Ciao, cari lettori– cercatori di conoscenza e verità!
Gli artisti giapponesi sono diversi stile unico, affinato da intere generazioni di maestri. Oggi parleremo dei rappresentanti più importanti Pittura giapponese e i loro dipinti, dall'antichità ai tempi moderni.
Bene, tuffiamoci nell'arte del Paese del Sol Levante.
La nascita dell'arte
L'antica arte della pittura in Giappone è principalmente associata alle peculiarità della scrittura ed è quindi costruita sulle basi della calligrafia. I primi campioni includono frammenti di campane di bronzo, stoviglie e oggetti domestici rinvenuti durante gli scavi. Molti di loro sono stati dipinti con vernici naturali e la ricerca dà motivo di credere che i prodotti siano stati realizzati prima del 300 a.C.
Con l'arrivo in Giappone è iniziato un nuovo ciclo di sviluppo artistico. Immagini di divinità del pantheon buddista, scene della vita del Maestro e dei suoi seguaci sono state applicate sugli emakimono, speciali rotoli di carta.
La predominanza dei temi religiosi nella pittura può essere vista in Giappone medievale, vale a dire dal X al XV secolo. I nomi degli artisti di quell'epoca, ahimè, non sono sopravvissuti fino ad oggi.
Nel periodo tra il XV e il XVIII secolo inizia un nuovo tempo, caratterizzato dalla comparsa di artisti con sviluppi sviluppati stile individuale. Hanno designato il vettore ulteriori sviluppi arti visive.
Rappresentanti brillanti del passato
Xubun teso (inizio XV secolo)
Per diventare un maestro eccezionale, Xiubun ha studiato le tecniche di scrittura degli artisti cinesi della canzone e le loro opere. Successivamente divenne uno dei fondatori della pittura in Giappone e il creatore del sumi-e.
Sumi-e – stile artistico, che si basa sul disegno con inchiostro, il che significa un colore.
Syubun fece molto affinché il nuovo stile mettesse radici nei circoli artistici e insegnò arte ad altri talenti, inclusi futuri pittori famosi, ad esempio Sesshu.
Il dipinto più popolare di Xiubun si chiama "Lettura in un boschetto di bambù".
"Leggere nel boschetto di bambù" di Tense Xubun
Hasegawa Tohaku (1539-1610)
Divenne il creatore di una scuola che porta il suo nome: Hasegawa. Inizialmente cercò di seguire i canoni della scuola Kano, ma gradualmente la sua “grafia” individuale cominciò a essere rintracciata nelle sue opere. Tohaku è stato guidato dalla grafica di Sesshu.
La base del lavoro era semplice, concisa, ma paesaggi realistici con nomi semplici:
- "Pini";
- "Acero";
- "Pini e piante da fiore."
"Pini" di Hasegawa Tohaku
Fratelli Ogata Korin (1658-1716) e Ogata Kenzan (1663-1743)
I fratelli erano eccellenti artigiani del XVIII secolo. Il maggiore, Ogata Korin, si dedicò interamente alla pittura e fondò il genere rimpa. Evitò immagini stereotipate, preferendo il genere impressionista.
Ogata Korin dipinse la natura in generale e i fiori in particolare sotto forma di astrazioni luminose. I suoi pennelli appartengono ai dipinti:
- "Fiore di prugno rosso e bianco";
- "Onde di Matsushima";
- "Crisantemi".
"Le onde di Matsushima" di Ogata Korin
Il fratello minore, Ogata Kenzan, aveva molti pseudonimi. Sebbene fosse impegnato nella pittura, era famoso più come un meraviglioso ceramista.
Ogata Kenzan ha imparato molte tecniche per creare la ceramica. Si distingueva per un approccio non standard, ad esempio creava piatti a forma di quadrato.
La sua pittura non si distingueva per lo splendore: anche questa era la sua particolarità. Amava applicare calligrafia simile a pergamena o estratti di poesie sui suoi oggetti. A volte lavoravano insieme al fratello.
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Ha creato nello stile di ukiyo-e, una sorta di xilografia, in altre parole, pittura con incisione. Durante tutta la sua carriera ha cambiato circa 30 nomi. Opera famosa – « Una grande onda a Kanagawa", grazie al quale divenne famoso fuori dalla sua terra natale.
"La grande onda al largo di Kanagawa" di Hokusai Katsushika
Hokusai iniziò a lavorare particolarmente duramente dopo i 60 anni, il che lo portò buoni frutti. Van Gogh, Monet, Renoir e altri in una certa misura ha influenzato il lavoro dei maestri europei.
Ando Hiroshige (1791-1858)
Uno di più grandi artisti 19esimo secolo. Nacque, visse e lavorò a Edo, continuò l'opera di Hokusai e trasse ispirazione dalle sue opere. Il modo in cui ha rappresentato la natura è impressionante quasi quanto il numero delle opere stesse.
Edo – precedente nome Tokio.
Ecco alcuni dati sulla sua opera, rappresentati da una serie di dipinti:
- 5,5 mila – il numero di tutte le incisioni;
- “100 vedute di Edo;
- "36 vedute del Fuji";
- "69 stazioni di Kisokaido";
- "53 stazioni Tokaido."
Dipinto di Ando Hiroshige
È interessante notare che l'eminente Van Gogh dipinse un paio di copie delle sue incisioni.
Modernità
Takashi Murakami
Artista, scultore, stilista, si è fatto un nome già alla fine del XX secolo. Nella creatività aderisce Tendenze di moda con elementi classici e trae ispirazione dai cartoni animati anime e manga.
Dipinto di Takashi Murakami
Le opere di Takashi Murakami sono considerate una sottocultura, ma allo stesso tempo sono incredibilmente popolari. Ad esempio, nel 2008, una delle sue opere è stata acquistata all'asta per oltre 15 milioni di dollari. Un tempo, il creatore moderno ha collaborato con le case di moda Marc Jacobs e Louis Vuitton.
Ashima tranquilla
Collega dell'artista precedente, crea dipinti moderni e surreali. Raffigurano vedute di città, strade di megalopoli e creature come provenienti da un altro universo: fantasmi, spiriti maligni, ragazze aliene. Sullo sfondo dei dipinti si può spesso notare la natura incontaminata, a volte addirittura spaventosa.
I suoi dipinti raggiungono grandi dimensioni e raramente si limitano al supporto cartaceo. Vengono trasferiti su pelle e materiali plastici.
Nel 2006, nell'ambito di una mostra nella capitale britannica, una donna ha creato circa 20 strutture ad arco che riflettevano la bellezza della natura del villaggio e della città, giorno e notte. Uno di loro ha decorato una stazione della metropolitana.
Ciao Arakawa
Il giovane non può essere definito solo un artista nel senso classico del termine: crea installazioni così popolari nell'arte del 21 ° secolo. I temi delle sue mostre sono veramente giapponesi e toccano le relazioni amichevoli, nonché il lavoro dell'intero team.
Hei Arakawa partecipa spesso a varie biennali, ad esempio a Venezia, ed espone nel museo arte contemporanea nella sua terra natale, riceve meritatamente vari premi.
Ikenaga Yasunari
Il pittore contemporaneo Ikenaga Yasunari è riuscito a combinare due cose apparentemente incompatibili: la vita delle ragazze moderne in forma di ritratto e tecniche tradizionali Il Giappone viene dai tempi antichi. Nel suo lavoro, il pittore utilizza pennelli speciali, vernici pigmentate naturali, inchiostro e carbone. Invece del solito lino - tessuto di lino.
Dipinto di Ikenaga Yasunari
Una tecnica simile per contrastare l'era raffigurata e aspetto Le eroine danno l'impressione di essere tornate da noi dal passato.
Popolare in Ultimamente nella comunità online, il fumettista giapponese Keigo ha creato anche una serie di dipinti sulla complessità della vita di un coccodrillo.
Conclusione
Quindi, la pittura giapponese iniziò intorno al 3° secolo a.C. e da allora è cambiata molto. Le prime immagini furono applicate alla ceramica, poi iniziarono a dominare nelle arti Motivi buddisti, ma i nomi degli autori non sono sopravvissuti fino ad oggi.
Nell'era moderna, i maestri del pennello hanno acquisito sempre più individualità, creato direzioni diverse, scuole. L'arte di oggi non si limita a pittura tradizionale– vengono utilizzate installazioni, caricature, sculture artistiche e strutture speciali.
Grazie mille per l'attenzione, cari lettori! Ci auguriamo che tu abbia trovato utile il nostro articolo e che le storie sulla vita e sul lavoro dei più brillanti rappresentanti dell'arte ti abbiano permesso di conoscerli meglio.
Certo, è difficile parlare di tutti gli artisti dall'antichità ai giorni nostri in un unico articolo. Pertanto, lascia che questo sia il primo passo verso la comprensione della pittura giapponese.
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Hokusai, Artista giapponese 18° secolo, ne creò una quantità vertiginosa opera d'arte. Hokusai lavorò fino alla vecchiaia, affermando invariabilmente che “tutto ciò che faceva prima dei 70 anni non valeva la pena e non meritava attenzione”.
Forse l'artista giapponese più famoso al mondo, si è sempre distinto dai suoi contemporanei per il suo interesse verso Vita di ogni giorno. Invece di rappresentare affascinanti geishe ed eroici samurai, Hokusai dipinse lavoratori, pescatori e scene di genere urbano, che non erano ancora oggetto di interesse per l'arte giapponese. Ha anche adottato un approccio europeo alla composizione.
Qui breve elenco termini chiave che ti aiuteranno a orientarti un po’ nel lavoro di Hokusai.
1 Gli Ukiyo-e sono stampe e dipinti popolari in Giappone dal 1600 al 1800. Direzione a belle arti Giappone, sviluppatosi a partire dal periodo Edo. Questo termine deriva dalla parola "ukyo", che significa "mondo mutevole". Uikiye è un accenno alle gioie edonistiche della fiorente classe mercantile. In questa direzione, Hokusai è l'artista più famoso.
Hokusai ha utilizzato almeno trenta pseudonimi nel corso della sua vita. Nonostante il fatto che l'uso di pseudonimi fosse una pratica comune tra gli artisti giapponesi dell'epoca, nel numero di pseudonimi superò significativamente altri importanti autori. Gli pseudonimi di Hokusai vengono spesso utilizzati per periodizzare le fasi del suo lavoro.
2 Il periodo Edo è il periodo compreso tra il 1603 e il 1868 a Storia giapponese, poi si notò la crescita economica e un nuovo interesse per l'arte e la cultura.
3 Shunrō è il primo degli alias di Hokusai.
4 Shunga significa letteralmente "immagine della primavera" e "primavera" è lo slang giapponese che indica il sesso. Si tratta quindi di incisioni di carattere erotico. Sono stati creati dai più artisti rispettati, compreso Hokusai.
5 Surimono. Gli ultimi “surimono”, come venivano chiamate queste stampe personalizzate, hanno avuto un enorme successo. A differenza delle stampe ukiyo-e, destinate a un pubblico di massa, i surimono venivano raramente venduti al grande pubblico.
6 Il Monte Fuji è una montagna simmetrica che risulta essere la più alta del Giappone. Nel corso degli anni ha ispirato molti artisti e poeti, tra cui Hokusai, che ha pubblicato la serie ukiyo-e Trentasei vedute del Monte Fuji. Questa serie include le stampe più famose di Hokusai.
7 Il giapponismo è l'influenza duratura che Hokusai ha avuto sulle generazioni successive di artisti occidentali. Il Japonisme è uno stile ispirato ai colori vibranti delle stampe ukiyo-e, alla mancanza di prospettiva e alla sperimentazione compositiva.
La pittura giapponese è un movimento assolutamente unico nell'arte mondiale. Esiste fin dall'antichità, ma come tradizione non ha perso la sua popolarità e la capacità di sorprendere.
Attenzione alle tradizioni
L'Oriente non è solo paesaggi, montagne e Alba. Queste sono anche le persone che hanno creato la sua storia. Sono queste persone che sostengono da molti secoli la tradizione della pittura giapponese, sviluppando e valorizzando la loro arte. Coloro che hanno dato un contributo significativo alla storia sono gli artisti giapponesi. Grazie a loro, quelli moderni hanno mantenuto tutti i canoni della pittura tradizionale giapponese.
Modalità di esecuzione dei dipinti
A differenza dell’Europa, gli artisti giapponesi preferivano dipingere più vicino alla grafica che alla pittura. In questi dipinti non troverai i tratti ad olio ruvidi e trascurati che sono così caratteristici degli impressionisti. Qual è la natura grafica dell'arte giapponese come alberi, rocce, animali e uccelli? Tutto in questi dipinti è disegnato nel modo più chiaro possibile, con linee di inchiostro solide e sicure. Tutti gli oggetti nella composizione devono avere un contorno. Il riempimento all'interno del contorno viene solitamente eseguito con gli acquerelli. Il colore viene sbiadito, vengono aggiunte altre sfumature e da qualche parte rimane il colore della carta. La decoratività è proprio ciò che distingue i dipinti giapponesi dall'arte di tutto il mondo.
Contrasti nella pittura
Il contrasto è un'altra tecnica caratteristica utilizzata dagli artisti giapponesi. Potrebbe trattarsi di una differenza di tono, colore o del contrasto tra tonalità calde e fredde.
L'artista ricorre a questa tecnica quando vuole evidenziare qualche elemento del soggetto. Potrebbe trattarsi di una vena su una pianta, di un petalo separato o del tronco di un albero contro il cielo. Quindi vengono raffigurate la luce, la parte illuminata dell'oggetto e l'ombra sottostante (o viceversa).
Transizioni e soluzioni cromatiche
Quando si dipingono dipinti giapponesi, vengono spesso utilizzate le transizioni. Possono essere diversi: ad esempio, da un colore all'altro. Sui petali di ninfee e peonie puoi notare una transizione da una tonalità chiara a un colore ricco e brillante.
Nell'immagine vengono utilizzate anche le transizioni superficie dell'acqua, cielo. La transizione graduale dal tramonto al crepuscolo scuro e sempre più profondo sembra molto bella. Quando si disegnano le nuvole, vengono utilizzate anche transizioni da diverse tonalità e riflessi.
Motivi fondamentali della pittura giapponese
Nell'arte tutto è interconnesso vita reale, con i sentimenti e le emozioni di chi ne è coinvolto. Come nella letteratura, nella musica e in altre manifestazioni di creatività, nella pittura ce ne sono diverse temi eterni. Questi sono soggetti storici, immagini di persone e natura.
I paesaggi giapponesi sono disponibili in molte varietà. Spesso nei dipinti ci sono immagini di stagni, il mobile preferito dai giapponesi. Uno stagno decorativo, diverse ninfee e bambù nelle vicinanze: ecco come appare un'immagine tipica del XVII-XVIII secolo.
Gli animali nella pittura giapponese
Anche gli animali sono un elemento spesso ricorrente nella pittura asiatica. Tradizionalmente è una tigre in agguato o un gatto domestico. In generale, gli asiatici sono molto affezionati e quindi i loro rappresentanti si trovano in tutte le forme di arte orientale.
Il mondo della fauna è un altro tema seguito dalla pittura giapponese. Uccelli - gru, pappagalli decorativi, pavoni lussuosi, rondini, passeri poco appariscenti e persino galli - si trovano tutti nei disegni dei maestri orientali.
Pesci - niente di meno argomento reale per gli artisti giapponesi. Le carpe Koi sono la versione giapponese dei pesci rossi. Queste creature vivono in Asia in tutti gli stagni, anche nei piccoli parchi e giardini. La carpa koi è un tipo di tradizione che appartiene specificamente al Giappone. Questi pesci simboleggiano la lotta, la determinazione e il raggiungimento del tuo obiettivo. Non per niente sono raffigurati fluttuanti nel flusso, sempre con creste ondulate decorative.
Dipinti giapponesi: raffigurazione di persone
Le persone nella pittura giapponese sono un tema speciale. Gli artisti raffiguravano geishe, imperatori, guerrieri e anziani.
Le geishe sono raffigurate circondate da fiori, indossando sempre abiti elaborati con molte pieghe ed elementi.
I saggi sono raffigurati seduti o mentre spiegano qualcosa ai loro studenti. L'immagine del vecchio scienziato è un simbolo della storia, della cultura e della filosofia dell'Asia.
Il guerriero veniva descritto come formidabile, a volte terrificante. Quelli lunghi erano disegnati in dettaglio e sembravano fili.
Di solito tutti i dettagli dell'armatura vengono chiariti utilizzando l'inchiostro. Spesso i guerrieri nudi sono decorati con tatuaggi raffiguranti un drago orientale. È un simbolo di forza e potere militare Giappone.
Per cui venivano raffigurati i governanti famiglie imperiali. Bellissimi vestiti e decorazioni sui capelli degli uomini sono ciò di cui abbondano queste opere d'arte.
Paesaggi
Tradizionale paesaggio giapponese- montagne. I pittori asiatici sono riusciti a rappresentare una varietà di paesaggi: possono raffigurare la stessa vetta colori differenti, con un'atmosfera diversa. L'unica cosa che rimane invariata è la presenza obbligatoria dei fiori. Di solito, insieme alle montagne, l'artista raffigura una specie di pianta in primo piano e la disegna in dettaglio. Le montagne e fiori di ciliegio. E se dipingono petali che cadono, l'immagine suscita ammirazione per la sua triste bellezza. Il contrasto nell'atmosfera dell'immagine è un'altra meravigliosa qualità della cultura giapponese.
Geroglifici
Spesso la composizione di un quadro nella pittura giapponese è abbinata alla scrittura. I geroglifici sono disposti in modo che abbiano un bell'aspetto compositivo. Di solito sono disegnati a sinistra o a destra del dipinto. I geroglifici possono rappresentare ciò che è raffigurato nel dipinto, il suo titolo o il nome dell'artista.
Il Giappone è uno dei paesi più ricchi di storia e cultura. In tutto il mondo, i giapponesi sono generalmente considerati persone pedanti che trovano l'estetica in assolutamente tutte le manifestazioni della vita. Pertanto, i dipinti giapponesi sono sempre molto armoniosi nel colore e nel tono: se ci sono macchie di colore brillante, è solo nei centri semantici. Utilizzando come esempio i dipinti di artisti asiatici, puoi studiare la teoria del colore, la corretta rappresentazione della forma utilizzando la grafica e la composizione. La tecnica di esecuzione dei dipinti giapponesi è così elevata che può servire da esempio per lavorare con gli acquerelli ed eseguire il “lavaggio” di opere grafiche.
Ami la pittura giapponese? Quanto sai dei famosi artisti giapponesi? Vediamo in questo articolo gli artisti giapponesi più famosi che hanno realizzato le loro opere in stile ukiyo-e (浮世絵). Questo stile di pittura si è sviluppato a partire dal periodo Edo. I geroglifici usati per scrivere questo stile 浮世絵 significano letteralmente “immagini (immagini) mondo che cambia", puoi leggere di più su questa direzione della pittura
Hishikawa Moronobu(菱川師宣, 1618-1694). È considerato il fondatore del genere ukiyo-e, sebbene, in realtà, sia solo il primo maestro sulla cui vita sono state conservate informazioni biografiche. Moronobu è nato nella famiglia di un maestro nella tintura di tessuti e nel ricamo d'oro e fili d'argento E per molto tempo era impegnato nell'artigianato di famiglia, quindi una caratteristica distintiva del suo lavoro sono gli abiti delle bellezze splendidamente decorati, che danno un meraviglioso effetto artistico.
Trasferitosi a Edo, ha studiato dapprima le tecniche pittoriche, poi i suoi studi sono stati continuati dall'artista Kambun.
Per lo più ci sono arrivati gli album di Moronobu, in cui descrive storie storiche e argomenti letterari e libri con motivi a kimono. Il maestro lavorò anche nel genere shunga e tra le singole opere ne sono sopravvissute diverse raffiguranti belle donne. 
(鳥居清長, 1752-1815). Riconosciuto alla fine del XVIII secolo, il maestro Seki (Sekiguchi) Shinsuke (Ishibei) portava lo pseudonimo di Torii Kiyonaga, che assunse dopo aver ereditato la scuola ukiyo-e di Torii da Torii Kiyomitsu dopo la morte di quest'ultimo.
Kiyonaga è nato nella famiglia del libraio Shirakoya Ishibei. Il genere bijinga gli ha portato la fama più grande, sebbene abbia iniziato con yakusha-e. I soggetti per le incisioni nel genere bijinga sono stati presi dalla vita di tutti i giorni: passeggiate, processioni festive, viaggi nella natura. Tra le tante opere dell'artista, la serie “Concorsi di bellezze alla moda dai quartieri allegri”, raffigurante Minami, uno dei “quartieri divertenti” nel sud di Edo, stand “12 ritratti di bellezze del sud”, “10 tipi di negozi di tè”. fuori. Una caratteristica distintiva del maestro era l'elaborazione dettagliata della vista di sfondo e l'uso di tecniche per rappresentare la luce e lo spazio provenienti dall'Occidente.
Kiyonaga ottenne la fama iniziale con la ripresa nel 1782 della serie “Fashion Samples: Models New as Spring Leaves”, iniziata da Koryusai negli anni Settanta del Settecento per l'editore Nishimurai Yohachi.
(喜多川歌麿, 1753-1806). Questo eccezionale maestro dell'ukiyo-e è stato significativamente influenzato da Torii Kiyonaga e dall'editore Tsutaya Juzaburo. Come risultato della collaborazione a lungo termine con quest'ultimo, furono pubblicati numerosi album, libri con illustrazioni e serie di incisioni.
Nonostante Utamaro abbia preso soggetti dalla vita di semplici artigiani e abbia cercato di rappresentare la natura (“Il libro degli insetti”), la fama gli arrivò come artista di opere dedicate alle geishe del quartiere Yoshiwara (“Yoshiwara Green Houses Yearbook ").
Utamaro raggiunse alto livello nell’esprimere stati mentali su carta. Per la prima volta nelle xilografie giapponesi iniziò a utilizzare composizioni di busti.
È stata la creatività di Utamaro a influenzare impressionisti francesi e ha contribuito all'interesse europeo per le stampe giapponesi.
(葛飾北斎, 1760-1849). Il vero nome di Hokusai è Tokitaro. Probabilmente il maestro di ukiyo-e più conosciuto in tutto il mondo. Nel corso della sua carriera ha utilizzato oltre trenta pseudonimi. Gli storici usano spesso pseudonimi per periodizzare il suo lavoro.
All'inizio Hokusai lavorò come intagliatore, il cui lavoro era limitato dalle intenzioni dell'artista. Questo fatto pesò molto su Hokusai e iniziò a cercarsi come artista indipendente.
Nel 1778 divenne apprendista presso lo studio Katsukawa Shunsho, specializzato in stampe yakusha-e. Hokusai era talentuoso e molto studente diligente, che mostrava sempre rispetto per l'insegnante e quindi godeva del favore speciale di Shunsho. Quindi, il primo lavoro indipendente Gli Hokusai rientravano nel genere yakusha-e sotto forma di dittici e trittici, e la popolarità dello studente eguagliava la popolarità dell'insegnante. A quel tempo, il giovane maestro aveva già sviluppato il suo talento così tanto che si sentiva angusto all'interno di una scuola, e dopo la morte del suo insegnante, Hokusai lasciò lo studio e studiò le direzioni di altre scuole: Kano, Sotatsu (altrimenti Koetsu), Rimpa, Tosa.
Durante questo periodo l'artista sperimenta significative difficoltà finanziarie. Ma allo stesso tempo avviene la sua formazione di maestro, che rifiuta l'immagine consueta che la società richiedeva e ricerca il proprio stile.
Nel 1795 videro la luce le illustrazioni per l'antologia poetica “Keka Edo Murasaki”. Quindi Hokusai dipinse dipinti surimono, che iniziarono immediatamente a diventare popolari, e molti artisti iniziarono a imitarli.
A partire da questo periodo Tokitaro cominciò a firmare le sue opere con il nome Hokusai, anche se alcune sue opere furono pubblicate sotto gli pseudonimi Tatsumasa, Tokitaro, Kako, Sorobek.
Nel 1800, il maestro iniziò a farsi chiamare Gakejin Hokusai, che significava “Il pazzo Hokusai della pittura”.
Famose serie di illustrazioni includono “36 vedute del Monte Fuji”, di cui le più notevoli sono “Victory Wind. Clear Day" o "Red Fuji" e "The Great Wave off Kanagawa", "100 Views of Mount Fuji", pubblicati in tre album, "Hokusai's Manga" (北斎漫画), chiamato "l'enciclopedia del popolo giapponese" . L'artista ha messo in “Manga” tutte le sue opinioni sulla creatività e la filosofia. "Manga" è la fonte più importante per studiare la vita del Giappone dell'epoca, poiché comprende molti aspetti culturali. Durante la vita dell’artista furono pubblicati dodici numeri e altri tre dopo la sua morte:
* 1815 - II, III
* 1817 - VI,VII
* 1849 - XIII (dopo la morte dell'artista)
L'arte di Hokusai lo ha influenzato Destinazioni europee, come l'Art Nouveau e l'Impressionismo francese.
(河鍋暁斎, 1831 -1889). Utilizzava gli pseudonimi Seisei Kyosai, Shuransai, Baiga Dojin e studiava alla scuola di Kano.
A differenza di Hokusai, Kyosai era piuttosto sfacciato, il che causò la sua rottura con l'artista Tsuboyama Tozan. Dopo la scuola divenne un maestro indipendente, anche se a volte frequentò la scuola per altri cinque anni. In quel periodo dipinse i kyoga, i cosiddetti “quadri pazzi”.
Tra le opere di incisione più importanti ci sono i Cento dipinti di Kyosai. Come illustratore, Kyosai crea immagini per racconti e romanzi in collaborazione con altri artisti.
Alla fine del XIX secolo gli europei visitavano spesso il Giappone. L'artista ne conosceva alcuni e molte delle sue opere si trovano ora al British Museum.
(歌川広重, 1797-1858). Ha lavorato sotto lo pseudonimo di Ando Hiroshige (安藤広重) ed è noto per la sua sottile interpretazione di motivi e fenomeni naturali. All'età di dieci anni dipinse il suo primo dipinto, "Il Monte Fuji nella neve", che ora è conservato al Museo Suntory di Tokyo. Soggetti primi lavori basato su eventi reali che accadono per le strade. Famose le sue serie: “100 Vedute di Edo”, “36 Vedute del Monte Fuji”, “53 Stazioni Tokaido”, “69 Stazioni Kimokaido”, “100 Famose Vedute di Edo”. Monet e l’artista russo Bilibin furono fortemente influenzati da “Le 53 stazioni della strada Tokaido”, dipinte dopo aver viaggiato lungo la East Coast Road, così come da “100 vedute di Edo”. Dalla serie del genere kate-ga di 25 incisioni, il più famoso è il foglio "Passeri su una camelia coperta di neve".
(歌川国貞, noto anche come Utagawa Toyokuni III (三代歌川豊国)). Una delle più artisti eccezionali ukiyo-e.
Ha prestato particolare attenzione agli attori kabuki e al teatro stesso: questo rappresenta circa il 60% di tutte le opere. Sono note anche opere del genere bijinga e ritratti di lottatori di sumo. È noto che creò da 20 a 25mila trame, che includevano 35-40mila fogli. Raramente si dedicava a paesaggi e guerrieri. Utagawa Kuniyoshi (歌川 国芳, 1798 - 1861). Nato nella famiglia di un tintore di seta. Kuniyoshi ha iniziato a imparare a disegnare all'età di dieci anni mentre viveva con la famiglia di artisti Kuninao. Continuò poi a studiare con Katsukawa Shun'ei, e all'età di 13 anni entrò nel laboratorio Tokuyoni per studiare. I primi anni giovane artista le cose non stanno andando bene. Ma dopo aver ricevuto un ordine dall'editore Kagaya Kichibei per cinque stampe per la serie 108 Suikoden Heroes, le cose hanno iniziato a decollare. Crea il resto dei personaggi della serie e poi passa agli altri vari lavori, e quindici anni dopo è alla pari di Utagawa Hiroshige e Utagawa Kunisada.
Dopo il divieto delle immagini del 1842 scene teatrali, attori, geishe e cortigiane, Kuniyoshi scrive la sua serie "gatti", realizza stampe da una serie educativa per casalinghe e bambini, raffigura eroi nazionali nella serie "Tradizioni, morale e decenza" e tra la fine degli anni Quaranta dell'Ottocento e l'inizio degli anni Cinquanta dell'Ottocento dopo l'indebolimento Dopo i divieti, l'artista ritorna sul tema del kabuki.
(渓斎英泉, 1790-1848). Conosciuto per le sue opere nel genere bijinga. Nel suo i migliori lavori comprende ritratti del tipo okubi-e ("grandi teste"), considerati esempi dell'artigianato dell'era Bunsei (1818-1830), quando il genere ukiyo-e era in declino. L’artista dipinse molti surimono lirici ed erotici, nonché un ciclo di paesaggi “Sessantanove stazioni di Kisokaido”, che non riuscì a completare e fu completato da Hiroshige.
La novità nella rappresentazione del bijinga risiede in una sensualità mai vista prima in altri artisti. Dalle sue opere possiamo capire la moda di quel tempo. Pubblicò anche le biografie dei “Quarantasette Ronin” e scrisse diversi altri libri, tra cui “La storia delle stampe Ukiyo-e” (Ukiyo-e ruiko), contenente biografie di artisti. E in Notes of a Nameless Elder, si descriveva come un ubriacone depravato ed ex proprietario di un bordello a Nedzu, raso al suolo da un incendio negli anni '30 dell'Ottocento.
Suzuki Harunobu (鈴木春信, 1724-1770). Il vero nome dell'artista è Hozumi Jirobei. È lo scopritore della stampa policroma ukiyo-e. Ha frequentato la scuola Kano e ha studiato pittura. Poi, sotto l'influenza di Shigenaga Nishimura e Torii Kiyomitsu, la stampa su legno divenne il suo hobby. Stampe in due o tre colori furono realizzate fin dall'inizio del XVIII secolo e Harunobu iniziò a dipingere in dieci colori, utilizzando tre tavole e combinando tre colori: giallo, blu e rosso.
risaltava nell'immagine scene di strada e dipinti del genere shunga. E dal 1760 fu uno dei primi a interpretare attori Kabuki. Le sue opere influenzarono E. Manet ed E. Degas.
(小原古邨, 1877 - 1945). Il suo vero nome è Matao Ohara. Rappresentate scene delle guerre russo-giapponese e sino-giapponese. Tuttavia, dopo la comparsa della fotografia, il suo lavoro iniziò a vendersi poco e iniziò a guadagnarsi da vivere insegnando a scuola belle arti a Tokio. Nel 1926, Ernest Felloza, curatore d'arte giapponese presso Museo di Boston, convinse Ohara a tornare alla pittura, e l'artista iniziò a raffigurare uccelli e fiori, e le sue opere furono vendute bene all'estero. 
(伊藤若冲, 1716 - 1800). Si distinse tra gli altri artisti per la sua eccentricità e il suo stile di vita, che consisteva nell'amicizia con molte figure culturali e religiose dell'epoca. Ha raffigurato animali, fiori e uccelli in modo molto forma esotica. Era molto famoso e accettò ordini per dipingere paraventi e dipinti di templi.
(鳥居清信, 1664-1729). Uno dei rappresentanti più importanti primo periodo ukiyo-e. Nonostante la grande influenza del suo insegnante Hishikawa Monorobu, divenne il fondatore del genere yakusha-e nella raffigurazione di manifesti e manifesti e inventò il proprio stile. Gli attori sono stati raffigurati in pose speciali come eroi coraggiosi e sono stati dipinti 
nobile colore arancione, e i cattivi sono stati disegnati con i colori blu. Per rappresentare la passione, l'artista ha inventato un tipo speciale di disegno mimizugaki: si tratta di linee sinuose con tratti sottili e spessi alternati e combinate con un'immagine grottesca dei muscoli degli arti.
Torii Kiyonobu è il fondatore della dinastia di artisti Torii. I suoi studenti erano Torii Kiyomasu, Torii Kiyoshige I e Torii Kiyomitsu.
Chi è il tuo artista ukiyo-e preferito?
La lingua giapponese differisce da qualsiasi lingua europea nella sua struttura, il che può causare alcune difficoltà nell'apprendimento. Tuttavia, non preoccuparti! Soprattutto per te hai sviluppato un corso ““, al quale puoi iscriverti subito!
Ha una storia molto ricca; la sua tradizione è vasta, con la posizione unica del Giappone nel mondo che influenza notevolmente gli stili e le tecniche dominanti degli artisti giapponesi. È risaputo che il Giappone è stato piuttosto isolato per molti secoli, a causa non solo della geografia, ma anche della dominante tendenza culturale giapponese all'isolamento che ha segnato la storia del paese. Durante i secoli di esistenza di ciò che potremmo chiamare " Civiltà giapponese", la cultura e l'arte si svilupparono separatamente da quelle del resto del mondo. E questo è evidente anche nella pratica della pittura giapponese. Ad esempio, i dipinti Nihonga sono tra le opere principali della pratica pittorica giapponese. Si basa su una tradizione di oltre mille anni e i dipinti vengono solitamente creati con pennelli su Vashi (carta giapponese) o Egina (seta).
Tuttavia, l’arte e la pittura giapponese sono state influenzate da pratiche artistiche straniere. In primo luogo, furono l'arte cinese del XVI secolo, la pittura cinese e la tradizione artistica cinese, ad essere particolarmente influenti sotto diversi aspetti. A partire dal XVII secolo anche la pittura giapponese ne fu influenzata Tradizioni occidentali. In particolare, durante il periodo prebellico, che durò dal 1868 al 1945, la pittura giapponese fu influenzata dall’impressionismo e Romanticismo europeo. Allo stesso tempo, anche i nuovi movimenti artistici europei furono significativamente influenzati da quelli giapponesi tecniche artistiche. Nella storia dell'arte, questa influenza è chiamata "giapponesismo", ed è particolarmente significativa per gli impressionisti, i cubisti e gli artisti associati al modernismo.
La lunga storia della pittura giapponese può essere vista come una sintesi di diverse tradizioni che creano parti di un'estetica giapponese riconosciuta. Prima di tutto, l'arte buddista e i metodi di pittura pittura religiosa, ha lasciato un segno significativo nell'estetica dei dipinti giapponesi; pittura con inchiostro ad acqua di paesaggi nella tradizione della pittura letteraria cinese - un altro elemento importante, riconosciuto in molti famosi dipinti giapponesi; dipinti di animali e piante, in particolare uccelli e fiori, sono comunemente associati alle composizioni giapponesi, così come i paesaggi e le scene della vita quotidiana. Infine, le antiche idee sulla bellezza provenienti dalla filosofia e dalla cultura hanno avuto una grande influenza sulla pittura giapponese Antico Giappone. Wabi, che significa bellezza transitoria e aspra, sabi (la bellezza della patina naturale e dell'invecchiamento) e yugen (grazia profonda e sottigliezza) continuano a influenzare gli ideali nella pratica della pittura giapponese.
Infine, se ci concentriamo sulla selezione dei dieci capolavori giapponesi più famosi, dobbiamo menzionare l'ukiyo-e, che è uno dei generi artistici più popolari in Giappone, anche se appartiene all'incisione. Ha dominato Arte giapponese dal XVII al XIX secolo, con artisti appartenenti a questo genere che realizzavano xilografie e dipinti di soggetti come belle ragazze, attori Kabuki e lottatori di sumo, così come scene di storia e racconti popolari, scene di viaggi e paesaggi, flora e fauna e anche erotico.
È sempre difficile fare un elenco migliori dipinti da tradizioni artistiche. Verranno escluse molte opere straordinarie; tuttavia, questo elenco presenta dieci dei dipinti giapponesi più riconoscibili al mondo. Questo articolo presenterà solo dipinti realizzati dal XIX secolo ai giorni nostri.
La pittura giapponese ha una storia estremamente ricca. Nel corso dei secoli, gli artisti giapponesi si sono sviluppati un gran numero di tecniche e stili unici che rappresentano il contributo più prezioso del Giappone al mondo dell'arte. Una di queste tecniche è sumi-e. Sumi-e significa letteralmente "disegno a inchiostro" e combina calligrafia e pittura a inchiostro per creare composizioni disegnate a pennello di rara bellezza. Questa bellezza è paradossale: antica ma moderna, semplice ma complessa, audace ma sottomessa, riflette senza dubbio la base spirituale dell'arte nel Buddismo Zen. I sacerdoti buddisti introdussero in Giappone i blocchi di inchiostro solido e i pennelli di bambù dalla Cina nel VI secolo, e negli ultimi 14 secoli il Giappone ha sviluppato una ricca eredità di pittura a inchiostro.
Scorri verso il basso e guarda 10 capolavori della pittura giapponese
1. Katsushika Hokusai “Il sogno della moglie del pescatore”
Uno dei dipinti giapponesi più riconoscibili è “Il sogno della moglie del pescatore”. È stato scritto nel 1814 artista famoso Hokusai. Se segui definizioni rigorose, questo lavoro fantastico Hokusai non può essere considerato un dipinto, poiché è una xilografia del genere ukiyo-e dal libro Young Pines (Kinoe no Komatsu), che è un libro shunga in tre volumi. La composizione raffigura un giovane subacqueo ama intrecciato sessualmente con una coppia di polpi. Questa immagine è stata molto influente nei secoli XIX e XX. L'opera influenzò artisti successivi come Félicien Rops, Auguste Rodin, Louis Aucock, Fernand Knopff e Pablo Picasso.
2. Tessai Tomioka “Abe no Nakamaro scrive una poesia nostalgica mentre guarda la luna”
Tessai Tomioka è lo pseudonimo di un famoso artista e calligrafo giapponese. È considerato l'ultimo grande artista della tradizione bunjing e uno dei primi maggiori artisti Stile Nihonga. Bunjinga era una scuola di pittura giapponese che fiorì alla fine dell'era Edo tra artisti che si consideravano letterati o intellettuali. Ciascuno di questi artisti, inclusa Tessaya, ha sviluppato il proprio stile e la propria tecnica, ma ne erano tutti grandi fan arte cinese e cultura.
3. Fujishima Takeji “Alba sul mare orientale”
Fujishima Takeji era un artista giapponese noto per il suo lavoro nello sviluppo del romanticismo e dell'impressionismo nel movimento artistico yoga (in stile occidentale) in fine XIX- inizio del 20° secolo. Nel 1905 si recò in Francia, dove fu influenzato dai movimenti francesi dell'epoca, in particolare dall'impressionismo, come si può vedere nel suo dipinto Alba sul mare orientale, dipinto nel 1932.
4. Kitagawa Utamaro “Dieci tipi di volti femminili, una raccolta di bellezze dominanti”
Kitagawa Utamaro era un importante artista giapponese nato nel 1753 e morto nel 1806. È sicuramente meglio conosciuto per una serie chiamata "Dieci tipi". volti femminili. Raccolta di bellezze dominanti, temi Grande amore poesia classica" (a volte chiamato "Donne innamorate", contenente incisioni separate "Amore nudo" e "Amore premuroso"). È uno degli artisti più importanti appartenenti al genere della xilografia ukiyo-e.
5. Kawanabe Kyosai “Tigre”
Kawanabe Kyosai è stato uno degli artisti giapponesi più famosi del periodo Edo. La sua arte è stata influenzata dal lavoro di Tohaku, un pittore della scuola Kano del XVI secolo che fu l'unico artista del suo tempo a dipingere schermi interamente con inchiostro su un delicato sfondo di polvere d'oro. Sebbene Kyosai sia conosciuto come fumettista, ha dipinto alcuni dei dipinti più famosi della storia giapponese. arte del 19° secolo secolo. "Tiger" è uno di quei dipinti che Kyosai ha utilizzato acquerello e inchiostro per creare.
6. Hiroshi Yoshida “Fuji dal lago Kawaguchi”
Hiroshi Yoshida è conosciuto come una delle figure più importanti dello stile Shin-hanga (lo Shin-hanga è un movimento artistico nato in Giappone all'inizio del XX secolo, durante i periodi Taisho e Showa, che fece rivivere arte tradizionale ukiyo-e, che attecchisce nei periodi Edo e Meiji (XVII - XIX secolo)). Si è formato nella tradizione della pittura a olio occidentale, adottata dal Giappone durante il periodo Meiji.
7. Takashi Murakami “727”
Takashi Murakami è probabilmente l'artista giapponese più popolare del nostro tempo. Le sue opere vengono vendute a prezzi astronomici. aste importanti, e la creatività sta già ispirando nuove generazioni di artisti non solo in Giappone, ma anche all'estero. L'arte di Murakami include tutta la linea ambienti ed è solitamente descritto come un superpiano. Il suo lavoro è noto per l'uso del colore, incorporando motivi della cultura tradizionale e popolare giapponese. Il contenuto dei suoi dipinti è spesso descritto come "carino", "psichedelico" o "satirico".
8. Yayoi Kusama “Zucca”
Yaoi Kusama è anche uno dei più famosi Artisti giapponesi. Lei crea dentro varie tecniche, tra cui pittura, collage, scultura scat, performance, arte ambientale e installazione, la maggior parte dei quali dimostrano il suo interesse tematico per il colore, la ripetizione e il modello psichedelico. Una delle serie più famose di questa grande artistaè la serie Pumpkin. Ricoperta con un motivo a pois, una zucca regolare in giallo brillante è presentata su uno sfondo a rete. Collettivamente, tutti questi elementi formano un linguaggio visivo che è inconfondibilmente fedele allo stile dell'artista ed è stato sviluppato e perfezionato nel corso di decenni di scrupolosa produzione e riproduzione.
9. Tenmyoya Hisashi “Spirito giapponese n. 14”
Tenmyoya Hisashi è un artista giapponese contemporaneo noto per i suoi dipinti neo-nihonga. Ha partecipato alla rinascita dell'antica tradizione della pittura giapponese, che è l'esatto opposto della moderna pittura giapponese. Nel 2000 crea anche il suo nuovo stile butouha, che dimostra attraverso i suoi dipinti un forte atteggiamento nei confronti dell'autorevole sistema artistico. "Japanese Spirit No. 14" è stato creato come parte di schema artistico"BASARA", interpretato in cultura giapponese come il comportamento ribelle della bassa aristocrazia durante il periodo degli Stati Combattenti per privare le autorità della capacità di raggiungere immagine ideale vita, vestendosi con abiti lussuosi e lussuosi e agendo per libero arbitrio, non in accordo con la loro classe sociale.
10. Katsushika Hokusai “La grande onda al largo di Kanagawa”
Infine, La Grande Onda di Kanagawa è probabilmente il dipinto giapponese più riconoscibile mai dipinto. In realtà è l'opera d'arte più famosa creata in Giappone. Raffigura enormi onde che minacciano le barche al largo della costa della prefettura di Kanagawa. Anche se a volte viene scambiata per uno tsunami, l'onda, come suggerisce il titolo del dipinto, molto probabilmente è semplicemente anormalmente alta. Il dipinto è realizzato secondo la tradizione ukiyo-e.
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