie wewnętrznego świata człowieka od strony ludu.

Powieść ta jest niewątpliwym sukcesem autora, któremu udało się w przekonujący sposób artystycznie pokazać „ rozwój duchowy facet pracujący, przechodzący od swego rodzaju anarchistycznego „komunizmu uczuć” do realizacji surowego obowiązku życiowego, do stałości umysłu. Zmieniając kolejność czasu w narracji, Pratolini przeplata narrację pierwszoosobową retrospekcjami. Technika ta odtwarza w duszy nastolatka obraz życia Włoch w powojennych dwudziestu latach. Konflikty społeczne wejść w jego duchowe doświadczenie wraz z młodzieńczymi namiętnościami i rozczarowaniami. Pratolini pokazuje, jak najlepsza część włoskiej młodzieży pracującej, poprzez samą logikę życia, przez same warunki swojej egzystencji, dochodzi do idei walki, do ideałów komunizmu. Wraz z młodym Brunonem, pośpiesznym i niekonsekwentnym, autor wydobywa komunistyczną „ stara straż» Millosky, który bez głośnych frazesów swoim życiem i czynami stopniowo przekonuje młodego człowieka o słuszności swojej sprawy.

Niemożność pogodzenia się z „neokapitalizmem”, wrogim życiu ludu i swobodnemu rozwojowi jednostki, prowadzi postępową literaturę włoską do tworzenia dzieł prawdziwych, nasyconych społecznie.

Ponura atmosfera faszystowskiej dyktatury odbiła się mocno w literaturze włoskiej omawianego okresu. Wpływ faszyzmu objawił się nie tylko wśród jego bezpośrednich trubadurów i apologetów, ale także wśród niektórych pisarzy sprzeciwiających się faszyzmowi.

Gabriel D'Annunzio, jeden z najwybitniejszych włoskich pisarzy i poetów, który stał się powszechnie znany już pod koniec XIX wieku, był orędownikiem idei faszystowskich i propagatorem faszystowskiej polityki literackiej.

Kiedy stał się faszystą, jego twórczość została zubożona. Z roku na rok pisał coraz mniej. Ostatnie dzieła D'Annunzia to przeważnie pompatyczne przemówienia i trzaskające przemówienia publicystyczne.

Ewolucja innego ważnego włoskiego pisarza, powieściopisarza i dramaturga Luigiego Pirandello, była inna. Po przyłączeniu się już na wczesnym etapie swojej twórczości do tzw. weryzmu (włoskiej odmiany naturalizmu), od początku lat 20. całkowicie zerwał z tym nurtem i zaczął rozwijać stworzony przez siebie nowy styl, zwany „humoryzmem”.

Pirandello uznaje niewystarczające naturalistyczne odwzorowanie rzeczywistości, uważa, że ​​nie można jej poznać bezpośrednimi, „zwykłymi” środkami. Świat nie jest taki sam i osoba nie jest taka sama, jak nam się wydaje; jesteśmy obecni na tragikomicznym widowisku, którego prawdziwy sens można zrozumieć jedynie poprzez zdarcie z jego uczestników nawykowych masek.

Dlatego Pirandello obdarza swoich bohaterów niejako: podwójne życie: żyją w świecie życia codziennego, szarego i codziennego oraz w świecie wyobraźni, upiornym i pięknym. Granice między realnym a irracjonalnym zacierają się, codzienna rzeczywistość jawi się jako coś nielogicznego i niezrozumiałego, a świat snów i fikcji nabiera całkiem realnych zarysów.

Wątek „twarzy i maski”, świata rzeczywistego i świata wyobrażonego pisarz rozwinął w szeregu swoich utworów o różnym gatunku – w opowiadaniach z ostatnich tomów obszernego cyklu „Powieści roku”, w powieść „Jeden, nie jeden, sto tysięcy”, a zwłaszcza w dramaturgii. .

Paradoksalna forma służyła w nich ukazaniu prawdziwego oblicza postaci, a czasem bardzo ostrej treści społecznej, obnażeniu mieszczańskiej moralności.

W przyszłości, w opresyjnej atmosferze faszystowskiej dyktatury, twórczość Pirandello nabiera cech pojednania z otaczającą rzeczywistością. W późniejszych sztukach (Nowa kolonia, Legenda o synu odmieńca) kwestie społeczne niemal całkowicie zanikają, a bohaterowie zamieniają się w abstrakcyjne symbole.

Obóz antyfaszystowski we Włoszech nie był tak szeroki i monolityczny jak w niemieckim środowisku literackim. Najwybitniejszy pisarz antyfaszystowski Giovanni Germanetto, który wyemigrował z kraju po przejęciu władzy przez Mussoliniego, stworzył szereg znaczących dzieł.

Najlepsze z nich (przede wszystkim opowiadanie Notatki fryzjera) poświęcone są włoskiej klasie robotniczej i jej walce wyzwoleńczej. Ważny w twórczości Germanetta był obraz formacji ideologicznej i rozwoju rewolucyjnego bojownika.

Ukryty protest przeciwko faszyzmowi znalazł odzwierciedlenie w twórczości Alberto Moravii, Francesco Iovine, Cesare Pavese i kilku innych młodych pisarzy. Łączyło ich zainteresowanie losami inteligencji w społeczeństwie kapitalistycznym, jej poszukiwaniami ideologicznymi.

Zubożenie i nędzę klasy uprzywilejowanej ukazuje powieść Morawy Obojętny; podłości interesów środowiska burżuazyjnego – w książce Jovine’a „Człowiek zmienny”; niezadowolenie inteligencji opisano w książce Pavese „Ciężka praca”.

Wszystkie te dzieła zostały napisane z wielkim mistrzostwem psychoanalizy i spotkały się z bardzo wrogą oficjalną krytyką, gdyż zdarły maskę wyimaginowanego dobrobytu, jaki rzekomo panował w faszystowskim „pokoleniu nowych Rzymian”.

Jednak oprócz ducha sprzeciwu w twórczości tych pisarzy pojawiały się także nastroje pesymizmu i sceptycyzmu, niepewności co do możliwości walki ze złem.

Wykład nr 24

Literatura włoska XX wieku

Plan

1. Ogólna charakterystyka literatury włoskiej XX wieku.

2. Oryginalność ideowa i artystyczna twórczości A. Moravii:

a) krótki przegląd życia i drogi twórczej pisarza;
b) tragiczny rozłam i samotność ludzi w powieści „Obojętni”;
c) obraz Rzymu w powieści „Rzymianka” i zbiorze „Opowieści rzymskie”;
d) problematyka powieści „Chochara”;
e) cechy stylu A. Moravii.

3. Oryginalność ideowa i artystyczna twórczości U. Eco:

a) Krótki przegląd ścieżki twórczej pisarza;
b) Imię róży jako powieść intertekstualna;
c) problematyka powieści „Wahadło Foucaulta”.

1. Ogólna charakterystyka literatury włoskiej XX wieku

Literatura włoska XX wieku jest ściśle związana ze złożonymi zagadnieniami historycznymi i historycznymi procesy polityczne dzieje się w kraju i na świecie. Na rozwój literatury i kultury na początku stulecia miała wpływ ideologia faszystowska, następnie doświadczenia historyczne II wojny światowej i ruchu oporu doprowadziły do ​​zmian w życiu narodowym we wszystkich sektorach społeczeństwa. W literaturze pojawia się inny kierunek, odwołanie do tematów wojny i oporu, odzwierciedlenie dramatycznych wydarzeń, jakie przeżył kraj i zmiana wartości estetycznych. Dowodem na to są prace Elio Vittoriniego, Italo Calvino, Carlo Levi, Renaty Vingano.

Nurt włoskiego neorealizmu zyskał światowy oddźwięk. W latach czterdziestych i pięćdziesiątych wiele postaci włoskiego kina i literatury wystąpiło w zgodzie z neorealizmem. Programowymi dziełami włoskiego neorealizmu był film Rosselliniego „Rzym – otwarte miasto” oraz powieść Vasco Pratoliniego „Opowieść o biednych kochankach”. Twórczość Alberta Moravii kojarzona jest z neorealizmem. Literatura ta dążyła do prawdziwego obrazu rzeczywistości, poszukując nowych środków kunsztu artystycznego, prostych i jasnych. język literacki. Teoretyk włoskiego neorealizmu D. Zavatini pisał: „Ludzie władczo pukają do drzwi sztuki i biada nam, jeśli ich nie otworzymy”.

Powszechnie znana jest twórczość Dino Buzzatiego (1906-1972), który nie przylegał do żadnego ruch literacki. Buzzati był postrzegany przez krytyków jako następca Kafki. Pisał o losach człowieka w warunkach nieludzkiej cywilizacji, przekazał absurd życia, zwrócił się w stronę fantazji. W odróżnieniu od Kafki włoski pisarz nie wyrzeka się wiary w zdolność człowieka do zachowania swojej godności.

Potwierdzają to powieści Barnabo z gór (1933), Tajemnica Starego Lasu (1935), Pustynia Tatarska (1939), a także opowiadania fantastyczne (zbiór Siedmiu posłańców (1942)).

Postmodernizm w literaturze włoskiej reprezentuje twórczość Umberto Eco (ur. 1932), pisarza i filozofa, semiotyka i krytyka. W swoich pismach podejmuje problemy estetyki ponowoczesnej („Dzieło otwarte” (1962), „Poetyka Joyce’a” (1966), „Traktat o semiotyce ogólnej” (1975)). Powieści Eco - „Imię róży” (1980), „Wahadło Foucaulta” (1988) - mają charakter filozoficzny, ujawniają pragnienie pisarza stworzenia obrazu świata w dynamice kultury i rozwoju świadomości. Kosmologiczny model świata powstaje w powieści „Imię róży”. Ewolucja Świadomość europejska prześledzić w Wahadle Foucaulta, w którym nowoczesność zostaje przedstawiona w retrospektywie poprzednich epok.

2. Oryginalność ideowa i artystyczna twórczości A. Moravii:

A. Krótki przegląd życia i twórczości pisarza

Alberto Morawia(1907-1990) – znany włoski powieściopisarz i autor opowiadań, który za Pirandello podjął temat ludzkiej alienacji i rozłamu ludzi we współczesnych Włoszech lat 20. XX wieku (powieść Obojętni (1929)), który rozwinął wątki antyfaszystowskie i antywojenne (powieści „Maskarada” (1941), „Chochara” (1957)), po wojnie zbliżył się do literatury neorealizmu (Nowe Opowieści Rzymskie (1959)). Autor pisał o upadku i upadku rodzin mieszczańskich, o losach artysty w warunkach współczesnej cywilizacji (powieści Pogarda (1954), Nuda (1960)), o zwykłych Włochach – mieszkańcach Rzymu, w których przedstawieniu liryczne łączy się z ironicznym, smutne z śmiesznym. Realizm Moraw wyróżnia się subtelnością analizy społeczno-psychologicznej i satyrycznymi intonacjami. Alberto Moravia (prawdziwe nazwisko Pinkerle) urodził się w Rzymie, a obraz „wiecznego miasta” uchwycił się w jego twórczości. Ojciec pisarza jest architektem. Ciężka choroba gruźlicy kości, która dotknęła Alberta w wieku 9 lat i zmusiła go do spędzenia wielu lat w sanatoriach medycznych, w dużej mierze zdeterminowała jego pasję czytelniczą, ostatecznie skłaniając go do spróbowania swoich sił w działalności literackiej. W wieku 16 lat zaczął pisać swoją pierwszą powieść, ukończył ją w 1925 r. i wydał własnym sumptem w 1929 r. pod tytułem Obojętni. Książka ta jest jednym z najpotężniejszych dzieł autora. Ona określiła jego przyszłość. W pierwszej połowie lat trzydziestych Morawy mieszkały w Londynie, następnie w Paryżu. Publikacja powieści „Maskarada” (1941), w której fikcyjny wizerunek dyktatora jednego z krajów Ameryki Środkowej, przedstawiony w sposób satyryczny, wzbudziła gniew Mussoliniego, który nie bez powodu dostrzegł karykaturę o sobie. Wprowadzono zakaz wydawania książek Moraw. W 1943 roku uznano go za „postać wywrotową” i zmuszono go do ukrywania się w górach. Do Rzymu powrócił dopiero po wyzwoleniu przez swoich sojuszników. Uznanie, jakie spotkało pisarza po opublikowaniu jego pierwszej powieści, pogłębiało się z biegiem lat. Kluczowe dzieła Moraw - „Obojętność”, „Opowieści rzymskie”, „Ciochara”.

B. Tragiczny rozłam i samotność ludzi w powieści „Obojętni”

Powieść została pomyślana przez młodego pisarza jako tragedia. Wydarzenia ograniczają się do wąskiego kręgu jednej rzymskiej rodziny, ucieleśniając społeczną tragedię epoki – obojętność. Biznesmen Leo Merumechi był przez wiele lat kochankiem Mariagrazii, zamożnej wdowy z dwójką dzieci. Leo przez lata niszczył kobietę, a gdy się zestarzała, uwiódł jej córkę Carlę. Dziewczyna nie kochała Leona, ale nie miała innej perspektywy, bo jest posagiem. Jej brat Michele, ospały i bezwładny młody człowiek, rozumie podłość Leo, który rozbił ich rodzinę, zniszczył ją. Ale silniejsza od nienawiści jest jego obojętność, obojętność na standardy moralne. Michele zmusza się do kłótni z Leo, a gdy dowiaduje się, że Leo został kochankiem jego siostry, zastrzelił go. Ale wszystkie próby kończą się niepowodzeniem, Michele nie ma szczerego impulsu. Rozwiązanie niczego nie zmienia w sytuacji młodych bohaterów. Leo postanawia poślubić Carlę, ale jej życie będzie równie nudne i fałszywe, jak życie jej matki, jak życie całego otoczenia, które uczyniło jej brata i siostrę „obojętnymi”. Wizerunek Michele jest złożony. Bohater jest mądry, ale nie zdecydowany, zarozumiały, ale tchórzliwy. Nie ma energii, nie ma ochoty przeciwstawiać się temu, co się dzieje. Skupienie się na introspekcji oddziela Michele od otaczających go osób. Potrafi naśmiewać się z samego siebie, zdając sobie sprawę ze swojej obojętności i bezsilności, ale nie jest w stanie ich pokonać i działać. Obojętność rodzi duchową głuchotę, chęć zamknięcia się w sobie. Wszystkie wydarzenia w powieści rozgrywają się w ciągu dwóch dni. Za oknami pada deszcz. Tylko na chwilę promienie słońca przebijają się przez chmury, nie wnikając w ponury świat antybohaterów powieści Moraw.

W Obojętnym Moravia przechodzi od psychologii jednego bohatera do psychologii drugiego, podkreślając emocje i wewnętrzny świat każdego z nich.

Postacie w „Obojętnym” nie rozwijają się. Wszyscy bohaterowie na końcu pozostają tacy sami, jak na początku powieści. We wszystkich scenach każdy pozostaje w swojej roli, zachowując się tak samo: spokojna bezczelność Leo, zazdrosne wybryki Mariagrazii, wybuchy złości i oburzenia Carli zastąpione uległością, daremne próby wszczęcia kłótni przez Michele. Napięcie sytuacji rośnie dopiero w wyniku działań Leo. On jest jedynym motorem wydarzeń, on wie, co stara się osiągnąć.

Powieść „Obojętni” jest pierwszym kamieniem milowym na ścieżce twórczej Moraw. To powieść realistyczna tamtych czasów, obnażająca społeczne przywary. Powieść ukazuje duchową pustkę młodego pokolenia warstw uprzywilejowanych lat dwudziestych. Akcja rozgrywa się w czasach, gdy Mussolini twierdził, że idee faszyzmu będą inspirować młodzież moralną sprawnością starożytnych Rzymian. Nienawiść Morawy do tego małego świata, do tego typu psychicznego, do egoizmu nie tylko nie osłabła, ale z biegiem lat nabrała biczującej siły satyry. Pisarz nie przebacza niczego obojętnym. Faszyzm pozostawił gorzki posmak w duszy pisarza na całe życie, wzbudził refleksje moralne. I z roku na rok ten antyfaszystowski ton brzmiał coraz wyraźniej, choć Morawia przyznał, że nawet przez myśl mu nie przeszło demaskowanie systemu społecznego faszyzmu.

C. Obraz Rzymu w powieści „Rzymianka” i zbiorze „Opowieści rzymskie”

W 1947 roku pisarz tworzy powieść „Rzymianka” (1947), w 1953 „Opowieści rzymskie”, które później uzupełniono o nowe zbiory, dzięki czemu pojęcie „historii rzymskiej” zaczęło domagać się statusu terminu literackiego. Obraz Rzymu w tych dziełach ulega globalnemu uogólnieniu, a jednocześnie powieść i opowiadania wyróżniają się naturalną konkretnością i lokalnością. Bohaterami dzieł są zwykli ludzie Rzymu, zmuszeni szukać sposobów na przetrwanie za wszelką cenę, a najczęściej za cenę porzucenia moralności. W „Rzymsku” główny bohater Adriana – kobieta o twarzy Madonny i duchowym cynizmie nierządnicy – ​​staje się „dostępna” bez większych wyrzutów sumienia, choć marzy o pięknej miłości. W jej życiu jest trzech mężczyzn i w każdym z nich jest cząstka jej duszy. Pierwszy z nich to szef faszystowskiej policji Asturity, obsesyjnie zakochany w Adrianie, drugi to silny bandyta Sonzogno, do którego Adriana ma cielesną pasję, a trzeci to uczeń pochodzący ze szlacheckiej rodziny, Giacomo Diodati, członkini antyfaszystowskiego ruchu oporu, którą Adriana kocha duszą. Wydarzenia splatają się w końcówkę powieści: Giacomo trafia do więzienia w przypływie dziwnej apatii (motyw fatalnej obojętności!) Wymienia swoich towarzyszy z ruchu oporu. Adriana żąda, aby Asturita natychmiast uwolniła Giacomo. Zakochany policjant bez wahania spełnia jej prośbę. Zdrada Giacomo nie ma żadnych konsekwencji, ale młody człowiek nie może sobie wybaczyć swojego haniebnego czynu i odbiera sobie życie.

Kobieta gorzko opłakuje Giacomo, prawie nie zauważając śmierci Asturity i Sonzogno. Adriana pragnie powierzyć rodzinie swojego ukochanego Giacomo swoje nienarodzone dziecko, którego ojciec uważany jest przez przystępną Rzymiankę za bandytę Sonzogno. Z tą narodzoną istotą wiąże się temat przyszłości Włoch, a sam obraz nierządnicy Adriany wydaje się być jasny: ujawniają się w nim rysy Madonny, ludzkiej matki. Dzieło to wyróżnia się opisem moralnym, szczegółami życia codziennego, ale przede wszystkim charakterem psychologicznym. Jednocześnie zauważalny jest w nim podtekst polityczny, potępienie faszyzmu jako moralnego zubożenia.

W 1953 roku ukazał się pierwszy tom Opowieści rzymskich Alberta Moravii. W 1959 roku pisarz wydaje drugi tom. W Opowieściach rzymskich tradycja Boccaccio zostaje wskrzeszona: krótka, pełna wydarzeń nowela z nieoczekiwany koniec. Temat jest jeden: życie robotniczego Rzymu ukazane na szkicach. Jednocześnie jego osoba pracująca jest samotnikiem, „małym” człowiekiem. Bohater jest zasadniczo nowy na Morawach. To facet z miasta, ten, który jeździ taksówką, stoi za ladą, myje naczynia w restauracji, wędruje w poszukiwaniu pracy.

Żywotność, demokracja i liryzm zbliżają dzieło do neorealizmu, jednak w przeciwieństwie do neorealistów Morawy nigdy nie podejmują tematu solidarności zwykłych ludzi. Są oddzieleni, samotni. Ten motyw rozłamu brzmi w opowieści „Romulus i Remus” niemal tragicznie: dwaj dawni przyjaciele ruchu oporu, Remo i Romolo, po wojnie okazują się niemal żebrakami, a jeden z nich, zdając sobie sprawę ze swojego grzechu, okradł drugiego. Jakby nic się nie zmieniło od tamtych odległych czasów, kiedy Romulus zabił swojego brata Remusa, a później założył miasto, które nazywało się Rzym. Tragedia w opowieściach pisarza sąsiaduje z komiksem.

Jedna i ta sama technika łączy wszystkie „Opowieści rzymskie”: autor milczy, a bohaterowie opowiadań sami opowiadają o tym, co się z nimi stało. Pomaga to Moravii wyraźniej odsłonić swoich przegranych w opowiadaniu, jeszcze wyraźniej oddziela jego pozycję artystyczną od autorów, którzy nieustannie krążą na scenie, skłaniając do bezimiennych uwag pod adresem swoich bohaterów.

D. Problematyka powieści „Chochara”

Morawy zwróciły się ku obrazowi życia ludowego podczas drugiej wojny światowej w powieści Ciocara (1957), którą sam określił jako „obiektywną narrację o cierpieniu i biedzie, która dała początek ruchowi oporu”. Bohaterką powieści jest pochodząca z Chocharia, wieśniaczka Chezira, która opuściła rodzinne strony, przeprowadziła się do Rzymu i została kupcem. Jej postać ucieleśnia takie cechy charakteru człowieka, jak wytrzymałość i energia, odwaga i wytrzymałość. Na jej los spadają ciężkie próby: wraz z córką Rosettą musi w czasie wojny opuścić Rzym, pokonać wiele trudności, znając los uchodźców. Cesira nie poddała się strachowi, gdy spadły brytyjskie bomby i przeprowadzono niemieckie naloty. Cesira musiała znosić znęcanie się nad córką przez żołnierzy. To był straszny cios, który złamał Rosettę. Wszystko to opowiedziane jest w powieści z perspektywy Cheziry. Opowiada o swoich przeżyciach, niczego nie ukrywając, wspominając dobrych i złych ludzi, których spotkała na swojej drodze.

W dziele dawne wizerunki pisarki pojawiają się w nowej odsłonie: zniesławiona Rosetta spokojnie, a nawet niemal chętnie staje się nierządnicą, ale Cesira ma nadzieję zwrócić córkę stara wiara do życia i dobra.

Występuje w „Chocharze” jako postać intelektualisty. To antyfaszysta Michele Festa, nie członek ruchu oporu, ale osoba bliska mu duchowo. Ta postać nie wygląda na bohatera Obojętnego. Jest aktywny w swoim człowieczeństwie. Michele ginie od faszystowskiej kuli, stając w obronie mieszkańców obcej mu wioski. Śmierć Michele odpowiada bólem w sercu Cesiry, oczyszcza jej duszę.

Powieść potępia wojnę jako zbrodnię przeciwko ludzkości. Cesira po przebytych cierpieniach dochodzi do tego wniosku i kończy swoją opowieść słowami: „Udało nam się wyjść z wojny, aby na nowo wrócić do naszego życia, w którym oczywiście było jeszcze wiele ciemność i błędy, ale to było jedyne życie, jakie mogliśmy prowadzić, jak powiedziałby nam Michele, gdyby był z nami.

D. Cechy stylu A. Moravii

W procesie twórczym Morawy niejednokrotnie modyfikowały technikę stylu i nowatorską strukturę. Jego ideałem jest „jasnowidzący dystans”. Pisarz przygląda się pod mikroskopem niektórym aspektom współczesnej rzeczywistości, tworzy typ i nastrój. Jego słownictwo jest dość proste, wręcz skromne, główny nacisk położony jest na składnię. Styl ten niemal neguje elementy liryczne.

Autor nie stawia sobie za zadanie zilustrowania wydarzeń społecznych, ale istnieje psychologiczny stan społeczeństwa. Czasami Morawy celowo zaostrzają ten stan, sięgając po parodię i maskę. Pisarza zawsze pociągały maski. Nie odtwarza rzeczywistości, lecz urządza maskarady, czasem wydając się bardziej wiarygodne niż sama rzeczywistość.

W powieściach istnieje tendencja do dramatyzowania akcji. Tragedia jest jego zdaniem sztuką syntetyczną i syntezę osiąga w powieści. Najważniejszą rzeczą w literaturze Moraw zawsze była osoba, chociaż przedstawiając prawdziwą osobę, często uciekał się do abstrakcji, a nawet absurdu. Pomimo okoliczności życiowych człowiek jest z natury humanitarny i znajduje się w ciągłym konflikcie z porządkiem społecznym.

3. Oryginalność ideowa i artystyczna twórczości U. Eco

A. Krótki przegląd drogi twórczej pisarza

Umberto Eco(ur. 1932) – jeden z najwybitniejszych pisarzy współczesnych Włoch. Znany językoznawca, semiotyk, specjalista kultury masowej, profesor w Bolonii i kilku uniwersytetach światowych. Udało mu się stać symbolem nie tylko ścisłej nauki akademickiej, ale także swobodnych poszukiwań artystycznych.

W 1980 roku U. Eco opublikował swoją pierwszą powieść „Imię róży”, która przyniosła mu światową sławę literacką. W latach 1988 i 1994 ukazują się Wahadło Foucaulta i Wyspa Ewy. W przerwach pomiędzy twórczością artystyczną Eco regularnie publikuje zbiory artykułów publicystycznych i naukowych. Opracowuje egzaminy komputerowe, aby wybrać studentów na swoje seminarium (konkurs 70 osób na miejsce) i prowadzi wykłady, które przyciągają takie tłumy, że nie ma nawet wystarczającej liczby miejsc w sąsiednich teatrach.

Jako historyk kultury Eco zasłynął w świecie naukowym dzięki swoim książkom: „Estetyka Tomasza z Akwinu” (1970), „Dom” (1973), „Na peryferiach imperium” (1977), „O lustrach” (1985), „Semiologia życia codziennego” (1987) oraz Sztuka i piękno w etyce średniowiecznej (1987).

Krytyk literacki Eco zasłynął z Poetyki Joyce’a (1966), dla współczesnego językoznawstwa za dzieło podstawowe uważa się dzieło W poszukiwaniu języka idealnego (1993).

Jego dzieła Dzieło otwarte (1962), Semiologia komunikacji wizualnej (1967), Traktat o semiotyce ogólnej (1975) i Granice interpretacji (1990) uznawane są za fundamentalne dla semiotyki światowej.

B. Imię róży jako powieść intertekstualna

„Imię róży” – pierwsza powieść Umberto Eco, wydana w 1980 roku, stała się pierwszą powieścią intelektualną, która znalazła się na czołowych miejscach list bestsellerów i przyniosła autorowi światową sławę. Do sukcesu dzieła przyczyniła się także udana adaptacja filmowa. Pisarz został uhonorowany prestiżową włoską Nagrodą Stregi (1981) i francuską Nagrodą Medici (1982).

Okazało się, że życie mieszkańców klasztoru benedyktynów z XIV wieku może być interesujące także dla ludzi XX wieku. I to nie tylko dlatego, że autorka zaczęła od intryg detektywistycznych i miłosnych. Ale także dlatego, że powstał efekt osobistej obecności.

Umberto Eco maluje obraz średniowiecznego świata, bardzo trafnie opisuje wydarzenia historyczne. Do swojej powieści autor wybrał ciekawą kompozycję. We wstępie autor informuje, że w jego ręce trafia stary rękopis mnicha o imieniu Adson, który opowiada o wydarzeniach, jakie przydarzyły mu się w XIV wieku. W stanie nerwowego podniecenia autor rozkoszuje się przerażającą historią Adsona i tłumaczy ją dla współczesnego czytelnika. Późniejsza relacja z wydarzeń jest rzekomo tłumaczeniem starego rękopisu.

Sam rękopis Adsona podzielony jest na siedem rozdziałów, według liczby dni, a każdy dzień - na odcinki poświęcone kultowi. Akcja powieści toczy się zatem w ciągu siedmiu dni.

Opowieść zaczyna się od prologu: „Na początku było Słowo, a Słowo było u Boga i Bogiem było Słowo”.

Działka: [Do klasztoru przybywa młody mnich Adson, w imieniu którego opowiadana jest ta historia, przydzielony do uczonego franciszkanina Wilhelma z Baskerville. Wilhelm, były inkwizytor, zostaje przydzielony do zbadania niespodziewanej śmierci mnicha Adelma z Otrans. Wilhelm i jego asystent rozpoczynają śledztwo. Wolno im rozmawiać i chodzić wszędzie z wyjątkiem biblioteki. Ale śledztwo kończy się w ślepy zaułek, ponieważ wszystkie korzenie zbrodni prowadzą do reprezentującej bibliotekę główna wartość oraz skarbiec opactwa, w którym znajduje się ogromna liczba bezcennych ksiąg. Wstęp do biblioteki jest zabroniony nawet dla mnichów, a książki nie są rozdawane każdemu i nie wszystkim, którzy znajdują się w bibliotece. Ponadto biblioteka reprezentuje labirynt, wiążą się z nią legendy o „wędrujących pożarach” i „potworach”.

Wilhelm i Adson odwiedzają bibliotekę pod osłoną nocy, z której ledwo udaje im się wydostać. Tam spotykają nowe tajemnice. Wilhelm i Adson odkrywają sekretne życie opactwa (spotkania mnichów ze skorumpowanymi kobietami, homoseksualizm, zażywanie narkotyków). Sam Adson ulega pokusie miejscowej wieśniaczki. W tym czasie w opactwie dochodzi do nowych morderstw (Wenancjusz zostaje znaleziony w beczce z krwią, Berengar z Arundel w wannie z wodą, Sewerin ze św. Emmerana w swoim pokoju z ziołami), związanych z tą samą tajemnicą, która prowadzi do biblioteki, a mianowicie do określonej książki. Wilhelmowi i Adsonowi udaje się częściowo rozwikłać labirynt biblioteki i znaleźć skrytkę „African Limit”, zamurowane pomieszczenie, w którym przechowywana jest cenna książka.

Aby rozwiązać zagadkę morderstw, do opactwa przybywa kardynał Bertrand Podzhetsky i natychmiast zabiera się do pracy. Zatrzymuje Salvatore, nędznego dziwaka, który chcąc zwrócić na siebie uwagę kobiety z czarnym kotem, kogutem i dwoma jajkami, został zatrzymany wraz z nieszczęsną wieśniaczką. Kobieta (Adson rozpoznał w niej swoją przyjaciółkę) została oskarżona o czary i osadzona w więzieniu.

Podczas przesłuchania piwniczny Remigiusz opowiada o mękach Dolchina i Małgorzaty, którzy zostali spaleni na stosie i o tym, jak temu nie stawiał oporu, mimo że był w związku z Margaritą. Zdesperowany piwnicznik bierze na siebie wszystkie morderstwa: Adelmy z Ontanto, Venantii z Salvemek „za zbytnią naukę”, Berengara z Arundel „z nienawiści do biblioteki”, Seweryna z St. Emmeran „za zbieranie ziół”.

Ale Adsonowi i Wilhelmowi wciąż udaje się rozwiązać zagadkę biblioteki. Jorge jest ślepym starcem główny opiekun biblioteka, ukrywa przed wszystkimi „Granicę Afryki”, w której znajduje się druga księga „Poetyki” Arystotelesa, która cieszy się ogromnym zainteresowaniem, wokół której w opactwie toczą się niekończące się spory. Na przykład w opactwie nie wolno się śmiać. Jorge pełni rolę sędziego dla każdego, kto śmieje się niestosownie, a nawet rysuje śmieszne obrazki. Jego zdaniem Chrystus nigdy się nie śmiał i zabrania śmiać się innym. Wszyscy traktują Jorge z szacunkiem. Boją się go.

Jednak Jorge przez wiele lat był prawdziwym władcą opactwa, który znał i trzymał wszystkie swoje tajemnice przed resztą. Kiedy zaczął ślepnąć, wpuścił do biblioteki niezrozumiałego mnicha, a na czele opactwa postawił mnicha, który był mu posłuszny. Kiedy sytuacja wymknęła się spod kontroli i wiele osób chciało rozwikłać tajemnicę „Afrykańskiej Granicy” i przejąć w posiadanie księgę Arystotelesa, Jorge kradnie truciznę z laboratorium Severina i impregnuje nią strony ukochanej księgi. Mnisi, przewracając się i zwilżając palce śliną, stopniowo umierają. Z pomocą Malachiasza Jorge zabija Severina, zamyka opata, który również umiera.

Wilhelm rozwiązuje to wszystko ze swoim asystentem. Na koniec Jorge daje im do przeczytania Poetykę Arystotelesa, co obala pogląd Jorge o grzeszności śmiechu. Według Arystotelesa śmiech ma wartość poznawczą, utożsamia go ze sztuką. Dla Arystotelesa śmiech to „dobra, czysta moc”. Śmiech potrafi złagodzić strach: kiedy człowiek się śmieje, nie przejmuje się śmiercią. Tego właśnie Jorge tak się boi. Przez całe życie Jorge nie śmiał się i nie zabraniał tego innym, ten ponury starzec, ukrywając przed wszystkimi prawdę, ustanowił kłamstwo.

W wyniku prześladowań Jorge Adson upuszcza latarnię, a w bibliotece wybucha pożar, którego nie można ugasić. Za trzy dni całe opactwo zostanie doszczętnie spalone. Dopiero kilka lat później Adson, podróżując przez te miejsca, trafia na popiół, odnajduje kilka cennych fragmentów, dzięki czemu później jednym słowem lub zdaniem uda się przywrócić chociaż znikomą listę zaginionych ksiąg.]

Oto ciekawa fabuła powieści. „Imię róży” to rodzaj kryminału, którego akcja rozgrywa się w średniowiecznym klasztorze. Krytyk Cesare Zaccaria uważa, że ​​atrakcyjność pisarza w gatunku detektywistycznym wynika z faktu, że „gatunek ten lepiej niż inne wyrażał nienasycony ładunek przemocy i strachu nieodłącznie związany ze światem, w którym żyjemy”. Tak, niewątpliwie wiele szczególnych sytuacji powieści i jej głównego konfliktu jest wręcz „odczytywanych” jako alegoryczne odzwierciedlenie sytuacji obecnego XX wieku.

Wydarzenia w powieści dają nam wyobrażenie, że mamy przed sobą detektywa. Autor z podejrzliwym uporem proponuje właśnie taką interpretację.

Yu Lotman pisze, że „fakt, że franciszkański mnich z XIV wieku, Anglik William z Baskerville, odznaczający się niezwykłą wnikliwością, odsyła czytelnika swoim imieniem do historii najsłynniejszego wyczynu detektywistycznego Sherlocka Holmesa i jego kronikarza nosi imię Adson (wyraźna aluzja do Watsona w Conan Doyle), wyraźnie orientuje czytelnika. Taka jest rola nawiązań do środków odurzających używanych przez Sherlocka Holmesa w XIV wieku w celu podtrzymania aktywności intelektualnej.

Y. Lotman sugeruje, że jest to średniowieczny detektyw, a jego bohaterem jest były inkwizytor (łac. inkwizytor – badacz i badacz jednocześnie) – to Sherlock Holmes w franciszkańskiej sutannie, który zostaje wezwany do rozwikłania przebiegłej zbrodni.

Jednak w powieści W. Eco wydarzenia wcale nie toczą się według kanonów detektywa, a były inkwizytor, franciszkanin William z Baskerville, okazuje się bardzo dziwnym Sherlockiem Holmesem. Nadzieje, jakie pokładał w nim opat klasztoru i czytelnicy, nie spełniają się w najbardziej zdecydowany sposób: zawsze przychodzi za późno.

Yu Lotman pisze: „Ostatecznie cała linia „detektywistyczna” tej dziwnej kryminału okazuje się całkowicie przyćmiona innymi wątkami. Zainteresowanie czytelnika przenosi się na inne wydarzenia, a on zaczyna zdawać sobie sprawę, że został po prostu oszukany, że autor przywołując w pamięci cienie bohatera „Psa Baskerville'a” i jego wiernego towarzysza-kronikarza, zaprosił nas do podjęcia uczestniczy w jednej grze, podczas gdy on sam gra w zupełnie inną. To naturalne, że czytelnik próbuje domyślić się, w jaką grę się z nim toczy i jakie są zasady tej gry. On sam znajduje się w sytuacji detektywa, ale tradycyjne pytania, które zawsze nurtują wszystkich Sherlocka Holmesa, Maigreta i Poirota: kto popełnił (popełnia) morderstwo(a) i dlaczego, uzupełniają znacznie bardziej złożone: dlaczego i dlaczego przebiegły semiotyk z Mediolanu, występujący w potrójnej masce: benedyktyński mnich z prowincjonalnego niemieckiego klasztoru z XIV wieku, słynny historyk tego zakonu, ojciec J. Mabillon i jego mityczny francuski tłumacz, Abbé Vallee? Podobnie jak w przypadku detektywa, gdzie podane są wyraźne podobieństwa do słynnego „Psa Baskerville’ów”, tak i w przypadku powieści historycznej wskazane jest źródło pierwotne – „Narzeczona” Manzoniego. Ale nawet tutaj istnieje tylko iluzja powieści historycznej. Nie ma przedłużonego romansu, który zostałby zredukowany do jednego odcinka. Cała akcja rozgrywa się w tej samej ograniczonej przestrzeni – klasztorze. Znacząca część tekstu – refleksje i wnioski. To nie jest konstrukcja powieści historycznej. Według Łotmana autor niejako otwiera przed czytelnikiem dwoje drzwi na raz, prowadzących w przeciwne strony. Na jednej napisano kryminał, na drugiej powieść historyczną. Obydwa drzwi otwarte dla czytelnika prowadzą, jak się okazuje, w ślepy zaułek. Przed nami model labiryntu. To nie przypadek, że obraz labiryntu zajmuje centralne miejsce w powieści. Postmodernizm będzie charakteryzował się koncepcją kłącza, jako prototypu symbolicznego labiryntu, bez jasno określonego kierunku centralnego.

Głównym elementem tej pracy będzie także tekst, który zdaniem autora wyrasta poza granice językowe i staje się kompleksowy. Tekst to życie monastyczne średniowiecza, to sama historia, to freski na ścianach świątyni, zwyczaje, obyczaje. To nie przypadek, że cała intryga opiera się na poszukiwaniach zaginionej drugiej części Poetyki Arystotelesa. „Dla mnie tekst jest nieograniczony” – pisał teoretyk postmodernizmu J. Derrida. „To absolutna całość… Poza tekstem nie ma nic”. Stanowisko teoretyków postmodernizmu, do którego należy sam U. Eco, że historia i społeczeństwo są tym, co można „czytać” jak tekst, doprowadziło do postrzegania kultury ludzkiej jako pojedynczego „intertekstu”, który służy jako pretekst do dowolny nowo pojawiający się tekst. Dlatego w „Imieniu róży” pojawia się tak wiele różnych wspomnień, zaczerpniętych nie tylko z klasycznej powieści detektywistycznej i historycznej, ale także ze średniowiecza i starożytna filozofia, współczesna semiotyka. Zatem według R. Bartha „każdy tekst jest intertekstem; inne teksty są w nim obecne na różnych poziomach, w mniej lub bardziej wskazanych formach. Przez pryzmat intertekstu świat jawi się jako ogromny tekst, w którym wszystko zostało już powiedziane, a nowe możliwe jest tylko zgodnie z zasadą kalejdoskopu: zmieszanie pewnych elementów daje nowe kombinacje.

W powieści „Imię róży” dużo mówią o śmiechu i nie jest to przypadkowe. Najprawdopodobniej jest to nie tyle śmiech, co ironia, którą w postmodernizmie nazywa się pastiszem, ucieleśniającą tzw. negatywny patos. Dlatego bohaterowie powieści dużo mówią o śmiechu i jego miejscu w kulturze ludzkiej, o tym, czy Chrystus się śmiał. Śmiechowi poświęcona jest także zagubiona część samej Poetyki Arystotelesa.

Do powieści dołączone są Notatki na marginesie Imienia róży, w których autor błyskotliwie opowiada o procesie powstawania swojej powieści.

Utwór kończy się łacińską frazą, którą można przetłumaczyć następująco: „Róża o tej samej nazwie – będziemy kontynuować nasze imiona”. Jak zauważa sam autor, cytat ten wzbudził wiele pytań, dlatego „Notatki na marginesie” „Imienia Róża” rozpoczynają się od „wyjaśnienia” znaczenia tytułu.

Początkowo, jak pisze W. Eco, chciał nazwać książkę „Opactwo Zbrodni”, ale taki tytuł naprowadziłby czytelników na kryminał i zmyliłby tych, których interesuje wyłącznie intryga. Tytuł „Imię róży” – zauważa U. Eco – mu odpowiadał, „ponieważ róża jest niejako figurą symboliczną tak pełną znaczeń, że prawie nie ma żadnego znaczenia… Nazwa, zgodnie z zamierzeniem, dezorientuje czytelnika… Nazwa powinna mieszać myśli, a nie je dyscyplinować”. Pisarz podkreśla zatem, że tekst żyje własnym życiem, często od niego niezależnym. Stąd nowe, odmienne odczytania, interpretacje, do których powinien nawiązywać tytuł powieści. I nieprzypadkowo autor umieścił ten łaciński cytat z dzieła z XII wieku na końcu tekstu, aby czytelnik mógł snuć różne domysły, przemyślenia i porównywać, dezorientować i spierać się.

C. Problematyka powieści „Wahadło Foucaulta”

Praca ta poświęcona jest problematyce cybernetyki, analizie poprzedniczki tej współczesnej nauki – średniowiecznych nauk Kabały, problematyce społeczeństwa informacyjnego, a także kulisom historii świata. To dziwna narracja, która łączy w sobie cechy stylistyczne traktatu naukowego i prozy artystycznej.

„Wahadło Foucaulta” można przypisać tak zwanemu współczesnemu dyskursowi naukowemu, żywemu ucieleśnieniu kryzysu racjonalności, kiedy myśl naukowa celowo odrzuca język ścisłej logiki, język pojęć i terminów, starając się wyrazić w sposób irracjonalny obrazów i za pomocą fascynującej fabuły.

Powieść jest fascynującą historią narodzin i przemian zakonów w Europie, które radykalnie wpłynęły na wszystkie idee, wartości i dzieła ludzkich rąk - od Mozarta i Einsteina po Napoleona, rosyjską tajną policję carską, Stalina i Hitlera, od narzędzi tortur po Wieżę Eiffla i komputery IBM.

To nie przypadek, że powieść zbudowana jest wokół głównego bohatera – wahadła Foucaulta. Ucieleśnia z jednej strony centrum Wszechświata, a z drugiej wielką iluzję, ponieważ w ogóle nie ma centrum. Zgodnie z paradygmatem postmodernistycznym na świecie nie ma centralnych pojęć, logiki, zasad i wartości. Świat jest tylko chaosem, a wahadło w tym sensie jest absolutnym odpowiednikiem współczesnego modelu świata chaotycznego. Z każdym uderzeniem autor wyraźnie pokazuje kolejny stopień zwrotu świata, w którym my wszyscy – neokabaliści i postmoderniści, żebracy i bankierzy, artyści i urzędnicy, święci i grzesznicy – ​​kręcimy się w naszych sukcesach i szczegółach.

1. Literatura zagraniczna. XX wiek: podręcznik. dla stada. / wyd. N. P. Mikhalskaya [i inni]; pod sumą wyd. N. P. Mikhalskaya. - M.: Drop, 2003. - S. 388-397.

2. Kostiukovich, orbity E. Eco / E. Kostyukovich // Nazwa róży / U. Eco. - M., 1998. - S. 654-649.

3. Łotman, D. Wyjście z labiryntu / Y. Lotman // Imię róży / W. Eco. - M.: Izba Książki, 1989. - S. 467-481.

4. Potapova, Z. M. Powieść włoska dzisiaj / Z. M. Potapova. - M., 1977.

5. Eco, U. Notatki na marginesie „Nazwa róży” / U. Eco // Nazwa róży / U. Eco. - M.: Izba Książki, 1989. - 496 s.