L'origine e la formazione del teatro russo.

La storia ha conservato poche informazioni sulla cultura russa primitiva: il cristianesimo, che divenne religione principale in Russia, combatté contro il paganesimo, distruggendone i monumenti culturali. Tuttavia, il paganesimo ha conservato le sue manifestazioni rudimentali in molte aree della cultura e dell'arte, incl. e adattarsi alla religione ortodossa e radicarsi in essa sotto forma di simboli che divennero canonicamente cristiani.

Da tali azioni rituali è nata la linea di sviluppo del teatro russo come teatro popolare, teatro popolare, presentato in molte forme: teatro delle marionette (Petrushka, presepe, ecc.), Stand (raek, divertimento con gli orsi, ecc.), itinerante attori (suonatori di arpa, cantanti, cantastorie, acrobati, ecc.), ecc. Fino al XVII secolo il teatro in Russia si è sviluppato solo come teatro popolare; altre forme teatrali, a differenza dell'Europa, qui non esistevano. Fino al X-XI secolo. Il teatro russo si è sviluppato lungo il percorso caratteristico del teatro tradizionale dell'Est o dell'Africa: folklore rituale, sacro, costruito sulla mitologia originale. Tale teatro rappresenta un dialogo con gli dei e come rituale è incluso nella vita delle persone. Dall'XI secolo circa. la situazione sta cambiando, dapprima gradualmente, poi in modo più forte, il che ha portato a un cambiamento fondamentale nello sviluppo Teatro russo e la sua ulteriore formazione sotto l'influenza della cultura europea.

I primi rappresentanti del teatro professionale erano buffoni, che lavoravano in quasi tutti i generi di spettacoli di strada. Le prime testimonianze di buffoni risalgono all'XI secolo, il che permette di verificare che l'arte buffonesca era un fenomeno formatosi da tempo ed entrato nella vita quotidiana di tutti gli strati della società di allora. La formazione dell'arte buffonesca originale russa, proveniente da riti e rituali, fu influenzata anche dai “tour” di comici itineranti europei e bizantini: istrioni, trovatori, vaganti. C'è stato un processo di arricchimento reciproco delle tradizioni culturali. Buffoni: sia attori individuali che uniti nel cosiddetto. Le "bande" (il prototipo di una compagnia imprenditoriale) prendevano parte alle vacanze nei villaggi e alle fiere cittadine, vivevano come giullari e si divertivano nei boiardi e nelle dimore reali. Ivan il Terribile amava vestirsi da buffone alle feste e ballare con loro. L'interesse per l'arte buffoneria dei nobili portò alla nascita di un teatro secolare, come testimoniano i cantanti dilettanti Sadko, Dobrynya Nikitich e altri menzionati nei poemi epici. I buffoni a quel tempo nella Rus' erano persone molto rispettate.

Le prime menzioni dei buffoni coincisero con un evento che divenne fondamentale per l'intera storia della Russia: il battesimo della Rus' e l'adozione del cristianesimo ( Cm. CHIESA ORTODOSSA RUSSA). Ciò ha avuto un impatto drammatico su tutti gli ambiti della vita, compreso il teatro. Ma nel IX secolo. I ministri cristiani condannavano le maschere (maschere), che erano uno dei mezzi espressivi più comuni nel teatro popolare. Lo status sociale dei buffoni stava diminuendo. Lo sviluppo dell'arte buffonesca - in particolare la direzione satirica - e l'inasprimento della sua persecuzione andarono parallelamente. La risoluzione del Consiglio di Stoglavy del 1551 di fatto emarginò i buffoni. Interessante è il riflesso del cambiamento dello status di buffone nel vocabolario. Il teatro dei buffoni era chiamato “disonore” (la parola non aveva un significato negativo, derivante dall'antico russo “vedere” - vedere; il termine rimase fino al XVII secolo). Tuttavia, la persecuzione dei buffoni portò all'emergere di una connotazione negativa del termine (da qui, nel russo moderno, "vergogna"). Nel XVIII secolo, quando il teatro entrò nuovamente nel contesto vita culturale In Russia furono istituiti i termini “teatro” e “dramma” e la precedente “disgrazia” fu trasformata in “spettacolo”.

Entro il XVI secolo in Russia si forma la chiesa ideologia statale(in particolare, al clero fu affidata la responsabilità di creare istituzioni educative). E, naturalmente, non poteva passare dal teatro, che è un potente mezzo di influenza.

Il percorso del teatro ecclesiastico russo è stato diverso da quello europeo: ha aggirato il dramma liturgico, il mistero e i miracoli. Ciò è dovuto non solo alla successiva cristianizzazione della Rus', ma anche alla differenza tra le tradizioni ortodosse e il cattolicesimo, che è incline allo sfarzo e alla teatralizzazione dei suoi servizi. Nonostante il fatto che nell'Ortodossia rituali come “lavare i piedi” e “processione sull'asino” fossero organizzati in modo piuttosto impressionante (e nel cosiddetto Azione della caverna Sono state incluse anche alcune tecniche di "dialogo divertente" buffonesco), il teatro di chiesa in Russia non ha preso forma in un sistema estetico. Pertanto, il ruolo principale nello sviluppo dell'arte teatrale nei secoli XVII-XVIII. ha suonato nel teatro della chiesa-scuola.

Teatro scolastico e parrocchiale.

Il Concilio dei “Cento Glavy” della Chiesa ortodossa russa nel 1551 svolse un ruolo decisivo nello stabilire l'idea dell'unità religioso-statale e affidò al clero la responsabilità di creare istituzioni educative religiose. Durante questo periodo apparvero spettacoli teatrali scolastici e spettacoli scolastici, che furono messi in scena nei teatri di queste istituzioni educative (college, accademie). Sul palco sono apparse figure che personificavano lo stato, la chiesa, l'antico Olimpo, la saggezza, la fede, la speranza, l'amore, ecc., Trasferite dalle pagine dei libri. “I poveri studenti dell'accademia, formando artels, si recavano in diverse province e reggimenti suburbani per raccogliere l'elemosina... (essi) presentavano dialoghi, commedie, tragedie, ecc. Queste passeggiate erano chiamate prove”. Così gli spettacoli scolastici furono tolti dalle mura dell'accademia e presentati al pubblico. Gli insegnanti occidentali, che volevano insegnare ai loro studenti a parlare latino, già nel XV secolo. cominciò a essere messo in pratica vita scolastica gli studenti recitano in teatro in latino. Altri maestri, che si opposero al repertorio antico e lo trovarono pericoloso e scomodo, iniziarono a scrivere loro stessi opere teatrali. Il teatro scolastico è stato a lungo considerato uno spettacolo privo di valore artistico, ma nelle prime fasi del suo sviluppo il palcoscenico scolastico soddisfaceva le pressanti esigenze di rappresentazioni teatrali. Scene mute, dipinti d'ombre e icone venivano introdotte nella recita scolastica in momenti patetici, conferendo loro una qualità statica. "La sofferenza è un'azione dolorosa e dolorosa quando la morte, la tortura e il ferimento sono rappresentati sul palco, che può essere rappresentato sia in una storia da messaggeri, sia come un'immagine d'ombra" ( Kiev piitika, 1696). I personaggi seri dell'opera hanno parlato in un discorso declamatorio allegro e melodioso, e il linguaggio dei personaggi “comici” nell'interludio era basato sul dialetto popolare con un gioco comico sui difetti del linguaggio e sugli accenti. Nel campo dei gesti, il teatro scolastico approvava un ampio gesto “oratorio”, principalmente con la mano destra, e agli autori era vietato l’uso dei guanti, poiché la mano era elemento importante recitazione teatrale. Il teatro scolastico utilizzava emblemi, grazie ai quali il pubblico già aspetto indovinato l'essenza di ogni personaggio. Ciò si applica in particolare alle figure mitologiche e allegoriche. Così, per “La Grazia di Dio”, figura allegorica obbligatoria nelle rappresentazioni natalizie e pasquali, era necessario “un cuore ardente, trafitto da una freccia, e una coppa sulla testa”. Corona di alloro" La Speranza era raffigurata con un'ancora, la Fede con una croce, la Gloria con una tromba, la Giustizia con una bilancia e il mitologico Marte teneva una spada in mano. Inizialmente le esibizioni venivano eseguite sotto all'aria aperta. Nel teatro della prima scuola era presente un palco con decorazioni che scandivano contemporaneamente i principali luoghi d'azione.

Avendo avuto origine a Kiev, il teatro della chiesa scolastica cominciò ad apparire in altre città: Mosca, Smolensk, Yaroslavl, Tobolsk, Polotsk, Tver, Rostov, Chernigov, ecc. Cresciuto tra le mura di una scuola teologica, ha completato la teatralizzazione dei riti ecclesiali: liturgia, servizi della Settimana Santa, Natale, Pasqua e altri rituali. Sorto nelle condizioni dell'emergente vita borghese, il teatro scolastico per la prima volta sul nostro territorio separò l'attore e la scena dallo spettatore e dall'auditorium, e per la prima volta condusse ad una certa immagine scenica sia per il drammaturgo che per l'attore. È caratteristico che, pur adempiendo al suo compito pedagogico, abbia anche creato un sistema teorico di teatro coerente, sebbene non indipendente, ma che copra l'intero fenomeno nel suo insieme. Repertorio del Collegium Kiev-Mohyla (dal 1701 Accademia Teologica di Kiev): Alessio, uomo di Dio (dramma in onore dello zar Alessio Mikhailovich, 1674), L'effetto sulla passione di Cristo è stato cancellato (1686), Il Regno della Natura Umana (1698), Libertà da secoli agognata dalla natura umana (1707), Saggezza eterna (1703), Vladimir... Feofan Prokopovich (1705), Il trionfo della natura umana (1706), Giuseppe, Patriarca Levreniya Gorka (1708), Per la misericordia di Dio, l'Ucraina... attraverso Bogdan... Khmelnitsky... liberata Feofan Trofimovič (1728), Immagine potente dell'amore di Dio per l'umanità Mitrofan Dovgalevskij (1757), Una tragicommedia sulla ricompensa in questo mondo delle azioni ambite di tangenti nella futura vita eterna (Sulla vanità di questo mondo) Varlaam Laschevskij (1742), Carità di Marco Aurelio Michail Kozachinsky (1744), Resurrezione dei morti Giorgio Konisskij (1747), Tragicommedia, chiamata Fozio Georgy Shcherbitsky (1749). Repertorio della scuola del Monastero Zaikonospassky (dal 1678 Accademia slavo-greco-latina): Parabola comica su figliol prodigo Simeone di Polotsk (1670), Del re Necadnetsar, del corpo d'oro e dei tre giovani che non furono bruciati nella grotta Simeone di Polotsk (1673), ecc. Repertorio della scuola di chirurgia dell'ospedale di Mosca: Giuditta (1710), Agisci sulla gloriosissima regina di Palestina (1711), Gloria russa F. Zhuravsky (1724). Repertorio del Seminario Teologico di Novgorod: Stefanotokos Innocent Odrovonzh-Migalevich (1742), Repertorio della scuola di Polotsk al Monastero dell'Epifania: Conversazioni del pastore Simeone di Polotsk (1658). Repertorio della Scuola dei Vescovi di Rostov: Dramma natalizio (1702), Azione Rostov (1702), Penitente(1705) - tutti i drammi di Dmitrij di Rostov. Repertorio del Seminario Teologico di Smolensk: Decclamazione Manuel Bazilevich (1752). Alla Scuola dei Vescovi di Tobol'sk - Dramma pasquale (1734).

Teatro di corte.

La formazione del teatro di corte in Russia è associata al nome dello zar Alessio Mikhailovich. Il tempo del suo regno è associato alla formazione di una nuova ideologia focalizzata sull'espansione dei rapporti diplomatici con l'Europa. L'orientamento verso lo stile di vita europeo portò a molti cambiamenti nella vita della corte russa. Nel 1660, il Cremlino di Mosca fu ricostruito e negli interni delle sue camere e residenze di campagna apparvero motivi decorativi dei palazzi dei sovrani europei. Non solo i russi, ma anche gli artigiani stranieri sono coinvolti nei lavori decorativi. Il tentativo di Alexei Mikhailovich di organizzare il primo teatro di corte risale al 1660: nella “lista” degli ordini e degli acquisti per lo zar, il mercante inglese Hebdon, per mano di Alexei Mikhailovich, scrisse il compito “Convoca a Stato di Mosca dalle terre tedesche ci sono maestri per fare commedie. Tuttavia, questo tentativo è rimasto infruttuoso; La prima rappresentazione del teatro di corte russo ebbe luogo solo nel 1672. Il 15 maggio 1672, lo zar emanò un decreto in cui il colonnello Nikolai von Staden (un amico del boiardo Matveev) veniva incaricato di trovare persone all'estero che potessero “recitare commedie”. " Staden "per il divertimento della grandezza reale" ha invitato i famosi attori Johann Felston e Anna Paulson. Ma spaventati dalle storie sulla misteriosa Moscovia, i comici si rifiutarono di andare e Staden portò a Mosca solo cinque musicisti. Matveev apprese che l'insegnante della scuola ecclesiastica tedesca, Johann Gottfried Gregory, arrivato a Mosca nel 1658, sapeva come "costruire commedie". Il 4 giugno 1672 fu dato ordine allo “straniero Yagan Gottfried di recitare una commedia e di recitare in base alla commedia della Bibbia, il libro di Ester, e per quell'azione di sistemare nuovamente una villa, e per la struttura di quella villa e cosa per essa deve essere acquistato dal decreto delle cerimonie di Volodymyr. E secondo il decreto del grande sovrano, nel villaggio di Preobrazhenskoye fu costruita una sala da commedia con tutte le attrezzature di cui aveva bisogno quella villa.

In ottemperanza all'ordine reale, Gregorio e il suo assistente Ringuber iniziarono a radunare bambini e ad insegnare loro l'arte del teatro. Sono state assunte complessivamente 69 persone. In tre mesi lo spettacolo fu imparato in tedesco e slavo. La “Sala della Commedia”, già costruita a quel tempo, era un edificio in legno composto da due parti. All'interno c'erano palchi, sedili disposti ad anfiteatro e panchine. Per il rivestimento delle parti interne è stata utilizzata molta stoffa rossa e verde. Il sedile reale, sporgente in avanti, era rivestito di stoffa rossa, e per la regina e il principe c'erano palchi con un sottile reticolo, attraverso i quali guardavano il palco, rimanendo nascosti al resto del pubblico. Il palco, rialzato rispetto al pavimento, era separato dalla platea da una ringhiera. Sul palco veniva posto un sipario, che veniva chiuso quando c'era bisogno di riallestimenti sulla scena. Lo scenario è stato realizzato dal pittore olandese Peter Inglis. Lo zar concesse a Gregorio "40 zibellini del valore di 100 rubli e un paio di otto rubli come stipendio per una commedia sul regno di Artaserse". Ringuter scrisse di questa performance nel suo diario: "Lo spettacolo ebbe luogo il 17 ottobre 1672. Il re, stupito da ciò, rimase seduto per dieci ore intere senza alzarsi". Lo spettacolo fu rappresentato da: Blumentrost, Friedrich Gossen, Ivan Meva, Ivan e Pavel Berner, Pyotr Carlson e altri, che parteciparono alle rappresentazioni fino alla seconda metà del 1673. Nell'anniversario di matrimonio, lo zar voleva organizzare uno spettacolo, ma non volevano andare a Preobrazhenskoye, quindi nei reparti fu costruita “una commedia di ballo”, anche se non riuscirono a completarla in tempo. Alexey Mikhailovich divenne un assiduo frequentatore di spettacoli teatrali.

L'8 febbraio 1673, a Maslenitsa, ebbe luogo un nuovo spettacolo: un balletto basato sulla storia di Orfeo ed Euridice. Agli attori è stata insegnata l'arte del balletto dall'ingegnere Nikolai Lim. Entro l'estate (dal 15 maggio al 16 giugno), gli attori tedeschi furono sostituiti dai russi. La storia ha conservato i loro nomi - Vaska Meshalkin, Nikolai e Rodion Ivanov, Kuzma Zhuravlev, Timofey Maksimov, Luka Stepanov e altri - perché hanno firmato un appello scritto allo zar. "Misericordioso signore, re e gran Duca Aleksej Michajlovic! Per favore, rendici tuoi servi, il sovrano ci ha ordinato di preparare il cibo quotidiano per il salario del nostro grande sovrano, in modo che noi, essendo tuoi servi in ​​quella commedia, non moriremo di fame. Zar sovrano, per favore abbi pietà. Il re concesse il permesso di dare “4 soldi” al giorno a ciascuno dei suoi comici.

Le esibizioni divennero uno degli intrattenimenti preferiti alla corte di Mosca. C'erano 26 attori russi. I ragazzi hanno giocato ruoli femminili. Il ruolo di Esther in Azione di Artaserse interpretato dal figlio di Blumentrost. Sia gli stranieri che gli attori russi furono formati in una scuola speciale, che fu aperta il 21 settembre 1672 nel cortile della casa di Gregory nell'insediamento tedesco. Si rivelò difficile formare studenti russi e stranieri, e nella seconda metà del 1675 iniziarono ad operare due scuole di teatro: alla corte polacca - per stranieri, a Meshchanskaya Sloboda - per russi. Repertorio teatrale: Azione di Artaserse (1672), Commedia su Tobia il Giovane (1673), Giuditta (1674),Azione Temir-Aksakov (1675), Una bella commedia su Joseph(1675), Commedia su Davide e Golia (1676), Commedia su Bacco con Venere(1676), ecc.

Gregorio morì il 16 febbraio 1675. Yuri Gyutner divenne il suo successore, da lui la guida passò a Blumentrost e allo scapolo Ivan Volosheninov. Successivamente, su raccomandazione del governatore di Smolensk, il principe Golitsyn, l'insegnante di latino Stefan Chizhinsky divenne il leader.

Nel 1676 morì Alexey Mikhailovich. L'ispiratore dell'idea del teatro, il boiardo Matveev, fu esiliato. Il 15 dicembre 1677 seguì il decreto reale: “Il farmacista ordinò che le camere che erano occupate dalla commedia purificassero e ciò che era in quelle camere, organi e prospetti di ogni tipo di forniture di commedia; porta tutto nel cortile di Nikita Ivanovic Romanov."

Tutto ciò crea i presupposti per l’emergere di un teatro pubblico nazionale. A questo scopo, nel 1752 la troupe di Volkov fu chiamata da Yaroslavl a San Pietroburgo. Attori dilettanti di talento vengono selezionati per studiare nel Gentry Corps: A. Popov, I. Dmitrevsky, F. e G. Volkov, G. Emelyanov, P. Ivanov, ecc. Tra loro ci sono quattro donne: A. Musina-Pushkina, A Mikhailova, sorelle M. e O. Ananyev.

Primo permanente russo teatro pubblico fu inaugurato nel 1756 a San Pietroburgo, nella Casa Golovkin. Agli attori formati nel Corpo dei nobili si aggiunsero un certo numero di attori della troupe Yaroslavl di F. Volkov, incluso l'attore comico Ya. Shumsky. Il teatro era diretto da Sumarokov, le cui tragedie classiciste costituivano la base del repertorio. Il primo posto nella troupe fu occupato da Volkov, che sostituì Sumarokov come regista, e occupò questo posto fino alla sua morte nel 1763 (questo teatro nel 1832 riceverà il nome Alexandrinsky - in onore della moglie di Nicola I.)

Le prime esibizioni pubbliche a Mosca risalgono al 1756, quando gli studenti del ginnasio universitario, sotto la guida del loro direttore, il poeta M. Kheraskov, formarono compagnia teatrale tra le mura dell'università. Alle esibizioni sono stati invitati rappresentanti della più alta società di Mosca. Nel 1776, sulla base dell'ex compagnia universitaria, fu creato un teatro drammatico, che ricevette il nome Petrovsky (noto anche come Teatro Medox). I teatri Bolshoi (opera e balletto) e Maly (dramma) della Russia fanno risalire i loro pedigree a questo teatro.

Sia le troupe di San Pietroburgo che quelle di Mosca sentivano la mancanza di attrici donne. Nella troupe di Yaroslavl di Volkov non c'erano donne; i ruoli femminili erano interpretati da giovani uomini. Tuttavia, anche più tardi, quando il primo cast di attrici fu selezionato con difficoltà, apparvero sul palco solo nei ruoli di giovani donne; il ruolo delle vecchie comiche fu mantenuto a lungo dagli uomini. Secondo testimoni oculari, Ya Shumsky brillava di abilità speciale in questo.

Dopo la morte di Volkov, Dmitrevskij divenne il primo attore della troupe di San Pietroburgo. Le sue attività erano estremamente diverse. Nel 1767 viaggiò all'estero con l'incarico ufficiale di reclutare attori per la compagnia francese a San Pietroburgo, scrisse opere teatrali che furono messe in scena sul palco e ottenne buoni compensi, lavorò alla storia del teatro russo, ispezionò il lavoro del teatro e ha formato giovani attori. In effetti, tutti i principali attori della generazione successiva furono suoi studenti: A. Krutitsky, K. Gomburov, S. Rakhmanov, A. D. Karatygina, S. Sandunova, T. Troepolskaya, P. Plavilshchikov e altri.Nel 1771 Dmitrevskij tentò di riorganizzare e dirigere il Teatro dell'Università di Mosca (in competizione con Sumarokov, che a quel tempo era senza lavoro), ma questo progetto non ha avuto luogo.

Con lo sviluppo dei teatri russi, il loro ruolo nel plasmare l’ideologia e il sentimento pubblico divenne sempre più chiaro al governo. Nel 1766, per ordine di Caterina II, fu creata la Direzione dei teatri imperiali, sotto la cui giurisdizione finirono per finire tutti i principali teatri della Russia.

Entro la fine del XVIII secolo. i teatri dei servi si stanno diffondendo. Specialisti del teatro - attori, coreografi, compositori - sono stati invitati qui per allenarsi con gli attori. Alcuni teatri dei servi (Sheremetev a Kuskovo e Ostankino, Yusupov ad Arkhangelsk) superarono i teatri statali nella ricchezza delle loro produzioni. All'inizio del XIX secolo. i proprietari di alcuni teatri dei servi stanno cominciando a trasformarli imprese commerciali(Shakhovskoy e altri). Molti famosi attori russi provenivano dai teatri dei servi, che spesso venivano rilasciati in affitto per recitare in teatri "gratuiti" - incl. sul palcoscenico imperiale (M. Shchepkin, L. Nikulina-Kositskaya, ecc.).

In generale, il processo di formazione del teatro professionale in Russia nel XVIII secolo. conclusa. Il successivo, il XIX secolo, divenne un periodo di rapido sviluppo di tutte le direzioni del teatro russo.

Il teatro russo nel XIX secolo.

Prima metà del XIX secolo in Russia è segnato da due gli eventi più importanti, che ha avuto un impatto su tutti i settori vita pubblica e anche a teatro.

La prima di queste fu la guerra contro la Francia napoleonica, che provocò un enorme aumento del sentimento patriottico. Per il teatro questo aveva un doppio significato. In primo luogo, i circoli dominanti e l'intellighenzia hanno realizzato il ruolo e le possibilità dell'arte teatrale nella formazione dell'ideologia pubblica. Questioni legate allo sviluppo del teatro all'inizio del XIX secolo. sono stati discussi nelle riunioni della Libera Società degli Amanti della Letteratura, delle Scienze e delle Arti. Il seguace di Radishchev I. Pnin nel suo libro Esperienza sull'illuminazione in relazione alla Russia(1804) sostenevano che il teatro dovrebbe contribuire allo sviluppo della società. In secondo luogo, l'attualità delle tragedie patriottiche messe in scena in questo periodo, piene di allusioni situazione attuale (Edipo ad Atene E Dmitrij Donskoj V. Ozerov, opere di F. Schiller e W. Shakespeare), ha contribuito alla formazione del romanticismo. Ciò significa che sono stati stabiliti nuovi principi di recitazione, il desiderio di individualizzare i personaggi della scena, rivelare i loro sentimenti e la loro psicologia. Lo stile di gioco romantico ha rivelato il talento degli artisti della generazione successiva: Y. Shusherin, A. Yakovlev, E. Semenova, il cui talento è stato molto apprezzato da A.S. Pushkin. Tra gli attori comici si sono distinti V. Rykalov, I. Sosnitsky, M. Valberkhova (spettacoli Spia Kapnista, Brigadiere E Minore Fonvizina, Negozio di moda E Lezione per le figlie Krylova, ecc.). La vittoria sulla Francia rafforzò le tendenze patriottiche e romantiche-psicologiche nell'arte teatrale; ciò si manifestò particolarmente chiaramente nel lavoro drammatico e teorico-teatrale di Pushkin, che difese i principi della vera nazionalità nel teatro russo.

Nel primo quarto del XIX secolo. Si verificò la prima separazione ufficiale del teatro drammatico russo in una direzione separata (in precedenza, la compagnia teatrale lavorava insieme alla compagnia dell'opera e del balletto, e gli stessi attori spesso si esibivano in spettacoli di generi diversi). Nel 1824, l'ex Teatro Medox fu diviso in due compagnie: una compagnia teatrale (Teatro Maly) e una compagnia d'opera e balletto (Teatro Bolshoi). Il Teatro Maly ottiene un edificio separato. (A San Pietroburgo, la compagnia teatrale fu separata dalla compagnia musicale nel 1803, ma prima di trasferirsi in un edificio separato del Teatro Alexandrinsky nel 1836, collaborava ancora con la compagnia d'opera e di balletto al Teatro Mariinsky.)

Tuttavia, il libero sviluppo della letteratura e del teatro fu sospeso nel 1825, quando la rivolta decembrista portò ad un'intensificazione della reazione. Nel 1826 i teatri statali furono trasferiti sotto la giurisdizione del Ministero della Corte Imperiale. Nel 1828, nel “Terzo Dipartimento della Cancelleria di Sua Maestà Imperiale” fu introdotta un’ulteriore censura delle opere teatrali. Nel 1829, la gestione collegiale dei teatri fu sostituita dall'unità di comando di un direttore subordinato al governo. La censura vieta la produzione del meglio opere drammatiche quella volta: Guai dalla mente A. Griboedov (1824, il divieto fu revocato nel 1831); Boris Godunov A. Pushkin (1825, il divieto fu revocato nel 1866); Mascherata M. Lermontov (1835, il divieto fu revocato nel 1862). La base del repertorio del teatro russo di questo periodo è il vaudeville e le opere monarchiche di N. Kukolnik, N. Polevoy, P. Obodovsky e altri. In questo contesto, la produzione della commedia di N. Gogol suscitò una grande risonanza pubblica Revisore dei conti (1836).

A questo punto, la direzione democratica dello sviluppo dell'arte della recitazione era concentrata a Mosca al Teatro Maly. Lì si riunisce una forte compagnia guidata da P. Mochalov e Shchepkin. Shchepkin ha sviluppato la linea psicologica della recitazione, anticipando la direzione estetica del realismo critico, avvicinando il teatro alla vita. Alla scuola Shchepkin appartenevano anche altri artisti eccezionali del Teatro Maly: M. Lvova-Sinetskaya, P. Orlova, V. Zhivokini e altri.Mochalov rappresentava una direzione tragico-romantica e ribelle, ispirata e piena di sentimenti elevati e forti passioni.

Una direzione diversa nell'arte della recitazione è apparsa nell'opera del premier del Teatro Alexandrinsky V. Karatygin, in cui si riflettevano chiaramente le caratteristiche della convenzione classicista e dell'ufficialità cerimoniale. Grazie agli articoli di V. Belinsky E la mia opinione sul gioco del signor Karatygin(1835) e Amleto, il dramma di Shakespeare. Mochalov nel ruolo di Amleto(1838) Karatygin e Mochalov divennero simboli nella storia del teatro di due scuole di recitazione russe alternative del XIX secolo. In modo abbastanza schematico, possono essere definiti razionali (Karatygin) e costruiti esclusivamente sull'ispirazione (Mochalov).

Entro il 1830-1840 Nel corso degli anni, il numero dei teatri provinciali in Russia è aumentato in modo significativo e compaiono le prime informazioni su attori eccezionali delle province russe, tra cui K. Solenik, L. Mlotkovskaya e altri.

Una nuova fase nello sviluppo del teatro russo del XIX secolo. associato al lavoro del drammaturgo A. Ostrovsky. L'apparizione delle sue opere ha fornito al teatro un vasto repertorio nazionale realistico. La drammaturgia di Ostrovsky richiedeva agli attori dell'ensemble teatrale la capacità di creare personaggi quotidiani, lavorare sulla parola per trasmettere il linguaggio unico dei personaggi. La somiglianza delle posizioni estetiche ha portato alla stretta ed efficace collaborazione di Ostrovsky con il Teatro Maly. Il lavoro sulla sua drammaturgia ha contribuito al miglioramento delle capacità recitative della troupe e la performance di talento degli attori ha determinato il successo scenico e ha aumentato la popolarità del drammaturgo. La drammaturgia realistica di Ostrovsky ha formato e affinato il talento di attori come P. Sadovsky, I. Samarin, S. Shumsky, L. Kositskaya, G. Fedotova, S. Vasiliev, N. Rykalova, S. Akimova, N. Musil, N. Nikulina e altri Parallelamente al realistico direzione domestica, la linea della tragedia romantica, rappresentata in modo più vivido nell'opera della grande M. Ermolova, sviluppata con successo anche al Teatro Maly (spettacoli Emilia Galotti Lessing, Fonte Ovejuna Lope de Vega, Tempesta Ostrovskij, Maria Stuarda Schiller, ecc.).

Questo periodo è segnato da un'intera costellazione di nomi teatrali: attori e registi. La vita teatrale era in pieno svolgimento in entrambe le capitali, dove si riunivano anche le migliori forze della provincia teatrale russa.

A San Pietroburgo, la “figura chiave” di questo periodo fu V. Komissarzhevskaya. Dopo aver fatto il suo debutto sul palco del Teatro Alexandrinsky nel 1896 (prima aveva recitato in spettacoli amatoriali di Stanislavskij), l'attrice conquistò quasi immediatamente l'ardente amore del pubblico. Il suo teatro, da lei creato nel 1904, ha avuto un ruolo enorme nella formazione della brillante galassia della regia russa. Al Teatro Komissarzhevskaya nel 1906-1907, per la prima volta sul palcoscenico della capitale, Meyerhold stabilì i principi del teatro convenzionale (in seguito continuò i suoi esperimenti nei teatri imperiali - Alexandrinsky e Mariinsky, così come alla Scuola Tenishevskij e nel studio teatrale in via Borodinskaya). Nella stagione 1906-1907, A. Tairov suonò sul palco del Teatro Komissarzhevskaya (nel 1907 si trasferì al non meno famoso Primo teatro drammatico pubblico mobile presso la Casa del popolo Ligovsky, creato da P. Gaideburov). Nel 1908-1909, nel suo teatro furono messe in scena rappresentazioni di N. Evreinov, che creò il Teatro Antico di San Pietroburgo, dove furono ricostruite in forma stilizzata rappresentazioni del Medioevo francese e del Rinascimento spagnolo. Negli anni '10, il cosiddetto piccole forme teatrali, incl. arte del cabaret. Stray Dog, Comedians' Halt e Crooked Mirror hanno dato molti grandi nomi a registi, attori, artisti, scrittori e sono entrati nella storia del teatro russo. San Pietroburgo divenne anche la culla dell'avanguardia teatrale russa: nel 1913 l'Unione della Gioventù aprì un nuovo teatro futuristico (opera di A. Kruchenykh, V. Khlebnikov, M. Matyushin e K. Malevich Vittoria sul sole e la tragedia di V. Mayakovsky VV Mayakovsky).

A Mosca, il centro della vita teatrale era il Teatro d'Arte di Mosca. Si è riunita una brillante costellazione di attori che hanno recitato in spettacoli che hanno attirato un numero enorme di spettatori: O. Knipper, I. Moskvin, M. Lilina, M. Andreeva, A. Artem, V. Kachalov, M. Chekhov, ecc. Molti qui si formarono le direzioni della regia moderna: oltre a Stanislavskij e Nemirovich-Danchenko, queste erano le opere di L. Sulerzhitsky, K. Mardzhanov, Vakhtangov; Alla produzione è venuto anche il famoso G. Craig. Il Teatro d'Arte di Mosca gettò le basi per la scenografia moderna: M. Dobuzhinsky, N. Roerich, A. Benois, B. Kustodiev e altri furono coinvolti nel lavoro sulle sue rappresentazioni. Il Teatro d'Arte di Mosca a quel tempo determinò effettivamente l'intero vita artistica Mosca, incl. – e lo sviluppo di piccole forme teatrali; il teatro di cabaret più popolare di Mosca " Pipistrello"è stato creato sulla base delle scenette del Teatro d'Arte di Mosca. In questo contesto, il resto dei teatri di Mosca appare piuttosto pallido. Forse l'unico gruppo che lavora su altri principi artistici e allo stesso tempo ha un proprio pubblico è stato creato nel 1914 da Tairov Teatro da camera.

Teatro russo dopo il 1917.

Dopo la rivoluzione del 1917, che cambiò completamente lo stile di vita in Russia, nuova fase e nella vita teatrale del paese.

Il nuovo governo capì l'importanza dell'arte teatrale: il 9 novembre 1917 il Consiglio dei commissari del popolo emanò un decreto sul trasferimento di tutti i teatri russi sotto la giurisdizione del dipartimento artistico della Commissione statale per l'istruzione. E il 26 agosto 1919 apparve un decreto sulla nazionalizzazione dei teatri, per la prima volta nella storia della Russia il teatro divenne completamente una questione statale (nell'antica Grecia tale politica statale fu attuata nel V secolo a.C.) . Ai teatri più importanti vengono assegnati titoli accademici: nel 1919 - il Teatro Maly, nel 1920 - il Teatro d'Arte di Mosca e il Teatro Alexandrinsky (ribattezzato Teatro di Stato di Pietrogrado teatro accademico drammi). Stanno aprendo nuovi teatri. A Mosca - il 3o Studio del Teatro d'Arte di Mosca (1920, poi Teatro Vakhtangov); Teatro della Rivoluzione (1922, successivamente - Teatro Mayakovsky); Teatro MGSPS (1922, oggi – Teatro Mossovet); Teatro per bambini di Mosca (1921, dal 1936 - Teatro centrale per bambini). A Pietrogrado - Teatro drammatico Bolshoi (1919); GOSET (1919, dal 1920 si trasferisce a Mosca); Teatro per giovani spettatori (1922).

Durante questo periodo, la direzione del teatro pubblico propagandistico-misterico si stava sviluppando attivamente. Collocato a Pietrogrado Azione intorno alla Terza Internazionale(1919), Il mistero del lavoro liberato, Verso una comune mondiale, La presa del Palazzo d'Inverno(tutti – 1920); A mosca - Pantomima della Grande Rivoluzione(1918); a Voronež - Elogio della rivoluzione(1918); a Irkutsk - La lotta tra lavoro e capitale(1921), ecc. Lo slogan dell'arte di massa portò a un enorme aumento degli spettacoli teatrali amatoriali - i teatri Proletkult, in seguito - i gruppi TRAM e Blue Blouse.

Fu un periodo molto difficile per l'arte in generale e per il teatro in particolare. Gli artisti (come l'intero paese) erano divisi in sostenitori e oppositori della rivoluzione. Semplificando un po', possiamo dire che nella sfera estetica la divisione è avvenuta in relazione alle tradizioni della cultura mondiale. L'eccitazione di un esperimento sociale volto a costruire una nuova società è stata accompagnata dall'eccitazione artistica dell'arte sperimentale, un rifiuto esperienza culturale del passato. Nel 1920, Meyerhold presentò il programma Theatre October, che proclamava la completa distruzione della vecchia arte e la creazione di nuova arte sulle sue rovine. È paradossale che l'ideologo di questa tendenza sia stato Meyerhold, che ha studiato a fondo teatri tradizionali. Ma l’euforia distruttiva della ricostruzione sociale è stata accompagnata anche dall’euforia della sperimentazione artistica – sostenuta dal governo e indirizzata a nuovi spettatori.

La chiave del successo durante questo periodo è stata la sperimentazione, l'innovazione, di diversa natura e direzione. Forse è proprio questo che ha determinato l'esistenza nello stesso periodo dei futuristici "incontri-spettacolo" politicizzati di Meyerhold e dello psicologismo raffinato, decisamente asociale di Tairov, del "realismo fantastico" di Vakhtangov e degli esperimenti con spettacoli per bambini del giovane N. Sats , il poetico teatro biblico di Habima e l'eccentrico FEKS e altri.Teatri altro direzione tradizionale(Moscow Art Theatre, Maly, ex Alexandrinsky, ecc.) hanno reso omaggio alla modernità con spettacoli rivoluzionario-romantici e satirici, ma le fonti indicano che gli anni '20 sono diventati per loro un periodo di crisi creativa.

Un nuovo periodo del teatro russo iniziò nel 1932 con la risoluzione del Comitato Centrale del Partito Comunista All-Union dei Bolscevichi “Sulla ristrutturazione delle organizzazioni letterarie e artistiche”. Il metodo principale nell'arte è stato riconosciuto come il metodo del realismo socialista. Il tempo della sperimentazione artistica è finito, anche se ciò non significa che gli anni successivi non abbiano portato nuove conquiste e successi nello sviluppo dell'arte teatrale. È solo che il “territorio” dell’arte consentita si è ristretto, le performance di certe direzioni artistiche- solitamente realistico. E è apparso un ulteriore criterio di valutazione: ideologico e tematico. Quindi, ad esempio, il successo incondizionato del teatro russo dalla metà degli anni '30 sono state le rappresentazioni dei cosiddetti. "Leniniani", in cui l'immagine di V. Lenin è stata portata sul palco ( Uomo con una pistola al Teatro Vakhtangov, nel ruolo di Lenin - B. Shchukin; È vero al Teatro della Rivoluzione, nel ruolo di Lenin - M. Strauch, ecc.). Qualsiasi spettacolo basato sulle opere del "fondatore del realismo socialista" M. Gorky era praticamente destinato al successo. Ciò non significa che ogni performance ideologicamente coerente fosse negativa, ma solo criteri artistici (e talvolta il successo del pubblico). valutazione dello Stato le prestazioni hanno cessato di essere decisive.

Per molte figure del teatro russo, gli anni Trenta (e la seconda metà degli anni Quaranta, quando la politica ideologica continuò) divennero tragici. Tuttavia, il teatro russo ha continuato a svilupparsi. Sono comparsi nuovi nomi alla regia: A. Popov, Yu. Zavadsky, R. Simonov, B. Zakhava, A. Dikiy, N. Okhlopkov, L. Vivien, N. Akimov, N. Gerchakov, M. Kedrov, M. Knebel, V Sakhnovsky, B. Sushkevich, I. Bersenev, A. Bryantsev, E. Radlov e altri.Questi nomi erano principalmente associati a Mosca e Leningrado e alla scuola di regia dei principali teatri del paese. Tuttavia, diventano famose anche le opere di molti registi in altre città dell'Unione Sovietica: N. Sobolshchikov-Samarin (Gorky), N. Sinelnikov (Kharkov), I. Rostovtsev (Yaroslavl), A. Kanin (Ryazan), V. Bityutsky (Sverdlovsk), N. Pokrovsky (Smolensk, Gorky, Volgograd), ecc.

Sta emergendo anche una nuova generazione di attori. Al Teatro d'Arte di Mosca, insieme a luminari come O. Knipper-Chekhova, V. Kachalov, L. Leonidov, I. Moskvin, M. Tarkhanov, N. Khmelev, B. Dobronravov, O. Androvskaya, K. Elanskaya, A Tarasova, A. Gribov, B. Livanov, M. Yanshin, M. Prudkin e altri Al Teatro di Mosca Lenin Komsomol(ex TRAM), attori e registi della Scuola d'arte teatrale di Mosca - I. Bersenev, S. Birman, S. Giatsintova - lavorano con successo. Nel Teatro Maly, insieme agli attori della vecchia generazione A. Yablochkina, V. Massalitinova, V. Ryzhova, E. Turchaninova, A. Ostuzhev, P. Sadovsky e altri, un posto di rilievo è occupato da nuovi attori che hanno guadagnato fama già in Tempi sovietici: V Pashennaya, E. Gogoleva, N. Annenkov, M. Zharov, M. Tsarev, I. Ilyinsky (che si è trasferito qui dopo la rottura con Meyerhold). Nell'ex teatro Alexandrinsky (che nel 1937 prese il nome da A. Pushkin) famosi vecchi maestri - E. Korchagina-Alexandrovskaya, V. Michurina-Samoilova, E. Time, B. Gorin-Goryainov, I. Pevtsov, Yu. Yuryev e altri ... appaiono sul palco insieme a giovani attori - N. Rashevskaya, E. Karyakina, E. Wolf-Israel, A. Borisov, N. Simonov, B. Babochkin, N. Cherkasov, ecc. B. stanno lavorando con successo a "Teatro Vakhtangov. Shchukin, A. Orochko, Ts. Mansurova e altri. Una forte troupe si sta formando al Teatro Mossovet (ex MGSPS e MOSPS), composta principalmente da studenti di Yu. Zavadsky - V. Maretskaya, N. Mordvinov, R. Plyatt, O. Abdulov e altri Nonostante il destino dei principali registi, il lavoro dell'attrice del Teatro da Camera A. Koonen, così come di molti attori del Revolution Theatre e del Meyerhold Theatre: M. Babanova, M Astangov, D. Orlov, M. Strauch, Yu. Glizer, S. Martinson, E. Garin.

Durante la Grande Guerra Patriottica, i teatri russi si dedicarono principalmente a temi patriottici. Furono messe in scena opere teatrali scritte in questo periodo ( Invasione L.Leonova, Davanti A. Korneychuk, Un ragazzo della nostra città E Popolo russo K. Simonov) e gioca con temi storici e patriottici ( Pietro I A. N. Tolstoj, Feldmaresciallo Kutuzov V. Solovyova e altri). Successo spettacoli teatrali questa volta ha negato giustizia espressione comune“Quando le armi parlano, le muse tacciono.” Ciò era particolarmente evidente nella Leningrado assediata. Il Teatro Comunale (in seguito Teatro Komissarzhevskaya) e il Teatro della Commedia Musicale, che funzionarono qui durante il blocco, attirarono case piene di spettatori, nonostante la mancanza di riscaldamento, e spesso luce, bombardamenti e bombardamenti e fame mortale. Paradossalmente, quanto più disastrose diventavano le condizioni di vita in città, tanto più acuto era il bisogno degli abitanti di Leningrado che l'arte li aiutasse a sopravvivere. La gente mi salutava con gioia spettacoli itineranti e concerti in prima linea, in molti teatri del Paese si formarono brigate di prima linea, che si esibirono non solo in esercito attivo, ma anche negli ospedali.

Il periodo 1941-1945 ebbe un'altra conseguenza per la vita teatrale della Russia e dell'Unione Sovietica: un aumento significativo del livello artistico dei teatri provinciali. L'evacuazione dei teatri di Mosca e Leningrado e il loro lavoro alla periferia hanno dato nuova vita ai teatri locali, hanno contribuito all'integrazione delle arti dello spettacolo e allo scambio di esperienze creative.

Tuttavia, dopo la fine della guerra, l’ascesa patriottica dell’arte teatrale in tempo di guerra cedette il passo al declino. Risoluzione del Comitato Centrale del Partito Comunista dei Bolscevichi di tutta l'Unione del 26 agosto 1946 “Sul repertorio teatri di prosa e misure per migliorarlo” ha rafforzato il controllo ideologico e la censura. L'arte russa in generale e il teatro in particolare stavano attraversando una crisi associata a una crisi sociale.

Il teatro riflette lo stato della società, e una nuova ondata di ascesa sulla scena russa fu anche una conseguenza dei cambiamenti sociali: la denuncia del culto della personalità (1956) e l'indebolimento della politica ideologica, la cosiddetta. "scongelare".

Teatro russo nel 1950-1980.

Il rinnovamento del teatro russo è iniziato con la regia. Una nuova estetica teatrale stava nuovamente prendendo forma a Mosca e Leningrado.

A Leningrado, questo processo si è svolto in modo meno brillante, non tanto in modo rivoluzionario, ma in modo evolutivo. È associato al nome di G. Tovstonogov, che dal 1949 diresse il Teatro Komsomol di Leningrado e nel 1956 divenne direttore artistico del BDT. Una troupe eccellente (E. Lebedev, K. Lavrov, G. Yanovskoy, N. Sheiko e altri. La maggior parte di loro è riuscita a realizzare il proprio potenziale creativo a Mosca.

Molti attori di Leningrado hanno dato un grande contributo alla formazione dell'arte teatrale russa: I. Gorbachev, N. Simonov, Yu. Tolubeev, N. Cherkasov, B. Freundlich, O. Lebzak, L. Shtykan, N. Burov e altri (Teatro dal nome Pushkin); D. Barkov, L. Dyachkov, G. Zhzhenov, A. Petrenko, A. Ravikovich, A. Freundlich, M. Boyarsky, S. Migitsko, I. Mazurkevich e altri (Teatro Lensovet); V. Yakovlev, R. Gromadsky, E. Ziganshina, V. Tykke e altri (Teatro Lenin Komsomol); T. Abrosimova, N. Boyarsky, I. Krasko, S. Landgraf, Y. Ovsyanko, V. Osobik e altri (Teatro Komissarzhevskaya); E. Junger, S. Filippov, M. Svetin e altri (Teatro Commedia); L. Makariev, R. Lebedev, L. Sokolova, N. Lavrov, N. Ivanov, A. Khochinsky, A. Shuranova, O. Volkova e altri (Teatro Giovani spettatori); N. Akimova, N. Lavrov, T. Shestakova, S. Bekhterev, I. Ivanov, V. Osipchuk, P. Semak, I. Sklyar e altri (MDT, noto anche come Teatro d'Europa).

A Mosca, la formazione di una nuova estetica teatrale è avvenuta in modo più rapido e chiaro. Qui, innanzitutto, va menzionato il nome di A. Efros, che non divenne la bandiera di alcuna rivoluzione teatrale, sebbene ciascuna delle sue esibizioni suscitò grande interesse tra critici e spettatori. Dopo aver diretto il Central Children's Theatre nel 1954, Efros radunò attorno a sé un gruppo di giovani talentuosi: O. Efremova, O. Tabakov, L. Durova e altri.Il programma artistico si è formato in gran parte qui, che ha portato all'apertura del Teatro Sovremennik nel 1958. Ciò ha segnato l'avvento di una nuova era sulla scena russa. Il rinnovamento dell'estetica del teatro psicologico realistico è stato combinato in Sovremennik con la ricerca di nuovi mezzi di espressione artistica. Giovane compagnia: O. Efremov, O. Tabakov, E. Evstigneev. Nel Teatro Centrale dell'Armata Rossa (oggi Teatro Accademico Centrale dell'Esercito Russo), le tradizioni del teatro psicologico furono preservate da A. Popov e B. Lvov-Anokhin (che in seguito diresse il Teatro Stanislavskij e misero in scena molte scene al Teatro Teatro Maly). Le esibizioni di B. Rovensky sono ben note: al Teatro Pushkin e al Teatro Maly. Lavorando in vari teatri, Efros mantenne la massima autorità artistica per diversi decenni. M. Zakharov si è formato nel Teatro della Satira e in seguito ha incarnato la sua estetica nel Teatro. Lenin Komsomol. Negli anni '70, il successo accompagnò il debutto dei registi A. Vasilyev e B. Morozov. Ma forse il teatro russo più rumoroso degli anni '70 e '80 fu il Teatro Taganka di Mosca e il suo direttore Yu Lyubimov.

Durante questo periodo, a Mosca si formarono diverse generazioni di attori meravigliosi, appartenenti a scuole diverse con elevata professionalità e brillante personalità. È vero, per diversi anni la situazione nella troupe del Teatro d'Arte di Mosca fu triste: i leggendari "vecchi del Teatro d'Arte di Mosca" continuarono a brillare sul palco, ma il rinnovamento della troupe iniziò ad avvenire nel 1970, quando il teatro era diretto di Efremov. Qui vennero attori famosi che si formarono in diversi teatri, ma riuscirono a creare un nuovo magnifico ensemble: E. Evstigneev, A. Kalyagin, A. Popov, I. Smoktunovsky, V. Lanovoy, O. Yankovsky, A. Abdulov, A. Zbruev, I. Churikova, N. Karachentsov, T. Dogileva, E. Shanina, ecc. In Sovremennik, gli attori vengono aggiunti al nucleo della troupe, i cui nomi diventano non meno famosi: M. Neelova, L. Akhedzhakova, V. Gaft, E. Yakovleva, A Leontiev e altri.Al Teatro di Malaya Bronnaya, dove L. Sukharevskaya e B. Tenin brillavano all'inizio degli anni '60, O. Yakovleva, L. Durov, N. Volkov, M. Kozakov, A. Grachev recita negli spettacoli di Efros, G. Saifullin e altri, dopo la prima al Teatro Stanislavsky Figlia adulta giovanotto(produzione di A. Vasiliev) e Cirano de Bergerac(produzione di B. Morozov) divennero noti i nomi di A. Filozov, S. Shakurov, V. Korenev, E. Vitorgan, A. Balter. Le personalità di L. Polishchuk, E. Gerchakov, V. Gvozditsky e altri vengono rivelate al Teatro Hermitage sotto la direzione di M. Levitin.I talenti si formano e rafforzano al Teatro Mayakovsky

Da un lato, i successi teatrali dei teatri russi negli anni ’60 e ’80 non furono ottenuti facilmente. Spesso le migliori rappresentazioni raggiungevano il pubblico con grande difficoltà, o addirittura venivano bandite per considerazioni ideologiche, mentre premi e riconoscimenti venivano assegnati a rappresentazioni nella media ma ideologicamente coerenti. D'altro canto, lo status semi-ufficiale del teatro “d'opposizione” conferiva quasi sempre alle sue rappresentazioni un ulteriore “capitale per gli spettatori”: inizialmente ricevevano maggiori possibilità di successo al botteghino e venivano considerate una vittoria creativa (spesso a prescindere dalla reale situazione artistica). livello). La storia del Teatro Taganka lo testimonia: qualsiasi rappresentazione del primo periodo “Lubimov” nell'ambiente liberale era considerata brillante, la critica professionale alle carenze era spesso considerata come uno sciopero. SU Palcoscenico russo A quel tempo regnavano l'allegoria, l'allusione, l'allusione alla realtà moderna: questa era la chiave del successo del pubblico. Allo stesso tempo, non dovremmo dimenticarlo in una situazione sociale teatri statali tutti gli esperimenti teatrali (compresi quelli politici) furono finanziati dallo Stato. All'inizio degli anni '80, per il semi-disonorato Taganka fu costruito un nuovo edificio teatrale con moderne attrezzature tecniche. Spesso i criteri politici e sociali nella valutazione delle performance spesso prevalgono su quelli artistici, sia nella valutazione formale che informale. Un atteggiamento equilibrato e adeguato nei confronti delle esibizioni di quel tempo era quasi impossibile. Pochissime persone lo capivano allora.

Il cambiamento nella formazione politica all’inizio degli anni Novanta e un lungo periodo di rovina economica hanno cambiato radicalmente la vita del teatro russo. Il primo periodo di indebolimento (e poi – e abolizione) del controllo ideologico è stato accompagnato dall’euforia: ora puoi mettere in scena e mostrare qualsiasi cosa al pubblico. Dopo l'abolizione della centralizzazione dei teatri, nuovi gruppi furono organizzati in gran numero: teatri studio, imprese, ecc. Tuttavia, pochi di loro sono sopravvissuti alle nuove condizioni: si è scoperto che, oltre al dettato ideologico, c'è un dettato per lo spettatore: il pubblico guarderà solo ciò che vuole. E se nelle condizioni del finanziamento statale del teatro, riempire l'auditorium non è molto importante, allora con l'autosufficienza il tutto esaurito nella sala è la condizione più importante per la sopravvivenza. In queste condizioni, le professioni di manager e produttore potrebbero diventare particolarmente richieste nel teatro, che, oltre a studiare la domanda del pubblico, cercherebbe sponsor e investitori. Tuttavia, oggi i produttori teatrali più talentuosi e di successo sono registi e attori (un esempio è Tabakov). I registi di vero talento (soprattutto quelli che combinano il talento creativo con la capacità di adattarsi alla situazione di un'economia di mercato) sono stati in grado di "sopravvivere" e hanno avuto l'opportunità di sviluppare pienamente le loro idee.

A. Galibin, V. Pazi, G. Kozlov, così come artisti d'avanguardia ancora più giovani e radicali: B. Yukhananov, A. Proudin, A. Moguchiy, V. Kramer, Klim, ecc. La direzione di eventi e installazioni adiacente al teatro si sta sviluppando attivamente. I. Eppelbaum, partendo dall'estetica del teatro delle marionette, sperimenta tutte le componenti dello spettacolo nel suo teatro “Shadow”. E. Grishkovets inventa la propria estetica teatrale. Il progetto è stato inaugurato nel 2002 Teatro.doc, costruito sul rifiuto base letteraria spettacoli: il materiale per loro sono trascrizioni di interviste reali con rappresentanti di quello gruppo sociale, a cui appartengono anche gli eroi delle produzioni future. E questo non è tutto degli esperimenti teatrali di oggi.

Il nuovo ciclo di sviluppo del teatro russo è stato notevolmente facilitato dall’accesso alla cultura mondiale e alla sua esperienza teatrale, che aiuta a comprendere il proprio lavoro e a passare alla fase successiva.

Oggi si discute ampiamente della necessità di una riforma del teatro. La questione dell’urgente necessità di una riforma del teatro fu sollevata per la prima volta all’inizio degli anni ’80. È vero, a quel tempo era associato principalmente alla necessità di modificare la legislazione sul lavoro per il lavoro degli attori. Il fatto è che nelle compagnie dei teatri statali, insieme agli attori popolari, ce n'erano molti che non ricevevano ruoli da anni. Tuttavia, era impossibile licenziarli, il che significava che era impossibile assumere nuovi membri della troupe. Il Ministero della Cultura della RSFSR, come esperimento, ha introdotto il cosiddetto in alcuni teatri all'inizio degli anni '80. un sistema di rielezione, quando il contratto con gli attori veniva concluso solo per pochi anni. Questo sistema suscitò poi molto dibattito e malcontento: l’argomento principale contro di esso era il rimprovero dell’insicurezza sociale. Tuttavia, il cambiamento nella formazione politica della Russia ha distrutto la rilevanza di tale riforma: la stessa economia di mercato ha iniziato a regolare il numero delle compagnie teatrali.

Nel periodo post-sovietico, i contorni della riforma teatrale cambiarono radicalmente, spostandosi principalmente nell'area del finanziamento gruppi teatrali, la necessità del sostegno statale alla cultura in generale e ai teatri in particolare, ecc. La possibile riforma sta generando opinioni molto diverse e accesi dibattiti. Il primo passo di questa riforma è stato il decreto del governo russo del 2005 sui finanziamenti aggiuntivi per una serie di teatri e istituzioni teatrali educative a Mosca e San Pietroburgo. Tuttavia, c’è ancora molta strada da fare prima dello sviluppo sistematico di un programma di riforma del teatro. Di cosa si tratterà non è ancora chiaro.

Tatiana Shabalina

Letteratura:

Vsevolodsky-Gerngross V.N. Teatro russo. Dalle origini alla metà del XVIII secolo. M., 1957
Gorchakov N. Lezioni di regia da Vakhtangov. M., 1957
Vsevolodsky-Gerngross V.N. Teatro russo della seconda metà del XVIII secolo. M., 1960
Poesia teatrale Sab. articoli. M., 1960
Rudnitsky K.L. Diretto da Meyerhold. M., 1969
Velehova N.A. Okhlopkov e il teatro di strada. M., 1970
Primo dramma russo(XVII - prima metà del XVIII secolo.). Tt. 1–2. M., 1972
Zavadsky Yu.A. Insegnanti e studenti. M., 1975
Zolotnitsky D.I. Albe ottobre teatrale . L., 1976
Zolotnitsky D.I. Teatri accademici sui sentieri di ottobre. L., 1982
Mikhail Semenovich Shchepkin. Vita e arte, vol. 1–2. M., 1984
Čechov M. Patrimonio letterario in 2 volumi. M., 1986
Likhachev D.S. La formazione del teatro. Nell'articolo Letteratura russa del XVII secolo. Storia della letteratura mondiale in 9 voll. T.4. M., 1987
L'arte della regia di Tairov. M., 1987
Teatro folcloristico . M., 1988
Zaslavsky G. La “drammaturgia di carta”: avanguardia, retroguardia o underground del teatro moderno?"Banner", 1999, n. 9
Ivanov V. Stagioni teatrali russe« Habima" M., 1999
Smelyansky A.M. Circostanze proposte. Dalla vita del teatro russo nella seconda metà del Novecento. M., 1999
Stanislavskij K.S. Opere raccolte, vol. 1–9. M., 1988–1999
Teatro documentario. Gioca(Teatro.doc). M., 2004
Dyakova E. Dramma teatrale.“Novaya Gazeta”, 2004, 15 novembre
Zaslavsky G. Serie "Riforma del teatro"."Nezavisimaya Gazeta", 2004, 30 novembre
Vyrypaev I. Il teatro di repertorio russo è morto da tempo. La Russia ha bisogno di una riforma del teatro?"Izvestia", 2005, 6 aprile



Il nostro Paese è famoso per la sua scuola di teatro. Abbiamo l'opportunità di vedere gli attori che sono stati alle origini del teatro e del cinema russo!! Volevo davvero vederli giovani...

Lenin, Michael Frantsevich-Wikipedia

Foto dell'inizio del XX secolo.

Se vi dico che la foto postata un po’ più in alto è quella di Lenin, allora penso che la maggior parte di voi avrà la prima reazione “non simile”. Tuttavia, siamo più abituati a vedere le fotografie del leader del proletariato mondiale, Vladimir Ilyich Lenia.
Non tutti sanno che nella prima metà del ventesimo secolo un altro Lenin era popolare: l'attore Mikhail Frantsevich Lenin.
Naturalmente, la coincidenza degli pseudonimi ha portato ad alcuni punti interessanti. Ecco qui alcuni di loro.
nel 1905, Mikhail Frantsevich si rivolse al pubblico dalle pagine del quotidiano Moskovskie Vedomosti con una richiesta urgente: "Io, artista del Teatro Imperiale Maly Mikhail Lenin, chiedo di non confondermi con questo avventuriero politico Vladimir Lenin".

A poco a poco, la fama di Vladimir Ilyich Lenin crebbe e nel numero di aprile 1917 della rivista “Ramp and Life” dovette essere nuovamente spiegato: sulla prima copertina fu stampata una fotografia dell'attore con la didascalia “Per favore, non mescolare. "
Interessanti sono anche alcune leggende sui due Lenin. Secondo uno di loro, un giorno un messaggero entrò nell'ufficio di K. S. Stanislavskij e gridò: "Konstantin Sergeevich, sfortuna: Lenin è morto!" "A-ah, Mikhail Frantsevich!" - Stanislavskij alzò le mani. "No - Vladimir Ilyich!" "Pah-pah-pah", Stanislavskij bussò sul legno, "pah-pah-pah!..."
Un'altra voce divertente è che J.V. Stalin disse: "Non posso dare a Lenin l'Ordine di Lenin... La gente non lo capirà!"
Sorprendentemente, dopo tutto ciò, Mikhail Frantsevich Lenin ricevette l'Ordine di Lenin il 26 ottobre 1949!
Mikhail Frantsevich Lenin (vero nome Ignatyuk, 1880-1951) è un attore drammatico russo, uno dei luminari del Teatro Maly. Artista popolare della RSFSR (1937).

Alexandra Aleksandrovna Yablochkina (1866-1964), eccezionale attrice teatrale russa e sovietica, artista popolare dell'URSS (1937), vincitrice del Premio Stalin (1943), tre volte detentrice dell'Ordine di Lenin.

Foto dell'inizio del XX secolo.

Maria Nikolaevna Ermolova (1853-1928), eccezionale attrice russa. Artista onorato dei teatri imperiali, artista popolare della Repubblica (1920). Eroe del lavoro (1924).

Stanislavskij, Costantino Sergeevich — Wikipedia

Foto dell'inizio del XX secolo.

Konstantin Sergeevich Stanislavsky (vero nome Alekseev; 1863-1938), un eccezionale regista teatrale, attore e insegnante russo. Artista popolare dell'URSS (1936).

Foto dell'inizio del XX secolo.

Vasily Ivanovich Kachalov (vero nome Shverubovich, 1875-1948), un eccezionale attore teatrale russo e sovietico; Artista nazionale URSS (1936), vincitore del Premio Stalin, primo grado (1943); insignito di due Ordini di Lenin e dell'Ordine della Bandiera Rossa del Lavoro.

Gzovskaja, Olga Vladimirovna — Wikipedia

Foto dell'inizio del XX secolo.

Olga Vladimirovna Gzovskaya (1883-1962), un'eccezionale attrice teatrale e cinematografica.

Roshchina-Insarova, Caterina Nikolaevna - Wikipedia

Foto dell'inizio del XX secolo.

Ekaterina Nikolaevna Roshchina-Insarova (nata Pashennaya) (1883-1970), attrice drammatica russa.
Figlia dell'attore N.P. Roshchin-Insarov, sorella dell'artista popolare dell'URSS V.N. Pashennaya.

Roshchina-Insarova apparve per la prima volta sul palco nel 1897. Nel 1899, Roshchina-Insarova fu invitata da N.N. Sinelnikov nella sua compagnia di Kiev e suonò molto nelle province (nei teatri di Astrakhan, Penza, Rostov sul Don, Samara e altri città .) e nel Teatro di Mosca di F. A. Korsh. 1905-1909 Roshchina-Insarova si esibì sul palco del Teatro della Società Letteraria e Artistica di San Pietroburgo. Nel 1909-1911 - al Teatro K. Nezlobin di Mosca. Nel 1911-1913 Roshchina-Insarova lavorò al Teatro Maly, nel 1913-1919 a San Pietroburgo, al Teatro Alexandrinsky.

Il modo di suonare di Roshchina-Insarova si è distinto per la sua grazia e profondità di emozioni.
Nel 1918, N.P. Roshchina-Insarova lasciò Mosca con suo marito, il conte S. Ignatiev, verso sud, e nel 1919 emigrò dalla Russia.
La prima rappresentazione di N.P. Roshchina-Insarova a Parigi ebbe luogo in una serata in memoria di L.N. Tolstoj il 5 gennaio 1921.
Nel 1922, N.P. Roshchina-Insarova prese parte allo spettacolo dell'Agenzia teatrale russa "Jealousy" di M.P. Artsybashev.

N.P. Roshchina-Insarova ha organizzato la propria compagnia, ha aperto il Russian Chamber Theatre e lo studio a Riga, che è durato due stagioni. Nel 1925, Roshchina-Insarova tornò a Parigi, dove diede spettacoli all'Albert Theatre.
Nel 1926, quando fu celebrato il 25° anniversario dell'attività teatrale di N.P. Roshchina-Insarova, fu accolta da molti persone eccezionali, tra cui: A. Kuprin, I. Bunin, K. Balmont, N. Teffi, B. Zaitsev, Vas. I. Nemirovich-Danchenko.
Negli anni successivi, Roshchina-Insarova ha partecipato a serate letterarie e artistiche, concerti, spettacoli di gruppo, ha dato lezioni di recitazione, ha recitato nel teatro di Georges e Lyudmila Pitoev, è stata regista e interprete in opere di Nemirovich-Danchenko, N. Teffi, Ostrovsky e altri. .

L'ultima volta che Roshchina-Insarova si esibì nel 1957 in una serata in memoria di N. Teffi. Nello stesso anno si trasferisce a Cormeil-en-Parisy (un sobborgo di Parigi) in una casa di cura russa. Roshchina-Insarova morì a Parigi il 28 marzo 1970.

Vorrei concludere la storia di questa attrice con le parole di Merezhkovsky, che l'ha definita "una delle nostre artiste più sottili e accattivanti".

Vera Fedorovna Komissarzhevskaya (1864-1910), un'eccezionale attrice e regista russa drammatica e tragica, soprannominata la "Duse russa".

Vera Komissarzhevskaya è nata il 27 ottobre (8 novembre) 1864 a San Pietroburgo. Figlia di un famoso cantante, ha cantato e successivamente suonato in spettacoli amatoriali di K.S. Stanislavsky.
Dal 1896 al 1902 Vera Komissarzhevskaya fece parte della compagnia del Teatro Alexandrinsky di San Pietroburgo.
Nel 1902 Vera Komissarzhevskaya andò in tournée negli Stati Uniti.
Nel 1904, Vera Komissarzhevskaya aprì il suo teatro a San Pietroburgo: il Teatro Komissarzhevskaya.

Vera Komissarzhevskaya ha interpretato circa un migliaio di ruoli in opere classiche e moderne, incluso il ruolo di Nina nella prima produzione de Il gabbiano di A.P. Chekhov. Tra gli amici di Komissarzhevskaya c'erano gli scrittori M. Gorky e L.N. Andreev.
Komissarzhevskaya morì di vaiolo, essendosi infettata durante un tour a Tashkent il 10 (23) febbraio 1910.

Foto dell'inizio del XX secolo.

Alexander Leonidovich Vishnevsky (vero nome Vishnevetsky, 1863-1943), eccezionale Attore russo, Eroe del lavoro, Artista onorato della Repubblica.

Come sapete, il Teatro d'Arte di Mosca (MAT) fu inaugurato il 14 (26) ottobre 1898 con la prima di "Tsar Fyodor Ioannovich" di A. Tolstoy. Boris Godunov in questa performance è stato interpretato da Alexander Leonidovich Vishnevsky. Alla compagnia del Teatro d'Arte di Mosca A.L. Vishnevskij è stato invitato su raccomandazione della grande attrice russa Glikeria Nikolaevna Fedotova.

Alexander Leonidovich Vishnevsky è stato il primo interprete del ruolo principale nella commedia del Teatro d'Arte di Mosca "Uncle Vanya". In generale, Vishnevskij ha interpretato molto Cechov. Il suo ruolo preferito era il dottor Dorn, lo ha interpretato nella prima produzione di "Il gabbiano" sul palco dell'Art Theatre. È stato anche il primo interprete del ruolo di Kulagin in Three Sisters. Durante la sua lunga vita teatrale, A.L. Vishnevskij ha interpretato molti ruoli meravigliosi nelle commedie "At the Depths", "Woe from Wit", "Hamlet", "Julius Caesar", "Autumn Violins", "Sellers of Glory", "The Snow Maiden", ecc.

AL. Vishnevskij è stato il primo artista a ricevere il titolo di Eroe del lavoro.

Quando iniziò la Grande Guerra Patriottica, A.L. Vishnevskij, insieme agli anziani del Teatro d'Arte di Mosca, fu evacuato a Tbilisi. Il timore di un'offensiva tedesca costrinse i Vishnevskij a trasferirsi a Tashkent. Lì Alexander Leonidovich Vishnevskij morì nel 1943.

Foto dell'inizio del XX secolo.

Olga Leonardovna Knipper-Chekhova (1868-1959), eccezionale attrice russa; Artista popolare dell'URSS (1937), moglie di A.P. Chekhov.

Freddo, Fede Vasilevna- Wikipedia

Pavlova

Vera Lyadova fu la prima prima donna dell'operetta russa, e fu lei la responsabile del successo senza precedenti di questo genere musicale sul palco di Alexandrinsky alla fine degli anni '60 dell'Ottocento. Come notato nelle fonti, oltre alla magnifica apparizione scenica, alla musicalità innata, voce bellissima e un'eccellente coreografia, aveva umorismo e "l'eleganza speciale di un'attrice di operetta a cascata". Si è esibita con altrettanto successo nell'operetta, nel balletto e nel teatro.

Lo spettatore è andato al Teatro Alexandrinsky "per vedere Lyadova". Il suo nome sul poster assicurava non solo un raduno completo, ma ogni volta una celebrazione, un trionfo per la “regina del cancan”. I biglietti per lo spettacolo furono ottenuti miracolosamente - solo su appuntamento, e la gente era disposta a pagarli due, tre, cinque volte di più prezzo reale. Secondo M. O. Yankovsky, dopo la produzione di "La bella Elena", il dramma imperiale di San Pietroburgo si trasformò in teatro vero e proprio operette dal punto di vista della saturazione del repertorio.

5 fatti su Vera Lyadova

• Lo stipendio di Vera Lyadova nella compagnia di balletto dei teatri imperiali di San Pietroburgo era di 600 rubli d'argento all'anno.
• Commedia di Jacques Offenbach " Bella Elena"con Vera Lyadova, nella sua prima stagione, ha tenuto quarantadue spettacoli al Teatro Alexandrinsky.
• Dopo aver sposato il coreografo Lev Ivanov, Vera Lyadova aggiunse il cognome del marito al suo cognome, diventando Lyadova-Ivanova. Questo cognome è scolpito anche sulla lapide dell’attrice.
• Lyadova, che non ha lasciato il palco del balletto per più di dieci anni, durante questo periodo è diventata madre tre volte. Dei tre figli che ebbe, il primo morì in tenera età e due sopravvissero, ma il più giovane era sordo e muto.
• Il funerale di Vera Lyadova divenne il suo ultimo trionfo. La folla ha bloccato tutte le strade lungo le quali passava il corteo funebre. La bara fu trasportata nelle mani degli artisti dei teatri imperiali fino al cimitero di Smolensk, dove si radunarono così tante persone che molti si arrampicarono sugli alberi, sui tramezzi e persino sulle tende delle tombe.

Materiali su Vera Lyadova

Teatro del XIX secolo. Dramma popolare di Ostrovsky. Innovazione artistica del drammaturgo A.P. Chekhov.

Il teatro russo nel diciannovesimo secolo si distinse per una certa duplicità: da un lato continuò a reagire altrettanto bruscamente ai vari cambiamenti sociali e politici nella struttura statale e dall'altro migliorò sotto l'influenza di innovazioni letterarie.

All'inizio del XIX secolo, nel 1803, sotto Alessandro I, i teatri imperiali furono dapprima divisi in compagnie drammatiche e musicali; la compagnia musicale, a sua volta, fu divisa in opera e balletto. L'idea di una tale divisione apparteneva a Katerino Kavos, che lui stesso dirigeva l'opera a San Pietroburgo. A Mosca, sebbene una tale divisione sia avvenuta ufficialmente, le parti musicale e drammatica furono unite per lungo tempo da un unico palcoscenico, fino all'apertura di un nuovo palcoscenico drammatico nel 1824, che alla fine divenne noto come Teatro Maly. I teatri Maly e Bolshoi di Mosca non ricevettero subito i loro nomi, inizialmente furono chiamati così esclusivamente per le loro caratteristiche comparative, solo col tempo acquisirono lo status ufficiale. Tuttavia, nonostante la separazione delle troupe, entrambe le fasi furono per lungo tempo praticamente inseparabili a causa della direzione comune, dell'amministrazione, del reparto costumi comune e di altri attributi teatrali necessari.

A poco a poco, il numero dei teatri inclusi nella gestione dell'ufficio teatrale imperiale aumentò. Questi erano i teatri statali di San Pietroburgo e Mosca, le cui compagnie si trovavano nei teatri Bolshoi e Maly (Mosca), nei teatri Mariinsky, Alexandrinsky, Hermitage e nel Teatro Bolshoi Kamenny (San Pietroburgo). Gli attori e tutti gli altri dipendenti dei teatri imperiali non appartenevano ad una troupe, ma a tutti i teatri, e gli ufficiali dell'ufficio li disponevano a loro discrezione, quindi venivano facilmente nominati e riassegnati a palcoscenici diversi. Accadeva spesso che un attore del Teatro Alexandrinsky venisse inviato con urgenza al Teatro Maly di Mosca e che i musicisti di San Pietroburgo si trasferissero al Teatro Bolshoi di Mosca. E di conseguenza, viceversa. I funzionari dell'ufficio imperiale non si preoccupavano delle famiglie o di altre questioni degli artisti a loro subordinati. Anche il repertorio era affidato ai funzionari: dipendeva da loro se accettare o meno un'opera teatrale o una rappresentazione musicale per la produzione. Ciò non consentiva la libertà di creatività, e quindi le compagnie private occupavano un posto crescente nella storia del teatro russo.

L'intera storia successiva del teatro russo fu la storia del dominio dell'arte drammatica dell'Europa occidentale, principalmente francese. Questo stato di cose continuò per quasi cento anni. La scuola di recitazione francese, essendosi completamente acclimatata al palcoscenico russo e corrispondente al carattere interno del repertorio, ha dato alla luce un numero considerevole di artisti di scena. La bellezza intrinseca delle tecniche esterne, la rifinitura dei più piccoli dettagli del gioco, la cura dello stile e la dignità del lato declamatorio della performance, insieme a un profondo rispetto per l'arte, hanno posto i migliori attori russi accanto alle maggiori forze artistiche dell'Occidente. Ci sono state epoche nella storia del teatro russo che non hanno eguali nel numero di talenti straordinari che erano sul palco contemporaneamente. Questo era il tempo di Shchepkin, Shumsky, Mochalov, Sadovsky, Samarin, P. Stepanova, S. Vasilieva E. N. Vasilyeva, Nikiforov, Medvedeva, Martynov, Sosnitsky, le sorelle Vera e Nadezhda Samoilov e il loro fratello Vasily Samoilov, così come prima i loro genitori Vasily Mikhailovich e Sofia Vasilievna Samoilov e altri artisti che hanno lavorato sui palcoscenici di Mosca e San Pietroburgo.

Il 19° secolo fu la scoperta dei suoi talenti per la Russia. Il teatro russo, che si rivelò un eccellente studente e accettò le basi della cultura dell'Europa occidentale, iniziò a cercare le proprie vie di sviluppo, senza prendere le distanze in alcun modo dai suoi insegnanti, figure della cultura dell'Europa occidentale. Un vero bravo studente sarà sempre grato ai suoi insegnanti. Si stava verificando la nascita dell'intellighenzia russa.

Questa volta è caratterizzata dall'ascesa dell'arte musicale russa: molti musicisti, compositori, cantanti, ballerini e coreografi russi originali iniziarono ad apparire, l'opera russa ottenne un successo particolare. La musica ha il suo Direzione russa, nello sviluppo del quale hanno giocato un ruolo importante i compositori di "Mighty Handful", che hanno messo in prima linea nelle opere musicali non tanto la bellezza musicale che delizia l'orecchio, ma il tema, la trama dell'opera musicale.

Il primo storiografo teatrale russo fu Pimen Nikolaevich Arapov, che preparò per la pubblicazione l'enciclopedica “Cronaca del teatro russo” (San Pietroburgo, 1861), che comprendeva l'intera storia del teatro russo dal 1673 al 26 novembre 1825. La critica teatrale e musicale è apparsa in Russia (uno dei suoi rappresentanti più brillanti è Vladimir Vasilyevich Stasov). A San Pietroburgo nel 1808 iniziò a essere pubblicata la prima rivista teatrale russa in russo - "Dramatic Herald", periodicità - 2 volte a settimana. La seconda rivista teatrale russa, come si conviene alla tradizione dell'epoca, iniziò a essere pubblicata a Mosca nel 1811 - si chiamava "Rivista drammatica". E dopo alcuni anni, il numero di varie stampe teatrali ammontava a diverse dozzine, e furono tutte pubblicate a San Pietroburgo e Mosca.

Sul palcoscenico teatrale, insieme alle opere del dramma classico europeo, hanno preso posto le opere domestiche. I drammi seri degli eccezionali scrittori russi Pushkin, Lermontov, Gogol, così come le opere di scrittori meno significativi (Khmelnitsky; Potekhin; Lensky; Tarnovsky), non hanno affatto spiazzato le opere dei drammaturghi europei, ma si sono allineati con loro. I vaudeville francesi leggeri non lasciarono il palcoscenico teatrale russo, ma coesistettero volentieri con i vaudeville di autori russi, che componevano le loro creazioni in gran parte nello stile dei vaudeville classici francesi, ma utilizzando basi sociali e quotidiane domestiche e temi specificamente domestici.

Nel XIX secolo il teatro russo divenne gradualmente esponente di idee sociali esclusivamente russe. Le nuove generazioni di drammaturghi, registi e attori si stanno già concentrando interamente sulla storia e sui fenomeni sociali della Russia.

La recitazione rimaneva ancora artificialmente pomposa e non corrispondeva molto alle idee attuali sulla cultura teatrale. Tuttavia, il tempo ha richiesto riforme in questo settore.

Un ruolo importante nello sviluppo del teatro russo realistico è stato dato al lavoro di Alexander Nikolaevich Ostrovsky. Le idee teatrali innovative di Ostrovsky furono incarnate principalmente nei teatri imperiali Maly (Mosca) e Alexandrinsky (San Pietroburgo), e dai palcoscenici imperiali si trasferirono alle imprese private operanti nelle province.

Con l’avvento di Ostrovsky, le sue creazioni uniche trovarono interpreti e interpreti eccellenti in una brillante galassia di attori capaci di comprendere, assimilare e riprodurre i tipi più diversi: Sadovsky e Shumsky, eccellenti interpreti dei tipi di Molière, hanno fornito esempi indimenticabili dalla galleria di Ostrovsky. Le nobili creazioni di Shakespeare, la commedia del teatro di Moliere e l '"anima russa" degli eroi di Ostrovsky: tutto era nel potere di questi grandi talenti, sofisticati dalla scuola.

Tuttavia, tutte le innovazioni teatrali dopo Ostrovsky nel teatro imperiale russo finirono. L'ufficio ufficiale, che controllava i teatri imperiali, aveva paura di eventuali cataclismi che potessero interferire e scuotere le "sedie ufficiali". Tutte le innovazioni nei teatri drammatici imperiali erano severamente proibite: i ruoli venivano passati da un attore alla generazione successiva senza alcun cambiamento. E nuovi spettacoli furono messi in scena entro i limiti consentiti stabiliti. Subito dopo la Rivoluzione di febbraio, la Direzione dei teatri imperiali fu trasformata nella Direzione dei teatri statali (direttore Fyodor Batyushkov), che esisteva fino al novembre 1917.

Il periodo tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo è associato alla formazione di una nuova estetica teatrale, che inizialmente coincise con trasformazioni sociali rivoluzionarie.

M. V. Lentovsky vedeva il teatro nello sviluppo delle tradizioni dell'arte pubblica, provenienti dalla buffoneria, come spettacoli di gala che affascinano il pubblico e si trasformano in celebrazioni di massa.

Stanislavskij e Nemirovich-Danchenko al Teatro d'Arte di Mosca sono diventati i fondatori del teatro psicologico, sviluppando e integrando ogni immagine scenica con un retroscena invisibile allo spettatore, stimolando determinate azioni del personaggio.

L'estetica di Meyerhold ha portato allo sviluppo delle forme teatrali, in particolare del movimento scenico, ed è l'autore del sistema di biomeccanica teatrale. Sincero e impetuoso, ha subito abbracciato innovazioni rivoluzionarie, cercando forme innovative e portandole nell'arte teatrale, rompendo completamente il quadro drammatico accademico. Tairov ha lavorato allo sviluppo del teatro come genere sintetico.

Le ricerche estetiche di Foregger risiedono nello sviluppo di convenzioni teatrali, plasticità e ritmo teatrali, parodie sceniche; i suoi sviluppi nel biomovimento si sono rivelati vicini all'estetica della Blue Blouse, alle cui performance ha anche preso parte.

Il Teatro Maly conservò incrollabilmente le drammatiche basi classiche, continuando le tradizioni storiche in nuove condizioni sociali.

All'inizio del XIX secolo nelle arti dello spettacolo russe il romanticismo e il classicismo furono sostituiti dal realismo, il che porta molto idee fresche al Teatro. Durante questo periodo si verificano molti cambiamenti, si forma un nuovo repertorio teatrale, popolare e richiesto nel dramma moderno. Il diciannovesimo secolo diventa una buona piattaforma per l'emergere e lo sviluppo di molti drammaturghi di talento, che con la loro creatività danno un enorme contributo allo sviluppo dell'arte teatrale. La persona più importante nella drammaturgia della prima metà del secolo è N.V. Gogol. In realtà, non era un drammaturgo nel senso classico del termine, ma, nonostante ciò, riuscì a creare capolavori che guadagnarono immediatamente fama e popolarità in tutto il mondo. Tali opere possono essere chiamate "L'ispettore generale" e "Il matrimonio". Queste commedie descrivono molto chiaramente il quadro completo della vita sociale in Russia. Inoltre, Gogol non lo ha glorificato, ma, al contrario, lo ha criticato aspramente.

In questa fase di sviluppo e formazione completa, il teatro russo non può più accontentarsi del repertorio precedente. Pertanto, il vecchio sarà presto sostituito da uno nuovo. Il suo concetto è quello di rappresentare una persona moderna con un senso del tempo acuto e chiaro. A.N. è considerato il fondatore del dramma russo moderno. Ostrovskij. Nelle sue creazioni descriveva in modo molto veritiero e realistico l'ambiente mercantile e i loro costumi. Questa consapevolezza è dovuta al lungo periodo vissuto in un ambiente del genere. Ostrovsky, essendo un avvocato di formazione, prestò servizio in tribunale e vide tutto dall'interno. Con le sue opere, il talentuoso drammaturgo ha creato un teatro psicologico che ha cercato di scrutare e rivelare quanto più possibile stato interno persona.

Oltre ad A.N Ostrovsky, altri hanno dato un grande contributo all'arte teatrale del XIX secolo maestri eccezionali penna e palcoscenico, le cui opere e abilità sono lo standard e l'indicatore dell'apice della maestria. Uno di questi individui è M. Shchepkin. Questo artista di talento ha interpretato un numero enorme di ruoli, per lo più comici. Shchepkin ha contribuito all'emergere di un'azione oltre i confini dei modelli esistenti in quel momento. Ciascuno dei suoi personaggi aveva i propri tratti caratteriali e il proprio aspetto. Ogni eroe era una personalità.

Ostrovskij

Il lavoro di Ostrovsky era nuovo per il dramma russo. Le sue opere sono caratterizzate dalla complessità e complessità dei conflitti, il suo elemento è il dramma socio-psicologico, la commedia dei costumi. Le caratteristiche del suo stile sono cognomi raccontanti, osservazioni specifiche dell'autore, titoli originali di opere teatrali, tra cui spesso vengono usati proverbi, e commedie basate su motivi folcloristici. Il conflitto nelle opere di Ostrovsky si basa principalmente sull'incompatibilità dell'eroe con l'ambiente. I suoi drammi possono essere definiti psicologici; contengono non solo conflitti esterni, ma anche drammi morali interni.

Tutto nelle opere teatrali ricrea storicamente accuratamente la vita della società, da cui il drammaturgo trae le sue trame. Il nuovo eroe dei drammi di Ostrovsky - un uomo semplice - determina l'originalità del contenuto e Ostrovsky crea un "dramma popolare". Ha portato a termine un compito enorme: ha reso il "piccolo uomo" un eroe tragico. Ostrovsky vedeva il suo dovere di scrittore drammatico nel fare dell'analisi di ciò che sta accadendo il contenuto principale del dramma. “Uno scrittore drammatico... non inventa ciò che è accaduto, dà la vita, la storia, la leggenda; il suo compito principale è mostrare sulla base di quali dati psicologici si è verificato un evento e perché esattamente in questo modo e non altrimenti” - questo è ciò che, secondo l'autore, esprime l'essenza del dramma. Ostrovsky trattava la drammaturgia come arte di massa, educando le persone, definì lo scopo del teatro come “scuola di morale sociale”. Le sue prime produzioni ci hanno scioccato con la loro veridicità e semplicità, con eroi onesti dal “cuore caldo”. Il drammaturgo ha creato “combinando il sublime con il comico”, ha creato quarantotto opere e ha inventato più di cinquecento personaggi.

Le commedie di Ostrovsky sono realistiche. Nell'ambiente mercantile, che osservava giorno dopo giorno e credeva che unisse il passato e il presente della società, Ostrovsky rivela quei conflitti sociali che riflettono la vita della Russia. E se in "The Snow Maiden" ricrea il mondo patriarcale, attraverso il quale i problemi moderni possono solo essere intuiti, allora il suo "Temporale" è un'aperta protesta dell'individuo, il desiderio di felicità e indipendenza di una persona. Ciò è stato percepito dai drammaturghi come un'affermazione del principio creativo dell'amore per la libertà, che potrebbe diventare la base nuovo dramma. Ostrovsky non ha mai usato la definizione di “tragedia”, designando le sue opere come “commedie” e “drammi”, a volte fornendo spiegazioni nello spirito di “immagini della vita di Mosca”, “scene della vita di villaggio”, “scene della vita del outback”, indicando che stiamo parlando della vita di un intero ambiente sociale. Dobrolyubov ha affermato che Ostrovsky ha creato un nuovo tipo di azione drammatica: senza didattica, l'autore ha analizzato le origini storiche dei fenomeni moderni nella società. L’approccio storico alla famiglia e alle relazioni sociali è il pathos dell’opera di Ostrovsky. Tra i suoi eroi ci sono persone di età diverse, divise in due campi: giovani e anziani. Ad esempio, come scrive Yu. M. Lotman, in "The Thunderstorm" Kabanikha è "la custode dell'antichità" e Katerina "porta dentro di sé l'inizio creativo dello sviluppo", motivo per cui vuole volare come un uccello.

La disputa tra antichità e novità, come osserva il critico letterario, costituisce un aspetto importante del drammatico conflitto nelle opere di Ostrovsky. Le forme di vita tradizionali sono considerate eternamente rinnovate, e solo in questo il drammaturgo vede la loro vitalità... Il vecchio entra nel nuovo, nella vita moderna, nella quale può svolgere il ruolo di un elemento “incatenante”, opprimendone lo sviluppo , o un elemento stabilizzante, che garantisce la forza della novità emergente, a seconda del contenuto del vecchio che preserva la vita delle persone”. L'autore simpatizza sempre con i giovani eroi, poeticizza il loro desiderio di libertà e altruismo. Il titolo dell'articolo di A. N. Dobrolyubov "Un raggio di luce in un regno oscuro" riflette pienamente il ruolo di questi eroi nella società. Sono psicologicamente simili tra loro, l'autore utilizza spesso personaggi già sviluppati. Il tema della posizione di una donna nel mondo del calcolo si ripete anche in "Poor Bride", "Warm Heart", "Dowry". Successivamente, l'elemento satirico nei drammi aumentò. Ostrovsky si rivolge al principio gogoliano della “commedia pura”, ponendo al primo posto le caratteristiche dell'ambiente sociale. Il personaggio delle sue commedie è un rinnegato e un ipocrita. Ostrovsky si rivolge anche a temi storico-eroici, tracciando la formazione dei fenomeni sociali, la crescita da “piccolo uomo” a cittadino.

Cechov

Cechov è solitamente chiamato "Shakespeare del 20 ° secolo". In effetti, la sua drammaturgia, come quella di Shakespeare, ha svolto un ruolo di svolta enorme nella storia del dramma mondiale. Nato in Russia all'inizio del nuovo secolo, si è sviluppato in un sistema artistico innovativo che ha determinato il percorso per il futuro sviluppo del dramma e del teatro in tutto il mondo. Naturalmente, l'innovazione della drammaturgia di Cechov è stata preparata dalle ricerche e dalle scoperte dei suoi grandi predecessori, le opere drammatiche di Pushkin e Gogol, Ostrovsky e Turgenev, sulla cui buona e forte tradizione si basava. Ma furono le opere di Cechov a rivoluzionare il pensiero teatrale del suo tempo. Il suo ingresso nel campo del teatro ha segnato un nuovo punto di partenza nella storia della cultura artistica russa. Alla fine del XIX secolo il dramma russo era in uno stato quasi deplorevole. Sotto la penna degli scrittori artigianali, le tradizioni un tempo elevate del dramma degenerarono in cliché di routine e divennero canoni morti. La scena si è allontanata troppo notevolmente dalla vita. A quel tempo, quando le grandi opere di Tolstoj e Dostoevskij elevavano la prosa russa a livelli senza precedenti, il dramma russo sopravviveva a un’esistenza miserabile. Era destinato niente meno che a Cechov a superare questo divario tra prosa e dramma, tra letteratura e teatro. Grazie ai suoi sforzi, la scena russa è stata elevata al livello della grande letteratura russa, al livello di Tolstoj e Dostoevskij.Qual è stata la scoperta del drammaturgo Cechov? Innanzitutto ha riportato il dramma alla vita stessa. Non senza ragione ai suoi contemporanei sembrava che proponesse semplicemente romanzi lunghi e brevi per il palcoscenico. Le sue opere stupiscono per il loro stile narrativo insolito e la completezza realistica del loro stile. Questo modo non è stato casuale. Cechov era convinto che il dramma non possa essere proprietà solo di individui eccezionali ed eccezionali, un trampolino di lancio solo per eventi grandiosi. Voleva rivelare il dramma della realtà quotidiana più ordinaria. Fu per dare accesso al dramma della vita quotidiana che Cechov dovette distruggere tutti i canoni drammatici obsoleti e saldamente radicati. "Lascia che tutto sul palco sia semplice e allo stesso tempo complicato come nella vita: le persone pranzano, pranzano e basta, e in questo momento si forma la loro felicità e le loro vite sono spezzate", ha detto Cechov, deducendo la formula del nuovo dramma. E iniziò a scrivere opere teatrali che catturavano il flusso naturale della vita quotidiana, come se fossero completamente prive di eventi luminosi, personaggi forti e conflitti acuti. Ma sotto lo strato superiore della vita quotidiana, nella quotidianità imparziale, apparentemente raccolta a caso, dove le persone “stavano semplicemente pranzando”, ha scoperto un dramma inaspettato, “componendo la loro felicità e spezzando le loro vite”. Il dramma della vita quotidiana, profondamente nascosto nel flusso sottomarino della vita, è stata la prima scoperta più importante dello scrittore. Questa scoperta ha richiesto una revisione del precedente concetto di personaggi, del rapporto tra l'eroe e l'ambiente, una diversa costruzione della trama e del conflitto, una diversa funzione degli eventi, una rottura delle solite idee sull'azione drammatica, il suo inizio, il climax e epilogo, lo scopo delle parole e del silenzio, del gesto e dello sguardo. In una parola, l'intera struttura drammatica dall'alto al basso ha subito una completa ricreazione. Cechov ha ridicolizzato il potere della vita quotidiana su una persona, ha mostrato come in un ambiente volgare ogni sentimento umano diventa superficiale e distorto, come un rituale solenne (funerale, matrimonio, anniversario) si trasforma in assurdità, come la vita quotidiana uccide le vacanze. Trovando la volgarità in ogni cellula della vita quotidiana, Cechov combinò l'allegra presa in giro con il buon umore. Rise dell'assurdità umana, ma non uccise l'uomo stesso ridendo. Nella tranquilla vita quotidiana, vedeva non solo una minaccia, ma anche protezione, apprezzava il comfort quotidiano, il calore del focolare e il potere salvifico della gravità. Il genere vaudeville gravitava verso la farsa tragica e la tragicommedia. Questo è probabilmente il motivo per cui le sue storie umoristiche erano piene del motivo dell'umanità, della comprensione e della simpatia.

"Il frutteto di ciliegie" di Cechov è una combinazione di commedia - "anche farsa in alcuni punti", come scrisse l'autore stesso, con intrighi delicati e sottili. La combinazione di questi due principi consente a Cechov di valutare in modo ambiguo ciò che sta accadendo, di dare agli eroi una caratterizzazione ambivalente e tragica. Pur ridicolizzando le loro debolezze e i loro vizi, l'autore allo stesso tempo simpatizza con loro. Tra gli eroi di The Cherry Orchard non c'è un solo personaggio puramente comico. Pertanto, il bambino anziano Gaev in altri momenti della sua vita scenica evoca pietà e compassione. Epikhodov non è solo divertente con i suoi infiniti fallimenti, ma è anche infelice! Tutto è inappropriato per lui, il suo amore viene rifiutato, il suo orgoglio soffre costantemente. Cechov non divide i personaggi de Il giardino dei ciliegi in positivi e negativi; sono tutti ugualmente infelici, ugualmente insoddisfatti della propria vita. Cechov vede il dramma dei suoi eroi proprio nella loro vita quotidiana, quindi presta la massima attenzione alla rappresentazione della vita quotidiana e gli eventi vengono relegati in secondo piano. La trama e la composizione dell'opera sono puramente esterne, organizzative per natura. L'evento stesso della vendita del ciliegio è inevitabile. Non c'è conflitto tra Ranevskaya, Gaev e Lopakhin. Ranevskaya e Gaev rinunciano quasi volontariamente al frutteto di ciliegi e provano persino un certo sollievo dopo averlo venduto. "In effetti, ora va tutto bene", dice Gaev, "prima della vendita del ciliegio eravamo tutti preoccupati, sofferenti, e poi, quando la questione è stata finalmente risolta, irrevocabilmente, tutti si sono calmati, addirittura si sono rallegrati". La tenuta sembra fluttuare nelle mani di Lopakhin. Petya Trofimov e Anya non cercano nemmeno di impedirlo. Vedono il loro “frutteto di ciliegi” solo nei loro sogni. Pertanto, Cechov descrive tutti gli eventi nel loro sviluppo naturale; questi eventi stessi non contengono conflitti. Il conflitto principale si sviluppa nelle anime degli eroi. Non sta nella lotta per il frutteto di ciliegi, ma nell'insoddisfazione della propria vita, nell'incapacità di coniugare sogni e realtà. Pertanto, dopo aver acquistato il frutteto di ciliegi, Lopakhin non diventa più felice; lui, come gli altri personaggi della commedia, sogna che "la nostra vita goffa e infelice cambierà in qualche modo". Le peculiarità del conflitto hanno portato a cambiamenti nella rappresentazione dei personaggi drammatici. Gli eroi dell'opera si rivelano non nelle azioni volte al raggiungimento di un obiettivo, ma nel sperimentare le contraddizioni dell'esistenza. Pertanto, l'opera manca di un'azione intensa, è sostituita dalla riflessione lirica. Gli eroi di The Cherry Orchard non si realizzano non solo nell'azione, ma anche nelle parole. Ogni frase pronunciata ha un sottotesto nascosto. Nasce una cosiddetta “corrente sotterranea”, insolita per il dramma classico. Un esempio di ciò è il seguente dialogo tra i personaggi: "Lyubov Andreevna (pensieroso). Epichodov viene... Anya (pensieroso). Epichodov viene... Gaev. Il sole è tramontato, signori. Trofimov. Sì." In questo caso, le parole significano molto meno della sensazione di vita instabile, nascosta dietro frammenti di frasi. Pertanto, è nel sottotesto lirico che si riflette la vita spirituale complessa e contraddittoria degli eroi. Nel gioco" Il frutteto dei ciliegi"Cechov crea un'atmosfera lirica speciale. L'autore non conferisce ai personaggi un discorso individuale acuto, ma piuttosto il loro discorso si fonde in un'unica melodia. Con l'aiuto di questo effetto, l'autore crea una sensazione di armonia. E, nonostante il fatto che Cechov distrugge l'azione end-to-end, che era il principio organizzativo del dramma classico, la sua opera non perde unità interna. È anche importante che la struttura complessiva dell'opera corrisponda allo stato d'animo di ciascun personaggio. Pertanto, tutti i personaggi sono internamente molto vicini tra loro. A questo stato d'animo generale si risponde nel dramma con una sorta di suono tragico: “... tutti sono seduti, persi nei pensieri, silenzio, puoi solo sentire gli abeti mormorare piano, all'improvviso si sente un suono lontano, come dal cielo , il suono di una corda rotta, sbiadito e triste.” Nel finale, a questo suono si aggiunge un altro suono, ancora più desolato: "Si sente quanto lontano nel giardino un'ascia bussa a un albero". L'innovazione del drammaturgo Cechov sta nel fatto che si allontana dai principi del dramma classico e riflette non solo i problemi con mezzi drammatici, ma mostra anche le esperienze psicologiche dei personaggi.

Cultura russa del XIX secolo

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2.3 Teatro russo

Un fenomeno significativo nella vita culturale della Russia nella prima metà del XIX secolo. divenne un teatro. La popolarità delle arti dello spettacolo è cresciuta. Il teatro della gleba fu sostituito dal teatro “libero”: statale e privato.

Opere drammatiche come "Woe from Wit" di A.S. Griboyedov, "L'ispettore generale" di N.V. Gogol e altre furono rappresentate sul palco con grande successo all'inizio degli anni '50 del XIX secolo. apparvero le prime commedie di A.N. Ostrovsky. Negli anni '20 e '40, l'eccezionale attore russo M.S. Shchepkin, amico di A.I. Herzen e N.V. Gogol, dimostrò il suo talento poliedrico a Mosca.

Anche altri artisti straordinari hanno avuto un grande successo di pubblico - V.A. Karatygin - il premier del palcoscenico della capitale, P.S. Mochalov, che ha regnato sul palco del Teatro drammatico di Mosca, ecc.

Successi significativi nella prima metà del XIX secolo. raggiunto teatro del balletto, la cui storia a quel tempo era in gran parte legata ai nomi dei famosi registi francesi Didelot e Perrault. Nel 1815, la meravigliosa ballerina russa A. I. Istomina fece il suo debutto sul palco del Teatro Bolshoi di San Pietroburgo.

“Tra la fine degli anni '50 e l'inizio degli anni '60, il teatro drammatico suscitò un vivo interesse nella società russa, che lo valutava come uno dei centri spirituali più importanti del paese. Nello spirito di un diffuso sentimento di libertà, il teatro era visto come una sorta di “tribuna in difesa dell’uomo”. Yakovkina N.I. Storia della cultura russa: XIX secolo. - San Pietroburgo, 2002. - P. 527.

Un ruolo importante nello sviluppo del teatro russo realistico è stato assegnato al lavoro di A. N. Ostrovsky. Le idee teatrali innovative di Ostrovsky furono incarnate principalmente nei teatri imperiali Maly (Mosca) e Alexandrinsky (San Pietroburgo), e dai palcoscenici imperiali si trasferirono alle imprese private operanti nelle province.

Il teatro russo sta gradualmente diventando esponente di idee sociali esclusivamente russe. Le nuove generazioni di drammaturghi, registi, attori si stanno già concentrando interamente sulla storia e fenomeni sociali Russia.

Il periodo tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo è associato alla formazione di una nuova estetica teatrale, che inizialmente coincise con trasformazioni sociali rivoluzionarie.

M. V. Lentovsky vedeva il teatro nello sviluppo delle tradizioni dell'arte pubblica, provenienti dalla buffoneria, come spettacoli di gala che affascinano il pubblico e si trasformano in celebrazioni di massa.

K. S. Stanislavsky e V. I. Nemirovich-Danchenko al Teatro d'Arte di Mosca sono diventati i fondatori del teatro psicologico, sviluppando e integrando ogni immagine scenica con un retroscena invisibile allo spettatore, stimolando determinate azioni del personaggio.

L'estetica di V. E. Meyerhold era lo sviluppo di forme teatrali, in particolare del movimento scenico; è l'autore del sistema di biomeccanica teatrale.

Il Teatro Maly conservò incrollabilmente le drammatiche basi classiche, continuando le tradizioni storiche in nuove condizioni sociali.

Il balletto come forma d'arte

Il balletto come fenomeno della cultura russa dal XVII all'inizio del XX secolo

Alla fine del XVIII secolo, il primo grande coreografo russo e ballerino di talento, Ivan Ivanovich Walberkh (1766-1819), arrivò al teatro russo. Al suo nome è legato un periodo significativo nella storia della nostra coreografia...

Pannello decorativo "Sole Rosso" con tecnica patchwork

Adattamento interculturale. Carattere nazionale russo

Illustrazione di Pavel Filonov

La figura di Filonov in tutta la sua grandezza divenne naturale per la sua epoca. La drammatica idea creativa del maestro prende forma alla vigilia della Prima Guerra Mondiale...

L'arte dei manifesti sovietici e del fotomontaggio nell'opera di Alexander Rodchenko

Le origini del costruttivismo risalgono alla teoria e alla pratica dei maestri dell'avanguardia pre-rivoluzionaria russa: all'opera dei poeti futuristi, i quali, rovesciando tutti i valori delle epoche passate, si concentrarono sul futuro, come così come alle attività degli artisti “di sinistra”…

Storia del balletto

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Cultura della nobiltà dei secoli XVIII-XIX.

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Architettura russa della seconda metà del XIX secolo

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Russo e cultura americana

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Simbolismo e simbolismo nella cultura e nell'arte

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Movimenti artistici moderni

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La creatività degli impressionisti come manifestazione dell'incoerenza dell'epoca storica

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Teatro folcloristico

Il dramma popolare russo e l'arte del teatro popolare in generale sono un fenomeno molto interessante e significativo cultura nazionale. Giochi e spettacoli drammatici costituivano una parte integrante della vita festiva popolare all'inizio del XX secolo...

Saggio

nell'oggetto "Arte"

Sul tema: "Dramaturgia e teatro in Russia nel XIX secolo".

IO. Introduzione………………………….3

II. Parte principale………………………….

XIXsecoli………………5

2. Dramma teatrale amatoriale di marionetteXIXsecoli…………….7

3. Teatro Maly di MoscaXIXsecolo……………..11

4. Teatro di San PietroburgoXIXsecolo………………16

III. Conclusione................................................................18

IV. Elenco dei riferimenti………..21

V. Revisione…………………..………….22

introduzione

Il tema del mio saggio: “Dramaturgia e teatro in RussiaXIXsecolo."

Questo lavoro è dedicato allo studio del dramma e del teatro russo in Russia nel XIX secolo.

La drammaturgia letteraria professionale russa si sviluppò alla fine dei secoli XVII-XVIII, ma fu preceduta da un periodo secolare di opere popolari, per lo più orali e in parte scritte a mano. dramma popolare. All'inizio, le azioni rituali arcaiche, poi le danze rotonde e i giochi di buffoni contenevano elementi caratteristici di come forma d'arte: dialogicità, drammatizzazione dell'azione, recitazione di persona, rappresentazione di questo o quel personaggio (ammassamento). Questi elementi sono stati consolidati e sviluppati nel dramma folcloristico.

La rilevanza dell'argomento scelto sta nel fatto che il teatro, avendo avuto origine nell'antichità, ha avuto una grande influenza sullo sviluppo della cultura nel suo insieme.

E attualmente continua a svolgere un ruolo importante nella vita della società.

Dalla fine del XVIII secolo. il teatro in Russia, come in altri paesi europei, sta entrando in una nuova era del suo sviluppo. Iniziò un rapido aumento del numero di teatri nella provincia, spesso a causa del passaggio dei teatri dei servi dei proprietari terrieri a una base commerciale. Grandi imprese teatrali, che uniscono compagnie di teatro, opera e balletto, vengono create in città come San Pietroburgo e Mosca. Nel 1824 si formò a Mosca una compagnia teatrale indipendente del Teatro Maly. A San Pietroburgo, nel 1832, apparve il drammatico Teatro Alexandrinsky.

La direzione progressista del teatro russo si è affermata in una lotta costante contro le tendenze reazionarie nel repertorio e nell'intera organizzazione degli affari teatrali generati dalla politica governativa nel campo dell'arte.

Il monopolio dei teatri imperiali che esisteva a San Pietroburgo e a Mosca limitava le possibilità di sforzi innovativi e rendeva i drammaturghi e gli attori dipendenti dalle esigenze della direzione e dall'intero regime burocratico imposto nei teatri. In condizioni difficili, il teatro si sviluppò nelle province, dove fiorì l'iniziativa commerciale degli imprenditori e dove, soprattutto, solo grazie alla forza dei talenti recitativi, il teatro fu mantenuto al livello delle esigenze artistiche. Un enorme sostegno allo sviluppo della tendenza progressista nelle arti dello spettacolo russe è stato fornito dalla critica democratica avanzata, che ha difeso i fondamenti ideologici del teatro, il suo contenuto sociale e la lealtà ai principi verità della vita. Lotta ideologica attraversa l'intero sviluppo del teatro russo del XIX secolo. Il ruolo di primo piano in esso è conquistato dalla direzione progressista, basata sul processo di formazione di una cultura democratica nazionale che si stava ampiamente sviluppando in quest'epoca in Russia e sulla crescente opportunità per una vivida espressione nel dramma e nel teatro delle tendenze critiche e anti-servitù. Su questa base, il realismo scenico ottiene un successo particolare e, allo stesso tempo, si stabilisce la direzione del romanticismo progressista. Nel periodo da Fonvizin a Ostrovsky si formarono le principali tradizioni della cultura teatrale russa e furono determinate le caratteristiche della sua originalità artistica.

Lo scopo di questo lavoro è quello di:

1) Considerare lo sviluppo dell'arte teatrale e drammatica in Russia.

2) Scopri le principali direzioni e stili nel dramma e nel teatroXIXsecolo.

1. Stili nella drammaturgia e nel teatroXIXsecolo.

Alla fine XVIII - inizio Nel XIX secolo il sentimentalismo educativo acquisì un'importanza fondamentale nel teatro russo. L'idea illuminista dell'uguaglianza innata di tutte le persone, l'idea dell '"uomo naturale", utilizzata nelle opere di numerosi drammaturghi e attori per rivelare le contraddizioni del sistema della servitù, ha contribuito a rivelare il sistema sociale e inaccettabilità morale della schiavitù. Allo stesso tempo, è stata attratta l'attenzione dei drammaturghi mondo interiore una persona, i suoi conflitti mentali (drammi di N. I. Ilyin, F. F. Ivanov, tragedie di V. A. Ozerov, ecc.). D'altra parte, in quei drammi sentimentali intrisi di tendenze protettive, c'era il desiderio di appianare le contraddizioni della vita, i tratti di zuccherina idealizzazione e il melodramma (opere di V. M. Fedorov, S. N. Glinka, ecc.).

Una maggiore "sensibilità", sincerità dell'esperienza scenica, spesso arricchita con elementi di verità sociale e quotidiana nella rappresentazione del personaggio, distinguevano l'opera di Ya. E. Shusherin (1753-1813), A. D. Karatygina (1777-1859) e altri attori di quel tempo. Il sentimentalismo liberò la recitazione dal potere dei principi razionalistici del classicismo e contribuì alla distruzione delle tradizioni epigoniche di questo sistema, allo sviluppo di arti dello spettacolo tendenze romantiche e realistiche.

Lo sviluppo del romanticismo nel teatro russo all'inizio del XIX secolo. è associato alla crescita nel dramma e nella recitazione di motivi di insoddisfazione per la realtà esistente, protesta individualistica ed esperienze violente di una personalità amante della libertà. Questi tratti romantici caratteristico dell'arte dell'eccezionale attore russo A. S. Yakovlev (1773-1817).

Lo sviluppo del teatro è stato significativamente influenzato da visioni estetiche Scrittori decabristi. Vengono sviluppati i temi della lotta contro l'oppressione nazionale e politica, vengono create immagini di eroi forti e amanti della libertà, colti dalla sete di impresa patriottica ("Martha the Posadnitsa, o la conquista di Novagorod" di F. F. Ivanov, "Velzen, o l'Olanda liberata” di F. N. Glinka, “Andromaca” "P. A. Katenina, "The Argives" di V. K. Kuchelbecker, ecc.). Lo stile esecutivo è stato determinato da una combinazione di grande emotività, sincerità e naturalezza nell'espressione dei sentimenti con la scala eroica dei personaggi e il rigore plastico del design esterno dell'immagine. Questo stile trovò la sua espressione più alta e completa nell'opera della più grande attrice tragica di quell'epoca, E. S. Semenova (1786-1849).

Allo stesso tempo, lo sviluppo di tendenze realistiche nella commedia e nel dramma continuò, limitato, tuttavia, dalle ristrette possibilità del vaudeville (A. A. Shakhovskaya, N. I. Khmelnitsky, A. I. Pisarev) e del gioco familiare, conservatore nello spirito (M. N. Zagoskin). Il desiderio di verità nella vita degli attori si basava sia sulla sincerità dell'esperienza, semplicità, naturalezza (il giovane M. S. Shchepkin), sia sull'arte della trasformazione esterna, copiando singoli tipi brillanti (I. I. Sosnitsky, E. I. Guseva, ecc.).

2. Drammaturgia amatoriale del teatro delle marionette dell'Ottocento

Il teatro delle marionette in Russia nel XIX secolo era sorprendentemente vario. In questo momento, la vita del presepe continua, si sviluppa la commedia popolare russa di marionette e nelle esibizioni di numerosi burattinai europei i percorsi di vari spettacoli di marionette dell'Europa occidentale si intersecano con le tradizioni degli spettacoli di marionette popolari russi. L'arte del teatro delle marionette sta penetrando attivamente nell'ambiente familiare.

Le tradizioni del teatro delle marionette domestico e popolare nella Russia di quel secolo divennero così forti che quasi nessuno dei famosi drammaturghi, scrittori, poeti, scienziati, artisti che in seguito glorificarono i loro nomi durante l'infanzia o la giovinezza evitò l'incontro con il teatro delle marionette. Tra questi: A. Bestuzhev-Marlinsky, A. Herzen, D. Grigorovich, N. Polevoy, A. I. Panaev A. Benois, S. Aksakov, M. Lermontov, V. Sollogub, L. Tolstoy, F. Dostoevskij, K. Stanislavsky , N. Gumilev, A. Blok, A. Tolstoy, A. Remizov, K. Balmont, A. Bely e molti altri.

L'arte di giocare con le bambole si fa conoscere attivamente nelle fiere e nelle festività russe. Gli stessi burattinai erano una comunità multinazionale, multilingue, diversificata, con diversi livelli di cultura e istruzione, repertorio e capacità interpretative. Nel repertorio degli spettacoli di marionette del XIX secolo. ci sono spettacoli creati sulla base di drammatizzazioni di romanzi europei, adattamenti liberi di tradizionali spettacoli di marionette europei: "Il pozzo del diavolo, o il vecchio ovunque e da nessuna parte", "Il matrimonio di Pimperle dopo la morte", "Il palazzo magico, o la caccia Avventura”, “Il sultano magnanimo, ovvero la battaglia navale sul Mar Nero”, “Marianne, ovvero la donna ladra”, “L'ateo punito dal tuono”, “Il cavaliere rapinatore” e tanti altri. Nel repertorio apparivano spesso spettacoli teatrali adattati per marionette.

Nei manifesti degli spettacoli di marionette - "Princess Cacambo" di A. Kotzebue, "Fuga in Turchia, o il prigioniero involontario" di I. G. Eberle, "Faust" e "Don Juan", "Ataman of the Venetian Robbers, o Fire in Venice ", "La cetra magica, o il Festival delle streghe sulla Roccia del Drago", "Rudolph, il figlio dell'inferno, o la terribile punizione", "La felicità dopo il dolore, o l'amore conforto" e molti altri.

A imitazione di queste commedie, vicine all'estetica delle “commedie anglo-tedesche libere”, ma anche con una tendenza romantica chiaramente manifestata, apparvero i primi esperimenti di drammaturgia d'autore russa per il teatro delle marionette. Tra questi c'era l'opera in cinque atti "La foresta incantata" di A. A. Bestuzhev-Marlinsky, che non ci è pervenuta. Nelle sue memorie "L'infanzia e la giovinezza di A. A. Bestuzhev", suo fratello Mikhail scrisse che "La foresta incantata" fu il secondo opera letteraria A. Bestuzhev. Era una grande commedia, in cinque atti, scritta per teatro delle marionette. Per la prima rappresentazione, Alexander Bestuzhev si è limitato alle bambole dei personaggi principali, il resto è stato ritagliato dal cartone e dipinto di sua mano. La maggior parte lo scenario è stato realizzato con l'aiuto degli studenti dell'Accademia delle Arti, che hanno corretto senza pietà errori ed errori di prospettiva e di gusto nel suo album. L'autore delle memorie ricorda bene come uno dei personaggi della commedia, un vile scudiero in una foresta incantata, sedotto da una mela, nonostante il divieto, voleva coglierla, ma quando si avvicinò all'albero, il filo che fissava la le mani del burattino in movimento si ruppero, ma il giovane A. Bestuzhev, non perplesso, portò il giullare sul palco e iniziò un'improvvisazione, che collegò così abilmente con lo svolgimento dello spettacolo che l'effetto fu quasi migliore.

Spettacoli di marionette amatoriali furono organizzati anche nelle case di L. Tolstoj, S. Aksakov, A. Herzen, V. Sollogub, V. Serov, V. Polenov, che compose opere teatrali per loro. Ciò ha contribuito alla formazione e allo sviluppo del dramma russo professionale.

Il teatro delle marionette era uno dei passatempi preferiti di M. Yu Lermontov da bambino. Il futuro poeta scolpì le teste delle bambole marionette dalla cera rossa. Tra questi c'era la sua bambola Berken preferita, raffigurante il famoso Scrittore francese, drammaturgo, autore di racconti per bambini. Bärken ha interpretato "i ruoli più fantastici" nelle commedie scritte dal giovane Lermontov.

Le prime commedie russe per il teatro delle marionette, non ancora classificate come forma letteraria, senza i nomi di autori e scenografi, sono apparse nei set di marionette per giochi per bambini e hanno aiutato non solo nella crescita dei bambini, ma anche nel loro sviluppo creativo, letterario e artistico .

Le bambole, comprese quelle teatrali, venivano vendute in interi set, scatole con spettacoli e decorazioni, in negozi e negozi, e venivano portate dall'estero. “In ciascuna di queste scatole”, scrisse A. Benois, ricordando la sua infanzia, “c'era anche un opuscolo con il testo di questa commedia, da cui si dovevano leggere i ruoli dei personaggi che recitavano, ma ho preferito non usare questi libretti , ma per comporre improvvisato il mio testo, costellato di interiezioni patetiche ... I parenti, conoscendo la mia passione, uno dopo l'altro portarono sempre più scatole in cui il portale, e le tende, e intere produzioni, e una troupe di attori ritagliati sono stati posizionati dei fogli di carta. Nella scatola con la commedia “Il piccolo cavallo gobbo” a questi persone che agiscono apparteneva a una cavalla da favola e al suo cavallo, lo stesso cavallo su cui siede Ivan il Matto, Miracle Yudo: un pesce balena, un gorgiera e altri abitanti del mare. C'erano anche dei teatri che dovevi costruirti da solo.

Sono stati acquistati tutti gli elementi necessari, dal sipario all'ultimo extra, stampati su fogli di carta e dipinti; sono stati incollati su cartone e ritagliati con cura. Oltre alle bambole di carta piatta, avevo anche i pupazzi che mia nonna mi portava da Venezia. Erano "proprio come veri" gentiluomini con cappelli di feltro e caftani con orpelli dorati, un gendarme con un tricorno con una sciabola in mano, un Arlecchino con la sua mazza, una Polichinelle con una minuscola torcia. Colombina con un ventaglio"...

3. Teatro Maly di Mosca XIXsecolo.

All'inizio del regno dell'imperatore , insieme al generale aumento della vita sociale, rinasceva e crollava completamente arte teatrale. Durante questi anni la troupe è stata rifornita di attori . Nel 1805 l'edificio bruciò. Tuttavia, già nell'anno successivo, 1806, fu costituita a Mosca la Direzione dei Teatri Imperiali, dove entrarono gli artisti dell'ex Teatro Petrovsky. Nel 1806 il teatro acquisì lo status statale, entrando a far parte del sistema dei teatri imperiali. Pertanto, gli attori che si unirono alla troupe dai teatri della servitù furono immediatamente liberati dalla servitù, come S. Mochalov, il padre del famoso tragico P. Mochalov.La troupe non ha avuto una propria sede per molto tempo. La situazione politica nel paese stesso non era favorevole a ciò. Il paese è stato scosso dall'instabilità e dai conflitti militari (con Svezia, Turchia). Nel 1812 ci fu una guerra con . Passarono ancora alcuni anni quando l'arch è stato invitato alla costruzione a Mosca edificio del teatro. Nel 1803 le compagnie erano divise in opera e teatro. Ha giocato un ruolo enorme in questa divisione , che divenne essenzialmente il fondatore dell'opera russa. Tuttavia, in realtà, l'opera e il dramma hanno convissuto per molto tempo. Fino al 1824, le compagnie di balletto, opera e teatro del Teatro Imperiale di Mosca erano un tutt'uno: un'unica direzione, gli stessi artisti, ma per molto tempo i teatri furono collegati anche da un passaggio sotterraneo, c'erano sale costumi comuni , eccetera.

Nel 1824, secondo il progetto di Beauvais, l'architetto ricostruì la villa di un commerciante per il teatro , questo edificio sulla Petrovskaya (ora ) piazza e gradualmente cominciò a chiamarsi Teatro Maly, e porta ancora questo nome. Inizialmente l'edificio era più stretto a causa dell'eccessiva larghezza del Neglinny Passage. Nel 1838-1840, dopo l'acquisto dei terreni adiacenti, l'arch completò l'edificio portandolo alla volumetria attuale e modificò completamente la disposizione interna.

Si può considerare il giorno di apertura del Teatro Maly : hanno dato una nuova ouverture .

"Moskovskie Vedomosti ha pubblicato un annuncio sulla prima rappresentazione a Maly: "La direzione del Teatro Imperiale di Mosca annuncia che martedì prossimo, 14 ottobre di quest'anno, sarà rappresentato nel nuovo Teatro Maly, nella casa di Vargin, in piazza Petrovskaya , per aprire la prima esecuzione, ovvero: una nuova ouverture di composizioni. A. N. Verstovsky, successivamente per la seconda volta: Il giglio di Narbonne, o il voto del cavaliere, un nuovo drammatico balletto cavalleresco...” (citato da: ).

Arti teatraliè subito decollato. Oltre ai precedenti, già noti maestri del teatro, sono comparsi nuovi artisti di talento.

Uno dei periodi importanti nella storia dello sviluppo del Teatro Maly è associato al nome . Questo grande tragico divenne un esponente del periodo di speranze e delusioni della società russa del 1820-1840, l'era controversa dell'imperatore Alessandro I. “P. S. Mochalov, un “attore plebeo”, nelle parole del critico che lo ha elogiato , è riuscito a superare i canoni dello stile precedente, espressi dall'estetica del classicismo. Invece di recitazione e pose solenni, l'attore ha portato sul palco lava ribollente di calda passione e gesti che stupiscono con sofferenza e dolore. I romantici solitari di Mochalov protestavano e combattevano contro l’intero mondo malvagio a loro ostile, disperati e spesso persi d’animo” (citato da: ). Tra i ruoli di P. S. Mochalov: , Riccardo III, (nelle tragedie omonime ), , Ferdinando (“Astuzia e Amore” ).

Nel 1822 si unì alla troupe un ex attore servo, già noto nelle imprese provinciali. . "È stato il primo a creare la verità sul palcoscenico russo, è stato il primo a diventare non teatrale in teatro", ha detto di Shchepkin .

era ampio: da drammi classici per illuminare i vaudeville.“Anche durante la vita di A. S. Pushkin, Maly creò versioni teatrali di tre opere del poeta: “Ruslan e Lyudmila” (1825), “La fontana Bakhchisarai” (1827) e “Gypsy” (1832). Tra la drammaturgia straniera, il teatro ha dato la preferenza alle opere di Shakespeare e Schiller." (citato da: ). Sul palco del Teatro Maly il 27 novembre per la prima volta a Mosca è stata rappresentata una commedia nella sua interezza . Prima la censura consentiva la rappresentazione solo di singole scene, solo nel gennaio 1831 l’opera poté essere rappresentata integralmente a San Pietroburgo, a Mosca per la prima volta fu rappresentata integralmente “Guai dallo spirito”. palcoscenico del Teatro Maly: ha interpretato il ruolo di Famusov e - Chatsky. Questa produzione si è rivelata fase significativa nella storia del teatro - divenne portavoce di nuove idee sociali. 25 maggio mostrato qui (la prima produzione de L'ispettore generale ebbe luogo al Teatro Alexandrinsky di San Pietroburgo poco prima - il 19 aprile dello stesso 1836). Dopo qualche tempo (nel 1842), il Teatro Maly creò una drammatizzazione e metti E (prima produzione) . La prima di entrambe le rappresentazioni al Teatro Maly (“Il matrimonio” è stata precedentemente rappresentata a San Pietroburgo nel ) ebbe luogo contemporaneamente - 5 febbraio 1843.“La prima di “The Players” ebbe luogo a Mosca il 5 febbraio 1843 (la stessa sera di “Marriage”), durante uno spettacolo di beneficenza per Shchepkin, che interpretava il Consolatore. Prov Sadovsky si è esibito con successo nel ruolo di Zamukhryshkin. Secondo S. Aksakov, lo spettacolo ha suscitato l'approvazione del pubblico “ordinario”. Una recensione favorevole dello spettacolo apparve in Moskovskie Vedomosti (datato 11 febbraio 1843), dove si notava che l'intrigo era "condotto con sorprendente naturalezza" e che la rappresentazione dei personaggi testimoniava il "potente talento" di Gogol. (citato da: ).

Altri attori di questo periodo includono: (1795-1875), (1809-1867), (1807-1874), (1817-1872), (1821−1889), (1823-1865), (1817-1885), (1820-1878).

Hanno scritto per il Maly Theatre , , molti altri autori. Ma di particolare importanza era per il Teatro Maly . Le sue opere hanno portato al Teatro Maly il nome non ufficiale di "Casa Ostrovsky". Le nuove posizioni teatrali riformiste di Ostrovsky - la scrittura della vita quotidiana, l'abbandono del pathos, l'importanza dell'intero insieme di attori e non un singolo personaggio principale, ecc. - hanno portato a conflitti con i seguaci delle tradizioni precedenti. Ma queste idee innovative di Ostrovsky per quel tempo erano già richieste dal tempo. Tutte le sue 48 opere teatrali furono rappresentate al Maly Theatre e nel anni diversi sempre presente nel suo repertorio. Lui stesso ha partecipato più volte alle prove, era amico degli attori e alcune delle sue opere sono state composte appositamente per alcuni artisti del Teatro Maly, su loro richiesta, per le loro rappresentazioni di beneficenza. Per spettacoli di beneficenza furono messe in scena per la prima volta due commedie di Ostrovsky - “ » - , « » - . Giocare è stato consegnato V , e all'esibizione di beneficenza di sua moglie, attrice , Il 14 ottobre 1863, lo spettacolo andò in scena per la prima volta al Maly Theatre . Prima dello spettacolo "ha avuto luogo sul palco del Teatro Maly a vantaggio .

ebbe luogo per la prima volta il 10 novembre 1878 in occasione dello spettacolo di beneficenza dell'attore . Nel gioco , 1884, il ruolo di Neznamov è stato scritto da Ostrovsky appositamente per l'artista del Teatro Maly . Nel 1929 alle porte del Teatro Maly fu eretto un monumento a Ostrovsky. Le opere del drammaturgo fino ad oggi non lasciano il palco del Maly Theatre.

Da un debutto trionfale nel ruolo di Emilia ( , “Emilia Galotti”) Il 30 gennaio 1870 iniziava la carriera teatrale della grande attrice tragica russa , che poi ha brillato nei ruoli di: Laurencia - “The Sheep Spring” , Maria Stuarda - “Maria Stuarda” di F. Schiller; Giovanna d'Arco - “La pulzella d'Orleans” dello stesso autore; Katerina dentro , Negina dentro , Kruchinina dentro e molti altri. Questa volta è caduto durante il periodo di massimo splendore dei movimenti democratici in Russia, al quale il Teatro Maly non è rimasto indifferente. Più di una volta, durante gli spettacoli con la partecipazione di M. N. Ermolova, si sono svolte manifestazioni politiche di studenti e intellighenzia democratica. Coloro che oggi sono diventati leggendari lavoravano in teatro in quel periodo. , , , , , , , E , , .

4. TeatroXIX secolo.

Teatro Aleksandrinsky(akaTeatro drammatico accademico statale russo che prende il nome. A. S. Pushkin) - teatro, uno dei più antichi teatri drammatici della Russia, sopravvissuto fino ad oggi

Dal 1832, il teatro cominciò a chiamarsi Alexandrinsky. Il nome fu dato in onore della moglie dell'imperatore .

Per tutto il XIX secolo il teatro fu il fiore all'occhiello della vita teatrale della capitale; tra le mura di questo teatro è nata la storia della cultura teatrale russa.

All'inizio del secolo l'intero teatro russo si orientò verso i modelli europei, sviluppando progressivamente una propria, originale scuola.

Nella prima metà del secolo, dopo la vittoria nel , i generi leggeri hanno goduto di una crescente popolarità - E . Il teatro presentava opere di autori come , I. I. Sosnitsky . L'immersione nel vaudeville ha portato al miglioramento delle capacità degli attori nella plastica, nella tecnica esterna e nella combinazione di movimento e canto. Un tale cambiamento scuola di teatro divenne la ragione dell'opposizione tra le scuole di San Pietroburgo e quelle di Mosca.

…In generale, in termini di performance sul palco, San Pietroburgo differisce da Mosca per la sua maggiore capacità di apparire, se non lo è, soddisfacente nell'aspetto e nella forma. Insomma, la scena di San Pietroburgo più arte, a Mosca è un talento.

-

In tutta la storia pre-rivoluzionaria è stato l'argomento attenzione speciale imperatori e la direzione dei teatri imperiali, soprattutto quando , .

Conclusione.

In conclusione del mio saggio, possiamo dire questoInizia il XIX secolo nella storia del teatro russo nuova era. Ad esempio, la drammaturgia di Ostrovsky è un intero teatro, e in questo teatro è cresciuta una galassia di attori di talento che hanno glorificato l'arte teatrale russa.

Oltre alle opere di Ostrovsky, le opere di A.V. compaiono nel dramma russo del XIX secolo.-Kobylin, M.E. Saltykov-Shchedrin, A.K. Tolstoj, L.N. Tolstoj. Anche il teatro segue la via dell'affermazione della verità e del realismo.

Nella seconda metà del XIX secolo. L'interesse per il dramma contemporaneo russo è in aumento in modo significativo. La critica democratica rivoluzionaria, guidata da Chernyshevsky e Dobrolyubov, sostiene la drammaturgia di Ostrovsky, smascherando l'oscuro regno dei mercanti - tiranni, la corruzione e l'ipocrisia della macchina burocratica dell'autocrazia russa.

Dopo la prima rappresentazione della commedia “Non salire sulla tua slitta”, avvenuta il 14 gennaio 1853 sul palcoscenico del piccolo teatro. Ostrovsky presenta tutte le sue opere sul palco del Teatro Maly. Essendosi avvicinato a molti artisti di talento, lo stesso drammaturgo prende parte alla produzione delle sue opere. Le sue opere rappresentano un'intera era, una nuova faseArti dello spettacolo russe. Fu nelle commedie di Ostrovsky che fu rivelato il talento del più grande attore del Teatro Maly, Prov Mikhailovich Sadovsky (1818-1872). L'interpretazione dell'artista del ruolo di Lyubim Tortsov nella commedia "La povertà non è un vizio" è diventata uno dei risultati più alti dell'artista. Sadovsky ha interpretato 30 ruoli nel repertorio di Ostrovsky. I suoi eroi sembravano entrare in scena dalla vita stessa, come lo spettatore li ha riconosciutipersone familiari. Sadovsky, con il suo lavoro, ha continuato i principi del grande attore realista Shchepkin.

Insieme a Sadovsky, l'eccezionale attrice tragica russa Lyubov Pavlovna Nikulina - Kositskaya (1827-1868) ha suonato sul palco del Teatro Maly. È stata la prima e una delle interpreti più straordinarie di Katerina in "Il temporale" di Ostrovsky. Il suo talento combinava le caratteristiche dell'euforia romantica e della profonda verità realistica nella rappresentazione dei sentimenti e delle esperienze umane. Polina Antipyevna Strepetova (1850-1903), la più grande attrice tragica provinciale, ricorderà per sempre la sua interpretazione sul palco. L'incontro con Nikulina-Kositskaya ha aiutato Strepetova a diventare una grande attrice. Le tradizioni dell'arte di Nikulina-Kositskaya si riflettevano anche nel lavoro della grande attrice tragica del Teatro Maly M. N. Ermolova.

Le aspirazioni progressiste e democratiche degli attori più talentuosi del Teatro Maly provocarono costantemente una feroce resistenza da parte delle autorità teatrali e della censura. Molte delle opere di Ostrovsky, nonostante il successo di pubblico, furono spesso ritirate dalle rappresentazioni. Eppure, le opere di Ostrovsky stanno diventando sempre più parte del repertorio teatrale, influenzando altri drammaturghi.

Negli anni 80-90 del XIX secolo. Dopo l'assassinio di Alessandro II da parte della Narodnaya Volya, l'offensiva della reazione si intensificò. L'oppressione della censura ha avuto un impatto particolarmente duro sul repertorio del teatro. Il Teatro Maly sta attraversando uno dei periodi più difficili e controversi della sua storia. La base del lavoro dei più grandi attori del Maly Theatre erano i classici.

Le produzioni di drammi di Schiller, Shakespeare, Lope de Vega, Hugo con la partecipazione della più grande attrice tragica Maria Nikolaevna Ermolova sono diventate eventi nella vita teatrale di Mosca. In queste rappresentazioni lo spettatore ha visto una dichiarazione idee eroiche, glorificazione dell'impresa civile, appello alla lotta contro la tirannia e la violenza.

La compagnia del Teatro Maly alla fine del XIX secolo. era insolitamente ricco di attori di talento. Erano meravigliosi successori delle gloriose tradizioni del Teatro Maly, della sua arte di profonda verità della vita, guardiani dei voleri di Shchepkin, Mochalov, Sadovsky.

Quando ho scritto il mio saggio, ho utilizzato molte fonti e ho scoperto che il Teatro Alexandrinsky di San Pietroburgo nei primi decenni della seconda metà del XIX secolo. stava attraversando il periodo più difficile della sua storia. Inoltre, la sua vicinanza alla corte reale ha sempre avuto una grande influenza sulle sorti del teatro. La direzione dei teatri imperiali trattava la compagnia teatrale russa con palese disprezzo. La netta preferenza è stata data agli attori e al balletto stranieri. L'arte degli attori del Teatro di Alessandria si è sviluppata principalmente nella direzione di migliorare i metodi di espressione esterni. Il più grande maestro dell'imitazione, che padroneggiava magistralmente la tecnica della recitazione, fu Vasily Vasilyevich Samoilov (1813-1887), che creò immagini realistiche ed efficaci sul palco.

Pertanto, possiamo concludere che la cultura russa nel XIX secolo era insolitamente varia e vivace. Nel dramma e nel teatro sono apparsi nuovi nomi di drammaturghi e attori, che sono diventati famosi non solo nella storia della Russia, ma in tutto il mondo.