I. Maszkow „Martwa natura” (1930)

Słowo „martwa natura” z Francuski tłumaczone jako „martwa natura” (fr. śmierć natury).

O martwej naturze

Wszystko, co już nie żyje, nie oddycha, zostało oderwane, odcięte, ale nadal zachwyca człowieka swoim istnieniem – to wszystko jest tematem martwej natury.

Jak niezależny gatunek Malarstwo martwej natury zaczęło istnieć w XVII wieku. w twórczości artystów holenderskich i flamandzkich. Wcześniej był jedynie ozdobą i pełnił funkcję użytkową.

Wczesne martwe natury często zawierały ukrytą alegorię (alegorię), która wyrażała się poprzez wyposażone w przedmioty codziennego użytku znaczenie symboliczne. Czasami martwe natury przedstawiały czaszkę, która miała przypominać o przemijaniu życia i nieuchronności śmierci.

Nazywano alegoryczną martwą naturę Vanitas (łac. vanitas, dosł.: „marność, marność”). Jego centrum kompozytorskie tradycyjnie ludzka czaszka.

Bartłomiej Mózg Starszy (1. połowa XVI w.). Vanitas

„Marność nad marnościami”, powiedział Kaznodziei, „marność nad marnościami, wszystko jest marnością!”

Willema Claesa Hedy. Vanitas

Czaszka symbolizuje słabość życie człowieka. Fajka jest symbolem ulotności i nieuchwytności ziemskie przyjemności. Szkło symbolizuje kruchość życia. Klucze to siła gospodyni domowej, która zarządza swoimi zapasami. Nóż przypomina nam o ludzkiej wrażliwości i śmiertelności. Kartka papieru zazwyczaj z moralizującym (często pesymistycznym) powiedzeniem. Na przykład:

Hodie mihi cras tibi – dziś dla mnie, jutro dla ciebie;

Pamiętaj o śmierci - Pamiętaj o śmierci;

Aeterne pungit cito volat et occidit – chwała bohaterskich czynów przeminie jak sen;

Omnia morte cadunt mors ultima linia rerum – wszystko zostaje zniszczone przez śmierć, śmierć jest ostateczną granicą wszystkiego;

Nil omne – wszystko jest niczym.

Częściej jednak w martwych naturach można wyczuć zachwyt artysty dla przedmiotów: przyborów kuchennych, kwiatów, owoców, artykułów gospodarstwa domowego - takie obrazy klienci kupowali do dekoracji wnętrz swoich domów.

Od połowy XVII wieku. martwa natura w Malarstwo holenderskie stała się szeroko rozpowszechniona jako gatunek niezależny. Jedną z pierwszych, która wyróżniała się, była martwa natura kwiatowa, zwłaszcza w dziełach Ambrosiusa Bosschaerta Starszego i Balthasara van der Asta, a następnie kontynuowała swój rozwój w luksusowych martwych naturach Jana Davidsa de Heema w drugiej połowie XIX w. XVII wiek. Martwa natura z kwiatami jest również popularna wśród artystów naszych czasów.

Tematyka martwych natur jest obszerna: są to wspomniane już martwe natury kwiatowe, wizerunki śniadań, serwowanych stołów, martwe natury naukowe przedstawiające książki i inne przedmioty działalności człowieka, instrumenty muzyczne itd.

Przyjrzyjmy się niektórym z najbardziej znanych martwych natur.

Willem Claes Heda (1594-1682) „Martwa natura z szynką i sztućcami” (1649)

Willem Claes Heda „Martwa natura z szynką i sztućcami” (1649)

Na tym zdjęciu widać wirtuozerską umiejętność artysty w przekazywaniu przedmiotów zwyczajnych, codziennego użytku. Kheda przedstawia je w taki sposób, że widać, że sam je podziwia: powstaje poczucie namacalności każdego z obiektów.

Na małym stoliku nakrytym bogatym, ciężkim obrusem widzimy cytrynę i podziwiamy jej bursztynową miękkość, czujemy zapach świeżej szynki i słyszymy brzęk musującego srebra. Śniadanie się skończyło, więc przedmioty na stole są w naturalnym nieładzie.

Srebro oznacza ziemskie bogactwo, szynka - zmysłowe radości, cytryna - piękno zewnętrzne, wewnątrz którego kryje się gorycz. Obraz kończy się refleksją nad tym, że należy dbać nie tylko o ciało, ale i o duszę.

Martwa natura utrzymana jest w jednolitej brązowo-szarej tonacji, charakterystycznej dla całego malarstwa holenderskiego tamtych czasów. Płótno jest nie tylko piękne, ale także opowiada o tym, co ukryte ” spokojne życie» obiekty widziane uważnym okiem artysty.

Martwa natura znajduje się w Państwowym Muzeum Sztuk Pięknych. A. S. Puszkina w Moskwie.

Paul Cézanne (1830-1906) Brzoskwinie i gruszki (1895)

Paul Cezanne „Brzoskwinie i gruszki” (1895)

Paul Cézanne był największym francuskim artystą końca XIX wieku. Doświadczywszy wpływu impresjonizmu, Cezanne przeciwstawił się im własną metodą. Sprzeciwiał się chęci podążania w sztuce jedynie za wrażeniami wizualnymi – opowiadał się za obiektywnym przekazem rzeczywistości opartym na wzorach występujących w naturze. Chciał widzieć nie jej zmienność, ale jej stałe cechy. Cezanne powiedział: „Chcę przywrócić wieczność naturze”. Artysta swoje poszukiwania twórcze prowadził poprzez syntezę formy i koloru, formy i przestrzeni. Poszukiwania te są szczególnie widoczne w jego martwych naturach.

Każdy z obiektów tej martwej natury jest ukazany z innego punktu widzenia. Widzimy stół z góry, obrus i owoce z boku, stół z dołu i dzbanek z różnych punktów widzenia jednocześnie. Cezanne stara się jak najpełniej oddać kształt i objętość charakterystyczną dla brzoskwiń i gruszek. Jego technika opiera się na prawie optycznym: kolory ciepłe (czerwony, różowy, żółty, złoty) wydają nam się wystające, a kolory zimne (niebieski, jasnoniebieski, zielony) wydają się cofać głębiej w płótno.

Kształt obiektów w martwych naturach Cezanne’a nie zależy od przypadkowego oświetlenia, ale staje się stały, nieodłączny dla każdego obiektu. Dlatego martwe natury Cezanne’a wydają się monumentalne.

Obraz znajduje się w Państwowym Muzeum Sztuk Pięknych. A. S. Puszkina w Moskwie.

Henri Matisse (1869-1954) „Błękitny obrus” (1909)

Henri Matisse „Błękitny obrus” (1909)

Słynny Artysta francuski Henriego Matisse’a sztuka zagraniczna XX wiek zajmuje jedno z czołowych miejsc. Ale to miejsce jest wyjątkowe.

Już na początku XX wieku. Matisse został szefem pierwszej nowej grupy malarstwa europejskiego, która tzw Fowizm(z francuskiego „dziki”). Cechą tego kierunku była swoboda stosowania dowolnego, dowolnie wybranego przez artystę koloru i chęć dekoracyjnej barwności. Wydawało się to wyzwaniem dla ustalonych norm oficjalnej sztuki.

Ale po pewnym czasie grupa ta rozpadła się, a Matisse nie należał już do żadnego kierunku, ale wybrał własną ścieżkę. Swoją jasną, pogodną sztuką Matisse starał się dawać pokój udręczone dusze ludzi w emocjonalnej atmosferze XX wieku.

W martwej naturze „Niebieski obrus” Matisse wykorzystuje swoją ulubioną technikę kompozycyjną: tkaninę opadającą z góry. Materia na pierwszym planie zdaje się zamykać przestrzeń płótna, spłycając ją. Widz podziwia kapryśną grę niebieskich ozdób na turkusowym tle obrusu i linie martwych natur. Artysta uogólnił kształty złotego dzbanka do kawy, zielonej karafki i rumianych jabłek w wazonie, straciły swoją objętość, a drobne przedmioty podporządkowały się rytmowi tkaniny, dopełniając barwny akcent obrazu.

Martwa natura w malarstwie rosyjskim

Martwa natura jako niezależny gatunek malarstwa pojawiła się w Rosji w r początek XVIII wieku, początkowo jednak uważano ją za gatunek „niższy”. Najczęściej wykorzystywano go jako produkcję edukacyjną i akceptowano go jedynie w ograniczonym znaczeniu jako malowanie kwiatów i owoców.

Ale na początku XX w. Martwa natura w malarstwie rosyjskim rozkwitła i po raz pierwszy stała się równorzędnym gatunkiem. Artyści poszukiwali nowych możliwości w zakresie koloru, formy i kompozycji martwej natury. Wśród rosyjskich malarzy martwych natur można wymienić I.F. Chrucki, I.E. Grabar, P.P. Konczałowski, I. Lewitan, A. Osmerkin, K. Petrov-Vodkin, M. Saryan, V. Nesterenko i inni.

Najbardziej słynna martwa natura P. Konczałowski jest jego „liliowym”.

P. Konczałowski „Liliowy” (1939)

P. Konczałowski „Liliowy” (1939)

P. Konczałowski był naśladowcą Cezanne’a w malarstwie, starał się wyrazić świąteczną barwę charakterystyczną dla języka rosyjskiego Sztuka ludowa, za pomocą konstruktywnego koloru Paula Cézanne’a. Artysta zyskał sławę właśnie dzięki martwym naturom, wykonywanym często w stylu bliskim kubizmowi i fowizmowi.

Jego martwa natura „Liliowa” jest pełna tego świątecznego koloru, miłego dla oka i wyobraźni. Zdaje się, że z płótna unosi się wiosenny aromat bzu.

Skupiska bzów są przedstawione ogólnie, ale pamięć wewnętrzna opowiada nam zarysy każdego kwiatu w pęczku i dlatego obraz Konczałowskiego wydaje się realistyczny.

Nie mniej hojnie przedstawiał materialność świata i paletę barw, współczesny Konczałowskiemu I. Maszkow.

I. Mashkov „Jagody na tle czerwonej tacy” (1910)

Ta martwa natura ma także burzę kolorów, umiejętność cieszenia się każdą chwilą, jaką daje życie, bo każda chwila jest piękna.

Wszystkie przedmioty martwej natury są nam znane, ale mamy wrażenie, że artysta podziwia hojność natury, bogactwo otaczającego świata i zaprasza nas do dzielenia się z nim tą radością.

V. Nesterenko „Ojciec ojczyzny” (1997)

V. Nesterenko „Ojciec ojczyzny” (1997)

To martwa natura współczesnego artysty V. Nesterenki. Temat obrazu wyraża się w tytule, a treść ujawnia się w przedstawieniu martwych natur – symboli cesarskiej władzy Piotra I. W tle portret cesarza scena bitwy, których było wiele w jego życiu. Nie ma sensu opowiadać ponownie o wszystkich czynach, za które Piotr I nazywany jest Ojcem Ojczyzny. Można usłyszeć różne opinie na temat działalności pierwszego cesarza rosyjskiego, ale w w tym przypadku artysta wyraża swoją opinię, i to opinię wyrażoną bardzo przekonująco.

Martwa natura znajduje się na Kremlu, w sali przyjęć Prezydenta Federacji Rosyjskiej.

Dzisiaj byłem na wystawie w Narodowym Ukraińskim Muzeum Sztuki Nowoczesnej.
Podobało mi się wiele. udostępniam.

Wiktor Tołoczko
1922-2006, Jałta
„Martwa natura wiosenna”, 1985
olej, płótno.

Wiktor Tołoczko
„Martwa natura z białym czajnikiem”, 1993
olej, płótno

/Urodzony w Melitopolu, uczestnik II wojny światowej, studiował w Charkowie. Kierował Muzeum Sztuki w Jałcie, które w tym czasie zajmowało sale Pałacu Woroncowa. Następnie przeniósł się do Doniecka. W schyłkowych latach powrócił na Krym. Malował martwe natury, pejzaże, portrety. Artysta Ludowy Ukrainy/.

Ibrahim Litinski
1908-1958, Kijów
„Martwa natura z peonami na fortepianie”, 1958
olej, płótno

/Litinsky Ibrahim Moiseevich (1908 - 1958) - ukraiński artysta, portrecista, mistrz plakatu politycznego i filmowego. Ukończył Kijowską Szkołę Artystyczną i Przemysłową, po czym studiował w Kijowskim Instytucie Sztuki na wydziale teatralnym i filmowym (1927 - 1928). Malowane portrety wybitni ludzie- Stalin, Panas Saksagansky, Iwan Patorzhinsky, Natalia Użwij, Gnat Yura. Prace artysty znajdują się w różnych kolekcjach prywatnych/(Z)

Nina Dragomirowa
1926
„Martwa natura z warzywami”, 1971

/Ukraiński artysta, malarz. Absolwent Uniwersytetu Krymskiego im. N. Samokisza (1952). Od 1970 członek Krajowego Związku Artystów Plastyków. Mistrz pejzażu i martwej natury. Prace znajdują się w licznych kolekcjach prywatnych na Ukrainie.(c)/

Siergiej Szapowałow
1943, Kirowograd
"Martwa natura". 1998
Olej, płótno

/ Absolwent Kijowskiego Państwowego Instytutu Sztuki. Członek Związku Artystów Ukrainy. Zasłużony Artysta Ukrainy (2008). Znaczna część prac artysty znajduje się na objazdowych wystawach sztuki w Ministerstwach Kultury i muzeach Ukrainy. Wiele prac artysty znajduje się w kolekcjach prywatnych. Brał udział w zagranicznych wystawach komercyjnych („Nowy Jork. Inter-Expo 2002” (USA), „Russian House” w Berlinie (Niemcy). W 2004 roku artysta miał wystawę indywidualną w Guadalajarze (Hiszpania) (c)/.

Fiodor Zacharow
1919-1994, Jałta
„Liliowy”, 1982
olej, płótno

/Wybitny malarz, mistrz pejzażu i martwej natury. Urodzony we wsi. Aleksandrowskie, obwód smoleński. W latach 1935 - 1941 studiował w Szkole Artystyczno-Przemysłowej im. M. Kalinina w Moskwie, w latach 1943 - 1950 - w Moskiewskim Instytucie Sztuki. W. Surikow z A. Lentulowem, I. Czekmasowem i G. Ryażskim. W 1950 przeniósł się do Symferopola, gdzie wykładał w Szkole Artystycznej. N. Samokisza. W 1953 osiadł w Jałcie. Zasłużony Artysta Ukraińskiej SRR od 1970 r., Artysta Ludowy Ukraińskiej SRR od 1978 r.

Laureat Nagrody Państwowej Ukraińskiej SRR im. T. Szewczenko (1987). W Państwie odbywały się wystawy pamiątkowe artysty Galeria Trietiakowska(2003), w Symferopolu (2004) i Kijowie (2005). Prace przechowywane są w Państwowej Galerii Trietiakowskiej, Narodowym Muzeum Sztuki Ukrainy, Teodozji Galeria Sztuki ich. I. Aivazovsky, Symferopol, muzea sztuki w Sewastopolu itp. (c)/

Siergiej Duplij
1958, Kijów
„Floksy”, 2003
olej, płótno

/Urodzony w 1958 roku we wsi Sidorowka w obwodzie czerkaskim.
Na jego rozwój artystyczny duży wpływ miała twórczość I. Grabara, N. Głuszczenki i F. Zacharowa.
Od 2000 roku członek Narodowego Związku Artystów Ukrainy. Mieszka i pracuje w Rzhishchev.(c)/

Walntina Tsvetkova
1917-2007, Jałta
„Kwiaty jesienne”, 1958
olej, płótno

/Malarz ukraiński i rosyjski, mistrz pejzażu i martwej natury. Urodzony w Astrachaniu w Rosji. W 1935 roku ukończyła Astrachańską Szkołę Artystyczną. Otrzymała odznaczenia i medale. Artysta Ludowy Ukrainy od 1985. Mieszkał i pracował w Jałcie.(c)/

Stepan Titko
1941-2008, Lwów
„Martwa natura”, 1968
olej, płótno

/Urodzony we wsi Stilskoje w obwodzie lwowskim.
W 1949 roku rodzina artysty została poddana represjom i zesłaniu Obwód Chabarowski. W 1959 r. Stepan Titko ukończył szkołę i wstąpił na wydział sztuki i grafiki Państwowego Instytutu Drukarstwa w Chabarowsku, aw 1961 r. - do Instytutu Sztuki w Chabarowsku. Od 1964 mieszkał w Komsomolsku nad Amurem i pracował jako grafik w Instytucie Kosmonautyki. W 1966 roku artysta wraz z rodziną powrócił na Ukrainę, osiedlił się w mieście Nowy Rozdol na obwodzie lwowskim i pracował jako nauczyciel plastyki w szkole. Od 1969 do 1971 Titko S.I. jest w twórczej podróży do Japońska wyspa Sakyu.

W 1974 r. brał udział w „wystawie buldożerów”. Zarzucano mu formalizm i prozachodni stosunek do sztuki.
Prace Titko S.I. znajdują się w zbiorach muzealnych i prywatnych na Ukrainie, w Polsce, Niemczech, Francji, USA i innych krajach.(c)/

Konstanty Filatow
1926-2006, Odessa
„Martwa natura z filiżanką”, 1970
karton, olej

Konstanty Filatow
1926-2006, Odessa
„Bakłażany i papryka”, 1965
płótno na tekturze, olej

/Czczony Artysta Ukrainy. Urodzony w Kijowie.
W 1955 roku ukończył Odesską Szkołę Artystyczną im. M.B. Grekowa. Od 1957 - uczestnik republikańskich, ogólnounijnych i zagranicznych wystawy sztuki. Od 1960 członek Związku Artystów Ukraińskiej SRR.
Pracował w okolicy malarstwo sztalugowe. Autor licznych obrazy rodzajowe, pejzaże, portrety i martwe natury.
Od 1970 do 1974 - nauczyciel w Odesskiej Szkole Artystycznej.

W 1972 roku został laureatem Nagrody Państwowej Ukraińskiej SRR. T. Szewczenko za obrazy „Plac Czerwony” i „V. I. Lenina.” W 1974 roku otrzymał tytuł „Zasłużony Artysta Ukraińskiej SRR”.
Prace K.V. Prace Filatowa znajdują się w muzeach i kolekcjach prywatnych na Ukrainie i za granicą. (Z)/

Pavel Miroshnichenko (naprawdę podoba mi się ta praca!)
1920-2005, Sewastopol
„Martwa natura”, 1992
olej, płótno

/Czczony Artysta Ukrainy. Malarz pejzażu, mistrz martwej natury. Urodzony w Biełowodzku w obwodzie ługańskim.
Członek Wielkiego Wojna Ojczyźniana. Odznaczony Orderami i Medalami.
W latach 1946–1951 studiował w Krymskiej Szkole Artystycznej im. N. S. Samokisha. Od 1951 roku artysta mieszkał i pracował w Sewastopolu.

Od 1965 r. Miroshnichenko P.P. - Członek Związku Artystów Ukrainy.
Prace znajdują się w Muzeum Sztuki w Sewastopolu. MP Kroszyckiego oraz inne zbiory muzealne i prywatne na Ukrainie, w Rosji, Francji, Niemczech, Japonii, USA, Polsce i Czechach. Pięć pejzaże morskie zostały zakupione dla Muzeum Sztuki Rosyjskiej w Japonii.(c)/

Gayane Atoyan
1959, Kijów
„Chabry”, 2001
olej, płótno

/W 1983 ukończyła Kijowski Państwowy Instytut Sztuki. Za swoją główną nauczycielkę uważa matkę – artystkę. Tatiana Jabłońska. Od 1982 roku brał udział w wystawach plastycznych.
W 1986 roku została przyjęta do Związku Artystów Ukrainy.
Prace Gayane Atoyan znajdują się w muzeach sztuki w Kijowie, Zaporożu, Chmielnickim, w kolekcjach prywatnych na Ukrainie i za granicą.(c)/

Jewgienij Jegorow
1917-2005, Charków
„Róże”, 1995
papier, pastel

/Pracował w Charkowskim Instytucie Sztuki i Przemysłu (obecnie KhSADI) od 1949 do 2000 roku. (od 1972 do 1985 - rektor)/.

Siergiej Szurow
1883-1961, Kijów
„Martwa natura”, lata 50. XX w
Papier, akwarela

Igor Kotkow
1961, Kijów
„Martwa natura z czerwonymi kwiatami” 1990
olej, płótno

/Ukończył Kijowską Republikańską Szkołę Artystyczną, następnie - Akademia Sztuki w Kijowie. Pracował jako scenograf w studiu filmowym UkrAnimafilm, tworząc kreskówki dla dorosłych. Stopniowo artysta wypracował własny styl pisania, własny styl twórczy. Teraz jest malowanie ulubione hobby i dzieło jego życia. Jego twórczy arsenał obejmuje kilkadziesiąt dzieł znajdujących się w kolekcjach prywatnych na Ukrainie, w Rosji, Niemczech, Wielkiej Brytanii, USA, Kanadzie, dwóch wystawy osobiste w Kijowie i udział w wielu innych wystawach.(c)/

Włodzimierz Mikita (klasa!)
1931, Zakarpacie
„Martwa natura huculska”, 2002
płótno, technika mieszana

/Artysta Ludowy Ukrainy.
Urodzony we wsi Rakoshino, powiat Mukaczewo, obwód zakarpacki. Narodowość - Rusin.
W 1947 roku, po ukończeniu IX klasy, zdał egzaminy w Szkole Użgorodskiej sztuka stosowana i został przyjęty na trzeci rok.
Od 1951 do 1954 służył w szeregach armii radzieckiej na Sachalinie. Po wojsku został zatrudniony w Pracowniach Artystyczno-Produkcyjnych Zakarpackiego Funduszu Sztuki, gdzie pracował aż do przejścia na emeryturę w 2001 roku.

W 1962 został przyjęty do Związku Artystów Ukrainy. W 2005 roku - laureat Nagrody Narodowej Ukrainy. Tarasa Szewczenko.
Odznaczony Orderem Jarosława Mądrego V i IV stopnia. Od 2010 roku - Honorowy Obywatel Użgorodu.
Prace artysty znajdują się w zbiorach Ministrów Kultury Ukrainy i Rosji, w różnych muzeach sztuki, w tym zagranicznych: Litwy, Słowacji, Niemczech, Węgrzech, Serbii, Wenezueli oraz w kolekcjach prywatnych na całym świecie.(c)/

Anastazja Kalyuzhnaya(Ja też to bardzo lubię)
1984, Kercz
„Martwa natura” 2006
olej, płótno

/Anastasia Kalyuzhnaya ukończyła studia Akademia Narodowa Sztuk Pięknych Ukrainy, Szkoła Artystyczna Romana Serdiuka. Podstawą rozwoju artysty było bogate doświadczenie szkoły malarstwa ukraińskiego. Teraz pracuje w Kerczu w stylu malarstwa realistycznego.(c)/

Michaił Roskin
1923-1998, Użgorod
„Kryształowy wazon z kwiatami”, 1990
papier, pastel

/Urodzony w Nikopolu, obwód dniepropietrowski. Kształcenie artystyczne i zawodowe odbywał w Pracowni Artystów Wojskowych im. M. B. Grekova. Członek Narodowego Związku Artystów Ukrainy od 1978 (c)/

Elena Jabłońska
1918-2009, Kijów
„Pachnący tytoń na oknie”, 1945
karton, olej

/Siostra artystki Tatiany Jabłońskiej. Żona wybitnego ukraińskiego artysty E.V. Volobueva.
W 1941 ukończyła Kijowski Państwowy Instytut Sztuki. W 1945 roku została odznaczona Medalem „Za Waleczną Pracę w Wielkiej Wojnie Ojczyźnianej 1941-1945”.
Od 1944 członek Związku Artystów ZSRR.

Mistrz malarstwa sztalugowego i grafiki książkowej. Przez dwadzieścia lat Elena Nilovna ilustrowała książki. Na jej twórczości wychowało się kilka pokoleń dzieci. Artysta prowadził i działalność pedagogiczna— uczył grafików i rzeźbiarzy.
W 1977 roku otrzymał tytuł „Zasłużony Artysta Ukrainy”.
Prace E.N. Jabłońskie są prezentowane w Narodowym Muzeum Sztuki Ukrainy, w muzeach, galeriach i kolekcjach prywatnych na Ukrainie, w Niemczech, Anglii, USA i innych krajach.(c)/

Oksana Pilipczuk
1977, Kijów
„Martwa natura”, 2001
olej, płótno

/Pilipchuk Oksana Dmitrievna - artystka-malarka, członkini Narodowego Związku Artystów Ukrainy, wykładowca Kijowskiego Narodowego Uniwersytetu Inżynierii Lądowej i Architektury (wydział rysunku i malarstwa).
Prace znajdują się w wielu muzeach Ukrainy, a także w kolekcjach prywatnych na Ukrainie, Białorusi, w Rosji, Holandii, USA, Japonii, Słowacji, Czechach, Polsce, Niemczech, Izraelu, Francji./

Jewgienij Smirnow
1959, Sewastopol
„Martwa natura z zielonymi gruszkami”, 2000
olej, płótno

/Urodzony w Rybińsku, obwód jarosławski, Rosja. Od 1975 do 1979 studiował na wydziale malarstwa Szkoły Artystycznej w Saratowie. Bogolubowa. Po ukończeniu studiów Jewgienij Smirnow przenosi się do Sewastopola.
W 1993 roku wstąpił do Narodowego Związku Artystów Ukrainy. Od 2005 roku - Czczony Artysta Ukrainy.
Prace artysty znajdują się w Muzeum Sztuki w Sewastopolu. M.P. Kroszyckiego oraz w innych zbiorach muzealnych i prywatnych na Ukrainie, w Rosji, Niemczech i innych krajach./

Wiera Chursina
1949, Charków
„Wieczorna martwa natura”, 2005
olej, płótno

/Grafik, malarz.
Urodzony we wsi. Borisówka, obwód Biełgorod, Rosja.
W 1972 roku ukończyła Państwowy Instytut Pedagogiczny w Orle - wydział plastyczny i graficzny.
W 1980 roku obroniła dyplom w Charkowskim Instytucie Sztuki i Przemysłu, specjalizując się w grafice sztalugowej. Zasłużony Artysta Ukrainy, członek charkowskiego oddziału Narodowego Związku Artystów Ukrainy, nauczyciel Państwowej Akademii Projektowania i Sztuki w Charkowie, profesor wydziału malarstwa.
Bierze udział w wystawach międzynarodowych, ogólnoukraińskich i regionalnych.
Od 1992 członek Związku Gospodarczego Narodowego Związku Artystów Ukrainy.(c)/

Władimir Kuzniecow
1924-1998, Charków
„Martwa natura”, 1992
olej, karton

/ Ukończył Charkowski Instytut Sztuki (1954), tam wykładał. Stały uczestnik wystawy miejskie, regionalne i strefowe od 1954 roku. Prace artysty znajdują się w wielu muzeach regionalnych, w kolekcjach prywatnych w Rosji i za granicą./

Aleksander Gromowoj
1958
„Martwa natura”, 2011
olej, płótno

/Urodzony we wsi Krasnopolye, obwód mikołajewski.
W 1987 ukończył Uniwersytet Państwowy w Użgorodzie, w 1993 - wydział plastyczny i graficzny Odeskiego Instytutu Pedagogicznego im. K.D. Ushinsky'ego. Od 1995 członek Narodowego Związku Artystów Ukrainy./

Azata Safina
1961, Charków
„Martwa natura” 2003
olej, płótno

Anny Fainerman
1922-1991, Kijów
„Martwa natura z Rowanem”, 1966
karton, olej

/Urodzony we wsi Uspienskaja, powiat belogliński, obwód krasnodarski w Rosji. W 1941 ukończyła studia artystyczne Liceum ich. T. G. Szewczenko. Po ukończeniu Wydziału Dziennikarstwa Uniwersytetu Uralskiego w 1945 roku wstąpiła do Kijowskiego Instytutu Sztuki, który ukończyła w 1951 roku.
Podczas studiów w instytucie pracowała jako pracownik literacki i korektor w wydawnictwie ZSRR Ukraina.
Żona słynnego ukraińskiego artysty Rapoporta Borysa Naumowicza.

Od 1955 członek Związku Artystów Ukraińskiej SRR. Prace znajdują się w muzeach, galeriach i kolekcjach prywatnych na Ukrainie i za granicą./

Wojciecha Martona
1913-2005, Użgorod
Martwa natura, 1969
papier, pastel

/Malarz ukraińsko-węgierski. Mistrz zakarpackiego pejzażu i martwej natury.
Urodzony w Clairton w USA. W 1936 roku ukończył szkołę artystyczno-przemysłową w Gabloncu w Czechosłowacji.
Od 1937 mieszkał i pracował w Użgorodzie. Od 1957 roku brał udział w wystawach regionalnych, republikańskich, ogólnounijnych i międzynarodowych. Prace artysty znajdują się w muzeach, galeriach i kolekcjach prywatnych na Ukrainie, w Rosji, na Węgrzech, w USA, Kanadzie i Japonii. W 1972 artysta przeniósł się na Węgry, gdzie zmarł w 2005. (c)/

Aleksander Szeremet
1950, Kijów
„Martwa natura”, 2001
olej, płótno

Konstantin-Wadim Ignatow
1934, Kijów
„Ceremonia herbaty” 1972
płótno temperowe

/Urodzony w Charkowie (Ukraina). Studiował na Szkoła Artystyczna miasto Kijów, studiował także w Kijowskim Państwowym Instytucie Sztuki.
W Czas sowiecki cieszył się opinią wybitnego ilustratora i przez około 30 lat pracował w wydawnictwie Veselka, gdzie zilustrował ponad 100 książek. Członek Narodowego Związku Artystów Ukrainy./

Łesia Pryimych
1968
„Święty Wieczór”, 2013
olej, płótno

/Urodzony w Użgorodzie na Zakarpaciu.
Absolwent Lwowskiego Państwowego Instytutu Zastosowań i Technologii sztuka dekoracyjna(1992). Malarz. Członek Krajowego Związku Artystów (2006)./

Andriej Zwiezdow
1963-1996, Kijów
Martwa natura z jesienne liście" 1991
olej, karton

Karol Zvirinsky
1923-1997
„Martwa natura”, 1965

Zoja Orłowa
1981, Kijów
Martwa natura”, 2004
karton, technika mieszana

Oleg Omelczenko
1980
„Martwa natura z zegarem”, 2010
olej, płótno

Nikołaj Krystopczuk
1934, Lwów
„Martwa natura w Kosowie”, 1983
olej, płótno

Borys Kolesnik
1927-1992, Charków
„Martwa natura”, 1970
karton, olej

/Urodzony we wsi. Wilszany, obwód charkowski.
W latach 1943-1949 studiował w Państwowej Szkole Artystycznej w Charkowie w latach 1949-1955. - w Państwowym Instytucie Sztuki w Charkowie.
W 1965 wstąpił do Związku Artystów Ukraińskiej SRR.
Autor gatunkowych obrazów lirycznych ukazujących życie i tradycje narodu ukraińskiego.
Prace Kolesnika B.A. przechowywane są w Muzeum Sztuki Rosyjskiej w Kijowie, w muzeach sztuki Charkowa i innych miast Ukrainy i byłego ZSRR./

Konstanty Łomykin
1924-1993, Odessa
„Gruszki”, 1980
karton, pastel

/Malarz, grafik. Artysta Ludowy Ukrainy.
Urodzony w Głuchowie w obwodzie sumskim. W 1951 ukończył Odesską Szkołę Artystyczną. Od 1953 członek odeskiej organizacji Związku Artystów Ukraińskiej SRR.
Autor obrazy tematyczne, dzieła życia codziennego, pejzaże i martwe natury.
Zasłużony Artysta Ukraińskiej SRR.
Prace artysty znajdują się w muzeach sztuki Ukrainy, a także w kolekcjach prywatnych na Ukrainie, w Rosji, Japonii, Francji, Grecji, Niemczech, Włoszech, Portugalii i innych krajach./

Aleksander Chmielnicki
1924-1998, Charków
„Martwa natura w czerwonym kapeluszu”
olej, płótno

/Urodzony w Charkowie.
Brał udział w działaniach wojennych podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej.
W latach 1947–1953 studiował w Państwowym Instytucie Sztuki w Charkowie, następnie wykładał w Państwowym Instytucie Sztuki w Charkowie (Charkowski Instytut Sztuki i Przemysłu), gdzie1978 – profesor
W 1956 roku został przyjęty w poczet członków charkowskiej organizacji Związku Artystów Ukrainy i był przewodniczącym sekcji malarstwa.
W 1974 brał udział w tworzeniu dioramy „Forsowanie Dniepru” we współpracy z A. Konstantinopolskim, W. Mokrożyckim, W. Parczewskim dla Muzeum Wielkiej Wojny Ojczyźnianej w Kijowie.
Artysta Ludowy Ukrainy. Od 1997 roku jest członkiem korespondentem Ukraińskiej Akademii Sztuk.
Prace artysty znajdują się w muzeach, galeriach, kolekcjach prywatnych na Ukrainie i za granicą./

Włodzimierz Bogusławski
1954, Lwów
„Brązowy dzbanek”, 2005
olej, płótno

Mam nadzieję, że ci się podobało.
Dziękuję za uwagę!

Cóż to za dziwny obraz – martwa natura: sprawia, że ​​podziwiasz kopię tych rzeczy, których oryginałów nie możesz podziwiać.

Blaise Pascal

I naprawdę, czy kiedykolwiek patrzyłeś na owoce z Stół kuchenny? Cóż... z wyjątkiem sytuacji, gdy byłeś głodny, prawda? A oto zdjęcie z kompozycja owoców lub luksusowy bukiet kwiatów, który możesz podziwiać godzinami. Na tym właśnie polega szczególna magia martwej natury.

W tłumaczeniu z francuskiego martwa natura oznacza „martwa natura”(śmierć natury). Jest to jednak tylko dosłowne tłumaczenie.

W rzeczywistości martwa natura- jest to obraz nieruchomych, zamarzniętych obiektów (kwiatów, warzyw, owoców, mebli, dywanów itp.). Pierwsze martwe natury można znaleźć na freskach starożytnej Grecji i starożytnego Rzymu.

Martwa natura (fresk z Pompei) 63-79, Neapol, Galeria Narodowa Capodimonte. Autor nieznany.

Kiedy przyjaciel odwiedzał Rzymianina, dobre maniery wymagały, aby właściciel domu pokazał jak najlepiej swoje sztućce. Tradycję tę wyraźnie odzwierciedla martwa natura z grobowca Vestoriusa Priscusa w Pompejach.

Pośrodku kompozycji znajduje się naczynie do mieszania wina i wody, ucieleśnienie boga płodności Dionizosa-Libera. Po obu stronach złotego stołu symetrycznie rozmieszczone są dzbany, czerpaki i rogi do wina.

Jednak martwa natura to nie tylko owoce, warzywa i kwiaty, ale także... ludzka czaszka, zaprojektowana tak, aby odzwierciedlać przemijalność ludzkiego życia. Tak właśnie wyobrażali sobie martwą naturę zwolennicy gatunku „Vanitas”, przedstawiciele wczesnego etapu rozwoju martwej natury.

Wybitnym przykładem jest alegoryczna martwa natura Holenderski artysta Willema Claesa Hedy, gdzie obok czaszki przedstawiono fajkę – symbol nieuchwytności ziemskich przyjemności, szklane naczynie – odbicie kruchości życia, klucze – symbol mocy gospodyni zarządzającej zapasami. Nóż symbolizuje wrażliwość życia, a kocioł, w którym ledwo żarzą się węgle, oznacza jego wygaśnięcie.

Próżność. Vanitas, 1628, Willem Claes Heda.

Willem Heda jest słusznie nazywany „mistrz śniadania” Za pomocą ciekawej aranżacji potraw, naczyń i przyborów kuchennych artysta zaskakująco trafnie oddał nastrój obrazów. A umiejętność przedstawienia odbić światła na idealnie gładkich powierzchniach srebrnych mis i szklanych kielichów zadziwiła nawet wybitnych współczesnych artyście.

To niesamowite, jak dokładnie i delikatnie Kheda potrafił oddać każdy najdrobniejszy szczegół: grę światła, cechy kształtu, kolory przedmiotów. We wszystkich obrazach Holendra kryje się tajemnica, poezja i szczery podziw dla świata przedmiotów.

Martwe natury znanych artystów

Często fascynowała się martwa natura znany artysta. O mistrzach pędzla i ich niesamowitych dziełach opowiem dalej.

Pablo Picasso to najdroższy artysta świata

Wyjątkowy i niepowtarzalny – to się nazywa wybitny Artysta hiszpański XX wiek Pablo Picasso. Każde dzieło autora jest tandemem oryginalnego projektu i geniuszu.

Martwa natura z bukietem kwiatów, 1908 rok

Martwa natura z żarówkami, 1908

Oprócz tradycyjnie perfekcyjnie realistycznych, wypełnionych jasnymi i jaskrawymi kolorami, czy ponurych martwych natur wykonanych w niebiesko-szarych tonacjach, Picasso lubił kubizm. Artysta układał na swoich obrazach przedmioty lub postacie w małe geometryczne kształty.

I choć krytycy sztuki nie uznali kubizmu Picassa, teraz jego prace sprzedają się świetnie i są własnością najbogatszych kolekcjonerów na świecie.

Gitara i nuty, 1918

Ekscentryczny Vincent Van Gogh

Wraz ze słynną Gwiaździstą Nocą cykl obrazów ze słonecznikami stał się unikalnym symbolem twórczości Van Gogha. Artysta planował udekorować swój dom w Arles słonecznikami na przyjazd swojego przyjaciela Paula Gauguina.

„Niebo jest zachwycająco błękitne. Promienie słoneczne są bladożółte. To miękkie, magiczne połączenie błękitu i żółci z obrazów Vermeera z Delft... Nie mogę namalować czegoś tak pięknego...”– powiedział Van Gogh skazany na zagładę. Być może dlatego artysta niezliczoną ilość razy malował słoneczniki.

Wazon z 12 słonecznikami, 1889

Nieszczęśliwa miłość, bieda i brak akceptacji jego twórczości skłaniają artystę do szalonych działań i znacząco nadszarpują jego zdrowie. Ale o malarstwie utalentowany artysta uparcie napisał: „Nawet jeśli upadnę dziewięćdziesiąt dziewięć razy, i tak wstanę po raz setny”.

Martwa natura z czerwonymi makami i stokrotkami. Auvers, czerwiec 1890.

Irysy. Saint-Rémy, maj 1890

Wszechogarniające martwe natury Paula Cézanne’a

„Chcę przywrócić wieczność naturze”– lubił powtarzać wielki francuski artysta Paul Cezanne. Artysta przedstawił nie przypadkową grę światła i cienia, nie zmieniającą się, ale stałe cechy rzeczy.

Próbując pokazać obiekty ze wszystkich stron, opisuje je w taki sposób, aby widz mógł podziwiać martwą naturę, jakby pod różnymi kątami. Widzimy stół z góry, obrus i owoce z boku, pudełko w stole z dołu i dzbanek z różnych stron jednocześnie.

Brzoskwinie i gruszki, 1895

Martwa natura z wiśniami i brzoskwiniami, 1883-1887.

Martwe natury współczesnych artystów

Paleta kolorów i szeroka gama odcieni pozwala dzisiejszym mistrzom martwej natury osiągnąć niesamowity realizm i piękno. Chcesz podziwiać imponujące obrazy utalentowanych współczesnych?

Brytyjczyk Cecil Kennedy

Od obrazów tego artysty nie można oderwać wzroku – jego zachody są tak urzekające! Mmm... Chyba już czuję zapach tych niesamowicie pięknych kwiatów. A ty?

Cecil Kennedy słusznie uważany jest za najwybitniejszego brytyjskiego artystę naszych czasów. Właściciel kilku prestiżowe nagrody i ulubieniec wielu „potęgów władzy”, Kennedy zasłynął jednak dopiero, gdy miał grubo ponad 40 lat.

Belgijski artysta Julian Stappers

Informacje o życiu belgijskiego artysty Juliana Stappersa są skąpe, czego nie można powiedzieć o jego obrazach. Wesołe martwe natury artysty znajdują się w zbiorach najbogatszych ludzi świata.

Gregory’ego Van Raalte

Współczesny amerykański artysta Gregory Van Raalte szczególną uwagę zwraca na grę światła i cienia. Artysta jest przekonany, że światło nie powinno padać bezpośrednio, ale przez las, liście drzew, płatki kwiatów lub odbijać się od powierzchni wody.

Utalentowany artysta mieszka w Nowym Jorku. Chętnie maluje martwe natury techniką akwareli.

Irański artysta Ali Akbar Sadeghi

Ali Akbar Sadeghi to jeden z irańskich artystów odnoszących największe sukcesy. W swoich pracach umiejętnie łączy kompozycje tradycyjnego malarstwa irańskiego, perskich mitów kulturowych z ikonografią i sztuką witrażową.

Martwe natury współczesnych artystów ukraińskich

Cokolwiek powiesz, ukraińscy mistrzowie pędzla mają swoją własną, niepowtarzalną wizję martwej natury Jego Królewskiej Mości. A teraz Ci to udowodnię.

Siergiej Szapowałow

Obrazy Siergieja Szapowałowa są kolorowe słoneczne króliczki. Każde z jego arcydzieł jest przepełnione światłem, dobrocią i miłością ojczyzna. Artysta urodził się we wsi Ingulo-Kamenka, powiat nowogrodzki, obwód kirowogradzki.

Siergiej Szapowałow jest Zasłużonym Artystą Ukrainy, członkiem Krajowego Związku Artystów.

Igor Derkaczow

Ukraiński artysta Igor Derkaczow urodził się w 1945 roku w Dniepropietrowsku, gdzie mieszka do dziś. Przez dwadzieścia pięć lat uczęszczał do pracowni plastycznej Studenckiego Domu Kultury im. Yu Gagarin, najpierw jako uczeń, a potem jako nauczyciel.

Obrazy artysty przeniknięte są ciepłem, miłością do rodzimych tradycji i darów natury. To szczególne ciepło przekazywane jest poprzez obrazy autora wszystkim miłośnikom jego twórczości.

Wiktor Dowbenko

Zdaniem autora jego martwe natury są odzwierciedleniem jego własnych uczuć i nastrojów. W bukietach róż, w posypkach chabrów, astrów i dalii, w „pachnących” obrazach leśnych – niepowtarzalny letni aromat i bezcenne dary bogatej przyrody Ukrainy.

Martwa natura to gatunek, który zyskał rozgłos w sztuce zachodniej pod koniec XVI wieku i od tego czasu pozostaje ważnym gatunkiem. Obrazy martwej natury są klasyfikowane według przedstawienia typowych obiektów, które mogą być naturalne, takie jak kwiaty, owoce itp., Lub sztuczne, takie jak okulary, instrumenty muzyczne itp. Poniżej znajduje się lista 10 najsłynniejszych martwych natur autorstwa znanych artystów, w tym Chardina, Paula Cezanne'a, Van Gogha i Giorgio Morandiego.

Nr 10 Seria martwych natur, artysta Tom Wesselman

Ruch pop-artowy powstał w latach pięćdziesiątych XX wieku i wykorzystuje rozpoznawalne obrazy z kultury popularnej. Wśród najbardziej popularne dzieła pop-art to seria martwych natur autorstwa Toma Wesselmanna. Jego martwe natury przedstawiają raczej elementy współczesnego świata niż owoce i warzywa Poprzednia generacja artyści tego gatunku. Ta praca (Martwa natura #30) jest połączeniem malarstwa, rzeźby i kolażu znaków towarowych, które Tom widział na ulicy.

nr 9 Vanitas ze skrzypcami i szklaną kulą

Artysta: Peter Claes

Przejdźmy do ostatniego etapu serii wpisów poświęconych gatunkowi martwej natury. Będzie poświęcona twórczości rosyjskich artystów.

Zacznijmy od Fiodora Pietrowicza Tołstoja (1783–1873). Grafika martwej natury autorstwa F.P. Tołstoj, słynny rosyjski rzeźbiarz, medalier, rysownik i malarz, jest prawdopodobnie najwybitniejszą i najcenniejszą częścią jego twórczości. dziedzictwo twórcze, choć sam artysta stwierdził, że prace te tworzył „w czasie wolnym od poważnych studiów”.

Główną cechą rysunków martwych natur Tołstoja jest ich iluzoryczny charakter. Artysta starannie naśladował naturę. Według niego próbował w moich własnych słowach„przenieść z zachowaniem ścisłej przejrzystości z życia na papier skopiowany kwiat takim, jakim jest, ze wszystkimi najdrobniejszymi szczegółami należącymi do tego kwiatu”. Aby wprowadzić widza w błąd, Tołstoj posługiwał się technikami iluzjonistycznymi, takimi jak wizerunek kropli rosy czy półprzezroczysty papier zakrywający rysunek i mający zwieść oko.

Ilya Efimofich Repin (1844–1930) również niejednokrotnie sięgał po motyw martwej natury, jak kwiaty. Do takich dzieł należy obraz „ Jesienny bukiet” (1892, Galeria Trietiakowska, Moskwa), gdzie artysta przedstawia z równą uwagą jesienny krajobraz, młoda kobieta stojąca na tle złotych drzew, ze skromnym bukietem żółto-białych kwiatów w dłoniach.

I. Repin. Jesienny bukiet. Portret Very Repina. 1892, Galeria Trietiakowska

Historia obrazu „Jabłka i liście” jest dość niezwykła. Martwa natura, łącząca owoce i liście, została wystawiona dla ucznia Repina, V.A. Serowa. Nauczycielowi tak bardzo spodobała się kompozycja przedmiotu, że postanowił sam namalować taką martwą naturę. Kwiaty i owoce przyciągały wielu artystów, którzy preferowali między innymi te, które w najbardziej poetycki i piękny sposób ukazywały świat przyrody. Nawet w. Gardzący tym gatunkiem Kramskoy złożył także hołd martwej naturze, tworząc spektakularny obraz „Bukiet kwiatów. Floksy” (1884, Galeria Trietiakowska, Moskwa).

Walentin Aleksandrowicz Sierow (1865-1911) znany jest większości z nas jako artysta, który w swojej twórczości zwracał uwagę na pejzaż, portret i malarstwo historyczne. Należy jednak zaznaczyć, że temat w jego twórczości zawsze odgrywał ważną rolę i często zajmował równorzędną pozycję z innymi elementami kompozycji. Nieco wyżej wspomniałem już o jego studenckiej pracy „Jabłka na liściach” z 1879 r., wykonanej pod kierunkiem Repina. Jeśli porównasz tę pracę z pracą Repina na ten sam temat, zobaczysz, że martwa natura Sierowa bardziej przypomina etiudę niż malarstwo jego nauczyciela. Początkujący artysta zastosował niski punkt widzenia, więc pierwszy i drugi plan zostały połączone, a tło zmniejszone.

Obraz „Dziewczyna z brzoskwiniami”, znany wszystkim od dzieciństwa, wykracza poza gatunek portretu i nieprzypadkowo nosi tytuł „Dziewczyna z brzoskwiniami”, a nie „Portret Very Mamontowej”. Widzimy, że łączą się tu cechy portretu, wnętrza i martwej natury. Artystka w równym stopniu zwraca uwagę na wizerunek dziewczyny w różowej bluzce, jak i kilka, ale umiejętnie pogrupowanych obiektów. Na białym obrusie leżą miękkie żółte brzoskwinie, liście klonu i błyszczący nóż. Z miłością pomalowane zostały także inne rzeczy w tle: krzesła, duży porcelanowy talerz zdobiący ścianę, figurka żołnierza-zabawki, świecznik na parapecie. Światło słoneczne wpadające z okna i rzucające jasne refleksy na przedmioty nadaje obrazowi poetycki urok.

Michaił Aleksandrowicz Wrubel (1856-1910) pisał: „I znowu uderza mnie, nie, nie uderza, ale słyszę tę intymną nutę narodową, którą tak bardzo chcę uchwycić na płótnie i w ornamencie. To muzyka całego człowieka, nie rozczłonkowana rozrywkami uporządkowanego, zróżnicowanego i bladego Zachodu.”

W Akademii Sztuki ulubionym nauczycielem Vrubela był Pavel Chistyakov, który nauczył młodego malarza „rysować formą” i argumentował, że trójwymiarowych form nie należy tworzyć w przestrzeni z cieniami i konturami, należy je budować za pomocą linii. Dzięki niemu Vrubel nauczył się nie tylko pokazywać naturę, ale także prowadzić z nią intymną, niemal pełną miłości rozmowę. W tym duchu powstała cudowna martwa natura mistrza „Rose Hip” (1884).

Na tle wykwintnej draperii z motywami roślinnymi artysta umieścił elegancki okrągły wazon pomalowany w orientalne wzory. Delikatny, biały kwiat dzikiej róży, ocieniony niebiesko-zielonym materiałem, wyraźnie się wyróżnia, a liście rośliny niemal zlewają się z słabo mieniącą się czarną szyjką wazonu. Kompozycja ta przepełniona jest niewypowiedzianym urokiem i świeżością, której widz nie może się oprzeć.

G.N. osiągnął duże umiejętności w tworzeniu „fałszywych” martwych natur. Teplov i T. Uljanow. Najczęściej przedstawiały ścianę z desek, na której narysowano sęki i żyły drewna. Na ścianach lub za przybitymi wstążkami zawieszano różne przedmioty: nożyczki, grzebienie, listy, książki, notesy muzyczne. Na wąskich półkach ustawiono zegary, kałamarze, butelki, świeczniki, naczynia i inne drobne przedmioty. Wydaje się, że taki zestaw przedmiotów jest całkowicie losowy, ale w rzeczywistości jest to dalekie od przypadku. Patrząc na takie martwe natury, można się domyślić, jakie zainteresowania mieli artyści, którzy grali muzykę, czytali i interesowali się sztuką. Mistrzowie z miłością i pilnością przedstawiali drogie im rzeczy. Obrazy te porażają szczerością i spontanicznością postrzegania natury.

Borys Michajłowicz Kustodiew (1878-1927) również poświęcił wiele swojej twórczości gatunkowi martwej natury. Na jego wesołych płótnach widać jasne satynowe tkaniny, połyskujące miedziane samowary, połysk fajansu i porcelany, czerwone plasterki arbuza, kiście winogron, jabłka i pyszne babeczki. Jeden z jego wspaniałe obrazy to „Kupiec na herbacie”, 1918. Nie sposób nie podziwiać świetlistego blasku obiektów ukazanych na płótnie. Musujący samowar, jaskrawoczerwony miąższ arbuzów, błyszczące jabłka i przezroczyste winogrona, szklany wazon z dżemem, złocona cukiernica i filiżanka stojąca przed żoną kupca - wszystko to dodaje obrazowi świątecznego nastroju.

W gatunku martwej natury duże skupienie poświęcony był tzw. „podstępnym martwym naturom”. Wiele „podstępnych” martwych natur, mimo że ich głównym zadaniem było wprowadzenie widza w błąd, ma niewątpliwe walory artystyczne, szczególnie widoczne w muzeach, gdzie zawieszone na ścianach takie kompozycje oczywiście nie mogą zwieść publiczności. Ale są tutaj wyjątki. Na przykład „Martwa natura z książkami” autorstwa P.G. Bogomołowa wkłada się do iluzorycznego „regału” i zwiedzający nie od razu uświadamiają sobie, że to tylko obraz.

„Martwa natura z papugą” (1737) G.N. jest bardzo dobra. Teplova. Za pomocą wyraźnych, precyzyjnych linii przechodzących w miękkie, gładkie kontury, jasne, przejrzyste cienie i subtelne niuanse kolorystyczne artysta ukazuje różnorodne przedmioty zawieszone na ścianie z desek. Drewno jest mistrzowsko oddane, a jego niebieskawe, różowe i żółtawe odcienie pomagają stworzyć niemal realne wrażenie świeżego zapachu świeżo struganego drewna.

Rosyjskie „fałszywe” martwe natury z XVIII wieku wskazują, że artyści nie są jeszcze wystarczająco umiejętni w przekazywaniu przestrzeni i objętości. Ważniejsze jest dla nich ukazanie faktury obiektów, jakby przeniesionej na płótno z rzeczywistości. W odróżnieniu od holenderskich martwych natur, gdzie rzeczy pochłonięte przez światło otoczenia są z nim ukazane w jedności, na obrazach rosyjskich mistrzów przedmioty malowane bardzo starannie, wręcz skrupulatnie, żyją jakby same, niezależnie od otaczającej przestrzeni.

W początek XIX wieku, główną rolę w dalszym rozwoju martwej natury odegrała szkoła A.G. Venetsianov, który sprzeciwiał się ścisłemu rozróżnieniu gatunków i starał się przekazać swoim uczniom holistyczną wizję natury.

A.G. Venetsianov. klepisko, 1821-23

Szkoła wenecka otworzyła nowy gatunek sztuki rosyjskiej - projektowanie wnętrz. Artyści pokazali różne pomieszczenia domu szlacheckiego: salony, sypialnie, biura, kuchnie, sale lekcyjne, pokoje służby itp. W tych pracach ważne miejsce zajmowało przedstawienie różnych przedmiotów, choć sama martwa natura prawie nie interesowała przedstawicieli kręgu Wenecjanowa (w każdym razie zachowało się bardzo niewiele martwych natur wykonanych przez uczniów słynnego malarza). Niemniej jednak Venetsianov namawiał swoich uczniów, aby uważnie przestudiowali nie tylko twarze i postacie ludzi, ale także rzeczy wokół nich.

Przedmiot w malarstwie Venetsianova nie jest dodatkiem, jest nierozerwalnie związany z resztą szczegółów obrazu i często jest kluczem do zrozumienia obrazu. Na przykład podobną funkcję pełnią sierpy na obrazie „Żniwiarze” (druga połowa lat 20. XIX w., Muzeum Rosyjskie w Petersburgu). Rzeczy w sztuce weneckiej wydają się być spokojne i spokojne spokojne życie postacie.

Choć Wenecjanow najprawdopodobniej sam nie malował martwych natur, włączył ten gatunek do swojego systemu nauczania. Artysta napisał: „ Rzeczy nieożywione nie podlegają owym różnym zmianom, charakterystycznym dla obiektów ożywionych, stoją, zatrzymują się w skupieniu, w bezruchu przed niedoświadczonym artystą i dają mu czas na dokładniejsze i rozsądniejsze zagłębienie się, wejrzenie w relację jednego część do drugiej, zarówno w liniach, jak iw świetle i cieniu z samym kolorem, który zależy od przestrzeni zajmowanej przez przedmioty”.

Oczywiście martwa natura odegrała dużą rolę w systemie pedagogicznym Akademii Sztuk Pięknych w XVIII wieku. XIX wiek x (w salach lekcyjnych uczniowie wykonywali kopie martwych natur mistrzów holenderskich), ale to Venetsianov, który zachęcał młodych artystów do zwracania się ku naturze, wprowadził do programu nauczania na pierwszym roku martwą naturę złożoną m.in. z figur gipsowych, naczynia, świeczniki, wielokolorowe wstążki, owoce i kwiaty. Venetsianov wybierał przedmioty do edukacyjnych martwych natur tak, aby były interesujące dla początkujących malarzy, zrozumiałe w formie i piękne w kolorze.

Na obrazach utalentowanych uczniów Wenecjanowa wszystko jest przekazywane zgodnie z prawdą i świeżo. To martwe natury K. Zelentsova, P.E. Korniłow. W twórczości weneckich artystów znajdują się także dzieła, które w swej istocie nie są martwymi naturami, niemniej jednak rola rzeczy w nich jest ogromna. Można wymienić na przykład obrazy „Biuro w Ostrowkach” i „Odbicie w lustrze” G.V. Sroki przechowywane w zbiorach Muzeum Rosyjskiego w Petersburgu.

G.V. Sroka. „Biuro w Ostrowkach.” Fragment, 1844, Muzeum Rosyjskie w Petersburgu

Martwe natury w tych pracach nie pojawiają się samodzielnie, ale jako elementy wnętrza specjalnie zaaranżowane przez mistrza, odpowiadające ogólnej strukturze kompozycyjnej i emocjonalnej obrazu. Głównym elementem łączącym jest tutaj światło, delikatnie przechodzące z jednego obiektu na drugi. Patrząc na płótna, rozumiesz, jak ciekawy jest świat wokół artysty, który z miłością przedstawił każdy przedmiot, każdą najdrobniejszą rzecz.

Martwa natura prezentowana w „Biuro w Ostrowkach”, choć zajmuje niewielkie miejsce w całości kompozycji, wydaje się niezwykle znacząca, podkreślona faktem, że autor odgrodził ją od reszty przestrzeni wysokim tyłem sofę i odetnij ją po lewej i prawej stronie ramą. Wygląda na to, że Soroka był tak urzeczony leżącymi na stole przedmiotami, że niemal zapomniał o pozostałych szczegółach obrazu. Mistrz wszystko dokładnie zapisał: gęsie pióro, ołówek, kompas, kątomierz, scyzoryk, liczydło, kartki papieru, świecę w świeczniku. Punkt widzenia z góry pozwala zobaczyć wszystkie rzeczy tak, aby żadna z nich nie blokowała drugiej. Atrybuty takie jak czaszka, zegarek, a także symbole „ziemskiej próżności” (figurka, papiery, liczydło) pozwalają niektórym badaczom zaliczyć martwą naturę do typu vanitas, choć zbieżność taka jest czysto przypadkowa; najprawdopodobniej poddany artysta wykorzystał to, co leżało na stole jego właściciela.

Znanym mistrzem kompozycji obiektowych pierwszej połowy XIX wieku był artysta I.F. Chruckiego, który napisał wiele piękne obrazy w duchu holenderskim martwa natura XVII wiek. Do jego najlepszych dzieł należą „Kwiaty i owoce” (1836, Galeria Trietiakowska, Moskwa), „Portret żony z kwiatami i owocami” (1838, Muzeum Sztuki Białorusi, Mińsk), „Martwa natura” (1839, Muzeum Sztuki Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu).

W pierwszej połowie XIX wieku w Rosji „martwa natura botaniczna”, skąd do nas przyszła Zachodnia Europa. We Francji w tym czasie ukazały się prace botaników. piękne ilustracje. Duża popularność w wielu kraje europejskie otrzymał artysta P.Zh. Redoute’a, uznawanego za „najsłynniejszego malarza kwiatów swoich czasów”. „Rysunek botaniczny” był znaczącym zjawiskiem nie tylko dla nauki, ale także dla sztuki i kultury. Rysunki takie wręczano jako prezenty i zdobione albumy, co stawiało je na równi z innymi dziełami malarstwa i grafiki.

W drugiej połowie XIX wieku AP przywiązywała dużą wagę do przedstawienia przedmiotów. Fiedotow. Choć właściwie nie malował martwych natur, stworzony przez niego świat rzeczy zachwyca pięknem i prawdziwością.

Przedmioty w pracach Fiedotowa są nierozerwalnie związane z życiem ludzi, biorą bezpośredni udział w dramatycznych wydarzeniach przedstawionych przez artystę.

Patrząc na obraz „Świeży kawaler” („Poranek po uczcie”, 1846), jesteś zdumiony bogactwem przedmiotów starannie namalowanych przez mistrza. Prawdziwą martwą naturę, zaskakującą lakonizmem, przedstawia słynny obraz Fiedotowa „Swatanie majora” (1848). Kieliszek jest namacalnie i realistycznie oddany: kieliszki do wina z wysokimi nóżkami, butelka, karafka. Najcieńszy i najbardziej przezroczysty, wydaje się emitować delikatne kryształowe dzwonienie.

Fiedotow PA Swatanie Majora. 1848-1849. Galeria Trietiakowska

Fiedotow nie oddziela przedmiotów od wnętrza, dlatego rzeczy są pokazane nie tylko autentycznie, ale i z malowniczą subtelnością. Każdy zwyczajny lub niezbyt atrakcyjny przedmiot, który zajmuje swoje miejsce we wspólnej przestrzeni, wydaje się zaskakujący i piękny.

Choć Fiedotow nie malował martwych natur, wykazywał niewątpliwe zainteresowanie tym gatunkiem. Instynkt podpowiadał mu, jak ułożyć ten czy inny przedmiot, z jakiego punktu widzenia go przedstawić, jak rzeczy będą obok niego wyglądać nie tylko logicznie, ale i wyraziście.

Świat rzeczy, który pomaga ukazać życie ludzkie we wszystkich jego przejawach, nadaje twórczości Fiedotowa szczególną muzykalność. Takie są obrazy „Kotwica, kolejna kotwica” (1851–1852), „Wdowa” (1852) i wiele innych.

W drugiej połowie XIX wieku gatunek martwej natury praktycznie przestał interesować artystów, choć wielu malarzy gatunkowych chętnie włączało do swoich kompozycji elementy martwej natury. Rzeczy nabierają ogromnego znaczenia w obrazach V.G. Perova („Przyjęcie herbaciane w Mytishchi”, 1862, Galeria Trietiakowska, Moskwa), L.I. Solomatkina („City Slavers”, 1846, stan Muzeum historyczne, Moskwa).

Martwe natury prezentowane są w scenach rodzajowych przez A.L. Yushanova („Widząc szefa”, 1864), M.K. Klodt („Chory muzyk”, 1855), V.I. Jacobi („Domokrążca”, 1858), A.I. Korzukhina („Przed spowiedzią”, 1877; „W hotelu klasztornym”, 1882), K.E. Makovsky („Alekseich”, 1882). Wszystkie te obrazy znajdują się obecnie w zbiorach Galerii Trietiakowskiej.

K.E. Makowski. „Alekseich”, 1882, Galeria Trietiakowska, Moskwa

W latach 70.–1880. XIX w. Życie codzienne pozostało wiodącym gatunkiem w malarstwie rosyjskim, choć ważne miejsce zajmowały także pejzaż i portret. Ogromna rola dla dalszy rozwój Sztukę rosyjską grali Pieriewiżnicy, którzy w swoich dziełach starali się ukazać prawdę życia. Artyści zaczęli przywiązywać dużą wagę do pracy z życia i dlatego coraz częściej zwracali się ku pejzażowi i martwej naturze, choć wielu z nich uważało tę ostatnią za stratę czasu, bezsensowną pasję do formy pozbawionej wewnętrznej treści. Zatem I.N. Kramskoy wspomniał w liście do V.M. o słynnym francuskim malarzu, który nie zaniedbywał martwych natur. Wasnetsow: „Nie będzie utalentowana osoba spędzać czas na przedstawianiu, powiedzmy, basenów, ryb itp. Jest to dobre rozwiązanie dla osób, które mają już wszystko, ale my mamy dużo do zrobienia”.

Niemniej jednak wielu rosyjskich artystów, którzy nie malowali martwych natur, podziwiało je, patrząc na obrazy zachodnich mistrzów. Na przykład V.D. Polenow, który był we Francji, napisał do I.N. Kramskoj: „Zobacz, jak tu wszystko idzie jak w zegarku, każdy pracuje na swój sposób, w najróżniejszych kierunkach, jak mu się podoba, a to wszystko jest cenione i opłacane. Dla nas najważniejsze jest to, co się robi, a tutaj chodzi o to, jak to się robi. Na przykład za miedzianą misę z dwiema rybami płacą dwadzieścia tysięcy franków, a na dodatek uważają tego kotlarza za pierwszego malarza i może nie bez powodu.

Po odwiedzeniu wystawy w Paryżu w 1883 r. V.I. Surikow podziwiał pejzaże, martwe natury i obrazy przedstawiające kwiaty. Napisał: „Ryby Giberta są dobre. Szlam rybny jest renderowany po mistrzowsku, kolorowo, mieszając ton w ton”. W jego piśmie do P.M. Tretiakowa i te słowa: „A ryby Gilberta to taki cud. Cóż, naprawdę można to wziąć w swoje ręce, jest napisane tak, że można zwieść.”

Zarówno Polenow, jak i Surikow mogli stać się znakomitymi mistrzami martwej natury, o czym świadczą mistrzowsko pomalowane obiekty w ich kompozycjach („Chory” Polenowa, „Mienszykow w Bieriezowie” Surikowa).