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PITTURA AMERICANA. Le prime opere di pittura americana giunte fino a noi risalgono al XVI secolo; questi sono schizzi realizzati dai membri delle spedizioni di ricerca. Tuttavia, gli artisti professionisti apparvero in America solo all'inizio del XVIII secolo; l'unica fonte di reddito stabile per loro era un ritratto; questo genere continuò ad occupare una posizione di primo piano nella pittura americana fino all'inizio del XIX secolo.
Periodo coloniale.
Il primo gruppo di ritratti, eseguiti con la tecnica della pittura ad olio, risale alla seconda metà del XVII secolo; a quel tempo, la vita dei coloni procedeva con relativa calma, la vita si stabilizzava e c'erano opportunità per l'arte. Di queste opere, il ritratto più famoso La signora Frick con la figlia Mary(1671–1674, Massachusetts, Warster Museum of Art), dipinto da un artista inglese sconosciuto. Negli anni Trenta del Settecento c'erano già diversi artisti nelle città della costa orientale che lavoravano in modo più moderno e realistico: Henrietta Johnston a Charleston (1705), Justus Englehardt Kuhn ad Annapolis (1708), Gustav Hesselius a Filadelfia (1712), John Watson a Perth Emboy nel New Jersey (1714), Peter Pelham (1726) e John Smybert (1728) a Boston. Il dipinto di questi ultimi due ebbe un'influenza significativa sull'opera di John Singleton Copley (1738–1815), considerato il primo grande artista americano. Dalle incisioni della collezione Pelham, il giovane Copley ebbe un'idea del ritratto formale inglese e della pittura di Godfrey Neller, il principale maestro inglese che lavorò in questo genere all'inizio del XVIII secolo. nel quadro ragazzo con scoiattolo(1765, Boston, Museum of Fine Arts) Copley ha creato un meraviglioso ritratto realistico, delicato e sorprendentemente accurato nel trasferire la trama degli oggetti. Quando Copley inviò quest'opera a Londra nel 1765, Joshua Reynolds gli consigliò di continuare i suoi studi in Inghilterra. Tuttavia, Copley rimase in America fino al 1774 e continuò a dipingere ritratti, elaborandone attentamente tutti i dettagli e le sfumature. Intraprese poi un viaggio in Europa e nel 1775 si stabilì a Londra; nel suo stile apparvero il manierismo e le caratteristiche di idealizzazione caratteristiche della pittura inglese di questo tempo. Tra le opere più belle prodotte da Copley in Inghilterra ci sono grandi ritratti formali che ricordano il lavoro di Benjamin West, tra cui Ruscello Watson e lo squalo(1778, Boston, Museo delle Belle Arti).
Guerra d'Indipendenza e inizio del XIX secolo
A differenza di Copley e West, che rimasero per sempre a Londra, il ritrattista Gilbert Stuart (1755–1828) tornò in America nel 1792, facendo carriera a Londra e Dublino. Ben presto divenne il principale maestro di questo genere nella giovane repubblica; Stuart dipinse ritratti di quasi tutte le figure politiche e pubbliche di spicco d'America. Il suo lavoro è eseguito in modo vivace, libero, abbozzato, molto diverso dallo stile dell'opera americana di Copley.
Benjamin West ha accolto giovani artisti americani nel suo studio londinese; i suoi studenti includevano Charles Wilson Peel (1741–1827) e Samuel FB Morse (1791–1872). Peel divenne il fondatore di una dinastia di pittori e di un'impresa artistica di famiglia a Filadelfia. Dipinse ritratti, si dedicò alla ricerca scientifica e aprì il Museo di storia naturale e pittura a Filadelfia (1786). Dei suoi diciassette figli, molti divennero artisti e naturalisti. Morse, meglio conosciuto come l'inventore del telegrafo, dipinse alcuni bellissimi ritratti e uno dei dipinti più grandiosi di tutta la pittura americana - Galleria del Louvre. In quest'opera circa 37 tele sono riprodotte in miniatura con sorprendente accuratezza. Questo lavoro, come tutto il lavoro di Morse, aveva lo scopo di far conoscere alla giovane nazione la grande cultura europea.
Washington Allston (1779–1843) fu uno dei primi artisti americani a rendere omaggio al Romanticismo; durante i suoi lunghi viaggi in Europa dipinse tempeste marine, scene italiane poetiche e ritratti sentimentali.
All'inizio del XIX secolo si aprirono le prime accademie d'arte americane, che fornirono agli studenti una formazione professionale e parteciparono direttamente all'organizzazione di mostre: la Pennsylvania Academy of Arts di Filadelfia (1805) e la National Academy of Drawing di New York (1825), il cui primo presidente fu S. R. Morse . Negli anni 1820 e 1830, John Trumbull (1756–1843) e John Vanderlyn (1775–1852) dipinsero enormi composizioni basate sulla storia americana che adornavano le pareti della rotonda del Campidoglio a Washington.
Negli anni '30 dell'Ottocento, il paesaggio divenne il genere dominante nella pittura americana. Thomas Cole (1801-1848) dipinse la natura selvaggia del Nord (Stato di New York). Sosteneva che le montagne battute dalle intemperie e le luminose foreste autunnali erano soggetti più adatti per gli artisti americani rispetto alle pittoresche rovine europee. Cole dipinse anche diversi paesaggi intrisi di significato etico e religioso; tra questi ci sono quattro grandi dipinti percorso di vita(1842, Washington, National Gallery) - composizioni allegoriche raffiguranti una barca che scende lungo il fiume, in cui siede un ragazzo, poi un giovane, poi un uomo e infine un vecchio. Molti pittori di paesaggi seguirono l'esempio di Cole e raffigurarono vedute della natura americana nelle loro opere; sono spesso raggruppati sotto il nome di "Hudson River School" (il che non è vero, poiché lavoravano in tutto il paese e scrivevano in stili diversi).
Tra i pittori di genere americani, i più famosi sono William Sidney Mount (1807–1868), che dipinse scene della vita dei contadini di Long Island, e George Caleb Bingham (1811–1879), i cui dipinti sono dedicati alla vita dei pescatori del sponde del Missouri ed elezioni nelle piccole città di provincia.
Prima della guerra civile, l'artista più popolare era Frederick Edwin Church (1826-1900), uno studente di Cole. Dipinse principalmente in grande formato e usò motivi talvolta troppo naturalistici per attirare e sbalordire il pubblico. Church viaggiò nei luoghi più esotici e pericolosi, raccogliendo materiale per l'immagine dei vulcani sudamericani e degli iceberg dei mari del nord; una delle sue opere più famose è il dipinto Cascate del Niagara (1857, Washington, Corcoran Gallery).
Negli anni '60 dell'Ottocento, le enormi tele di Albert Bierstadt (1830-1902) suscitarono l'ammirazione universale per la bellezza delle Montagne Rocciose raffigurate su di esse, con i loro laghi limpidi, foreste e vette imponenti.
Il dopoguerra e la fine del secolo.
Dopo la guerra civile, in Europa divenne di moda studiare pittura. A Düsseldorf, Monaco e soprattutto a Parigi si poteva ricevere un'istruzione molto più fondamentale che in America. James McNeill Whistler (1834–1903), Mary Cassatt (1845–1926) e John Singer Sargent (1856–1925) studiarono a Parigi e vissero e lavorarono in Francia e Inghilterra. Whistler era vicino agli impressionisti francesi; nei suoi dipinti ha prestato particolare attenzione alle combinazioni di colori e alla composizione espressiva e concisa. Mary Cassatt, su invito di Edgar Degas, partecipò alle mostre degli impressionisti dal 1879 al 1886. Sargent dipinse i ritratti delle persone più importanti del Vecchio e del Nuovo Mondo in modo audace, impulsivo e abbozzato.
Il lato opposto dello spettro stilistico dell'impressionismo nell'arte della fine del XIX secolo. occupato da artisti realisti che dipingevano nature morte illusionistiche: William Michael Harnett (1848–1892), John Frederic Peto (1854–1907) e John Haberl (1856–1933).
Due importanti artisti della fine del XIX e dell'inizio del XX secolo, Winslow Homer (1836-1910) e Thomas Eakins (1844-1916), non appartenevano a nessuno dei movimenti artistici in voga a quel tempo. Homer iniziò la sua carriera artistica negli anni '60 dell'Ottocento illustrando riviste di New York; già negli anni Novanta dell'Ottocento aveva la reputazione di artista famoso. I suoi primi dipinti sono scene di vita rurale sature di luce solare intensa. Successivamente, Homer iniziò a dedicarsi a immagini e temi più complessi e drammatici: nella foto Corrente del Golfo(1899, Met) raffigura la disperazione di un marinaio nero disteso sul ponte di una barca in un mare tempestoso e infestato da squali. Thomas Eakins durante la sua vita fu sottoposto a severe critiche per l'eccessivo oggettivismo e franchezza. Ora le sue opere sono molto apprezzate per il loro disegno rigoroso e chiaro; il suo pennello appartiene alle immagini di atleti e ai ritratti sinceri e comprensivi.
Il ventesimo secolo.
All'inizio del secolo erano apprezzate soprattutto le imitazioni dell'impressionismo francese. Il gusto del pubblico fu messo alla prova da un gruppo di otto artisti: Robert Henry (1865–1929), W.J. Glackens (1870–1938), John Sloane (1871–1951), J.B. 1876-1953), A. B. Davies (1862-1928), Maurice Prendergast (1859-1924) ed Ernest Lawson (1873-1939). Sono stati soprannominati dalla critica la scuola del "bidone della spazzatura" per la loro passione nel rappresentare i bassifondi e altri argomenti prosaici.
Nel 1913 sul cosiddetto. "Armory Show" espone opere di maestri appartenenti a varie aree del postimpressionismo. Gli artisti americani erano divisi: alcuni di loro si dedicarono allo studio delle possibilità del colore e dell'astrazione formale, altri rimasero nella tradizione realista. Il secondo gruppo comprendeva Charles Burchfield (1893-1967), Reginald Marsh (1898-1954), Edward Hopper (1882-1967), Fairfield Porter (1907-1975), Andrew Wyeth (nato nel 1917) e altri. I dipinti di Ivan Albright (1897-1983), George Tooker (nato nel 1920) e Peter Bloom (1906-1992) sono scritti nello stile del "realismo magico" (la somiglianza con la natura nelle loro opere è esagerata e la realtà è più come un sogno o un'allucinazione). Altri artisti, come Charles Sheeler (1883-1965), Charles Demuth (1883-1935), Lionel Feininger (1871-1956) e Georgia O "Keeffe (1887-1986), combinarono elementi di realismo, cubismo, espressionismo nelle loro opere e altre correnti dell'arte europea. Le vedute marine di John Marin (1870-1953) e Marsden Hartley (1877-1943) sono vicine all'espressionismo. Le immagini di uccelli e animali nei dipinti di Maurice Graves (nato nel 1910) conservano ancora una connessione con il mondo visibile, sebbene le forme nelle sue opere siano fortemente distorte e portate a designazioni simboliche quasi estreme.
Dopo la seconda guerra mondiale, la pittura non oggettiva divenne la tendenza principale nell’arte americana. L'attenzione principale era ora rivolta alla superficie pittorica stessa; era visto come un'arena per l'interazione di linee, masse e macchie di colore. L'espressionismo astratto occupò il posto più significativo in questi anni. Divenne il primo movimento pittorico sorto negli Stati Uniti e ebbe un significato internazionale. I leader di questo movimento furono Arshile Gorky (1904–1948), Willem de Kooning (Kooning) (1904–1997), Jackson Pollock (1912–1956), Mark Rothko (1903–1970) e Franz Kline (1910–1962). Una delle scoperte più interessanti dell'espressionismo astratto è stato il metodo artistico di Jackson Pollock, che faceva gocciolare la vernice sulla tela o la lanciava per creare un complesso labirinto di forme lineari dinamiche. Altri artisti di questa direzione -
Se pensi che tutti i grandi artisti appartengano al passato, non hai idea di quanto ti sbagli. In questo articolo imparerai a conoscere gli artisti più famosi e talentuosi del nostro tempo. E, credimi, le loro opere rimarranno nella tua memoria non meno profondamente delle opere del maestro delle epoche passate.
Wojciech Babski
Wojciech Babski è un artista polacco contemporaneo. Si è laureato al Politecnico della Slesia, ma si è collegato. Ultimamente dipinge soprattutto donne. Si concentra sulla manifestazione delle emozioni, cerca di ottenere il massimo effetto possibile con mezzi semplici.
Ama il colore, ma spesso usa sfumature di nero e grigio per ottenere la migliore impressione. Non ha paura di sperimentare nuove tecniche. Recentemente sta guadagnando sempre più popolarità all'estero, soprattutto nel Regno Unito, dove vende con successo le sue opere, che si trovano già in molte collezioni private. Oltre all'arte, si interessa di cosmologia e filosofia. Ascolta il jazz. Attualmente vive e lavora a Katowice.
Warren Chang
Warren Chang è un artista americano contemporaneo. Nato nel 1957 e cresciuto a Monterey, in California, si è laureato magna cum laude presso l'Art Center College of Design di Pasadena nel 1981 con un Bachelor of Fine Arts in Belle Arti. Per i successivi due decenni ha lavorato come illustratore per varie aziende in California e New York prima di iniziare la sua carriera come artista professionista nel 2009.
I suoi dipinti realistici possono essere suddivisi in due categorie principali: dipinti di interni biografici e dipinti raffiguranti lavoratori. Il suo interesse per questo stile di pittura affonda le sue radici nell'opera del pittore del XVI secolo Jan Vermeer e si estende a oggetti, autoritratti, ritratti di familiari, amici, studenti, studio, aula e interni domestici. Il suo obiettivo è creare atmosfera ed emozione nei suoi dipinti realistici attraverso la manipolazione della luce e l'uso di colori tenui.
Chang divenne famoso dopo il passaggio alle arti visive tradizionali. Negli ultimi 12 anni ha ottenuto numerosi premi e riconoscimenti, il più prestigioso dei quali è stato il Master Signature degli Oil Painters of America, la più grande comunità di pittori a olio negli Stati Uniti. Solo una persona su 50 ha l'opportunità di ricevere questo premio. Attualmente, Warren vive a Monterey e lavora nel suo studio, insegna anche (noto come insegnante di talento) alla San Francisco Academy of the Arts.
Aurelio Bruni
Aurelio Bruni è un artista italiano. Nato a Blair il 15 ottobre 1955. Diplomato in scenografia presso l'Istituto d'Arte di Spoleto. Come artista è un autodidatta, poiché ha “costruito autonomamente la casa della conoscenza” sulle fondamenta gettate a scuola. Ha iniziato a dipingere ad olio all'età di 19 anni. Attualmente vive e lavora in Umbria.
I primi dipinti di Bruni sono radicati nel surrealismo, ma col tempo inizia a concentrarsi sulla vicinanza del romanticismo lirico e del simbolismo, rafforzando questa combinazione con la squisita raffinatezza e purezza dei suoi personaggi. Gli oggetti animati e inanimati acquisiscono pari dignità e sembrano quasi iperrealistici, ma allo stesso tempo non si nascondono dietro una tenda, ma ti permettono di vedere l'essenza della tua anima. Versatilità e raffinatezza, sensualità e solitudine, premurosità e fecondità sono lo spirito di Aurelio Bruni, nutrito dallo splendore dell'arte e dall'armonia della musica.
Alessandro Balos
Alkasandr Balos è un artista polacco contemporaneo specializzato nella pittura a olio. Nato nel 1970 a Gliwice, Polonia, ma dal 1989 vive e lavora negli USA, nella città di Shasta, California.
Da bambino ha studiato arte sotto la guida del padre Jan, artista e scultore autodidatta, quindi fin dalla tenera età l'attività artistica ha ricevuto pieno sostegno da entrambi i genitori. Nel 1989, all'età di diciotto anni, Balos lasciò la Polonia per gli Stati Uniti, dove la sua insegnante e artista part-time Cathy Gaggliardi incoraggiò Alcasander a iscriversi alla scuola d'arte. Balos ha poi ricevuto una borsa di studio completa presso l'Università di Milwaukee, Wisconsin, dove ha studiato pittura con il professore di filosofia Harry Rosin.
Dopo aver completato gli studi nel 1995 con una laurea, Balos si è trasferito a Chicago per studiare alla School of Fine Arts, i cui metodi si basano sul lavoro di Jacques-Louis David. Il realismo figurativo e la ritrattistica costituivano la maggior parte del lavoro di Balos negli anni '90 e all'inizio degli anni 2000. Oggi Balos utilizza la figura umana per evidenziare le caratteristiche e i difetti dell'esistenza umana, senza offrire alcuna soluzione.
Le composizioni trame dei suoi dipinti sono destinate ad essere interpretate in modo indipendente dallo spettatore, solo allora le tele acquisiranno il loro vero significato temporale e soggettivo. Nel 2005, l'artista si è trasferito nel nord della California, da allora la portata del suo lavoro si è ampliata in modo significativo e ora include metodi di pittura più liberi, tra cui l'astrazione e vari stili multimediali che aiutano a esprimere le idee e gli ideali dell'essere attraverso la pittura.
Alyssa Monks
Alyssa Monks è un'artista americana contemporanea. È nata nel 1977 a Ridgewood, nel New Jersey. Si interessò alla pittura quando era ancora bambina. Ha frequentato la New School di New York e la Montclair State University, e si è laureata al Boston College nel 1999. Contemporaneamente studia pittura all'Accademia Lorenzo Medici di Firenze.
Successivamente ha proseguito gli studi nell'ambito del programma di master presso la New York Academy of Art, nel Dipartimento di Arti Figurative, laureandosi nel 2001. Si è laureata al Fullerton College nel 2006. Ha tenuto brevemente conferenze presso università e istituzioni educative in tutto il paese e ha insegnato pittura alla New York Academy of Art, nonché alla Montclair State University e al Lyme Academy College of Art.
“Utilizzando filtri come vetro, vinile, acqua e vapore, distorco il corpo umano. Questi filtri ti consentono di creare ampie aree di disegno astratto, attraverso le quali spuntano isole di colore: parti del corpo umano.
I miei dipinti cambiano l'aspetto moderno delle pose e dei gesti tradizionali già stabiliti delle donne che fanno il bagno. Potrebbero dire molto a uno spettatore attento su cose apparentemente ovvie come i benefici del nuoto, della danza e così via. I miei personaggi sono premuti contro il vetro della finestra della cabina doccia, distorcendo il proprio corpo, rendendosi conto che in tal modo influenzano il famigerato sguardo maschile su una donna nuda. Spessi strati di vernice vengono mescolati insieme per imitare da lontano vetro, vapore, acqua e carne. Da vicino, tuttavia, le sorprendenti proprietà fisiche della pittura ad olio diventano evidenti. Sperimentando strati di vernice e colore, trovo il momento in cui i tratti astratti diventano qualcos'altro.
Quando ho iniziato a dipingere il corpo umano, ne sono rimasto immediatamente affascinato e persino ossessionato e ho sentito che dovevo rendere i miei dipinti il più realistici possibile. Ho "professato" il realismo finché non ha cominciato a disfarsi e decostruirsi. Ora sto esplorando le possibilità e il potenziale di uno stile di pittura in cui pittura rappresentativa e astrazione si incontrano – se entrambi gli stili possono coesistere nello stesso momento, lo farò”.
Antonio Finelli
Artista italiano - osservatore del tempo” – Antonio Finelli è nato il 23 febbraio 1985. Attualmente vive e lavora in Italia tra Roma e Campobasso. Le sue opere sono state esposte in diverse gallerie in Italia e all'estero: Roma, Firenze, Novara, Genova, Palermo, Istanbul, Ankara, New York, e si trovano anche in collezioni private e pubbliche.
Disegni a matita" Osservatore del tempo” Antonio Finelli ci invia in un viaggio eterno attraverso il mondo interiore della temporalità umana e la rigorosa analisi di questo mondo ad essa associato, il cui elemento principale è il passaggio nel tempo e le tracce che esso lascia sulla pelle.
Finelli dipinge ritratti di persone di ogni età, sesso e nazionalità, le cui espressioni facciali indicano il passaggio nel tempo, e l'artista spera anche di trovare prove della spietatezza del tempo sui corpi dei suoi personaggi. Antonio definisce le sue opere con un titolo generale: “Autoritratto”, perché nei suoi disegni a matita non solo raffigura una persona, ma permette allo spettatore di contemplare i risultati reali dello scorrere del tempo all'interno di una persona.
Flaminia Carloni
Flaminia Carloni è un'artista italiana di 37 anni, figlia di un diplomatico. Ha tre figli. Dodici anni visse a Roma, tre anni in Inghilterra e Francia. Ha conseguito la laurea in storia dell'arte presso la BD School of Art. Successivamente ha conseguito il diploma di specialità restauratrice di opere d'arte. Prima di trovare la sua vocazione e dedicarsi interamente alla pittura, ha lavorato come giornalista, colorista, designer e attrice.
La passione di Flaminia per la pittura nasce fin da bambina. Il suo mezzo principale è l'olio perché ama “coiffer la pate” e gioca anche con la materia. Ha imparato una tecnica simile nelle opere dell'artista Pascal Torua. Flaminia si ispira ai grandi maestri della pittura come Balthus, Hopper e François Legrand, oltre che a vari movimenti artistici: street art, realismo cinese, surrealismo e realismo rinascimentale. Il suo artista preferito è Caravaggio. Il suo sogno è scoprire il potere terapeutico dell'arte.
Denis Cernov
Denis Chernov è un talentuoso artista ucraino, nato nel 1978 a Sambir, nella regione di Lviv, Ucraina. Dopo essersi diplomato al Kharkov Art College nel 1998, è rimasto a Kharkov, dove attualmente vive e lavora. Ha studiato anche presso l'Accademia statale di design e arti di Kharkov, Dipartimento di grafica, diplomandosi nel 2004.
Partecipa regolarmente a mostre d'arte, al momento ce ne sono state più di sessanta, sia in Ucraina che all'estero. La maggior parte delle opere di Denis Chernov sono conservate in collezioni private in Ucraina, Russia, Italia, Inghilterra, Spagna, Grecia, Francia, Stati Uniti, Canada e Giappone. Alcune delle opere sono state vendute da Christie's.
Denis lavora con una vasta gamma di tecniche grafiche e pittoriche. I disegni a matita sono uno dei suoi metodi di pittura preferiti, anche l'elenco degli argomenti dei suoi disegni a matita è molto vario, dipinge paesaggi, ritratti, nudi, composizioni di genere, illustrazioni di libri, ricostruzioni e fantasie letterarie e storiche.
Gli artisti americani sono molto diversi. Qualcuno era chiaramente cosmopolita, come Sargent. È americano di origine, ma ha vissuto a Londra e Parigi per quasi tutta la sua vita adulta.
Tra loro ci sono anche autentici americani, che hanno ritratto la vita solo dei loro connazionali, come Rockwell.
E ci sono artisti fuori dal mondo, come Pollock. O quelli la cui arte è diventata un prodotto della società dei consumi. Questo, ovviamente, riguarda Warhol.
Tuttavia, sono tutti americani. Amante della libertà, audace, brillante. Leggine sette di seguito.
1. James Whistler (1834-1903)
James Whistler. Auto ritratto. 1872 Istituto d'arte di Detroit, USA. Whistler difficilmente può essere definito un vero americano. Crescendo, ha vissuto in Europa. E ha trascorso la sua infanzia ... in Russia. Suo padre costruì una ferrovia a San Pietroburgo.
Fu lì che il ragazzo James si innamorò dell'arte, visitando l'Ermitage e Peterhof grazie ai legami del padre (allora erano ancora palazzi chiusi al pubblico).
Perché Whistler è famoso? Qualunque sia lo stile che dipinge, dal realismo al tonalismo*, si riconosce quasi immediatamente da due caratteristiche. Colori insoliti e nomi musicali.
Alcuni dei suoi ritratti sono imitazioni di antichi maestri. Come, ad esempio, il suo famoso ritratto "La madre dell'artista".
James Whistler. La madre dell'artista. Disposto in grigio e nero. 1871 L'artista ha creato opere straordinarie utilizzando colori che vanno dal grigio chiaro al grigio scuro. E un po' di giallo.
Ma questo non significa che a Whistler piacessero questi colori. Era una persona straordinaria. Potrebbe facilmente apparire nella società con calzini gialli e con un ombrello luminoso. E questo è quando gli uomini si vestivano esclusivamente di nero e grigio.
Ha anche opere molto più leggere di "Mother". Ad esempio, Sinfonia in bianco. Così la foto è stata chiamata da uno dei giornalisti presenti alla mostra. A Whistler l'idea piacque. Da allora, ha chiamato quasi tutte le sue opere in modo musicale.
James Whistler. Sinfonia in bianco n. 1. 1862 Galleria Nazionale di Washington, USA Ma poi, nel 1862, la Sinfonia non piacque al pubblico. Ancora una volta, a causa degli schemi di colori peculiari di Whistler. Alla gente sembrava strano scrivere una donna vestita di bianco su uno sfondo bianco.
Nella foto vediamo l'amante dai capelli rossi di Whistler. Nello spirito dei preraffaelliti. Dopotutto, allora l'artista era amico di uno dei principali iniziatori del preraffaellismo, Gabriel Rossetti. Bellezza, gigli, elementi insoliti (pelle di lupo). Tutto è come dovrebbe essere.
Ma Whistler si allontanò rapidamente dal preraffaellismo. Poiché per lui non era importante la bellezza esteriore, ma l'umore e le emozioni. E ha creato una nuova direzione: il tonalismo.
I suoi paesaggi notturni nello stile del tonalismo sembrano davvero musica. Monocromatico, viscoso.
Lo stesso Whistler ha affermato che i nomi musicali aiutano a concentrarsi sul dipinto stesso, sulle linee e sul colore. Allo stesso tempo, senza pensare al luogo e alle persone raffigurate.
James Whistler. Notturno in blu e argento: Chelsea. 1871 Galleria Tate, Londra 
Maria Cassat. Bambino addormentato. Pastello, carta. 1910 Museo d'arte di Dallas, Stati Uniti Ma fino alla fine è rimasta fedele al suo stile. Impressionismo. Pastello morbido. Madri con bambini.
Per amore della pittura, Cassatt abbandonò la maternità. Ma la sua femminilità si manifestava sempre più proprio in opere delicate come Sleeping Child. È un peccato che una volta una società conservatrice l'abbia messa di fronte a una scelta del genere.
3. Giovanni Sargent (1856-1925)
Giovanni Sargent. Auto ritratto. 1892 Museo Metropolitano d'Arte, New York John Sargent era sicuro che sarebbe stato un ritrattista per tutta la vita. La carriera stava andando bene. Gli aristocratici si mettevano in fila per dargli ordini.
Ma una volta che l'artista ha oltrepassato il limite secondo l'opinione della società. Ora è difficile per noi capire cosa ci sia di così inaccettabile nel film "Madame X".
È vero, nella versione originale, all'eroina era stata omessa una delle bralette. Sargent l'ha "cresciuta", ma questo non ha aiutato il caso. Gli ordini non hanno portato a nulla.
Giovanni Sargent. Madame H. 1878 Metropolitan Museum of Art, New York Cosa osceno ha visto il pubblico? E il fatto che Sargent abbia ritratto la modella in una posa troppo sicura di sé. Inoltre, la pelle traslucida e l'orecchio rosa sono molto eloquenti.
L'immagine, per così dire, dice che questa donna con una maggiore sessualità non è contraria ad accettare il corteggiamento di altri uomini. Inoltre, essere sposato.
Sfortunatamente, dietro questo scandalo, i contemporanei non hanno visto il capolavoro. Abito scuro, pelle chiara, posa dinamica: una combinazione semplice che può essere trovata solo dai maestri più talentuosi.
Ma non esiste male senza bene. Sargent ha ricevuto in cambio la libertà. Iniziò a sperimentare di più con l'impressionismo. Scrivi ai bambini in situazioni immediate. È così che è apparsa l'opera "Carnation, Lily, Lily, Rose".
Sargent voleva catturare un momento specifico del crepuscolo. Quindi lavoravo solo 2 minuti al giorno quando l'illuminazione era giusta. Ha lavorato in estate e in autunno. E quando i fiori appassirono, li sostituì con fiori artificiali.
Giovanni Sargent. Garofano, giglio, giglio, rosa. 1885-1886 Galleria Tate, Londra Negli ultimi decenni, Sargent è entrato così nel gusto della libertà che ha iniziato ad abbandonare del tutto i ritratti. Sebbene la sua reputazione sia già stata ripristinata. Ha persino licenziato bruscamente un cliente, dicendo che avrebbe dipinto il suo cancello con grande piacere piuttosto che il suo viso.
Giovanni Sargent. Navi bianche. 1908 Museo di Brooklyn, Stati Uniti I contemporanei trattavano Sargent con ironia. Considerandolo obsoleto nell’era del modernismo. Ma il tempo ha rimesso tutto al suo posto.
Ora la sua opera non vale meno di quella dei modernisti più famosi. Ebbene, per non parlare dell'amore del pubblico e non dire nulla. Le mostre con i suoi lavori sono sempre esaurite.
4. Norman Rockwell (1894-1978)
Norman Rockwell. Auto ritratto. Illustrazione per il numero del 13 febbraio 1960 del Saturday Evening Post. È difficile immaginare un artista più popolare durante la sua vita di Norman Rockwell. Diverse generazioni di americani sono cresciute grazie alle sue illustrazioni. Amandoli con tutto il cuore.
Dopotutto, Rockwell interpretava gli americani comuni. Ma allo stesso tempo mostrando la propria vita dal lato più positivo. Rockwell non voleva mostrare né padri malvagi né madri indifferenti. E con lui non incontrerai bambini infelici.
Norman Rockwell. Tutta la famiglia per riposarsi e dal riposo. Illustrazione nell'Evening Saturday Post, 30 agosto 1947. Museo Norman Rockwell a Stockbridge, Massachusetts, USA Le sue opere sono piene di umorismo, colori succosi ed espressioni della vita catturate con grande abilità.
Ma è un'illusione che l'opera sia stata data facilmente a Rockwell. Per creare un dipinto, prima scattava fino a un centinaio di fotografie con i suoi modelli per catturare i gesti giusti.
Il lavoro di Rockwell ha avuto un impatto enorme sulle menti di milioni di americani. Dopotutto, parlava spesso con l'aiuto dei suoi dipinti.
Durante la seconda guerra mondiale, decise di mostrare per cosa combattevano i soldati del suo paese. Avendo realizzato, tra le altre cose, il dipinto "Libertà dal bisogno". Sotto forma di Ringraziamento, in cui tutti i membri della famiglia, ben nutriti e soddisfatti, si godono le vacanze in famiglia.
Norman Rockwell. Libertà dal bisogno. 1943 Museo Norman Rockwell a Stockbridge, Massachusetts, USA Dopo 50 anni al Saturday Evening Post, Rockwell è passato alla rivista più democratica Look, dove ha potuto esprimere le sue opinioni su questioni sociali.
L’opera più brillante di quegli anni è “The Problem We Live With”.
Norman Rockwell. Il problema con cui conviviamo. 1964 Museo Norman Rockwell, Stockbridge, Stati Uniti Questa è la storia vera di una ragazza nera che frequentava una scuola bianca. Da quando è stata approvata una legge secondo la quale le persone (e quindi le istituzioni educative) non dovrebbero più essere divise secondo linee razziali.
Ma la rabbia degli abitanti non conosceva limiti. Sulla strada per la scuola, la ragazza è stata sorvegliata dalla polizia. Ecco un momento così "di routine" e lo ha mostrato a Rockwell.
Se vuoi conoscere la vita degli americani sotto una luce leggermente abbellita (come loro stessi volevano vederla), assicurati di guardare i dipinti di Rockwell.
Forse, tra tutti i pittori presentati in questo articolo, Rockwell è l'artista più americano.
5. Andrew Wyeth (1917-2009)
Andrea Wyeth. Auto ritratto. 1945 Accademia Nazionale di Design, New York A differenza di Rockwell, Wyeth non era così positivo. Recluso per natura, non cercava di abbellire nulla. Al contrario, ha raffigurato i paesaggi più ordinari e le cose insignificanti. Solo un campo di grano, solo una casa di legno. Ma riusciva anche a far capolino in loro qualcosa di magico.
La sua opera più famosa è Christina's World. Wyeth ha mostrato il destino di una donna, la sua vicina. Paralizzata fin dall'infanzia, gattonava nell'area intorno alla sua fattoria.
Quindi non c'è nulla di romantico in questa immagine, come potrebbe sembrare a prima vista. Se guardi da vicino, la donna ha una magrezza dolorosa. E sapendo che le gambe dell'eroina sono paralizzate, capisci con tristezza quanto sia ancora lontana da casa.
A prima vista, Wyeth ha scritto il più banale. Ecco la vecchia finestra della vecchia casa. Una tenda logora che ha già cominciato a ridursi in brandelli. Fuori dalla finestra la foresta si oscura.
Ma c'è qualche mistero in tutto questo. Qualche altro sguardo.
Andrea Wyeth. Vento dal mare. 1947 Galleria Nazionale di Washington, Stati Uniti Così i bambini sono in grado di guardare il mondo con uno sguardo imparziale. Lo stesso vale per Wyatt. E noi siamo con lui.
Tutti gli affari di Wyeth erano gestiti da sua moglie. Era una buona organizzatrice. È stata lei a contattare musei e collezionisti.
C'era poco romanticismo nella loro relazione. La musica doveva apparire. Ed è diventata una Helga semplice, ma dall'aspetto straordinario. Questo è ciò che vediamo in molte opere.
Andrea Wyeth. Trecce (della serie Helga). 1979 Collezione privata Sembrerebbe che vediamo solo l'immagine fotografica di una donna. Ma per qualche motivo è difficile staccarsene. I suoi occhi sono troppo complessi, le sue spalle tese. Noi, per così dire, ci stiamo sforzando internamente con lei. Faticando a trovare una spiegazione a questa tensione.
Descrivendo la realtà in ogni dettaglio, Wyeth l'ha magicamente dotata di emozioni che non possono lasciare indifferenti.
L'artista non è stato riconosciuto per molto tempo. Con il suo realismo, seppure magico, non si adattava alle tendenze moderniste del XX secolo.
Quando i lavoratori del museo acquistavano le sue opere, cercavano di farlo in silenzio, senza attirare l'attenzione. Raramente venivano organizzate mostre. Ma per l’invidia dei modernisti, hanno sempre avuto un successo clamoroso. La gente arrivava in massa. E continuano ad arrivare.
6. Jackson Pollock (1912-1956)
Jackson Pollock. 1950 Foto di Hans Namuth Jackson Pollock è impossibile da ignorare. Ha oltrepassato un certo limite nell'arte, dopo il quale la pittura non poteva più essere la stessa. Ha dimostrato che nell'arte, in generale, si può fare senza confini. Quando ho steso la tela sul pavimento e l'ho spruzzata di vernice.
E questo artista americano ha iniziato con l'astrattismo, in cui è ancora rintracciabile il figurativo. Nella sua opera degli anni Quaranta "Shorthhand Figure" vediamo i contorni sia del viso che delle mani. E anche simboli comprensibili per noi sotto forma di croci e zeri.
Jackson Pollock. Figura stenografica. 1942 Museo d'Arte Moderna di New York (MOMA) Il suo lavoro è stato elogiato, ma non avevano fretta di comprare. Era povero come un topo di chiesa. E ha bevuto spudoratamente. Nonostante un matrimonio felice. Sua moglie ammirava il suo talento e faceva di tutto per il successo del marito.
Ma Pollock originariamente aveva una personalità spezzata. Fin dalla sua giovinezza, era chiaro dalle sue azioni che la morte prematura era il suo destino.
Di conseguenza questa frattura lo porterà alla morte all'età di 44 anni. Ma avrà tempo per fare una rivoluzione nell'arte e diventare famoso.
Jackson Pollock. Ritmo autunnale (numero 30). 1950 Metropolitan Museum of Art di New York, Stati Uniti E lo ha fatto in un periodo di due anni di sobrietà. Ha potuto lavorare fruttuosamente nel 1950-1952. Ha sperimentato a lungo fino ad arrivare alla tecnica del gocciolamento.
Avendo steso un'enorme tela sul pavimento del suo capannone, le girò intorno, essendo, per così dire, nella foto stessa. E vernice spruzzata o semplicemente versata.
Questi dipinti insoliti iniziarono ad essere acquistati da lui volentieri per la loro incredibile originalità e novità.
Jackson Pollock. Colonne blu. 1952 Galleria Nazionale dell'Australia, Canberra Pollock rimase sbalordito dalla fama e cadde in depressione, non capendo dove andare dopo. La miscela mortale di alcol e depressione non gli lasciava alcuna possibilità di sopravvivenza. Una volta si mise al volante molto ubriaco. Ultima volta.
7. Andy Warhol (1928-1987)
Andy Warhole. 1979 Foto di Arthur Tress Solo in un paese con un tale culto del consumo, come in America, poteva nascere la pop art. E il suo principale iniziatore fu, ovviamente, Andy Warhol.
È diventato famoso per aver preso le cose più ordinarie e trasformarle in un'opera d'arte. Questo è quello che è successo alla lattina di zuppa Campbell.
La scelta non è stata casuale. La madre di Warhol ha nutrito suo figlio ogni giorno con questa zuppa per più di 20 anni. Anche quando si trasferì a New York e portò con sé la madre.
Andy Warhole. Lattine di zuppa Campbell. Polimero, stampato a mano. 32 quadri 50x40 ciascuno. 1962 Museo d'Arte Moderna di New York (MOMA) Dopo questo esperimento, Warhol si interessò alla serigrafia. Da allora, ha scattato immagini di pop star e le ha dipinte in diversi colori.
È così che è apparsa la sua famosa Marilyn Monroe dipinta.
Furono prodotti una miriade di tali colori acidi Marilyn. Art Warhol messo in onda. Come previsto in una società dei consumi.
Andy Warhole. Marilyn Monroe. Serigrafia, carta. 1967 Museo d'Arte Moderna di New York (MOMA) I volti dipinti sono stati inventati da Warhol per un motivo. E ancora, non senza l'influenza della madre. Da bambina, durante una lunga malattia di suo figlio, gli trascinava pacchi di libri da colorare.
Questo hobby infantile si trasformò in qualcosa che divenne il suo biglietto da visita e lo rese favolosamente ricco.
Dipinse non solo le pop star, ma anche i capolavori dei suoi predecessori. Capito e.
Venere, come Marilyn, ha fatto molto. L'esclusività di un'opera d'arte viene “cancellata” da Warhol e ridotta in polvere. Perché l'artista ha fatto questo?
Per rendere popolari vecchi capolavori? O, al contrario, provare a svalutarli? Per immortalare le pop star? O ravvivare la morte con ironia?
Andy Warhole. Venere Botticelli. Serigrafia, acrilico, tela. cm 122x183 1982 Museo E. Warhol di Pittsburgh, USA Le sue opere dipinte di Madonna, Elvis Presley o Lenin sono talvolta più riconoscibili delle foto originali.
Ma i capolavori difficilmente verranno messi in ombra. Tuttavia la “Venere” primordiale resta inestimabile.
Warhol era un appassionato frequentatore di feste, attirando molti emarginati. Tossicodipendenti, attori falliti o semplicemente personalità squilibrate. Uno dei quali una volta gli ha sparato.
Warhol è sopravvissuto. Ma 20 anni dopo, a causa delle conseguenze di una ferita subita in passato, morì da solo nel suo appartamento.
Melting pot statunitense
Nonostante la breve storia dell’arte americana, la gamma è ampia. Tra gli artisti americani ci sono gli impressionisti (Sargent), i realisti magici (Wyeth), gli espressionisti astratti (Pollock) e i pionieri della pop art (Warhol).
Ebbene, gli americani amano la libertà di scelta in ogni cosa. Centinaia di denominazioni. Centinaia di nazioni. Centinaia di direzioni artistiche. Ecco perché è il crogiolo degli Stati Uniti d'America.
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Il dipinto "Ritratto dell'artista (piscina con due figure)" di David Hockney è stato venduto all'asta di Christie's a New York per la cifra record di 90 milioni e 315,5 mila dollari.
David Hockney (nato il 9 luglio 1937) è un artista, grafico e fotografo inglese che ha trascorso gran parte della sua vita negli Stati Uniti. Rappresentante di spicco della pop art degli anni '60, è considerato uno degli artisti più influenti del XX secolo.
David Hockney, 81 anni, è diventato l'artista vivente più costoso. La casa d'aste ha valutato il dipinto 80 milioni di dollari. Si tratta di quasi tre volte di più del record precedente di Hockney: nel maggio di quest'anno, la sua opera Pacific Coast Highway and Santa Monica (1990) è stata venduta per 28,5 milioni di dollari da Sotheby's.
Pool with Two Figures divenne l'artista vivente più costoso venduto all'asta e Hockney l'artista vivente più costoso.
Il titolo era precedentemente detenuto dall'artista americano 63enne Jeff Koons, il cui Stainless Steel Balloon Dog (Orange) è stato venduto da Christie's nel 2013 per 58 milioni di dollari.
- L'artista di strada americano Ron English ha "Slave Labour" per 730.000 dollari e ha promesso di dipingerlo completamente di bianco.
- Pendente di perla e diamanti di Maria Antonietta (1755-1793), regina di Francia.
- La casa d'aste Christie's è stata venduta per 432,5mila dollari