Wiek XVII miał szczególne znaczenie dla kształtowania się kultur narodowych czasów nowożytnych. W tej epoce zakończył się proces lokalizacji dużych krajowych szkół artystycznych, o których oryginalności decydowały zarówno warunki rozwoju historycznego, jak i tradycja artystyczna, która rozwinęła się w każdym kraju - Włoszech, Flandrii, Holandii, Hiszpanii, Francji . Pozwala to uznać wiek XVII za nowy etap w historii sztuki. Tożsamość narodowa nie wykluczała jednak cech wspólnych. Rozwijając na wiele sposobów tradycje renesansu, artyści XVII wieku znacznie poszerzyli zakres swoich zainteresowań i pogłębili zakres poznawczy sztuki.

W porównaniu z renesansem sztuka XVII wieku jest bardziej złożona, sprzeczna w treści i formach artystycznych. Holistyczne, poetyckie postrzeganie świata, charakterystyczne dla renesansu, ulega zniszczeniu, ideał harmonii i przejrzystości staje się niedostępny. Jednak w centrum uwagi artysty pozostaje wizerunek człowieka. Tytani, śpiewani w dziełach sztuki renesansu, ustąpili miejsca człowiekowi świadomemu swojej zależności od otoczenia społecznego i obiektywnych praw bytu. Jego ucieleśnienie staje się bardziej konkretne, emocjonalne i psychologiczne. Odsłania nieskończoną różnorodność i bogactwo świata wewnętrznego, jaśniej i wyraźniej wyróżniają się cechy narodowe, ukazuje się jego miejsce w społeczeństwie. Prawdziwe życie artyści XVII wieku odkrywają w różnorodnych dramatycznych zderzeniach i konfliktach, sytuacjach groteskowo-satyrycznych i komediowych. W literaturze jest to okres rozkwitu tragedii i komedii (Szekspir, Lope de Vega, Calderon, Corneille, Racine, Molière).

Kultura artystyczna XVII wieku odzwierciedla złożoność epoki, która przygotowała drogę do zwycięstwa systemu kapitalistycznego w rozwiniętych gospodarczo krajach Europy. Na początku XVII wieku w Holandii, pierwszym kapitalistycznym kraju w Europie, dokonywano rewolucyjnych zdobyczy. W Anglii rewolucja burżuazyjna lat 1640-1660 ma zasięg ogólnoeuropejski. We Francji kształtuje się klasyczny model państwa absolutystycznego. Służąc interesom szlachty feudalnej, francuski absolutyzm zapewnił rozwój burżuazji poprzez swoją politykę protekcjonistyczną. Jednak feudalizm był nadal silny. Hiszpania, będąca w XVI w. największą potęgą świata, przekształciła się w jedno z zacofanych reakcyjnych państw Europy. We Włoszech i Niemczech, przy zachowaniu rozdrobnienia feudalnego, tworzy się książęta małomocnicze; despotyzm. Nawet w Anglii burżuazja dzieli władzę z arystokracją ziemską.

Ruchy ludowe odegrały ważną rolę w walce o postępowy rozwój państw europejskich. Główną treścią życia społecznego XVII wieku był protest mas przeciwko absolutystycznemu uciskowi i drapieżnictwu epoki prymitywnej akumulacji. Miało to w pewnym stopniu wpływ na rozwój kultury. Wystąpienia zaawansowanych myślicieli przeciwko feudalizmowi łączono z krytyką Kościoła katolickiego, co ponownie wzmacnia jego wpływy i krępuje myśl społeczną.

Jednocześnie powszechny rozwój gospodarczy w rozwiniętych krajach Europy, rozkwit manufaktury i handlu stworzyły grunt pod rozwój nauk ścisłych i przyrodniczych. Wielkie odkrycia Galileusza, Keplera, Newtona, Leibniza, Kartezjusza w matematyce, astronomii, fizyce, filozofii przyczyniły się do zatwierdzenia idei materialistycznych (Bacon, Hobbes, Locke, Spinoza), rozszerzenia i pogłębienia idei o naturze i wszechświecie. O ile dla badaczy renesansu ustalenie wzorców zjawisk opierało się na eksperymentalnej obserwacji pojedynczej, indywidualnej osoby, o tyle myśliciele XVII wieku w swoich teoriach naukowych wychodzili od integralnych systemów i poglądów na świat. Bardziej holistyczne i głębsze postrzeganie rzeczywistości potwierdza się także w twórczości artystów. Otrzymuje nową interpretację pojęcia syntezy sztuk.

Odrębne rodzaje sztuki, jak i pojedyncze dzieła, tracą swą izolację i dążą do zjednoczenia się ze sobą. Budynki organicznie wpisują się w przestrzeń ulicy, placu, parku. Rzeźba nabiera dynamiki, wkracza w architekturę i przestrzeń ogrodową. Malarstwo dekoracyjne z efektami przestrzennymi i perspektywicznymi uzupełnia to, co jest nieodłącznym elementem wnętrza architektonicznego. Pragnienie szerokiego ukazywania rzeczywistości doprowadziło w XVII wieku do powstania różnorodnych form gatunkowych. W sztukach wizualnych, obok tradycyjnych gatunków mitologicznych i biblijnych, niezależne miejsce zyskują gatunki świeckie: gatunek codzienny, pejzaż, portret, martwa natura.

Złożone relacje i walka sił społecznych dają początek różnorodności nurtów artystycznych i ideologicznych. W przeciwieństwie do poprzednich okresów historycznych, kiedy sztuka rozwijała się w ramach jednorodnych dużych stylów (romański, gotyk, renesans), wiek XVII charakteryzuje się dwoma dużymi stylami - barokiem i klasycyzmem, których elementy wyraźnie wyrażają się w architekturze i nowym rozumieniu syntezy sztuk. Sztuka baroku odsłania istotę życia w ruchu i walce przypadkowych, zmiennych sił żywiołów. W skrajnych przejawach sztuka barokowa dochodzi do irracjonalizmu, do mistycyzmu, oddziałuje na wyobraźnię i uczucia widza dramatycznym napięciem, ekspresją form. Wydarzenia interpretowane są w sposób monumentalny, artyści wolą przedstawiać sceny udręki, ekstazy lub panegiryki wyczynów, triumfów.

Podstawą sztuki klasycyzmu jest racjonalna zasada. Piękne z punktu widzenia klasycyzmu jest tylko to, co uporządkowane, rozsądne, harmonijne. Bohaterowie klasycyzmu podporządkowują swoje uczucia kontroli umysłu, są powściągliwi i majestatyczni. Teoria klasycyzmu uzasadnia podział na gatunki wysokie i niskie. W sztuce klasycyzmu jedność osiąga się poprzez połączenie i dopasowanie wszystkich części całości, które jednak zachowują swoje niezależne znaczenie. Zarówno barok, jak i klasycyzm cechuje chęć uogólnień, ale mistrzowie baroku skłaniają się ku dynamicznym masom, do skomplikowanych, rozbudowanych zespołów. Często cechy tych dwóch wielkich stylów przenikają się w sztuce jednego kraju, a nawet w twórczości tego samego artysty, rodząc w niej sprzeczności.

Wraz z barokiem i klasycyzmem w sztukach wizualnych pojawia się bardziej bezpośrednie, mocne i realistyczne odbicie życia, wolne od elementów stylistycznych. Kierunek realistyczny jest ważnym kamieniem milowym w ewolucji sztuki zachodnioeuropejskiej. Jego przejawy są niezwykle różnorodne i żywe, zarówno w różnych szkołach narodowych, jak i wśród poszczególnych mistrzów. Do XVII wieku należą najwięksi mistrzowie realizmu - Caravaggio, Velazquez, Rembrandt, Hals, Vermeer z Delft. W XVII wieku na pierwszy plan wysunęły się szkoły narodowe, w których sztuce osiągnięto najwyższe wyniki twórcze. Włochy, Hiszpania, Flandria, Holandia, Francja szybko stają się wpływowymi ośrodkami artystycznymi. W pozostałych krajach europejskich – Anglii, Niemczech, Austrii, Czechach, Polsce, Danii, kultura artystyczna zachowuje ślad lokalnych właściwości i związków z tradycją poprzednich epok.

Wiek XVIII to okres, w którym dokonały się kolosalne przemiany we wszystkich sferach: politycznej, społecznej, publicznej. Europa wprowadza do malarstwa rosyjskiego nowe gatunki: pejzaż, historyczny, życie codzienne. Dominuje realistyczny kierunek malarstwa. Żywy człowiek jest bohaterem i nosicielem ideałów estetycznych tamtych czasów.

Wiek XVIII wszedł do historii sztuki jako czas portretów malarskich. Każdy chciał mieć swój własny portret: od królowej po zwykłego urzędnika z prowincji.

Europejskie tendencje w malarstwie rosyjskim

Znani rosyjscy artyści XVIII wieku zostali zmuszeni do podążania za zachodnią modą na polecenie Piotra I, który chciał zeuropeizować Rosję. Przywiązywał dużą wagę do rozwoju sztuk pięknych, planował nawet budowę specjalistycznej placówki oświatowej.

Rosyjscy artyści XVIII wieku opanowali nowe techniki malarstwa europejskiego i przedstawiali na swoich płótnach nie tylko królów, ale także różnych bojarów, kupców, patriarchów, którzy starali się nadążać za modą i często zlecali lokalnym artystom namalowanie portretu. Jednocześnie ówcześni artyści starali się wzbogacać portrety o przedmioty gospodarstwa domowego, elementy stroju narodowego, przyrodę i tak dalej. Uwagę skupiono na drogich meblach, dużych wazonach, luksusowych strojach, ciekawych pozach. Wizerunek ludzi tamtych czasów odbierany jest dziś przez artystów jako poetycka opowieść o ich czasach.

A jednak portrety rosyjskich artystów XVIII wieku różnią się od portretów zaproszonych malarzy zagranicznych uderzającym kontrastem. Warto wspomnieć, że do szkolenia artystów rosyjskich zapraszano artystów z innych krajów.

Rodzaje portretów

Początek XVIII w. charakteryzował się atrakcyjnością malarzy portretowych do widoków półceremonialnych i kameralnych.Portrety malarzy drugiej połowy XVIII w. dały początek takim typom jak frontowy, półceremonialny, kameralny, intymny.

Przedni różni się od pozostałych wizerunkiem osoby w pełni wzrostu. Blask luksusu – zarówno w ubraniach, jak i przedmiotach gospodarstwa domowego.

Pół-ceremonialny wygląd to obraz modelu do kolan lub talii.

Jeśli osoba jest przedstawiona na neutralnym tle aż do klatki piersiowej lub talii, wówczas ten typ portretu nazywa się komnatą.

Intymny wygląd portretu sugeruje odwołanie do wewnętrznego świata bohatera obrazu, pomijając tło.

obrazy portretowe

Często rosyjscy artyści XVIII wieku byli zmuszeni ucieleśnić wyobrażenie klienta o sobie w obrazie portretowym, ale w żadnym wypadku nie był to prawdziwy obraz. Ważne było, aby wziąć pod uwagę opinię publiczną na temat tej czy innej osoby. Wielu historyków sztuki już dawno doszło do wniosku, że główną zasadą tamtych czasów było przedstawianie człowieka nie tyle, jakim jest w rzeczywistości lub jakim chciałby być, ale takim, jakim mógłby być w swoim najlepszym odbiciu. Oznacza to, że na portretach każdej osoby próbowali przedstawić ją jako ideał.

Pierwsi artyści

Rosyjscy artyści XVIII wieku, których lista jest na ogół niewielka, to w szczególności I. N. Nikitin, A. P. Antropow, F. S. Rokotow, I. P. Argunov, V. L. Borovikovsky, D G. Levitsky.

Do pierwszych malarzy XVIII wieku należą nazwiska Nikitina, Antropowa, Argunowa. Rola tych pierwszych rosyjskich artystów XVIII wieku była niewielka. Sprowadzono go jedynie do napisania ogromnej liczby obrazów królewskich, portretów rosyjskiej szlachty. Rosyjscy artyści XVIII wieku - mistrzowie portretu. Chociaż często po prostu pomagali zagranicznym rzemieślnikom malować ściany dużej liczby pałaców i tworzyć dekoracje teatralne.

Nazwisko malarza Iwana Nikiticza Nikitina można znaleźć w korespondencji Piotra I z żoną. Jego pędzel należy do portretu samego króla, kanclerza G. I. Golovina. W jego portrecie hetmana plenerowego nie ma nic sztucznego. Wyglądu nie zmienia peruka ani strój dworski. Artysta pokazał hetmana takim, jakim jest on w prawdziwym życiu. Główna zaleta portretów Nikitina leży w prawdzie życia.

Dzieło Antropowa zachowało się na obrazach katedry św. Andrzeja w Kijowie i portretach na Synodzie. Prace te wyróżnia zamiłowanie artysty do żółtej, oliwkowej kolorystyki, gdyż jest on malarzem, który kształcił się u mistrza malarstwa ikonowego. Do jego słynnych dzieł należą portrety Elżbiety Pietrowna, Piotra I, księżniczki Trubeckiej, Atamana F. Krasnoszczekowa. Twórczość Antropowa łączyła tradycje oryginalnego malarstwa rosyjskiego XVII wieku i kanony sztuk pięknych epoki Piotra.

Iwan Pietrowicz Argunow jest znanym portrecistą pańszczyźnianym hrabiego Szeremietiewa. Jego portrety są pełne wdzięku, pozy przedstawianych przez niego osób są swobodne i mobilne, wszystko w jego pracach jest precyzyjne i proste. Jest twórcą portretu kameralnego, który później nabierze intymnego charakteru. Znaczące dzieła artysty: Szeremietiew, P. B. Szeremietiew w dzieciństwie.

Nie należy myśleć, że w tym czasie w Rosji nie istniały żadne inne gatunki, ale wielcy rosyjscy artyści XVIII wieku stworzyli najważniejsze dzieła z gatunku portretów.

Szczytem XVIII wieku było dzieło Rokotowa, Lewickiego i Borovikowskiego. Osoba na portretach artystów jest godna podziwu, uwagi i szacunku. Cechą charakterystyczną ich portretów jest człowieczeństwo uczuć.

Fiodor Stepanowicz Rokotow (1735-1808)

Prawie nic nie wiadomo o Fiodorze Stiepanowiczu Rokotowie, XVIII-wiecznym rosyjskim artyście pochodzącym z poddanych księcia I. Repnina. Artysta tworzy portrety kobiet delikatnie i zwiewnie. Rokotow odczuwa wewnętrzne piękno i znajduje sposób, aby ucieleśnić je na płótnie. Nawet owalny kształt portretów tylko podkreśla delikatny i elegancki wygląd kobiet.

Głównym gatunkiem jego twórczości jest portret półubrany. Wśród jego dzieł znajdują się portrety Grigorija Orłowa i Piotra III, księżniczki Jusupowej i księcia Pawła Pietrowicza.

Dmitrij Grigoriewicz Lewicki (1735-1822)

Słynny rosyjski artysta XVIII wieku Dmitrij Grigoriewicz Lewicki, uczeń A. Antropowa, potrafił z wyczuciem uchwycić i odtworzyć na swoich obrazach stany psychiczne i cechy ludzi. Przedstawiając bogatych, pozostaje prawdomówny i bezstronny, jego portrety wykluczają służalczość i kłamstwo. Jego pędzel posiada całą galerię portretów wielkich ludzi XVIII wieku. To na uroczystym portrecie Lewicki objawia się jako mistrz. Znajduje wyraziste pozy, gesty, ukazujące szlachetną szlachtę. Historia Rosji w twarzach – tak często nazywa się twórczość Lewickiego.
Obrazy należące do pędzla artysty: portrety M. A. Lwowej, E. I. Nelidovej, N. I. Nowikowa, Mitrofanowów.

Władimir Łukicz Borovikovsky (1757-1825)

Rosyjscy artyści XVIII i XIX wieku wyróżniają się odwołaniem do tzw. portretu sentymentalnego. Artysta Władimir Łukich Borovikovsky maluje zamyślone dziewczyny, które są przedstawiane na jego portretach w jasnych kolorach, są zwiewne i niewinne. Jego bohaterkami są nie tylko rosyjskie wieśniaczki w tradycyjnych strojach, ale także szanowane damy z wyższych sfer. Są to portrety Naryszkiny, Lopukhiny, księżniczki Suvorowej, Arsenyevy. Zdjęcia są nieco podobne, ale nie sposób ich zapomnieć. wyróżnia się niesamowitą subtelnością przekazywanych postaci, niemal nieuchwytnymi cechami przeżyć emocjonalnych i uczuciem czułości spajającym wszystkie obrazy. W swoich pracach Borovikovsky odsłania całe piękno kobiety tamtych czasów.

Dziedzictwo Borowikowskiego jest bardzo różnorodne i rozległe. W jego twórczości znajdują się zarówno portrety ceremonialne, jak i płótna miniaturowe i intymne. Wśród dzieł Borowikowskiego najsłynniejsze były portrety V. A. Żukowskiego, G. R. Derzhavina, A. B. Kurakina i Pawła I.

Obrazy rosyjskich artystów

Obrazy XVIII wieku rosyjskich artystów pisane są z miłością do człowieka, jego wewnętrznego świata i szacunkiem dla cnót moralnych. Styl każdego artysty z jednej strony jest bardzo indywidualny, z drugiej strony ma kilka cech wspólnych z innymi. Ten moment zdeterminował styl, który podkreśla charakter sztuki rosyjskiej XVIII wieku.

Większość rosyjskich artystów XVIII wieku:

1. „Młody malarz” Druga połowa lat 60. XVIII w Autor Iwan Firsow to najbardziej zagadkowy artysta XVIII wieku. Obraz przedstawia chłopca w mundurze, który maluje portret małej pięknej dziewczynki.
2. „Pożegnanie Hektora z Andromachą”, 1773 Autor Anton Pawłowicz Losenko. Ostatni obraz artysty. Przedstawia scenę z szóstego pieśni Iliady Homera.
3. „Kamienny most w Gatchinie w pobliżu Connetable Square”, 1799-1801. Autor Siemion Fedorowicz Szczedrin. Na zdjęciu widok krajobrazowy.

I nadal

Rosyjscy artyści XVIII wieku nadal próbowali odsłonić prawdę i prawdziwe charaktery ludzi, pomimo warunków pańszczyzny i życzeń zamożnych klientów. Gatunek portretowy w XVIII wieku ucieleśniał specyficzne cechy narodu rosyjskiego.

Niewątpliwie można powiedzieć, że niezależnie od tego, jak duży wpływ na sztukę XVIII wieku miała kultura europejska, doprowadziła ona jednak do rozwoju narodowych tradycji rosyjskich.

Holandia. XVII wiek Kraj przeżywa niespotykany dotąd dobrobyt. Tak zwany „złoty wiek”. Pod koniec XVI wieku kilka prowincji kraju uzyskało niepodległość od Hiszpanii.

Teraz protestancka Holandia poszła własną drogą. I katolicka Flandria (obecnie Belgia) pod skrzydłem Hiszpanii – swoją.

W niepodległej Holandii malarstwo religijne prawie nikomu nie było potrzebne. Kościół protestancki nie aprobował luksusu dekoracji. Ale ta okoliczność „wpłynęła na korzyść” malarstwa świeckiego.

Dosłownie każdy mieszkaniec nowego kraju obudził w sobie miłość do tego typu sztuki. Holendrzy chcieli zobaczyć swoje życie na zdjęciach. A artyści chętnie wychodzili im naprzeciw.

Nigdy wcześniej otaczająca nas rzeczywistość nie została tak szczegółowo przedstawiona. Zwykli ludzie, zwykłe pokoje i najzwyklejsze śniadanie mieszkańca miasta.

Realizm rozkwitł. Do XX wieku będzie godnym konkurentem akademizmu ze swoimi nimfami i greckimi boginiami.

Tych artystów nazywa się „małymi” Holendrami. Dlaczego? Obrazy były małych rozmiarów, bo tworzono je z myślą o małych domach. Tak więc prawie wszystkie obrazy Jana Vermeera mają nie więcej niż pół metra wysokości.

Ale ta druga wersja bardziej mi się podoba. W Holandii w XVII wieku żył i pracował wielki mistrz, „duży” Holender. A wszyscy inni byli „mali” w porównaniu z nim.

Mówimy oczywiście o Rembrandcie. Zacznijmy od niego.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandta. Autoportret w wieku 63 lat. 1669 Galeria Narodowa w Londynie

Rembrandt miał w swoim życiu szansę doświadczyć najszerszej gamy emocji. Dlatego w jego wczesnych pracach jest tyle zabawy i brawury. I tyle skomplikowanych uczuć - w późniejszych.

Tutaj jest młody i beztroski na obrazie „Syn marnotrawny w karczmie”. Na kolanach leży ukochana żona Saskii. Jest popularnym artystą. Zamówienia napływają.

Rembrandta. Syn marnotrawny w tawernie. 1635 Galeria Starych Mistrzów, Drezno

Ale to wszystko zniknie za jakieś 10 lat. Saskia umrze na suchoty. Popularność zniknie jak dym. Duży dom z wyjątkową kolekcją zostanie zabrany za długi.

Ale pojawi się ten sam Rembrandt, który pozostanie na wieki. Nagie uczucia bohaterów. Ich najskrytsze myśli.

2. Frans Hals (1583-1666)

Fransa Halsa. Autoportret. 1650 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku

Frans Hals to jeden z najwybitniejszych portrecistów wszechczasów. Dlatego też zaliczyłbym go do grona „dużych” Holendrów.

W Holandii panował wówczas zwyczaj zamawiania portretów grupowych. Powstało więc mnóstwo podobnych prac, przedstawiających ludzi pracujących razem: strzelców z tej samej cechu, lekarzy z tego samego miasta, zarządzających domem opieki.

W tym gatunku Hals wyróżnia się najbardziej. W końcu większość tych portretów wyglądała jak talia kart. Ludzie siedzą przy stole z tym samym wyrazem twarzy i po prostu patrzą. Hals był inny.

Spójrz na jego portret grupowy „Strzały cechu św. Jerzy".

Fransa Halsa. Strzały cechu św. Jerzy. 1627 Muzeum Fransa Halsa, Haarlem, Holandia

Nie znajdziesz tu ani jednego powtórzenia postawy czy wyrazu twarzy. Jednocześnie nie ma tu chaosu. Postaci jest wiele, ale żadna nie wydaje się zbędna. Dzięki zaskakująco poprawnemu ułożeniu figur.

Tak, a w jednym portrecie Hals przewyższył wielu artystów. Jego modele są naturalne. Ludzie z wyższych sfer na jego obrazach pozbawieni są naciąganej wielkości, a modelki z dołu nie wyglądają na upokorzone.

A jego bohaterowie są bardzo emocjonalni: uśmiechają się, śmieją, gestykulują. Jak na przykład ten „Cygan” o przebiegłym spojrzeniu.

Fransa Halsa. Cygański. 1625-1630

Hals, podobnie jak Rembrandt, zakończył swoje życie w biedzie. Z tego samego powodu. Jego realizm był sprzeczny z gustami klientów. Kto chciał upiększyć swój wygląd. Hals nie poszedł w pochlebstwa i tym samym podpisał własne zdanie - „Zapomnienie”.

3. Gerard Terborch (1617-1681)

Gerarda Terborcha. Autoportret. 1668 Galeria Królewska Mauritshuis, Haga, Holandia

Terborch był mistrzem rodzimego gatunku. Bogaci i niezbyt mieszczanie rozmawiają powoli, panie czytają listy, a procederka obserwuje zaloty. Dwie lub trzy blisko siebie rozmieszczone postacie.

To ten mistrz opracował kanony gatunku krajowego. Które następnie wypożyczą Jan Vermeer, Pieter de Hooch i wielu innych „małych” Holendrów.

Gerarda Terborcha. Szklanka lemoniady. 1660. XVII w. Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu

Szklanka lemoniady to jedno ze słynnych dzieł Terborcha. Pokazuje to jeszcze jedną zaletę artysty. Niesamowicie realistyczny obraz materiału sukni.

Terborch ma również niezwykłe dzieła. Co świadczy o jego chęci wyjścia poza wymagania klientów.

Jego „Młynek” ukazuje życie najbiedniejszych mieszkańców Holandii. Przyzwyczailiśmy się, że na zdjęciach „małych” Holendrów widzimy przytulne podwórka i czyste pokoje. Ale Terborch odważył się pokazać nieatrakcyjną Holandię.

Gerarda Terborcha. Szlifierka. 1653-1655 Muzea Państwowe w Berlinie

Jak rozumiesz, takie prace nie były poszukiwane. A takie przypadki są rzadkością nawet w Terborch.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jana Vermeera. Warsztat artysty. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum w Wiedniu

Nie wiadomo na pewno, jak wyglądał Jan Vermeer. Wiadomo tylko, że na obrazie „Warsztat artysty” przedstawił siebie. To prawda, od tyłu.

Dlatego zaskakujące jest to, że niedawno ujawniono nowy fakt z życia mistrza. Jest to związane z jego arcydziełem „Ulica Delft”.

Jana Vermeera. Ulica Delftowa. 1657 Rijksmuseum w Amsterdamie

Okazało się, że Vermeer spędził swoje dzieciństwo na tej ulicy. Dom na zdjęciu należał do jego ciotki. Wychowała tam pięcioro swoich dzieci. Być może siedzi na progu domu i szyje, podczas gdy dwójka jej dzieci bawi się na chodniku. Sam Vermeer mieszkał w domu naprzeciwko.

Ale częściej przedstawiał wnętrza tych domów i ich mieszkańców. Wydawać by się mogło, że fabuła obrazów jest bardzo prosta. Oto ładna pani, zamożna mieszkanka miasta, sprawdzająca pracę swojej wagi.

Jana Vermeera. Kobieta z ciężarami. 1662-1663 Narodowa Galeria Sztuki w Waszyngtonie

Czym Vermeer wyróżniał się spośród tysięcy innych „małych” Holendrów?

Był niedoścignionym mistrzem światła. Na obrazie „Kobieta z łuskami” światło delikatnie otula twarz bohaterki, tkaniny i ściany. Nadanie obrazowi nieznanej duchowości.

A kompozycje obrazów Vermeera są dokładnie sprawdzane. Nie znajdziesz ani jednego dodatkowego szczegółu. Wystarczy usunąć jeden z nich, obraz „kruszy się”, a magia zniknie.

Wszystko to nie było łatwe dla Vermeera. Tak niesamowita jakość wymagała żmudnej pracy. Tylko 2-3 obrazy rocznie. W rezultacie niemożność wyżywienia rodziny. Vermeer pracował także jako handlarz dziełami sztuki, sprzedając dzieła innych artystów.

5. Pieter de Hooch (1629-1884)

Piotra de Hoocha. Autoportret. 1648-1649 Rijksmuseum w Amsterdamie

Hocha często porównuje się do Vermeera. Pracowali w tym samym czasie, był nawet okres w tym samym mieście. I w jednym gatunku - gospodarstwo domowe. W Hoch widzimy także jedną lub dwie postacie na przytulnych holenderskich dziedzińcach lub pokojach.

Otwarte drzwi i okna sprawiają, że przestrzeń jego obrazów jest wielowarstwowa i zabawna. A postacie bardzo harmonijnie wpasowują się w tę przestrzeń. Jak na przykład w jego obrazie „Służący z dziewczyną na podwórku”.

Piotra de Hoocha. Pokojówka z dziewczyną na podwórku. 1658 Londyńska Galeria Narodowa

Do XX wieku Hoch był wysoko ceniony. Ale niewiele osób zauważyło kilka dzieł jego konkurenta Vermeera.

Ale w XX wieku wszystko się zmieniło. Chwała Hocha przygasła. Trudno jednak nie docenić jego osiągnięć w malarstwie. Mało kto potrafił tak umiejętnie łączyć środowisko i ludzi.

Piotra de Hoocha. Gracze w karty w słonecznym pokoju. Królewska kolekcja sztuki z 1658 r., Londyn

Należy pamiętać, że w skromnym domu na płótnie „Gracze w karty” znajduje się obraz w drogiej ramie.

To po raz kolejny mówi o popularności malarstwa wśród zwykłych Holendrów. Obrazy zdobiły każdy dom: dom zamożnego mieszczanina, skromnego mieszkańca miasta, a nawet chłopa.

6. Jan Steen (1626-1679)

Jana Stana. Autoportret z lutnią. lata 70. XVII w Muzeum Thyssen-Bornemisza w Madrycie

Jan Steen to chyba najweselszy „mały” Holender. Ale kochające moralizowanie. Często przedstawiał tawerny lub biedne domy, w których znaleziono występek.

Jej głównymi bohaterami są biesiadnicy i damy łatwych cnót. Chciał zabawiać widza, ale w domyśle ostrzegał go przed okrutnym życiem.

Jana Stana. Chaos. 1663 Muzeum Historii Sztuki w Wiedniu

Stan ma także spokojniejsze dzieła. Jak na przykład „Poranna toaleta”. Ale i tutaj artysta zaskakuje widza zbyt szczerymi szczegółami. Są ślady gumy do pończoszek, a nie pusty nocnik. I jakoś wcale nie jest tak, że pies leży prosto na poduszce.

Jana Stana. Poranna toaleta. 1661-1665 Rijksmuseum w Amsterdamie

Ale pomimo całej frywolności, schematy kolorów Stana są bardzo profesjonalne. W tym przewyższył wielu „małych Holendrów”. Zobacz, jak czerwona pończocha idealnie komponuje się z niebieską marynarką i jasnym beżowym dywanikiem.

7. Jacobs Van Ruysdael (1629-1882)

Portret Ruisdaela. Litografia z książki z XIX wieku. Szczegóły Kategoria: Sztuki piękne i architektura końca XVI-XVIII w. Opublikowano 06.02.2017 15:37 Wyświetleń: 2498

W naszym artykule porozmawiamy o dwóch artystach: Jana van Goyene’a I Jacoba van Ruisdale’a.

Obaj żyli w epoce wyzwolenia Holandii spod obcego jarzma i był to złoty wiek malarstwa holenderskiego. To w sztuce holenderskiej zaczęły rozwijać się następujące gatunki: portret, pejzaż, gatunek codzienny, martwa natura. Nie obserwowano tego wówczas nawet w wybitnych ośrodkach sztuki – we Włoszech czy Francji. Sztuka Holandii w XVII wieku. stała się swoistym zjawiskiem w artystycznym świecie Europy XVII wieku. Holenderscy mistrzowie utorowali drogę artystom z innych krajowych europejskich szkół artystycznych.

Jan van Goyen (1596-1656)

Terborch „Portret van Goyena” (ok. 1560)

Jan van Goyen jest jednym z pierwszych artystów, który przedstawiał naturę w sposób naturalny, prosty, bez upiększeń. Jest twórcą narodowego krajobrazu Holandii. Natura jego kraju zapewniła mu wystarczającą liczbę poddanych na całe życie.
Jan van Goyen urodził się w 1596 roku w Lejdzie w rodzinie szewskiej.
Choć Jan van Goyen w młodości spędził trochę czasu w Paryżu, zamiłowanie do prostego pejzażu było we Francji nieznane, dlatego nie warto mówić o jakimkolwiek wpływie przedstawicieli malarstwa francuskiego na jego twórczość.
We własnym kraju miał kilku nauczycieli malarstwa, ale dopiero w pracowni Isaiaha van de Velde spędził rok, a z resztą mentorów komunikował się jeszcze mniej.

Jan van Goyen „Krajobraz z wydmami” (1630-1635). Kunsthistorisches Museum (Wiedeń)

kreacja

Początkowo Goyen malował holenderskie wioski lub okolice wraz z ich roślinnością, później w jego obrazach zaczęły dominować widoki wybrzeża, gdzie większość obrazów zajmowało niebo i woda.

Jan van Goyen „Widok na rzekę” (1655). Mauritshuis (Haga)

Drzewa, chaty czy budynki miejskie odgrywają w jego obrazach rolę drugorzędną, ale mają bardzo malowniczy wygląd, podobnie jak małe żaglówki i statki wiosłowe z postaciami rybaków, sterników i pasażerów.
Obrazy Goyena są przeważnie monotonne. Artysta umiłował prostotę koloru, ale jednocześnie jego kolory są harmonijne. Nałożył farbę lekką warstwą.

Jan van Goyen Widok na Merwede niedaleko Dordrechtu (ok. 1645). Rijksmuseum (Amsterdam)

Późne prace artysty wyróżniają się niemal monochromatyczną paletą, a prześwitujący podkład nadaje im szczególnej głębi i niepowtarzalnego uroku.

Krajobraz Jana van Goyena z dwoma dębami (1641). Rijksmuseum (Amsterdam)

Jego obrazy zachwycają właśnie swoją prostotą i realizmem. Artysta stworzył sporo płócien artystycznych, lecz nie zawsze jego twórczość była godnie nagradzana. Dlatego Goyen musiał zarabiać dodatkowe pieniądze w inny sposób: handlował tulipanami, zajmował się wyceną i sprzedażą dzieł sztuki, nieruchomości i gruntów. Jednak próby przedsiębiorczości zwykle nie kończyły się sukcesem.

Jan van Goyen „Zimowa scena na lodzie”

Teraz jego twórczość jest doceniana, a każde muzeum uważa jego obrazy za cenne eksponaty.
W Ermitażu znajduje się także kilka obrazów Jana van Goyena: „Widok na rzekę. Meuse, niedaleko Dortrechtu”, „Wybrzeże Scheveningen, niedaleko Hagi”, „Zimowy krajobraz”, „Widok na rzekę. Moza”, „Widok na wieś”, „Krajobraz z dębem” itp.

Jan van Goyen „Pejzaż z dębem”

Oprócz malarstwa Goyen zajmował się akwafortą (rodzaj grawerowania na metalu) i rysunkiem.

W 1632 roku Goyen przeniósł się z rodziną do Hagi, gdzie mieszkał do końca życia – do 1656 roku.

Jacob van Ruisdael (1628/1629-1682)

Jacob Isaacs van Ruisdael urodził się i zmarł w Haarlemie (Holandia). Nie ma jego dokładnych portretów. Ten portret ma jedynie charakter spekulacyjny.
Obecnie Ruisdael uważany jest za najważniejszego holenderskiego malarza pejzażu, jednak za jego życia jego talent nie został doceniony należycie. Jego nauczycielem mógł być jego własny wujek – artysta Solomon van Ruysdael.
Ruisdael był także praktykującym chirurgiem mieszkającym w Amsterdamie.

kreacja

Artysta umiejętnie przekazał ludzkie emocje poprzez pejzaż. A dla niego ważny był każdy element krajobrazu: wygięta przez podmuch wiatru gałąź drzewa, zmiażdżone źdźbło trawy, chmura burzowa, wydeptana ścieżka… I wszystkie te elementy zostały harmonijnie połączone na jego obrazach w jeden NATURA.
Pisał małymi pociągnięciami. Lubił malować leśne zarośla, bagna, wodospady, małe holenderskie miasteczka czy wsie, a przede wszystkim – triumfujące niebo. Krajobrazy Ruisdaela są zrozumiałe dla każdej osoby dowolnej narodowości, ponieważ wyrażają wspólną jedność z naturą dla wszystkich ludzi.
Ruisdael stworzył około 450 obrazów. Inne źródła podają liczbę 600. Większość jego pejzaży poświęcona jest naturze rodzinnej Holandii, ale malował także lasy dębowe w Niemczech i wodospady Norwegii.

XVII wiek to okres rozkwitu okresu feudalnego w Rosji. W tym czasie wzmocnił się system feudalno-poddaniowy, a po drodze w głębi tego samego systemu narodziły się więzi burżuazyjne. Szybki rozwój miast i społeczeństwa w ogóle doprowadził do rozkwitu kultury. Na sile zyskało także malarstwo XVII wieku w Rosji. W dużych miastach zaczęły gromadzić się masy, co z kolei było główną przyczyną tak szybkiego rozwoju kultury. Horyzonty narodu rosyjskiego poszerzyły się także wraz z początkiem produkcji przemysłowej, co zmusiło go do bliższego przyjrzenia się odległym regionom kraju. W malarstwie XVII-wiecznym w Rosji przenikają różne elementy świeckie. Obrazy cieszą się coraz większą popularnością.

Wpływ kościoła na sztukę

Z wielkiej siły oddziaływania sztuki, zwłaszcza malarstwa, zdawał sobie sprawę także Kościół. Przedstawiciele duchowieństwa starali się kontrolować pisanie obrazów, próbując podporządkować je dogmatom religijnym. Mistrzowie ludowi – malarze, którzy ich zdaniem odeszli od ustalonych kanonów, byli poddawani prześladowaniom.

Malarstwo w XVII wieku w Rosji było jeszcze dalekie od tendencji realistycznych i rozwijało się niezwykle powoli. Na pierwszym planie nadal pozostawała abstrakcyjna, dogmatyczna i alegoryczna wizja malarstwa. Ikony i murale były przepełnione małymi scenami i obiektami wokół głównego obrazu. Charakterystyczne dla tamtych czasów były także objaśniające napisy na obrazach.

Osobowość i malarstwo XVII wieku

Opisując malarstwo XVII wieku w Rosji, nie sposób nie wspomnieć o artyście Szymonie Fiodorowiczu Uszakowie, autorze tak znanych obrazów, jak „Zbawiciel nie stworzony rękami”, „Trójca” i „Sadzenie drzewa państwa rosyjskiego”. ”. Niezwykłym zjawiskiem w malarstwie było zainteresowanie człowiekiem jako osobą. Świadczyło o tym powszechne malarstwo portretowe XVII wieku w Rosji.

Należy zaznaczyć, że portret stał się własnością mas dopiero od połowy XVIII wieku i do tego czasu na płótnie artysty pamięć o sobie mogli pozostawić jedynie bliscy władzy najwyższej. Powstało wiele obrazów o charakterze ceremonialnym i dekoracyjnym dla dużych przestrzeni publicznych, takich jak Akademia Sztuk Pięknych, Senat, Admiralicja i Pałace Cesarskie. Rodziny mogły także zamawiać portrety, ale nie popisywały się nimi, lecz pozostawiały je we własnym kręgu. Mogły ozdobić nawet biedne petersburskie mieszkania inteligencji, która starała się podążać za trendami i modą panującą w społeczeństwie.

Wpływ na malarstwo rosyjskie kultury zachodnioeuropejskiej

Należy zauważyć, że malarstwo w XVII wieku w Rosji bardzo się zmieniło, zwłaszcza portret. Na pierwszy plan zaczął wysuwać się realny świat, z prawdziwymi losami i procesami. Wszystko stało się bardziej świeckie i realistyczne. Ogromne wpływy nadeszły z Zachodu. Estetyczne gusta Zachodu stopniowo zaczęły napływać do Rosji. Dotyczyło to nie tylko sztuki w ogóle, ale także takich przedmiotów artystycznych, jak naczynia, powozy, ubrania i wiele innych. Popularne stało się wykonywanie portretów jako hobby. Modne było przynoszenie w prezencie królowi obrazów przedstawiających monarchów. Poza tym wysłannicy nie mieli nic przeciwko zdobywaniu interesujących ich portretów w stolicach świata. Nieco później popularne stało się naśladowanie umiejętności malowania na płótnie przez artystów zagranicznych. Pojawiają się pierwsze „Tytuły”, w których przedstawiono portrety władców obcych i rosyjskich.

Mimo że opór niektórych środowisk rósł wprost proporcjonalnie do wzrostu popularności sztuki ludowej, powstrzymanie ruchu było po prostu niemożliwe. W drugiej połowie stulecia malarstwo w XVII wieku nabrało rozpędu w Rosji. Jeden z głównych warsztatów ośrodków sztuki był miejscem, w którym dwudziestu mistrzów namalowało ponad sto obrazów pod kierunkiem Łoputskiego, Wukhtersa i Bezmina. Ich prace odzwierciedlały istniejące, sprzeczne nurty w malarstwie. Część obrazów została wykonana w stylu oficjalnym, część w stylu zachodnioeuropejskim.

Nowość w portrecie

Malarstwo w XVII wieku w Rosji zmieniło swój wygląd. Gatunek świecki, portret, przybrał nową formę. Głównym tematem sztuki stał się człowiek. Można stwierdzić, że wzrosła rola jednostki jako osoby. Kanoniczne „twarze” zeszły na dalszy plan i ustąpiły miejsca doczesnym relacjom i osobowości jako całości. Poezja stała się godna prawdziwej osoby, a nie tylko boskości czy świętego. Uroczysty portret opuścił scenę sztuki rosyjskiej. Oczywiście jego wpływ nie skończył się dzisiaj, ale stał się mniej znaczący. W okresie Piotrowym znajduje także dla siebie miejsce na ziemi rosyjskiej, a nawet egzystuje na równi z portretem europejskim.

Wniosek

Tak rozwinęło się malarstwo XVII wieku w Rosji. W skrócie można stwierdzić, że właśnie w tym stuleciu nastąpił przełom w sztuce, który wpłynął na kulturę kraju i jego dalszy rozwój.