Ami la pittura giapponese? Quanto sai dei famosi artisti giapponesi? Diamo uno sguardo agli artisti giapponesi più famosi che hanno realizzato le loro opere in stile ukiyo-e (浮世絵) in questo articolo. Questo stile di pittura è stato sviluppato sin dal periodo Edo. I geroglifici che scrivono questo stile 浮世絵 significano letteralmente "immagini (immagini) mondo che cambia”, puoi leggere di più su questa direzione della pittura
Hisikawa Moronobu(菱川師宣, 1618-1694). Considerato il fondatore del genere ukiyo-e, anche se, in realtà, è solo il primo maestro la cui vita è stata preservata. informazioni biografiche. Moronobu nacque nella famiglia di un maestro che tingeva tessuti e ricamava con oro e fili d'argento E per molto tempo Era un mestiere di famiglia, quindi il segno distintivo del suo lavoro sono gli abiti delle bellezze splendidamente decorati, che danno un meraviglioso effetto artistico.
Dopo essersi trasferito a Edo, ha studiato dapprima le tecniche pittoriche, poi l'artista Kambun ha continuato i suoi studi.
Per lo più sono giunti fino a noi gli album di Moronobu, in cui raffigura soggetti storici e letterari e libri con motivi per kimono. Il maestro lavorò anche nel genere shunga e, tra le singole opere, ne sono conservate diverse raffiguranti belle donne. 
(鳥居清長, 1752-1815). Riconosciuto alla fine del XVIII secolo, il maestro Seki (Sekiguchi) Shinsuke (Ishibei) portava lo pseudonimo Torii Kiyonaga, che prese dopo aver ereditato la scuola di ukiyo-e Torii da Torii Kiyomitsu dopo la morte di quest'ultimo.
Kiyonaga è nato nella famiglia del libraio Shirakoya Ishibei. Il genere bijinga gli ha portato la fama più grande, sebbene abbia iniziato con yakusha-e. Sono state tratte le trame per le incisioni del genere bijinga Vita di ogni giorno: passeggiate, processioni festive, escursioni nella natura. Tra le tante opere dell'artista, la serie “Concorso di bellezze alla moda da quartieri divertenti”, raffigurante Minami, uno dei “quartieri divertenti” nel sud di Edo, “12 ritratti di bellezze del sud”, “10 tipi di negozi di tè”. Una caratteristica distintiva del maestro era lo studio dettagliato della vista di sfondo e l'uso di tecniche provenienti dall'Occidente per rappresentare la luce e lo spazio.
Kiyonaga ottenne la sua fama iniziale con la ripresa nel 1782 della serie "Models of Fashion: Models New as Spring Foliage", iniziata da Koryusai negli anni Settanta del Settecento per l'editore Nishimurai Yohachi.
(喜多川歌麿, 1753-1806). Su questo maestro eccezionale Ukiyo-e è stato fortemente influenzato da Torii Kiyonaga e dall'editore Tsutai Juzaburo. Frutto di una lunga collaborazione con quest'ultimo furono pubblicati numerosi album, libri con illustrazioni e una serie di incisioni.
Nonostante Utamaro abbia tratto storie dalla vita di semplici artigiani e si sia sforzato di rappresentare la natura (“Il libro degli insetti”), la fama gli è arrivata come artista di opere dedicate alle geishe del quartiere Yoshiwara (“Yoshiwara Green Houses Yearbook” ).
Utamaro raggiunse alto livello nell’espressione degli stati mentali su carta. Per la prima volta nelle xilografie giapponesi iniziarono ad essere utilizzate composizioni di petto.
Fu l'opera di Utamaro che influenzò gli impressionisti francesi e contribuì all'interesse degli europei per le stampe giapponesi.
(葛飾北斎, 1760-1849). Il vero nome di Hokusai è Tokitaro. Probabilmente il maestro di ukiyo-e più conosciuto in tutto il mondo. Nel corso del suo lavoro ha utilizzato più di trenta pseudonimi. Molto spesso gli storici usano pseudonimi per periodizzare il suo lavoro.
All'inizio Hokusai lavorò come intagliatore, il cui lavoro era limitato dalle intenzioni dell'artista. Questo fatto pesò su Hokusai e iniziò a cercarsi come artista indipendente.
Nel 1778 divenne apprendista presso lo studio di Katsukawa Shunsho, specializzato in stampe yakusha-e. Hokusai era uno studente talentuoso e molto diligente che mostrava sempre rispetto per l'insegnante e quindi godeva del favore speciale di Shunsho. Quindi, il primo lavoro indipendente Gli Hokusai rientravano nel genere yakusha-e sotto forma di dittici e trittici, e la popolarità dello studente era pari a quella dell'insegnante. A quel tempo, il giovane maestro aveva già sviluppato il suo talento così tanto che divenne affollato all'interno di una scuola, e dopo la morte dell'insegnante, Hokusai lasciò lo studio e studiò le direzioni di altre scuole: Kano, Sotatsu (altrimenti Koetsu), Rinpa, Tosa.
Durante questo periodo, l'artista sperimenta significative difficoltà finanziarie. Ma allo stesso tempo avviene la sua formazione di maestro, che rifiuta l'immagine consueta che la società richiedeva, e cerca la propria proprio stile.
Nel 1795 furono pubblicate le illustrazioni per l'antologia poetica Keka Edo Murasaki. Quindi Hokusai dipinse dipinti surimono, che iniziarono immediatamente ad essere popolari, e molti artisti iniziarono a imitarli.
A partire da questo periodo Tokitaro cominciò a firmare le sue opere con il nome Hokusai, anche se alcune sue opere furono pubblicate sotto gli pseudonimi Tatsumasa, Tokitaro, Kako, Sorobeku.
Nel 1800, il maestro iniziò a chiamarsi Gakejin Hokusai, che significa "Dipingere Mad Hokusai".
Famose serie di illustrazioni includono “36 vedute del Monte Fuji”, di cui “Il vento vittorioso. Giornata limpida" o "Fuji rosso" e " Una grande onda a Kanagawa", "100 vedute del Monte Fuji", pubblicato in tre album, "Hokusai Manga" (北斎漫画), che viene definita "l'enciclopedia del popolo giapponese". L'artista ha investito in "Manga" tutte le sue opinioni sulla creatività, la filosofia. "Manga" è la fonte più importante per studiare la vita del Giappone dell'epoca, poiché comprende molti aspetti culturali. In totale, durante la vita dell'artista furono pubblicati dodici numeri e dopo la sua morte altri tre:
* 1815 - II, III
* 1817 - VI,VII
* 1849 - XIII (dopo la morte dell'artista)
L'arte di Hokusai lo ha influenzato Destinazioni europee come l'Art Nouveau e l'Impressionismo francese.
(河鍋暁斎, 1831-1889). Ha usato gli pseudonimi Seisei Kyosai, Shuransai, Baiga Dojin, ha studiato alla scuola di Kano.
A differenza di Hokusai, Kyosai era piuttosto sfacciato, il che lo fece litigare con l'artista Tsuboyama Tozan. Dopo la scuola, divenne un maestro indipendente, anche se a volte andò a trovarla per altri cinque anni. A quel tempo dipingeva kyoga, i cosiddetti "quadri pazzi".
Tra le incisioni eccezionali si distinguono i "Cento dipinti di Kyosai". Come illustratore, Kyosai collabora con altri artisti per creare illustrazioni per racconti e romanzi.
Alla fine del XIX secolo gli europei visitavano spesso il Giappone. L'artista ne conosceva alcuni e molte delle sue opere si trovano ora al British Museum.
(歌川広重, 1797-1858). Ha lavorato sotto lo pseudonimo di Ando Hiroshige (安藤広重) ed è noto per la sua sottile interpretazione di motivi naturali e fenomeni naturali. Il primo dipinto "Il Monte Fuji nella neve", che ora è conservato al Suntory Museum di Tokyo, lo dipinse all'età di dieci anni. Le trame dei primi lavori erano basate su eventi reali che si svolgevano per le strade. I suoi cicli famosi sono 100 Vedute di Edo, 36 Vedute del Monte Fuji, 53 Stazioni Tokaido, 69 Stazioni Kimokaido, 100 specie conosciute Edo. Monet e l'artista russo Bilibin sono stati renderizzati grande influenza"53 stazioni della strada Tokaido", scritte dopo aver viaggiato lungo la strada costiera orientale, così come "100 vedute di Edo". Della serie kacho-ga di 25 incisioni, il foglio più famoso è “Passeri su una camelia coperta di neve”.
(歌川 国貞, noto anche come Utagawa Toyokuni III (giapponese 三代歌川豊国)). Una delle più artisti eccezionali ukiyo-e.
Ha prestato particolare attenzione agli attori kabuki e al teatro stesso: questo rappresenta circa il 60% di tutte le opere. Sono note anche opere del genere bijinga e ritratti di lottatori di sumo. È noto che creò dalle 20 alle 25mila storie, che comprendevano 35-40mila fogli. Raramente si rivolgeva a paesaggi e guerrieri. Utagawa Kuniyoshi (歌川 国芳, 1798 - 1861) Nato nella famiglia di un tintore di seta. Kuniyoshi ha iniziato a imparare a disegnare all'età di dieci anni mentre viveva nella famiglia dell'artista Kuninao. Poi continuò a studiare con Katsukawa Shun'ei, e all'età di 13 anni entrò nel laboratorio di Tokuyoni. I primi anni del giovane artista, le cose non stanno andando bene. Ma dopo aver ricevuto un ordine dall'editore Kagaya Kitibei per cinque stampe per la serie 108 Suikoden Heroes, le cose hanno preso il volo. Crea il resto dei personaggi di questa serie e poi procede con gli altri varie opere, e dopo quindici anni è alla pari di Utagawa Hiroshige e Utagawa Kunisada.
Dopo il divieto del 1842 delle immagini di scene teatrali, attori, geishe e cortigiane, Kuniyoshi scrive la sua serie "gatti", realizza incisioni da una serie educativa per casalinghe e bambini, raffigura eroi nazionali nella serie "Tradizioni, moralità e decanato", e tra la fine degli anni Quaranta dell'Ottocento e l'inizio degli anni Cinquanta dell'Ottocento, dopo l'allentamento dei divieti, l'artista ritorna al tema del kabuki.
(渓斎英泉, 1790-1848). Conosciuto per le sue opere nel genere delle offerte. Le sue opere migliori includono ritratti del tipo okubi-e ("grandi teste"), considerati esempi di artigianato dell'era Bunsei (1818-1830), quando il genere ukiyo-e era in declino. L'artista scrisse molti surimono lirici ed erotici, così come il ciclo di paesaggi "Sessantanove stazioni di Kisokaido", che non riuscì a completare, e Hiroshige lo finì.
La novità nella rappresentazione del bijinga era una sensualità che altri artisti non avevano mai avuto prima. Dalle sue opere possiamo capire la moda di quel tempo. Pubblicò anche biografie dei Quarantasette Ronin e scrisse diversi altri libri, tra cui La storia delle stampe Ukiyo-e (Ukiyo-e ruiko), che contiene le biografie degli artisti. E in Notes of a Nameless Elder, si descriveva come un ubriacone depravato ed ex proprietario di un bordello Nezu raso al suolo da un incendio negli anni '30 dell'Ottocento.
Suzuki Harunobu (鈴木春信, 1724-1770) Il vero nome dell'artista è Hozumi Jirobei. È il pioniere della stampa policroma ukiyo-e. Ha studiato alla scuola Kano e ha studiato pittura. Poi, sotto l'influenza di Shigenaga Nishimura e Toriya Kiyomitsu, l'intaglio del legno divenne la sua passione. Le stampe in due o tre colori furono realizzate dall'inizio del XVIII secolo e Harunobu iniziò a dipingere quadri in dieci colori, utilizzando tre tavole e combinando tre colori: giallo, blu e rosso.
Distinguiti nell'immagine scene di strada e dipinti shunga. E dal 1760 fu uno dei primi a iniziare a ritrarre gli attori del teatro Kabuki. Il suo lavoro ha influenzato E. Manet ed E. Degas.
(小原古邨, 1877 - 1945). Il suo vero nome è Matao Ohara. Rappresentate scene delle guerre russo-giapponese e sino-giapponese. Tuttavia, dopo l'avvento della fotografia, il suo lavoro iniziò a vendersi poco e iniziò a guadagnarsi da vivere insegnando alla scuola di belle arti di Tokyo. Nel 1926, Ernest Felloza, curatore d'arte giapponese al Boston Museum, convinse Ohara a tornare alla pittura e l'artista iniziò a rappresentare uccelli e fiori, e il suo lavoro vendette bene all'estero. 
(伊藤若冲, 1716 - 1800). Si distinse tra gli altri artisti per la sua eccentricità e il suo stile di vita, che consisteva nell'amicizia con molte figure culturali e religiose dell'epoca. Raffigurava animali, fiori e uccelli in un modo molto esotico. Era molto famoso e ricevette ordini per dipingere paraventi e dipinti di templi.
(鳥居清信, 1664-1729). Uno dei rappresentanti più importanti primo periodo ukiyo-e. Nonostante la grande influenza del suo insegnante Hisikawa Monorobu, divenne il fondatore del genere yakusha-e nella raffigurazione di manifesti e manifesti e inventò il proprio stile. Gli attori sono stati ritratti in pose speciali come eroi coraggiosi e sono stati dipinti 
un nobile colore arancione, e i cattivi erano disegnati con i colori blu. Per rappresentare la passione, l'artista ha inventato tipo speciale I disegni di Mimizugaki sono linee sinuose con tratti sottili e spessi alternati e combinati con un'immagine grottesca dei muscoli degli arti.
Torii Kiyonobu è il fondatore della dinastia di artisti Torii. I suoi studenti erano Torii Kiyomasu, Torii Kiyoshige I, Torii Kiyomitsu.
Chi è il tuo artista ukiyo-e preferito?
La lingua giapponese differisce da qualsiasi lingua europea nella sua struttura, il che può causare alcune difficoltà nell'apprendimento. Tuttavia, non preoccuparti! Soprattutto per te hai sviluppato un corso "", al quale puoi iscriverti subito!
Ha una storia molto ricca; la sua tradizione è ampia, con la posizione unica del Giappone nel mondo che influenza notevolmente gli stili e le tecniche dominanti Artisti giapponesi. Fatto noto Il fatto che il Giappone sia stato piuttosto isolato per secoli non è dovuto solo alla geografia, ma anche alla dominante propensione culturale giapponese all'isolamento che ha segnato la storia del paese. Durante i secoli di esistenza di ciò che potremmo chiamare " Civiltà giapponese”, la cultura e l'arte si sono sviluppate separatamente da quelle del resto del mondo. E questo è evidente anche nella pratica della pittura giapponese. Ad esempio, i dipinti Nihonga sono tra i punti fermi della pratica pittorica giapponese. Si basa su una tradizione di oltre mille anni e i dipinti vengono solitamente realizzati con pennelli su carta giapponese o egina (seta).
Tuttavia, arte giapponese e la pittura furono influenzate da stranieri pratiche artistiche. Innanzitutto, era l'arte cinese nel XVI secolo e Arte cinese e la tradizione artistica cinese, che è stata particolarmente influente in diversi modi. A partire dal XVII secolo anche la pittura giapponese venne influenzata Tradizioni occidentali. In particolare, durante il periodo prebellico, che durò dal 1868 al 1945, la pittura giapponese fu influenzata dall’impressionismo e Romanticismo europeo. Allo stesso tempo, anche i nuovi movimenti artistici europei furono significativamente influenzati dalle tecniche artistiche giapponesi. Nella storia dell'arte, questa influenza viene chiamata "Giapponismo", ed è particolarmente significativa per gli impressionisti, i cubisti e gli artisti associati al modernismo.
Lunga storia La pittura giapponese può essere vista come una sintesi di diverse tradizioni che creano parti di un'estetica giapponese riconosciuta. Innanzitutto, l’arte e i metodi di pittura buddisti, così come la pittura religiosa, hanno lasciato un segno significativo nell’estetica dei dipinti giapponesi; pittura con inchiostro ad acqua di paesaggi nella tradizione della pittura letteraria cinese - un altro elemento importante, riconosciuto in molti famosi dipinti giapponesi; la pittura di animali e piante, in particolare uccelli e fiori, è qualcosa che è comunemente associata alle composizioni giapponesi, così come i paesaggi e le scene della vita quotidiana. Infine, le antiche idee sulla bellezza provenienti dalla filosofia e dalla cultura dell’antico Giappone hanno avuto una grande influenza sulla pittura giapponese. Wabi, che significa bellezza transitoria e dura, sabi (bellezza della patina naturale e dell'invecchiamento) e yugen (grazia profonda e sottigliezza) influenzano ancora gli ideali nella pratica della pittura giapponese.
Infine, se ci concentriamo sulla scelta dei dieci capolavori giapponesi più famosi, dobbiamo menzionare l'ukiyo-e, che è uno dei generi artistici più popolari in Giappone, anche se appartiene all'incisione. Ha dominato l'arte giapponese dal XVII al XIX secolo, con artisti appartenenti a questo genere che hanno prodotto xilografie e dipinti di soggetti come belle ragazze, attori kabuki e lottatori di sumo, oltre a scene tratte dalla storia e racconti popolari, scene e paesaggi di viaggio, flora e fauna e persino erotismo.
È sempre difficile stilare un elenco dei migliori dipinti della tradizione artistica. Verranno escluse molte opere straordinarie; tuttavia, questo elenco presenta dieci dei dipinti giapponesi più riconoscibili al mondo. Questo articolo presenterà solo dipinti realizzati dal XIX secolo ai giorni nostri.
La pittura giapponese ha una storia estremamente ricca. Nel corso dei secoli, gli artisti giapponesi si sono sviluppati un gran numero di tecniche e stili unici che rappresentano il contributo più prezioso del Giappone al mondo dell'arte. Una di queste tecniche è sumi-e. Sumi-e significa letteralmente "disegno a inchiostro", combinando calligrafia e pittura a inchiostro per creare composizioni dipinte a pennello di rara bellezza. Questa bellezza è paradossale: antica ma moderna, semplice ma complessa, audace ma sommessa, riflette senza dubbio la base spirituale dell'arte nel Buddismo Zen. I sacerdoti buddisti portarono in Giappone dalla Cina nel VI secolo il blocco di inchiostro duro e il pennello di bambù e negli ultimi 14 secoli il Giappone ha sviluppato una ricca eredità di pittura a inchiostro.
Scorri verso il basso e guarda 10 capolavori della pittura giapponese
1. Katsushika Hokusai "Il sogno della moglie del pescatore"
Uno dei dipinti giapponesi più riconoscibili è Il sogno della moglie del pescatore. Fu dipinto nel 1814 dal famoso artista Hokusai. Secondo definizioni rigorose, questo lavoro fantastico Hokusai non può essere considerato un dipinto, poiché è una xilografia ukiyo-e di Young Pines (Kinoe no Komatsu), che è un libro shunga in tre volumi. La composizione raffigura un giovane subacqueo ama intrecciato sessualmente con una coppia di polpi. Questa immagine è stata molto influente nei secoli XIX e XX. L'opera influenzò artisti successivi come Felicien Rops, Auguste Rodin, Louis Ocock, Fernand Khnopf e Pablo Picasso.
2. Tessai Tomioka "Abe no Nakamaro scrive una poesia nostalgica mentre guarda la luna"
Tessai Tomioka è lo pseudonimo di un famoso artista e calligrafo giapponese. È considerato l'ultimo grande artista della tradizione Bunjing e uno dei primi grandi artisti dello stile Nihonga. Bunjinga era una scuola di pittura giapponese che fiorì durante il tardo periodo Edo tra artisti che si consideravano letterati o intellettuali. Ciascuno di questi artisti, inclusa Tessaia, ha sviluppato il proprio stile e la propria tecnica, ma erano tutti grandi fan dell'arte e della cultura cinese.
3. Fujishima Takeji "L'alba sul mare orientale"
Fujishima Takeji era un artista giapponese noto per il suo lavoro nello sviluppo del romanticismo e dell'impressionismo nel movimento artistico Yoga (in stile occidentale) in fine XIX- l'inizio del XX secolo. Nel 1905 si recò in Francia, dove fu influenzato dai movimenti francesi dell'epoca, in particolare dall'impressionismo, come si può vedere nel suo dipinto del 1932 Alba sul mare orientale.
4. Kitagawa Utamaro "Dieci tipi di volti femminili, una collezione di bellezze dominanti"
Kitagawa Utamaro era un importante artista giapponese nato nel 1753 e morto nel 1806. È di gran lunga meglio conosciuto per una serie chiamata The Ten Types volti femminili. Raccolta di bellezze dominanti, temi Grande amore poesia classica” (a volte chiamato “Women in Love”, contenente stampe separate di “Naked Love” e “Pensive Love”). È uno degli artisti più significativi appartenenti al genere della xilografia ukiyo-e.
5. Kawanabe Kyosai "Tigre"
Kawanabe Kyosai è stato uno degli artisti giapponesi più famosi del periodo Edo. La sua arte fu influenzata da Tohaku, un pittore Kano del XVI secolo che fu l'unico pittore del suo tempo a dipingere schermi interamente con inchiostro su un delicato sfondo di polvere d'oro. Sebbene Kyosai sia conosciuto come fumettista, ha prodotto alcuni dei dipinti più famosi della storia giapponese. Arte XIX secolo. "Tiger" è uno di quei dipinti che Kyosai ha utilizzato acquerello e inchiostro per creare.
6. Hiroshi Yoshida Fuji dal Lago Kawaguchi
Hiroshi Yoshida è conosciuto come una delle figure più importanti dello stile Shin-Hanga (Shin-Hanga è un movimento artistico nato in Giappone all'inizio del XX secolo, durante i periodi Taisho e Showa, che fece rivivere arte tradizionale ukiyo-e, che attecchisce nel periodo Edo e Meiji (XVII - XIX secolo)). Si è formato nella tradizione della pittura a olio occidentale, adottata in Giappone durante il periodo Meiji.
7. Takashi Murakami "727"
Takashi Murakami è probabilmente l'artista giapponese più popolare del nostro tempo. Il suo lavoro viene venduto a prezzi astronomici aste importanti, e la creatività sta già ispirando nuove generazioni di artisti non solo in Giappone, ma anche all'estero. L'arte di Murakami include tutta la linea media ed è solitamente descritto come un superpiano. Il suo lavoro è noto per l'uso del colore, incorporando motivi della cultura tradizionale e popolare giapponese. Il contenuto dei suoi dipinti è spesso descritto come "carino", "psichedelico" o "satirico".
8. Yayoi Kusama "Zucca"
Yaoi Kusama è anche uno degli artisti giapponesi più famosi. Lavora con una varietà di mezzi, tra cui pittura, collage, scultura scat, performance art, arte ambientale e installazione, la maggior parte dei quali dimostra il suo interesse tematico per il colore, la ripetizione e il modello psichedelico. Una delle serie più famose di questo grande artista è la serie Pumpkin. Una zucca regolare a pois in giallo brillante è mostrata contro una rete. Insieme, tutti questi elementi formano un linguaggio visivo che è inconfondibile per lo stile dell'artista ed è stato sviluppato e perfezionato nel corso di decenni di scrupolosa lavorazione e riproduzione.
9. Tenmyoya Hisashi "Spirito giapponese #14"
Tenmyoya Hisashi è un artista giapponese contemporaneo noto per i suoi dipinti neo-nihonga. Ha partecipato alla rinascita dell'antica tradizione della pittura giapponese, che è l'esatto opposto della pittura giapponese moderna. Nel 2000 crea anche il suo un nuovo stile butouha, che dimostra un atteggiamento fermo nei confronti dell'autorità sistema dell'arte attraverso i suoi dipinti. "Japanese Spirit No. 14" è stato creato come parte dello schema artistico "BASARA", interpretato in cultura giapponese come il comportamento ribelle della bassa aristocrazia durante il periodo degli Stati Combattenti al fine di privare le autorità dell'opportunità di cercare immagine perfetta vita, vestendosi con abiti pomposi e lussuosi e agendo di libera volontà, che non corrispondeva alla loro classe sociale.
10. Katsushika Hokusai "La grande onda al largo di Kanagawa"
Infine, La Grande Onda di Kanagawa è probabilmente il dipinto giapponese più riconoscibile mai dipinto. Questa è in realtà l'opera d'arte più famosa creata in Giappone. Raffigura enormi onde che minacciano le barche al largo della costa della prefettura di Kanagawa. Anche se a volte viene scambiata per uno tsunami, l'onda, come suggerisce il nome del dipinto, molto probabilmente ha semplicemente un'altezza anomala. Il dipinto è realizzato secondo la tradizione ukiyo-e.
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Ogni paese ha i suoi eroi arte contemporanea, i cui nomi sono noti, le cui mostre riuniscono folle di appassionati e curiosi e le cui opere sono distribuite in collezioni private.
In questo articolo ti presenteremo quelli più popolari artisti contemporanei Giappone.
Keiko Tanabe
Nata a Kyoto, Keiko ha vinto numerosi concorsi d'arte da bambina, ma istruzione superiore non è stata affatto accolta nel campo dell’art. Ha lavorato nel dipartimento relazioni internazionali in giapponese organizzazione commerciale autogoverno a Tokyo, un grande studio legale a San Francisco e una società di consulenza privata a San Diego, viaggiarono molto. A partire dal 2003 lascia il lavoro e, dopo aver appreso i rudimenti della pittura ad acquerello a San Diego, si dedica esclusivamente all'arte.
Ikenaga Yasunari (Ikenaga Yasunari)
L'artista giapponese Ikenaga Yasunari dipinge ritratti donne moderne nell'antica tradizione pittorica giapponese, utilizzando come base il pennello Menso, pigmenti minerali, nerofumo, inchiostro e lino. I suoi personaggi sono donne del nostro tempo, ma grazie allo stile di Nihonga, c'è la sensazione che siano venuti da noi dai tempi antichi.
Abe Toshiyuki
Abe Toshiyuki è un artista realista che ha imparato tecnica dell'acquerello. Abe può essere definito un artista-filosofo: fondamentalmente non disegna punti di riferimento noti, preferendo composizioni soggettive che riflettono stati interni la persona che li guarda.
Hiroko Sakai
La carriera dell'artista Hiroko Sakai è iniziata all'inizio degli anni '90 nella città di Fukuoka. Dopo essersi laureata in design e visualizzazione presso l'Università Seinan Gakuin e la Nihon French School of Interior Design, ha fondato "Atelier Yume-Tsumugi Ltd." e ha gestito con successo questo studio per 5 anni. Molte delle sue opere adornano gli atri degli ospedali, gli uffici di grandi aziende e alcuni edifici municipali in Giappone. Dopo essersi trasferita negli Stati Uniti, Hiroko iniziò a dipingere ad olio.
Riusuke Fukahori
Le opere tridimensionali di Ryuusuki Fukahori sono come ologrammi. Sono realizzati con diversi strati di vernice acrilica e resina liquida trasparente: tutto ciò, senza escludere i metodi tradizionali come disegnare ombre, ammorbidire i bordi, controllare la trasparenza, consente a Ryusuki di creare pittura scultorea e conferisce al lavoro profondità e realismo.
Natsuki Otani
Natsuki Otani è una talentuosa illustratrice giapponese che vive e lavora in Inghilterra.
Makoto Muramatsu
Makoto Muramatsu ha scelto come base per il suo lavoro un tema vantaggioso per tutti: disegna gatti. Le sue immagini sono popolari in tutto il mondo, soprattutto sotto forma di puzzle.
Tetsuya Mishima
La maggior parte dei dipinti dell'artista giapponese contemporaneo Mishima sono realizzati a olio. Si occupa professionalmente di pittura dagli anni '90, ha all'attivo diverse mostre personali e un gran numero di mostre collettive, sia giapponesi che straniere.
Hariyo Marita è nata nel 1945 nella prefettura di Saitama.
Fin dalla prima infanzia, ha studiato disegno classico giapponese con il Maestro Husuki. Ha anche presentato Hariyo Marita composizioni pittoresche che ha reso il look giapponese così popolare in Giappone e in Occidente.
Nel 1960 le sue opere furono riconosciute come le migliori in un concorso organizzato in prefettura.
Dopo aver studiato come apprendista, Hariyo ha lavorato come designer di kimono per circa 10 anni e, di conseguenza, ha sviluppato il proprio stile, in cui è riuscita a combinare l'arte classica giapponese e la sua idea della pittura giapponese moderna. Insieme al kimono, il design di Hariyo Marita includeva anche lo sviluppo del kanzashi. Secondo storico Tradizione giapponese, la combinazione di elementi kanzashi avrebbe dovuto riflettere il cambio delle stagioni e cambiare di mese in mese.
Nel 1977 l'artista si trasferisce a Londra, trascorsi mostre personali delle sue opere a Londra, New York, Honolulu, Los Angeles, Arabia Saudita, Tokyo. Gli amanti dell'arte adorano il suo lavoro.
Successivamente, Hariyo Marita si è trasferita in Australia, dove le è piaciuto molto il clima, che, secondo l'artista, è ideale per il suo lavoro.
Nei suoi dipinti, Hariyo Marita raffigura geisha, yujo e nobili dame dell'era Heian (794-1185).
Nobili dame dell'era Heian
Le donne giapponesi potevano manifestarsi solo in due casi: fuori dalle mura della propria casa, circondate da membri della famiglia e/o mariti, oppure una geisha poteva farlo, perché. Già nell'era Heian esisteva un'usanza secondo la quale nobili dame dovevano coprirsi il volto in pubblico.
Ideale bellezza femminile quel tempo di quel tempo in Giappone: viso tondo, fronte alta, pelle bianca. Le donne si sbiancavano densamente il viso con polvere di riso oshiroi (oshiroi), che era difficile da lavare via. Le sopracciglia naturali erano considerate volgari, venivano rasate e invece venivano disegnate linee nere corte e spesse in alto sulla fronte. Più tardi, le bellezze giapponesi iniziarono a depilarsi le sopracciglia. Gli occhi erano delineati di nero o rosso, le labbra erano dipinte con rossetto rosso. Inoltre, le donne potevano enfatizzare l'attaccatura dei capelli con inchiostro nero, che avrebbe dovuto convergere sulla fronte con un triangolo. Ciò ha creato l'illusione di capelli folti.
La caratteristica più importante della bellezza di una donna Heian erano i suoi capelli. Il pelo doveva essere folto, nero come la pece, liscio e molto lungo, fin sotto i talloni. Dovrebbero essere sciolti e giacere sul retro in una massa scura e spessa. Questa acconciatura si chiamava Kurokami. Questa moda iniziò come reazione alla moda cinese importata, dove le acconciature erano molto più corte e includevano code di cavallo. Il detentore del record per la lunghezza dei capelli nel periodo Heian, secondo la leggenda, era una donna con i capelli lunghi 7 metri.
Geisha
Una geisha è una ragazza che intrattiene i suoi clienti (ospiti, visitatori) con danze giapponesi, cantando, conducendo una cerimonia del tè, parlando di qualsiasi argomento, solitamente vestita con un kimono e indossando trucco e acconciatura tradizionali.
"Una vera geisha non rovinerà mai la sua reputazione con la sua accessibilità agli uomini."
Geisha sicuramente sapeva molto di psicologia applicata. La geisha poteva leggere pensieri, sentimenti, emozioni e molto altro nel volto dell'interlocutore. Ma soprattutto, la cosa più importante che rendeva speciali le geishe era che erano donne felici. E come tali venivano percepiti da ospiti e clienti. Irradiavano gioia e luce. Un sorriso permanente sul suo volto. Il tono della voce è musicalmente melodioso. I movimenti sono fluidi, come un gatto soddisfatto. I pensieri sono solo luminosi, allegri, energici. Grande importanza veniva attribuita a questa disciplina della mente.
Disponibilità a godersi la vita in tutto e sempre. Che si tratti semplicemente di bere sakè con un cliente o di una conversazione sofisticata davanti a una tazza di tè. Che si tratti di camminare sotto la pioggia per strada. Uno sguardo ad un uccello che vola nel cielo. Prova piacere in ogni cosa. Trasformarsi in un evento piacevole è addirittura una sciocchezza. Questo è ciò che veniva insegnato alle ragazze nelle vere scuole di geisha.
Yujo
Yujo lo è unico tipo Donne giapponesi che ha una cintura legata davanti. Gli Yujo della categoria più alta sono chiamati tayu.
Yujo l'aveva fatto pieno diritto per un carattere libero e talvolta ostinato, poteva rifiutarsi di trattare con un cliente. Il favore doveva essere conquistato.
Il mondo curioso ha preparato per te una selezione di dipinti di Hariyo Marita, in cui l'artista ha ritratto tutte queste donne giapponesi belle e così diverse.
giapponese pittura classica ha una storia lunga e interessante. Le arti visive del Giappone sono rappresentate in stili diversi e generi, ognuno dei quali è unico a modo suo. Antiche figurine dipinte e motivi geometrici trovati su campane di bronzo dotaku e frammenti di ceramica risalgono al 300 d.C.
In Giappone, l'arte della pittura murale era abbastanza sviluppata; nel VI secolo, le immagini sul tema della filosofia del buddismo erano particolarmente popolari. A quel tempo, nel paese venivano costruiti grandi templi e le loro pareti erano ovunque decorate con affreschi dipinti secondo le trame dei miti e delle leggende buddiste. Fino ad ora, antichi campioni di pitture murali sono stati conservati nel tempio di Horyuji vicino alla città giapponese di Nara. Gli affreschi di Horyuji raffigurano scene della vita del Buddha e di altri dei. Lo stile artistico di questi affreschi è molto vicino al concetto pittorico diffuso in Cina durante la dinastia Song.
Lo stile pittoresco della dinastia Tang acquistò particolare popolarità a metà del periodo Nara. Gli affreschi rinvenuti nella tomba di Takamatsuzuka appartengono a questo periodo e sono datati intorno al VII secolo d.C. Tecnica artistica, formato sotto l'influenza della dinastia Tang, successivamente costituì la base del genere pittorico kara-e. Questo genere ha mantenuto la sua popolarità fino alla comparsa delle prime opere in stile yamato-e. La maggior parte degli affreschi e capolavori pittoreschi appartengono i pennelli autori sconosciuti, oggi molte delle opere di quel periodo sono conservate nel tesoro di Sesoin.
La crescente influenza delle nuove scuole buddiste, come la Tendai, influenzò un ampio orientamento religioso. arti visive Il Giappone nell'VIII e IX secolo. Nel X secolo, durante il quale si sviluppò soprattutto il buddismo giapponese, apparve il genere dei raigozu, "dipinti di benvenuto", raffiguranti l'arrivo del Buddha nel Paradiso occidentale. I primi esempi di raigōzu risalenti al 1053 possono essere visti nel tempio Bedo-in, conservato nella città di Uji, nella prefettura di Kyoto.
Cambiare stili
Nel mezzo del periodo Heian da sostituire stile cinese kara-e nasce il genere yamato-e, che per lungo tempo diventa uno dei generi più popolari e ricercati della pittura giapponese. Nuovo stile pittorico utilizzato principalmente nella verniciatura di paraventi e porte scorrevoli. Nel corso del tempo, lo yamato-e si è spostato sui rotoli orizzontali dell'emakimono. Gli artisti che hanno lavorato nel genere emaki hanno cercato di trasmettere nelle loro opere tutta l'emotività della trama scelta. Il rotolo Genji monogatari era composto da diversi episodi collegati tra loro, gli artisti dell'epoca utilizzavano tratti rapidi e colori brillanti ed espressivi.
E-maki è uno degli esempi più antichi e importanti di otoko-e, un genere pittorico. ritratti maschili. Ritratti di donne evidenziato in genere separato onna-e. Tra questi generi, infatti, così come tra uomini e donne, esistono differenze piuttosto significative. Lo stile onna-e è presentato in modo colorato nel design del Racconto di Genji, dove i temi principali dei disegni sono trame romantiche, scene della vita di corte. Lo stile maschile di otoko-e è prevalentemente immagine artistica battaglie storiche e altri eventi importanti nella vita dell'impero.
La scuola d'arte classica giapponese è diventata terreno fertile per lo sviluppo e la promozione delle idee arte contemporanea Il Giappone, che mostra chiaramente l’influenza della cultura pop e degli anime. Uno degli artisti giapponesi più famosi del nostro tempo può essere chiamato Takashi Murakami, il cui lavoro è dedicato alla rappresentazione di scene della vita giapponese nel dopoguerra e al concetto di massima fusione. belle arti e mainstream.
Da famosi artisti giapponesi scuola classica si può citare quanto segue.
Shubun teso
Shubun lavorò all'inizio del XV secolo, dedicando molto tempo allo studio delle opere Maestri cinesi dell'era della dinastia Song, quest'uomo era all'origine del genere pittorico giapponese. Shubun è considerato il fondatore del sumi-e, la pittura monocromatica a inchiostro. Ha compiuto molti sforzi per rendere popolare il nuovo genere, trasformandolo in una delle tendenze principali della pittura giapponese. Furono molti gli studenti di Shubun che in seguito divennero artisti famosi, tra cui Sesshu e il fondatore della famosa scuola d'arte Kano Masanobu. Molti paesaggi sono stati attribuiti a Shubun, ma la sua opera più famosa è tradizionalmente considerata Lettura in un boschetto di bambù.
Ogata Korin (1658-1716)
Ogata Korin è uno dei grandi artisti nella storia della pittura giapponese, il fondatore e uno dei più brillanti rappresentanti dello stile artistico rimpa. Korin si allontanò coraggiosamente dagli stereotipi tradizionali nelle sue opere, avendo formato il proprio stile, le cui caratteristiche principali erano le forme piccole e il vivido impressionismo della trama. Korin è noto per la sua particolare abilità nel rappresentare la natura e nel lavorare con composizioni astratte di colori. "Fiore di prugna rosso e bianco" è una delle opere più famose di Ogata Korin, sono noti anche i suoi dipinti "Chrysanthemums", "Waves of Matsushima" e molti altri.
Hasegawa Tohaku (1539-1610)
Tohaku è il fondatore della scuola d'arte giapponese Hasegawa. Il primo periodo dell'opera di Tohaku è caratterizzato dall'influenza della nota scuola di pittura giapponese. 
Kano, ma col tempo l'artista ha formato il suo stile unico. In molti modi, il lavoro di Tohaku fu influenzato dal lavoro del riconosciuto maestro Sesshu, Hosegawa si considerava addirittura il quinto successore di questo grande maestro. Il dipinto di Hasegawa Tohaku "Pine Trees" ha guadagnato fama mondiale, sono note anche le sue opere "Maple", "Pine Trees and Flowering Plants" e altre.
Kano Eitoku (1543-1590)
Lo stile della scuola Kanō ha dominato le arti visive del Giappone per circa quattro secoli, e Kano Eitoku è forse uno dei rappresentanti più famosi e di spicco di questa scuola d'arte. Eitoku era favorito dalle autorità, il mecenatismo di aristocratici e ricchi mecenati non poteva che contribuire al rafforzamento della sua scuola e alla popolarità di quest'opera, senza dubbio, molto artista di talento. Lo schermo scorrevole a otto pannelli "Cypress" di Eitoku Kano è un vero capolavoro e un ottimo esempio della portata e della potenza dello stile Monoyama. Non meno interessanti sono altre opere del maestro, come "Uccelli e alberi delle quattro stagioni", "Leoni cinesi", "Eremiti e una fata" e molti altri.
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Hokusai- più grande maestro ukiyo-e (xilografia giapponese). Il lavoro di Hokusai ha ricevuto riconoscimento mondiale, la sua fama in altri paesi non è paragonabile alla popolarità della maggior parte degli artisti asiatici, la sua opera "La grande onda di Kanagawa" è diventata una sorta di segno distintivo dell'arte giapponese sulla scena artistica mondiale. Da solo modo creativo Hokusai usò più di trenta pseudonimi, dopo i sessanta l'artista si dedicò interamente all'arte, ed è questo periodo che è considerato il periodo più fruttuoso del suo lavoro. Il lavoro di Hokusai influenzò il lavoro dei maestri impressionisti e post-impressionisti occidentali, compresi i lavori di Renoir, Monet e van Gogh.