È improbabile che Yayoi Kusama sia in grado di rispondere a ciò che ha costituito la base della sua carriera di artista. Ha 87 anni, la sua arte è riconosciuta in tutto il mondo. Presto si terranno grandi mostre del suo lavoro negli Stati Uniti e in Giappone, ma non ha ancora detto tutto al mondo. “È ancora in arrivo. Lo creerò in futuro", dice Kusama. È definita l'artista di maggior successo in Giappone. Inoltre, è l'artista vivente più costosa: nel 2014 il suo dipinto "White No. 28" è stato venduto per 7,1 milioni di dollari.
Kusama vive a Tokyo e da quasi quarant'anni è ricoverata volontariamente in un ospedale psichiatrico. Una volta al giorno lascia le sue pareti per dipingere. Si alza alle tre del mattino, non riesce a dormire e vuole sfruttare al meglio il suo tempo al lavoro. “Ora sono vecchio, ma creerò ancora più lavoro e un lavoro migliore. Più di quanto ho fatto in passato. La mia mente è piena di immagini”, dice.
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Yayoi Kusama ad una mostra del suo lavoro a Londra nel 1985. Foto: NILS JORGENSEN/REX/Shutterstock
Dalle nove alle sei, Kusama lavora nel suo studio a tre piani comodamente dalla sua sedia a rotelle. Può camminare ma è troppo debole. Una donna lavora su una tela stesa su tavoli o fissata sul pavimento. Lo studio è pieno di nuovi dipinti, opere luminose cosparse di piccoli granelli. L'artista chiama questo "auto-silenziamento" - ripetizione infinita che soffoca il rumore nella sua testa.
Prima del Praemium Imperiale Art Awards 2006 a Tokyo. Foto: Sutton-Hibbert/REX/Shutterstock
Una nuova galleria sta per aprire dall'altra parte della strada e un altro museo della sua arte è in costruzione a nord di Tokyo. Inoltre, verranno inaugurate due grandi mostre del suo lavoro. Yayoi Kusama: Infinite Mirrors, una retrospettiva dei suoi 65 anni di carriera, è stata inaugurata all'Hirshhorn Museum di Washington il 23 febbraio e durerà fino al 14 maggio, dopodiché viaggerà a Seattle, Los Angeles, Toronto e Cleveland. L'esposizione comprende 60 dipinti di Kusama.
I suoi piselli coprono tutto, dagli abiti Louis Vuitton agli autobus nella sua città natale. Il lavoro di Kusama viene regolarmente venduto per milioni di dollari e si trova in tutto il mondo, da New York ad Amsterdam. Le mostre delle opere dell'artista giapponese sono così popolari che sono necessarie misure per prevenire la fuga precipitosa e le rivolte. Ad esempio, nella mostra Hirschhorn i biglietti vengono venduti per un certo periodo per regolare in qualche modo il flusso dei visitatori.
Presentazione del progetto congiunto di Louis Vuitton e Yayoi Kusama a New York nel 2012. Foto: Agenzia Billy Farrell/REX/Shutterstock
Ma Kusama ha ancora bisogno dell’approvazione esterna. Quando le è stato chiesto in un'intervista se avesse raggiunto il suo obiettivo di diventare ricca e famosa decenni fa, ha detto sorpresa: “Quando ero piccola, era molto difficile per me convincere mia madre che volevo diventare un'artista. È proprio vero che sono ricco e famoso?"
Kusama è nato a Matsumoto, tra le montagne del Giappone centrale, nel 1929 da una famiglia ricca e conservatrice che vendeva piantine. Ma non era una casa felice. Sua madre disprezzava il marito traditore e mandava la piccola Kusama a spiarlo. La ragazza ha visto suo padre con altre donne e questo ha causato in lei un'avversione per il sesso per tutta la vita.
Vetrina del negozio Louis Vuitton progettata da Kusama nel 2012. Foto: Joe Schildhorn/BFA/REX/Shutterstock
Da bambina iniziò ad avere allucinazioni visive e uditive. La prima volta che vide una zucca, immaginò che le stesse parlando. La futura artista ha affrontato le visioni creando schemi ripetitivi per soffocare i pensieri nella sua testa. Anche in così giovane età, l'arte divenne per lei una sorta di terapia, che in seguito chiamò "medicina artistica".
Opera di Yayoi Kusama in mostra al Whitney Museum of Modern Art nel 2012. Foto: Agenzia Billy Farrell/REX/Shutterstock
La madre di Kusama era fortemente contraria al desiderio di sua figlia di diventare un'artista e insisteva affinché la ragazza seguisse il percorso tradizionale. “Non mi lasciava disegnare. Voleva che mi sposassi", ha detto l'artista in un'intervista. Ha buttato via il mio lavoro. Volevo buttarmi sotto un treno. Ogni giorno litigavo con mia madre e quindi la mia mente era danneggiata.
Nel 1948, dopo la fine della guerra, Kusama andò a Kyoto per studiare la pittura tradizionale giapponese nihonga secondo regole rigide. Odiava questa forma d'arte.
Uno dei pezzi della mostra di Yayoi Kusama al Whitney Museum of Modern Art nel 2012. Foto: Agenzia Billy Farrell/REX/Shutterstock
Quando Kusama viveva a Matsumoto, trovò un libro di Georgia O'Keeffe e rimase stupita dai suoi dipinti. La ragazza è andata all'ambasciata americana a Tokyo per trovare un articolo su O'Keeffe nell'elenco e scoprire il suo indirizzo. Kusama le scrisse una lettera e le inviò alcuni disegni e, con sua sorpresa, l'artista americano le rispose.
“Non potevo credere alla mia fortuna! Era così gentile che ha risposto all'improvvisa esplosione di sentimenti di una modesta ragazza giapponese che non aveva mai incontrato o di cui non aveva mai sentito parlare in vita sua", ha scritto l'artista nella sua autobiografia, Infinity Net.
Yayoi Kusama in una vetrina da lei progettata per Louis Vuitton a New York nel 2012. Foto: Nils Jorgensen/REX/Shutterstock
Nonostante gli avvertimenti di O'Keeffe secondo cui i giovani artisti negli Stati Uniti stanno attraversando un periodo difficile, per non parlare delle giovani ragazze single giapponesi, Kusama è stata inarrestabile. Nel 1957 riuscì a ottenere un passaporto e un visto. Ha cucito dollari nei suoi vestiti per aggirare i rigidi controlli sui cambi del dopoguerra.
La prima tappa è stata Seattle, dove ha tenuto una mostra in una piccola galleria. Poi Kusama andò a New York, dove rimase amaramente delusa. “A differenza della Matsumoto del dopoguerra, New York era in ogni senso un luogo malvagio e violento. Per me era troppo stressante e presto sono rimasto impantanato nella nevrosi. A peggiorare le cose, Kusama si ritrovò in completa povertà. Usava una vecchia porta come letto e pescava teste di pesce e verdure marce dai bidoni della spazzatura per farci la zuppa.
Installazione Infinity Mirror Room - Love Forever ("Stanza con specchi dell'infinito - amore per sempre"). Foto: Tony Kyriacou/REX/Shutterstock
Questa difficile situazione ha spinto Kusama a immergersi ancora di più nel suo lavoro. Ha iniziato a creare i suoi primi dipinti nella serie Infinity Web, ricoprendo enormi tele (una di queste raggiungeva i 10 metri di altezza) con onde ipnotizzanti di piccoli anelli che sembravano non finire mai. L’artista stessa li ha descritti così: “Reti bianche che avvolgono i punti neri della morte silenziosa sullo sfondo dell’oscurità senza speranza del nulla”.
Installazione di Yayoi Kusama in occasione dell'inaugurazione del nuovo edificio del Garage Museum of Contemporary Art presso il Gorky Central Park of Culture and Culture a Mosca nel 2015. Foto: David X Prutting/BFA.com/REX/Shutterstock
Questa ripetizione ossessivo-compulsiva aiutava ad allontanare la nevrosi, ma non sempre salvava. Kusama soffriva costantemente di attacchi di psicosi e finì in un ospedale di New York. Ambiziosa e determinata, e interpretando con gioia il ruolo di un'esotica donna asiatica in kimono, si unì alla folla di persone influenti nel campo delle arti e interagisce con artisti affermati come Mark Rothko e Andy Warhol. Kusama in seguito disse che Warhol imitava il suo lavoro.
Kusama ottenne presto una certa fama ed espose in gallerie affollate. Inoltre, la fama dell'artista è diventata scandalosa.
Negli anni '60, quando Kusama era ossessionata dai pois, iniziò a organizzare eventi a New York: provocava le persone a spogliarsi nude in luoghi come Central Park e il ponte di Brooklyn, e dipingeva i loro corpi a pois.
Presentato in anteprima ad Art Basel Hong Kong 2013. Foto: Billy Farrell/BFA/REX/Shutterstock
Decenni prima dell'emergere del movimento Occupy Wall Street, Kusama organizzò un evento nel distretto finanziario di New York, dicendo che voleva "distruggere gli uomini di Wall Street a pois". Nello stesso periodo iniziò a ricoprire vari oggetti - una sedia, una barca, una carrozza - con rigonfiamenti dall'aspetto fallico. "Ho iniziato a creare peni per curare la mia avversione sessuale", ha scritto l'artista, descrivendo come questo processo creativo abbia gradualmente trasformato l'orribile in qualcosa di familiare.
Installazione Passing Winter alla Tate Gallery di Londra. Foto: James Gourley/REX/Shutterstock
Kusama non è mai stata sposata, anche se mentre viveva a New York ha avuto per dieci anni una relazione simile al matrimonio con l'artista Joseph Cornell. "Non mi piaceva il sesso, e lui era impotente, quindi eravamo molto buoni l'uno per l'altro", ha detto in un'intervista ad Art Magazine.
Kusama divenne sempre più famosa per le sue buffonate: si offrì di andare a letto con il presidente degli Stati Uniti Richard Nixon se avesse posto fine alla guerra del Vietnam. "Decoriamoci a vicenda con i pois", gli scrisse in una lettera. L'interesse diretto per la sua arte svanì, cadde in disgrazia e ricominciarono i problemi finanziari.
Yayoi Kusama durante una retrospettiva del suo lavoro al Whitney Museum of Modern Art di New York nel 2012. Foto: Steve Eichner/Penske Media/REX/Shutterstock
La notizia delle scappatelle di Kusama raggiunse il Giappone. Cominciò a essere definita un "disastro nazionale" e sua madre disse che sarebbe stato meglio se sua figlia fosse morta di malattia durante l'infanzia. All'inizio degli anni '70, un Kusama impoverito e fallito tornò in Giappone. Fu ricoverata in un ospedale psichiatrico, dove vive tuttora, e sprofondò nell'oscurità artistica.
Nel 1989, il Center for Contemporary Art di New York ha ospitato una retrospettiva del suo lavoro. Questo fu l'inizio di un lento ma risveglio dell'interesse per l'arte di Kusama. Ha riempito una stanza degli specchi con zucche per un'installazione che è stata presentata alla Biennale di Venezia nel 1993 e nel 1998 ha tenuto una grande mostra al MoMa Museum of Modern Art di New York. Fu qui che una volta organizzò un evento.
Alla mostra My Eternal Soul al National Art Center di Tokyo, febbraio 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
Negli ultimi anni Yayoi Kusama è diventato un fenomeno internazionale. La contemporanea Tate Gallery di Londra e il Whitney Museum di New York hanno tenuto importanti retrospettive che hanno attirato grandi folle e reso il suo iconico motivo a pois molto riconoscibile.
Alla mostra My Eternal Soul al National Art Center di Tokyo, febbraio 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
L'artista non smetterà di lavorare, ma ha iniziato a pensare alla sua mortalità. “Non so per quanto tempo potrò sopravvivere anche dopo la morte. C’è una generazione futura che seguirà le mie orme. Sarà un onore per me se le persone si divertiranno guardando il mio lavoro e se saranno commosse dalla mia arte”.
Alla mostra My Eternal Soul al National Art Center di Tokyo, febbraio 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
Nonostante la commercializzazione della sua arte, Kusama pensa alla tomba di Matsumoto - non nella tomba di famiglia, che ha già ereditato dai suoi genitori - e a come non trasformarla in un santuario. “Ma non sto ancora morendo. Penso che vivrò altri 20 anni”, dice.
Alla mostra My Eternal Soul al National Art Center di Tokyo, febbraio 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
Ha una storia molto ricca; la sua tradizione è ampia, con la posizione unica del Giappone nel mondo che influenza ampiamente gli stili e le tecniche dominanti degli artisti giapponesi. Il fatto ben noto che il Giappone sia stato piuttosto isolato per secoli è dovuto non solo alla geografia, ma anche alla dominante propensione culturale giapponese all'isolamento che ha segnato la storia del paese. Durante i secoli di quella che potremmo chiamare la “civiltà giapponese”, la cultura e l'arte si svilupparono separatamente da quelle del resto del mondo. E questo è evidente anche nella pratica della pittura giapponese. Ad esempio, i dipinti Nihonga sono tra i punti fermi della pratica pittorica giapponese. Si basa su una tradizione di oltre mille anni e i dipinti vengono solitamente realizzati con pennelli su carta giapponese o egina (seta).
Tuttavia, l’arte e la pittura giapponese sono state influenzate da pratiche artistiche straniere. In primo luogo, fu l’arte cinese del XVI secolo, la pittura cinese e la tradizione artistica cinese ad essere particolarmente influenti in diversi modi. A partire dal XVII secolo, anche la pittura giapponese subì l'influenza delle tradizioni occidentali. In particolare, durante il periodo prebellico, che durò dal 1868 al 1945, la pittura giapponese fu influenzata dall'impressionismo e dal romanticismo europeo. Allo stesso tempo, anche i nuovi movimenti artistici europei furono significativamente influenzati dalle tecniche artistiche giapponesi. Nella storia dell'arte, questa influenza viene chiamata "Giapponismo", ed è particolarmente significativa per gli impressionisti, i cubisti e gli artisti associati al modernismo.
La lunga storia della pittura giapponese può essere vista come una sintesi di diverse tradizioni che creano parti di un'estetica giapponese riconosciuta. Innanzitutto, l’arte e i metodi di pittura buddisti, così come la pittura religiosa, hanno lasciato un segno significativo nell’estetica dei dipinti giapponesi; la pittura di paesaggi con inchiostro ad acqua nella tradizione della pittura letteraria cinese è un altro elemento importante riconosciuto in molti famosi dipinti giapponesi; la pittura di animali e piante, in particolare uccelli e fiori, è qualcosa che è comunemente associata alle composizioni giapponesi, così come i paesaggi e le scene della vita quotidiana. Infine, le antiche idee sulla bellezza provenienti dalla filosofia e dalla cultura dell’antico Giappone hanno avuto una grande influenza sulla pittura giapponese. Wabi, che significa bellezza transitoria e dura, sabi (bellezza della patina naturale e dell'invecchiamento) e yugen (grazia profonda e sottigliezza) influenzano ancora gli ideali nella pratica della pittura giapponese.
Infine, se ci concentriamo sulla scelta dei dieci capolavori giapponesi più famosi, dobbiamo menzionare l'ukiyo-e, che è uno dei generi artistici più popolari in Giappone, anche se appartiene all'incisione. Ha dominato l'arte giapponese dal XVII al XIX secolo, con artisti appartenenti a questo genere che producevano xilografie e dipinti di soggetti come belle ragazze, attori kabuki e lottatori di sumo, così come scene di storia e racconti popolari, scene di viaggio e paesaggi, flora e fauna e persino erotismo.
È sempre difficile stilare un elenco dei migliori dipinti della tradizione artistica. Verranno escluse molte opere straordinarie; tuttavia, questo elenco presenta dieci dei dipinti giapponesi più riconoscibili al mondo. Questo articolo presenterà solo dipinti realizzati dal XIX secolo ai giorni nostri.
La pittura giapponese ha una storia estremamente ricca. Nel corso dei secoli, gli artisti giapponesi hanno sviluppato un gran numero di tecniche e stili unici che rappresentano il contributo più prezioso del Giappone al mondo dell'arte. Una di queste tecniche è sumi-e. Sumi-e significa letteralmente "disegno a inchiostro", combinando calligrafia e pittura a inchiostro per creare composizioni dipinte a pennello di rara bellezza. Questa bellezza è paradossale: antica ma moderna, semplice ma complessa, audace ma sommessa, riflette senza dubbio la base spirituale dell'arte nel Buddismo Zen. I sacerdoti buddisti portarono in Giappone dalla Cina nel VI secolo il blocco di inchiostro duro e il pennello di bambù e negli ultimi 14 secoli il Giappone ha sviluppato una ricca eredità di pittura a inchiostro.
Scorri verso il basso e guarda 10 capolavori della pittura giapponese
1. Katsushika Hokusai "Il sogno della moglie del pescatore"
Uno dei dipinti giapponesi più riconoscibili è Il sogno della moglie del pescatore. Fu dipinto nel 1814 dal famoso artista Hokusai. Per definizione rigorosa, questa straordinaria opera di Hokusai non può essere considerata un dipinto, poiché è una xilografia ukiyo-e di Young Pines (Kinoe no Komatsu), che è un libro shunga in tre volumi. La composizione raffigura un giovane subacqueo ama intrecciato sessualmente con una coppia di polpi. Questa immagine è stata molto influente nei secoli XIX e XX. L'opera influenzò artisti successivi come Felicien Rops, Auguste Rodin, Louis Ocock, Fernand Khnopf e Pablo Picasso.
2. Tessai Tomioka "Abe no Nakamaro scrive una poesia nostalgica mentre guarda la luna"
Tessai Tomioka è lo pseudonimo di un famoso artista e calligrafo giapponese. È considerato l'ultimo grande artista della tradizione Bunjing e uno dei primi grandi artisti dello stile Nihonga. Bunjinga era una scuola di pittura giapponese che fiorì durante il tardo periodo Edo tra artisti che si consideravano letterati o intellettuali. Ciascuno di questi artisti, inclusa Tessaia, ha sviluppato il proprio stile e la propria tecnica, ma erano tutti grandi fan dell'arte e della cultura cinese.
3. Fujishima Takeji "L'alba sul mare orientale"
Fujishima Takeji era un artista giapponese noto per il suo lavoro nello sviluppo del romanticismo e dell'impressionismo nel movimento artistico Yoga (in stile occidentale) tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo. Nel 1905 si recò in Francia, dove fu influenzato dai movimenti francesi dell'epoca, in particolare dall'impressionismo, come si può vedere nel suo dipinto del 1932 Alba sul mare orientale.
4. Kitagawa Utamaro "Dieci tipi di volti femminili, una collezione di bellezze dominanti"
Kitagawa Utamaro era un importante artista giapponese nato nel 1753 e morto nel 1806. È di gran lunga meglio conosciuto per una serie chiamata Dieci tipi di volti di donne. Una raccolta di bellezze dominanti, grandi temi d'amore della poesia classica" (a volte chiamata "Donne innamorate", contenente incisioni separate "Amore nudo" e "Amore pensieroso"). È uno degli artisti più significativi appartenenti al genere della xilografia ukiyo-e.
5. Kawanabe Kyosai "Tigre"
Kawanabe Kyosai è stato uno degli artisti giapponesi più famosi del periodo Edo. La sua arte fu influenzata da Tohaku, un pittore Kano del XVI secolo che fu l'unico pittore del suo tempo a dipingere schermi interamente con inchiostro su un delicato sfondo di polvere d'oro. Sebbene Kyosai sia conosciuto come fumettista, ha prodotto alcuni dei dipinti più famosi della storia dell'arte giapponese del XIX secolo. "Tiger" è uno di quei dipinti che Kyosai ha utilizzato acquerello e inchiostro per creare.
6. Hiroshi Yoshida Fuji dal Lago Kawaguchi
Hiroshi Yoshida è conosciuto come una delle figure più importanti dello stile shin-hanga (shin-hanga è un movimento artistico nato in Giappone all'inizio del XX secolo, durante i periodi Taisho e Showa, che fece rivivere l'arte tradizionale dell'ukiyo-e , che mise radici nei periodi Edo e Meiji (XVII - XIX secolo)). Si è formato nella tradizione della pittura a olio occidentale, adottata in Giappone durante il periodo Meiji.
7. Takashi Murakami "727"
Takashi Murakami è probabilmente l'artista giapponese più popolare del nostro tempo. Il suo lavoro viene venduto a prezzi astronomici nelle principali aste e il suo lavoro sta già ispirando nuove generazioni di artisti non solo in Giappone ma anche altrove. L'arte di Murakami comprende una vasta gamma di mezzi e viene solitamente descritta come super piatta. Il suo lavoro è noto per l'uso del colore, incorporando motivi della cultura tradizionale e popolare giapponese. Il contenuto dei suoi dipinti è spesso descritto come "carino", "psichedelico" o "satirico".
8. Yayoi Kusama "Zucca"
Yaoi Kusama è anche uno degli artisti giapponesi più famosi. Lavora con una varietà di mezzi, tra cui pittura, collage, scultura scat, performance art, arte ambientale e installazione, la maggior parte dei quali dimostra il suo interesse tematico per il colore, la ripetizione e il modello psichedelico. Una delle serie più famose di questo grande artista è la serie Pumpkin. Una zucca regolare a pois in giallo brillante è mostrata contro una rete. Insieme, tutti questi elementi formano un linguaggio visivo che è inconfondibile per lo stile dell'artista ed è stato sviluppato e perfezionato nel corso di decenni di scrupolosa lavorazione e riproduzione.
9. Tenmyoya Hisashi "Spirito giapponese #14"
Tenmyoya Hisashi è un artista giapponese contemporaneo noto per i suoi dipinti neo-nihonga. Ha partecipato alla rinascita dell'antica tradizione della pittura giapponese, che è l'esatto opposto della pittura giapponese moderna. Nel 2000 crea anche il suo nuovo stile, butouha, che dimostra attraverso i suoi dipinti un atteggiamento fermo nei confronti di un sistema artistico autorevole. "Japanese Spirit No. 14" è stato creato come parte dello schema artistico "BASARA", interpretato nella cultura giapponese come il comportamento ribelle della bassa aristocrazia durante il periodo degli Stati Combattenti, al fine di privare le autorità della capacità di raggiungere un ideale stile di vita vestendosi con abiti lussuosi e lussuosi e agendo liberamente, volontà che non corrispondeva alla loro classe sociale.
10. Katsushika Hokusai "La grande onda al largo di Kanagawa"
Infine, La Grande Onda di Kanagawa è probabilmente il dipinto giapponese più riconoscibile mai dipinto. Questa è in realtà l'opera d'arte più famosa creata in Giappone. Raffigura enormi onde che minacciano le barche al largo della costa della prefettura di Kanagawa. Anche se a volte viene scambiata per uno tsunami, l'onda, come suggerisce il nome del dipinto, molto probabilmente ha semplicemente un'altezza anomala. Il dipinto è realizzato secondo la tradizione ukiyo-e.
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Ogni Paese ha i propri eroi dell'arte contemporanea, i cui nomi sono noti, le cui mostre attirano folle di appassionati e curiosi e le cui opere sono disperse in collezioni private.
In questo articolo ti presenteremo gli artisti contemporanei più famosi in Giappone.
Keiko Tanabe
Nata a Kyoto, Keiko ha vinto molti concorsi artistici da bambina, ma la sua istruzione superiore non era affatto artistica. Ha lavorato nel dipartimento delle relazioni internazionali di un'organizzazione commerciale dell'autogoverno giapponese a Tokyo, in un grande studio legale a San Francisco e in una società di consulenza privata a San Diego, e ha viaggiato molto. A partire dal 2003 lascia il lavoro e, dopo aver appreso i rudimenti della pittura ad acquerello a San Diego, si dedica esclusivamente all'arte.
Ikenaga Yasunari (Ikenaga Yasunari)
L'artista giapponese Ikenaga Yasunari dipinge ritratti di donne contemporanee secondo l'antica tradizione pittorica giapponese, utilizzando come base il pennello Menso, pigmenti minerali, nerofumo, inchiostro e lino. I suoi personaggi sono donne del nostro tempo, ma grazie allo stile di Nihonga, c'è la sensazione che siano venuti da noi dai tempi antichi.
Abe Toshiyuki
Abe Toshiyuki è un artista realista che padroneggia alla perfezione la tecnica dell'acquerello. Abe può essere definito un artista-filosofo: fondamentalmente non disegna luoghi noti, preferendo composizioni soggettive che riflettono gli stati interni di chi le guarda.
Hiroko Sakai
La carriera dell'artista Hiroko Sakai è iniziata all'inizio degli anni '90 nella città di Fukuoka. Dopo essersi laureata in design e visualizzazione presso l'Università Seinan Gakuin e la Nihon French School of Interior Design, ha fondato "Atelier Yume-Tsumugi Ltd." e ha gestito con successo questo studio per 5 anni. Molte delle sue opere adornano gli atri degli ospedali, gli uffici di grandi aziende e alcuni edifici municipali in Giappone. Dopo essersi trasferita negli Stati Uniti, Hiroko iniziò a dipingere ad olio.
Riusuke Fukahori
Le opere tridimensionali di Ryuusuki Fukahori sono come ologrammi. Sono realizzati con più strati di vernice acrilica e una resina liquida trasparente, che, insieme a tecniche tradizionali come l'ombreggiatura, l'ammorbidimento dei bordi e il controllo della trasparenza, consentono a Ryusuki di creare dipinti scultorei e aggiungere profondità e realismo all'opera.
Natsuki Otani
Natsuki Otani è una talentuosa illustratrice giapponese che vive e lavora in Inghilterra.
Makoto Muramatsu
Makoto Muramatsu ha scelto come base per il suo lavoro un tema vantaggioso per tutti: disegna gatti. Le sue immagini sono popolari in tutto il mondo, soprattutto sotto forma di puzzle.
Tetsuya Mishima
La maggior parte dei dipinti dell'artista giapponese contemporaneo Mishima sono realizzati a olio. Si occupa professionalmente di pittura dagli anni '90, ha all'attivo diverse mostre personali e un gran numero di mostre collettive, sia giapponesi che straniere.
Che copre molte tecniche e stili. Nel corso della sua storia, ha subito numerosi cambiamenti. Furono aggiunti nuove tradizioni e generi e rimasero i principi originali giapponesi. Insieme alla straordinaria storia del Giappone, il dipinto è anche pronto a presentare molti fatti unici e interessanti.
Giappone antico
I primi stili compaiono nel periodo storico più antico del Paese, addirittura prima di Cristo. e. Allora l’arte era piuttosto primitiva. Innanzitutto, nel 300 a.C. e., apparvero varie figure geometriche, realizzate su ceramica con l'aiuto di bastoncini. Tale ritrovamento da parte degli archeologi come ornamento su campane di bronzo appartiene a un periodo successivo.
Poco dopo, già nel 300 d.C. e., compaiono pitture rupestri, che sono molto più diverse dell'ornamento geometrico. Queste sono già immagini a tutti gli effetti con immagini. Sono stati trovati all'interno delle cripte e probabilmente le persone raffigurate su di essi furono sepolte in questi cimiteri.
Nel VII secolo d.C. e. Il Giappone adotta la scrittura proveniente dalla Cina. Nello stesso periodo provengono da lì i primi dipinti. Quindi la pittura appare come una sfera d'arte separata.
edo
Edo non è il primo e non l'ultimo dipinto, ma è stata lei a portare molte cose nuove alla cultura. In primo luogo, è la luminosità e la brillantezza che sono state aggiunte alla solita tecnica, eseguita nei toni del nero e del grigio. Sotasu è considerato l'artista più importante di questo stile. Ha creato dipinti classici, ma i suoi personaggi erano molto colorati. Successivamente passò alla natura e la maggior parte dei paesaggi furono realizzati su uno sfondo dorato.
In secondo luogo, durante il periodo Edo, apparve l'esotico, il genere namban. Utilizzava moderne tecniche europee e cinesi, che erano intrecciate con gli stili tradizionali giapponesi.
E in terzo luogo, appare la scuola Nang. In esso, gli artisti prima imitano completamente o addirittura copiano le opere dei maestri cinesi. Quindi appare un nuovo ramo, chiamato bunjing.
Periodo di modernizzazione
Il periodo Edo sostituisce quello Meiji e ora la pittura giapponese è costretta a entrare in una nuova fase di sviluppo. A quel tempo, generi come il western e simili stavano diventando popolari in tutto il mondo, quindi la modernizzazione dell'arte divenne una situazione comune. Tuttavia, in Giappone, un paese in cui tutte le persone venerano le tradizioni, in quel momento la situazione era significativamente diversa da quanto accaduto in altri paesi. Qui la concorrenza tra tecnici europei e locali divampa fortemente.
Il governo in questa fase dà la sua preferenza ai giovani artisti che mostrano grandi promesse nel migliorare le proprie abilità negli stili occidentali. Pertanto, li mandano nelle scuole in Europa e America.
Ma questo era solo all'inizio del periodo. Il fatto è che noti critici hanno criticato piuttosto duramente l'arte occidentale. Per evitare grande scalpore attorno a questo problema, gli stili e le tecniche europee iniziarono a essere banditi dalle mostre, la loro esposizione fu interrotta, così come la loro popolarità.
L'emergere di stili europei
Poi arriva il periodo Taisho. In questo momento, i giovani artisti che sono partiti per studiare in scuole straniere tornano in patria. Naturalmente portano con sé nuovi stili di pittura giapponese, molto simili a quelli europei. Appaiono l'impressionismo e il post-impressionismo.
In questa fase si formano molte scuole in cui vengono fatti rivivere gli antichi stili giapponesi. Ma non è possibile eliminare completamente le tendenze occidentali. Pertanto, è necessario combinare diverse tecniche per soddisfare sia gli amanti dei classici che gli appassionati della pittura europea moderna.
Alcune scuole sono finanziate dallo Stato, grazie al quale molte delle tradizioni nazionali vengono preservate. I commercianti privati, invece, sono costretti a seguire l'esempio dei consumatori che vogliono qualcosa di nuovo, sono stanchi dei classici.
Dipinto della seconda guerra mondiale
Dopo l'inizio della guerra, la pittura giapponese rimase per qualche tempo estranea agli eventi. Si è sviluppato separatamente e indipendentemente. Ma non poteva andare avanti così per sempre.
Col passare del tempo, quando la situazione politica nel Paese peggiora, figure elevate e rispettate attirano molti artisti. Alcuni di loro, anche all'inizio della guerra, iniziano a creare stili patriottici. Il resto avvia questo processo solo per ordine delle autorità.
Di conseguenza, le belle arti giapponesi durante la seconda guerra mondiale non riuscirono a svilupparsi in modo particolare. Pertanto, per la pittura può essere definito stagnante.
L'eterno Suibokuga
La pittura giapponese sumi-e, o suibokuga, significa "disegno a inchiostro". Ciò determina lo stile e la tecnica di quest'arte. Proviene dalla Cina, ma i giapponesi decisero di dargli il proprio nome. E inizialmente la tecnica non aveva alcun lato estetico. Era usato dai monaci per l'auto-miglioramento mentre studiavano lo Zen. Inoltre, prima hanno disegnato delle immagini e poi hanno allenato la loro concentrazione mentre le guardavano. I monaci credevano che linee rigorose, toni vaghi e ombre aiutassero al miglioramento: tutto ciò che è chiamato monocromatico.
La pittura a inchiostro giapponese, nonostante l'ampia varietà di dipinti e tecniche, non è così complicata come potrebbe sembrare a prima vista. Si basa su solo 4 trame:
- Crisantemo.
- Orchidea.
- Ramo di prugna.
- Bambù.
Un numero limitato di appezzamenti non accelera lo sviluppo della tecnologia. Alcuni maestri credono che l’apprendimento duri tutta la vita.
Nonostante il sumi-e sia apparso molto tempo fa, è sempre richiesto. Inoltre, oggi puoi incontrare i maestri di questa scuola non solo in Giappone, ma è diffusa anche ben oltre i suoi confini.
Periodo moderno
Alla fine della seconda guerra mondiale, l'arte in Giappone fiorì solo nelle grandi città, gli abitanti dei villaggi e dei villaggi avevano già abbastanza preoccupazioni. Per la maggior parte, gli artisti hanno cercato di voltare le spalle alle perdite della guerra e di rappresentare su tela la vita urbana moderna con tutti i suoi abbellimenti e caratteristiche. Le idee europee e americane furono adottate con successo, ma questo stato di cose non durò a lungo. Molti maestri iniziarono gradualmente ad allontanarsi da loro verso le scuole giapponesi.
È sempre rimasto di moda. Pertanto, la pittura giapponese moderna può differire solo nella tecnica di esecuzione o nei materiali utilizzati nel processo. Ma la maggior parte degli artisti non percepisce bene le varie innovazioni.
È impossibile non menzionare le sottoculture moderne alla moda come gli anime e stili simili. Molti artisti stanno cercando di offuscare il confine tra i classici e ciò che è richiesto oggi. Per la maggior parte, questo stato di cose è dovuto al commercio. I classici e i generi tradizionali non vengono effettivamente acquistati, quindi non è redditizio lavorare come artista nel tuo genere preferito, devi adattarti alla moda.
Conclusione
Indubbiamente, la pittura giapponese è un tesoro di belle arti. Forse il paese in questione è rimasto l'unico che non ha seguito le tendenze occidentali, non si è adattato alla moda. Nonostante i numerosi colpi subiti dall'avvento delle nuove tecniche, gli artisti giapponesi riuscirono comunque a difendere le tradizioni nazionali in molti generi. Questo è probabilmente il motivo per cui, nei tempi moderni, i dipinti realizzati in stile classico sono molto apprezzati nelle mostre.